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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 36 / Julio-Agosto 2015


Editorial

L

a historia de Madrid no sólo está escrita en sus edificios y en sus monumentos, también hay otra historia, la de sus gentes, todas aquellas personas que viven o han vivido en esta gran ciudad y que, de una manera u otra, han dejado su huella, en ocasiones de una forma tangible y en otras de forma difusa.

En este número, el tema central lo hemos dedicado a una mujer llamada Hildegart cuya muerte conmocionó a la sociedad madrileña de los años treinta del siglo pasado, no solo por su trágico final, también por tratarse de un personaje fascinante, enigmático y por ser una adelantada a su tiempo. En este número de verano también recorreremos otros lugares de la Comunidad de Madrid y del resto de España, hablaremos con personajes interesantes y os mostraremos, como es habitual, una exclusiva selección de lo mejor de la cultura, el ocio y el espectáculo. Esperamos que estos contenidos sean de vuestro interés y os emplazamos para el próximo número de septiembre, con el que volveremos de las vacaciones con fuerzas renovadas y nuevos contenidos. Feliz verano.

Ramón Rivas

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Sumario

18 24 44 50 62 76 4 - EMNMM

Madrid. EL CRIMEN DE HILDEGART

Madrid Comunidad. JUSTO Y PASTOR Y A. DE HENARES

Personajes. ÁLVARO DE MARICHALAR

Arte. KLAUS ENRIQUE

Fotografía. GERARDO MONTIEL

Cine. CRISTINA ROTA


Sumario

NOTICIAS

8

Madrid. EL CRIMEN DE HILDEGART

18

Madrid Comunidad. JUSTO Y PASTOR Y ALCALÁ DE HENARES

24

Madrid Natural. EL CIERVO VOLANTE

28

Lugares. OJO GUAREÑA

36

Personajes. ÁLVARO DE MARICHALAR

44

Arte. KLAUS ENRIQUE

50

Fotografía. GERARDO MONTIEL

62

Cine y TV. CRISTINA ROTA / AMY, LA PELÍCULA

76

Escena. STOMP / FRINJE 2015

92

Música. JAZZ LATINO

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Libros

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Tiendas. VISUAL SHOPPER

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Comer. LA LONJA

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AGENDA

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com Magazine

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Antón Pérez Carmen Martínez de Artola

Academic Study #1

Marco Alom

Modelo: Marcel Medrano

Ócar Bethencourt

Cortesía: Aurelio Monge www.aureliomonge.es

Pilar Sarro

MAQUETACIÓN Maite Rivas

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FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Rios & Toth RV Edipress Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

La Estación Central Turismo de Burgos Ministerio de Educación y Cultura

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846

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Bar Villa de Verín

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Comunidad de Madrid


Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida

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La mujer y el teatro en su más pura esencia protagonizan esta edición. La voz femenina sonará alta y clara en las propuestas escénicas, con títulos tan emblemáticos del teatro grecolatino como Medea, Antígona, Cleopatra o La asamblea de mujeres. Incluso el contenido del pasacalles estará dedicado a las musas que inspiran la creatividad.

Dos mil años después, el teatro continúa en Mérida. El Festival Internacional de Teatro Clásico lo hace posible un año más en la 61 edición de una cita que se ha hecho imprescindible en el calendario cultural de España y que cada año va a más. Los múltiples reconocimientos obtenidos en el último año por el Festival -premios de turismo, culturales e incluso la candidatura al Premio Princesa de Asturias de las Artes- han servido de acicate para elaborar una programación a la altura de las grandes expectativas que genera este evento y que el público de Mérida se merece. Esta 61 edición del Festival de Mérida marcará un antes y un después en la trayectoria de este acontecimiento cultural. No en vano, es la primera vez que sale de Extremadura para proyectarse en Madrid en lo que será la cuarta extensión del Festival, que se celebrará del 18 al 29 de marzo como un gran anticipo para el grueso de la programación que acogerán este verano, del 1 de julio al 27 de agosto, Mérida y sus otras dos sedes extremeñas: Medellín y Regina. Este año el Festival de Mérida presenta 19 grandes espectáculos, una cifra nunca antes alcanzada. 10 tendrán como escenario el magnífico Teatro Romano de Mérida, del que se cumplen precisamente este verano 2000 años de su inauguración. A ellos se sumarán cinco espectáculos que se presentan en Madrid, tres en Medellín y uno en Regina. De ellos, siete serán estrenos absolutos (seis espectáculos teatrales y la gala de entrega de los Premios Ceres).

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Y para poner esa voz femenina al Festival, contará con grandes actrices, e incluso directora, de la escena española: Ana Belén, Aitana Sánchez Gijón, Natalia Hernández, Carmen Machi, Ángela Molina, Magüi Mira, Lolita, María Galiana y Pastora Vega, entre otras. Un cartel que completan algunos de los nombres masculinos más reconocidos del panorama nacional, como son Vicente Molina Foix, José Carlos Plaza, José María Pou, Mario Gas, Andrés Lima, Alfredo Sanzol, Miguel del Arco, Emilio Gutiérrez Caba, Juan Echanove, Miguel Murillo o Paco Carillo. Todos ellos pondrán en pie sobre la arena del Teatro de Mérida nueve historias grecolatinas que nos hablarán del ayer y del hoy, del hombre y la humanidad: Medea (en dos propuestas diferentes), Sócrates, Edipo Rey, Antígona, César & Cleopatra, La asamblea de mujeres, Hércules y El cerco de Numancia. Estas dos últimas, producciones extremeñas. A estos grandes espectáculos, se suman un año más las acciones lúdicas y artísticas de la Programación Off Agusto en Mérida que coproduce y dirige la compañía emeritense Taptc? Teatro. Representaciones teatrales, proyecciones cinematográficas, mesas redondas, una exposición de fotografía y, como novedad este año, un campo de trabajo internacional inyectará cultura clásica en las venas de Mérida y de todo el público que acuda durante estos dos meses a la ciudad para revivir dos mil de historia y de teatro.


Noticias

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PROGRAMACIÓN Del 1 al 5 de julio Medea Dramaturgia: Vicente Molina Foix, a partir de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas. Reparto: Ana Belén, Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rallo, Poika, Alberto Berzal, Olga Rodríguez. Dirección: José Carlos Plaza. Del 8 al 12 de julio Sócrates Juicio y muerte de un ciudadano De Mario Gas Reparto: José María Pou, Carles Canut, resto del reparto por determinar. Dirección: Mario Gas. 15 de julio Medea De Séneca Reparto: Aitana Sánchez Gijón, Andrés Lima, Joana Gomila, Laura Galán. Dirección: Andrés Lima. 16 de julio Edipo Rey Sobre textos de Sófocles Reparto: Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Eva Trancón. Dirección: Alfredo Sanzol. Del 17 al 19 de julio Antígona Versión libre sobre la obra de Sófocles Reparto: Carmen Machi, Manuela Paso, Ángela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, José Luis Martínez, Silvia Álvarez, Santi Marín. Dirección: Miguel del Arco.

Del 22 al 26 de julio César & Cleopatra Dramaturgia de Emilio Hernández. Reparto: Ángela Molina, Emilio Gutiérrez Caba, Lucía Jiménez, Marcial Álvarez. Dirección: Magüi Mira. Del 29 de julio al 2 de agosto y del 5 al 9 de agosto La asamblea de las mujeres De Aristófanes Versión: Bernardo Sánchez. Reparto: Lolita, María Galiana, Pastora Vega, Pedro Mari Sánchez, Concha Delgado, Luis Fernando Alves, Sergio Pazos, Jimmy Barnatan, Santiago Crespo. Dirección: Juan Echanove. Del 12 al 16 de agosto Hércules Texto de Miguel Murillo Reparto: Pablo Abraira. Paco Arrojo, Víctor Ullate Roche. Dirección: Ricard Reguant. Del 19 al 23 de agosto El cerco de Numancia De Cervantes Versión: Florian Recio. Reparto: Fernando Ramos, Ana García, Pedro Montero, Paca Velardiez, David Gutiérrez, Juan Carlos Tirado, Jose Fco. Ramos, Jesús Manchón, Manuel Menárguez. Dirección: Paco Carrillo. 27 de agosto IV Edición de los Premios Ceres de Teatro

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Veranos de la Villa

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www.veranosdelavilla.com

Dentro del eje cultural que marca Madrid Río se ubicará este año el espacio al aire libre de Veranos de la Villa junto a la entrada a la Casa de Campo, entre el Palacio de los Vargas y la Huerta de la Partida. Este nuevo espacio recibirá el nombre del puente por el cual se accede: Puente del Rey.

El Teatro Circo Price volverá a destacar en la programación por su forma circular, su amplia capacidad de espectadores, su céntrica ubicación y su sonoridad, haciendo del recinto un lugar ideal para la música, siendo un referente dentro del panorama musical de la capital.

En este espacio tendrá lugar el programa cultural que, años anteriores, se venía ofreciendo en los Jardines de Sabatini. Así la danza, el flamenco, la zarzuela y el teatro musical volverán a reencontrarse con madrileños y visitantes, en una de las citas más esperadas del año. Y no es extraño que así sea, porque concita nombres como Los Sabandeños, Estrella Morente, Tomatito, Marina Heredia, El Cigala, Dorantes, José Mercé, Parrita, Carmen Linares, José Antonio, Merche Esmeralda, Esperanza Fernández, Merche o Café Quijano, la zarzuela Luisa Fernanda, entre otros.

Este año, la programación de Veranos de la Villa 2015 en el Teatro Circo Price contará con figuras como: Ara Malikian, Silvia Pérez Cruz, Marlango, Luis Fonsi, Rodrigo Leal, Mikel Erentxun, Nicola di Bari, Marwan, Dulce Pontes, La Frontera, Chucho Valdés y Patricia Sosa, Dúo Dinámico, Ismael Serrano, Katia Guerrero, Buenavista Social Club, Rosario, Pablo Milanés, Royal Southem y Aurora & The Betrayers, W. Mertens Ensemble, SLY & Robbie, Fekat Circus & Slum Drummers, entre otros, que serán las voces que llenen de color y matices esta edición del Festival Veranos de la Villa 2015, en el Teatro Circo Price.

Este nuevo espacio conecta siguiendo el curso del agua con Matadero Madrid, donde tiene lugar FRINJE, una de las apuestas culturales más importantes de la ciudad y que tiene como vértice el apoyo a la nueva creación. Del 3 al 25 de julio, el FRINJE ofrecerá una programación construida con las más de 500 propuestas que han llegado para este año.

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Además, Veranos de la Villa será fiel a las acostumbradas citas de Conde Duque, CentroCentro Cibeles y el sábado 11 de julio en la Plaza Mayor tendrá lugar el tradicional concierto de Música Clásica, este año a cargo de la ORCAM. Todo ello sumará a la oferta cultural que Madrid siempre tiene durante los meses de julio y agosto.


Fotógrafos de la Casa de Velázquez

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Otro año más, la Casa de Velázquez se suma a la programación del Festival PhotoEspaña con una muestra colectiva que agrupa el trabajo fotográfico de nueve de sus artistas miembros y becarios. Desde sus disciplinas respectivas –artes plásticas, cine y fotografía– los Artistas de l’Académie de France á Madrid nos proponen una muestra plural, con enfoques estéticos y conceptuales variados. Han desarrollado sus trabajos en un entorno de creación excepcional y único en Madrid, que hace posible el diálogo constante entre las artes y participa en tender puentes entre las distintas áreas de la creación contemporánea. La exposición Fotógrafos de la Casa de Velázquez tendrá lugar del 25 de junio al 19 de julio de 2015, en la Casa de Velázquez, renovando la apuesta de la institución francesa por el arte contemporáneo y la joven creación artística.

La exposición contará con obras de: Tania BLANCO Guillaume LEMARCHAL Luisa Fernanda LINDO Albert MERINO Renaud PERRIN Pierre PRIMETENS Quentin RAVELLI Fernando SÁNCHEZ CASTILLO Esther SEÑOR.

Fotógrafos de la Casa de Velázquez Hasta el 19 de julio www.casadevelazquez.org

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Orgullo Gay 2015

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MADO (Madrid Orgullo) es la gran fiesta que se celebra en el Barrio de Chueca y algunas de las principales calles de Madrid, durante la Semana del Orgullo LGTB, cuyo acto central es la Manifestación Estatal, la más grande de Europa, que tendrá lugar el sábado 4 de julio de 2015 con el lema “LEYES POR LA IGUALDAD REAL ¡YA!” Conciertos al aire libre, con diferentes escenarios, fiestas, arte, cultura y de- porte todo ello en torno al barrio de Chueca, en pleno centro de la capital, integran MADO, sin olvidar, por supuesto, la oferta gay y lésbica

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inigualable que ofrece Madrid, espejo en el que se miran otras grandes capitales del Mundo. En Madrid existen más de 500 negocios dirigidos al público LGTB (bares, cafés, restaurantes, discotecas, librerías, agencias de viajes, gimnasios, hoteles, comercios, etc.) y además otros muchos negocios “gayfriendly” que dirigen su actividad a este target de público. MADO se presenta, año tras año, como una fiesta abierta a todo el mundo, imprimiéndole un amplio


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carácter multiétnico y cultural. Así, a través de MADO, Madrid se transforma en una Puerta Abierta a la Diversidad. En el año 2007 Madrid celebró el Europride (Fiesta Oficial del Orgullo Europeo), el “Mayor y Mejor Europride de la historia” en palabras del presidente de EPOA (European Pride Organizers Association). A partir de entonces, MADO ha ido adquiriendo mayor prestigio y relevancia internacional. Fruto de ello, MADO fue galardonado en noviembre de 2009, en San Francisco (USA) con el premio “Mejor evento gay del mundo” (Tripout Gay Travel Awards) otorgado por la cadena MTV. Premio que fue otorgado de nuevo al evento en el 2010. En 2017 en Madrid será la capital del orgullo LGTB mundial, WORLD PRIDE 2017. Los organizadores de MADO: AEGAL (Asociación de Empresarios y Profesionales para LGBT de la Comunidad de Madrid), COGAM (Colectivo LGTB de Madrid) y FELGTB (Federación Estatal de Lesbianas, Gays, Transexuales y Bisexuales) hemos diseñado un amplio programa de actividades tanto para los vecinos del barrio de Chueca, como para los cientos de miles de visitantes y turistas que nos acompañan en estos días. Este año se va a hacer un especial esfuerzo en que MADO sea un evento realmente sostenible y ecológico con un programa de acciones muy importantes.

Este año contamos con escenarios entre Chueca y en torno a la Gran Vía, llenos de programación y actividades desde el Miércoles, 1 al Domingo, 5 de julio. En los últimos años las celebraciones del Orgullo en Madrid han llegado a congregar a más de dos millones de participantes. La tradicional manifestación multicolor partirá este año de Atocha y llegará hasta la Plaza de Colón atravesando todo el Paseo de Prado y Recoletos. Esta fiesta se ha convertido, por derecho propio, en la más popular de España. Y es que, el Orgullo, ha pasado de aquellas pequeñas manifestaciones y fiestas a puerta cerrada de los años 80 al gran evento que es hoy. Evento en el que todos nos unimos para celebrar la igualdad y la diversidad, de una forma lúdica y divertida, sin olvidar las reivindicaciones del Colectivo LGTB. El Orgullo LGTB es una fiesta abierta a todo el mundo (niños, jóvenes, mayores, vecinos del barrio y visitantes de todas partes del mundo) con un carácter multiétnico y cultural que refleja la diversidad de la sociedad actual. De ahí nace el “Orgullo, ejemplo de convivencia”. Esta iniciativa pretende promover la implicaciòn y sensibilización de colectivos, empresas, organismos y prescriptores para promover la necesaria conciliación sobre el impacto que genera el MADO, y la necesidad de comprometerse con el respeto y la convivencia.

Orgullo 2015

Las fechas de MADO’15 son del 1 al 5 de Julio de 2015. El pregón e inicio de las Fiestas de Chueca es el Miércoles 1 de julio.

Del 1 al 5 de julio www.madridorgullo.com

Desde hace más de diez años el MADO Madrid Orgullo y la Manifestación de Madrid tiene Carácter Estatal, es decir, en Madrid nos reunimos todas las Asociaciones y Colectivos del Estado Español para celebrarlo todos juntos.

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Vogue like a painting

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Michael Thompson Carmen como la Santa Isabel de Zurbarán

El Museo Thyssen-Bornemisza acoge desde el 30 de junio la exposición fotográfica Vogue like a painting, una muestra con unas setenta imágenes de inspiración pictórica, procedentes de los archivos de la revista Vogue y realizadas por algunos de los fotógrafos más destacados de las últimas tres décadas.

