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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 40 / Diciembre 2015


| EDITORIAL |

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adrid no es una ciudad que muestre todos sus encantos a primera vista, es una ciudad coqueta que se guarda algunos de sus mejores secretos para todo aquel que esté interesado en descubrirla. Uno de esos secretos, quizás el mejor guardado, se esconde en el corazón del Madrid medieval, se trata de la Capilla del Obispo, un templo único que se conserva prácticamente intacto desde su construcción pese a los avatares de la historia. Este es el tema central al que hemos dedicado este número, el último de 2015, aunque no es el único tema. Como es habitual, hemos seleccionado a los personajes más interesantes y la mejor oferta de la cultura, el ocio y el espectáculo. Terminamos el 2015 y nos embarcamos ya en un nuevo año repleto de proyectos y desafíos que esperamos poder compartir con todos vosotros. Nos despedimos de este año, no sin antes desearos unas felices fiestas de parte de todo el equipo de EMNMM. Ramón Rivas

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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NOTICIAS

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MADRID. La Capilla del Obispo

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MADRID COMUNIDAD. El Puente Romano de Talamanca de Jarama

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MADRID NATURAL. Acebo y Muérdago

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LUGARES. El Castillo de Torrelobatón

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PERSONAJES. Juan del Santo

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ARTE. Eugenia Martínez

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FOTOGRAFÍA. Marienna García-Gallo

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CINE Y TV. Una Navidad de cine

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ESCENA. Obras en cartel

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MÚSICA. The Tremendous

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LIBROS

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HÉROES EN SILENCIO. Marta Lucientes

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EXTRAÑO Y CURIOSO. El español disecado en Montbrisol

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LUGARES. Siluro Concept

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COMER. Luca Rodi

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AGENDA

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| CONTENIDOS – DICIEMBRE 2015 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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COLABORADORES Antón Pérez

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Ocelote Cortesía: Jaime de la Torre

Carmen Martínez de Artola RJ Ócar Bethencourt Pilar Sarro

MAQUETACIÓN Maite Rivas

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FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Universal Pictures Alexandra Sumasi Jaime de la Torre Siluro Concept Santiago Ydáñez

Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Ministerio de Educación y Cultura

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846

Comunidad de Madrid

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Ayuntamiento de Madrid

Bar Villa de Verín


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Nada Temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas

La exposición Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas, que clausura los actos organizados por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte con motivo del V Centenario del nacimiento de santa Teresa de Jesús, ha sido organizada por Acción Cultural Española (AC/E), el Museo Nacional de Escultura y la Dirección General de Política de Industrias Culturales y del Libro. El Museo abre por primera vez de manera conjunta sus tres sedes para acoger la muestra. La exposición está comisariada por Rosa Martínez, directora artística de bienales internacionales como las de Venecia o Estambul, y trata de mostrar la fuerza con que la espiritualidad, la religiosidad y lo sagrado siguen siendo hoy sustento de la creación artística. Así lo evidencia este grupo de veintiún artistas contemporáneos, de reconocido prestigio, seleccionados por su conexión temática, conceptual o existencial con la figura y el legado de Teresa de Jesús: Marina Abramovic, Anila Quayyum Agha, José Ramón Ais, Pilar Albarracín, Francis Alÿs, Miquel Barceló, Louise Bourgeois, Dora García, Anish Kapoor, Waqas Khan, Kimsooja, Cristina Lucas, Bruce Nauman, Nikos Navridis, Rivane Neuenschwander, Cai Guo-Qiang, Eglė Rakauskaitė, Soledad Sevilla, Josefa Tolrà, Eulalia Valldosera y Bill Viola. Algunos han creado obras específicas para esta exposición, mientras que otros convivirán con piezas singulares de la colección histórica del Museo. En conjunto utilizan medios diversos que van desde la cerámica y el dibujo al video, la performance, las instalaciones o las intervenciones en el espacio público. El recorrido por las tres sedes 8 - EMNMM

monumentales del Museo Nacional de Escultura, un Colegio del siglo XV y dos palacios del siglo XVI, situados en una misma calle, genera una simbiosis muy reveladora entre las obras contemporáneas y algunas de las piezas más significativas de la colección permanente. Esta interacción crítica se expande al Coco Café, próximo al Museo, que, en una experiencia singular, conecta lo público y lo privado, las asociaciones cívicas y las institucionales. Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas, que podrá verse del 18 de noviembre de 2015 al 28 de febrero de 2016 en Valladolid, contará con un catálogo bilingüe español/ inglés editado por Acción Cultural Española (AC/E) y Ediciones Anómalas bajo la dirección de la comisaria de la muestra, Rosa Martínez, en el que el lector encontrará reflexiones reveladoras sobre Teresa de Jesús y sobre el arte como camino espiritual a través de las obras de los artistas participantes, así como de los ensayos de María Bolaños, directora del Museo Nacional de Escultura; Giuliana Di Febo, historiadora; Julia Kristeva, psicoanalista y escritora, y Rosa Martínez. Nada temas, dice ella. Cuando el arte revela verdades místicas. Hasta el 28 de febrero de 2016 en, Museo Nacional de Escultura Palacio de Villena Colegio de San Gregorio Casa del Sol Calle Cadenas de San Gregorio, 1 47011 Valladolid www.museoescultura.mcu.es


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Colección Lázaro Galdiano de Nueva York La colección, formada únicamente con las compras realizadas durante los cinco años de estancia en Norteamérica, refleja el gusto de Lázaro hacia la Edad Media y el Renacimiento. Entre las obras adquiridas destacan la Taza Aldobrandini, magnífica pieza de plata dedicada al emperador Julio César, incluida en un proyecto de investigación iniciado en 2014 que lleva a cabo el Metropolitan Museum; la bella escultura italiana de la Madonna Cernazai, procedente de la colección del magnate W. Randolph Hearst; la pintura de Eugenio Lucas Velázquez conocida como Capricho alegórico; manuscritos, libros miniados y numerosas piezas de plata, bronce, marfil o joyas adquiridas en las galerías de Parke-Bernet, Hammer o en la Galería Anderson, en la que se hizo con un importante lote de dibujos y acuarelas.

José Lázaro Galdiano. Hacia 1940. ©Museo Lázaro Galdiano. Madrid

El Museo Lázaro Galdiano presenta el próximo 3 de diciembre la exposición “Colección Lázaro de Nueva York”. Esta muestra ayudará a conocer mejor la figura de José Lázaro como coleccionista, así como su estancia en Estados Unidos entre 1939 y 1944. Lázaro, infatigable filántropo, enamorado del arte y la cultura, aprovechó su estancia en Norteamérica para codearse con destacados coleccionistas, marchantes de arte, historiadores y conservadores, a la vez que buscaba piezas con las que agrandar su ya nutrida colección de Arte y Bibliofilia. Instalado en el Hotel Pierre de la Quinta Avenida, próximo a las galerías más importantes de Nueva York, José Lázaro compaginó su vocación de coleccionista con la de historiador, impartiendo conferencias sobre arte español en el Institute of Fine Arts, con cuyo fundador y director, el hispanista Walter W. S. Cook, fraguó una gran amistad.

De regreso a España a mediados de 1944, decidió dejar depositadas las más de mil obras adquiridas en las galerías neoyorquinas y a coleccionistas norteamericanos, en el Museo de Arte Antiga de Lisboa. Unos meses después, en el verano de 1945, una selección de estas piezas, que conforman lo que se ha denominado “Colección de Nueva York”, se expuso en las salas del museo portugués. De esta muestra se cumplen ahora sesenta años. Finalmente, Lázaro pudo traerlas a España en 1947, unos meses antes de su muerte. Estas obras, unidas a las de sus otras dos colecciones, la de Madrid y la de París, constituyen la Colección Lázaro. La exposición se articulará en dos ámbitos. El primero destacará las obras más importantes de la Colección incluidas en la exposición permanente del Museo, algunas de ellas obras maestras como la Taza Aldobrandini, el Braserillo con las armas del duque de Borgoña o la Madonna Cernazai. El segundo, en la sala 6 del museo, recogerá una variada selección de piezas que no forman parte de la exposición permanente, y que por tanto no están a la vista del público, como los esmaltes Botkin, algunas joyas, marfiles, piezas de platería, monedas, medallas, bronces, dibujos o manuscritos, abarcando una cronología que va desde la Antigüedad hasta finales del siglo XIX.

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Wildlife Photographer of the Year

Marco natural. Morkel Erasmus (Sudáfrica)

Madrid acoge, como primera itinerancia a nivel mundial tras su presentación en Londres, la exposición que representa el principal evento de fotografía de naturaleza del mundo. El jurado internacional del concurso Wildlife Photographer of the Year está compuesto por nueve profesionales de la conservación y la fotografía de naturaleza que han seleccionado este año 100 fotografías de entre más de 42.000 imágenes presentadas por fotógrafos y fotógrafas de naturaleza procedentes de 96 países. Wildlife Photographer of the Year promueve el trabajo de fotógrafos y fotógrafas de naturaleza, tanto profe10 - EMNMM

sionales como amateurs, premiando jóvenes y adultos en, hasta 17 categorías de adultos y cuatro categorías de jóvenes de hasta 17 años. Diversidad de la Tierra: Mamíferos, Aves, Anfibios y Reptiles, Invertebrados y Plantas, Entornos de la Tierra: Subacuático, Desde el Aire, Tierra y Urbano, Diseño de la Tierra: Detalles, Impresiones y Blanco y Negro, y las categorías especiales como la de Portfolios -con dos categorías, de 18 a 25 años y mayores de 26 años- o el premio al mejor fotoperiodista de naturaleza del año -por la fotografía individual y reportaje-, son las categorías premiadas de este concurso. De entre todas las imágenes seleccionadas, se elige la fotografía ganadora absoluta del año.


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Este año, la fotografía ganadora del certamen es La historia de dos zorros, del fotógrafo canadiense Don Gutoski. El zorro rojo y el zorro ártico rara vez interaccionaban en el pasado, pero debido al calentamiento global, se está ampliando la distribución hacia el norte del zorro rojo, convirtiéndole no solo en el mayor competidor del zorro ártico -ambas especies tienen la misma dieta- sino que cada vez más el zorro rojo se está convirtiendo en el mayor depredador del zorro ártico, como muestra la fotografía ganadora. En la categoría juvenil, la fotografía ganadora es Exhibición de combatientes, del fotógrafo checo Ondrej Pelánek, una poderosa imagen del cortejo de estas aves en el norte de Noruega. Wildlife Photographer of the Year contiene imágenes de los lugares más salvajes del mundo, que muestran con espectacularidad la esencia de la naturaleza a través de imágenes de fauna, flora o paisajes. La exposición trata de transmitir la belleza de la naturaleza al mismo tiempo que fomentar el conocimiento y el respeto hacia la vida natural. El auge y popularidad de la fotografía de naturaleza responde al interés y la preocupación cada vez mayor de la sociedad por la defensa y la conservación de la naturaleza. El certamen Wildlife Photographer of the year supone, año tras año, una plataforma para la denuncia contra las amenazas a nuestro entorno natural, así como una ventana al mundo de las grandes maravillas naturales. Presencia española en el certamen Seleccionados por un jurado internacional, varios fotógrafos españoles han resultado premiados en diferentes categorías del concurso. La imagen de Juan Tapia, La vida se convierte en arte, ganó en la Categoría de Diseño de la Tierra: Impresiones, mientras que la de Fran Rubia, El bosque del deshielo, ganó en la Categoría de Diseño de la Tierra: Detalles. La fotografía de Pere Soler, El arte de las algas, fue elegida ganadora de la categoría de Entornos de la Tierra: Desde el cielo, mientras que la fotografía de Carlos Pérez Naval, Días de verano, ganó en la Categoría Primeros disparos, hasta 10 años de edad. Otra fotografía de Pérez Naval, Beber o no, también resultó se-

leccionada como finalista en esta categoría. Además, destacaron otros fotógrafos españoles en el concurso, que fueron seleccionados entre los finalistas de las Categorías de Diversidad de la Tierra: Mamíferos -Marina Cano-, Invertebrados -Javier Aznar-, Entornos de la Tierra: Subacuático -Cristobal Serrano y Jordi Chias- y Urbano -Francisco Mingorance y Jose Antonio Martínez- y Desde el aire -Daniel Beltrá con dos fotografías, Categoría Diseño de la Tierra: Impresiones -Juan Jesús González Ahumada y Ángel M. Fitor-, así como en las categorías infantiles, hasta 10 años -Laura Albiac- y de entre 15 y 17 años -Marc Albiac-. Nuestro país es protagonista en numerosas fotografías. El visitante podrá disfrutar de impresionantes imágenes de las marismas del Guadalquivir, Sierra Nevada, Navarra, Cáceres, Murcia, Burgos, el delta del Llobregat, la Sierra de Collserola, Roquetas de Mar, el Mar Menor, Sierra Blanca y las playas de Fuerteventura.

INFORMACIÓN PRÁCTICA: FECHAS: del 13 de noviembre de 2015 al 10 de enero de 2016. LUGAR: LASEDE del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid C/Hortaleza, 63. HORARIO: lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00, sábados y domingos de 11:00 a 21:00 Consultar horario especial de Navidad. TARIFAS Entrada general: 4€ Entrada reducida 3€ (personas discapacitadas, personas desempleadas que presenten demanda de empleo, mayores de 65 años y grupos de más de 10 personas con petición previa en info@tucutucu.es). Entrada gratuita para menores hasta 13 años. Pueden concertarse visitas guiadas para grupos.

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La Majada de la Pedriza

La Majada de la Pedriza. Centro de Divulgación y Promoción del Parque Nacional Sierra de Guadarrama. El pasado mes de noviembre se presentó el nuevo Centro de Divulgación y Promoción del Parque Nacional Sierra de Guadarrama, la Majada de la Pedriza. La presentación estuvo a cargo de su directora general Carolina Sala que dio paso a Óscar Cerezal, Alcalde del Ayuntamiento de Manzanares el Real y al arquitecto Mariano Cuevas responsable de la intervención para acondicionar las dos casas que componen La Majada de La Pedriza. Entre los invitados se encontraban representantes de la Consejería de Medio Ambiente de la Comunidad de Madrid, representantes de ayuntamientos del área de influencia del Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama, directores de centros educativos, empresas y entidades locales, alpinistas como Miguel Ángel Gavilán o guadarramistas como Julio Vías. Carolina Sala, directora general de La Majada de la Pedriza por su parte presentó así la empresa que gestiona este centro: «Debo decir que la empresa a la que 12 - EMNMM

represento, Ednya, apostó por este proyecto cuando la Comunidad de Madrid lo sacó a concurso y apostaremos y lucharemos porque esto funcione. Este es un proyecto que une, que suma. Ednya lleva muchos años trabajando en proyectos por una mejora medioambiental y en el ámbito de la formación.» La Majada de la Pedriza debe su nombre al objetivo que persigue este centro situado en el corazón del Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama: Una majada es un lugar en la montaña que sirve como recogimiento del pastor y de su ganado en las noches, durante las épocas de pastoreo y de trashumancia. Con la misma vocación, La Majada de la Pedriza pretende acoger a personas, entidades y municipios con el fin de potenciar, impulsar y promover actividades económicas sostenibles en el Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama y su entorno socioeconómico. Es un lugar fructífero, donde crear sinergias, estimular colaboraciones, potenciar el desarrollo personal y profesional, y generar procesos de enseñanza-aprendizaje entorno a este espacio natural protegido con alcance nacional e internacional.


