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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 62 / Diciembre 2017


| EDITORIAL |

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ste mes de diciembre nos adentramos en un Madrid diferente, donde una estatua de la libertad planta cara a la icónica Estatua de la Libertad americana.

Un Madrid de leyenda con misteriosas fuentes egipcias con tesoros escondidos y un Madrid extraño donde llueven codornices y las ratas toman las calles de la ciudad. En definitiva, un Madrid curioso resumido en cuatro historias poco conocidas de la ciudad con las que cerramos el año. Sin olvidarnos de otros temas interesantes y las mejores propuestas relacionadas con la cultura, el ocio y el espectáculo.

En este mes también pasamos una página más, la del 2017, para prepararnos para la llegada de un nuevo año y un nuevo número en el que ya estamos trabajando. Hasta que llegue ese momento, quiero aprovechar la ocasión para desearos unas felices fiestas y un feliz 2018.

Ramón Rivas

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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NOTICIAS

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MADRID. Madrid sorprendente

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MADRID COMUNIDAD. El camino, los caminos

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MADRID NATURAL. Piquituertos

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LUGARES. Monumento al Holocausto en Berlín

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PERSONAJES. María Mora. La agorera

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ARTE. Sonia MCalles

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FOTOGRAFÍA. Maxi Kohan

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CINE Y TV. Estrenos

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ESCENA. Obras en cartel

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MÚSICA. Marco Mezquida

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LIBROS

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EXTRAÑO Y CURIOSO. La isla basura

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ESPACIOS Y PROPUESTAS. Est_Art Space

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COMER. La Malaje

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AGENDA

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| CONTENIDOS – DICIEMBRE 2017 |

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ES Madrid NO MadriZ Magazine

EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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Número 62 / Diciembre 2017

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COLABORADORES Antón Pérez

IMAGEN DE PORTADA: Anarquía y Libertad

Jaime de la Torre www.jaimedelatorreart.com Visita nuestra fanpage en Facebook o síguenos en Twitter e Instagram.

Carmen Martínez de Artola RJ Jaime de la Torre Óscar Bethencourt

MAQUETACIÓN Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS

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Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544 28080 Madrid (España) Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.

Greenpeace Est_Art Space Ayuntamiento de Madrid Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín


| NOTICIAS |

Fortuny (1838-1874) de sus colecciones y museos de procedencia, siendo 12 de ellas totalmente inéditas hasta el momento. Además, en el catálogo se reproducen casi 400 imágenes, 70 de ellas por vez primera. Dentro de la línea de actuación iniciada hace ya varios años en la revisión de los grandes maestros de la pintura española del siglo XIX, el Museo del Prado presenta la gran exposición antológica Fortuny (1838 1874), patrocinada por la Fundación AXA y con la colaboración especial del Museo Fortuny de Venecia y el Museu Nacional d´Art de Catalunya. Dedicada a uno de los artistas españoles del siglo XIX que ha gozado hasta nuestros días de una valoración más sostenida de su arte y de una mayor repercusión internacional, destacándose entre las figuras capitales del arte español de todos los tiempos, la exposición podrá visitarse en las salas A y B del edificio Jerónimos hasta el 18 de marzo de 2018.

El Museo del Prado y la Fundación AXA presentan Fortuny (1838-1874), la primera exposición antológica que el Prado dedica al artista español del siglo XIX con mayor proyección internacional y un verdadero renovador en todas las parcelas del arte que cultivó.

Aunque la figura de Fortuny ha sido celebrada desde antiguo por parte de la bibliografía especializada y a través de las numerosas exposiciones e iniciativas de diversa calidad e interés que se le han dedicado en las últimas décadas, su talla como artista y su profundo arraigo con la más genuina tradición de la gran escuela española argumentan la atención del Prado hacia este gran maestro con la misma ambición y envergadura que viene dedicando a los pintores más sobresalientes que integran sus colecciones.

La muestra tiene un carácter rigurosamente excepcional e irrepetible, ya que recorre las diversas etapas de la producción del artista como pintor, acuarelista, dibujante y grabador e incluye, como novedad relevante, su faceta como coleccionista de antigüedades, en íntima relación con la búsqueda de las calidades, el color y la luz en sus pinturas. Así, se han reunido 169 obras, una treintena de ellas de la excelente colección del Prado y el resto de grandes colecciones y museos de Europa y Estados Unidos que en raras ocasiones han salido de sus lugares de procedencia, y de otras particulares. 67 de estas obras no habían sido nunca expuestas fuera

La exposición, comisariada por Javier Barón, jefe de Conservación de pintura del siglo XIX, se estructura en un recorrido articulado de forma cronológica por las aportaciones de Fortuny como pintor, acuarelista, dibujante y grabador. Junto a ellas se exhiben ejemplos de la extraordinaria colección de antigüedades que atesoraba en su atelier: preciosos objetos, algunos de ellos conservados hoy en las más importantes colecciones arqueológicas del mundo, que demuestran su interés por la observación detenida y explican el extremado refinamiento en la captación de las calidades, el color y la luz en sus propias creaciones artísticas y el asom-

Cecilia de Madrazo. Mariano Fortuny Londres, The British Museum, © The Trustees of the British Museum

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| NOTICIAS |

broso virtuosismo de sus obra, que extendieron rápida mente su fama entre los grandes coleccionistas de Europa y Estados Unidos. Fortuny (1838 - 1874) Fortuny, nacido en Reus en 1838 y fallecido en Roma en 1874, fue el artista español del siglo XIX con mayor proyección internacional. Su temprano descubrimiento de la luz y el color en los amplios espacios del norte de África impulsó su pintura hacia la captación, libre de convenciones académicas, del natural. Por otra parte, su estudio de los maestros antiguos en Roma y en el Museo del Prado le permitió comprender en profundidad lo esencial de la pintura. El virtuosismo de su técnica, que conseguía reproducir con una intensidad visual nueva las calidades materiales, el color y el brillo en Granada (1870 - 72) y en Portici, cerca de Nápoles (1874), le llevaron a nuevos hallazgos en la representación de las figuras al aire libre y a asimilar con una originalidad propia diversas influencias, entre ellas la del arte japonés, en las diferentes técnicas que cultivó.

Su aportación a la acuarela, la más sobresaliente de su tiempo, estuvo en la base de la renovación de esta técnica en España, Italia y Francia, y la trató con una nueva libertad de trazo y con un cromatismo intenso. Como dibujante captó con trazos precisos, inmediatos y elocuentes el carácter de cuanto veía. Su novedoso acercamiento al aguafuerte, a través de un trabajo muy atento a los matices y valores de la luz, lo convierte en el mejor grabador de la centuria después de Goya. Finalmente, su actividad como coleccionista, dotado de un ojo prodigioso, le permitió reunir un conjunto extraordinario de obras entre las que destacan las hispanomusulmanas, que fueron una fuente de sugestiones para sus propios cuadros. Instaladas en su atelier junto a sus pinturas, estas obras formaron un ámbito estético que reunía el arte del pasado con la creación viva en un nuevo concepto de estudio, cercano a la obra de arte total, que fue un modelo para sus seguidores. www.museodelprado.es

Los hijos del pintor en el salón japonés. Mariano Fortuny Madrid, Museo Nacional del Prado

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Auschwitz. No hace mucho. No muy lejos

Más de 70 años después de su liberación, Auschwitz continúa siendo hoy en día símbolo universal del Holocausto; uno de los episodios más oscuros de la historia reciente, que se saldó con el asesinato de más de 6.000.000 de inocentes a manos de la Alemania nazi de Hitler. Ahora, la primera exposición itinerante sobre Auschwitz y sus repercusiones históricas y humanas, recorre el mundo para acercar su compleja realidad a millones de personas y esclarecer, en un viaje intelectual y profundamente emocional, cómo ese lugar llegó a existir y el modo en que su existencia afecta aún hoy a nuestra visión del mundo.

de reputadas instituciones internacionales coleccionistas privados e, incluso, supervivientes de la Shoah. El rigor histórico de cada pieza de la colección está certifcado por un equipo multidisciplinar de expertos e investigadores designado por Musealia, encabezado por el historiador Dr. Robert Jan Van Pelt, y el equipo de historiadores del Museo Estatal de Auschwitz-Birkenau liderado por el Dr. Piotr Setkiewicz. La exposición Auschwitz permanecerá en el Centro de Exposiciones Arte Canal de Madrid, primero de sus 14 destinos mundiales en Europa y Estados Unidos, del 1 de diciembre de 2017 al 17 de junio de 2018.

Presentación

Equipo histórico

El Centro de Exposiciones Arte Canal de Madrid se convierte así en escenario de la presentación mundial de la exposición, que muestra en primicia mundial más de 600 piezas originales, y numeroso material fotográfco y audiovisual inédito. Este será su único destino en España.

El contenido de la exposición Auschwitz ha sido elaborado conjuntamente por un equipo multidisciplinar de expertos internacionales en historia y pedagogía del Holocausto, reunidos por Musealia para diseñar la mayor exposición itinerante nunca antes creada sobre Auschwitz, y el equipo del Museo Estatal de Auschwitz – Birkenau.

Auschwitz. No hace mucho. No muy lejos, ha sido creada por Musealia, en colaboración con el Museo Estatal de Auschwitz Birkenau y más de una veintena 10 - EMNMM

Centro de Exposiciones Arte Canal www.auschwitz.net


| NOTICIAS |

Al encuentro del Gran Espíritu. El Congreso Indio de 1898 Algunas de las fotografías tomadas durante este Congreso Indio, pertenecientes al Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y realizadas por los fotógrafos Frank Rinehart y Adolph Muhr, se muestran por primera vez en España y constituyen el eje de esta exposición temporal, destacando entre ellas un espléndido conjunto de retratos de jefes de distintas tribus. Igualmente se exhiben imágenes, tomadas por Edward Curtis, que ilustran la forma de vida de estas poblaciones en los espacios que habitaban a comienzos del siglo XX.