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Las fotografías de esta muestra se han seleccionado por tener las características que tradicionalmente se atribuyen a la pintura. En algunas se utiliza el relieve escultórico y en otras la luz tiene una factura pictórica. Tenemos ejemplos del Renacimiento y el Rococó, pero quizás los mejores los hallamos entre los prerra-


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faelitas. Muchas de las imágenes seleccionadas nos hacen pensar en cuadros y artistas concretos: están Vermeer, Hopper y Millais; Balthus, Van Eyck, Botticelli y Zurbarán; Degas, Sargent, Dalí, Hogarth, Rossetti y Magritte. Algunas obras imitan géneros bien definidos; los retratos de grupo británicos del siglo XVIII, que son simbólicamente narrativos, o la mujer en deshabillé. Algunas ilustran de manera literal la idea central de la exposición con la presencia de la pintura en las modelos o reproduciendo texturas pictóricas como en las impresiones artesanales de Nick Knight, pero también hay referencias directas a piezas icónicas de la historia del arte como Girl with the pearl earing de Erwin Blumenfeld, versionando la famosa Joven de la perla de Vermeer, los bodegones de Grant Cornett o las instantáneas de Peter Lindbergh, inspiradas en cuadros de Ernst Ludwig Kirchner o Paul Gauguin. El hilo común que recorre toda la muestra es, como afirma su comisaria Debra Smith, una suerte de ralentización: “una atemporalidad en la pose de las modelos; una especie de lapso mental en el que todo está muy, muy quieto”. La exposición está organizada en torno a los grandes géneros pictóricos, como son el retrato, el paisaje o los interiores, de manera que la herencia pictórica de la fotografía se percibe de forma aún más evidente. El visitante podrá dejarse seducir por Irving Penn, maestro de las líneas puras y de lo exquisito; Annie Leibovitz, icono y retratista oficial de iconos; Peter Lindbergh, señor del drama en blanco y negro; Paolo Roversi, retratista de lo puro; Mario Testino, dueño de la luz; la teatralidad de Tim Walker y la llamada de la fuerza de Mert Alas y Marcus Piggott; Patrick Demarchelier, el verdadero clásico, siempre deseado; Steven Klein y su visión cinematográfica de la fotografía de moda; los colores y la espontaneidad de Sheila Metzner; Nick Knight y sus imágenes todopoderosas; la magia sorprendente de David Sims y Deborah Turbeville, la mujer que mejor captó el alma de las mujeres;

la carga sugestiva de Camilla Akrans; el magnetismo de Glen Luchtford; Michael Thompson, fotógrafo del alma; Erwin Olaf y su mirada contemporánea; Erwin Blumenfeld, un visionario y autor de las portadas más icónicas de Vogue; Mariano Vivanco y su calidez y energía; William Klein, el fotógrafo de las emociones; Yelena Yemchuk y su visión moderna y delicada; la técnica perfecta de Cecil Beaton; Edward Steichen y su impecable equilibrio entre misterio y belleza; la delicadeza de Clifford Coffin; la visión adelantada de Horst P. Horst y David Seidner y su espíritu tradicional, tan moderno. Yolanda Sacristán, directora de Vogue España, explica que “fue Vogue la precursora de la fotografía de moda cuando, ya en la década de 1920, empezó a reemplazar sus portadas ilustradas por imágenes de artistas tan revolucionarios como Edward Steichen, quien llevaba desde 1911 experimentando con el retrato de moda. Fue él mismo junto con otros grandes colaboradores de Vogue-Cecil Beaton, Horst P. Horst e Irving Penn, principalmente quienes transformaron el género en una forma de arte excepcional, sentando las bases de la fotografía moderna”. La exposición cuenta con el patrocinio y apoyo de la prestigiosa marca de joyería Bulgari que refleja una vez más el fuerte vínculo y pasión que siempre ha sentido por el arte y la cultura en sus más de 130 años de historia. Fundada en Roma en 1884, la firma de joyería Bulgari es un emblema de la excelencia italiana. Maestro en las gemas de color, Bulgari se caracteriza por su audacia estilística, la sensualidad del volumen, el amor por lo lineal y su inspiración grecorromana. Todas las creaciones Bulgari, sean joyas, relojes, accesorios o perfumes, encarnan el lujo italiano atemporal y contemporáneo.

Vogue like a painting Hasta el 12 de octubre de 2015 www.museothyssen.org

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Tiempos de melancolía

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El Museo Nacional de Escultura y la Obra Social “la Caixa” presentan la exposición Tiempos de melancolía. Creación y desengaño en la España del Siglo de Oro, que permanecerá abierta al público en la sede de exposiciones temporales del museo vallisoletano, el Palacio de Villena, del 2 de julio al 12 de octubre de 2015. La exposición gira en torno a un sentimiento, inventado en Grecia, pero de larga y tenaz supervivencia: la melancolía. Afirma este mito como un «hecho de cultura» que conquistó el imaginario social de los siglos XVI y XVII, y analiza la manera en que cristalizó en la Península, con sus originales expresiones, sus particulares escenarios y sus principales focos de interés. La muestra ofrece un triple atractivo: El primero es el alto nivel de calidad de las obras expuestas: se trata siempre de grandes maestros del periodo más brillante de la cultura española, de obras de una excepcional belleza. El segundo atractivo es el tema en sí mismo: consistente desde el punto de vista científico, inédito en el panorama artístico español y particularmente atractivo para la sensibilidad actual, pues el visitante reconocerá inquietudes de nuestro tiempo. El tercero, su carácter multidisciplinar. La melancolía domina el ambiente intelectual y moral durante varias décadas de los siglo XVI y XVII y esta transversalidad cultural se manifiesta en las piezas expuestas que proceden de las artes plásticas, principalmente, apoyadas en la medicina, la filosofía; la astronomía y la música, la botánica, la literatura o los tratados morales. Se trata de un tema que exige un enfoque polifónico, aunque, a pesar de sus derivaciones, de su diversidad de síntomas, posee una unidad firme e intuitivamente reconocible. El grupo de eruditos alemanes formado por Panosfky, Saxl y Klibansky que, en un libro ya legendario, Saturno y la melancolía, estudió la historia cultural de este humor, invitó a los historiadores del arte a «hacer justicia con la España de Cervantes», país donde la melancolía alcanzó especial hondura y singularidad y fue un

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eslabón decisivo en la extensión europea de este trastorno. Cubrir este vacío, aseguraban, ayudaría a «escribir la historia de la sensibilidad del hombre contemporáneo». Tiempos de melancolía es un ejercicio de recuperación de ese eslabón olvidado, evanescente y mal conocido de nuestro Siglo de Oro (con sus obligadas conexiones europeas). Transita por algunas de sus derivas temáticas e iconográficas, en un enfoque polifónico, coral, donde obras de excepcional belleza y originalidad construyen un breve y provisional «museo imaginario» de la melancolía hispana. Esta muestra es fruto de una suma de entusiasmos y complicidades: la alentadora confianza y la fructífera colaboración de la Obra Social “la Caixa”; la eficaz profesionalidad del equipo de técnicos del Museo Nacional de Escultura y de la Subdirección General de Museos Estatales; las innovadoras aportaciones de los autores del catálogo; y finalmente, la generosa disposición del Museo del Prado, el Museo de Bellas Artes de Valencia, la Biblioteca Nacional, así como los museos, instituciones o coleccionistas que han cedido obras de tanto mérito. La exposición ha sido concebida para itinerar por tres sedes, lo que ha supuesto una compleja coordinación de los préstamos entre las distintas instituciones.

Museo Nacional de Escultura de Valladolid www.museoescultura.mcu.es


Madrid

El crimen de Hildegart _______

Por Ramón Rivas Un 9 de junio de 1933, en el número 51 de la calle Galileo, moría acribillada a balazos una joven llamada Carmen Rodríguez, aunque el nombre con el que era más conocida era el de Hildegart. Esta joven fue una superdotada y tuvo una breve pero apasionante vida y una no menos apasionante y prematura muerte que convulsionó a la sociedad de los años treinta del siglo XX por la terrible forma en la que murió y por la autoría de la mano que la ejecutó.

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FABRICANDO UNA HIJA La historia de Hildegart comienza en 1914 en la coruñesa ciudad de El Ferrol, es allí donde una mujer de familia acomodada llamada Aurora Rodríguez, vivía obsesionada con la idea de engendrar al hijo perfecto, o como ella definiría con sus propias palabras: “un producto perfecto de la especie, aplicando los principios de la eugenesia”. Con esta enfermiza idea en la mente, Aurora se entregó plenamente al empeño de engendrar una hija que, según ella misma creía, “salvaría a la humanidad y redimiría al sexo femenino y el proletariado”, un líder supremo para un nuevo orden mundial y social. Su empeño vio la luz, nunca mejor dicho, en 1914 con el nacimiento de su hija Hildegart Leocadia Georgina Hermenegilda y María del Pilar, nombre completo que aparece reflejado en la partida de bautismo. Nunca se supo si la pequeña Hildegart fue realmente su hija biológica, pues no faltan las teorías que afirman que la pequeña le fue entregada cuando era sólo un bebé de pocos meses. Oficialmente, la historia verdadera es que Hildegart era su propia hija y que Aurora la había engendrado tras seleccionar minuciosamente al padre perfecto basándose en criterios eugenésicos. Nadie supo quién fue el padre biológico de la niña, se cree que pudo ser un sacerdote de la Marina al que Aurora abandonó tras confirmar su embarazo, sabedora que por su condición de sacerdote, jamás reclamaría la paternidad de la niña.

cia pues comenzó a hablar con tan solo ocho meses y poco tiempo después de forma fluida. Hildegart sorprendió por su precocidad, incluso a su propia madre. Con dos años ya sabía leer, a los tres tocaba el piano y con cuatro era mecanógrafa titulada. En plena adolescencia Hildegart ya dominaba ocho idiomas, entre ellos el latín. Con 11 años daba conferencias de sexología y feminismo. También destacó en su etapa de estudiante, pues se licenció en Periodismo y en Derecho, convirtiéndose a sus 17 años en la abogada más joven de España. Hildegart era una joven inquieta que también se interesó por la política, pese a las reticencias de su madre. A los 14 años ingresó en las Juventudes Socialistas y en la Sociedad de Oficios Varios de la UGT. Durante su etapa en la militancia política se postuló como una gran defensora de la eugenesia, el aborto y la pena de muerte. Sus referentes en teoría política fueron Marx y Lenin y sentía gran admiración por revolucionarios como Bakunin. En 1930 abandona el Partido Socialista al que acusó de incompetencia y de debilidad frente a la Iglesia Católica y se alista en las filas del Partido Republicano Federal. Sin haber llegado a la mayoría de edad, Hildegart ya era una figura pública y política cuya fama comenzada a trascender más allá de las fronteras de España, sobre todo por la publicación de más de una decena de libros de temática feminista y sexual, pese a su confesa virginidad e inexperiencia sexual.

INFANCIA Y ADOLESCENCIA

EL DESPERTAR

Poco tiempo después madre e hija se instalaron en Madrid para poder dar una educación adecuada a la pequeña. Aurora, por vivir de las rentas, no tenía que depender de un trabajo, así que se dedicó en cuerpo y alma al cuidado y a la educación de Hildegart que ya empezaba a dar muestras de su gran inteligen-

A los 19 años Hildegart ya era una jovencita a la que no le faltaban pretendientes, algo que su madre no veía con buenos ojos. Aurora, como si del doctor Frankenstein se tratara, había creado su propia criatura, la mujer perfecta con la que tanto había soñado y no estaba dispuesta a que nada ni nadie la separase de su

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En el cuarto piso del nĂşmero 51 (antiguo nĂşmero 57) de la calle Galileo, en el torreoncillo de la izquierda, fue donde Hildegart fue asesinada.

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Aurora Rodríguez durante el juicio. Fotos: Revista Crónica. Año VI-Núm. 238, 3-6-1934


lado. Quizás por el temor de ser abandonada por su hija, Aurora hizo todo lo posible para que Hildegart no tuviese el mínimo contacto con ningún hombre, una tarea harto difícil pues el modo de vida de la joven y su dedicación a la causa a la que se había entregado la obligaba a estar en permanente contacto con hombres. A medida que pasaba el tiempo las discusiones entre madre e hija fueron constantes, haciendo su convivencia insufrible. Aurora sospechaba que su hija tenía un par de pretendientes, la encontraba distante y cada día parecía más dispuesta a realizar la peor pesadilla de sus pesadillas, abandonar la casa materna que ya se había convertido en una cárcel para vivir su propia vida con un hombre.

esperó en la portería la llegada de aquella mujer que se llevaría al gato de Aurora. Curiosamente, nunca se supo el motivo por el que Aurora quería que se llevasen al gato de la casa. Las dos mujeres entraron en la casa y, por casualidad, la sirvienta entró en la alcoba de Hildegart. Su sorpresa fue mayúscula al ver a la joven tendida en la cama, bañada en sangre y acribillada a tiros. Las mujeres salieron corriendo de la casa gritando, aterrorizadas por la escena que acababan de presenciar. El revuelo que se organizó en el edificio fue espectacular, varios vecinos se organizaron para llevar el cuerpo ensangrentado de Hildegart a una Policlínica cercana donde el facultativo de guardia sólo pudo certificar su defunción.

EL CRIMEN Hildegart y su madre vivían junto a una sirvienta en el piso cuarto derecha del número 51 de la calle Galileo. A las ocho y cuarto de la mañana del 9 de junio de 1933, Aurora se levantó como todos los días, y ordenó a la sirvienta que sacase a pasear a los dos perros que cuidaba su hija y esta se fue con ellos a un campo cercano. En la casa quedaron Hildegart, que dormía profundamente en una cama turca, su madre y un gato al que Aurora mimaba, pues era gran amante de los animales. A las ocho y media de esa misma mañana se escucharon los ladridos de unos perros que descansaban plácidamente en el patio del edificio. En ese momento Aurora salió tranquilamente del inmueble algo despeinada y con un abrigo sobre los hombros. Se paró un instante en el portal para decirle a la portera de la finca que le dijese a su sirvienta, que todavía estaba paseando los perros, que esperase en el portal a una mujer llamada Basilia que había quedado con ella para llevarse al gato “cuando venga esta señora que suba con ella. Tardaré en regresar” le dijo. La portera cumplió con el encargo y poco tiempo después la sirvienta

Hildegart había recibido cuatro disparos mientras dormía, dos en la cabeza, uno en la región malar y otro en el cuello. Los estos disparos se hicieron a quemarropa. Mientras todo esto ocurría, Aurora se había presentado en casa del político Botella Asensi, que fue Ministro de Justicia, al que confesó, con toda frialdad que había matado a su hija y le pidió consejo sobre qué es lo que ella podía hacer. Finalmente Aurora fue entregada a la justicia, juzgada y condenada a 26 años de prisión, junto a su querido gato, aunque gran parte de su condena la pasó en un centro psiquiátrico de Ciempozuelos, donde moriría en 1955 de cáncer. Nunca se arrepintió por asesinar a su hija y hasta el último día de su vida afirmó que si tuviese oportunidad lo volvería hacer, incluso si su hija resucitase mil veces.

Fuentes: Aurora de sangre: vida y muerte de Hildegart. G. del Toro Editor Fundación Pablo Iglesias Heraldo de Madrid (9/6/1933) Crónica (29/10/1933)

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Madrid Comunidad

Justo y Pastor en Alcalá de Henares _______

Por Ramón Rivas

Alcalá de Henares es una Ciudad Patrimonio de la Humanidad que pertenece a la Comunidad de Madrid. Se pueden decir muchas cosas de Alcalá; que fue la Complutum romana; que en ella nació Cervantes; que cuenta con un magnífico patrimonio artístico y cultural; que su Universidad es una de las más antiguas del mundo, sin olvidarnos de la magnífica repostería que elaboran las monjas de sus conventos. Pero Alcalá de Henares también tiene algo que la hace especial y es que en este lugar, en el año 306 de nuestra era, dos niños hispanorromanos fueron martirizados y asesinados por su fe cristiana, convirtiéndose en dos de los primeros mártires cristianos de la España Romana.

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Justo y Pastor son los nombres por los que se conocen a estos dos niños que nacieron en el cercano municipio de Tielmes, llamado en la época romana Thermeda. Los niños eran hijos de un soldado romano y pertenecían a una de las primeras comunidades cristianas de Hispania. Durante la persecución ordenada por el emperador Diocleciano contra los cristianos, el gobernador Daciano sometió a la población a una purga con la que se pretendía acabar con este incipiente culto que se extendía por todo el Mediterráneo. Justo y Pastor contaban con unos 7 u 8 años, según cuenta la tradición, cuando se presentaron ante Daciano para decirle que no renegarían nunca de su fe cristiana. Esto supuso su apresamiento y el comienzo de su martirio, pese a ello, los niños se negaron a renunciar a su fe y finalmente fueron degollados. En el año 414, el cristianismo ya estaba aceptado en todo el Imperio Romano y en el lugar donde, según la tradición, fueron ejecutados, se levantó una capilla para honrar sus restos. La capilla se fue convirtiendo con el paso del tiempo en un centro importante de culto donde se veneraban las reliquias de los niños. El reposo de los Santos Niños se vio truncado en el siglo VIII con la invasión musulmana. Desde el sur, las hordas islámicas ocuparon gran parte la península Ibérica, destrozando y profanando a su paso los lugares de culto cristiano. Por este motivo, las reliquias de Justo y Pastor fueron trasladadas por San Urbicio a Huesca, en el norte de España, donde estarían a salvo de los moros. Después de Huesca recorrieron diferentes lugares de la península, incluso estuvieron durante un tiempo en la vecina Francia. En el año 1118, Alcalá de Henares pasa definitivamente a manos cristianas des-

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pués de un periodo de dominación islámica, y el templo donde se veneraban las reliquias de Justo y Pastor se convierte en una magnífica iglesia a la que el papa León X le otorga el título de Magistral en 1519. Un título que sólo tienen dos templos en el mundo, la iglesia de San Pedro de Lovaina (Bélgica) y la Catedral de los Santos Niños Justo y Pastor de Alcalá de Henares. En 1568, una bula papal de San Pío V ordenó el regreso de las reliquias a su lugar de origen, la Catedral de los Santos Niños Justo y Pastor de Alcalá de Henares, y allí reposaron los restos que quedaban de las reliquias de los niños hasta la actualidad. La Magistral de Alcalá fue una de las joyas artísticas madrileñas, desgraciadamente, un 21 de julio de 1936, el templo fue saqueado, profanado e incendiando por milicianos republicanos, perdiéndose para siempre obras de incalculable valor. De la noche a la mañana, siglos de historia se convirtieron en cenizas privándonos a las generaciones posteriores de aquella riqueza cultural. Actualmente, la Magistral de Alcalá de Henares está reconstruida y en ella se hacen magníficos conciertos de órgano. Aunque poco a poco la iglesia va adquiriendo parte de la belleza que tuvo en el pasado, nunca volverá a ser lo que fue. El 6 de agosto, festividad en la que se conmemora la ejecución de los mártires Justo y Pastor, en la Magistral, se celebrarán diversos actos litúrgicos que son una buena oportunidad para visitar este magnífico lugar y una excusa más para visitar Alcalá de Henares, una fascinante ciudad a muy pocos kilómetros de Madrid.