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Para ello los proyectos que se van a llevar a cabo se pueden englobar en 4 grandes áreas: 1. La Majada como centro de formación y desarrollo profesional. Por lo que cuenta con aulas para impartir formación reglada y no reglada sobre: Medio ambiente, turismo, montaña y ocio y así contribuir a que nuevos profesionales aprovechen oportunidades de empleo que genere el propio Parque Nacional. Para el ámbito empresarial, La Majada se ofrece como lugar de reuniones y eventos para empresas, pero también como lugar de formación empresarial, utilizando, a través de cursos, jornadas y conferencias, la naturaleza como metáfora sobre competencias profesionales. 2. La Majada de la Pedriza, como no puede ser de otra manera, pone en valor el Patrimonio natural, histórico, cultural y arqueológico del Parque Nacional. Se hará a través de distintos proyectos según el público al que irá dirigido: Programas de ocio en familia. Teniendo en cuenta la fragilidad del entorno, no se plantearán actividades para hacer en masa, todo lo contrario, de hecho las actividades no se realizarán sólo en La Pedriza también en otros municipios: Cercedilla, Los Molinos... y siempre, con un componente lúdico, perseguirá la divulgación de conocimientos sobre naturaleza y técnicas de montaña básicas para que las familias sepan moverse con seguridad y respeto al medioambiente en los entornos naturales dirigidos a todo tipo de público. 3. La Majada, estando en el lugar en el que está, también va a ser un centro para la investigación y la divulgación científica en colaboración con universidades nacionales e internacionales, colaborando con la Universidad Complutense, la Universidad de Alcalá de Henares, la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad de Alicante...y dar cabida a formación reglada. Con su línea editorial La Majada además de difundir el conocimiento, también va a crearlo a través de trabajos de investigadores de las universidades con las que colabora, en el Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama.

4. La Majada quiere contribuir al desarrollo socioeconómico en colaboración con otras entidades, tanto del lado madrileño como del segoviano. El Parque Nacional de la Sierra de Guadarrama comprende territorios de ambas provincias. Esta colaboración busca dar a conocer, a través de la venta en La Majada de La Pedriza de productos locales seleccionados con criterios de sostenibilidad: por ser productos artesanos, porque están hecho con criterios de contribución al medio ambiente o por tener carácter divulgativo. La Majada cuenta con un espacio denominado Promoción Gastronómica que busca dar visibilidad a los productores primarios de la sierra y puesta a la venta de sus productos: Desde embutidos segovianos de producción ecológica, quesos de Miraflores de la Sierra, mieles de Soto del Real... Sobre la arquitectura: Las casas que componen La Majada de La Pedriza tienen 60 años. Fueron en sus orígenes lugar de estancia de retenes y en los años 80 pasaron a ser Escuelas-taller para forestales. Para la intervención arquitectónica se ha tenido en cuenta el Patrimonio histórico de las casas y, dentro de las posibilidades, se han incluidos soluciones sostenibles para dotar a las casas de los servicios básicos: luz, agua, calor... además de ocasionar el menor impacto posible al entorno durante la realización de las obras. La imagen exterior de las casas es patrimonial, por tanto así se ha respetado, y el interior se ha intervenido con materiales de alta calidad que respetara el espíritu anterior de las casas, de hecho se han mantenido algunas estufas antiguas como recuerdo de otras épocas. Sobre la sostenibilidad: la electricidad se consigue con un generador que incluye un equipo de baterías que evita ruido permanente; la iluminación es a través de LEDS de bajo consumo y las calderas son de biomasa. www.ednya.org

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Mujeres de Roma

CaixaForum Madrid presenta la muestra Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas. Colecciones del Museo del Louvre. Se trata de una muestra excepcional de carácter arqueológico dedicada a la imagen de la mujer en la decoración doméstica romana a partir de las colecciones del Museo del Louvre. La muestra se enmarca en la línea expositiva de la Obra Social la Caixa dedicada a las grandes culturas del pasado. Las exposiciones que la Obra Social la Caixa lleva a cabo en el campo de la arqueología y la historia tienen como misión mostrar al público las distintas formas en que hombres y mujeres de diversos lugares y épocas se han enfrentado a las grandes cuestiones universales, así como ampliar las perspectivas sobre el mundo a partir de las más recientes investigaciones históricas y arqueológicas. La complejidad de las culturas del pasado nos ayuda a comprender la del mundo actual;

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la diversidad de los pueblos antiguos, la de la sociedad de nuestros días. Una de las culturas antiguas que ocupa un lugar destacado en la programación de la entidad es la romana, pues, a diferencia de otras que nos quedan lejos en el tiempo y en el espacio, esta se desarrolló en los mismos lugares donde nos encontramos en la actualidad. Por ello, en proyectos como la exposición Romanorum Vita, que desde hace cuatro años itinera por toda España, la Obra Social la Caixa intenta explicar no solo cómo era la Roma imperial, sino cómo era la vida cotidiana de nuestros antepasados, incorporando los hallazgos de arqueólogos e historiadores. Este nuevo proyecto sobre Roma, en colaboración con el Museo del Louvre, pone el foco en el papel de las


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mujeres en la sociedad romana. La muestra traza un recorrido exhaustivo y propone una mirada poliédrica sobre las imágenes asociadas al mundo femenino en esa antigua civilización. La mujer en Roma ocupó un lugar destacado, en comparación con otras sociedades antiguas. En la sociedad romana hubo cierta evolución de la condición de la mujer, perceptible en las costumbres, pero también en la mentalidad, la representación y la decoración familiar. El cambio de mentalidad genera una contradicción entre una imagen tradicional de tipo aristocrático y la realidad de una sociedad en la que la mujer empieza a emanciparse y en la que sus logros le permiten superar el rol ancestral asignado. El estatuto de cierto privilegio de la mujer en Roma se traduce en distintas representaciones de la mujer bajo el prisma de la mitología, la religión y la fuerza materna, así como de la alegoría de la seducción y el exceso. La mujer romana era, al mismo tiempo, objeto de amor y de temor, de deseo y de desprecio. A pesar del papel subalterno ―fundamentalmente de madres y esposas― que cumplían según las leyes y costumbres, las mujeres protagonizan las representaciones, con frecuencia mitológicas, que se despliegan en la decoración: desde las musas, inspiradoras del espíritu, hasta Venus, imagen de la belleza y la seducción; desde las virtuosas Minerva y Diana, férreas defensoras de la virginidad y la virtud, hasta las monstruosas górgonas y sirenas; desde las mujeres generadoras de vida, que personifican fuerzas y ciclos naturales, hasta las forjadoras de terribles tragedias y aciagos desastres, como Medea o Pasífae. Mujeres de Roma. Seductoras, maternales, excesivas reúne 178 piezas romanas de primer orden procedentes de las colecciones del Museo del Louvre que representan a mujeres, diosas y seres mitológicos, y que ponen el foco en aquello que resultaba más próximo a las mujeres romanas: la decoración doméstica que las rodeaba y los objetos que las acompañaban en su vida cotidiana. La muestra nace del deseo de estudiar, restaurar y poner de relieve las colecciones de pintura

mural y de placas de terracota arquitectónica del Departamento de Antigüedades Griegas, Etruscas y Romanas del Museo del Louvre. Así, entre las piezas seleccionadas destacan el conjunto de pinturas 5 murales procedentes de Pompeya o las denominadas placas campanas, una treintena de relieves en terracota restaurados recientemente gracias al acuerdo de colaboración entre la Obra Social ”la Caixa” y el Museo del Louvre, y que se presentan por primera vez en los centros CaixaForum en los que itinera la muestra. Además de la pintura mural y las placas de terracota, destacan en la muestra otras piezas como las numerosas esculturas y bustos en mármol, los mosaicos y muchos objetos de uso cotidiano: desde lámparas de aceite hasta candelabros, espejos, horquillas y camafeos, además de varias joyas. Como es habitual en las exposiciones organizadas por la Obra Social ”la Caixa”, el proyecto incluye la edición de un catálogo que reúne las principales aportaciones científicas al respecto, así como distintos ensayos a cargo de especialistas internacionales. Además, se ha confeccionado un programa completo de actividades que incluye una innovadora propuesta, el Fin de Semana en Roma, que aglutina una numerosa oferta de talleres, conferencias y actividades para conocer y experimentar la antigua Roma, como por ejemplo una conferencia show cooking o visitas teatralizadas a la exposición. La oferta programada en torno a la muestra se completa con actividades específicas para colectivos de personas mayores, familias y la comunidad educativa, y distintos tipos de visitas para colectivos con necesidades especiales. CaixaForum Madrid Hasta el l 14 de febrero de 2016

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| MADRID |

LA CAPILLA DEL OBISPO Tesoros ocultos de Madrid


_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

Madrid no es una ciudad que muestra todos sus encantos a primera vista, es una ciudad coqueta que se guarda algunos de sus mejores secretos para todo aquel que esté interesado en descubrirla. Uno de esos secretos se esconde en el corazón del Madrid medieval, se trata de la Capilla del Obispo. Entre las plazas de los Carros, San Andrés, la plaza de la Paja y contigua a la iglesia de San Andrés, se encuentra el templo de Santa María y San Juán de Letrán, conocida popularmente por el nombre de la Capilla del Obispo. Este templo construido en el siglo XVI, en plena transición del estilo gótico al renacentista, es prácticamente el único edificio religioso que queda en Madrid de estas características y el hecho de que todavía se mantenga en pie resulta milagroso, pese a que desde 1931 goza de la declaración de Monumento Nacional.

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La Capilla del Obispo es un templo de una sola nave cuya construcción se debe a Francisco de Vargas, consejero de los Reyes Católicos, quien trazó el proyecto original de este templo sobre los restos de una anterior capilla, posiblemente mandada construir por el rey Alfonso VIII de Castilla. Las obras de construcción se iniciaron en 1520 y finalizaron en 1535, ya bajo la supervisión de Gutierre de Vargas y Carvajal, obispo de Plasencia e hijo de Francisco de Vargas que, tras la muerte de este, se hizo cargo de las obras. LA CAPILLA En el pasado, el linaje de los Vargas tuvo un grandísimo poder en Madrid, por tratarse de uno de los linajes más antiguos y por su estrecha relación con San Isidro, santo medieval que, según la tradición, obró numerosos milagros en la Villa de Madrid. Precisamente en honor al santo patrón de Madrid, se erigió la Capilla del Obispo, para albergar en ella el cuerpo incorrupto de San Isidro y que actualmente se encuentra junto a su esposa, Santa María de la Cabeza, en la Colegiata de San Isidro, no muy lejos de la capilla construida en su honor. Gracias a la autorización del papa León X, los restos mortales del santo permanecieron en la Capilla del Obispo durante 24 años, hasta que en junio de 1560, tras muchos pleitos con Roma, fueron trasladados a la iglesia contigua de San Andrés. Con el traslado de San Isidro al nuevo templo la capilla quedó en desuso, fue entonces cuando los poderosos Vargas decidieron convertir este lugar en su propio panteón familiar. Para ello, el propio Gutierre de Vargas encargó al escultor Francisco Giralte la realización del impresionante retablo del altar mayor así como los magníficos sepulcros de sus padres y el suyo propio. Las obras finalizaron alrededor de 1550 y desde entonces, la capilla no ha sufrido prácticamente ningún cambio significativo.

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LAS JOYAS DE LA CAPILLA De una sola nave, aunque dividida en tres tramos, la capilla no cuenta con excesivos ornamentos en su interior. Llama la atención su fantástica bóveda de crucería estrellada, típica del gótico tardío y otros elementos llamativos como son el coro y su artesonado y la impresionante puerta de acceso de nogal, tallada con escenas del Antiguo testamento y atribuida a Francisco de Villalpando. Esta magnífica puerta está considerada como una de las obras maestras del Renacimiento Español, aunque las verdaderas joyas, que son lo que realmente hacen especial a este templo, son el retablo y los sepulcros. El retablo Realizado por Francisco Giralte, discípulo de Berruguete, el retablo mayor es una de las escasas joyas de estilo plateresco existente en Madrid, está tallado en madera de ciprés, madera noble donde las haya, además de imputrescible, y ricamente decorado con policromías maravillosas y estofado en oro. El retablo está compuesto por cuatro cuerpos con magníficos bajorrelieves donde están representados todos y cada uno de los episodios relacionados con la vida, muerte y resurrección de Jesucristo.

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Los sepulcros Si el retablo es espectacular, no lo son menos, aunque por razones diferentes, los dos sepulcros de alabastro de Cogolludo ubicados a los lados del retablo, realizados entre 1547 y 1550, también por Francisco Giralte, para los padres del obispo; Francisco de Vargas, quien ideo el proyecto inicial de la capilla y su esposa Inés de Carvajal. El tercer sepulcro es un nicho corresponde al obispo de Plasencia Gutierre de Vargas, de ahí el nombre popular por el que es conocido este templo. Se trata de un nicho, también de alabastro, primorosamente esculpido donde se representa al propio obispo en actitud orante sobre un reclinatorio mirando hacia el altar mayor de la capilla. Además del obispo, que es la figura principal del conjunto, están representadas otras figuras que corresponden al capellán mayor junto a otros clérigos, acompañados de ángeles y diversas alegorías.

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EL MILAGRO DE SU CONSERVACIÓN En los convulsos años treinta del siglo pasado, los edificios religiosos de Madrid se convierten en el objetivo principal de los movimientos revolucionarios. En mayo de 1931, infinidad de conventos e iglesias de todo Madrid fueron pasto de las llamas provocadas, en su mayoría, por hordas anarquistas, sindicalistas y comunistas, privando así a las generaciones venideras de un impresionante legado cultural ya bastante mermado anteriormente, primero por la invasión napoleónica y después por la desamortización de Mendizábal. Los gravísimos acontecimientos de los años treinta que llegaron incluso a que el gobierno de la República declarase el estado de guerra en Madrid, no fue obstáculo para que se detuviese la barbarie revolucionaria que continuó hasta la llegada de la Guerra Civil y la consiguiente destrucción de los pocos edificios religiosos que quedaban en la capital de España. Milagrosamente la Capilla del Obispo no sufrió daño alguno, pese a estar colindante con la iglesia de San Andrés, que fue rociada con gasolina e incendiada por los milicianos. El motivo de esta milagrosa salvación se debió a que era un edificio cerrado casi independiente, pese a lindar muro con muro con la iglesia de San Andrés. Esto hizo que nadie reparase en ella y que se diese por destruida. Este olvido supuso la salvación de esta joya única en todo Madrid. Finalizada la guerra, la Capilla del Obispo se mantuvo cerrada al público durante décadas hasta que en 2005, la Dirección General de Patrimonio Histórico, acomete el proyecto global de restauración y puesta en valor de la capilla del Obispo, la sala capitular, las dependencias anexas y del claustro, con el que se consolida estructuralmente los muros, además de los forjados, cubiertas, carpinterías y la restauración de los retablos y sepulcros ubicados en el interior de la capilla. Durante las obras de rehabilitación se encontraron hallazgos interesantes relativos a la primitiva parroquia de San Andrés y su cementerio, que se hicieron visibles para el púbico gracias a la instalación una ventana arqueológica. En la actualidad, la Capilla del Obispo luce mejor que nunca y su acceso, aunque restringido, está abierto a todo el mundo, siendo uno de los lugares secretos más atractivos y desconocidos de Madrid.