El Museo de América presenta la exposición temporal Al encuentro del Gran Espíritu. El Congreso Indio de 1898. Organizada en colaboración con el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y comisariada por Beatriz Robledo Sanz, conservadora del Museo de América, estará abierta hasta el próximo 4 de marzo. A través de una cuidada selección de obras, la nueva muestra del Museo de América nos acerca a la forma de vida cotidiana y ceremonial de las comunidades nativas que habitaron en las regiones de Bosques Orientales, Grandes Llanuras y Suroeste de América del Norte. En concreto, la exposición pone su centro de atención en un momento clave en la vida de estas comunidades que se poduce en 1898, año en que quinientos indígenas, procedentes de más de una treintena de tribus de Norteamérica, se reunieron, en lo que se denominó Congreso Indio, durante la Exposición Internacional de la Trans-Mississippi celebrada en la ciudad de Omaha (Nebraska, Estados Unidos). En ese momento, se seleccionaron representantes de distintas tribus para, entre otros objetivos, escenificar el dominio de la sociedad civilizada sobre las salvajes tierras del oeste americano.

Estas representaciones ayudan a contextualizar algunas de las obras más destacadas de la colección etnográfica del Museo de América, procedentes fundamentalmente de Grandes Llanuras y Suroeste de América del Norte. Un manto de piel de búfalo de más de dos metros de longitud y decorado con motivos simbólicos o una camisa de guerrero que posiblemente pertenece a la cultura pies negros son algunas de las piezas de la colección del Museo de América que tenemos la oportunidad de contemplar en esta magnífica muestra. También se presentan otros bienes prestados para la exposición por instituciones públicas, como el Museo Nacional de Antropología de Madrid, o por coleccionistas privados, como el gran tocado de plumas sioux de Ana y Bertrand de Montauzon. La exposición está organizada en distintas áreas temáticas: una galería de retratos que muestra a algunos de los jefes nativos asistentes al Congreso Indio de 1898 en Omaha; las actividades económicas realizadas por sociedades sedentarias y nómadas; el aprendizaje durante la infancia de las principales tareas que caracterizan a la vida adulta; las actividades desarrolladas por las mujeres; el ajuar ceremonial y los objetos utilizados como símbolo de prestigio. Un espacio dedicado a la imagen y estereotipos sobre los nativos norteamericanos que se han fijado en la memoria colectiva a través de la literatura, el cine o los juegos, finaliza el recorrido de la muestra.

Museo de América Hasta el 4 de marzo de 2018 EMNMM - 11


| NOTICIAS |

Korean Dreams

El proyecto más reciente de Nathalie Daoust, Korean Dreams, presenta una serie compleja de fotografías que investiga la vacuidad inquietante de Corea del Norte. Las imágenes revelan un país que parece existir fuera del tiempo, inmerso en un espejismo cuidadosamente coreografiado. Daoust ha pasado gran parte de su carrera explorando el mundo quimérico de la fantasía: los deseos e impulsos ocultos que obligan a la gente a soñar, a ir más allá de los límites de la convención y huir de la realidad. Un impulso escapista entendido en este caso, no como una elección individual, sino como un modo de vida forzado sobre una nación entera. Fotografiar en Corea del Norte está sometido a una política bastante restrictiva que, en el caso de ser infringida, conlleva fuertes represalias. Únicamente está permitido tomar imágenes en lugares permitidos por el régimen. Nathalie Daoust se atreve a transgredir las normas capturando con su óptica personas, lugares y momentos prohibidos. 12 - EMNMM

La canadiense oscurece deliberadamente sus fotografías, buscando el efecto de cámara oscura con el que quiere imitar la forma en que se transfiere la información en Corea del Norte: las fotografías, como la gente de Corea del Norte, son manipuladas hasta que la verdad subyacente no es más que un borrón. Daoust pretende hacernos desconfiar de las verdades que creemos inmutables simplemente por el hecho de poder contemplarlas. Las imágenes resultantes de su trabajo hablan de la sociedad norcoreana, de la información perdida, la verdad ocultada y la manipulación de la misma.

Círculo de Bellas Artes Sala Minerva Hasta el 28 de enero de 2018


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| MADRID |

MADRID SORPRENDENTE Cuatro historias curiosas de la capital _______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS Este mes nos adentramos en un Madrid diferente donde una estatua de la libertad planta cara a la icónica Estatua de la Libertad americana. Un Madrid de leyenda con misteriosas fuentes egipcias con tesoros escondidos y un Madrid extraño donde llueven codornices y las ratas toman las calles de la ciudad. En definitiva, un Madrid curioso resumido en cuatro historias poco conocidas de la ciudad.


LA FUENTE EGIPCIA Y EL TESORO ESCONDIDO El Retiro es, posiblemente, el parque más emblemático de la ciudad y su estanque grande, que embellece el gigantesco monumento al rey Alfonso XII, es uno de los lugares más fotografiados por los turistas. Este estanque, pese a ser uno de los lugares más conocidos y populosos, guarda muchos secretos, uno de ellos se encuentra en sus inmediaciones, justo en la orilla opuesta al embarcadero. Se trata de una extraña y descomunal fuente con motivos egipcios por la que ya no corre el agua. Curiosamente, pese a su gran tamaño y su exótica decoración, esta fuente pasa prácticamente desapercibida, pues casi nadie repara en ella. La Fuente Egipcia es obra del arquitecto Isidro González Velázquez y en 1819 comenzó su construcción. Por alguna extraña razón, las obras duraron bastante tiempo, hasta que en 1850 fue inaugurada. Esta fuente, que dejó de serlo hace muchos años, se cree que estuvo dedicada a Osiris. La parte frontal, que es la sección más llamativa del monumento, está realizada en ladrillo y granito. En la parte superior hay dos esfinges de piedra en ambos lados del frontispicio y en el centro, hay una columna que en su día debió servir de pedestal para una escultura de un personaje egipcio de la que se desconoce su paradero. Las esfinges no son las originales, son una réplica de las que existieron hasta 1995, cuando la fuente fue restaurada, sustituyendo las originales que estaban realizadas en escayola ya que se encontraban en un estado lamentable. Justo en el centro de la fuente, hay un nicho y en su interior se encuentra “la tripona” un gran vaso canopo similar a los que utilizaban los antiguos egipcios para guardar las vísceras de las personas momificadas. Está tallado en granito y a sus pies se encuentra una pileta y un sencillo caño dorado por el que no corre el agua desde hace mucho tiempo. La fuente egipcia, pese a su gran tamaño y su ubicación, tiene algo que la hace única, y es la capacidad de pasar desapercibida, es como si de un monumento invisible se tratara. Precisamente por su aparente invisibilidad, esta fuente puede ser mucho más que un simple motivo de ornato, pues existe una leyenda que habla de un tesoro oculto en esta zona del parque. Un tesoro compuesto por numerosos doblones de oro que fue ocultado en uno de los lugares más desapercibidos del parque. De ser cierta la leyenda, ¡qué mejor lugar que la Fuente Egipcia para esconder un tesoro! Fuentes: Ayuntamiento de Madrid Martínez A.: Fuentes de Madrid: Avapiés 1994

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LA ESTATUA DE LA LIBERTAD MADRILEÑA En la ciudad de Nueva York se encuentra uno de los iconos más representativos de los Estados Unidos, la famosa Estatua de la Libertad, también conocida como Miss Liberty para los neoyorquinos. Esta colosal estatua de más de 46 metros de altura es obra del escultor Frédéric Auguste Bartholdi, y fue regalada por Francia a los Estados Unidos con motivo del centenario de su independencia. En Madrid existe otra Estatua de la Libertad, mucho más pequeña, pues no supera los dos metros de altura y está esculpida en mármol de Carrara por el artista Ponciano Ponzano, el mismo que realizó los famosos leones del Congreso de los Diputados de Madrid. La estatua madrileña, realizada en 1853, se encuentra ubicada en patio del claustro del Panteón de los Hombres Ilustres, coronando un mausoleo circular denominado Mausoleo de la Libertad en donde se homenajea a los políticos Argüelles, Mendizábal y Calatrava. Esta no es la única estatua que representa la Libertad en Madrid, existe otra esculpida en relieve, en un friso del frontón del Congreso de los Diputados, que también está realizada por Ponciano Ponzano en 1848. La singularidad de estas dos estatuas se encuentra en sus cabezas, ambas están coronadas por una diadema de rayos de luz, similares a las representaciones de los dioses clásicos como Helios, quien era representado en la antigüedad por una corona con rayos. Por el contrario, en la era moderna, hasta las obras de Ponciano Ponzano, las figuras representativas de la libertad no estaban coronadas por una diadema de rayos, normalmente se las representaba con un gorro frigio o una diadema frontal. Este hecho ha sido el motivo por el que se especula con la posibilidad de que el escultor francés se inspirase en las obras de Ponciano. Las similitudes de la obra de Bartholdi con las obras de Ponciano, realizadas tres décadas antes, son numerosas, pero es quizás el detalle de la diadema de rayos lo que hace sospechar que el escultor francés se inspirase en las obras de Ponciano para realizar el símbolo americano de la libertad. Fuentes: La Estatua de la Libertad madrileña que inspiró a su «gemela» en Nueva York / ABC 4/10/2015

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CACERÍA DE RATAS Las ratas son los “otros” habitantes de la ciudad, su relación con el hombre ha sido siempre muy estrecha y difícil, pues de manera inconsciente, el hombre contribuye a que las ciudades sean verdaderos paraísos ratunos que ofrecen una fuente inagotable de comida y refugio a estos roedores de hábitos nocturnos que, para su desdicha, no tienen la aceptación ni la estima que tienen otros animales que habitan en la ciudad. Su oportunismo intrépido y el nefasto historial que tienen como portadoras de enfermedades letales, han contribuido a que sean consideradas como alimañas que hay que erradicar. Aunque acabar con ellas sea una tarea difícil, por no decir imposible. El Ayuntamiento de Madrid siempre ha intentado acabar con las ratas que pululan por el subsuelo madrileño y que, de vez en cuando, se dejan ver por las calles en busca de comida. Las trampas y los venenos han sido las medidas habituales con las que se ha intentado mantener a raya la población de estos roedores, aunque no han faltado otras alternativas más extrañas y extravagantes, como la de crear un cuerpo de “perseguidores de ratas”. En 1922 la ciudad de Madrid sufrió una plaga de ratas y el Ayuntamiento, desbordado por la presencia de tanto roedor en las calles, tuvo que tomar medidas extremas. Una de ellas fue a propuesta del Laboratorio Municipal, que tuvo la ocurrencia de crear un cuerpo de “perseguidores de ratas” que contarían con la ayuda de gatos policía y el uso de “ametralladoras”. Obviamente este desvarío no se realizó y se optó por la colaboración ciudadana. El sistema de colaboración era muy sencillo, se daba vía libre a la caza de ratas y cada “colaborador” recibiría por rata una remuneración que rondaría entre 10 o 25 céntimos. Para evitar la picaresca por parte de las personas que quisiesen presentar la misma rata varias veces, se propuso la creación de dos ventanillas de entrega. En una se cortaría el rabo de la pobre rata para “archivarlo” y en otra ventanilla se entregaría la rata sin rabo para su incineración. Esta extravagante idea finalmente no tuvo aceptación deseada y la propuesta quedó en eso, en una simple propuesta absurda, como muchas de las propuestas absurdas que surgen del ayuntamiento y que todavía hoy podemos leer en la prensa. Fuentes: Caza de ratas / La voz. Octubre 1922