Fuentes: Comunidad de Madrid Archidiócesis de Madrid


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Madrid Natural

EL CIERVO VOLANTE Por Ant贸n P茅rez Fotos: Sergio de Carabias

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E

n el punto álgido del verano, cuando el llano madrileño parece haberse dado por vencido machacado por el sol, y hasta las encinas, aunque sigan verdes, parecen

haberse deshidratado; el robledal del monte toma el relevo. La hierba amarillea allí también, pero en cambio los árboles y arbustos no podrían lucir más lozanos. Mil y un insectos distintos se comen las hojas, las flores y la madera, mil y un bichos más se los comen a ellos, y en conjunto el bosque bulle de vida. Al caer la tarde, junto a los restos de un tronco podrido, la hojarasca se remueve y, de improvisto, asoma una criatura formidable. El mayor escarabajo de Europa, acorazado como un caballero medieval, como un robot, se aproxima a un roble y comienza a mover su impedimenta árbol arriba, trabajosamente. Tras alcanzar una cierta altura, sus élitros pulidos se alzan y dejan desplegarse a un par de grandes alas membranosas. Transcurridos unos segundos de incertidumbre, comienzan a batir y, torpemente, alzan el cuerpo de la criatura, sus enormes mandíbulas a modo de cuernos recortándose contra la luz anaranjada del ocaso: un ciervo volante parte en pos de una dama. Aunque la extraordinaria diversidad de los insectos a menudo confunde y echa para atrás cuando se quiere identificar alguna especie, las hay que, como el ciervo volante Lucanus cervus, son bien conocidas por todos aunque nunca las hayan visto en vivo. Machos y hembras son escarabajos formidables, de hasta 5 cm de cuerpo, con la cabeza y el tórax de color negro y el abdomen cubierto por un par de élitros (así se llama el par de alas anteriores de los escarabajos) color castaño. La diferencia sexual es clara: las mandíbulas de la hembra, aunque grandes, son acordes con su tamaño. Las del

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macho en cambio están hipertrofiadas, recuerdan mucho a las astas de un ciervo y, como sus homónimos, las usan para luchar por los favores femeninos. Mas con todo lo aparentes que puedan ser los adultos de ciervo volante, lo cierto es que no son más que algo accidental (aunque necesario, claro está) en la vida de esta especie: la vida del ciervo volante, como la de otros muchos insectos, consiste fundamentalmente en ser una larva. Las hembras de ciervo volante entierran sus huevos al pie de los grandes árboles, cerca de troncos caídos, pues en cuanto nace la larva se alimenta de madera descompuesta. El aspecto de la larva difiere mucho del escarabajo adulto: se asemeja a una salchicha blanca y suave, curvada en forma de “C”, donde sólo se diferencian cerca de un extremo una cabeza ciega con grandes mandíbulas y seis cortas patas. La larva se abre paso a mordiscos por la madera durante varios años, hasta cinco o seis, llegando a crecer hasta cerca de 10 cm. Finalmente una primavera sale del tronco muerto que ha sido su hogar, se entierra y durante unos meses pupa para transformarse en el adulto. Aunque éste aparece ya en otoño, permanece aletargado hasta el verano siguiente, cuando por fin emerge del sustrato para vivir su vida de adulto, que en comparación con todos los años transcurridos dura unas ridículas dos semanas. Pero ¡qué dos semanas, las de la vida de adulto! Volando al ponerse el sol para evitar en la medida de lo posible los ataques de las aves, que no tendrían problemas para interceptar sus torpes vuelos, los adultos se juntan allí donde alguna herida en el tronco de un árbol hace que la savia fluya al exterior. Ésta es su único alimento, y la ingieren usando unas piezas bucales a modo de lenguas de color amarillo. Pero como sucede en cualquier discoteca, los escarabajos no se juntan sólo para beber, sino básicamente

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para conseguir pareja. Los machos intentan mantener territorios en exclusividad en torno a los lugares donde fluye la savia, para aparearse con las hembras que acudan a alimentarse, y con tal fin se enzarzan en luchas entre ellos. Éstas (de las que a veces los escarabajos salen bastante malparados, sin patas o alas) tienen como objeto hacer caer al contendiente del árbol, o al menos voltearlo con la esperanza de que las hormigas rematen la jugada. Aunque los escarabajos mayores suelen llevar las de ganar, a veces la mayor habilidad, o luchar desde una posición más cómoda, hace que escarabajos menores salgan victoriosos. Los machos defienden también las hembras con las que se están apareando de otros rivales, y finalmente éstas cerrarán el ciclo descendiendo de nuevo al suelo a desovar. El ciervo volante vive en buena parte de Europa y Asia occidental, en bosques de distintas especies de robles de hojas caduca, aunque en ocasiones también aparece donde crecen otras fagáceas, como hayas o castaños. Ocupa todo el norte de la península Ibérica y el Sistema Central, Madrid incluida, donde su distribución sigue fielmente el contorno de las masas de melojos y quejigos de la Sierra. El largo desarrollo larvario de la especie la hace muy dependiente de que haya grandes cantidades de madera muerta, lo que choca muchas veces con la gestión forestal predominante, empeñada en “limpiar” los montes. La presencia de ciervos volantes se convierte pues en indicadora de que un bosque está realmente vivo, por lo que esperemos verlos volar por los bosques de la Sierra durante muchos veranos más.

Para saber más: Página web del grupo de estudio de los Lucanidae ibéricos, con información sobre el ciervo volante y especies relacionadas: www.entomologia.rediris.es/gtli/espa/indice.htm

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Lugares

OJO GUAREÑA Un viaje a sus entrañas


Las Merindades, la zona más montañosa y húmeda de la provincia de Burgos –gracias al choque de los climas mediterráneo y cantábrico– cuenta con una serie de reclamos que la hacen única en España. Cascadas como las de Pedrosa de Tobalina u Orbaneja del Castillo; ermitas construidas en monumentales entornos calizos como las de San Bernabé o Tobera; y cuevas de fácil acceso como la de San Tirso y San Bernabé o la del Agua son algunos reclamos de esta zona, coronada por el conjunto geográfico conocido como Ojo Guareña. Esta última conforma una zona de 13.850 hectáreas declarada Monumento Natural cuya importancia no solo radica en la superficie, sino también en sus entrañas, bajo tierra. 110 kilómetros de cuevas naturales, sin prácticamente haber sufrido la acción del hombre, se extienden en un complejo kárstico único en España por sus características, que conforman el tercero más largo de España –se espera que en unos años, al tiempo que se sigan descubriendo nuevas galerías, vuelva a liderar el ranking– y el decimoctavo del mundo. Un conjunto donde una de sus grandes protagonistas es la llamada cueva Palomera, declarada Bien de Interés Cultural, y de acceso medianamente sencillo pero totalmente salvaje en su interior, con una extensión máxima para visitantes de 2,5 kilómetros –dificultad media, puesto que no se necesita escalar ni descender con arnés–-. La cueva constituye un punto caliente de biodiversidad mundial por contar con hasta 35 especies invertebradas endémicas. Para entrar en ella se pueden contratar visitas guiadas desde la Casa del Parque de Ojo Guareña en el pueblo de Quintanilla del Rebollar.

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La visita comienza en la Dolina de Palomera, desde donde se puede vislumbrar la entrada a la cueva y en cuya rampa se descubrieron cerámica prehistórica, lascas de sílex, percutores, molinos de piedra y útiles de hueso. Una vez dentro, el visitante desciende unos 70 metros hasta el cuarto nivel (las galerías están dispuestas en seis niveles diferentes, todos unidos entre sí, teniendo en cuenta que los ríos Guareña y Trema actualmente transcurren por los niveles cinco y seis). En esta primera sala, llamada Edelweiss en honor del grupo espeleológico que lleva topografiando las cuevas desde 1956, encontramos cómo los techos brillan fruto de la condensación del agua y las bacterias de su interior. Un espectáculo sin igual, ya que algunas veces parecen diamantes, otras pepitas de oro y otras, un cielo nocturno estrellado. En esta estancia también destaca la Sala de las Pinturas, donde sobresalen algunas pinturas rupestres de entre 11.200 y 10.600 años de antigüedad que representan grandes triángulos invertidos, figuras que parecen animales y otras antropomorfas. En este sentido, el acceso está restringido para evitar su deterioro. La cuarta parada de la visita es la Galería Principal, que posee un hundimiento en el techo que permite observar un conducto calizo del tercer nivel, mucho más rojizo, así como un fósil de una caracola y de un erizo de mar, lo que deja entrever que hace muchos miles de años el mar llegaba hasta ese punto. A continuación, una de las estancias más impactantes de cueva Palomera: el Balcón del Enterramiento. Coladas, estalactitas y estalagmitas de diferentes coloraciones decoran el espacio donde reposan también los restos de un enterramiento que es toda una incógnita para los expertos. El yacimiento denota que era

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un individuo importante para la tribu, ya que se tomaron muchas molestias para llevarlo a 500 metros de la entrada principal, subirlo a una especie de balcón y apartar las inmensas rocas para dejar un lecho lo más cómodo posible para depositarle. A partir de aquí, la cueva se ramifica. Por cada kilómetro cuadrado en la superficie, hay 30 kilómetros de galerías subterráneas. Una parada maravillosa dentro del recinto es la estancia en la que se puede ver la sima Dolencias –con 23 metros de profundidad– y el sumidero del Arroyo de Villamartín –de 54 metros–, dos agujeros verticales que unen el exterior de la cueva con el interior y que en los meses de grandes lluvias funcionan como sumideros, creando cascadas espectaculares. Se dice que, durante mucho tiempo, estas aberturas han sido muladares, a través de los cuales se han arrojado toda clase de animales, basura y hasta personas durante la Guerra Civil. Por último, en la cueva Palomera destacan dos salas: la Sala Cacique, que se caracteriza por sus grandes dimensiones y por los huecos creados por gotas de calcita sobre los sedimentos arcillosos que la componen, creando una acústica excelente, y el Museo de Cera, llamada así por la gran cantidad de estalactitas y estalagmitas que posee, destacando una gran columna en medio de la sala. Como curiosidad, en 1956, el párroco Isidoro Bocanegra ofició una misa en la sala para los espeleólogos de la zona. Hoy en día, aún se puede ver el altar rudimentario que utilizaron para tal fin usando rocas de la cueva.

Fotos: Miguel Ángel Muñoz Romero www.turismoburgos.org

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Ă lvaro de Marichalar _______

Por R.J.


Personajes Álvaro de Marichalar es un exitoso empresario, pero sobre todo es un gran aventurero, un navegante y deportista que cuenta con numerosos reconocimientos, entre ellos, el Record Guinness por cruzar el Atlántico con su moto acuática en tan solo 17 días. Muy a su pesar, el apellido Marichalar ha estado inevitablemente marcado por su vinculación con la Casa Real, algo que ha supuesto que los medios de comunicación -especialmente la prensa rosa y no pocas veces la prensa amarilla-, se centrasen en aspectos de la vida de Álvaro carentes de interés para el público general, dejando en un segundo plano, en el mejor de los casos, los aspectos más importantes de su vida, como sus logros aventureros, su empeño en honrar a los grandes exploradores españoles, su estrecha relación con diversas ONG s y su dedicación en la defensa del medio marino. Álvaro de Marichalar es un personaje que siempre genera expectación, por eso hemos querido hablar con él para conocer de primera mano algunos de sus grandes logros, poco conocidos por el público en general.


Álvaro, tu currículum es impresionante, destaca tu faceta empresarial y, sobre todo, tu trayectoria aventurera y deportista. Has realizado más de 40 expediciones marítimas y cuentas con más de una decena de records mundiales aunque, por razones obvias, tu apellido y las relaciones familiares con la Casa Real han eclipsado injustamente tus logros, que no son pocos ¿crees que el apellidarte Marichalar ha jugado en tu contra en este sentido? ¿Te sientes reconocido por tus logros y profesionalmente por España y los españoles? Muchas gracias. Profesionalmente empecé a trabajar con 21 años: Fundé mi primera empresa -TeleSat- en 1984. Fuimos los primeros en vender antenas parabólicas en España. A nivel deportivo empecé a navegar a bordo de motos acuáticas en 1982 siendo estudiante 46 - EMNMM

en Florida. Desde entonces ha sido mi principal afición y pasión. En 1991 logré batir el primer récord mundial de navegación. En 1992 otro. En el 1993 y en el 1994 conseguí tres marcas más para el deporte español. Los medios de comunicación se hacían eco de mis travesías en solitario, siempre con respeto y algunos incluso con cierta admiración. Me llamaban “el otro Induráin” o “el Induráin del mar”; por ser yo también Navarro. En 1995 se casó Doña Elena con uno de mis hermanos (más joven) al que -por cierto- había presentado yo un par de años antes. Esa boda, efectivamente, eclipsó mi carrera deportiva y también la empresarial. Incluso socialmente “volví a nacer...”. Algo nada agradable a los 34 años; edad en la que uno ya está lanzado en la vida... Ese matrimonio representó un problema para mí. Fue una losa en mi vida.


A partir de esa boda, muchos medios de comunicación cambiaron “el otro Induráin” por “el hermano de...”; alejando el interés de lo interesante: las expediciones marítimas que -aún así- continué realizando, y concentrándose en aspectos sociales particulares, en mi opinión de nulo interés. Como consecuencia, el respeto del público general por mis travesías desapareció en buena parte; lo que me forzó a empezar a navegar fuera de España (especialmente en Italia, donde seguían considerándome “el Induráin del mar”). Aún y con todo; las personas que saben y entienden de la mar en España, respetan y valoran la trayectoria y retos realizados y por realizar. España es un país de grandes aventureros y marinos, en algunas de tus expediciones has rendido homenaje a va-

rios héroes españoles que, incomprensiblemente, han sido y son víctimas de un cierto olvido, como Núñez de Balboa, ¿crees que somos injustos con nuestra historia? En nuestra Patria existe cierto complejo hacia los grandes logros y el glorioso pasado imperial de España. La “Leyenda Negra” que promovió EE.UU. en nuestra contra a finales del siglo XIX (coincidiendo con la Guerra de Cuba y la pérdida de las últimas colonias) y que varios siglos antes había iniciado Inglaterra y otras naciones europeas, ha acabado afectando mucho a los propios españoles. Muchas personas en España se han creído las falacias de nuestros viejos enemigos. Por eso y por poner un ejemplo, el reciente V Centenario del Descubrimiento de Florida y del Pacífico (por Ponce de León y Balboa) ha pasado “de puntillas”; algo del todo incomprensible. Es nuestro deber paliar esta circunstancia. EMNMM - 47


De todas tus expediciones hay una que me llama la atención, se trata de la realizada en 2006 con motivo del V Centenario del nacimiento San Francisco Javier (patrón de Navarra) en la que navegaste en solitario desde la isla china de Sancián (lugar donde murió el santo) hasta Tokyo. San Francisco Javier es, además, un antepasado tuyo, por lo que esta aventura tuvo que tener un componente emotivo muy grande para ti, háblanos de esta experiencia. Fue la Travesía más emocionante de todas. Pude seguir los pasos del héroe de mi juventud. El recuerdo de Xavier permanece vivo en Asia. Muy especialmente en Japón; ya que fue el primer europeo autorizado a entrar en el país. Su presencia es muy conocida y respetada en la sociedad japonesa. Por eso me ayudaron muchísimo y me sentí acogido y querido como en ningún otro lugar del mundo.

Vivir experiencias límite en el mar debe ser algo muy instructivo, incluso espiritual ¿qué es lo que te ha enseñado el enfrentarte a un medio tan duro como es el mar? Ser todavía más consciente de la existencia de Dios y también de la precariedad de la vida: La brevedad del ser...