Fuentes Comunidad de Madrid El Antiguo Madrid. Mesonero Romanos Hemeroteca Nacional

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EL PUENTE ROMANO DE TALAMANCA DE JARAMA


| MADRID COMUNIDAD |

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_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

A poco más de 40 kilómetros de Madrid se encuentra Talamanca de Jarama, una población de casi 2.500 habitantes que cuenta con un rico patrimonio histórico. Los primeros asentamientos humanos en este municipio se remontan a la noche de los tiempos, por sus tierras han pasado celtas, romanos, visigodos, judíos, árabes, cristianos... Un crisol de culturas que dejaron su huella indeleble en este lugar, aunque la Edad Media es, sin lugar a dudas, la época de mayor esplendor de Talamanca. A las afueras de su casco urbano, sobre el antiguo lecho del río Jarama, se levanta uno de los vestigios más llamativos del pasado de esta población, se trata del Puente Romano, una llamativa construcción con una longitud aproximada de 148 metros y con una orientación de norte a sur. Este puente de cinco arcos servía para cruzar el río Jarama, que en la actualidad discurre a cierta distancia del puente. Lo más llamativo del puente es su trazado, que varía en uno de sus tramos, posiblemente debido a las modificaciones que se hicieron en el puente a lo largo de los siglos. Otro elemento llamativo son sus arcos, cinco en total, cuatro pequeños y un gran arco central. Durante el siglo XIII el puente de Talamanca tuvo gran importancia pues la villa obtenía grandes beneficios económicos gracias al cobro del derecho de pontazgo por el tránsito de personas y mercancías a través del puente. Con el paso del tiempo y con la apertura de nuevas vías de comunicación, el puente perdió importancia, aunque está documentado que estuvo en uso hasta finales del siglo XVI.

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El origen romano del puente es evidente, aunque su fisionomía y los materiales empleados en su construcción datan, en su mayoría, de la Edad Media. Existe documentación que relata las sucesivas remodelaciones emprendidas por el Arzobispado de Toledo en 1091 y de las realizadas posteriormente durante el siglo XVI. Las sucesivas reformas que ha sufrido el puente a lo largo de los siglos se ponen de manifiesto simplemente al contemplar los materiales de construcción, pues combina sillares de piedra caliza y mampostería con cantos rodados, muy abundantes en la zona. Una de las señales que delatan las intervenciones constructivas de época medieval son las marcas de los canteros que todavía son visibles en algunas piedras del puente. Todas estas marcan han podido ser localizadas y catalogadas durante la última restauración realizada durante la campaña 2007-2008. En total se han contabilizado 265 marcas de cantero, las más numerosas son las que tienen forma de cruz, aspa, ángulo y estrellas de seis puntas. Las últimas obras de restauración, así como las intervenciones arqueológicas han servido para arrojar luz y documentar otros datos técnicos como la cota de arranque del puente y el estudio estratigráfico de la estructura para así poder identificar las etapas históricas en las que se construyó y se modificó. Además, se ha podido recuperar la totalidad de la estructura y acondicionar el entorno para el uso y disfrute de todo aquel que quiera descubrir este rincón repleto de historia de la Comunidad de Madrid.

Fuentes: Comunidad de Madrid Ayuntamiento de Talamanca de Jarama

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| MADRID NATURAL |

ACEBO Y MUÉRDAGO El Quién es Quién de los Adornos Navideños EMNMM - 37


______ TEXTO: ANTÓN PÉREZ | FOTOS: RAQUEL QUEJIDO POZUELO

Entre los numerosos símbolos navideños, que proliferan al acabar el año por todos los rincones y todas las casas de Madrid, hay algunos de origen vegetal que forman ya parte indisoluble de la decoración tradicional de estas fechas: son plantas que, por el hecho de mantenerse verdes, o florecer y fructificar en pleno invierno, se han asociado con la persistencia y renovación de la vida a lo largo de los meses invernales, a menudo desde mucho antes de que el cristianismo dotase de un sentido nuevo al solsticio de invierno. Algunas de estas plantas, como los abetos o las flores de Pascua, nos llegan de fuera, pero otras como el acebo y el muérdago podemos encontrarlas creciendo silvestres a poca distancia de nuestras casas. Ambas son pantas que fructifican por estas fechas y que en el imaginario popular muchas veces se confunden, dando a una el nombre de la otra, cuando en realidad poco tienen que ver. Vamos a intentar deshacer un poco el lío en este artículo…

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De las dos especies, probablemente sea el acebo Ilex aquifolium la más sencilla de reconocer, con sus hojas brillantes y espinosas y sus frutos rojos. Es un arbusto o pequeño árbol, muy tupido desde la base, con follaje verde oscuro y persistente. Aunque sus hojas espinosas están en la mente de todos, lo cierto es que dichas espinas son una protección contra la herbivoría que se pierde si no se necesita, de forma que a partir de una cierta altura, más allá de donde una cabra o un caballo podrían llegar, las hojas de los acebos son ovaladas y de borde liso. Las flores de los acebos, pequeñas y blancas, de cuatro pétalos, aparecen en primavera, y los frutos maduran a lo largo del año hasta presentar en invierno su característico color rojo; aunque como acebo tiene pies masculinos y femeninos, sólo éstos portarán fruto. El acebo es una especie amante del frescor y la humedad que normalmente no crece sola, sino al amparo de árboles mayores. Aparece en Madrid por toda la Sierra, en manchas más o menos densas, entremezcladas con robles melojos y pinos.

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Más allá de por fructificar en invierno, la verdad es que poco tiene en común el muérdago Viscum album con el acebo. Lo más característico del muérdago es que crece sobre distintas especies de árboles: si bien es verde, y por consiguiente realiza la fotosíntesis y captura el carbono del aire por sí misma, no posee raíces y sus tallos se insertan directamente en las ramas del árbol huésped, del que toma el agua y los nutrientes minerales. Las ramas del muérdago se van dividiendo a pares, y la planta en su conjunto ofrece el aspecto de una bola de color verde amarillento, más o menos grande. Las hojas, alargadas, se presentan también dos a dos, en los nudos de las ramas. El muérdago, cuyas flores, muy pequeñas, pasan desapercibidas, es también como el acebo una planta dioica, y sólo los pies femeninos portan los frutos globosos de color blanco característicos de la especie. Acebos y muérdagos fructifican en invierno para que las aves, faltas de otro alimento, dispersen sus semillas al consumir sus frutos. Los del muérdago son además de pulpa muy viscosa y pegajosa, propiedad que se mantiene en las heces de las aves que lo han consumido: la planta consigue así que esas heces con la semillas se adhieran a las ramas de los árboles al defecar las aves, en vez de escurrirse al suelo, pues es sobre la corteza donde deben germinar para prosperar. En Madrid aparecen dos subespecies de muérdago: la album, que crece sobre árboles de hoja caduca, sobre todo chopos y frutales, puede encontrarse en los sotos fluviales, mientras que la austriacum, de hojas más alargadas y frutos menores que la anterior, crece sobre coníferas, y es frecuente en la Sierra, sobre todo en la vertiente segoviana.

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Aparte de su uso en la decoración navideña, ambas especies comparten inopinadamente también un uso cinegético: la liga, un engrudo pegajoso que se utilizaba tradicionalmente para capturar avecillas embadurnando las ramas de un arbusto con ella, podía obtenerse hirviendo tanto los viscosos frutos del muérdago como el raspado de la corteza del acebo. El acebo (esta especie y otras similares) se utiliza además mucho en jardinería, y su madera, tan uniforme y densa que en vez de flotar se hunde, es muy apreciada en ebanistería. Pero volviendo al tema navideño, no está de más recordar que ambas plantas son especies protegidas y que está prohibido cortarlas en la naturaleza para adornar las casas, factor que, entre otros, hizo que estas especies se volvieran cada vez más escasas en Europa a lo largo de las décadas. Sobran por otra parte las reproducciones alegóricas de ambas donde escoger para la decoración, tanto dentro de casa como por las calles, y siempre consuela saber que, cuando uno se harta de tanta gente comprando, tanto villancico y tanto turrón, puede siempre escapar al monte, y encontrárselo decorado con los adornos navideños más naturales.

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| LUGARES |

El Castillo de Torrelobat贸n La 煤ltima morada de los Comuneros


_______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM A escasos treinta kilómetros de Valladolid, sobre una amplia llanura en la comarca de los montes Torozos, se encuentra el Castillo de Torrelobatón, una fortaleza señorial construida en la primera mitad el siglo XV sobre los restos de una fortificación anterior del siglo XIII por el almirante de Castilla Alfonso Enríquez. Uno de los atractivos de esta imponente fortaleza es su magnífico estado de conservación y el hecho de que fuese el último cuartel general de los comuneros, tras la tomada de la fortaleza en febrero de 1521 por Juan de Padilla después de cuatro días de asedio. Tras tomar la fortaleza, los comuneros, con el capitán Padilla, Bravo y Maldonado a la cabeza, convirtieron este lugar en su cuartel general hasta que un 23 de abril de 1521, los revolucionarios fueron capturados en el momento que que se dirigían a Toro en una emboscada por las tropas del rey Carlos I de España en Villalar, cerrándose así el que se considera el último capítulo de la Guerra de las Comunidades o la Revolución de los Comuneros de Castilla. En la actualidad, el castillo se encuentra en perfecto estado de conservación, está compuesto por un patio cuadrangular con tres cubos en sus ángulos y cuenta con una imponente torre del homenaje almenada. Sus formidables muros de cantería están desprovistos de almenas tras la destrucción de las mismas por la artillería de los comuneros durante el asedio. Originalmente el castillo estuvo rodeado por una muralla hoy desaparecida de la que tan solo se conservan algunos retazos en su perímetro. La fortaleza estuvo habitada hasta el 25 de diciembre de 1808, cuando fue totalmente arrasada por las tropas de Napoleón. Tras ello vino el abandono, convirtiéndose en cantera, refugio de caminantes y hasta en palomar hasta que en 1950 el Estado se hizo con la propiedad del castillo dándole un uso totalmente nuevo, el de silo, salvándolo así de la ruina total. El Castillo de Torrelobatón fue, además, uno de los escenarios naturales donde se rodó la película El Cid en 1961, donde Charlton Heston interpretó al propio Cid Campeador. En fechas recientes la fortaleza ha sido restaurada, acondicionada y, desde 2007 alberga el Centro de Interpretación de la Guerra de las Comunidades, promovido por la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León, el Ayuntamiento de Torrelobatón y la Fundación Villalar-Castilla y León, quienes se encargan de poner en valor no sólo el monumento, también la memoria de la Revolución de los Comuneros, trágico levantamiento castellano que es conocido como la primera revolución del pueblo contra el orden establecido.

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| PERSONAJES |

JUAN DEL SANTO FLOW, la película Juan del Santo es un veterano actor madrileño que a lo largo de su carrera profesional ha trabajado con grandes directores como Pilar Miró, Emilio Barrachina o José Luis Cuerda. Cuenta, además, con una gran experiencia como director y productor de cortometrajes que han sido reconocidos con numerosos galardones internacionales. Recientemente ha presentado, junto a su amigo y compañero, el director de cine David Martínez, Flow, su primer largometraje en el que Juan del Santo se estrena como coproductor, coguionista y protagonista.

Flow es una película rodada en un tiempo récord y con un presupuesto mínimo, que ya cuenta con once premios recibidos en diversas categorías en festivales internacionales, entre ellos, el premio al mejor actor en los Indifest Awards en La Jolla, California. Talento, tenacidad e ilusión son los ingredientes esenciales con los que ha contado este actor para la creación de este gran proyecto que hemos querido conocer de primera mano en esta entrevista.


_______ POR R.J. Juan, cuentas con una amplia experiencia tanto como actor, como director y también como productor, con Flow te estrenas como actor, coproductor y coguionista, todo a la vez ¿cómo ha sido esta experiencia? Sí, he dirigido algunos proyectos, como un monólogo interesantísimo sobre Santa Teresa de Jesús, escrito por monjas de clausura que es apasionante. También he trabajado en películas como actor y he producido algunos proyectos pero nunca como actor, coproductor y coguionista a la vez. Ha sido una experiencia fantástica en todos los sentidos: por el equipo y por el resultado. Durante todo el rodaje no hubo ni un solo mal rollo, todo ha funcionado de manera excepcional, ha sido un trabajo duro pero fantástico. Para David Martínez, coproductor y director de Flow, también fue la primera vez que se embarcaba en un proyecto de estas características. Él tiene un amplio bagaje en temas de dirección pero no en esto de coescribir y coproducir a la vez. Flow es una película en donde David, como director, y yo, como actor, hemos trabajado muy conjuntamente, esto también ha sido posible gracias a que nos conocemos desde hace 30 años, somos amigos y trabajamos bien juntos, ha sido un disfrute para mí, además, la amistad que tenemos hizo que el trabajo fuese muy fluido y rápido. Tan profesional como el que más en cuanto al compromiso de querer hacerlo bien y motivado por el entusiasmo y la pasión pero no por miedos o por otras cosas que podrían haber bloqueado el proceso creativo. ¿Cómo surgió la idea de la película? En relación al guión, lo primero fue reunirnos David y yo y ensayar mucho sobre tres personajes que yo tenía trabajados, tres imitaciones diferentes a tres figuras universales del mundo del cine. La idea inicial surge de un monólogo que trabajé hace muchos años que, digamos, que, de alguna manera, fue el germen, aunque es un monólogo que nunca 52 - EMNMM

se llegó a hacer. Con esa referencia, y con un planteamiento totalmente diferente, comenzamos David y yo a elaborar este proyecto. ¿Tenías claro que Flow sería un largometraje desde el principio o barajaste la posibilidad de que fuese un corto? Desde el principio partimos de la idea de que la película fuese un largometraje, aunque también cabía la posibilidad de que se quedase en un corto pero enseguida nos dimos cuenta de que teníamos material para un largo y le echamos valor. El gran problema a la hora de enfrentase un proyecto cinematográfico es el presupuesto y en vuestro caso más porque habéis contado con un presupuesto muy bajo ¿cómo fue el planteamiento? Un presupuesto bajo no, bajísimo, por eso comenzamos a escribir el guión desde un principio pensando en el presupuesto con el que contábamos. Teníamos clarísimo que tenía que ser una película que a la hora del rodaje fuera todo factible y realizable para no llevarnos sorpresas a última hora. Una cosa que teníamos clara era el poder optimizar los pocos recursos que teníamos, además de muy poco tiempo. Al final lo logramos y he de decir que todo cuadró perfectamente y todo el mundo ha cobrado, eso es algo muy importante que queríamos dejar claro, queríamos sacar este proyecto sin necesidad de pedir favores a nadie. ¿Cuál ha sido el elemento principal a la hora de realizar esta película? Para la película hemos partido de una cosa principal, lo que a David y a mí nos fascinaba, que es lo que rige en esta película, es el gusto por transmitir ideas que nos interesan y eso es enormemente motivador. Queríamos centrarnos en poder hablar de unos cuantos temas que nos llaman poderosamente la atención para luego poder darle forma, porque sin partir de una estructura previa se pue-


den quedar demasiadas cosas en el tintero y terminar diciendo ¡si no he hecho la película que yo quería! La parte nuestra ha sido, en el mejor sentido de la palabra, un “viva la libertad”, eso sí, siempre en aras de ser creativo y con mucha disciplina. Después, ya con los elementos concretos que queríamos tener: el alma, el espíritu o la historia que debía de tener, comenzó el proceso de escribir el guión, ya en un plano más técnico para que le diera el sentido, pero la forma de trabajar no fue nada convencional. Otro reto ha sido el tiempo disponible para el rodaje Así es, la película ha sido rodada en 9 días, el guión, en total nos llevó unos cinco meses y los ensayos previos al rodaje unas dos semanas. Comenzamos el rodaje en Madrid, en el Teatro Lara durante dos días. Ya con todo el trabajo que hicimos de rodaje en el teatro sabíamos que teníamos un material interesante como para pensar que teníamos un buen largometraje. Unos meses después, dejando un tiempo prudencial para que me diese tiempo a engordar porque así lo pedía el personaje, continuamos el rodaje, fundamentalmente en Madrid, en Guadalajara, en la sierra del Ayllón y luego en el Pirineo Aragonés durante una semana. ¿Fue duro el rodaje en los exteriores? La parte más dura del rodaje fue en el Pirineo, por las condiciones climáticas, fue a principios de enero de 2013 y nevó muchísimo, hasta hubo una ventisca brutal que salió en las noticias, la nieve me llegaba por las rodillas, hasta tuvo que venir una máquina quitanieves para que pudiésemos trabajar. ¿Desde el principio estaban decididos los exteriores? Sí, todas las localizaciones ya las teníamos escogidas, matando muchos pájaros en cada una de ellas porque no disponíamos de mucho tiempo, por lo que tenían que estar bien combinadas en el tiempo y en los momentos de la película donde iban saliendo.