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LLUVIA DE CODORNICES

De vez en cuando, los medios de comunicación hablan de extraños fenómenos atmosféricos, como las lluvias de ranas y peces, que suelen ser las más habituales, dentro de lo que se puede considerar como “habitual” en este tipo de fenómenos. Lo que no es tan normal es la lluvia de otro tipo de seres, como las codornices. Por extraño que parezca, la lluvia de codornices no es algo imposible, a lo largo del siglo XIX y XX, se han producido este tipo de fenómenos en diferentes puntos de España, hay constancia de ello en algunos puntos de Andalucía, el País Vasco y en Madrid. El diez de septiembre de 1901, entre las diez y las once de la noche, se produjo un extraño suceso en las inmediaciones de la Puerta del Sol, con una repentina lluvia de codornices que caían del cielo. Algunas caían muertas, otras yacían moribundas en el asfalto. El fenómeno fue, pese a la sorpresa, bien recibido por muchos de los viandantes que, como si de un maná se tratara, se llevaban a sus casas este improvisado manjar caído del cielo. Al parecer este incidente no fue un hecho aislado pues unos días antes, en este mismo punto de la capital, se precipitaron al suelo algunas aves. El motivo de esta inesperada y extraña lluvia de codornices nunca se esclareció, se dijo que podría ser debido al choque de una bandada de estas aves contra los cables de los tranvías, aunque también pudo ser debido, como ocurrió en otras ocasiones en España, por repentinas y violentas tormentas que pudieron sorprender a las desdichadas aves en pleno vuelo. Fuentes: Lluvia de Aves / La Época. Septiembre 1901

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| MADRID COMUNIDAD |

EL CAMINO, LOS CAMINOS EMNMM - 25


_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

Todos los caminos llevan a Roma, eso es lo que se dice popularmente por aquello de que todas las calzadas que había en la España romana y en el resto del imperio, de una manera u otra, conducían a la ciudad de Roma. En la actualidad, algunos tramos de las viejas calzadas romanas forman parte de la red de carreteras españolas, incluso el milenario Camino de Santiago, un camino transitado por millones de personas de todo el mundo desde la Edad Media hasta la actualidad, discurre por algunas de las calzadas que los romanos construyeron en Hispania.

dirección a Tres Cantos y desde allí, la ruta se dirige a los municipios madrileños de Colmenar Viejo, Manzanares El Real, El Boalo, Cerceda, Mataelpino, Becerril de la Sierra, Navacerrada y, finalmente, Cercedilla, donde termina la ruta madrileña para continuar por tierras castellanas, cruzando las provincias de Segovia, Valladolid y acabar en la localidad leonesa de Sahagún, donde se enlaza con uno de los tramos más hermosos del Camino de Santiago, el conocido como el Camino Francés. El paisaje

La Comunidad de Madrid, pese a estar fuera de la ruta del tradicional del Camino de Santiago, también cuenta con su propio camino que conduce a la Ciudad Santa de Santiago. El camino madrileño se puso en valor en gran medida en el año 2010, aprovechando que fue Año Santo Jacobeo, en un intento de potenciar económicamente las comarcas por las que discurre y favoreciendo así una ruta alternativa a los peregrinos, que no son pocos, ya que después de Galicia, Madrid es la segunda comunidad que más peregrinos aporta a nivel nacional. Desde 2010, las localidades que se encuentran en el camino madrileño, se han visto favorecidas gracias a los peregrinos, por esta razón y también para potenciar el desconocido camino madrileño de Santiago, el gobierno de la Comunidad de Madrid editó un mapa divulgativo, se instalaron hitos y se mejoró la señalización, además de fomentar acuerdos con los ayuntamientos de las poblaciones por las que discurre el camino en temas relacionados con la búsqueda de alojamientos a los peregrinos. Algunos datos El Camino de Santiago madrileño consta de 77 kilómetros, de ellos, un 85% del recorrido transcurre por vías pecuarias. El punto de partida se encuentra en la ciudad de Madrid, en pleno barrio de los Austrias, en la iglesia de Santiago. Después el camino continúa en

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Una de las cosas que más puede sorprender al que realice el camino madrileño, es la impresionante variedad de paisajes y ecosistemas por los que transcurre, desde un entorno rigurosamente urbano, pasando por prados, estepas y bosques mediterráneos de encinas, hasta llegar a las montañas, donde aparecen los frondosos bosques de robles, hasta llegar a las zonas más altas donde comienzan los bosques de pino. Estos bosques de coníferas marcan la frontera de la alta montaña, hasta que desaparecen en las zonas más altas y frías, es allí donde comienza el piornal, un ecosistema que se caracteriza por una vegetación arbustiva, pues las condiciones climáticas impiden el crecimiento de árboles. El Camino de Santiago madrileño es una ruta fascinante y desconocida que se puede recorrer en cualquier época del año y, aunque está bien señalizado, siempre es recomendable tomar las medidas oportunas para combatir las inclemencias del tiempo, especialmente ahora en invierno, cuando la nieve y el hielo están presentes en algunos de sus tramos más agrestes. Más información Asociación de Amigos del Camino de Santiago de Madrid. Fuentes: Comunidad de Madrid


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| MADRID NATURAL |

PIQUITUERTOS Las bolas del รกrbol de Navidad

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______ POR ANTÓN PÉREZ | FOTOS: LUIS SITGES

Muchas coníferas aguantan mejor el frío y la sequedad que buena parte de las especies frondosas, y se las encuentra allí donde el clima se vuelve demasiado extremo para otros árboles. No es por casualidad que las coníferas, abetos y similares, que se mantienen verdes pese a los rigores invernales, hayan acabado por ser los árboles de Navidad. Y aunque en Madrid no tenemos abetos, no faltan en la Sierra coníferas que no les andan a la zaga en majestuosidad: los pinos silvestres. Que además se ven adornados en esta época por unas aves rechonchas de plumaje muy llamativo, como pequeñas bolas decorativas: los piquituertos. Aunque en nuestra tierra se le conozca a menudo con el provinciano nombre de “pino de Valsaín”, lo cierto es que el pino silvestre o albar Pinus sylvestris es una especie ampliamente distribuida por toda Eurasia. Al contrario que otros de nuestros pinos, como el piñonero, adaptados a la sequedad y el sol mediterráneos, el silvestre es una especie típicamente boreoalpina, que es como se conoce a aquellas que, por sus requerimientos ambientales de temperaturas moderadas, viven en las latitudes meridionales solo en zonas montañosas, mientras que en latitudes boreales pueden aparecer ampliamente distribuidas, llegando al nivel del mar. Ocupan pues en la Sierra los pinares el espacio entre los melojares y las zonas demasiado altas e inhóspitas como para que crezcan los árboles, donde medran los piornales. La buena calidad de su madera ha hecho sin embargo que sea una especie manejada y plantada desde hace siglos en una superficie mayor de la que ocuparía de forma natural.

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Foto: EMNMM


El pino silvestre es una especie muy sencilla de reconocer: suele crecer con un porte cónico que recuerda de hecho más al de los abetos que al de otros pinos más achaparrados. La corteza, que se desprende en finas láminas, es de un llamativo color anaranjado, sobre todo en el tercio superior del árbol, contrastando notablemente con el brillo verdeazulado de las agujas, cortas y que crecen pareadas. Las piñas de este pino, que son de pequeño tamaño, maduran a lo largo de un par de años, por lo que en un árbol siempre hay piñas con semillas en diversos estados de maduración, y esta falta de estacionalidad en la producción de piñones hace que aves como los piquituertos puedan subsistir alimentándose de ellos a lo largo de todo el año. El piquituerto común, Loxia curvirostra, es un ave que se reconoce inmediatamente por el pico que le da nombre: sus puntas, paralelas al principio en los pollos, como en el resto de las aves, van luego creciendo desviadas entre sí, de forma que las puntas se separan al cerrar el pico. Esto permite a estos pájaros separar las escamas de las piñas tras insertar el pico abierto entre ellas, y acceder a las semillas. Para ser fringílidos, como los jilgueros o los pinzones, son aves rechonchas y grandes, cabezonas (los músculos del pico son muy fuertes) y de coloración simple, pero muy bonita: las hembras son de color verde-amarillento, mientras que los machos pueden presentar toda una gradación de plumajes entre uno similar al de sus compañeras y otro completamente de color rojo ladrillo, con las alas más oscuras.