Embarcarse en una aventura en el mar es, pese a la tecnología, todo un acto heroico ¿cómo te preparas psicológicamente al reto aventurero de enfrentarse al mar y la soledad? Es, sobre todo, un ejercicio espiritual. Un reto para el que hay que prepararse a fondo física y sobre todo mentalmente. La preparación la baso en la idea de conseguir cosas positivas a través de la Expedición: vivir una experiencia única; lograr records para nuestro país; recaudar ayuda humanitaria; unir culturas y razas; llevar la idea de España lejos; promover la vida sana; concienciar sobre el respeto a la Naturaleza; honrar a nuestros grandes héroes...

Has filmado y dejado constancia de la contaminación ¿has tenido problemas cuando has denunciado este hecho? A veces. Los lobbyes de la contaminación son poderosos...

A la hora de embarcarte en una aventura con tu moto acuática, con todo el riesgo que conlleva, debes contar con un equipo de apoyo ¿qué tipo de apoyo es? De las 40 expediciones realizadas he contado con un equipo de apoyo en tres ocasiones: un barco me seguía de lejos. El resto, treinta y siete travesías, las he realizado en absoluta soledad. Sin barco de apoyo ni equipo de ningún tipo. Sólo en la mar; a bordo de mi pequeña embarcación NUMANCIA... ¿Cuál ha sido tu peor experiencia en el mar? ¿Has pasado miedo? Muchas veces. Todas las veces; cada singladura. La peor en Panamá el año pasado: se incendió mi pequeña embarcación. Me salvé de milagro.

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Todos conocemos tus expediciones pero menos conocida es tu faceta en la defensa del medio marino, del que has dicho que está “lleno de basura” ¿realmente es tan preocupante el estado del mar? La mar se utiliza como un enorme basurero. La razón es que sale barato echar basura al mar y además nadie la ve... Evitar la dramática contaminación de los mares y océanos, representa uno de los mayores retos de la humanidad.

¿Hay remedio a la contaminación y la sobrepesca? Sí. Educación y concienciación. Otra faceta tuya poco conocida es tu labor altruista con algunas organizaciones no gubernamentales, háblanos de ello. A través de mis travesías puedo colaborar con ciertas ONG como Mensajeros de la Paz; Tierra de Hombres; DyA (Desarrollo y Adistencia) entre otras. A veces subasto mi embarcación -una vez concluida la travesíapara que los fondos vayan a esas ONG. ¿Qué reto es el que todavía no has podido realizar? ¿Cuál será tu próxima aventura? Cerrar la vuelta al Caribe: me queda la tercera etapa: Colombia - Puerto Rico; la primera fue Puerto Rico - Florida; la segunda Florida - Colombia. Álvaro, muchas gracias por tu tiempo y esperamos verte pronto en una nueva expedición.

www.alvarodemarichalar.com


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Klaus Enrique


Arte

Klaus Enrique es un genetista afincado en la ciudad de Nueva York que saltó a la fama por sus originales creaciones realizadas con materia orgánica. Sus famosos retratos frutales son una creación inspirada en los retratos de Arcimboldo que, gracias a Internet, han dado la vuelta al mundo. Desde hace ya algún tiempo Klaus ha dejado a un lado su profesión científica para dedicarse a lo que realmente le gusta, el arte, algo que siempre había estado latente en su interior y que a día de hoy se ha convertido en su forma de vida, de entender el mundo y lo más importante, el poder ser feliz. Hemos querido conocer más de cerca a este original artista para hablar de su trabajo y de su obra en esta entrevista a caballo entre Madrid y Nueva York. Por R.J.


Klaus, aunque tu formación es científica, decidiste dedicarte de lleno a la creación artística, trabajando en disciplinas como la fotografía y la escultura ¿cómo fue este proceso? Pasé gran parte de mi vida haciendo y estudiando lo que yo creía que se esperaba de mí. Ni el trabajo de genetista, ni de consultor de sistemas, ni de banquero me satisfizo profesionalmente. Fue cuando termine mi MBA en Columbia cuando me di cuenta de que no había sido honesto conmigo mismo y de que mi sueño realmente era ser artista. Fue muy deprimente porque parecía algo imposible. Dos años después me dije a mí mismo: Inténtalo. ¡Sólo tienes una vida! Es irremediable encontrar en tus trabajos una estrecha relación con los famosísimos retratos de Arcimboldo, ¿cómo surgió la idea? Estaba haciendo una foto donde había cubierto a mi hermana Dagmar con miles de hojas secas, enseñando únicamente uno de sus ojos. En ese momento me pareció ver la forma de una cara en las hojas, y se me ocurrió la idea de hacer retratos hechos exclusivamente de hojas. Buscando en Internet quién había hecho trabajos similares descubrí por primera vez el trabajo de Arcimboldo. Fue bastante deprimente ver que la idea que yo había tenido, que pensaba que era tan original, ya había sido realizada hace más de 400 años. Pero el arte es como la ciencia. El descubrimiento nunca termina, y nadie es dueño de ningún concepto. Yo creo que mi trabajo aporta algo más que el trabajo de Arcimboldo y es por eso que ultimadamente decidí hacer esta serie. Flores, verduras, cáscaras de huevo, carne… utilizas todo tipo de materia orgánica, esto ha de ser un inconveniente porque cada trabajo no debe demorarse mucho ya que de lo contrario acabaría pudriéndose ¿cómo te planteas cada trabajo y cuanto tiempo tardas en realizar estas composiciones? Trabajar con materia orgánica no lo veo como algo inconveniente. Al contrario, te fuerza a trabajar de manera rápida y, hasta cierto punto, de manera violenta… yo creo que eso se ve en el resultado y hace a las obras más fuertes. Obviamente es necesario planear cada pieza con anticipación. Tener un bosquejo de lo que tengo en mente. Pero al final, cada pieza termina siendo diferente de lo que yo tenía planeado original-

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mente. Hay veces que puedo hacer una pieza en un solo día y, en otros casos, como con Darth Vader, la obra puede tomar meses. En las obras en las que utilizas elementos como frutas y flores, aparecen en buen estado y frescas ¿has pensado en las posibilidades artísticas que podrían darse con la putrefacción de las mismas? ¿Has trabajado en ello alguna vez? Sí, de hecho he dejado que varias de mis piezas se sequen -realmente no se pudren- pero distintos frutos y vegetales se secan en distintos plazos, y cuando lo hacen se encogen. Eso crea nuevas complicaciones en el trabajo. Por ejemplo, mi Autoretrato No. 3 está hecho de pétalos marchitos, y en el Autoretrato No. 1, muchos de los plátanos también están mallugados. ¿Todos los materiales que utilizas los seleccionas personalmente? Algunos sí y algunos no. Cuando voy al mercado a comprar fruta, siempre lo hago yo. Pero también muchas cosas las compro en línea y, obviamente, esas no las escojo. En el caso de mi obra El Invierno, estuve buscando durante meses cortezas que me pudieran servir para hacer una cara. Nunca encontré nada, entré a Amazon y compré corteza de corcho, cuando llegó la pieza era exactamente la cara que necesitaba. Los fruteros han de ser tus mayores admiradores ¡serás cliente VIP! En el Manhattan Fruit Exchange, todos me conocen y ¡me tratan súper bien! (risas). ¿Todos y cada uno de los elementos que utilizas son reales o hay retoques fotográficos? Todos los elementos son reales, pero sí hay retoques fotográficos para quemar el fondo, para que sea completamente negro y, a veces, también para quitar elementos como alfileres o palillos que haya necesitado para sostener la escultura. Una curiosidad, después de terminar una obra ¿qué haces con todos los elementos que utilizas? Los elementos normalmente no los puedo volver a utilizar, pero otros, como por ejemplo las tarántulas y escorpiones, sí los trato con mucho cuidado porque pueden ser reutilizados. Todo lo demás se tira. En el


Darth Vader white


caso de frutas y verduras, siempre termino con muchas piezas que no se usaron. Esas se las regalo a los que trabajan en la cocina del restaurante que está en el primer piso de mi edificio. Los retratos de personajes imaginarios tienen su dificultad pero la realización de un retrato de un personaje concreto debe ser todo un reto, háblanos de ello. De hecho no hay diferencia ya que todas mis piezas están basadas en fotografías o pinturas. Yo creo que si no estuvieran basadas en nada no serian exitosas, así que el reto siempre es el mismo. ¿Cuáles son las mayores dificultades a las que te enfrentas en cada trabajo? La mayor dificultad soy yo mismo. Muchas veces tengo ganas de lanzar toda la escultura por la ventana. Cuando las cosas no funcionan es muy estresante, y ninguna de estas esculturas funciona a la primera. ¿Has realizado algún autorretrato? ¡Tres autorretratos! Tus trabajos son muy populares en Internet y han tenido una difusión espectacular, eso es una gran ventaja para todo artista pero también puede darse el caso de que sólo conozcan al artista por un determinado trabajo ¿Cuál es tu opinión? Yo me siento honrado de que mi trabajo sea conocido y, utilizando tus palabras, que tenga una difusión espectacular. Creo que las futuras piezas de esta serie seguirán siendo populares. Tengo otras series que muy poca gente conoce debido a que me he enfocado completamente en el “Arcimboldismo”. Eso realmente no me molesta, al contrario, me da gusto que aunque sea por una sola serie, mi trabajo sea conocido. Cuando era más joven quería ser un artista famoso, ahora sólo quiero hacer mi arte, pagar mi renta a tiempo, y ¡ser feliz! ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo? Por el momento, tengo una lista de 180 piezas que quiero hacer, normalmente sólo hago 10 al año como máximo. Me gustaría darle más consistencia a las subseries que existen dentro de mi trabajo: Súpervillanos y superhéroes, humanistas, etc. pero al mismo tiempo creo que es mejor hacer obras que me llamen más la atención. www.klausenrique.com

Self-portrait Nº 3 EMNMM - 55


Eye


The vegetable gardener


Terminator


Head of a woman


Self-portrait Nยบ. 1


Fotografía

Gerardo Montiel La fotografía como sentido de la vida _______

Por R.J.

Gerardo Montiel Klint, (México 1968) es un fotógrafo que se define como un creador de imágenes aunque, en realidad, es uno de los fotógrafos contemporáneos más interesantes de Iberoamérica. Comenzó su andadura por el mundo de la fotografía a raíz de la crisis económica mexicana de 1994 y pronto comenzó a hacerse un importante hueco en el mundo de la imagen.

Sus trabajos han sido publicados en diversos medios y sus obras se encuentran tanto en colecciones privadas como en importantes centros de arte, como el Museo de Artes Fotográficas Kiyosato en Japón, el Guangdong Museo de Arte de China, el Museet de Fotokunst en Dinamarca y el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en Brasil.

Su labor como fotógrafo se complementa con la docencia y es, además, cofundador de la plataforma Hydra, una red de fotógrafos, curadores, editores e instituciones. Es miembro de diversos consejos asesores de centros como el Museo de San Diego de Artes Fotográficas y también es director, junto a su hermano Fernando de Klint & Photo, un estudio de producción fotográfica.

Recientemente ha estado en Madrid con motivo de la feria de fotografía PHOTOEspaña por ser el comisario de la exposición Develar y detonar. Fotografía en México, donde se muestran las obras de numerosos fotógrafos mexicanos. Con motivo de este evento, hemos querido conocer mejor a este fotógrafo para hablar de su carrera profesional y de lo más importante, de la fotografía.

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Gerardo, te formaste en diseño industrial pero finalmente te has dedicado por completo a la fotografía ¿Cómo tomaste esa decisión? En gran medida se lo debo al crack económico del 94 en México. En aquella época trabajaba a tiempo completo como diseñador industrial para una constructora. Diseñaba cocinas, herrería, fachadas de vidrio flotante y mobiliario para los departamentos y casas que se construían ahí. De repente, con el “efecto tequila” toda la industria de la construcción se vino a pique. Un miércoles la constructora me dijo que ya no podían pagarme y que ellos quizás desaparecerían. Ese mismo miércoles, recibí por la noche una llamada de una amiga de la universidad que se acordó que a mí me gustaba mucho la fotografía, quería saber si me interesaba ir a fotografiar un hotel en Cancún. En ese momento pensé que en realidad lo que tenía que hacer con mi vida era ir en la dirección de lo que realmente me apasionaba que era la fotografía y no el diseño. Así que un lunes, cuatro días después de quedarme sin trabajo como diseñador, estaba volando rumbo a Cancún para hacer tomas de interiores, aéreas, comida y zonas de alberca, entre otras cosas. Algo que en realidad jamás había hecho… pero supe en ese momento que de eso tenía que estar llena mi vida, de crear y generar imágenes. A la par de cuando trabajaba como diseñador, ya estaba haciendo mi trabajo personal como fotógrafo, pero lo veía como una actividad paralela a mi profesión. En ese momento tomé conciencia que debía de hacer de mi profesión lo que realmente me emocionaba y sorprendía en todos los sentidos: la fotografía. Hoy prácticamente todo lo que hago tiene que ver con la imagen. Absolutamente todo tiene que ver con la fotografía: creación, docencia, investigación, curaduría, asesoría y trabajos por encargo. Tengo una casa productora y estudio de fotografía comercial asociado con mi hermano que también es fotógrafo. El uso de luz es uno de los elementos que definen personalmente a los fotógrafos, en tu caso, parece que la luz pasa a un segundo plano y te centras más en las sombras, con todo el potencial que ello conlleva, háblanos de ello. He entendido la fotografía no como una actividad que registra, captura y trabaja con luz, como generalmente se concibe el medio y soporte fotográfico. Para mí la fotografía es un terreno para trabajar, metafóricamente, desde y con la sombra, es decir, el inconsciente. Es donde habita lo oculto de uno mismo, donde hay 64 - EMNMM

que sumergirse en la profundidad porque la superficie para mí es sólo una apariencia. Donde habitan los seres más extraordinarios del océano. En esa sombra es en la que debo indagar para que se manifieste, se nutra y salga a flote lo oculto, desde el “nigredo” de los alquimistas, porque es ahí donde radica nuestro verdadero yo y donde existe la posibilidad de la transmutación como ser, la metáfora alquímica de transformar el plomo en oro. Intento hacer imágenes en diálogo con mi propio inconsciente y mi intención es comunicarme con el inconsciente de quién las mira. Técnicamente, en una fotografía sin sombra no hay volumen, sin volumen una fotografía continúa siendo una superficie bidimensional. Las planimetrías volumétricas a partir de las transiciones entre las sombras para mí son, metafóricamente, las capas de significados que puede tener una imagen y lo que esta le puede representar a la psique de una colectividad. Imágenes que están ya alojadas en mi inconsciente y son las que trato de dar salida por medio de la fotografía. De ahí que los conceptos de realidad o verdad no me interesen en lo absoluto.


Bosque siniestrado en rojo

Hoy en día las tecnologías han aportado mucho al mundo de la fotografía, aunque, en tu caso, también trabajas de forma artesanal. ¿En qué formato te sientes más cómodo a la hora de realizar un trabajo fotográfico? En verdad gozo trabajando con cámara de placas 8x10 pulgadas, la pausa, el mirar la imagen invertida, la conciencia de lo que se está mirando a través del vidrio esmerilado aún hoy me emocionan y me sorprenden. Pero al mismo tiempo puedo utilizar una cámara DLS de última generación para hacer imágenes y video para trabajos por encargo, y me fascina la inmediatez de ver los resultados y el tipo de tomas que se pueden generar desde un dispositivo como este. Pero sin duda, el dispositivo que más he utilizado en toda mi vida para fotografiar ha sido el iPhone. Hay aplicaciones que en verdad desafían por completo con respecto a lo que pienso que es la fotografía. Estoy enganchado totalmente con ese dispositivo. Nunca viajo o cargo cámara conmigo a menos que sea para un proyecto personal. Desde que uso iPhone mi vida se ha llenado aún más

de imágenes. Y en las últimas exposiciones y publicaciones que he tenido he mezclado imágenes de todos los dispositivos. La fotografía como sentido y experiencia de vida. Las personas que aparecen retratadas en tus obras, en su mayoría, aparecen en situaciones en las que el dramatismo e incluso la muerte son una constante ¿por qué? Prácticamente toda la gente que aparece en mis fotos son o han sido personas muy cercanas en mi vida, lo cual convierten mis fotos en mi paso por la vida y mis afectos. En ese sentido, creo que mis imágenes son un tiempo específico de lo que fui, y un escudo muy frágil pero ingenuamente necesario en contra del abandono y de lo que fue. El acto fotográfico para detener quién yo era y a quién estoy fotografiando, los para siempre y los nunca no existen ni siquiera en la naturaleza, mucho menos en la condición humana. El acto fallido, la muerte, la enfermedad, el desastre, el desasosiego para mí son un punto de partida, un punto de inflexión, EMNMM - 65