En esta película interpretas tres personajes ¿qué cuenta Flow? Es la historia de un actor que va a representar una función teatral, un monólogo, nada que ver con un Club de la Comedia, es un monólogo muy reflexivo, digamos que sería la otra cara de la moneda de lo que puede ser un club de la comedia. Interpreto a tres personajes que cada uno habla de diferentes cosas, estos personajes contrastan entre sí, dándole mucho color a la historia. Hay un personaje que es el que hila a todos que se llama Lobo. Este personaje se le podría denominar como el maestro de ceremonias. Lobo, por un revés tremendo que le revienta todos los planes, acaba con un gran frustración porque no consigue lograr un sueño, por culpa de una circunstancia que se lo impide, y no sólo eso, su vida se complica de tal manera que termina en la cárcel y acaba siendo un vagabundo. A partir de ahí comienza un peregrinaje por la ciudad para después huir a la naturaleza y aislarse del ruido. En plena soledad es donde empieza abrir una serie de cartas que lleva en una mochila, siendo la mochila la metáfora de todas las cargas que todo ser humano llevamos encima. Estas cartas las recibió durante su paso por la cárcel pero nunca se atrevió ni las quiso abrir hasta que, finalmente, se atreve a mirar dentro, a la mochila y más allá, es entonces cuando a través de esas cartas vemos la conexión que puede tener con el mundo externo. Aunque es una historia desgarradora, queríamos desde un principio que la película terminara con esperanza, pensamos que hay más vida después del dolor y la película toca ese tema, es todo un canto a la libertad. Es una película con mucho dinamismo y creo que toca la fibra, muestra ese hueco del ser humano que nadie puede aniquilar, la cuestión es conectar y saber que lo tienes ahí, conocerlo para protegerlo, aislarlo o como le quieras llamar, porque siempre hay algo en nuestro interior que no pueden destruir es, en definitiva, la esencia del ser humano. Otro de los temas que se tocan en la película es la difícil relación entre padre e hijo, tan universal y común, en mayor o menor medida en este tipo de relación. Otro de los objetivos que queríamos plasmar en

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esta película es que tuviera belleza, entendida como creemos que puede contrastar, en medio de mucho dolor y penuria pero que tuviese un rescoldo de humanidad. Es un mensaje de que no todo es una porquería en la vida, un mensaje claro de que en lo malo siempre hay algo bueno. Es una película que creo que puede hacer mucho bien a personas solitarias porque habla sobre la lucha de vivir con una gran amargura, aunque hay un trasfondo de esperanza, para mí el poder interpretar este papel ha sido todo un reto. También habéis contado con dos grandes de la escena, Concha Velasco y Emilio Gutiérrez Caba Sí, han colaborado poniendo sus voces en la lectura de las cartas que recibe el protagonista. Concha Velasco hace de madre del protagonista y Emilio del padre, son personajes que se hacen muy presentes aunque no están visibles, gracias a sus voces. Resulta mágico cómo con las voces se pueden hacer verdaderas maravillas, teniendo en cuenta el bajo presupuesto con el que contamos. Aunque el estreno de Flow ha sido en noviembre, ya ha pasado por numerosos festivales y ha recibido bastantes premios, háblanos de ello. El 13 de noviembre fue el estreno puramente comercial y ha estado durante cuatro semanas en los cines comerciales en Sevilla, Ávila, Lérida, Barcelona, Bilbao, Logroño La Palmas y en Madrid, donde ha estado en tres salas de cine. Desde el punto de vista económico ojalá sea posible recuperar lo invertido aunque nuestra intención no es sólo esa. Flow ha sido seleccionada en 23 festivales, algunos muy importantes. Por ejemplo, fue seleccionada en Lone Star Film Festival en Texas, apoyado por Robert Duvall y otros profesionales estadounidenses de alto nivel. Ha sido seleccionada entre otros importantes festivales, en el Palm Beach International Film Festival, uno de los más importantes de cine independiente, por el que han pasado muchos actores americanos, como por ejemplo Burt Reynolds, y muchísimas otras personalidades. Hasta ahora Flow ha recibido dos premios a la

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mejor película, uno al mejor director, cinco premios al mejor actor, uno al mejor guión, otro a la mejor fotografía y uno más al mejor vestuario. ¿Cómo está siendo la reacción del público que ve la película? Esto es una cosa que nos ha llamado mucho la atención, la gente que ve la película una segunda y hasta una tercera vez le gusta más. Tanto David como yo no hemos querido entender el cine como única y exclusivamente un entretenimiento, creemos que el cine va más allá del entretenimiento, también puede servir para refrescar cosas y creo que que con Flow lo hemos logrado, te cuento una anécdota: un amigo mío fue a ver la película en un cine en Las Rozas y al día siguiente me escribió y me dijo que preguntó a una persona que salió del cine qué le pareció la película, le dijo que era la segunda vez que la veía, primero la vio en Ávila y le fascinó, después, temiendo que no estuviese mucho tiempo en cartel se fue a verla a Las Rozas para disfrutarla más. ¿Se presentará Flow a los Goya? Estamos con una distribuidora que se llama World Line Cinema, Gerardo Silva y Rafael Herrero que son los que llevan esta distribuidora, nos ha llevado la película a los cines, era muy necesario porque queremos a presentarlo a los Goya y para ello te exigen que la película se haya estrenado en un cine comercial, así que con este requisito cumplido ya respiramos tranquilos. ¿Qué proyectos tienes para un futuro inmediato? Por ahora a Flow le queda mucha vida y mucho rodaje en festivales, los Goya y varios “bolos” que queremos hacer. También tengo algunos proyectos, una película grande que está en proceso, también tengo dos proyectos particulares, rodar un corto con otro director y buen amigo y también tengo algo más personal que seguramente escribiré y dirigiré. www.flowlapelicula.com


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| ARTE |

EUGENIA

MARTÍNEZ _______ POR R. J.

Eugenia Martínez (Monterrey, 1976) es una artista mexicana cuya vocación artística ha sido una constante en su vida desde que tiene uso de razón. La pintura fue el medio para canalizar su imaginación hasta que un percance le obligó a apartarse temporalmente de esta técnica, aunque ello no supuso un impedimento para continuar su producción artística, que desde entonces, se ha centrado en la intervención de imágenes antiguas a las que tras un proceso técnico las dota con un discurso basado en citas distorsionadas o literales que nos hacen reflexionar sobre la moral o los prejuicios de una sociedad que, pese a los cambios, se mantiene en cierto sentido encerrada en un círculo vicioso del que parece que no se puede salir, es ahí donde Eugenia muestra con sus obras la llave de un cambio, de una puerta que todos podemos traspasar.

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Eugenia, aunque estudiaste una carrera que nada tenía que ver con tu trabajo actual, decidiste nada más licenciarte dedicarte a tu verdadera pasión, el arte. ¿Cómo fue la toma de esa decisión? Desde muy pequeña me encantaba dibujar y pintar, pasaba mucho tiempo, sobre todo por las tardes, en clases después de la escuela. Fue difícil darme cuenta que me quería dedicar a eso, ya que era algo que siempre lo había hecho, era parte de mí. En mi casa, mis padres tenían en mente que me dedicara a los números. Ellos pensaban que era inútil estudiar algo que ya sabes, aunque la verdad es que nunca terminas de estudiar arte y nunca sabes lo suficiente. Cuando ya estaba en primer semestre de universidad, durante un verano, me fui a estudiar escultura al taller de un artista a Tlaquepaque Jalisco, en México. Este artista hacía su producción con muchos asistentes y ellos fueron precisamente los que me introdujeron la idea de que me podía dedicar al arte. Entonces, a partir de ahí, seguí en la carrera de números y por las tardes iba a talleres para seguir estudiando arte. Con el paso del tiempo me fui identificando a mí misma como artista, consideraba que mi paso por la universidad era transitorio para poder dedicarme después al mundo del arte. Ya al graduarme empecé a dar clases de historia del arte y creatividad en la preparatoria del ITESM y me inscribí a un concurso importante en mi localidad, la Bienal Femsa, donde quedé seleccionada. Fui una de las seleccionadas mas jóvenes y ese momento fue crucial para mí para poder estar segura que quería ser artista. En cierta medida, tu obra parece estar condicionada al lugar y al ambiente donde habitas ¿qué influencia tiene para ti tu entorno inmediato? Nací en el noroeste de México, el cual tiene una cultura muy diferente al resto del país. Por su cercanía con Estados Unidos es una ciudad muy americaniza en todos los sentidos, hasta el lenguaje. Después, cuando me mudé a la capital de México, me emocionó mucho ver los diferentes tipos de arquitectura dependiendo de la zona de la ciudad. Al principio vivía en el centro histórico y habitaba en un edificio catalogado por Bellas Artes, en ese momento ya hacía apropiaciones de la época virreinal hasta porfiriana. Después, me cambié a una casa de los años 50 y en ese momento fue cuando cambié al proyecto en el que estoy trabajando actualmente. Hoy en día mis obras se basan en fotografías del pasado para hablar de estructuras sociales que todavía

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siguen vigentes. En los últimos meses he estado incorporando bordados y pintura a las fotografías. ¿Cuáles son los temas que te nutren a la hora de realizar un proyecto artístico? Me gusta mucho la estética del pasado, por eso empecé a coleccionar periódicos y fotografías antiguas y de ahí mi proyecto derivó en el uso de las mismas. El tema de mi trabajo siempre es la identidad y los discursos ocultos de los grupos. Gran parte de tu obra se centra en el tratamiento de fotografías antiguas a las que dotas de un mensaje hipnótico y casi obsesivo ¿Cómo surgió la idea y qué tipo de mensajes son los que incorporas a las obras? En un principio hacía apropiaciones de pinturas antiguas tapizadas de letras y de frases reiterativas para hablar sobre las estructuras del pasado que aún siguen vigentes y que pasan una y otra vez, sin principio ni fin. Hace cinco años empecé a tener problemas médicos; uno de ellos fue por una lesión en el brazo derecho que me impedía pintar, no podía trabajar más de dos horas diarias por el dolor. Al no poder pintar empecé a usar parte de mi colección de fotografías antiguas haciendo lo mismo que con las pinturas, crear “halos” con los textos pero, a diferencia de las pinturas, los textos iban sobre un vidrio, creando un efecto doble con sombras. Básicamente los textos son un puente entre el pasado y el presente, hay veces que uso frases tergiversadas de la Biblia, dichos populares, partes de canciones populares, algunas muy antiguas, y frases de políticos. Los textos de tus obras tienen una importante carga reflexiva ¿te consideras una artista comprometida políticamente? Mi trabajo termina siendo político por los temas que abordo. México es un país de realidades y contrastes, algunas veces te puedes sentir un país del primer mundo y al doblar la esquina de una calle ya estás en Calcuta. Son mundos muy diferentes que, por lo general, chocan. Ese choque trae problemas de inseguridad y crea una brecha de desigualdad que constantemente se abre en lugar de cerrarse. Por un lado, está la clase política, con una infraestructura muy arraigada de corrupción y de estructuras que promueven la desigualdad, aunque el discurso oficial dice lo contrario. Por eso uso mucho la frase: “ todos somos iguales”. Por otro lado, hay una


Cruz Roja


sociedad en la que, a menor escala, existe esa corrupción de la clase política. Aunque si a un mexicano tú le preguntas si es corrupto, clasista o racista, te va contestar que no… obviamente la realidad es otra. Tenemos una gran dificultad para vernos a nosotros mismos y es ahí donde está lo lúdico de mi proyecto, pongo a esos personajes con las frases de los políticos, políticamente incorrectos o las frases de una Iglesia que aborda la pobreza: “bienaventurados los pobres porque de ellos es el reino de los cielos” escrito el halo de una monja coronada en flores y perlas. También el dicho: “ si naciste para tamal, hasta del cielo te caen las hojas”, habla de una sociedad que difícilmente acepta la movilidad de los grupos… ¿Alguna vez te has autocensurado en tus obras o te expresas con total libertad? No me censuro, escojo la frase que necesita la obra. Otro elemento llamativo es la interacción de tu obra con el espectador, que no obliga, sino que invita a acercarse para adentrarse en el propio mensaje ya que se encuentra ahí, esperando a ser descifrado como si de una Piedra de Rosetta se tratara. ¿Es algo casual o es intencionado? Lo que más me gusta del arte es la revelación que te causa. Por ejemplo, cuando visitas mucho el mismo museo puede pasar que esa obra que has visto muchas veces y que antes no te interesaba, un día, al pasar por ahí, de repente te revela algo… En mi caso, mis obras las hago con una clara intención, es interesante que para cada persona, la lectura sea diferente. El retrato es una constante en tu producción artística ¿por qué? Siempre me ha interesado el retrato. Hay unos retratos antiguos populares que me gustan mucho. Creo que el retrato ha sido una constante en la historia del arte, por un retrato puedes ver muchas cosas de la sociedad de su pasado y del presente. A la hora de seleccionar una imagen ¿en qué te fijas, en los personajes, en los detalles...? Compro constantemente en los mercados callejeros fotos que me interesan. Esas fotografías van a una caja, la cual es consultada cada vez que inicio un proyecto. Hay veces que es el entorno el que me interesa

o la mirada de los personajes, su distribución en la fotografía... Son muchos los factores, también hay ocasiones que utilizo la misma frase para varias fotografías y otras veces utilizo la misma imagen y la intervengo de diferentes maneras, convirtiéndolas en obras totalmente diferentes, aunque estén basadas en la misma imagen. Además de las fotografías realizas intervenciones en otros formatos creando piezas originales, háblanos de ello. Una cosa que me interesa mucho es el paso del tiempo. Por lo general, las fotografías que encuentro vienen de casas heredadas que venden todo lo que hay en ellas. Algunas de estas fotografías están muy maltratadas; están raspadas, les faltan pedazos, tienen hongos, a veces están quemadas... Muchas veces esas fotografías, aunque son muy interesantes para trabajar, al ampliarlas en formatos mayores pierden calidad al imprimirlas por esos “accidentes del tiempo”, por eso sólo amplío y reimprimo las fotografías que estén en buen estado, las imprimo en tela para poder bordar y pintarlas. ¿Qué proyectos tienes para un futuro inmediato? Tengo una exposición en el Palacio Nacional en donde se exhibe los 40 años de pago por especie en México. En mi país hay un programa para que los artistas puedan pagar con obra sus impuestos. Estas obras pasan por un comité de expertos y son prestadas a museos de todo el país. En marzo del 2016 se celebran los 40 años de este programa que, según tengo entendido, es único en el mundo. ¿Dónde podemos disfrutar de tus obras? ¿Tienes prevista alguna exposición en España? Tengo una página web y un blog que trato de actualizar lo más seguido posible y donde se encuentran mis obras más actuales. En mi web hay un enlace para ir directamente al blog. En relación a exposiciones por el momento no tengo ninguna programada en España, aunque me encantaría volver a exhibir ahí. www.eugeniamartinez.com

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Todos somos iguales


Beso Azul


Beso Rojo


Vocho


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| FOTOGRAFÍA |

MARIENNA GARCÍA-GALLO _______ POR R. J. Marienna García-Gallo es una abogada venezolana que un buen día descubrió que la fotografía era la gran pasión de su vida y no sólo eso, también fue una de las llaves que le abrirían las puertas de Europa cuando decidió abandonar su Venezuela natal asfixiada por la situación política que vive el país. Sus trabajos fotográficos destacan por su personalísima visión existencialista, la atemporalidad de sus fotografías y la impresionante capacidad para captar el alma de las cosas, contando historias, a veces desgarradoras, pero siempre con un trasfondo humano que roza lo poético.