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Los piquituertos comunes viven en todo el hemisferio norte allí donde haya pinos en abundancia, tanto en zonas frías como en la costa mediterránea, y el pico de las distintas razas de estas aves se adapta en robustez a la forma de las piñas de la especie que predomina allí donde viven. Si bien la producción de piñones no se circunscribe a una única estación, sí es cierto que en diversas regiones las condiciones ambientales hacen que la producción de semillas vaya más o menos sincronizada entre árboles. Al contrario que otras aves, los piquituertos no son territoriales ni en época de cría, y se mueven en grupos de vuelo ondulado y reclamos suaves y casi lastimeros que rastrean en el bosque las mejores zonas donde alimentarse. Y allí donde encuentran una buena producción de piñones se quedan a criar, sin importar que sea invierno o verano, por lo que a veces llega a vérseles construir sus nidos y criar los pollos en ramas cubiertas de nieve. Piquituertos y pinos silvestres forman un binomio que mantiene las cumbres de la Sierra activas incluso ahora en invierno, cuando la naturaleza permanece en buena parte adormilada. El nivel de actividad será sin embargo mucho más llevadero que el que reina por estas fechas abajo en las ciudades, de modo que siempre es buena idea subir al monte a buscar los regalos, no bajo los árboles, sino arriba, piando entre las ramas…

Fotos cortesía: Luis Sitges Birding Trekking & Nature Spain Birding Trips - Viajes Ornitológicos por España www.birdingtrekkingandnature.com info@birdingtrekkingandnature.com

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Foto: EMNMM


MONU

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| LUGARES |

UMENTO AL HOLOCAUSTO DE BERLÍN

Foto: Licencia CC0

Un lugar para recordar


_________ POR EMNMM A pocos pasos de la icónica Puerta de Brandenburgo de Berlín, se encuentra uno de los memoriales más impresionantes de Europa, se trata del Monumento-Memorial del Holocausto, una gigantesca cuadrícula formada por 2.711 bloques de hormigón de diferentes alturas con las que se recuerda a los más de 6 millones de judíos asesinados bajo el régimen nazi. La idea de crear este monumento surgió por iniciativa ciudadana a finales de los años ochenta y fue promovida por la periodista Lea Rosh y por el historiador Eberhard Jäckel. Aunque no fue hasta el 25 de junio de 1999, cuando el Parlamento Alemán aprobó la propuesta de Ley para la construcción del monumento. El arquitecto neoyorquino Peter Eisenman fue el encargado de diseñar este monumento-memorial que comenzó a construirse a primeros de abril de 2003 e inaugurado el 12 de mayo del 2005. El monumento se asienta sobre una gran cuadrícula, un campo ondulado de 19.000 metros cuadrados y consta 2.711 bloques de hormigón, cuya altura va de los 0,2 a los 4,7 metros de altura, creando, en su conjunto, un espectacular y sobrecogedor espectáculo visual. Aunque el autor de este memorial no quiso darle un significado artístico concreto, lo cierto es que su visita no deja indiferente a nadie y provoca todo tipo de sentimientos a las más de 500.000 personas que lo visitan anualmente. El memorial cuenta, además, con un centro de información donde se muestra de forma clara y concisa las políticas nazis que llevaron al exterminio de los judíos europeos entre 1933 y 1945. La visita al centro también se complementa con una de las salas más emotivas, cuyas paredes están cubiertas por los nombres y fechas de nacimiento y muerte de las víctimas del Holocausto. www.stiftung-denkmal.de

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MARÍA MORA La Agorera POR EMNMM


| PERSONAJES |

María Mola fue uno de los personajes más extraños y polémicos que vivió en el Madrid del siglo XV. Fue una mujer que tuvo el dudoso honor de ser expulsada de la Villa y, posteriormente, ejecutada por brujería. Poco se sabe de los orígenes de esta extraña mujer, salvo que nació en Burgos, ciudad de la que tuvo que huir, pues en ella fue acusada de brujería y condenada a vergüenza pública. Como castigo fue emplumada y tocada con un ridículo sombrero con forma de cono en el que aparecían dibujadas las imágenes del delito del que era acusada. De esta forma fue paseada por las calles burgalesas aguantando los insultos de las gentes iracundas. Tras este incidente, María Mola abandonó Burgos y marchó a Madrid para llevar una vida nueva. Una vez en Madrid, se instaló en los arrabales, en una tienda de comestibles de la hoy llamada calle Núñez de Arce. Desafiando a las leyes y al Tribunal de la Inquisición, María Mola, a la que apodaron “La Agorera” siguió ejerciendo en Madrid la brujería, logrando tener una clientela fija tan supersticiosa como religiosa. Las gentes acudían a María en busca de hechizos de amor, sortilegios para acabar con los enemigos o en busca de alguna predicción para el futuro. Parece ser que María, más que una hechicera, era una gran profesional del engaño, algo que le ayudó a granjearse una gran clientela de lo más variopinto. Un buen día, se presentó en su casa un religioso franciscano que fue a visitarla porque un compañero suyo le había hablado de las magníficas artes de la hechicera. El religioso acudió a la cita ansioso por saber qué le podría deparar el futuro, aunque en el fondo se sentía temeroso de caer en pecado mortal. María condujo al hombre a una sala en la que realizó un extraño y misterioso ritual donde, al parecer, la bruja tuvo una horrible visión y previno al religioso de lo que le iba suceder al día siguiente, justo cuando dijera su primera misa. Tras el vaticinio, el religioso se despidió de la hechicera y se fue a toda prisa, temeroso y ansioso por saber si sería cierto lo que la bruja le había contado.

Al día siguiente, cuando faltaban pocos minutos para el amanecer, el religioso se preparó para la misa. Mientras hacía los preparativos en la más absoluta soledad, escuchó algo extraño a sus espaldas. Desconcertado, el religioso se giró y vio algo en la oscuridad que se movía, era una silueta que trepaba torpemente por la cadena de una de las lámparas de la iglesia. El hombre, aterrorizado, se acercó un poco más para ver qué era aquello que se movía y, en ese preciso instante, aquella cosa comenzó a chillar. El susto que se llevó el religioso fue tan grande que cayó fulminado al suelo, quedando inconsciente durante unas horas hasta que fue reanimado por unos feligreses, a los que relató su visión. Les dijo que sorprendió a un horrible demonio de grandes ojos y cuernos que trepaba por la cadena de una de las lámparas de aceite de la iglesia y que, al ser descubierto la criatura comenzó a chillar. El religioso, que se creía en pecado mortal y que en cierta medida se culpaba de aquella horrible visión, tuvo que confesar, además, que el día anterior visitó a la Agorera y ésta le dijo que se le aparecería o un ángel o un demonio, según el estado de su alma. Tras la confesión del franciscano, las autoridades se pusieron en alerta y fueron en busca de María, la Agorera. La mujer relató a las autoridades que había sido la culpable, pero no de invocar al Demonio ni de practicar la brujería, dijo que se trataba de un engaño y que aquella criatura que apareció en la iglesia no era otra cosa que una lechuza que ella misma había soltado en el templo unas horas antes de la misa para asustar al religioso. Las autoridades, indignadas por tal sacrilegio, aplicaron todo el peso de la ley y aplicaron la ordenanza dictada por el rey D. Juan II de Castilla contra los hechiceros. Finalmente, María, la Agorera, fue conducida al patíbulo, donde fue ahorcada y posteriormente apedreada por la muchedumbre. Con el paso del tiempo, la calle donde vivía María, que todos conocían como calle de la Agorera cambió de nombre por el de calle de La Gorguera, hasta que en 1804 el Ayuntamiento de Madrid cambió el nombre definitivamente por el del poeta y dramaturgo Núñez de Arce. Fuentes: Las Calles de Madrid. Pedro de Répide

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| ARTE |

SONIA MCALLES El arte del grabado __________ POR RAMÓN RIVAS

Afincada en Salamanca, Sonia MCalles es una artista que comenzó su andadura profesional y artística con el dibujo y la pintura, para después explorar el complejo mundo del grabado. Sus obras más recientes tienen una fuerte relación con lo más íntimo y personal del ser humano y la naturaleza, una dualidad casi perdida en nuestras sociedades tecnológicas, que Sonia recupera con magníficas obras donde la naturaleza y el ser humano parecen volver a reconciliarse.

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Sonia, te iniciaste en el mundo del arte con el dibujo para después especializarte en el arte del grabado. ¿Por qué está técnica? Sí, mi primera formación artística fue en el dibujo y fui explorando el dibujo y la pintura durante muchos años, primero en la facultad y luego por mi cuenta. El grabado llegó años después, era una espinita que tenía clavada, ya que nunca había tocado esa técnica tan mágica, me parecía fascinante que a través de una plancha o matriz y sus procesos se pudieran reproducir varias copias del mismo dibujo.

El soporte, respecto a las planchas, es básico en esta técnica. Utilizas todo tipo de materiales incluso el aluminio. Háblanos de ello. Sí el soporte es esencial, sin él no hay grabado. La utilización de una u otra es dependiendo de si vas a utilizar una u otra técnica, en mi caso, he utilizado tableros de aglomerado DM para la xilografía, planchas de zinc para la calcografía y planchas de aluminio micrograneadas para litografía.

¿Cuáles son en tu opinión los pros y los contras en el uso del grabado? Para mí casi todos son pros. El grabado abarca diferentes técnicas y procesos, eso hace que puedas tener un montón de posibilidades y producir un trabajo con una gran variedad de matices diferentes. Además, uno de los mayores pros es que puedes reproducir varias veces tu obra. El único contra que podría poner es que se necesitan productos tóxicos para la realización de ciertas técnicas.

Uno de los elementos que llaman la atención de tu trabajo es el uso de las tintas de diferentes colores y los aguafuertes. ¿Cómo es el proceso artístico? Tengo series de serigrafías y series de aguafuertes que tienen un fondo de color. En la primera serie trabajé a partir de unos retratos de personas casi sin rostro, sin mirada, no quería que se conociera la identidad y están ocultas tras una máscara de ramas de árboles y unos fondos de color, esos colores representan los diferentes colores que podemos observar y encontrarnos en la naturaleza. En estas seis piezas el proceso era el de separar y diferenciar a la naturaleza de la persona, dar a entender que la persona estaba como oculta y separada de todo lo que es la naturaleza, hacer esa dicotomía entre ambas. Por otro lado, están los dos aguafuertes que están realizados después de estos seis retratos. Estas dos siluetas, son una pequeña evolución de estos anteriores ya que me doy cuenta de que no es esa división entre persona y naturaleza lo natural, sino una unión más clara con ella misma, por eso llego hacía esa ausencia del retrato, y dibujo sólo una silueta representativa de la persona que está formada por naturaleza o más bien de naturaleza que forma a la persona.

¿Qué hace único al grabado respecto a otras técnicas artísticas? Lo que le hace único es la multiplicidad, que puedas repetir varias veces la obra es maravilloso, haces que llegue un original a más personas, eso me parece increíble.

La mayor parte de tu obra está muy relacionada con la persona y la naturaleza, dotando a tus piezas de una personalidad íntima y especial. ¿Cuáles son los motivos e influencias de tu trabajo? Mis motivos e influencias son muy vivencia-

¿Qué tipo de técnicas utilizas en el grabado y cuál es la que crees que da mejor resultado? En mis trabajos he utilizado varias técnicas, entre ellas el aguafuerte, la xilografía, la serigrafía y la litografía y no te puedo decir que una sea mejor que la otra o que de mejor resultado que la otra, cada técnica tiene sus características y cada una tiene unos matices diferentes para el tipo de trabajo o resultado que quieras darle a tu obra, pienso que quedarse con una en concreto sería un error porque pierdes la riqueza que cada una te pueden dar.