Estudio de carga y destino

un insight para quién es testigo presencial… Es inicio hacia un terreno nuevo donde el cambio inesperado, es un cambio de plano existencial que te desubica en un inicio de manera dolorosa, pero ahí está la transmutación, en entender ese momento como un punto de inicio, no como un punto final. Estos momentos de enfrentamiento a estas situaciones me son muy significativas y emotivas para abordarlas por medio de la imagen fotográfica que, a fin de cuentas, es lo único que nos hace inmortales e imperecederos. Me seduce las posibilidades y el poder que tiene la imagen sobre estas situaciones. La fotografía para quien mira lo que ya no está, para quién ya no es así, para lo que se transformó. Por eso insisto en que para mí, la fotografía es el sentido de vida. A la hora de realizar un proyecto, ¿cómo lo planteas, partes de una idea predeterminada? ¿Cuáles son los temas que más te motivan? La literatura ha sido mi principal influencia, y la auto referencialidad. Pero lo que siempre me ha motivado es el inconsciente, partiendo desde los sueños, el origen de mitos y leyendas que parten de los mismos. Tengo una obsesión por modificar y superar la realidad preexistente con temas recurrentes pero entrelazados entre sí tales como inconsciente, filosofía, psicoanálisis,

psicoactivos, alquimia, simbolismo, muerte, literatura, pintura y fotografía. A veces estoy trabajando en 3 o 4 proyectos al mismo tiempo. Creo que existe una columna vertebral desde que me inicié en la fotografía, pero no me he mantenido en el mismo contenedor, los cuerpos de trabajo son muy diferentes entre ellos a pesar de cimentarse en la misma columna vertebral a la que me refiero. ¿Cómo definirías tu obra? Cuando me inicié y gané un premio nacional, un fotógrafo en un medio me criticó diciendo que yo ni siquiera era un fotógrafo, que yo sólo era un “creador de imágenes”, y ese término me encanto. Genero y creo imágenes y utilizo dispositivos fotográficos para darle salida a ideas y conceptos. Considero que mis imágenes son narrativo/psicológicas. La última serie fotográfica que has realizado la has titulado Hombre, háblanos de este proyecto. Una de las personas que más me han influido como ser, y de la que siempre estuve aprendiendo cosas acerca de la vida estudió filosofía. Cuando ella fue mi pareja me interesó aún más la filosofía. Quería hacer algo sobre cómo alguien puede mostrarte varias facetas de ti mismo, sin tú haberlas visto antes, que fue lo que me


nes. Yo siento que mi trabajo por encargo es una extensión de mi trabajo personal. La diferencia es que trabajo con un equipo y todo es colaborativo: artistas, productores, maquilladores, sastres, productores, maquetistas, scouters, baby wranglers, etc. Prácticamente somos muy versátiles, fotografiamos desde automóviles, interiorismo y hasta moda. Hace poco hicimos nuestra primera incursión en el cine con un corto en pixelación de 9.500 fotografías fijas animadas. El corto se llama La última cena y está dirigido por Vanessa Quintanilla. Creo que tiene toda nuestra estética ya que tuvimos libertad absoluta en la dirección de fotografía.

paso con ella. Sé que la filosofía puede ser sumamente compleja y que busca repuestas a lo que quizás no se pueda contestar. El cráneo, como recipiente de certidumbres e incertidumbres, de contradicciones, de preguntas sumamente complejas. El cráneo que contiene al “ser” y su mirada interior. El ser y su postura ante la vida. El título de la serie no tiene relación alguna con un tema de género. La palabra hombre va más en el sentido metafísico, moral y antropológico fundamental y su relación con sus semejantes y su yo interior. De ahí surgieron los trece cráneos que miran desde sus cuencas negras como pozos hipnóticos: Hombre Revelación, Hombre Iniciático, Hombre Templanza, Hombre Reverberación, Hombre Vulnerable, Hombre Asintomático… hasta llegar a trece posturas ante la vida. Trabajas tanto por encargo y de manera personal ¿tu propio estilo es el que define ambas facetas? Para mí ambas facetas están integradas de manera orgánica. En el trabajo por encargo nos buscan en el estudio Klint & Photo porque tenemos un estilo particular, y porque también podemos generar conceptos completos, como es el caso cuando trabajamos en el lanzamiento de artistas con disqueras. Desarrollamos todo el concepto visual, la dirección de arte y armar equipos de trabajo, todo con el fin de generar imáge-

Recientemente has participado como comisario en Develar y detonar. Fotografía en México en la edición actual de PhotoEspaña, donde muestran las obras de numerosos fotógrafos mexicanos en CentroCentro Cibeles, ¿cuáles han sido los criterios a la hora de seleccionar las imágenes? Básicamente el criterio fue buscar autores que impusieran una mirada. La muestra y el libro lo conforman 53 autores no sólo de todo México, si no también autores que han realizado su trabajo en territorio mexicano y que nos parece significativo. El autor más joven de la muestra es de 1992 y la de más trayectoria de 1967. Los puntos de contacto entre todos estos autores podrían ser el paisaje psicológico, la identidad, el género, el compromiso social, los mundos interioristas que van borrando fronteras con su reflexión con respecto a la imagen, su catalogación y el medio como tal, son los que hilvanan una trama muy orgánica entre fotógrafos de prensa, artistas conceptuales, autores que utilizan la fotografía como soporte pero que vienen del campo de la animación o del grabado. México es un país con mucha fuerza cultural y fotógrafos llenos de talento, motivos más que suficientes para atraer la atención mundial ¿cómo ves el panorama mexicano, en lo que se refiere a la fotografía? ¿Crees que le damos, aquí, desde el otro lado del charco, la importancia que se merece? Creo que la fotografía que se hace en México desde hace mucho ha tenido una potencia contundente. No en vano, se hacen publicaciones y festivales en el extranjero dedicados exclusivamente a México como país invitado en: China, EE.UU, Francia, Bruselas, Italia y Colombia entre otros. Lo que ha faltado es más visibilidad y sobre todo, una mirada desde adentro. Es decir, no la del curador extranjero que llega a México y escoge EMNMM - 67


a algunos fotógrafos por lo que ya ha visto publicado en algún medio o festival. La diferencia del libro y la exposición Develar y Detonar. Fotografía en México ca. 2015 que hicimos desde Hydra con el apoyo de Centro de la Imagen y Fundación Televisa, fue la de hacer un proyecto desde una mirada desde adentro del país. Muchos de los autores que presentamos tienen muy poca trayectoria, y en sí esto es una apuesta, ya que no sabemos qué pasará con ellos. Pero estamos convencidos de que las imágenes que componen todo el proyecto son de gran contundencia en este aquí y ahora en México. Se trata de una investigación de campo a lo largo de todo el país que se debe a nuestra labor y experiencia como docentes, tutores, talleristas, gestores, jurados de becas y concursos internacionales, nacionales y regionales, curadores e investigadores independientes que formamos Hydra. Develar y Detonar no es una investigación desde el cubículo de una academia o institución. Eres uno de los fundadores de la plataforma Hydra ¿qué es este proyecto? Hydra es una plataforma independiente y nosotros nos denominamos como plataforma de enlace para proyectos fotográficos. La fundamos Ana Casas Broda, Gabriela González Reyes y yo. Los tres empezamos como creadores. Ana y yo continuamos siendo creadores y Gabriela se especializó en gestión y curaduría, así que hacemos un equipo peculiar. Hydra tiene la idea de generar enlaces entre autores, instituciones, editoriales, colecciones y todo lo que esté relacionado con dar visibilidad y circulación a la imagen. Desde la gestión de fotolibros, que desde que fundamos Hydra hace dos años ya tenemos 4 títulos que se distribuyen internacionalmente a partir de la colaboración de autores y editoriales como La Fábrica o Editorial RM. Creación de proyectos de venta de fotografía hacia nuevos públicos como nuestro programa MicroColeccionismo que ya tenemos 2 emisiones. Hasta curadurías como esta última de Develar y Detonar. Fotografía en México ca. 2015 que cuenta con libro y la exposición con el apoyo de Centro de la Imagen y Fundación Televisa. Tenemos un pequeño espacio en ciudad de México para talleres, un espacio de exhibición que recién inauguramos y un lugar para que los artistas de otros lugares puedan hacer una residencia. Todo esto lo hemos hecho de manera independiente y tenemos esa necesidad por hacer proyectos que nos emocionen y den vitalidad a la circulación de autores, sobre todo de reciente aparición, nos interesa sobremanera acoger a los fotógrafos jóvenes. También cuentas con tu propio estudio fotográfico que llevas junto a tu hermano Fernando, también fotógrafo. Profesionalmente hablando, ¿cómo se lleva el trabajar con tu hermano? ¿Hay roces de creatividad? Klint & Photo es un estudio de fotografía comercial que fundamos en 2003 por la insistencia de mi hermano Fernando, que es 9 años menor que yo. Él estudió comunicación y empezó en la fotografía de igual

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El ahogado en Puerto Chuburna despuĂŠs del huracĂĄn Isidore


De las cosas malas que hacen los hombres II


manera que yo en el mundo del arte. Teníamos la clara intención de hacer del estudio una extensión de nuestro trabajo personal pero en el mundo de la publicidad: retrato, moda, autos, interiorismo, etc vivir de lo que nos emocionaba: hacer imágenes, ya que en México es en verdad complicado vivir de vender tu trabajo en galerías de arte y, además, el no depender al 100% de esos dos mundos nos da una gran libertad de experimentar y estar siempre al día. En el 2007 nos asociamos con Ladxiduá Perea que es la productora del estudio y ahora ya somos estudio y casa productora. Los tres hacemos un equipo en el que sumamos personalidades y talentos diferentes y, sobre todo, sabemos trabajar en equipo por lo que no hay roces en cuanto a la creatividad. Al contrario, creo que siempre se suma al trabajar en equipo si las cosas están claras desde un principio, que se trata de un trabajo creativo colaborativo. Fernando y yo hacemos todo lo relacionado con imagen y creo que no podría tener mejor compañero de trabajo. A veces, con solo mirarnos sabemos cómo acomodar una luz que no está funcionando o quién debe dirigir a quién se está fotografiando por ejemplo. En carácter somos muy diferentes. Fernando es más intuitivo, visceral, con mucho sentido del humor. Yo soy más esquemático, de precisión y de metodología. La que nos aterriza a ambos en el mundo real y de los negocios es Ladxi. Es una buena fórmula eso de las tríadas, me queda claro tanto en Klint & Photo como en Hydra. ¿Qué proyectos tienes corto plazo? Ahora mismo estoy trabajando en dos series nuevas: Amoniaco, que consiste en paneles de una sola pieza y de grandes dimensiones, conformados con varias imágenes enlazadas por una subtrama que exhibiré en otoño en la ciudad de Monterrey. Otra nueva serie es: El Monstruo, que recién inicié en este año 2015 a partir de 4 días que estuve en Praia da Aguda en Portugal y que tiene que ver con el mar, la nostalgia, el migrar y la pérdida del ser amado. Esta serie está pensada para exhibirse en el Puerto de Veracruz en agosto. Es la serie que he realizado en menos tiempo en toda mi vida. ¿Habrá alguna exposición aquí en Madrid? Por el momento no tengo ninguna invitación o proyecto para exhibir en Madrid, pero me fascinaría. Hay una energía muy peculiar en la gente y en la ciudad de Madrid que me seduce por completo, creo que yo debería proponerme el buscar un lugar para exhibir pronto con ustedes.

www.gerardomontielklint.com www.klintandphoto.com www.lahydra.com

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Obrero asesinado en huelga


Ofelio


Hombre decapitado a caballo


Mar furioso I


Cine y TV

Cristina Rota Hablamos con ella _______

Texto y Fotos: Pilar Sarro

Cristina Rota no necesita presentación. Actriz, pero sobre todo, maestra de actores, esta argentina afincada en Madrid puede presumir de haber llevado un pedacito de arte al barrio de Lavapiés, donde fundó el Centro de Nuevos Creadores hace 37 años. Ahora y junto al director Joaquín Oristrell, presenta su último proyecto, Hablar. Una cinta rodada en un único plano secuencia donde un trasiego de personajes se mezclan, ríen, lloran, gritan y sueñan, cada uno con su particular realidad, para mostrar los diferentes problemas de la sociedad actual en los 700 metros que separan la calle Valencia hasta el 31 de la calle Doctor Fourquet, donde se encuentra la Sala Mirador, la escuela de Cristina Rota. Hablar es una reflexión sobre el poder de la palabra y la falta de comunicación en la que han participado de modo altruista actores de primer nivel como Juan Diego Botto, Mercedes Sampietro, Antonio de la Torre, María Botto, Sergio Peris-Mencheta, Raúl Arévalo, Marta Etura, Petra Martínez… Es Madrid No Madriz ha tenido el placer de “hablar” con Cristina Rota sobre la película, el cine, el teatro y la palabra en la siguiente entrevista.

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¿En qué momento surge la idea de Hablar? Exactamente en el 2009. Hicimos un seminario con Joaquín Oristrell, llamamos a un grupo de actores y propusimos que cada uno trajese un tema con una única premisa: que fuera ese personaje que piensa que no lo van a llamar nunca pero lo quiere expresar o que sea un tema que le conmueva y que le implique, que le sensibilice y que tenga la imperiosa necesidad de expresarlo. Entonces en ese momento cada actor aportó diferentes temas que le importaba expresar. Aquella primera experiencia la grabamos e hicimos un tráiler pero la tuvimos que postergar. Como siempre, los proyectos en cine son largos, duros, difíciles… y el único tema que quedó de aquella experiencia fue el de Nur Levi sobre la perversión en el lenguaje del que siguió escribiendo y estrenó la obra de teatro Lo que no te digo. Juan (Juan Diego Botto) prefirió interpretar al dueño de una peluquería que se siente poderoso porque es propietario pero que con la crisis no puede pagar los sueldos y salen todos sus enanos fascistas, sus resentimientos, el racismo, la xenofobia y su desesperación. Hace un año retomamos el proyecto y empezamos a contactar con los diferentes actores, conocidos nuestros, para saber qué quería expresar. No entendían nada y les decía “no os preocupéis, la estructura del guión la terminaremos Joaquín y yo”. Entonces empezamos a trabajar otra vez, tipo taller, improvisando con los actores y en 3 días ya teníamos cada trabajo terminado. ¿Por qué se ha rodado en Lavapiés? Porque es un punto artístico, un barrio que tiene de todo, desde una clase baja a una clase media. Además, en el corazón de ese barrio está nuestro teatro. La idea era mostrar un pedazo de Madrid, de un sector de clase media, media-baja, apaleado por la crisis, y que sucediera desde el metro hasta el teatro, donde éste se abriera mostrando que todos éramos actores. Es un poco como una metáfora de que todos somos actores en la vida y todos somos seres políticos y seres inmersos. Aunque te quieras comprometer o no en la vida, siempre estás comprometido y en tu “no hacer” facilitas la perversión o facilitas que las cosas vayan como van y luego no te puedes quejar porque la queja es infantil. O haces algo o no haces algo, o estás dentro o estás fuera. Hace más de cinco años que empezasteis con el proyecto de Hablar pero ¿cuánto tiempo os llevó rodar la cinta?

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Como la idea ya venía de antes y teníamos muy claro todo, en realidad, tardamos un mes y medio en hacerla, entre el guion y juntar a los actores. En rodarla tres días porque primero fue un ensayo general e hicimos tres tomas. ¿Salió todo bien a la primera o hubo alguna situación inesperada? Salió todo bien a la primera y situaciones inesperadas… Desde el primer día salieron espontáneos porque María Botto estaba llorando con un bebé todo el tiempo, esperando a que pasara la cámara por ella, por lo que la gente iba a consolarla y a preguntarle qué le pasaba. También hubo gente que gritaba “¡Actores, váyanse, yo no voy a ver cine español, ustedes son todos unos sub-


vencionados!” Todavía estaban con la cantinela que largaron algunos medios de comunicación cuando el “No a la Guerra” y todo eso... No podíamos incluirlo porque no lo teníamos en el guión pero hubiera sido fantástico.

nante ver que sí es cierto que cuando hay una tarea común todo el mundo se solidariza y sale lo mejor de cada uno.