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Marienna, llegaste al mundo de la fotografía de una forma un tanto inusual, ¿cómo es que siendo una apasionada de la abogacía abandonas tu trabajo para dedicarte a la fotografía? ¡No sabes la cantidad de abogados que se dedican a la fotografía! (risas). Sí, estudié derecho porque me encantaba, incluso hice un máster de Derecho Penal. Estaba muy involucrada en mi trabajo pero un día, tuve una mala experiencia por la situación política de mi país; el gobierno venezolano me involucró en un tema penal junto con otros abogados porque estábamos defendiendo a unas personas que estaban en contra del gobierno. Me amenazaron con meterme presa… ¡figúrate, yo con sólo 24 años y ya metida en esos problemas! Ahora es normal que el gobierno meta a gente joven en la cárcel, sobre todo estudiantes, pero cuando me pasó a mí todavía no era tan común. Al final todo salió bien y no me metieron en la cárcel ¡me hubiese muerto! Me pusieron una medida cautelar por la que no podía salir del país durante 6 o 7 meses. Lo pasé muy mal y quedé muy traumatizada con esta experiencia. Fue en ese momento cuando dejé el derecho, que era mi pasión, y me decidí a agarrar la cámara y documentar todo esto que estaba viviendo. Así comencé haciendo fotos y fotos, fue una válvula de escape y me encantaba hacerlo. A los cinco años de estar fotografiando me llegó la oportunidad de poder entrar en las cárceles de Venezuela gracias a la mediación de un evangélico. Yo ya había trabajado en las cárceles ayudando a los presos como voluntaria pero esta propuesta me la tomé como algo personal, para poder quitarme los traumas del pasado, así que dije que sí, que quería entrar en la cárcel pero esta vez no como abogada, quería entrar como fotógrafa para fotografiar y exorcizar todos esos miedos que tuve. Así fue como entre en la cárcel del Rodeo, con una cámara escondida en un calcetín y haciendo fotos de forma un tanto clandestina. Así surgió la serie 5 Galones ¿no es así? Así es, un buen día me encontré con unos cubos que digamos que son el “armario” de

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los presos, esos cubos eran el único lugar que tenían para guardar sus pertenencias, su propia vida está dentro de esos cubos. Hay un grandísimo problema de hacinamiento en las cárceles de Venezuela, los presos casi no tienen donde dormir y no tienen un lugar para poder guardar sus cosas. Esos cubos me llamaron mucho la atención y comencé a fotografiarlos, al llegar a casa y ver las fotos me di cuenta de que haciendo las fotos a esos cubos, de alguna manera estaba retratando a los propios presos. Después volví a la cárcel en un par de ocasiones más y seguí fotografiando hasta que un día los guardias de la cárcel se dieron cuenta de lo que hacía. Después de aquello no volví a la cárcel y tampoco mostré las fotos, las tenía como algo personal, como un ejercicio mío para poder drenar todos los problemas que tuve con el gobierno, nada más. Un día una persona que vio estas fotos me dijo que eran muy buenas y que quería exponerlas, al principio no estaba muy segura de querer hacerlo pero al final accedí y se expusieron en una galería de Venezuela. La verdad es que la exposición gustó mucho y se vendieron todas las fotos, no me lo podía creer. ¿Tuviste problemas para trabajar con los presos? No tuve problemas de ningún tipo. Cuando trabajaba en las cárceles como voluntaria lo que hacía era “ayudar” a los presos para darles asesoramiento jurídico gratuito. En el caso de los trabajos fotográficos aplicaba la misma técnica que cuando iba de voluntaria, hablando con los presos y ganándome su confianza. También debo decir que entré con un grupo evangélico y en Venezuela los evangélicos son muy respetados. Allí conocí a uno de ellos, “el pran”, que digamos que es como el jefe de la cárcel que llamó a dos de sus “luceros” que son como se llaman los que le cuidan a él, para que me dieran protección. Una vez dentro de las cárceles de Venezuela el que manda es el jefe de los presos, así que los guardias tampoco me podían hacer nada porque tenía la “protección” del jefe de la cárcel.


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¿Cómo son esas cárceles? Dicen que las cárceles son el reflejo de un país y yo, que lo he vivido en primera persona por haber trabajado en ellas, te puedo decir que es cierto. Allí viven hacinados presos de todo tipo, en Venezuela no existe una división, todo el mundo va al mismo lugar, desde los presos peligrosos a presos políticos, no te lo puedes imaginar, es horroroso. También de la cárcel surgió la serie Evangélicos, háblanos de ello. Los evangélicos son muy numerosos en Venezuela y están muy valorados. En la cárcel está el “pran” que, aunque no era evangélico, se supone que es el “bueno” porque protege a este grupo de evangélicos. Se supone que ellos no portan armas y no pueden beber alcohol. En esta cárcel tienen una forma específica de identificarse y es con una corbata. Pueden estar desnudos pero si tienen una corbata ya saben los que nos son evangélicos que los que tienen corbata son intocables. También es verdad que al final algunos de ellos puede que no sean realmente evangélicos y quizás se hacen pasar por evangélico para poder tener protección. Esta serie fotográfica la presenté en Caracas, al principio se llamaba “no es cuestión de fe” con el no tachado, precisamente porque esos que dicen ser evangélicos pueden serlo por fe o por simple protección. Con ello no quiero decir que todos los presos se ponen una corbata solo para protegerse, pero es probable que no todos lo sean. Un día es otra de las series fotográficas centradas en las cárceles venezolanas en la que muestras una realidad carcelaria fuera de lo común. Sí, hace poco que comencé a sacar a la luz esta serie, no se trata del típico reportaje fotográfico de cárceles, este trabajo es mi propia visión y es muy poético. Estas series son sólo una pequeñísima parte de mi trabajo en la cárcel, no sé cuál es el motivo pero nunca termino de mostrar todas mis fotos, siempre son una pequeña parte lo que muestro.

¿Te consideras una fotógrafa comprometida con los temas sociales? Mi fotografía tiene mucho que ver con los temas sociales que ocurren en Venezuela, son una denuncia pero siempre desde mi punto de vista. Cuando salí de Caracas hace año y medio no quería saber nada de aquello, ni de Chávez, ni del chavismo, ni de política, quería hacer otro tipo de fotos pero hace muy poco me replanteé todo esto y me di cuenta de que era hora de desempolvar todo esto y volver a ver el material que tengo. Cuando murió Chávez estuve tres días haciendo fotos, es un trabajo que nunca he mostrado a nadie y creo que es un material muy bueno. Ahora las estoy empezando a seleccionar y editar pero muy poco a poco, quizás algún día lo mostraré (risas). Creo que hay que dejar madurar las cosas, hoy, al verlo con otros ojos, las fotos que en un principio no las valoraba hoy sí las doy un valor importante porque, entre otras cosas, estoy a miles de kilómetros de mi país. Abandonas Venezuela y llegas a España donde sigues dedicándote a la fotografía ¿cómo fue el cambio? Salí de Venezuela porque no podía seguir viviendo en ese mundo y en esa realidad. Como mi padre es español y gran parte de mi familia vive en España me vine y estoy muy contenta de estar aquí, haciendo fotos y trabajando mucho, llevo casi un año y medio y todavía me estoy adaptando pero estoy muy bien. Aparte de las fotos que hago, tengo una empresa de fotos de boda donde aplico mi forma de fotografiar, muy documental, aunque también tengo otros proyectos fotográficos que van saliendo. Digamos que me vine con mi propia empresa y me dedico a lo que realmente me gusta que es la fotografía. Llevas muy poco tiempo en España pero tus trabajos empiezan a ser reconocidos Sí, en mayo me seleccionaron en un visionado de PHotoEspaña, fue mi primer encuentro fotográfico aquí y fue una buena oportunidad porque conocí a muchos fotógrafos españoles. En octubre me seleccionaron en SlideLuck Madrid, es una plataforma

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internacional que ha sido una oportunidad enorme para mí. ¿Cuál es este trabajo? Se llama Deja vu y es un trabajo multimedia que está todavía en proceso. Son dípticos de Caracas y Madrid, son imágenes relacionadas con las dos ciudades y digamos que habla de esa transición mía de emigrante, desde un punto de vista muy personal de sensaciones. El nombre deja vu se lo puse hace poco surgió cuando estaba buscando el por qué yo estaba relacionando estas imágenes, estos momentos que yo vivo en Madrid y me recuerdan a Caracas, donde viví durante 35 años, por eso me dije que era un deja vu. Las fotos se relacionan unas con otras pero son lugares y tiempos distintos, aunque al final eso no es lo que importa. Dices que la serie está incompleta pero ¿cuentas con el material suficiente? Sí, las fotos de Madrid son las que he tomado durante el año que he estado viviendo aquí y las de Venezuela son de mi propio archivo, pero ninguna de las fotografías que he hecho en Madrid está hecha en base a las que yo tengo de Venezuela, todo es casual. ¿La selección se basa en un lugar concreto por su fisionomía o por tu propio pálpito? Me baso en pálpitos, exacto, pero también es cierto que a nivel estético uno busca la similitud, pero lo mas importante es el pálpito que a mí me produce. Respecto a la disposición de las fotos que están volteadas es a modo de espejo, de alguna manera es la representación de una nostalgia que yo estoy viviendo aquí. Línea amarilla es el nombre de otra de tus series que tiene una fuerte base existencialista, en ella vemos como una simple línea amarilla marca el camino de las personas de una forma natural. Háblanos de esta serie. La línea amarilla fue uno de mis primeros trabajos, anterior a los trabajos de la cárcel y surgió de forma totalmente espontánea. Co-

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mencé haciendo fotos a líneas amarillas de las calzadas, estuve haciendo este tipo de fotos todo el tiempo, por alguna razón, quizás por los momentos personales que estaba pasando y le doté un significado concreto a esa línea. Empecé a fotografiar las líneas amarillas en Caracas, continué por otros lugares donde viajaba y todavía hoy la sigo haciendo. Al final el lugar no importa, son fotos atemporales que pueden funcionar siempre, aunque las haya tomado hace varios años. ¿Has expuesto en España? Hice una exposición en un bar, precisamente con la serie de la Línea amarilla. También, después de hacer un curso fotográfico en Tabacalera me seleccionaron entre algunos de los participantes para una exposición colectiva llamada El Español de hoy, era una exposición en la plaza del Rey. Quise darle mi propio enfoque como venezolana e hija de un español e hice dos autorretratos. Fue una experiencia muy especial para mí. Madrid es la ciudad donde vives y trabajas ¿en qué te inspiras para tus fotografías? Hasta ahora veo Madrid como algo súper exótico, nunca me deja de sorprender. Todos los días salgo con mi cámara y siempre encuentro algo que fotografiar. Soy una persona con muchas ganas de demostrar lo que hago, siempre estoy activa y moviéndome, yo espero que nunca nada me deje de sorprender, afortunadamente, en las cosas que veo a mi alrededor siempre hay algo que me mueve a fotografiar y contar algo. Trabajas de una manera libre y como decías al principio, de un modo muy pasional ¿eso supone alguna limitación a la hora de elaborar un proyecto? No, de ninguna manera, tengo muchísimo material, sólo me tengo que sentar y tomarme mi tiempo. No es por una cuestión de egoísmo, me gusta dosificar mis trabajos, dejarlos madurar y mostrarlos cuando llegue el momento, pero poco a poco. www.mariennagarciagallo.com


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Serie 5 Galones


Serie 5 Galones


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LĂ­nea Amarilla


LĂ­nea Amarilla


UNA NAVIDAD DE CINE POR PILAR SARRO

Falta poco para que digamos adiós al 2015, un año marcado cinematográficamente por la vuelta de James Bond en Spectre y la triste despedida de Paul Walker en la séptima entrega de Fast &Furious. Hemos visto CINE con mayúsculas en Whiplash y Birdman, asistido al regreso de Amenábar en Regresión y disfrutado como enanos con Del revés, Jurassic World y Los vengadores: La era de Ultrón. Pero el año todavía no ha acabado y las distribuidoras se guardan sus ases en la manga para despedir 2015 por todo lo alto. Comedia, drama, acción y terror se dan cita en diciembre para que los espectadores puedan elegir el género que más les atraiga. De entre toda la oferta cinematográfica, seis son los estrenos destacados que los amantes del séptimo arte llevamos esperando largo tiempo.

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EL PUENTE DE LOS ESPÍAS El regreso de Steven Spielberg a la dirección tras la soporífera Lincoln no podía haber sido mejor. En El puente de los espías demuestra que vuelve al cine clásico que tan buenos resultados le da. En este apasionante thriller, basado en hechos reales, un soberbio y magistral Tom Hanks da vida a un abogado de Brooklyn que se verá arrojado al núcleo de la Guerra Fría, cuando la CIA le encarga la prácticamente imposible misión de negociar la liberación de un piloto derribado.

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STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA El 18 de diciembre está marcado desde hace meses en el calendario con un gran círculo rojo por los fans de Star Wars. Es el día del estreno de la séptima entrega de La Guerra de las Galaxias y primera de la tercera trilogía que se añade a las dos ya existentes. Dirigida por J.J. Abrams (Misión Imposible: Nación secreta, Super 8, Star Trek), volverá a estar protagonizada por Harrison Ford, Mark Hamill y Carrie Fisher.