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Confluencias II


Naturaleza cotidiana


les y personales, son etapas y sensaciones que van pasando en mi vida, en mi entorno, en la sociedad en general y les voy dando forma de alguna manera en mi obra. Yo diría que todo ello comenzó en Madrid, a partir algunas de las preguntas que nos hacemos todos en algún momento de nuestra vida y que nos demuestran una preocupación por la búsqueda de la identidad personal: ¿Quién soy? ¿Cómo soy realmente? Partí de estas preguntas y comencé una serie de retratos con unas máscaras y reflexioné sobre la máscara que construye cada persona y la búsqueda de la propia identidad. Trabajé con ese concepto de búsqueda en Madrid y en Salamanca pero la obra evolucionó al llegar a Betanzos, A Coruña, a realizar el Master de Obra Gráfica. Fue entonces cuando esa búsqueda por la identidad y la máscara que me preocupaba tanto se desvaneció. Allí, en plena Galicia, me di cuenta de que cuando uno está viviendo en una ciudad y está centrado en la vorágine del día a día, no es consciente de la ausencia de naturaleza y de cómo nos hemos desarraigado de ella, cómo nos olvidamos de esa parte tan importante que es la convivencia con lo natural, e incluso llego a pensar que dejamos que lo virtual nos lleve a otro tipo de existencia. Y es aquí cuando esa máscara la empiezo a representar a través de la naturaleza que cada vez toma más protagonismo en mi obra. Por esa relación con lo íntimo y la naturaleza, tus obras parecen formar parte de un todo. ¿Te planteas cada obra como algo individual o todas ellas forman parte de una serie o etapa? Sí, todas forman parte de un todo. Son series y etapas diferentes ya que la obra va evolucionando, pero todas en conjunto son parte de un todo. ¿En qué proyecto estás trabajando en este momento? En este momento estoy con una serie de dibujos que los he llamado naturaleza coti-

diana. Son momentos cotidianos de personas pero la piel la represento a partir de naturaleza y ramas de árboles. También estoy empezando con otro proyecto donde entra un elemento nuevo en la obra, que es la tecnología. Periódicamente, el arte del grabado tiene sus altos y sus bajos, en tu opinión, ¿en qué estado se encuentra esta técnica en España? A nivel de mercado desconozco cifras la verdad y a nivel de grabadores, artistas o público que les interese el grabado creo que goza de buena salud. Desde mi punto de vista, hay muy buenos grabadores y profesionales en España que están haciendo muy buena obra y, por otra parte, creo que hay una gran parte de público que le interesa está técnica. ¿Tienes pensado explorar otras disciplinas artísticas? Sí, siempre estoy abierta a nuevas cosas y nunca abandoné otras disciplinas, por ejemplo, ahora mismo he vuelto de nuevo a dibujar y de vez en cuando también sigo pintando. Además me interesaría explorar la pintura digital mezclada con mis grabados y mis dibujos en un futuro. ¿Dónde podemos ver tus grabados? Mi web provisional mientras hago la nueva: http://soniamcalles.wix.com/es Y alguno más en: http://www.artdiscover.com/es/artistas/sonia -mcalles-id6888 ¿Tienes alguna exposición a la vista? Ahora mismo no tengo ninguna exposición a la vista, estoy en un momento de producción de obra, aunque estoy abierta a propuestas, tanto colectivas como individuales.

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Sin tĂ­tulo


Retrato II


| FOTOGRAFÍA |

MAXI KOHAN Solidificando los recuerdos

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__________ POR EMNMM

Cada fotógrafo tiene una forma diferente de ver el mundo y de contar historias, en el caso de Maxi Kohan, sus fotografías más personales nos muestran un mundo humano primigenio, donde la mística y la figura femenina, como símbolo arquetípico de creación universal, son los protagonistas. Kohan ha trabajado para numerosos proyectos a lo largo de estos últimos años, dedicándose sobre todo a la fotografía comercial y sin abandonar en ningún momento sus trabajos artísticos más personales. Precisamente de estos trabajos hemos querido hablar con él en esta entrevista, para descubrir su particular visión del mundo y del universo mágico y místico que casi se podría decir que definen sus obras más personales.

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Hishaela


Como es arriba es abajo


Maxi, además de tu formación técnica, has tenido una trayectoria personal y profesional muy ligada a las artes; pasando de la poesía y la escritura a la música y, finalmente, a la fotografía. ¿Cómo fue este proceso y por qué decidiste dedicarte a la fotografía? Como en los nacimientos, la respuesta empieza por mi madre, ella me llevaba de niño a la universidad, estudiaba letras modernas y me quedaba fascinado en las clases de literatura, mi primer poema lo escribí cuando tenía 8 años. Me eduqué rodeado de libros y cuando me llevaba a las librerías a veces caían en mis manos libros de fotografía erótica, tenían un aura desconocida para mí, extraña, pero que me encantaba. Esas mujeres desnudas, como las de Helmut Newton, tan sofisticadas, bellas y con clase, me seducían sin saber por qué. Años después me dediqué a la música, para mí el arte mayor, estudié guitarra, jazz, armonía y composición, flamenco... Pero cada vez que podía me dedicaba a mirar esos libros de fotografía, había algo en ellos que me excitaba más que cualquier pornografía, hasta que un día compré por hobby una cámara, le pregunté a una compañera de trabajo si quería posar para mí -entonces yo trabajaba en un supermercado para pagarme la carrera de marketing- y, al fotografiarla, tras ese primer “click” todo cambió, en ese instante me di cuenta que eso era lo que quería hacer. Así se fueron cambiando las armonías por las imágenes. Al principio me dediqué casi en exclusiva a los desnudos y el retrato femenino. Con los años, me di cuenta de lo mucho que me sirvió el sentido del ritmo y la narrativa para hacer fotos, todo está conectado. Además de documentar hechos y experiencias, ¿qué significado tiene para ti la fotografía en tu vida personal? La fotografía es la solidificación del recuerdo, esa es para mí su mayor virtud,

cuando tengo que fotografiar un evento, el instante de alguien o un lugar, siento la responsabilidad de la memoria, y no sólo eso, sino que cada uno a través de su óptica, no solo mira, sino que interpreta, y nunca puede ser neutro. Esa es la huella que deja cada fotógrafo en cada imagen y la convierte en única. Ser intérprete de esa realidad subjetiva y personal es el significado que tiene para mí. Perteneces a una generación que ha vivido la transición de la fotografía analógica a la digital ¿trabajas en los dos formatos? Comencé revelando blanco y negro en casa, con una antigua cámara sin ningún automatismo, adoraba la alquimia del estudio, rozaba la magia. Un buen amigo fotógrafo me recomendó no pasarme a digital hasta controlar ese proceso artesanal, y así lo hice, con eso aprendí el valor de cada disparo, la atención a cada detalle en la imagen, lo preciado de conseguir la “imagen perfecta” -como la piedra filosofal-. Es indudable que lo digital ha aportado mucho en cuanto a gestión de tiempo y abaratamiento de costes. Ya no revelo analógico, pero guardo todo mi laboratorio de revelado porque sé que en cuanto el tiempo sea más mi aliado, querré recuperar esa magia. ¿Qué importancia le das al retoque fotográfico? El retoque, según mi opinión, debe servir para enriquecer el resultado final, forma parte del proceso de la imagen misma, pero no para transformarla hasta distorsionarla, no soy fan de los retoques excesivos, digamos que adoro las “imperfecciones” de la piel y la naturaleza, entendiendo imperfección como singularidad única e intransferible, lo que nos distingue a unos de otros, a una flor de otra. Un retoque excesivo corre el peligro de homogenizar la realidad, no armonizarla como creo que es la misión del arte.

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Más allá del arte y la técnica, la fotografía ha de contar una historia para llegar al corazón ¿cómo te enfrentas a este reto? Existe la improvisación y la preparación, no están reñidas, pero yo, quizás por influencia del jazz y el flamenco, he confiado más en la improvisación, muchas imágenes me dan la historia después de ser captadas, es decir, yo no me enfrento, es la situación a quien dejo se enfrente a mí, y en general la dejo fluir, como la filosofía del Wu wuei. Has trabajado en infinidad de proyectos, algunos de ellos puramente comerciales, con lo que ello significa, reduciendo al mínimo la libertad creativa. ¿No resulta algo frustrante para una persona sensible y creativa este tipo de proyectos? ¿Cómo te enfrentas a estos trabajos? Primero con alegría (risas). Cada trabajo es diferente y cada cliente tiene una visión, si me contrata es porque confía en que sabré transmitirla, a veces la misión es crear, a veces interpretar. En tus trabajos más personales, utilizas indistintamente el color y el blanco y negro ¿tienes alguna preferencia por estos formatos o te dejas llevar por lo que pide la foto en cuestión? Cada imagen dicta su lenguaje. Haciendo un repaso a muchos de tus trabajos, sorprende la cantidad de sutiles referencias al arte pictórico, el cine y la literatura, pero con un estilo muy personal. ¿Cuáles son los referentes que más te han influenciado en tu trabajo? Sin duda el misticismo en general, la magia, la alquimia, la cábala, el sentimiento de lo sagrado y las tradiciones pre-cristianas, más basadas en una lectura de la naturaleza que en dogmas de control, las tradiciones orientales del Zen, Tao y Budismo. No tengo refe-

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rentes concretos, abrazo cualquier influencia que me haga evolucionar del pensamiento dual occidental hacia una ética más personal, menos “estandarizada”. Lo que espero me lleve a la “sorpresa constante” y algún día se traduzca en mis imágenes, aún me queda mucho trabajo en esto. En tus series de retratos, llama la atención la profesionalidad y la técnica por un lado, y la espontaneidad de la persona retratada, “desnudando” de una manera personal e íntima a las personas que posan ante ti. ¿Cómo seleccionas a tus modelos y con qué criterios? Cada proyecto demanda un modelo específico, a veces el modelo me da la idea, a veces la idea llama al modelo, depende. Me gusta como dices lo espontáneo y técnico al mismo tiempo, en ese equilibrio me gustaría seguir formándome. No soy fan de las imágenes excesivamente elaboradas, ni de una fotografía sin ninguna planificación. En ese sentido prefiero personas “anónimas”, si revisas mi trabajo verás que el 90% de la gente no son modelos, los profesionales están “entrenados”, en algún sentido estético son más “fáciles”, pero quien se desviste de verdad es quien nunca se desnudó. Me encanta cuando enseño el trabajo final a amigos o conocidos y se quedan sorprendidos mirándose diciendo “no parezco yo”, yo les digo: ese “también” eres tú. ¿Es más fácil trabajar con modelos profesionales que con personas anónimas? Con quien siempre me ha resultado mucho más fácil trabajar es con bailarinas y actrices. Otro elemento que llama la atención en tus trabajos es la mística, donde la figura femenina y la naturaleza están muy presentes. Siempre me interesaron las sociedades y comunidades matriarcales; la naturaleza,