La cinta está rodada en un único plano secuencia. ¿Qué ha sido lo más difícil al rodarla de esta forma? No se trata de dificultad. Se trata de una emoción tan grande como es la noche de un estreno, donde no te puedes equivocar porque no hay vuelta atrás. Te das cuenta del punto tan maravilloso y grande de solidaridad que se crea cuando hay una tarea común. Normalmente, en una película un día rueda un actor, otro día rueda otro, pero no confluyen. Aquí todos estaban en sus puestos como en una obra de teatro y era emocio-

Hablar es una reflexión sobre el poder de la palabra. ¿Crees que uno de los principales problemas actuales es la falta de comunicación y de palabra? Creo que la corrupción y la perversión vienen de arriba hacia abajo, como decía Shakespeare y todos los dramaturgos, sociólogos y filósofos… El ejemplo siempre lo da el que está arriba, sea padre, profesor o sea el Gobierno. Y desde el Gobierno, si hay perversión en el lenguaje y perversión en sus conductas, se va contagiando. Es una gangrena que lo va manchando todo. De lo que se habla en la película es sobre la perversión en

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el lenguaje. Si yo hoy digo una cosa y mañana exactamente la contraria o en el mismo discurso digo una cosa y luego la contraria se entra permanentemente en el sofisma, en la mentira. Y eso el ciudadano, los seres humanos, lo escuchamos todos los días. Lamentablemente nos va entrando como si fuera algo normal. La palabra y el teatro pueden ser herramientas de cambio social muy potente. ¿Piensas que no están lo suficientemente valoradas? Claro, sino no la usarían perversamente los políticos. La palabra es la herramienta fundamental. Por supuesto que a la palabra le debe corresponder la acción. Es otro de los temas que trata la película, el estar alerta porque la acción debe corresponder a lo que se dice y lo que se dice debe ponerse en la acción. Los cambios sociales, las mejoras de conducta, la educación… no pasan solamente por el teatro. Es el teatro y su palabra, una palabra auténtica cargada de vivencia, los que pueden ayudar a modificar y dinamizar una sociedad. Es una de las armas con la que uno juega. Si no, al cine y al teatro, desde determinados gobiernos por ausencia a veces de políticas culturales, no los atacarían ni tampoco serían una de las primeras cosas que censuran las dictaduras. Si no fuera un arma potente la dejarían vivir tranquilamente pero es un arma maravillosa. Una de las bazas de la película es el hecho de que se tratan temas con los que todo el mundo se siente identificado, desde la desesperación de la madre interpretada por María Botto hasta la sobrecualificación del personaje de Marta Etura… Claro, tiene que ser algo que te afecte, que afecte al actor y que tenga que ver con la sociedad en la que vives, con España, con el mundo, con el hambre, con la angustia existencial, que tenga un compromiso con la vida. Por eso llamamos a determinados actores también. Hablar de lo que está pasando puede traducirse en clave de comedia y en clave de tragicomedia. Esto era lo que nos gustaba, que cada actor fuera fiel a lo que quería hacer en cuanto a estilo y ver cómo nos las ingeniábamos para juntarlo y que funcionara. ¿Dirías que Hablar es tu proyecto más personal al haber contado con tus tres hijos (Juan Diego Botto, María Botto y Nur Levi) y con actores formados en tu escuela? Bueno no, personal también fue Sin vergüenza. También estuvo Joaquín Oristrell en las clases tomando apuntes y fue un trabajo que nos llevo más tiempo. Personal en el sentido de que vino en un momento de bajón porque con todas las cosas que estaban pasando yo no veía que nadie se movilizara para cambiar. Veía que la corrupción campaba a sus anchas, que la pobreza y la desigualdad aumentaban y de pronto surgió esto. Conozco mucho a Joaquín y podíamos demostrar que juntos y con una tarea común, se puede dinamizar una sociedad y crear un clima donde los actores pudieran estar tan emocionados como lo han estado. Si tú quieres puedes hacerlo.

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Foto: IPC Media / Tom Oxley


AMY La Película Del director ganador del premio BAFTA, Asif Kapadia (Senna), AMY narra la increíble historia de Amy Winehouse contada con sus propias palabras. A través de imágenes íntimas y canciones inéditas, esta película sorprendentemente moderna, ágil y vital nos muestra lo duro que es el mundo en el que vivimos de una manera que muy pocas películas han conseguido transmitir. Amy fue uno de esos talentos únicos que surge en cada generación y una artista de jazz en el sentido más puro del género. Escribió y cantó desde el corazón usando sus dotes musicales para analizar sus propios problemas. La combinación de su cruda honestidad y su increíble talento la llevaron a ganar seis Grammy, y a componer algunas de las canciones más originales y adoradas del siglo XXI. Su gran éxito, sin embargo, dio lugar a una exposición mediática implacable e invasiva que, unida a las relaciones conflictivas de Amy y a su trepidante estilo de vida hizo que su vida trágicamente comenzara a desmoronarse, hasta su muerte en julio de 2011 a la edad de 27 años, debido a una intoxicación etílica.

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LA PRODUCCIÓN Cuando los cineastas Asif Kapadia (director), James GayRees (productor) y Chris King (editor) colaboraron en 2010 en el documental Senna, donde contaban la historia del piloto de F1 Ayrton Senna, consiguieron numerosos premios (entre ellos dos premios BAFTA) y el beneplácito de la crítica. Tal fue la popularidad de la película, que les permitió mirar hacia nuevos horizontes. Dos años después del estreno en cines de Senna, GayRees fue abordado por David Joseph, presidente y CEO de Universal Music UK, quien le preguntó si el equipo estaría interesado en invertir su talento en otra historia sobre un icono moderno cuya vida había terminado de forma trágica. David dijo: “¿Estaría usted interesado en hacer una película al estilo de Senna que capturara el genio musical de Amy Winehouse?” recuerda Gay-Rees. “Me llevó cerca de un segundo gritar: “¡Sí, desde luego. ¡Nos apuntamos!” Gay-Rees no había considerado la historia de Amy Winehouse hasta ese momento. “Pero yo sabía instintivamente que había algo interesante allí escondido. Inmediatamente llamé a Asif. No estábamos buscando activamente algo que hacer juntos después de Senna, pero él dijo que sí de inmediato.” Al igual que Winehouse, Asif Kapadia creció en el norte de Londres y, aunque la mayoría de sus películas se han rodado en el extranjero, estaba dispuesto a enfocar sus ideas en su ciudad natal. Había rodado recientemente Odyssey, una de las cuatro películas sobre Londres que fueron creadas para los Juegos Olímpicos 2012. “Cuando James me llamó vivía en Turnpike Lane”, recuerda. “Había estado haciendo la película para los Juegos Olímpicos de Londres y eso realmente me hizo pensar en la ciudad. Me siento muy londinense. James me preguntó que pensaba y aunque yo no era muy fan de Amy Winehouse, tenía sus discos y sabía que su vida había sido un torbellino. “Algo pasó con Amy Winehouse, y quería saber cómo sucedió delante de nuestros ojos. ¿Cómo puede alguien morir así hoy en día y a esa edad? Sin embargo, no fue una gran sorpresa; casi esperábamos que pasara. Podías ver que su vida iba cuesta abajo”, afirma. Sintió que su historia debía ser explorada en detalle. “Para mí, era como una chica del barrio. Crecí en la misma

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parte del mundo. Podría ser alguien que conocía, alguien que era amigo o podría haber ido a la escuela con ella. Pensé que debíamos investigar”. Gay-Rees habló entonces con el editor Chris King, que desde el primer momento mostró un gran interés por el potencial de la historia. King explica: “Creo que todos nosotros sabíamos a grandes rasgos su vida. Amy surgió de la nada y se convirtió en un enorme éxito y luego murió, pero no conocíamos muchos de los detalles de esta primera etapa.” Gran parte del enfoque de los realizadores dependería de qué material estaba disponible. “Así que la primera tarea era conseguir tanto material como pudiéramos y luego empezar a entrevistar a gente, y en ese proceso dual empezamos a tener una idea narrativa.” Asegura King. Incluso antes de comenzar con el proceso de las entrevistas largas y cargadas, y la difícil tarea de obtener nuevas imágenes, los realizadores se decidieron por la idea de contar la historia a través de las canciones de Winehouse, que aparecerá en la pantalla durante toda la película. “La idea inicial fue que las canciones serían el eje”, dice Kapadia. “Serían la columna vertebral de la película. Empezamos estudiando las letras y surgió el concepto de que esto podría ser como una versión de una película de Bollywood, donde la narración estaba en las letras y canciones. Pensamos que podríamos construir la narrativa en torno a esos temas”. Las letras de las canciones de Winehouse eran casi todas muy personales. Algunos han sugerido que la escritura de la canción era una especie de catarsis o terapia, en la que trabajó a través de sus emociones. “Era tan simple como eso”, añade el director. “Una vez que entiendes su vida y lees sus letras, entiendes que son mucho más profundas de lo que podrías haber pensado.” Pensé: “Todo lo que tenemos que hacer es desentrañar lo que estas letras nos cuentan. Y eso para mí se convirtió en la gran revelación, su escritura. Todo el mundo sabía que podía cantar, pero tal vez la gente no se dio cuenta de lo bien que escribía. También escribía la música. Todo nacía de ella.” Después de adoptar las canciones y letras como vehículo narrativo, junto con el hecho de que los cineastas usarían como telón de fondo la ciudad en la que vivía Winehouse, comenzaron a buscar a los entrevistados más adecuados. Esto resultaría un proceso muy difí-


Foto: Juliette Ashby

cil, sobre todo porque no hay un libro definitivo que cuente la historia de Amy Winehouse. “Tuvimos que ver a quién podíamos conocer y hablar”, dice Kapadia. “Con Senna había un montón de libros y un montón de gente que conocía la historia. Con “Amy” se hizo evidente que nadie sabía la historia, o que la gente no estaba dispuesta a contarla”. Gay-Rees está de acuerdo. “En Senna teníamos a alguien en el equipo que sabía si Ayrton se había tirado un pedo un día, pero en esta película no teníamos una figura central con quien trabajar. Leímos un par de libros clave, que son bastante inconsistentes entre sí. No estoy diciendo que no sean legítimos, pero hay una gran cantidad de información contradictoria. Ella tenía una compleja vida social y familiar.” “Tenía sus viejos amigos, sus amigos famosos, sus nuevas amigas y amigos no tan famosos y ella mostraba diferentes versiones de sí misma según con quien estaba, por lo que todos ellos tenían diferentes reflexiones y experiencias con ella. Y no todas encajaban entre sí”, concluye Gay-Rees. Los realizadores comenzaron su investigación y se aseguraron el acceso al material legado por Winehouse, que

está controlado por el padre de la cantante, Mitch Winehouse, y también por la Fundación Amy Winehouse. También se aseguraron la cooperación de Raye Cosbert, manager de la cantante de Metropolis Music. Al comienzo de la producción, los realizadores sabían a ciencia cierta que Winehouse era una persona muy compleja, fascinante, carismática y muy luminosa. “Pero a medida que el período de investigación cobró impulso, las señales eran cada vez más evidentes de que ella no podía mantenerse mucho tiempo así, ella era demasiado intensa.”, dice Gay-Rees. No mucho tiempo después, sin embargo, los cineastas comenzaron a tener problemas. “Nadie quería hablar, aparte de los sospechosos de siempre”, continúa GayRees. “En realidad, ninguna de las personas que estaban cerca de ella quería hablar.” De hecho, los amigos más cercanos de Winehouse habían hecho voto de silencio. “Inmediatamente después de su funeral, ellos dijeron: ‘Vamos a mantenerlo en la casa y nunca compartir esto con nadie.” Kapadia, que completó las 100 o más entrevistas que le dan la narrativa a Amy, señala que su viaje a través del proceso de filmación fue construido a medida que se

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Foto: Juliette Ashby

ganaba la confianza de la gente. “Se convirtió en un viaje diferente a Senna porque tenía que conseguir que muchas personas diferentes confiaran en mí”, dice.

tuvo sus altibajos, sobre todo durante las últimas etapas de la vida del cantante. “Pero, sobre todo, ellos dos pueden contextualizar a Amy”, dice Gay-Rees.

“Era todo muy reciente y doloroso para mucha gente y había un montón de culpa y de cargas emocionales.”

“Ella era como ellos, una chica de los suburbios del norte de Londres. Ella no nació para ser famosa; no creo que nadie esté preparado. Amy era sólo una niña judía del norte de Londres, que se convirtió en este fenómeno, y tener a estos dos amigos como una presencia casi constante en la película nos recuerda de donde venía. Amy no era Justin Bieber. Ella no era una niña Disney”.

Los realizadores pasaron casi un año tratando de conseguir que personas muy importantes participaran en el proceso. “Las personas clave que inicialmente no querían estar involucrados; Juliette [Ashby] y Lauren [Gilbert], dos viejos amigos que estaban muy cerca de Nick Shymansky, su primer manager, con el tiempo se dieron cuenta de que debían participar para que su lado de la historia fuera escuchada”, explica Gay-Rees. “Toda la experiencia fue muy profunda para estas personas, como es comprensible. Es difícil imaginar cómo debe ser ver a un amigo de la infancia o adolescente pasar por los peligros de la celebridad y mega-fama, sabiendo que serían temas que se tratarían en profundidad”. Juliette Ashby y Lauren Gilbert eran los amigos más antiguos y cercanos de Winehouse, a pesar de que su relación

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LOS HITOS Uno de los primeros grandes avances de los realizadores fue conseguir el apoyo de Nick Shymansky, primer manager de Winehouse. No sólo tiene un profundo conocimiento y cariño por su ex cliente, sino que también tenía una gran cantidad de material de archivo que resultaría esencial para la película. De hecho, el editor Chris King dice que Shymansky fue básico en la historia: “Hemos hablado con su amigo Tyler James, y con ambos descubrimos a esta chica que escribía


“La escritura era terapia musical para Amy”, continúa King. “Pero también su escritura era enormemente ingeniosa y divertida. Había algo curativo en ello; tenía que hacerlo. Era compulsivo. También escribió letras muy atrevidas y groseras. Una vez que organizamos esto, quedó claro que sería la primera parte de la película”.

se comportan de manera diferente. Entonces editamos las entrevistas y se la enseñamos de nuevo a ellos para comprobar que fuera realmente honesto con lo que querían expresar.” King cuenta que los amigos de la infancia de Winehouse estaban increíblemente preocupados por cualquier implicación en el proyecto. “Pero con el tiempo se unieron a nosotros y nos las arreglamos para llegar a personas que estuvieron muy cerca de Amy Winehouse y su familia, que habían estado allí durante toda su vida”, asegura. “Entonces, lo que previamente había sido conjeturar, de repente se convirtió en realidad.”

El paso siguiente fue convencer a Juliette Ashby y Lauren Gilbert, lo que costó otros nueve meses, “Son como Amy”, dice Kapadia. “Nick dijo que serían un reto, al igual que todo el proyecto, pero que necesitábamos su relato porque ellos la conocían mejor que nadie, así que debíamos conseguir su confianza.”

No eran sólo las entrevistas de Shymansky, Gilbert y Ashby la clave para la película sino también el material de archivo que proporcionarían otros. “Hay un montón de escenas de los conciertos, pero no tanto de Amy en sus primeras etapas, porque fue un momento muy corto antes de hacerse famosa”, dice Kapadia.

“La gente estaba muy cautelosa, nerviosa y paranoica”, añade. “Que hubiéramos rodado Senna ayudó y cuando la gente vio nuestro trabajo, incluso si no estaban interesados en ese tema, comprendieron como funcionábamos.”

“Pero las imágenes de Nick, en particular, nos muestran la chica que era realmente. Se podía ver lo inteligente, especial y también lo normal que era. Sabía que podía hacer una película sólo con ese material de sus inicios”.

poesía y hacía música por razones absolutamente personales. Ambos tenían diferentes opiniones en cuanto a por qué lo hacía, pero era obviamente un elemento catártico para ella, una forma de luchar contra el dolor.”

Cuando Kapadia empezó a hablar con las personas más cercanas a Amy, se hizo evidente que estaban contentos por liberarse de la carga que llevaban. “De algún modo, fue una terapia para ellos”, dice el director. “Había algunos a los que les pesaba esta carga y lo estaban pasando mal, sabiendo lo que sabían. Yo era imparcial. No era parte del negocio de la música, no tenía ninguna organización detrás y por ello decidieron hablar. La mayoría de ellos se sintió mejor después.” “Lo que progresivamente iba surgiendo eran ciertos temas que no se querían abordar, pero que con el tiempo parecía que debiéramos afrontar. Y luego, cuando 10 personas han dicho lo mismo se puede ver cómo todo está conectado”.

El director dice que los primeros tramos de metraje proporcionaban un tema visual fuerte. “Hay un montón de tomas en las que mira directamente a la cámara, al espectador. Me di cuenta de que era muy potente. Al principio se filma a sí misma mucho, literalmente hablándose en la cámara.” afirma. “También tiene esas fotos personales, donde ella se ha fotografiado en su ordenador en Photo Booth. Recuerdo que pensé que era un poderoso viaje visual -el uso de la lente y la cámara-. Entonces se convierte en algo muy agresivo con los paparazzi.”

Durante el proceso de entrevistas, la mayoría de los sujetos que estaban cerca de Winehouse se venían abajo. Fue una experiencia emocionalmente desgarradora para todos los involucrados. “Pero ayudó el hecho de que cuando hablaban no los estaba filmando.”, dice Kapadia. “No necesitas verlo en la pantalla. La emoción está allí, en sus voces.

“Con su mirada directa a cámara, me di cuenta de que sería muy potente y también se apreciaba en las grabaciones de sus amigos de ella y su marido [Blake Fielder, otro factor clave]. Cuando estaban en ese centro de rehabilitación y Blake dice: ‘¡Vamos, canta Rehab! “Eso es muy duro de ver, pero el hecho es que ella está mirándonos directamente cuando lo hace.” Gay-Rees está de acuerdo. “Creo que el material de sus inicios fue clave, porque eso muestra un lado de ella distinto al que presentó a la prensa. Sólo con ver ese lado de su personaje que brilla a través de nosotros, te llega de verdad”.