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EN EL CORAZÓN DEL MAR Ron Howard, ganador del Oscar por Una mente maravillosa, es el director de esta cinta de acción y aventuras basada en el best seller de Nathaniel Philbrick sobre la dramática travesía real del Essex, hecho que inspiró a Melville para escribir Moby Dick. En el corazón del mar, protagonizada por Chris Hemsworth (Los vengadores, Rush), Cillian Murphy (El caballero oscuro: la leyenda renace), Ben Whishaw (El perfume, Skyfall, Spectre), Tom Holland (Lo imposible), Brendan Gleeson (Al filo del Mañana, Calvary) y el español Jordi Mollá, nos acercará a la historia de unos hombres que fueron forzados hasta el límite y se vieron obligados a hacer lo impensable para mantenerse vivos.

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MACBETH La historia del duque de Escocia consumido por la ambición y el poder se estrenará el 25 de diciembre en la gran pantalla. Esta maravillosa y violenta adaptación del clásico de William Shakespeare cuenta con el nominado al Oscar por 12 años de esclavitud, Michael Fassbender y la oscarizada Marion Cotillard (La vida en rosa).

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PALMERAS EN LA NIEVE Dirigida por Fernando González Molina y protagonizada por Mario Casas y Adriana Ugarte, la adaptación cinematográfica basada en la novela homónima de Luz Gabás se estrenará el 25 de diciembre en la cartelera española. Palmeras en la nieve cuenta el largo viaje de Kilian hasta Fernando Poo, actual Bioko, una isla que le cambiará la vida.

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KRAMPUS: MALDITA NAVIDAD El Krampus es una criatura, perteneciente a las leyendas de algunos países, que castiga a los niños malos durante la época navideña. La oscura historia de este espíritu de la Navidad cobrará vida en la gran pantalla el próximo 4 de diciembre en forma de cinta de terror con toques cómicos.

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EL DESCANSO DE CARONTE Teatro del Arte Hasta el 19 de diciembre. Todos los viernes a las 20h www.actosintimos.com

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| ESCENA |

EL DESCANSO DE CARONTE Santi Senso El descanso de Caronte continúa en cartel para deleite de los espectadores madrileños tras su gira española y sudamericana Tras su presentación en Montevideo, Santi Senso ha sido denominado por los espectadores como una especie de gurú, chamán, mago o arcángel por su manera de tratar los sentimientos que evocan la muerte, a lo que él ha respondido asegurando que: “No puedo creerme un terapeuta ni nada parecido, lo que sucede es que, a través de este acto íntimo, sí que actúo como un forcex emocional. Intento sacar las emociones de quienes la comparten conmigo. Con respeto, sin atentar contra la fragilidad, la vulnerabilidad de la emoción. Creando un ambiente de escucha, cuidada, en el que se produce un acto de generosidad por parte del espectador que consiente ser penetrado e invadido por los sentimientos; pero jamás es violado”. El lenguaje de los actos íntimos vuelve a hacerse patente esta vez, “centrándose en la mirada del especta-

dor para hacerles parte protagónica de lo que está ocurriendo”. Santi Senso, creador e impulsor del lenguaje íntimo, continúa con la idea de hacer experimentar de nuevo al público madrileño ese impulso visceral que siempre habita en sus actos íntimos con El descanso de Caronte que, en esta ocasión, ha sido su abuela quien, con sus deseos de descansar de una vida que considera completa, ha hecho que el actor y director cacereño se plantee qué tanto de miedo y deseo existe hacia la muerte en el ser humano. Un tema controvertido que todavía hoy sigue siendo un asunto prohibido o pocas veces transitado en la sociedad. Como el propio actor señala, “con El descanso de Caronte, los espectadores a través de mí se dan el permiso de sentir ese miedo hacia aquello, que aunque lo ven con lejanía, saben que va a llegar. Y es que finalmente, aceptar la vida es el primer paso para poder aceptar la muerte”.

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| ESCENA |

INSOLACIÓN de Emilia Pardo Bazán Insolación nos habla del encuentro de dos latitudes españolas, el norte y el sur, como metáfora de las clases sociales imperantes en la España de finales del siglo diecinueve. La clase aristocrática y sus estrictas leyes sociales frente a la España más popular con una moralidad menos asfixiante y más libre. La autora presenta el encuentro entre la gallega marquesa de Andrade y el apuesto gaditano Pacheco que viene a romper la pacífica y acomodada vida de la marquesa. Lo interesante que muestra la autora en esta novela que ahora llevamos a su versión para la escena no es la lucha de estas dos personalidades sino su encuentro, no es un mensaje segregador, al contrario, unifica y nos hace intuir que la separación entre clases en la España del diecinueve empieza poco a poco a transformarse. El discurso y las acciones de los protagonistas es en cierto modo revolucionario y no me extraña las críticas machistas y el escándalo que produjo la publicación de esta novela. Emilia Pardo Bazán nos describe a Asís Taboada como una mujer que se revela como heroína posromántica, describiendo el amanecer de la pasión dentro de ella y siendo conse-

cuente con lo que le despierta Pacheco, su última acción mostrando su amor públicamente nos hace descubrir que las mujeres empiezan a reivindicar su papel social y político. El sol de España como elemento determinista hace que las pasiones ocultas florezcan en un precioso y caluroso día de San Isidro. Imaginamos la puesta en escena de este nuevo texto dramático en un espacio natural, abierto a los influjos del astro supremo sobre la ciudad de Madrid, con el cielo y los sonidos de esa ciudad que empieza a despertar hacia un siglo que se avecina determinante para el futuro de las relaciones entre hombres y mujeres. Gracias a Pedro Víllora y a Celestino Aranda por dejarme redescubrir a Emilia Pardo Bazán de mano de esta novela increíble y preciosa donde todo huele a libertad y a amor.

Luis Luque INSOLACIÓN Dirección: Luis Luque. Versión: Pedro Víllora Del 10 de diciembre de 2015 al 24 de enero de 2016 Teatro María Guerrero

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LA VIUDA ALEGRE Del 18 de diciembre de 2015 al 17 de enero de 2016 www.teatroscanal.com 104 - EMNMM


| ESCENA |

LA VIUDA ALEGRE Producida por el Teatro Arriaga de Bilbao La viuda alegre es, probablemente, la opereta más famosa de todas, un verdadero paradigma del teatro musical. Esta producción protagonizada por Natalia Millán, presenta un giro que convierte el espectáculo en un gran musical, para disfrute de todo el público. Esta espectacular producción del Teatro Arriaga, que cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinista a cargo de Renata Schussheim. También captará la atención del público, por la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. La viuda alegre, un verdadero paradigma del teatro musical que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto de Victor Léon y Leo Stein, basado a su vez en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac. Es una obra que desde el primer momento fue recibida con enorme entusiasmo. La apuesta del Teatro Arriaga por convertir el espectáculo en un gran musical va a permitir acercarlo aún más al público, para que todo el mundo pueda reír y disfrutar con él. Porque se trata de una obra que por la picardía de su argumento, la belleza de sus melodías, el encanto de su mundo irreal… dibujará en el público una sonrisa en la cara que durará unas cuantas horas tras cada representación.

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Foto: Danimantis

SIEMPRE ME RESISTÍ A QUE TERMINARA EL VERANO Teatro Marquina – Calle Prim, 12 - Madrid Hasta el 10 de enero Martes, miércoles, jueves y viernes a las 20.30h Sábados a las 18.30h y 20.30h - Domingos a las 18.00h


| ESCENA |

SIEMPRE ME RESISTÍ A QUE TERMINARA EL VERANO Tres amigos se reencuentran después de muchos años. Raúl, sin asumir la muerte de su madre, acompañado por su fiel amigo Andrés, vuelve al pueblo de su infancia. Al pueblo y al burdel que les descubrió su sexualidad. Allí se encuentran con José Antonio, que a diferencia de ellos, nunca se fue del pueblo y siguió frecuentando aquel lugar.

reunirá a su alrededor a sus dos mejores amigos de la infancia, interpretados por Unax Ugalde y Pablo Rivero. Los tres volverán al Caimán, un bar de mala muerte en el pueblo del que salieron, regentado por Isabel (Estefanía de los Santos), la prostituta que les abrió los ojos a la sexualidad en su pubertad.

El encuentro, lo que hicieron con sus vidas, la presencia de Isabel, aquella madame que les enseñó todo durante la pubertad, en las noches de verano y la aparición de Diego, un joven desprejuiciado, hacen que la estadía se prolongue más de lo esperado y que sus existencias entren en un planteamiento y cuestionamiento que no esperaban. Todo esto cuando están atravesando la mitad de sus vidas.

Cada uno intentará ocultar sus desgracias al resto como defensa para no asumir que sus vidas no son lo que imaginaban cuando eran jóvenes. Ante tanto drama, no podía faltar el contrapunto inocente e irónico de Santi Marín en el papel de Diego, la mejor interpretación de la obra, un joven desprejuiciado que los tres amigos desconocían pero que hace que su estancia en el pueblo se prolongue.

Factoría Madre Constriktor presenta su segundo espectáculo Siempre me resistí a que terminara el verano, tras haber conseguido un gran éxito con el Intérprete. Firmada por Lautaro Perotti, esta obra habla de la vuelta al pasado, de los orígenes y del paso del tiempo. Andrés Gertrudix da vida a un escritor sin inspiración que, como motor de la historia,

Siempre me resistí a que terminara el verano es hora y media de reencuentros con el pasado y el presente; un paseo, a veces tedioso en su ritmo y otras con grandes escenas, en una escenografía sencilla y con música original de Asier Etxeandía.

Pilar Sarro

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| MÚSICA |


The Tremendous ven la luz en otoño de 2012 en Madrid, cuando cuatro amigos músicos deciden interpretar un repertorio poco trabajado por estos lares: el del rythm’ n’ blues de New Orleans, una música efervescente pero de honda raíz donde se encuentran en dosis iguales el blues, el jazz y los ritmos latinos. Con una formación inusual -una banda de blues sin bajo ni guitarra-, comienzan su viaje por los clubs de música en directo de la capital de España, haciéndose residentes por una temporada en el Café Berlín. Muy aficionados a compartir escenario con otros músicos, logran reunir un grupo de colaboradores provocando que sus conciertos sean siempre una celebración y una sorpresa hasta para ellos mismos. Actúan también en 2013 en las fiestas de San Isidro y siempre están presentes en los carnavales conmemorando el “Mardi Gras.” The Tremendous, está formado por Santiago Cañada en el trombón; músico madrileño, comienza sus estudios en el Conservatorio de Madrid, culminando su licenciatura en la cátedra de Trombón Jazz de la mano del Maestro Martin Sohier en el Real Conservatorio de La Haya (Holanda). Ha participado en numerosas sesiones y festivales locales e internacionales, como solista y como músico de sección; es su paso por los escenarios y estudios caben destacar su presencia en trabajos de Joaquín Sabina, Jorge Drexler, Bob Sands Big Band, Ojos de Brujo, Jorge Pardo, entre otros. De la misma forma, Santiago combina su carrera en el mundo del Jazz nacional, así como docente impartiendo clases en importantes escuelas del país. Agustín González-Bueno, saxo barítono y armónicas, nacido en Madrid, aprende a tocar la armónica de forma autodidacta y posteriormente estudia saxo, solfeo y armonía en el Taller de Músicos de Madrid. Siempre ligado al mundo del blues y la música negra y aficionado a fundar bandas como La Brassa Band, La Banda Sin Nombre o Los 7 Doctores, también colabora con formaciones de otros estilos de funk, soul o ska. 110 - EMNMM

En el piano, Jorge “Raspa” García; también oriundo de la capital, comienza su pasión por el piano afinales del siglo pasado, mismo año en que decide cursar estudios de Piano Jazz, armonía, solfeo, lenguaje musical y arreglos en el IMT de Madrid. A los pocos años, se dedica profesionalmente a música tocando en diferentes formaciones de pop, rock y blues, y a su vez, como docente impartiendo clases en diversas academias y nivel privado. Continúa su formación con importantes profesores de la escena de Jazz madrileña, así como incursiones en la escuela clásica. Prosigue su carrera trabajando en numerosos proyectos principalmente relacionados al blues, colaborando en directo y grabando con las principales «guras del circuito local; de la misma forma, desarrolla su carrera como solista con su propio terceto, con


el que cuenta con un trabajo editado. La percusión y voces están a cargo de Ramón Mucci Storm, baterista venezolano, nacido y formado en Caracas, Venezuela; comienza sus estudios de la mano de su padre, Rafael Mucci Saade, director y arreglista, continúa su formación en el Conservatorio Nacional Juan José Landaeta (Caracas) donde cursa estudios de piano, teoría y solfeo bajo la tutela de la Maestra Alba Quintanilla. Posteriormente completa su formación en el HCC de Houston, Texas (EEUU) y en Basilea (Suiza), en la Basle Percussion School, con el maestro Cyril Lützelschab. Residente en Madrid desde finales de los años 90, comparte estudios de grabación y escenarios con diferentes músicos y bandas del país; de la misma forma, como productor y músico de sesión.

The Tremendous presenta su primer CD Churros & Hot Dogs, nueve esmeradas frituras que recorren el camino entre New Orleans y Madrid, salteadas por el cuarteto en compañía de grandes cocineros del rythm’n blues y el jazz con sabor caribeño. Registrado prácticamente en directo para conseguir esa frescura de los buenos viejos discos, las colaboraciones de amigos músicos de la talla de Jerry Gonzalez, Norman Hogue, Edu “Big Hands”, Mirón Rafalovic y Francisco López “Loque”, y las buenas artes de Pablo Baselga de Infinity Estudios, fueron el broche a esta jarana sureña con sabor castizo. www.thetremendous.es

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La capilla del Obispo

La Guerra Civil contada a los jóvenes

Uno de los mejores ejemplos de arquitectura gótica en Madrid, la capilla del Obispo fue construida a principios del siglo XVI para albergar los restos del patrón de Madrid, san Isidro Labrador. Situada en la plaza de la Paja, ha estado cerrada desde 1924 hasta su reforma definitiva y reapertura en 2010, que permite a los madrileños volver a disfrutar de una de las joyas de su ciudad tras más de ochenta años. Este libro analiza la capilla en profundidad. Analiza la figura del santo, cuyos restos guarda, y la interesante historia de las dos personas que impulsaron su construcción, Francisco de Vargas y su hijo el obispo Gutierre (que le da nombre), dos de las personalidades más importantes del reinado de Carlos I. Finalmente, un exhaustivo análisis del edificio y su rica decoración, acompañado de abundante material gráfico.

La Guerra Civil española contada de forma escueta, objetiva y rigurosa, sin clichés partidarios ni etiquetas fáciles, en textos de Arturo PérezReverte e ilustrada de forma espléndida por Fernando Vicente.