Fusiรณn


La pintora


como madre, para mí está indisolublemente ligada a lo femenino, y en esa imitación de la naturaleza está el ejemplo de una sociedad equilibrada, esta era patriarcal en la que creo que vivimos ensalza valores como la competitividad, lo bélico como resolución de conflicto, lo material sobre el sentimiento, el miedo sobre la esperanza -basta con ver cualquier informativo en la TV- y creo que es hora de recuperar cierta sensibilidad que la historia de los últimos milenios ha ignorado. Las lecturas actuales sólo hablan de los “grandes hombres de la historia”, de las grandes guerras y conquistas, aunque reconozco que esta visión está cambiando poco a poco. Lo femenino para mí es un principio que debe equilibrar una balanza que presiento hoy inestable. Y en un punto más personal y menos filosófico, las mujeres, desde niño, siempre me han resultado más interesantes, hasta el día de hoy la belleza femenina tiene la capacidad de quitarme el aliento, de aplacar mi mente, de seducirme, veo la belleza del universo a través de un rostro o un cuerpo armónico, esa sensación no me la produce la imagen de un hombre, sin menospreciar el equilibrio y la belleza que un cuerpo masculino pueda tener he de decir que me cuesta más retratar hombres y no suelen entrar en mis temáticas. El desnudo es un género fotográfico bastante difícil de trabajar, en tu caso, se podría decir que combinas lo académico con la erótica de una forma muy acertada. ¿Cómo te planteas este tipo de proyectos? Como dije antes, intento escapar del pensamiento dual, no veo en absoluto reñido o contrapuesto lo erótico de lo académico, el porno del deseo, lo opaco de lo claro, lo pro-

fano contra lo sagrado, disfruto tanto de una noche de “perdición” como de una meditación profunda en lo alto de una montaña. De ahí supongo que hay tanta variedad de estilos en mi portafolio. Creo en la curiosidad como motor infinito de experiencias, si vemos sólo un lado de las cosas nos perderemos el otro, y soy un explorador de la novedad constante. Es tan interesante desde el punto de vista experiencial dormir en la calle como en un hotel de lujo. “Como es arriba es abajo” dijo el sabio. También has hecho alguna que otra incursión en el formato de vídeo ¿cómo ha sido esta experiencia? Muy interesante desde luego, creo que es el futuro, la imagen en movimiento superará a la estática dentro de muy poco, los nuevos formatos y la tecnología se encargarán de ello. En ese aspecto me interesa mucho el video-retrato y el mini-documental. No descarto empezar en breve estudios de cinedocumental. ¿Tienes prevista alguna exposición en breve? No en breve, pero sí estoy trabajando hace tiempo en el concepto de mujeres y rituales, tanto en fotografía como en video, para recuperar el ritual de lo cotidiano, el milagro de cada día, como los ciclos del año o de la luna, la salida del sol, primera y única cada día, el respeto a lo sagrado de la naturaleza, etc., llevará su tiempo pero auguro un trabajo interesante. ¿Dónde podemos ver tus trabajos? De momento sólo en la redes y en las paredes de algunos amigos y compradores.

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3 diosas


Making off (Venus)


Sin tĂ­tulo


EL SACRIFICIO DE UN CIER


| CINE Y TV |

RVO SAGRADO EMNMM - 69


El pasado verano se rodó en Cincinnati (Ohio) la película El sacrificio de un ciervo sagrado, donde una vez más se vuelven a reunir al actor Colin Farrel con el escritor, director y productor Yorgos Lanthimos tras el éxito crítico y comercial de The Lobster. Nicole Kidman también protagoniza como la esposa del personaje de Farrell, junto a Barry Keoghan (’71), Raffey Cassidy (Tomorrowland), Sunny Suljic (The Unspoken), Bill Camp (12 years a slave) y Alicia Silverstone (Clueless). La película, que se estrena este mes de diciembre en España, está producida por Ed Guiney y Element Pictures de Andrew Lowe, los productores de The Lobster y de la ganadora del Oscar, Room. Lanthimos y su colaborador habitual, Efthimis Filippou, co-escribieron el proyecto. Farrell encarna el papel de Steven, un cirujano carismático que se ve obligado a hacer un sacrificio impensable después de que su vida comience a desmoronarse cuando el comportamiento de un adolescente que ha acogido se vuelve siniestro. La película fue financiada por Film4 e Irish Film Board, que también financiaron The Lobster, y New Sparta Films, cuya participación fue promovida por HanWay Films. El proyecto fue desarrollado por Element Pictures y Film4. HanWay Films es el agente de ventas en todo el mundo y A24 está a bordo como distribuidor en EE.UU, tras su lanzamiento de The Lobster el año pasado.

The Lobster ganó el premio del Jurado de Cannes en 2015 y recibió una nominación al Mejor Guión Original en los Oscars® de este año. Dogtooth ganó Un Certain Regard en Cannes en 2009, antes de pasar a recibir una nominación al Oscar® a la Mejor Película de Idioma Extranjero. Lanthimos acaba de rodar The Favourite, protagonizada por Emma Stone, Rachel Weisz y Olivia Colman. Sinopsis Steven (Colin Farrell), un eminente cirujano cardiológico, está casado con Anna (Nicole Kidman), una oftalmóloga respetada. A ellos les va bien y llevan una vida familiar feliz y sana con sus dos hijos, Kim, 14 (Raffey Cassidy) y Bob, 12 (Sunny Suljic). Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre y a quien ha tomado bajo su ala. Las cosas toman un giro siniestro cuando Steven presenta a Martin a su familia, su mundo gradualmente se convierte en un caos y Steven se ve forzado a hacer un sacrificio impactante o correr el riesgo de perderlo todo. Diamond Films

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JUEGOS PARA TODA LA FAMILI de Sergio Martínez Vila Dirección Juan Ollero

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Foto: Laura Ortega

| ESCENA |

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Foto: Laura Ortega


Todos jugamos. Todos seguimos las reglas y las rompemos. Todos queremos ganar y (casi) nadie quiere perder. Pero hay gente que sólo se siente ganadora cuanto más cerca está de la pérdida absoluta, cuanto más peligrosamente la ronda. Sólo así el cosquilleo del juego infantil pervive en los adultos que ya no saben cómo apagar, aunque sólo sea por un momento, el ruido que son. Una familia ligada a la élite industrial y financiera del viejo continente se reúne para jugar durante todo un fin de semana en su villa privada. Papá, Mamá y el Nene quieren exprimir al máximo las oportunidades lúdicas de este encuentro, y por eso han invitado a dos refugiados del conflicto bélico en Siria (Hani y Samir) como invitados de honor. Durante el viernes y el sábado los juegos siguen un guión bien pautado, pero el domingo, día reservado para la caza, el saldo acumulado de ganancias y pérdidas se recrudece, los participantes aceptan desafíos más extremos, y así el juego más antiguo del mundo ocupa de nuevo (¿ha dejado de hacerlo alguna vez?) el corazón de una Europa insensible y aburrida de sí misma. Un trabajo de investigación dramatúrgica del Laboratorio Rivas Cherif.

JUEGOS PARA TODA LA FAMILIA Hasta el 30 de diciembre Teatro María Guerrero - Sala de la Princesa CDN www.cdn.mcu.es

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LA AUTORA DE LAS MENINAS Texto y Direcciรณn Ernesto Caballero

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Foto: David Ruano

| ESCENA |

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LA AUTORA DE LAS MENINAS Del 15 de diciembre hasta el 28 de enero Teatro Valle-Inclรกn - CDN www.cdn.mcu.es


Carmen Machi protagoniza La autora de Las meninas, un texto de nueva creación firmado por Ernesto Caballero, dramaturgo, director de escena y Director del Centro Dramático Nacional (CDN). La primera representación del montaje tuvo lugar el pasado 17 de febrero en el Teatro de Rojas de Toledo y, a partir de esa fecha, la obra ha realizado gira por España y ahora en el Teatro Valle-Inclán de Madrid. El montaje es una coproducción de Centro Dramático Nacional (CDN) – INAEM y Focus, en el que se plantea un posible futuro en el que una monja especializada en la reproducción exacta de grandes obras pictóricas, pierde el juicio y termina creyéndose la pintora más importante de la historia.

La autora de Las meninas supone el reencuentro de Carmen Machi y Ernesto Caballero sobre el escenario, después de grandes éxitos como La tortuga de Darwin (Teatro de La Abadía, 2008) y Auto (Teatro Lara de Madrid, 2007). Texto del director En un futuro no muy lejano la crisis financiera que sacude a Europa obliga al Estado español a desprenderse de buena parte de su patrimonio artístico. Ante la posibilidad de la venta de “Las meninas”, una afamada monja copista recibe el encargo de realizar una réplica exacta del original velazqueño. A partir de este momento, la religiosa se va a ver atrapada en una encrucijada de diversos intereses que propiciarán una radical transformación en su personalidad, una suerte de posesión demoníaca.

La autora de Las meninas es una sátira distópica que reflexiona sobre la creciente exaltación de la subjetividad individual así como el lugar que ocupa la expresión artística en nuestro tiempo. La obra presenta una hipotética sociedad liberada finalmente de toda necesidad artística o humanística; el sinsentido de una actividad improductiva es asumido abiertamente por las formaciones políticas tanto de la izquierda como de la derecha, coincidentes en el cuestionamiento de una inversión superflua y onerosa desde una nueva concepción del bienestar social. Ángela, la protagonista de esta fábula sobre la vanidad, se resiste a aceptar la democratización indiscriminada en todos los ámbitos del quehacer cultural; el derrumbe de la autoritas referida al arte y al conocimiento, el advenimiento, en fin, de un nuevo paradigma que sitúa y equipara en el mismo canon una pegadiza canción del verano con, pongamos por caso, el Réquiem de Mozart. Ernesto Caballero Foto: David Ruano

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| MÚSICA |

MARCO MEZQUIDA Solo Concert El menorquín Marco Mezquida se ha convertido en un mago del piano, un verdadero talento que a sus 30 años ha seducido a público, crítica y compañeros de profesión y se ha convertido en uno de los concertistas y creadores más solicitados y prolíficos del país. Un concierto de piano solo es el espacio donde Marco vuela más alto y libre y hace volar a los oyentes, ya sean expertos o desconocedores de lo que van a descubrir: un viaje iniciático, una tormenta estética. Versátil compositor e improvisador, el pianismo de Mezquida es mágico, apasionado, intensamente sofisticado y luminoso con un discurso personal y contemporáneo, donde las etiquetas se quedan pequeñas para definir a este músico explosivo e íntimo, con influencias que abarcan la historia de la música: la música romántica e impresionista, la canción lírica y las influencias de su amor por la música popular y la vanguardia, el jazz y la libre improvisación. Después de haber girado por todo el mundo con los mejores grupos del jazz español y de haber publicado 14 discos como líder (4 de ellos a piano solo) Mezquida ofrece un personal y atractivo viaje musical en Bogui Jazz formado mayoritariamente por sus composiciones e improvisaciones donde explora todo un mundo de sonoridades y registros.