“Ese proceso hizo que la confianza fuera mucho más fácil de construir, mientras que, si estás filmando, las personas

Al igual que Gay-Rees y Kapadia, el editor Chris King cree que este material primerizo era imprescindible. Cita la

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grabación proporcionada por sus amigos de la infancia en 2005 que muestran a Winehouse ofreciendo una visita guiada de un apartamento en el que estaban de vacaciones. “Estaba tan graciosa y vivaz... ella estaba realmente enamorada en ese día de fiesta”, dice. “Su vida era genial. Estaba divertidísima. Es un material increíble”. “Ninguna de estas imágenes de sus inicios se había visto antes. Fue genial poder hacerse con material que mostraba a Amy el día de su boda, por ejemplo”, añade King. “Su amigo Phil Meynell, otro entrevistado, nos dio este material que nadie había visto antes. Es increíble “, dice Gay-Rees. “Es algo muy íntimo; es ella en pleno apogeo. Me encantan las cosas que vemos de ella en el barco el día de su boda”. EL PROCESO DE EDICIÓN En una película como AMY el programa de producción involucra una intensa investigación, la recopilación de las entrevistas de audio y las imágenes, y luego el largo proceso de edición, que se desarrolló simultáneamente. La edición en sí fue un proceso de 20 meses y Gay-Rees dice que la película se benefició enormemente de tener a Chris King a bordo desde el principio. “No hay muchas personas en el mundo mejores que Chris manejando documentos de archivo, tiene un don brillante para el uso de imágenes de archivo.” Al igual que con Senna, no habría entrevistados en pantalla. El audio iría sobre el material existente, y eso es muy laborioso”, dice el productor. “No tenemos narrador ni voz en off, así que no hay atajos. Teníamos que hacer que las imágenes hicieran todo el trabajo”. A diferencia de en Senna, donde los realizadores tuvieron un enorme archivo de la F1 desde donde podían sacar el material, con AMY había muchas limitaciones. “De ciertas cosas no había ningún material de archivo en absoluto”. La cobertura que los cineastas pudieran utilizar en AMY también era completamente diferente. “Todo el material fue diferente esta vez también”, dice Chris King. “Dependíamos de las cosas que muchas personas diferentes habían rodado o fotografiado. Además, nos encontramos desde el principio con agujeros durante periodos clave”. Él recuerda 2005, que fue un gran cambio en la vida de Winehouse pero ella estaba fuera del circuito de la prensa y había, por tanto, muy poco material. “Ella no era tan conocida y por un tiempo en 2005 era un interrogante”, añade King. “Nos preguntábamos: ¿Qué pasó

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y cómo podemos contar esta parte de la historia?” Ella se vio inmersa en la escena de Camden y se metió poco a poco en las drogas. “Comenzó una intensa relación y no escribió mucho. Sabemos que no hay mucha evidencia de que ella estuviera escribiendo, estaba centrada en las actuaciones, y sin embargo pasó algo realmente importante.” La intensa relación que inició durante este período la hizo centrarse por completo en su amor con Blake Fielder. “¿Qué fue lo que pasó?”, se pregunta King. “No entendíamos porque no había ningún registro de lo que estaba sucediendo.” “Desde fuera, parecía que él se equivocaba al involucrarse en el proyecto. Todo esto ocurrió fuera de cámara. ¿Cómo podríamos mostrarlo? Y luego gota a gota, por trozos y piezas de entrevistas, material de archivo y fotografías que nos llegaron, pudimos rellenar agujeros y seguir con la narración a través de este periodo”. Incluso cuando la cobertura mediática era fuerte, la calidad era a menudo muy débil. “El material era muy rudimentario la mayoría del tiempo”, dice el editor. “Muy rara vez podíamos decir, mira, esta es una buena fotografía.” “Para Senna teníamos un montón de material increíble, había una gran cobertura y material antiguo de buena calidad. Había muchas cosas estéticas que eran bastante agradables a la vista. Pero en AMY no había mucho de eso en absoluto. Las cosas más interesantes eran las más ásperas. Eso era lo más revelador”. Kapadia cuenta. “Con Senna tuvimos una increíble cantidad de material de archivo de cámaras de gran calidad, mientras que en AMY tienes gente común filmando desde un coche o en la calle, así que técnicamente nunca iba a ser tan bueno. Pero tienes que aprender a confiar en que es real. Tienes que confiar en la calidad del material y la verdad emocional sobre la calidad técnica.” “Parte del material se ve horrible, y te preocupa si lo puedes usar, pero tienes que hacerlo. Además, podemos hacer que se vea mejor y mejorar el sonido. Las personas quedan inmersos en ello”. En una pantalla de cine, los espectadores son propensos a perdonar la calidad más fácilmente que si están en casa”, dice Kapadia. “Y después de haber hecho algunas películas basadas en secuencias perfectamente recreadas, me gustaba la oportunidad tambaleante de algo que sólo existe en ese formato. Tienes que aprender a valorar esta imperfección. De hecho, la imperfección es algo que me parece intere-


Foto: Rex Features


Foto: Nick Shymansky


sante”. Dicho esto, una enorme cantidad de esfuerzo se dedicó al material de archivo y la calidad del sonido para asegurarse de que todo lo utilizado en la película tuviera la mayor eficacia posible en la pantalla. King explica: “Una gran parte del trabajo era: Asif y yo sentados en una sala preguntándonos por dónde continuar. Pero también estaba trabajando con la gente en el otro extremo de ese proceso. Tomando lo que habíamos recopilado de ese año y medio, poniéndolo en alta resolución, para que se pudiera proyectar en una pantalla de cine. “Y esas personas estaban asombradas por la gran cantidad de trabajo y esfuerzo que habíamos puesto en lo que parecía una línea de tiempo bastante desordenada. Con cada plano, tuvimos que hacer un montón de estabilización, reformulación y corrección de color. Tuvimos que ralentizar alguno videos, acelerar otros, cambiar formatos...”. “El editor de fotografía que hizo el trabajo dijo que era, con mucho, la película más complicada técnicamente en la que jamás había trabajado”, añade King. “A pesar de que se ve como un video casero honesto, pero desordenado a veces, es un trabajo lleno de amor convertir esta colección de desastres y retales en algo que fluía y se siente como un pedazo de cine.” Y luego estaba todo el trabajo realizado en la calidad del sonido también. “Tuvimos un montón de cuidado y atención en cómo unificamos todas estas cosas, que se rodaron en 10 años en teléfonos móviles, videocámaras de aficionados, material profesional, cosas de Estados Unidos y de todo el mundo”, dice King. “Había un montón de trabajo planeado para que pareciera una pieza unificada todo junto. Probablemente ese aspecto no es algo de lo que la gente sea consciente cuando lo ven. Esperemos que, como siempre, el lado de edición se disfrace y los espectadores se sumerjan con la música de Amy, la narrativa y la historia. Pero fue un trabajo muy duro”. Los realizadores admiten que una parte de material con mucha fuerza y algunos momentos especialmente impactantes, tuvieron que ser exorcizados en un intento de mantener la narrativa equilibrada, y para mantener una línea común en todo el proyecto. “Había mucho que no podíamos poner porque haría la película demasiado larga”, dice Gay-Rees. “Intentamos conseguir una duración más tradicional, a 90 minutos.

“Definitivamente hubo otras cosas que nos hubiera gustado añadir, pero todos estábamos dispuestos a sacrificar cosas para mantener una duración razonable.” Los realizadores también estaban dispuestos a asegurarse de que la película no era demasiado larga para el espectador. “Creo que es bastante oscura”, concluye el productor. “Hay que tener cuidado con ese punto de inflexión, porque se puede convertir en contraproducente y en realidad la gente no puede disfrutar de la película. Teníamos partes anteriores del filme donde nos mostraba qué linda y brillante criatura era, pero luego entrábamos en una hora y media de miseria. Entonces se convierte en una especie de juicio. Las personas podrían haber dicho con razón: ¿Cuál es la intención de esto? Así que tuvimos que tener mucho cuidado en la búsqueda de ese equilibrio. LA HISTORIA DE AMY WINEHOUSE Según los realizadores, lo peor que el público podría decir es que habían visto esta historia antes en los medios. Están confiados, sin embargo, en que esto no será así. No es sólo la calidad de las entrevistas y las imágenes que establece AMY como un aparte de la cobertura existente, es la forma en que la película aborda la historia de Amy Winehouse. “Estábamos muy interesados no sólo en una recopilación de lo terrible que había sido mostrado antes”, dice Gay-Rees, “porque ya había mucho de eso en los medios de comunicación en su momento, ¿y cuál sería la lógica de hablar de lo mismo? Tuvimos que cavar más profundo: ¿Qué tratábamos de mostrar? Esta es una película sobre Amy y sus letras”, dice. “Las personas no se dan cuenta de lo personales que sus letras eran. Sólo poniendo las letras en la pantalla y dejando a la gente saber que podían haber bailado esa canción y tal vez no darse cuenta de lo personal que era realmente el contenido todo adquiere una nueva dimensión.” En última instancia, los realizadores creen que Amy es una película sobre el amor. “Se trata de una persona que quiere ser amada”, dice Kapadia, “alguien que necesita amor y no siempre lo recibió.”

AMY Estreno 17 de julio de 2015

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STOMP Teatro Calder贸n de Madrid Del 18 de agosto al 6 de septiembre de 2015 www.teatrocalderon.com 92 - EMNMM


STOMP

Escena La explosiva combinación de percusión, música, danza y comedia visual que ha convertido a STOMP en un fenómeno global ha sido el espectáculo elegido para la esperada reapertura del Teatro Calderón de Madrid. STOMP lleva 24 años girando por todo el mundo, habiendo realizado ya más de 20.000 representaciones, para más de 12 millones de espectadores en 53 países de los 5 continentes. Actualmente hay cinco compañías de STOMP: una en gira en Europa, otra en gira en Norteamérica, una tercera en gira en el resto del mundo, otra en Nueva York (22 años consecutivos de éxito) y otra en Londres (actualmente en temporada consecutiva). Un total de 90 artistas integran estas cinco compañías. A lo largo de este tiempo STOMP ha consumido en sus espectáculos más de 50.000 cajas de cerillas, 30.000 escobas, 20.000 contenedores, 10.000 pares de baquetas y 25.000 litros de pintura negra aplicada con 737 rodillos de pintura. Esta muestra única de percusión, movimiento y comedia visual que es STOMP nació en el verano del año 1991 en Brighton (Reino Unido) de la mano de Luke Cresswell y Steve McNicholas, que habían trabajado juntos ya en los años 80 haciendo comedia musical callejera. La idea fue concebida originariamente por Cresswell como parte del espectáculo de una banda sobre el escenario, sin poder imaginar que estaba creando el fenómeno mundial conocido como “el dustbin dance” (el baile del cubo de la basura) y creando una nueva categoría de espectáculo sin fronteras, mérito unánimemente reconocido a STOMP como los creadores y representantes de la excelencia.

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FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS Del 3 al 25 de julio MATADERO MADRID


Frinje Madrid se asoma este año al filo de los géneros para tomar impulso y saltárselos. Las más de 500 propuestas recibidas desde distintos rincones del mundo demuestran que la realidad escénica desobedece desde hace ya tiempo la tiranía de las etiquetas. En 2015 celebra los cuerpos en movimiento, alentando la creación en grupo, disfrutando de experiencias singulares, investigando en laboratorios de creación, reinventando enfoques y experimentando de primera mano la inmediatez de una actualidad rabiosa, intensa y desafiante. Frinje Madrid cartografía en su cuarta edición los territorios fronterizos de la escena y explora, para habitarlos, los espacios comunes de la creación, la exhibición y el pensamiento contemporáneo. Frinje Madrid escribe del 3 al 25 de julio un manifiesto artístico que reivindica un diálogo activo entre creadores y espectadores, entre las realidades múltiples y las utopías (o distopías), entre la vanguardia y la tradición.Y lo hace con programación para mayores y pequeños en el escenario, en las terrazas, en los espacios convencionales y en los singulares. Frinje Madrid cambia de rumbo, muta, se repiensa y estrena nombre con cuerpo de J: de Fringe a Frinje. En un homenaje a la sencillez juanramoniana; en un guiño a la particular y reconocible pronunciación con que suele llamar al festival el público madrileño. www.frinjemadrid.com

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CUERPOS EN MOVIMIENTO / 3 Y 4 DE JULIO

Danzad Malditos Por Félix Estaire Dirección Alberto Velasco Sala Max Aub

EN LA ÉPOCA DE LA GRAN DEPRESIÓN, EN ESTADOS UNIDOS SE ORGANIZABAN CONCURSOS DONDE PAREJAS BAILABAN DE MANERA CONTINUADA, DÍA Y NOCHE, HASTA ACABAR EXTENUADOS. GANABAN LOS QUE MÁS RESISTÍAN Y RECIBÍAN DINERO EN METÁLICO. BASADO EN LA CÉLEBRE PELÍCULA DE SYDNEY POLLACK, ESTA PROPUESTA REPRODUCE AQUELLOS MARATONES DE RESISTENCIA DONDE LOS BAILARINES ERAN AUTÉNTICOS ESPECTÁCULOS DE LA MISERIA. LA COMPETICIÓN SE DESARROLLA DE MANERA REAL: CADA FUNCIÓN ES UN FOLIO EN BLANCO QUE SE IRÁ ESCRIBIENDO CON CADA MOVIMIENTO DE SUS PARTICIPANTES.

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CUERPOS EN MOVIMIENTO / 16, 17 y 18 DE JULIO

Fuerza de gravedad Dirección Damiana Poggi Sala Madera

A PARTIR DE LA BIOGRAFÍA DE TRES EX BAILARINES DEL BALLET DEL TEATRO COLÓN DE BUENOS AIRES, QUE TIENEN ENTRE 70 Y 96 AÑOS, SE ABORDAN NOCIONES COMO EL ENVEJECIMIENTO DEL CUERPO, EL PASO DEL TIEMPO, LA DANZA, EL DESGASTE, LOS LÍMITES, LA RESISTENCIA. ESTA PIEZA DE TEATRO-DANZA DOCUMENTAL SURGE COMO UNA SUMA DE FUERZAS CONJUNTAS ENTRE ARTISTAS DE DIVERSAS DISCIPLINAS –TEATRO, DANZA, ARTES VISUALES, MÚSICA, VIDEO– QUE REFLEXIONAN SOBRE EL CUERPO Y SU RELACIÓN CON LA ESCENA.

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CREACIÓN EN GRUPO / 15 Y 16 DE JULIO

Dèvoration (Con amor o con odio, pero siempre con violencia) Creación colectiva concebida y dirigida por Maxime Franzetti Sala Fernando

EXPUESTOS ENTRE LAS PAREDES ESTERILIZADAS DE UNA CAJA BLANCA, ONCE ACTORES OBSERVAN LAS RELACIONES QUE SE CREAN ENTRE ELLOS ANIMADOS POR UNA VOLUNTAD ANTROPÓFAGA DE PODER. A MEDIO CAMINO ENTRE LA REALIDAD CONTEMPORÁNEA Y LOS MITOS FUNDACIONALES, EL NUEVO ESPECTÁCULO DE LE THÉÂTRE DU BALÈTI CONFRONTA DEPREDADORES Y VÍCTIMAS, INTERROGA LA VORACIDAD EN SU RELACIÓN CON EL OTRO Y PONE A PRUEBA LA FAMOSA HIPÓTESIS DE CESARE PAVESE: CON AMOR O CON ODIO, PERO SIEMPRE CON VIOLENCIA. (Espectáculo en francés con sobretítulos en castellano)

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Música

JAZZ LATINO De la mano de Gestion Music, tres de los grandes referentes del jazz español protagonizan el ciclo Jazz Latino en la terraza del Teatro Galileo. De la exquisitez de la cantante y compositora Eva Cortés, a la sabia fusión del flamenco con el jazz de un artista de raza como Enrique Heredia “Negri”. Y para finalizar, un tributo de un grande, Jerry González, a otro grande, Miles Davis.

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EVA CORTÉS Presentación en España de su último disco In Bloom In Bloom es un trabajo que combina composiciones propias con eclécticas versiones, acompañada por músicos como el pianista Romain Collin, el guitarrista Mike Moreno, el bajista Luques Curtis, el baterista Kendrick Scott y el percusionista Reinaldo Dejesús. Tras su primera entrega para EMI, Sola Contigo (2007), y sus dos primeras entregas para Universal Jazz Spain, Como Agua Entre los Dedos (2009) y El Mar de mi Vida (2010), Eva Cortés se encuentra ya entre las jóvenes compositoras e intérpretes más interesantes del panorama del jazz en español, reconocida en el mundo entero y avalada por sus giras en más de 30 países, especialmente en EEUU. Con Back 2 The Source (2011), nos reveló su mirada personal sobre lo que ella considera el pilar de su influencia musical: el jazz; colaborando con artistas de lujo de la talla de Romero Lubambo, Mark Whitfield o Paco de Lucía.

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ENRIQUE HEREDIA NEGRI Anthology

Heredero de la música y la tradición flamenca, Enrique Heredia Negri proviene de una familia gitana, de la que provienen músicos legendarios como el guitarrista Sabicas, el visionario del nuevo flamenco Ray Heredia, o la gran cantaora Estrella Morente. Ha colaborado con muchísimos artistas como Diego El Cigala, Tomatito, Antonio Carmona o Niña Pastori. También en el mundo del jazz con artistas como Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Jerry Gonzalez o el contrabajista Jorge Reyes y en la escena del pop ha trabajado con Mecano, Andrés Calamaro, Presuntos Implicados, Cómplices, entre muchos otros.También ha formado parte del grupo de Paco de Lucía, como cantaor y guitarrista en el disco y la gira Cositas buenas. Con su nuevo álbum Anthology, el Negri presenta un formato de Jazz que parte de su extensa experiencia dentro de la música. Interpretando desde Bossa Nova a Estándar del jazz, pasando por los temas más representativos de su personal carrera o una selección excepcional de Boleros, como él solo sabe interpretar.