Emilio Guerra Chavarino Ediciones La Librería 88 Páginas 9788498731040

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«Hace casi ochenta años, entre 1936 y 1939, en tiempos de nuestros abuelos y bisabuelos, una espantosa guerra civil tuvo lugar en España. Causó miles de muertos, destruyó hogares, arruinó el país y llevó a mucha gente al exilio. Para evitar que tan desoladora tragedia vuelva a repetirse nunca, es conveniente recordar cómo ocurrió. Así, de aquella desgracia podrán extraerse conclusiones útiles sobre la paz y la convivencia que jamás se deben perder. Lecciones terribles que nunca debemos olvidar.» Arturo Pérez-Reverte Alfaguara 144 páginas 9788420482804


| LIBROS |

Arde Madrid

Irse a Madrid y otras columnas

«Arde Madrid» en los suicidas y en los artistas destruidos por la enfermedad, la heroína y la locura; arde en la derrota y en la melancolía de toda una generación; arde en la atracción por el vacío de un adolescente homosexual, y por su derrumbe emocional y físico; arde en París; arde como un recuerdo que quema en el exilio; arde en el reencuentro de una ciudad y de un país devastados por el tiempo; arde en este libro, y en el relato de una España posible, de una historia posible, al fin contemporánea del resto de Europa, y en su fracaso.

Este libro reúne una selección de columnas de Manuel Jabois (Sanxenxo, Pontevedra, 1978) escritas entre 2009 y 2011 y publicadas en Diario de Pontevedra, en El Progreso y en su blog de la revista digital FronteraD. En Irse a Madrid Manuel Jabois se aparta de los lugares de la noticia para firmar una excelente y disparatada crónica sobre lo que le rodea. Desde su primera rueda de prensa con Camacho («¡Tú de qué medio eres!») hasta su viaje como corresponsal a un congreso de empresarios de locales de alterne, en sus artículos acaba desmenuzando, como si fuera un otro, su propia vida; la de un chico noctámbulo, mujeriego y errático movido por una pasión: contar lo que pasa.

Kiko Herrero Narrativa Sexto piso 288 Páginas 9788416358250

Manuel Jabois Pepitas de calabaza 2014 Páginas 9788493834951

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| HÉROES EN SILENCIO |

MARTA LUCIENTES Una sonrisa con química _______ POR ÓSCAR BETHENCOURT

Bajo la agotadora boina de este extraño invierno con aires de primavera y viento gélido, salgo del metro Carabanchel para encontrarme con nuestra próxima “heroína en silencio”. Siendo una mañana gélida y con un sol arropador camino por sus laberínticas calles de este barrio popular del sur de Madrid. Nuestra protagonista de este mes la encontramos con una tiza en la mano y con una sonrisa fresca, inocente y contagiosa. Marta, “maña” de nacimiento y afincada en nuestra Ciudad, se dejará hablar como lo que es: “Heroína en el Silencio de un aula”. Poco podemos decir de una profesión de verdadero reconocimiento que se desarrolla cada mañana en medio del bullicio y la vitalidad de un gran número de adolescentes que traen al aula -con sus aparentes modas- los mismos miedos, las mismas ilusiones y los mismos deseos.

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Oscar: Marta, comienza tú esta entrevista presentándote. Me llamo Marta Lucientes, soy zaragozana y tengo 31 años. Estudié Químicas porque fue algo que me apasionó desde el instituto, en gran parte gracias a una profesora que transmitía algo más en las clases. A partir de ahí me dije: “Esto es lo que me gusta a mí”, “esto es a lo que me quiero dedicar”. Después de acabar en la Universidad comencé a trabajar en un laboratorio y colaboraba con algunas cosillas en la Facultad. De hecho, siempre tuve claro que mi vida profesional iría enfocada hacia el laboratorio, ya que era lo que me gustaba. ¿Y cómo fue el paso para ser profesora? Jamás, pero jamás quise ser profesora. Era lo último que hubiera decidido ser. De hecho, no hice el famoso CAP, que había que realizar entonces, porque, de verdad, era lo último que yo quería hacer. Con el paso del tiempo me trasladé a Madrid, puesto que mi pareja es madrileño y vimos la posibilidad de hacer una vida juntos. Él tenía un trabajo definido en la Ciudad y decidí venirme. Obviamente, al emprender una vida nueva tenía que buscar un trabajo nuevo. Fue entonces cuando se me pasó por la cabeza que no era muy feliz en lo que estaba haciendo en los laboratorios. Entonces me dije: “¿Por qué no hacer un nuevo enfoque en mi vida profesional?, ¿por qué no salir del laboratorio y hacer algo que tenga más sentido y que me guste?” Y decidí hacer el máster de profesorado. Nada más terminarlo encontré trabajo en este Colegio en el que estoy y aquí llevo dos cursos. Todos sabemos lo complicado que es ser hoy profesor. Interpreto que el trabajo en un laboratorio sería mucho más cómodo. Marta, como profesora que eres, ¿Cuál es la motivación que te hace levantar cada mañana para entrar en un aula llena de adolescentes? Yo creo que se fundamenta en la alegría de saber que tu trabajo sirve para algo. Esto es lo que me motiva cada mañana. Yo les enseño algo y ellos me enseñan a mí, ya que lo mío no es sólo enseñar química. Y sobretodo, el ver esa “carita” que parece que no iba a entender nada y de repente ves que se ilumina y observas que le gusta. “Eso no tiene precio”. Para mí es caer en la cuenta de tienes delante personas que no son solamente un nombre, sino que son un nombre con sus circunstancias. Y ese tema de poderlos ayudar y de estar más cerca de ellos, a mí me motiva. Suena así como un poco cursi y fantástico pero es la realidad. Yo me siento súper feliz, aunque llegue a la cama cansada. Pero me gusta, a pesar de que haya de todo. En definitiva, si tú les transmites alegría, ellos te lo devuelven.

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¿Esa es la diferencia entre trabajar en una empresa privada y un aula? Justamente, porque siento que estoy haciendo algo, siento que si no vengo esa mañana ellos se van a perder algo. No sé cómo decirte. El trabajo en otros sitios si no lo haces tú, lo hace otra persona. Bien es verdad que nadie es imprescindible, obviamente, pero en el aula sí que puedes hacer algo que le sirva a ellos y que al final del día te deja un pozo de alegría y de trabajo bien hecho. ¿Y cuál crees que es la gran garantía de ser profe? Quiero decir, ¿cuál es el verdadero bien de ser profesora? La enseñanza es muchísimo más motivadora y más… ¿cómo te diría? plena. Es un trabajo que transciende de ser un trabajo. Yo siempre he pensado que hay que trabajar para vivir, y no vivir para trabajar -aunque parezca una frase hecha-. De ahí, que esto sea un modo de vida que me permite vivir y que me deja al final de la jornada una sensación de “oye lo que hago vale para algo”. Porque la labor –en mi caso- no es solo enseñar química. Hay en el aula más cosas que se enseñan a parte de conoci-


mientos. Esta es justamente la sensación que me deja: “hacer bien el trabajo”. Bien es verdad que hay días mejores que otros (risas). Pero al final, cuando analizas la trayectoria, te das cuenta que no pasaba lo mismo en la empresa privada. Allí trabajaba para alguien y no lo veía como algo personal. Al menos para mí. Sin embargo, aquí me siento más parte de lo que estoy haciendo. Ponme un ejemplo de ese trabajo bien hecho con el alumno y que vale la pena para saber que uno ha hecho bien el trabajo. Por ejemplo, que un chico me diga que jamás hubiera pensado que podría entender la química y que ahora le encanta y que encima se lo pasa bien en clase. O incluso, el caso de tener a chicos que pensaban que no servían para nada y que tú le estás animado. Pues que quieres que te diga, para mí eso me anima para saber que estoy contribuyendo a la sociedad a la que tanto nos quejamos. Y ahora quisiera que observemos la otra parte de la profesión, ¿qué es lo peor que se lleva en el día a día como profe sobre el tema del cambio de ley educativa?

Yo respecto a este tema del cambio de ley en realidad lo que peor llevo es que nos obliguen a cargar con más peso. Pienso que los políticos no caen en la cuenta de que somos nosotros y los alumnos los que nos llevamos la peor parte. El tema no es cambiar una ley para coger votos de un lado o para fastidiar el partido del otro. Pienso que si hubiera que cambiar una ley educativa habría que analizar lo que se está haciendo mal y habría que actuar en consecuencia. La educación no es arma arrojadiza de “ahora la derogamos” o “ahora la ponemos”. No. Es cuestión de que quien gobierne se entere bien de lo que está pasando, se analice y en consecuencia se cambie. Lo que sucede en estos casos es que hay programas que cambian cositas y que en vez de llamarle de una manera le llaman de otra y en realidad no se está atacando el verdadero problema. Entonces, ¿cuál es el problema fundamental en esta cuestión de los sistemas educativos? El problema que veo –en el poco tiempo que llevo como profe- es que hay chicos que se pierden y otros que se desaprovechan. Por todos lados nos dicen: “adaptación”, EMNMM - 117


“adaptación”, “adaptación”,… pero después el sistema que tenemos no lo nos permite porque al final nos tenemos que mover en los pocos medios que tenemos. Y es que poco más podemos hacer. Y si encima lo comparamos con otros sistemas educativos, pues más razón me da. ¿Conoces otros sistemas educativos fuera de España que nos lleve la delantera? He tenido la suerte de tener una experiencia en Inglaterra cuando finalicé el Máster de profesorado. Estuve para un proceso de selección de profesores y vi una cosa interesante: los profesores tenían en todo momento un asistente. Por ejemplo: el profesor de ciencias tenía un asistente que le preparaba las prácticas de laboratorio del día siguiente. ¿Y eso en qué facilita para vuestra labor como profesores? A nosotros en España se nos exige que llevemos a los alumnos al laboratorio, que hagamos prácticas con ellos, que le demos una formación de calidad y que les sirva para cuando salgan del colegio. Pero la realidad es que en una clase de 38 alumnos: primero, no tengo los medios suficientes para llevarlos al laboratorio; segundo, no puedo confiar plenamente en ellos porque en el laboratorio hay cosas peligrosas y entre tanta gente no puedo controlarlo todo. Tercero, no puedo estar con los 38 a la vez. Y cuarto, tengo que preparar las clases. Ser profesora de químicas no es simplemente hacer una práctica, sino tener que preparar el laboratorio, ver qué falta y qué tener en cuenta para los 55 minutos de clase. Así como tener que recogerlo todo para salir corriendo para la siguiente aula. Estas son cosas que el profesor tiene que hacer, y… ¿cuándo las hace?, ¿en tu tiempo libre?, ¿hasta qué punto? Escuchándote entiendo que los profesores estáis agobiados entre tantas responsabilidades y con tan pocos medios Sinceramente pienso que los profesores estamos saturados de trabajo en muchas ocasiones. Muchas veces vemos en los medios a profesores y maestros quemados. Viene justamente de ahí. Es verdad que la vocación es fuerte pero que al final la realidad es ésta. En mi experiencia de estos dos años no he tenido una falta grave por parte del alumnado, ni he tenido que lidiar con problemas fuertes pero eso existe. Pero si a este problema le juntas que tenemos que hacer mucho trabajo en muy poco tiempo pues al final nuestra profesión se convierte en una labor fastidiada.

¿Cuál es el reto más importante para la educación en España? En España tenemos varios frentes abiertos. Para empezar nuestro mayor reto está en evitar el fracaso escolar y el abandono del aula. Por muchas buenas leyes o buenos profesionales en el aula que tengamos hay un componente que lo hace complicado. Por otro lado, observo que aquellos alumnos que van bien y se adaptan al sistema, terminan siendo abandonados. Tengo la sensación de que esos alumnos no sacan todo el potencial que poseen y eso no es bueno. Entonces, según mi opinión, es bueno tener una escuela inclusiva donde se pongan los esfuerzos y medios para que no haya fracaso y abandono. Pero también nos dejamos en el camino a otros alumnos que podrían sacar un mejor potencial, y a muchos los desmotivamos preocupados por fracaso de otros. No sé si sobre este tema nos estamos dando cuenta. ¿Qué tal llevas el tópico de los profe son lo que mejor viven? (Risas). Yo entiendo las dos partes. A ver, yo vengo de la empresa privada donde trabajaba por horas y que la mayoría de las vacaciones no estaban remuneradas. Por tanto, no hay que negar que tal y como está la situación el tema de tener las vacaciones remuneradas está muy bien. Evidentemente no me voy a quejar, al contrario es un regalo. Y lo digo de vedad y con la mano en el corazón. Pero también te digo que es necesario esas vacaciones para un profesor, porque la carga académica es también una carga personal. Quiero decir, en poco que te involucres y te preocupes por tus alumnos y quieras llegar más allá y dar una educación integral,… todo eso te pasa factura para necesitar un periodo de descanso mayor que otros trabajos. ¿Y para el que le quepa duda de lo que dices? (Risas) Pues para el que le quepa alguna duda, esas horas de más que tenemos en verano las hacemos durante todo el año. Normalmente no hay un fin de semana que no me lleve trabajo a casa, y tampoco una tarde que no tenga que corregir y preparar clases o el material para el laboratorio. Siempre hago más horas que aquellas que vienen en mi horario semanal. O sea que al final, hacemos las mismas horas que cualquier otro trabajo. Es decir, (risas) la balanza no está tan desequilibrada como se piensa respecto a otros trabajos. Muchas gracias Marta, y suerte en el camino con tus alumnos.

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| EXTRAテ前 Y CURIOSO |

EL ESPAテ前L DISECADO DE MONTBRISON

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_______ TEXTO: EMNMM | FOTOS: OBRA CORTESÍA SANTIAGO YDÁÑEZ

Hubo un tiempo, no muy lejano, en el que los museos, lejos de tener el fin didáctico que tienen en la actualidad, fueron auténticos gabinetes de curiosidades en donde se valoraba exclusivamente la cantidad y sobre todo la excepcionalidad de las piezas que atesoraban sus colecciones, en algunos casos, despreciando los valores éticos más elementales, como por ejemplo el caso del famoso Negro de Bañolas del Museo Darder, ubicado en la población gerundense de Bañolas que, hasta hace unos años mostraba en una de sus vitrinas a un africano bechuana que fue eviscerado en París por el taxidermista Jules Verraux en 1830 y adquirido por el Museo Darder en 1916. En los años noventa del siglo pasado, el Negro de Bañolas, nombre por el que era conocido, fue objeto de las críticas de la sociedad que veía este caso como algo anacrónico y carente de ética. Todo ello llevó a que el gobierno español negociase la devolución de los restos del bosquimano a su tierra natal, Botswana, donde fue enterrado. Por paradojas de la vida, 15 años después de su entierro, su tumba hace las veces de banderín durante los partidos de fútbol improvisados en el parque Tsholofelo donde se encuentra enterrado. El Negro de Bañolas no fue el único humano disecado en Europa, hay otro, concretamente español que, hasta el escándalo del africano, estuvo expuesto en el Museo de Allard, en el municipio galo de Montbrison y que hoy permanece oculto para los visitantes del museo. Hasta hace unos años la existencia de este español disecado en Francia paso inadvertida en España, hasta que en 2006, el diario La Vanguardia se hizo eco este caso y de la historia de este español, posiblemente catalán, que vivió y murió en Francia des-

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pués de la Guerra de la Independencia española (1808-1814). Durante la Guerra de la Independencia miles de españoles fueron apresados y enviados a Francia y Bélgica por las tropas napoleónicas. Este hecho histórico que no ha sido estudiado suficientemente, podría calificarse de genocidio ya que, aunque no hay datos exactos, fueron decenas de miles los soldados españoles apresados y deportados, muriendo gran parte de ellos en el camino por las penosas condiciones en las que viajaron. Uno de estos españoles fue el que se encuentra eviscerado en el museo de Montbrison. Poco se conoce de él, se sabe que estuvo trabajando como herrero y albañil para Jean-Baptiste d’Allard, un adinerado personaje de Motbrison, hasta 1825, año en el que murió en un accidente laboral tras precipitarse del andamio en el que estaba subido. A Jean-Baptiste d’Allard no se le ocurrió otra cosa que mandar que naturalizasen al español. Fue llevado a París dentro de un barril con alcohol y allí el taxidermista Édouard Dupont procedió a su “naturalización”. Posteriormente fue devuelto a JeanBaptiste d’Allard quien lo expuso en el museo junto a centenares de animales disecados. El español disecado de Montbrison jamás fue reclamado por nadie, ni siquiera por el Estado Español. Hoy permanece oculto en el Museo de Allard, convertido en un objeto, en una historia triste aunque fascinante que invita a la reflexión.