Marco Mezquida 14 de diciembre a las 21 horas Bogui Jazz C/ Barquillo, 29 28004 Madrid


| LIBROS |

El nacimiento de una especie

El ingenio de los pájaros

Pocas cosas hay tan fascinantes como entender cómo hemos llegado a ser lo que somos. Por qué vivimos en grupo y soportamos alianzas, jerarquías y rivalidades; por qué caminamos erguidos sobre dos piernas, tenemos mandíbulas y músculos débiles; por qué inventamos la técnica; por qué cocinamos o somos omnívoros; por qué tenemos cerebros grandes, somos curiosos y observadores y creamos cultura; cómo fuimos capaces de crear símbolos que entendemos colectivamente ... Pero además de ser un libro sobre la evolución humana, es un libro sobre África, donde el autor ha residido mientras lo escribía. Sabemos que los primeros homínidos que caminaron erguidos hace 4,2 millones de años lo hicieron allí y que las primeras poblaciones de nuestra especie aparecieron en África hace alrededor de 300.000 años. Esa es la razón que ha llevado al autor a recorrer el continente visitando decisivos lugares arqueológicos, cuevas y refugios que dan testimonio de la evolución seguida por grupos de un ancestro común que compartimos con el chimpancé, que salieron de la selva húmeda hace alrededor de seis millones de años, hasta la aparición de nuestra especie, el Hombre moderno.

Una elegante investigación y cuaderno de bitácora que entreteje anécdotas personales con datos científicos sorprendentes sobre el mundo de los pájaros. Los pájaros son unos animales con una inteligencia fascinante. Nuevos y revolucionarios estudios de investigación lo demuestran. Mientras viaja alrededor del mundo, Ackerman no sólo narra la historia de la recién descubierta inteligencia de los pájaros, sino que, además, profundiza en los últimos hallazgos acerca del cerebro aviar, que están cambiando nuestra concepción de lo que significa ser inteligente. Esta edición, además, incluye un cuaderno de campo para anotar tus propias observaciones y descubrir las asombrosas habilidades de las aves.

Mark Aguirre Biblioteca Buridán 304 Páginas 9788416995394

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Jennifer Ackerman Editorial Ariel 496 Páginas 9788434427167


| LIBROS |

El proxeneta

En defensa de España

Mabel Lozano cuenta por primera vez la verdadera historia de lo que hay detrás de la prostitución de la mano de un testigo privilegiado, Miguel, apodado el Músico, un proxeneta que ha confesado con pelos y señales cómo ha evolucionado el negocio de la prostitución en España y todo el mundo, desde principios de los años noventa hasta hoy, con el lucro de la trata y secuestro de mujeres de deuda a las que su única salida era la prostitución. Nada más y nada menos que capo de una red organizada y sin escrúpulos con un único objetivo: exprimir crónicamente a mujeres de todo el mundo -más de 1.700, incluido menores- para que se prostituyeran y les reportaran sumas insospechadas de beneficios. Sexo, corrupción, asesinatos, trata de seres humanos, lavado de dinero, secuestros, extorsiones. La historia real de hechos probados en sentencias firmes sobre los más importantes proxenetas de nuestro país. Un relato jamás contado, apasionante y único sobre el crimen organizado que mueve los hilos de la prostitución. “Cualquier víctima ha de ser oída siempre en primera persona, con la atención, empatía y sensibilidad que nos expresa Mabel a través de sus voces”. Flor de Torres Porras, El País

Ningún otro país como España posee una historia tan rica en sus imágenes ni tan abundante en conceptos, mitos y leyendas. Es la historia más exótica de Occidente y también la más extensa y extrema en su envergadura, tanto cronológica como geográfica, y con mayores diferencias en las distintas épocas. A lo largo de los siglos, la Historia de España se ha descrito y definido a partir de conceptos inusitadamente controvertidos: reino bárbaro decadente, conquista oriental, paraíso multicultural, guerra divina, Reconquista, Inquisición, primer imperio mundial, monarquía paneuropea, decadencia profunda, leyenda negra, país insurreccional que reclama su independencia, cultura romántica por excelencia, sociedad convulsa y/o revolucionaria, democracia militante antifascista, país fascista retrógrado, pionera democracia de consenso... Algunas de estas descripciones son tópicos esencialmente falsos, pero la mayor parte se refiere a procesos o logros históricos muy complejos que requieren mucha matización. Stanley G. Payne Espasa Calpe 312 Páginas 9788467050594

Mabel Lozano Ediciones Alrevés 352 Páginas 9788417077154

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| EXTRAร‘O Y CURIOSO |

ISLA BASURA El continente de plรกstico


________ TEXTO Y FOTOS: EMNMM

El plástico es un material barato y útil que desde el siglo pasado, forma parte de nuestra vida cotidiana, tanto es así que hay quien ha denominado al siglo XX como la Era del Plástico, pues está en todos los lados y resulta difícil, por no decir imposible, imaginarse el mundo sin este material. Las infinitas ventajas del plástico son incuestionables, no así la gestión del mismo a la hora de deshacernos de este material, pues millones de toneladas de plástico incontrolado acaba en el medio natural, generando un grave problema ecológico, especialmente cuando el plástico acaba en los mares y en los océanos. La primera vez que saltaron todas las alarmas por el problema de la contaminación marina por los plásticos surgió en 1997, cuando se descubrió una gigantesca “isla” compuesta por millones de trozos de plástico en el océano Atlántico que, según los científicos, comenzó a formarse a finales de los años cincuenta. Desde entonces, la acumulación de plásticos en el mar ha ido en aumento y ya se han descubierto un total de cinco “islas” de plástico, inmensas extensiones de residuos denominadas como “zonas de acumulación”, que están repartidas por todos los océanos del planeta: dos en el Atlántico, otras dos en el Pacífico y una en el océano Índico. El tamaño de estas islas varía de una zona a otra, la mayor de todas se encuentra en el norte del Pacífico y tiene una extensión similar a toda la superficie de los Estados Unidos. La formación de estas gigantescas acumulaciones de plástico se produce porque las corrientes marinas actúan como si de una cinta transportadora se tratara, llevando el plástico a la deriva hasta concentrarse en los remolinos de agua formados por las corrientes, a estos remolinos se les denominan “giros oceánicos”. Estas acumulaciones han sido estudiadas durante los últimos años y han arrojado datos realmente preocupantes. Uno de los más alarmantes fue cuando se comprobó que estas islas no eran como una masa de plásticos flotantes, era algo más parecido a una “sopa” de microplásticos, es decir, fragmentos inferiores a 5 mm. Esto supone un gran problema, pues el plástico descompuesto, el que no se ve a simple vista, pasa directamente al plancton y a la cadena alimenticia, y de ahí a todos los seres vivos que habitan en el mar y, por consiguiente, llega al consumo humano.

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El plástico se encuentra en todos los océanos y cientos de miles de especies se ven afectadas por su ingesta y por la contaminación. Lo más terrorífico de este asunto es que se estima que hay 236.000 toneladas de plástico en el mar, una cantidad que va en aumento día a día. En la actualidad, el plástico se encuentra en todos los rincones del mar, en los fondos oceánicos e incluso en el Ártico, pues recientes estudios han constatado que los hielos árticos están repletos de minúsculas porciones de plástico, toda una bomba de relojería que tarde o temprano estallará si las predicciones más agoreras relacionadas con el cambio climático se materializan, pues la desaparición del hielo ártico devolvería al mar toneladas de microplásticos. Según datos publicados por la organización Greenpeace, cada año llegan a los mares y océanos más de 8 millones de toneladas de plástico. Un 70% de ellos acaban en el fondo marino y el 30% restante viaja en las columnas de agua, esparciéndose por todos los mares y acumulándose en la superficie, en las zonas de acumulación. En el caso concreto de España, y según datos de Greenpeace, el 50% de los plásticos llegan a los sistemas de gestion de residuos y terminan en los vertederos sin ser reciclados. Estos datos no tienen en cuenta que el litoral español es uno de los destinos favoritos del turismo y que cada año se retiran de las todavía privilegiadas playas españolas, toneladas de residuos plásticos. Sin lugar a dudas, las consecuencias para el medio marino son terribles, sin contar con las nefastas consecuencias económicas. Por ello resulta más que necesario conocer el problema y concienciar a todos sobre esta tragedia que está a punto de golpearnos en la cara.

Fuentes: Ministerio de Medio Ambiente Greenpeace

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| ESPACIOS Y PROPUESTAS |

Est_Art Space Un nuevo concepto en el mundo del arte EMNMM - 91


Est_Art Space, un nuevo concepto de Espacio de Arte que ha abierto sus puertas recientemente en el municipio madrileño de Alcobendas. Cuenta con una superficie de más de 1.500 m2 habilitados para el arte y a la cabeza de este joven proyecto se encuentran dos emprendedores con experiencia en el mundo del arte y la empresa; MasauR (Maite Sánchez Urueña) fotógrafa, grabadora, gestora cultural, comisaria y presidenta de la asociación de artistas ADOS y Javier Montorcier, director de MC, compañía dedicada a la distribución de artículos de regalo y hogar. Est_Art Space, es mucho más que una galería de Arte, un gran centro donde se unifica la venta online, el espacio físico en el que poder observar las obras en directo y la posibilidad de organizar todo tipo de actividades como talleres, cursos de grabado, plató y cursos de fotografía. Además, el espacio está abierto para la realización de visitas guiadas tanto a las instalaciones como a los talleres de los artistas, incluso ofreciendo la posibilidad de exhibición de proyectos externos. Desde su reciente creación, Est_Art Space se encuentra en plena fase de creación de la sección de venta on-line, en la que han incluído obras de los 23 autores con los que cuenta la galería en estos momentos, además de otros artistas, tanto emergentes como consolidados. Cuenta, además, con una sección exclusiva para artistas emergentes y nuevos creadores con la intención de que Est_Art Space sea una plataforma donde los artistas tengan la posibilidad de dar a conocer sus trabajos. Desde su creación, el equipo responsable de este proyecto se han marcado unos objetivos muy claros y necesarios en la escena artística nacional, como son:

Cotidianeidad del Arte. Generando una “normalización del Arte”, donde lo habitual sea que cualquier disciplina forme parte de nuestro día a día como algo cercano y asequible. Romper la idea del Museo o la Galería como espacio frío y aséptico.