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JERRY GONZÁLEZ TRÍO Miles Davis Tribute Fundador del grupo folclórico y experimental neoyorquino Jerry González Trío, comenzó profundizando en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz, inspirado por legendarios artistas latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente o Eddie Palmieri. Pero sin duda, su verdadero talento afloró con su segunda banda, Jerry González and the Fort Apache Band, un territorio de encuentro y de mestizaje en el que las tradiciones latinas y del jazz se codean con absoluta normalidad, creando así una de las propuestas más sugerentes que han aparecido en el jazz en los últimos años. Con el álbum Rumba para Monk (1989), ganaron el reconocimiento de la Academie du Jazz francesa con el premio Jazz Record of the Year. Posteriormente, el exitoso álbum Moliendo Café (1991) una vez más demostró la calidad de la banda para tocar jazz inspirado en la música latina con genuina sensibilidad y virtuosismo. Poco después siguieron otros dos álbumes magníficos: Crossroad (1994) y Pensativo (1995), ambos ganadores de una nominación a los Premios Grammy. González y su Fort Apache Band, también ganaron críticas muy favorables por su contribución al video documental sobre el jazz latino, Calle 54, dirigido por el cineasta, Fernando Trueba.

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CENTRO CULTURAL GALILEO Fernando el Católico, 35 28015 Madrid Eva Cortés. 12 de julio. Enrique Heredia Negri. 19 de julio. Jerry González Trío. 9 de agosto. Hora: 21:30h EMNMM - 109


De Madrid al infierno: Guía de crímenes en Madrid

Madrid. 100 fotografías que deberías conocer

Una mano cortada en un siniestro piso de la calle Princesa... Una lozana doncella y una plancha llena de sangre con cabellos humanos adheridos en la calle Fuencarral... 80 kilos de Goma 2 y dinamita en túnel bajo la calle Claudio Coello. Tres anarquistas disparando a quemarropa desde un sidecar en plena Puerta de Alcalá... Una invitación a arsénico... Estas son tan sólo algunas de las fechorías en la extensa historia delictiva de Madrid. Definitivamente esta guía no es apta para todos los públicos; le estremecerá, le inquietará, le dejará huella. Así es De Madrid al Infierno.

Apostar por la valoración del patrimonio fotográfico. Divulgar cientos de imágenes de gran belleza y fuerza documental que se hallan custodiadas en decenas de archivos y centros especializados. Reivindicar la calidad y el buen hacer de una inacabable nómina de fotógrafos que a lo largo de más de ciento cincuenta años nos ofrecen un impagable testimonio de la evolución de nuestra sociedad. Estos son los objetivos de la colección. Presenta imágenes que muestran la transformación urbana de Madrid durante un siglo y medio. La llegada del agua del Canal de Isabel II, los tranvías de tracción animal, los globos, los dirigibles, las campañas electorales, la guerra civil, las penurias de la posguerra, el desarrollismo de los años sesenta o la movida madrileña, conforman una galería fantástica en la que actúan tres protagonistas: los fotógrafos, las personas cuyas vidas fueron encapsuladas en un instante y, siempre de fondo, Madrid.

M. Blesas / J. A. Pastor 240 páginas Ediciones La Librería 9788498730937

F. Ayala 132 páginas Lunwerg 9788497856881

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Libros

Nazis en Madrid Peter Besas saca a la luz una realidad tan desconocida como impactante, la de los profundos lazos que el nazismo extendió por la capital durante seis años, desde 1939 a 1945, desde su centro de operaciones ubicado en el Paseo de la Castellana 6, lugar donde se situaba la embajada alemana. Nazis en Madrid es una minuciosa y conmovedora lista de escenarios, personajes e historias en los que descubriremos la notable presencia que durante un tiempo ejerció el Tercer Reich en la capital por medio de elementos como un centro cultural, una iglesia luterana, una agencia de viajes o diferentes servicios de noticias. En este libro también se mostrará los intentos y esfuerzos de los Aliados en Madrid para combatir que la influencia nazi lograse llevar a cabo sus ambiciosos objetivos. Esta obra nos presenta la sorprendente historia de esta lucha de poder que permaneció invisible a los ojos de una gran parte de la población y que tuvo como escenario un Madrid convulso que aún tenía muy recientes las heridas de la Guerra Civil. Sin duda, un libro que no dejará indiferente a nadie. P. Blesas 415 páginas Ediciones La Librería 9788498732863

Pasos históricos de la Sierra de Guadarrama Las comunicaciones de la Sierra de Guadarrama, como las de toda región montañosa, tienen un carácter singular que permite estudiarlas como un sistema vial englobado en el general. La Sierra es un territorio de extensión limitada, lo que nos ha permitido, al reducir el espacio estudiado, extender la variable tiempo a toda la Historia, desde los romanos hasta las carreteras actuales. De esta forma se puede seguir la evolución de los caminos, desde su nacimiento hasta su final si se han abandonado, o hasta su situación actual si siguen en uso. El problema de los caminos no es sólo el de su origen, sino también el de su historia, porque la evolución del tráfico exige sucesivas intervenciones en ellos hasta llegar a las carreteras modernas. Para conocer los caminos hemos viajado por los pasos de la Sierra, tratando de averiguar cuáles eran los caminos históricos, su evolución y sus características; algunas veces hemos conseguido resultados, pero en todos los casos mereció la pena el recorrido. L. Fernández 336 Páginas Canales y Puertos 9788438000762

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Foto: Lorena Pose


Tiendas

Visual Shopper Me enamoré de un maniquí Visual Shopper es el resultado de un giro radical en la carrera como Diseñador Gráfico de Andrés J. Blázquez hacia el mundo de la decoración, tanto para el hogar (modelos más decorativos) como para las tiendas (modelos más funcionales), especialmente para joyería, sombreros y complementos de moda. Su autor crea esta marca con la intención de sumar elementos al mundo de la decoración e introducir en nuestros hogares piezas originales que ayuden a la hora de decorar una estancia y potenciar el estilo y la personalidad de cualquier casa. Unas obras que están destinadas para los verdaderos amantes del diseño y el arte, no apta para mentes conservadoras, aunque no por ello haya de resultar libertina y extravagante, ya que puede adaptarse a todo tipo de público que esté por la labor.

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Los verdaderos protagonistas de esta historia son los maniquíes. Lejos de la frialdad del maniquí tradicional, Andrés se atrevió a personalizar diversos modelos hasta componer la casa de muñecas en la que hoy se ha transformado Visual Shopper. De su primer encontronazo con Leonarda -la reina de la casa por tratarse de una muestra única, un busto que apareció como por arte de magia una mañana entre los tesoros del madrileño Rastro- ha pasado a formar una familia de diversas colecciones, inspirado en su manera de entender la música, el arte y el cine, así como de admirar determinados iconos femeninos que han pasado a la historia. La Casa de Muñecas Colección Vintage Esta es la colección más variada y numerosa de Visual Shopper y sus protagonistas están inspiradas en modelos de mujeres de los años 20, 30 y 50, muchas de ellas conocidos iconos de la feminidad. Así, podemos encontrar desde maniquíes parisinos, al más puro estilo Kikí de Montparnasse, hasta alguna flamenca realizada a imagen y semejanza de las protagonistas de los cuadros del pintor Julio Romero de Torres. Diversidad garantizada bajo el denominador común del ahora tan en alza estilo vintage.

ción Decó. Todo amante del arte que se precie podrá encontrar un parecido razonable en el maniquí que ilustra este texto, y es que, tal y como dicta su nombre, está inspirado en las pinturas del célebre pintor Modigliani. Su largo cuello hace que se distinga de sus hermanas y que quede bien en cualquier rincón del hogar, cumpliendo así su función decorativa. Colección viva México Está formada por las Katrinas, reciben dicho nombre debido a que se asemejan a las tradicionales máscaras mexicanas con aspecto de calaveras. Este maniquí permite una especial libertad creativa al diseñador gracias a los numerosos tatuajes, que varían de una a otra. Los dos modelos disponibles de Katrina se diferencian según sus tendencias musicales dando lugar a la Katrina LePunk y a la Katrina LeRock. Colección Museum Estos son los maniquíes que se convierten en auténticas obras de arte, en el sentido más metafórico pero también literal. Y es que cuando no hay cash para adquirir una pieza de Picasso o Velázquez lo mejor que uno puede hacer es crear su réplica en busto. Una pieza única para las tiendas de los museos que quieran tener en sintonía sus productos con su Arte.

Colección Decó En esta colección encontramos las joyas extraviadas de la marca. Inclasificables en una misma colección temática por la diversidad y originalidad de las integrantes de la Colec-

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Visual shopper es mucho más que una tienda virtual, es un pequeño museo cuyas piezas están al alcance de todos los bolsillos.


Visual Shopper www.visualshopper.es


Foto: María Giménez Molina & Alberto Ruiz López


Comer

LA LONJA Lo mejor del mar en la Plaza de Oriente _______

Por Carmen Martínez de Artola

Madrid esconde muchos rincones encantadores. Paisajes urbanos de enorme belleza. Y entre ellos muy difícil superar el brillo de la Plaza de Oriente, con el Teatro Real mirando a Palacio, los jardines de Sabatini, el monumento a Felipe IV… y luz, una luz que es reflejo de la memoria de los habitantes de la capital. Pocos escenarios mejores para pasear o contemplar, ante una taza de café o mejor, en torno a una mesa repleta de viandas. Alegría para la vista y el paladar que pone a nuestra disposición el nuevo restaurante La Lonja del Mar.

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Se trata de la última apuesta del Grupo Lezama, propietario de establecimientos como la Taberna del Alabardero o el Café de Oriente. Cuenta con un amplio local de espectacular decoración de Ignacio García de Vinuesa con evocaciones de marina modernidad. Tiene, por supuesto, una fantástica terraza en un emplazamiento envidiable, mientras que el interior se divide en dos pisos.

DOS PROPUESTAS, DOS ESPACIOS En la planta baja se encuentra el Raw Bar presidido por una fastuosa barra, con una oferta basada en elaboraciones en su mayor parte en crudo como la trilogía de ostras, los ahumados caseros, la ensalada de frutos rojos y tiradito de salmonete o el carpaccio de gamba roja del Mediterráneo. Además, propuestas del día en función del mercado como percebes gallegos o alistados de Almería. Y para beber los cócteles son los protagonistas, tanto los más básicos como los de creación propia. Subiendo las escaleras nos encontramos con La Lonja, el restaurante propiamente dicho dividido en diferentes espacios de ciudadísimo interiorismo, entre los que destaca el que presenta la grandiosa panorámica del Palacio Real. En la cocina, con una ventana a la vista de los clientes, un impresionante horno de brasas de encina del que salen muchas de sus preparaciones. En la carta gran cantidad de marisco y pescado siempre salvaje, llegado de las costas nacionales que va desde la gamba de Huelva, al atún y el besugo de Cádiz o hasta el rodaballo y los berberechos de Galicia. Entre los entrantes platos como la ensalada de bonito del norte escabechado en la casa, las anchoas del Cantábrico, los bocartes con ajo y guindilla o el salmorejo con langostino de Sanlúcar. Y como segundos lubina salvaje al espeto, rodaballo a las brasas con verduras, la merluza de Celeiro en salsa verde con almejas y gambas y para los carnívoros, algunas opciones como el solomillo de buey o las chuletitas de lechal.

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LA LONJA Plaza de Oriente, 6 Tlf. 91 541 33 33 www.lalonjadelmar.com

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EL OCÉANO EN EL PLATO Nuestra comida comienza con los siempre buenos panes de Viena la Baguette y un par de aperitivos: una gustosa mouse de coliflor con un buen berberecho al vapor y un canónico ajo blanco. Seguimos probando dos de las preparaciones del Raw Bar. Muy rico el cebiche de lubina con calamar, con un aliño suave pero equilibrado que intenta no quitar protagonismo al pescado. Y un sabroso tartar de atún rojo, con pescado de mucha calidad, bien cortado y aderezado. Pasamos a la propuesta de La Lonja con unas vieiras con alcachofas, crema de hummus y caldo concentrado de cocido. Magnífica receta en la que todos los elementos se complementan a las mil maravillas gracias a una intensa crema que integra el conjunto. Seguimos con el espeto de rape y sepia con champiñones y trigueros. Total sencillez en una elaboración que ensalza un gran producto en su punto justo de cocción. Terminamos la parte salada con un lomo de buey Angus de correctísima ejecución, tierno y de estupendo sabor. De los postres, siempre caseros, un pastel de limón de clásicos sabores y ligera confección. Petit fours en forma de canelé de ron, nube de de azahar y financier. Y para beber un 7 Cupos, un fresco y agradable blanco de Ribeiro hecho con varias uvas autóctonas. Una comida de mucho nivel gracias a una materia prima excelente manipulada lo justo para realzarla. Espectacular decoración, una situación inmejorable y, lo más importante, en producto y cocina a la altura del lugar.

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Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Animales y faraones (Hasta el 23 de agosto. CaixaForum Madrid) – Arte y Ciencia (Hasta el 27 de septiembre. Museo Thyssen-Bornemisza) – ARStronomy (Hasta el 30 de agosto. La Casa Encendida) – Arte mochica del antiguo Perú. Oro, mitos y rituales (Del 3 de julio al 4 de octubre. CaixaForum Madrid) – Cervantes a la luz (Hasta el 27 de septiembre. Museo de Historia) – Develar y Detonar. Fotografía de México (Hasta el 30 de agosto. CentroCentro) – Diez Picassos del Kunstmuseum de Basilea (Hasta el 14 de septiembre. Museo del Prado) – Enrique Meneses. Vida de reportero (Hasta el 26 de julio. Sala Canal de Isabel II) – Federico Guzmán, culturas de la jaima (Hasta el 30 de agosto. Palacio de Cristal del Retiro) – El Museo Reina Sofía reeducaré a Ree Morton (Hasta el 28 de septiembre. Museo Nacional de Arte Reina Sofía) – Obras maestras del Kunstmuseum (Hasta el 14 de septiembre. Museo Nacional de Arte Reina Sofía) – Paul Strand (Hasta el 23 de agosto. Fundación Mapfre) – Quijotes por el mundo (Hasta el 2 de agosto. Instituto Cervantes) – Ree Morton. Sé un lugar, sitúa una imagen (Hasta el 28 de septiembre. Museo Reina Sofía) – El fotógrafo del horror. Fotografías robadas a los SS de Mauthausen (Hasta el 13 de septiembre Centro SefaradIsrael) – Watch me move (Hasta el 23 de agosto. Fundación Canal) – Zurbarán: una nueva mirada (Hasta el 13 de septiembre. Museo Thyssen-Bornemisza) MÚSICA ________________________________________ – Ambrose Akinmusire Quartet (16 de julio. Conde Duque) – Ara Malikian (1 y 2 de julio. Circo Price) – Bob Dylan (6 de julio. Barclaycard Center) – Caetano & Gil (21 de julio. Teatro Real) – Christopher Cross (22 de julio. Jardín Botánico U. Complutense) – Chucho Valdés (13 de julio. Circo Price) – Diana Fuentes (5 de julio. Sala Clamores) – Dulce Pontes (11 de junio. Circo Price)

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– Elton John (20 de julio. Teatro Real) – La Frontera (6 de julio. Barclaycard Center) – Jackson Browne (7 de julio. Jardín Botánico U. Complutense) – José Valencia (9 de julio. Conde Duque) – Lenny Kravitz (20 de julio. Barclaycard Center) – Mireia Mambo (2 de agosto. Teatro Galileo) – Najwajean (29 de julio. Circo Price) – Noa (18 de julio. Circo Price) – Raimundo Amador (31 de julio. Circo Price) – Raphael (22 de julio. Teatro Real) – Los Secretos (12 de julio. Barclaycard Center) – Suzanne Vega (18 de julio. Jardín Botánico U. Complutense) – La Unión (28 de julio. Circo Price) ESCENA ________________________________________ – La cena de los malditos (Hasta el 1 de agosto. Teatro Bodevil) – La curva de la felicidad (Hasta el 4 de julio. Teatro Amaya) – Escenas de vida conyugal (Del 28 de agosto al 13 de septiembre. Teatros del Canal) – El estanque dorado (Del 18 de agosto al 1 de noviembre. Teatro Bellas Artes) – Fekat Circus & Slum Drummers (30 de julio. Circo Price) – Hard Candy (Teatro Valle-Inclán. Hasta el 5 de julio) – Love Pain Love (Del 30 de julio al 16 de agosto. Teatro Bellas artes) – Nederlands Dans Theater (15 y 19 de julio. Teatro Real) – Samsara (Del 27 de agosto al 13 de septiembre. Teatros del Canal) – La sesión final de Freud (Hasta el 12 de julio. Teatro Español) – La Verbena de la Paloma (Del 12 al 16 de agosto. Teatro Compac Gran Vía) – El Zoo de cristal (Hasta el 16 de julio. Teatro Bellas Artes) EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – Mado 2015 (Del 1 al 5 de julio) – Frinje (Del 3 al 25 de julio. Matadero Madrid) – PHotoEspaña 2015 (Hasta el 30 de agosto. Diversas sedes) – Veranos de la Villa 2015 (Del 1 al 30 de agosto. Diversos espacios)


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2015. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine Nº 36 Julio / Agosto  

Crimen de Hildegart / Justo y Pastor / Ciervo volante / Ojo Guareña / Álvaro de Marichalar / Klaus Enrique / Gerardo Montiel / Cristina Rota...

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