Fuentes: La Vanguardia, 23 abril 2006


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| ESPACIOS |

SILURO CONCEPT Un espacio único en Madrid


Siluro Concept se encuentra ubicado en un antiguo garaje de la calle Cervantes de Madrid, en el corazón del Barrio de las Letras. Hace cuatro años fue reconvertido como espacio de cultura y arte y, según palabras el economista Juan Loste, su director y uno de los socios fundadores, “se trata de un lugar donde se presentan ideas, productos, creación y se realizan eventos. Es un modelo de negocio que gestiona cultura, relaciones y transformación a través del arte. Nosotros decimos que somos catalizadores de marca”. Por otra parte, Siluro Concept, se ha convertido en un lugar de reunión y colaboración de artistas y profesionales que trabajan en el espacio. Para el periodista Jesús Pozo, otro de los socios fundadores, “somos un colectivo al que cada día se unen más empresarios, artistas y profesionales como socios para trabajar en un entorno de relaciones. Ya nos llaman ‘Los Siluros’, y esto nos gusta”. Para la coordinadora de eventos y exposiciones de la sala, la también periodista Pilar Estopiñan, “Siluro Concept, además de ser galería de arte o escenario de microteatro, se convierte en pocas horas en una sala para conciertos íntimos o retrasmitir vía streaming, con la máxima calidad por nuestra cobertura tecnológica, cualquier evento que les soliciten. Y además, desde el centro de Madrid”. Con sólo cuatro años, Siluro Concept ya es uno de los espacios multidisciplinares más interesantes de la ciudad, por la variedad de sus acciones siempre relacionadas con la cultura y por las personas que han hecho posible crear las sinergias necesarias para convertir este espacio en uno de los referentes culturales de Madrid

Siluro Concept Cervantes, 3 www.siluroconcept.com

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| COMER |

LUCA RODI Mucha Cocina _______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

Madrileño, de 38 años, es uno de esos chefs hecho entre fogones. Autodidacta y trabajador, encontró por casualidad su vocación en la cocina. Desde entonces, la suya es una vida dedicada a sacar adelante sus restaurantes con esfuerzo y tesón. Ahora, y gracias a su paso por Top Chef, se ha hecho famoso. Pero Luca Rodi es mucho más que una cara conocida. Es la pasión por una tarea que ejerce con profesionalidad y mucho arte.

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Sus primeros pasos como cocinero surgieron tras dejar de estudiar empresariales, una carrera que eligió por descarte y que decidió abandonar al darse cuenta de que no era lo suyo: “Tras más de 4 años vi que no iba a ser ejecutivo decidí probar a trabajar en un restaurante que tenía mi tío llamado Guisandos. Fui a probar y me quedé en la cocina”, asegura Rodi. Nunca había cocinado a nivel profesional pero enseguida encontró su lugar. Tras estos primeros pasos llegó el salto a dos clásicos madrileños donde lo aprendió casi todo. “Primero estuve en La Paloma y luego en La Torcaz con Segundo Alonso, con quien descubrí el recetario de fondo vasco francés. Buscábamos la excelencia en todos los sentidos y con él aprendí, no sólo de cocina sino de restauración en general. Hacer fondos, practicar con el producto, con la caza… y también el concepto de restauración en el que la calidad está en todo, también en la sala y en cada detalle”. A esta etapa le siguieron una serie de proyectos propios. “Monté un restaurante con mi tía en un local inmenso donde dábamos un menú de mediodía de cocina casera de calidad y por la noche yo tenía una carta. Luego hice lo contrario, monté con un amigo Edulis, un restaurante muy pequeño con sólo 14 plazas”. Después de traspasar Edulis y pasar un tiempo de pequeños trabajos y asesorías varias llegó el momento de poner en marcha la que hoy es su casa, Dabbawala, donde entra en escena su socio y amigo: Pablo Tamargo. “Pablo tenía ganas de emprender y yo le sugerí montar un restaurante. Desde el primer día se implicó y ahora lleva la sala, la bodega, la contabilidad y no para de estudiar y de aprender”.

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DABBAWALA Han pasado cuatro años desde entonces. Un tiempo en que el restaurante ha ido cambiando hasta convertirse en lo que es ahora, un espacio con dos zonas bien diferenciadas. El Underground, en el piso de abajo es, como comenta Rodi “más informal, más económico, con una carta más estable en la que ofrecemos recetas que yo he hecho a lo largo de mi vida y que sé que funcionan”. Un lugar donde probar apetecibles bocados como el mollete japonés de pata canaria y piña picante, el ceviche de corvina con batata asada y choclo cocido o el curry de carrillada ibérica con arroz basmaty, y que además ofrece la posibilidad de organizar cócteles y celebraciones. Arriba, a pie de calle, está El Restorán donde Luca hace “una cocina meditada pero más espontánea, las nuevas creaciones”. En esta zona se puede comer a la carta y también tiene un menú degustación donde el chef madrileño da lo mejor de sí mismo. Una cocina a base de recetas frescas y que depende mucho de lo que les ofrece el mercado. Un punto en el que Rodi ha ido evolucionando hasta llegar al momento actual, “de diez años atrás hasta hoy hemos tenido a mano productos de todos los sitios del mundo simplemente a golpe de teléfono. Esto ha hecho que quisiéramos probar y hacer mucha fusión, pero una vez que hemos vivido esto ahora trato de hacer lo mismo pero con productos de aquí. Apoyarme en técnicas, aromas, etc., pero con materia prima de aquí”.

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EL PRODUCTO La clave siempre está en lo más importante, el producto. “Procuro apoyarme mucho en los productos del mercado y conseguirlos de la mejor calidad, pero intento que no sean muy caros porque no quiero ser un restaurante muy caro” Se trata de sacar el mejor partido a materias primas humildes pero con mucho nivel. “Por ejemplo, en vez de pichón estoy utilizando codornices, pero las mejores que hay en el mercado que me consigue Higinio Gómez. Trabajo con la carne de Discarlux, que es una empresa que controla el origen y en la que busca la excelencia, también con ternera de la Sierra de Madrid; las verduras me las traen de Aranjuez; y para los pescados tengo un proveedor que me trae el pescado directamente desde allí”. Buenos proveedores que les aseguren el origen de los productos con los que van a trabajar. A partir de aquí llega el momento de crear. “Los nuevos platos salen sobre la marcha. Vamos probando ideas en función de lo que da el mercado. Por ejemplo me apetecía jugar con los aromas anisados, entonces empecé a combinar verduras como el tirabeque, el cilantro, el regaliz, el hinojo… y al final tengo un calamar de potera fantástico en el que trabajamos la textura dándole unos cortes como hacen los japoneses para que sea más comprensible en boca y luego lo combinas con los aromas anisados y una salsa de jengibre hasta que equilibras el plato”. Una creatividad con musas de toda índole. “La inspiración le llega de muchos frentes. Me he inspirado toda la vida en cocineros vascos, fundamentalmente en Arzak, Berasategui y Subijana. Ahora me fijo más en David Muñoz, en esa agresividad y esos platos tan explosivos… y por supuesto tiene mucha influencia Segundo Alonso y luego cosas que te gustan, como por ejemplo la casquería, que me encanta”.

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EL PASO POR TOP CHEF Hace algunos meses que una oportunidad llamó a su puerta y no pudo decir que no. “Me llamaron de Top Chef y me dijeron que si me quería presentar. Sabía que iba a decir que sí, pero les pedí cinco minutos para consultarlo y acepté”. Una decisión arriesgada que podía volverse en su contra. “Claro que me daba miedo, te preguntas si seré un paquete en la tele, si haré el ridículo… pero pensé que si no lo hacía me iba a arrepentir”. Y así hubiera sido, porque está feliz de haber pasado por el concurso televisivo. “La experiencia me ha encantado. Repetiría una y mil veces. Me dio rabia irme porque estaba encantado. He conocido un montón de gente y además nos ha puesto en el mapa y eso se nota en el restaurante”. Ahora queda lo más importante, seguir con el trabajo y que el día a día dé la razón a su cocina. “Estamos intentando hacer las cosas muy muy bien para el que venga por curiosidad repita. Que coma bien a un precio razonable y que le guste”. Y damos fe de ello tras degustar algunos de sus platos. Descubrimos una cocina amable pero intensa. Equilibrada e inteligente. Fresca y sabrosa. Con una larga vida por delante.

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EL MENÚ Nos ponemos en manos de Luca Rodi para que nos prepare un menú con algunas de sus creaciones. Mientras, en la sala Tamargo hace que todo vaya sobre ruedas. Comenzamos con un agradable aperitivo en forma de crema de coliflor con níscalos. El menú se abre con una receta de lengua, tocino ibérico, setas de cardo, huevas de trucha y huevas de maruca. Sabroso plato de perfecto equilibrio. Seguimos con un atrevido plato de navajas con acelgas y membrillo. Llega entonces el calamar con anisados y salsa de jengibre. Buen producto, bien tratado y con un juego de verduras que lo escolta con acierto. Excelente plato el de alcachofa con una ortiguilla frita, nabo confitado en crema de ibérico y una deliciosa crema de erizo de mar. Combinación ganadora. Fantásticas las mollejas de ternera a la plancha, crujientes y jugosas, con gambones, trompetas de los muertos y una salsa de pimienta de Jamaica que no enmascara al resto de ingredientes. Estupendo por punto y sabor el lomo de vaca rubia gallega con chipotle, acompañado de quinoa con una agradable crema de aguacate. Sencillos y ricos postres en forma de tarta de queso deconstruida con un interesante toque de hierbas del bosque. Y un goloso bizcocho de zanahoria con un refrescante helado de hierbabuena y crema de jengibre. Para beber, un Chablis Willian Fevre de espléndida acidez, un sorprendentemente fresco Angelitos Negros y un delicioso Fondillón El Sequé 2011 para los dulces.

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DABBAWALA C/ del Espa単oleto 10 28010 Madrid Tlf. 91 593 22 78 www.dabbawala.es


| AGENDA |

ARTE Y CULTURA

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– Alvar Aalto (Hasta el 10 de enero. CaixaForum Madrid) – Arte Transparente (Hasta el 10 de enero. Museo Nacional del Prado) – Baquelita (Hasta el 17 de enero. Museo de Artes Decorativas) – Bonnard (Hasta el 10 de enero de 2016. Fundación Mapfre) – Calígrafos españoles. El arte de escribir (Hasta el 10 de enero de 2016. BNE) – Danh Vo (Hasta el 28 de marzo de 2016. Palacio de Cristal del Retiro) – Edvuard Munch (Hasta el 17 de enero de 2016. Museo Thyssen-Bornemisza) – Grete Stern. Sueños (Hasta el 31 de enero de 2016. Círculo de Bellas Artes) – La Ilusión del Lejano Oeste (Hasta el 7 de enero. Museo Thyssen- Bornemizsa) – Jazz, Jazz, Jazz (Hasta el 24 de enero. Círculo de Bellas Artes) – Julio Verne (Hasta el 21 de febrero. Fundación Telefónica) – Kandinsky. Retrospectiva (Hasta el 28 de febrero de 2016. CentroCentro) – Mujeres de Roma (Hasta el 14 de febreo. CaixaForum Madrid) – Oyendo con los ojos (Hasta el 17 de enero. Tabacalera) – Pedro Madueño (Hasta el 10 de enero. CaixaForum Madrid) – Pierre Bonnard (Hasta el 10 de enero. Fundación Mapfre) – Titanic. The Exhibition (Hasta el 13 de febrero de 2016. C.C. Fernán Gómez) – Upfront. Fotorreporteros de guerra (Hasta el 31 de enero. Conde Duque) MÚSICA ________________________________________ – – – – – – – –

Black Ligth Gospel (26 de diciembre. Joy Eslava) Burning (12 de diciembre. La Riviera) Camela (5 de diciembre. Sala But) Christina Rosevinge (10 de diciembre. Joy Eslava) Cuban Beats All Star (8 de diciembre. Sala Galileo) Gran Cañón (10 de diciembre. Costello Club) Lucy Lummis (21 de diciembre. Sala Galileo) Nach (11 de diciembre. Palacio de Vistalegre)

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– The New Piccadillys (3 de diciembre. Boite) – Paloma San Basilio (8 de diciembre. Auditorio Nacional de Música) – PowerSolo (17 de diciembre. Gruta 77) – Raphael Sinphonico (16 de diciembre. Palacio de los Deportes) – Rosendo (22 de diciembre. Palacio de los Deportes) – Los Secretos (26 de diciembre. Teatro Monumental) – Los Suaves (29 de diciembre. La Riviera) – La Unión (14 de diciembre. Nuevo Apolo) – Will Johnson (17 de diciembre. Sala El Sol) ESCENA ________________________________________ – El Alcalde de Zalamea (Hasta el 20 de diciembre. Teatro de la Comedia) – Cabaret de los hombres perdidos (Hasta el 31 de enero. Teatro Infanta Isabel) – Cabaret Maldito (Hasta el 10 de enero. Puerta del Ángel) – Camille (Hasta el 24 de diciembre. OFF de La Latina) – Casting (Hasta el 19 de diciembre. el Burdel a Escena) – Danzad Malditos (Hasta el 13 de diciembre. Matadero Madrid) – Ernesto Sevilla. Sí a todo (Hasta el 11 de diciembre Teatro Cofidis) – Golem (Hasta el 12 de diciembre. Teatros del Canal) – La noche de las tríbadas (Hasta el 27 de diciembre. Nave 73) – Páncreas (Desde 11 de diciembre. Teatro Valle-Inclán) – El Rey León (Hasta el 27 de marzo. Teatro Lope de Vega) – Sama Sama (Hasta el 31 de diciembre. Madrid Arena) – Santísima Trinidad (Hasta el 14 de diciembre. El Burdel a Escena) – Tejas verdes (Hasta el 19 de diciembre. Teatro Nueve Norte) – Viéjovenes (Hasta el 18 de diciembre. Teatro La Latina) – La viuda alegre (Desde el 18 de diciembre. Teatros del Canal) EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – – – –

Almoneda Navidad (Del 16 al 20 de diciembre. IFEMA) Ilustrísima 2015 (Del 17 al 20 de diciembre. Museo ABC) GamerGy (Del 4 al 6 de diciembre. IFEMA) Juvenalia-Dabadum (Del 4 al 8 de diciembre. IFEMA)


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2015. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 40 Diciembre 2015 Capilla del Obispo / Puente Romano de Talamanca / Acebo y muérdago / Castillo de Torrelobatón / Juan del Santo / Luca R...

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