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Función educacional. Tanto por los talleres y visitas de institutos que se van a desarrollar, como por la labor informativa que llevamos a cabo con aquellos que nos visitan. Poner el arte en valor y hacer comprender al público que de ellos depende el legado cultural del S.XXI. El público debe de “abrazar” el Arte como algo habitual, algo que les enriquece no sólo a nivel material, sino también a nivel emocional, que les plantea conflictos de nuestros días, que les hace pararse a pensar o que les proporciona nuevas experiencias y puntos de vista. Hacerles conscientes de que son muy necesarios para que todo ese engranaje funcione, desde los grandes coleccionistas a aquellos que adquieren una pequeña obra. Motor de creación. Apostamos por artistas vivos que estén produciendo obra en la actualidad. Talleres, monográficos, mesas redondas, ponencias, presentación de libros… 5.000 m donde la creación está presente en cada rincón. Abiertos a todo tipo de propuestas y sinergias culturales, fomentando impulsar el panorama actual que vive el arte contemporáneo. Generar Ocio, Conciliar el tiempo familiar, concebir la unión entre diversión y cultura, ayudar a mujeres maltratadas con experiencias y aprendizaje en torno al Arte. En definitiva, Est_Art Space nace para convertirse en un nuevo referente en el panorama actual dentro del circuito de Arte que ofrece la Comunidad de Madrid, especialmente en la zona norte.

EMG4 – Espacio Multipropuestas Granja 4 Est_Art c/La Granja, 4 – Pol. Ind Alcobendas Tl. 91.661.08.18 www.estartspace.com

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LA MALAJE Lo mejor de Cรณrdoba en Madrid

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| COMER |


___________ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

No llega a los dos años de vida y ya se ha hecho con un nombre propio en la gastronomía capitalina, y es que si hablamos de Córdoba en Madrid hay un nombre claro: La Malaje. Platos del sur con raíces, puestos al día con frescura, y en la mejor de sus interpretaciones. Una propuesta del ex Sacha, Manu Torres, en la que muestra el amor por la tierra que lo vio nacer y su buen hacer en la cocina. Producto y buena mano para da a conocer una Andalucía con las mejores hechuras.

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El local que lo acoge está situado en pleno centro de Madrid, junto a la plaza de Tirso de Molina. Tiene una zona a la entrada con barra, mesas altas y barriles, donde hacer un picoteo informal y tomar un vino de la gran variedad que tienen por copas cada día en su pizarra. Aquí se pueden comer sus ‘Entre pan y pan’: tres molletes (serranito, de carne mechá o de bacalao con huevo frito); dos bocatines (uno de chopitos y alioli tostado y otro de sardina ahumada y tomate); y un exquisito pepito de solomillo de vaca. Y, por supuesto, una selección de raciones con algunas de las recetas que también veremos en el restaurante como chopitos con huevos fritos, tartar de solomillo de vaca, el longueirón de Huelva en escabeche, las bravas, sus riquísimas croquetas, el bienmesabe, unos excelentes boquerones en vinagre o la jugosa tortilla de patatas.

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Dentro nos encontramos con un salón para aproximadamente 40 personas, decorado con sencilla calidez. Un lugar donde sentirse cómodo y dedicarse al disfrute que se presenta en cada plato. Se puede elegir el ‘Menú al sur’, compuesto por un entrante frío, otro caliente, pescado, carne y postre por 32 y la versión larga, de 8 pases, el ‘Menú de feria’ por 55, si se desea maridado con generosos por 18 más. Una estupenda oportunidad de hacer un intenso recorrido por la propuesta de la casa. Además, cuentan con una amplia carta, que cambia según la temporada y lo que ofrece el mercado, con opciones para todos los gustos. En cuanto al apartado líquido, una especial atención a los vinos del sur y, sobre todo, a los de Montilla-Moriles, con un listado de etiquetas nada habituales fuera de la provincia cordobesa. Y un par de detalles importantes, hacen menús de grupo a medida e invitan a una hora de aparcamiento gratis en la misma calle del restaurante.

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LA MALAJE C/ Relatores, 20 Madrid Tlf. 91 081 30 31 www.lamalaje.es


En el restaurante, encontramos algunos de los platos que ya habíamos visto en la entrada como sus fantásticos aliños y escabeches, que suelen cambiar con frecuencia y que se encuentran entre los mejores probados. Pipirrana de arenques, lengua de ternera escabechada, ensaladilla de gambas, sardinas ahumadas en mazamorra de almendra… son sólo algunos de los apetitosos entrantes. También pescados en los que se conjuga la calidad con un estupendo punto, como el rodaballo con ajada de aceitunas negras, la raya confitada en escabeche de azafrán o la corvina salvaje a la montillana. Estupendas carnes como el guiso de vaca vieja o la pluma ibérica a la parrilla, enjundiosos guisos de cuchara según el día, y para terminar se puede poner un punto dulce o gozar de una siempre bienvenida tabla de quesos. Un lugar ideal para picar o dejarse llevar por una culinaria con memoria, gusto y mucho, mucho sabor andaluz.

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| AGENDA | ARTE Y CULTURA

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– Alberto Corazón: Despojarse (Hasta el 6 de enero. Galería Marlborough) – Alphonse Mucha (Hasta el 25 de febrero. Palacio de Gaviria) – Auschwitz. No hace mucho. No muy lejos (Hasta el 17 de junio. Centro de Arte Canal) – Co-urbanisme (Hasta el 22 de diciembre. Alliance Française de Madrid) – Daniel Canogar. Fluctuaciones (Hasta el 28 de enero. Sala Alcalá 31) – Espíritu de la pintura. Cai Guo-Qiang (Hasta el 4 de marzo. Museo del Prado) – Esther Ferrer. Todas las variaciones son válidas (Hasta el 25 de febrero. Palacio de Velázquez) – Federico Fellini. Sueño y diseño (Hasta el 21 de enero. Círculo de Bellas Artes) – Fortuny (1838-1874) (Hasta 18 de marzo. Museo del Prado) – George Herriman (Hasta el 26 de febrero. Museo Reina Sofía) – Gonzalo Juanes. Una mirada de color (Hasta el 10 de enero. La Fábrica) – James Casebere. Emotional Architecture (Hasta el 10 de febrero. Galería Helga de Alvear) – Manuel Pertegaz (Hasta el 12 de noviembre. Sala Canal de Isabel II) – El mundo de Giorgio de Chirico (Hasta el 18 de febrero. CaixaForum Madrid) – Nicholas Nixon (Hasta el 7 de enero. Fundación Mapfre) – Picasso / Lautrec (Hasta el 21 de enero. Museo ThyssenBornemizza) – El poder del pasado (Hasta el 1 de abril. Museo Arqueológico Nacional) – Zuloaga en el París de la Belle Époque (Hasta el 7 de enero. Fundación Mapfre) MÚSICA ________________________________________ – – – – – – – – –

Ale Gators (9 de diciembre. Sala Moe) Ara Malikian (29 de diciembre. WiZink Center) Depeche Mode (16 de diciembre. WiZink Center) Enrique Bunbury (8 de diciembre. WiZink Center) Harlem Gospel Choir (16 de diciembre. C.C. Fernán Gómez) Helloween (9 de diciembre. WiZink Center) Home to Bill Evans Jazz Trio (12 de diciembre. Clamores) Irene Albar (Del 8 al 10 de diciembre. Café Central) Jarabe de Palo (26 de diciembre. La Riviera)

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– Jorge Drexler (13 y 14 de diciembre. Teatro Nuevo Apolo) – Lady & The Tramps (7 de diciembre. Bogui Jazz) – Loquillo (15 de diciembre. WiZink Center) – Michael Dotson (11 de diciembre. Clamores) – Raphael (21 de diciembre. WiZink Center) – Rosa López (13 de diciembre. Joy Eslava) – Rosendo (22 de diciembre. La Riviera) – Route 66 Jam (7 de diciembre. Bar&Co) – The Soul Jacket (9 de diciembre. Clamores) – Van Morrison (12 de diciembre. WiZink Center) ESCENA ________________________________________ – Bodas de sangre (Hasta el 10 de diciembre. Centro Dramático Nacional) – Casa de muñecas (Hasta el 17 de diciembre. Teatro Fernán Gómez) – Clandestino. Adult Cabaret (Hasta el 30 de diciembre. Gran Teatro Bankia P. Pío) – La dama boba (Hasta el 30 de diciembre. Teatro de la Comedia) – La dama duende (Hasta el 10 de diciembre. Teatro de la Comedia) – Electra (Hasta el 23 de diciembre. Teatro de la Zarzuela) – Espía a una mujer que se mata (Hasta el 10 de diciembre. Teatro Valle-Inclán) – Éxtasis de los insaciables (Hasta el 15 de diciembre. Réplika Teatro) – Famélica (Hasta el 17 de diciembre. Teatro del Barrio) – Federico y Lola (Hasta el 25 de diciembre. Teatro Lara) – Ignatius Farray (Hasta el 9 de diciembre. Teatro Cofidís Alcázar) – Juicio a los humanos (Hasta el 17 de diciembre. Teatros Luchana) – La liberación de la locura (Hasta el 15 de diciembre. La Puerta Estrecha) – Peceras (Hasta el 18 de diciembre. Teatro Lara) – El viento hace la veleta (Hasta el 27 de diciembre. Nave 73) EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – Almoneda Navidad (Del 13 al 17 de diciembre. (Feria de Madrid) – GamerGy (Del 15 al 17 de diciembre. Feria de Madrid) – Juvenalia (Del 6 al 10 de diciembre. Feria de Madrid) – Retromóvil Madrid (Del 15 al 17 de diciembre. Feria de Madrid)


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2017. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 62 / Diciembre 2017

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