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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 44 / Abril 2016


| EDITORIAL |

L

a primavera es la mejor época para visitar algunos de los parques de Madrid que ahora mismo se encuentran en plena ebullición de color. Uno de los más bellos y más desconocidos, se encuentra en el distrito de Barajas, se trata del histórico parque de El Capricho.

Con más de doscientos años de historia, el parque depende en la actualidad del Ayuntamiento de Madrid y está declarado Bien de Interés Cultural (BIC). A diferencia de otras zonas verdes de la ciudad que pueden ser visitados todos los días del año, El Capricho sólo es visitable durante los fines de semana y en verano, de forma ocasional, se realizan actividades culturales. Este es un lugar repleto de belleza e historia que podría ser un importante foco cultural para la ciudad, algo que no parece importar demasiado a ninguno de los alcaldes y alcaldesas que ha tenido la ciudad de Madrid durante las últimas décadas. Desde hace años, las asociaciones vecinales y culturales han reclamado a las administraciones una mejor gestión de uso de estos jardines, así como la apertura de joyas históricas como es el Búnker del general Miaja, que se encuentra en el subsuelo del parque. También se ha pedido la apertura al público del palacio o la ampliación del horario de visitas. Todas estas demandas han sido escuchadas pero nunca se han tomado en serio ni en consideración. Recientemente, la actual alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, ha declarado que quiere potenciar este rincón de Madrid, abriendo de una vez por todas el búnker, del que tantas veces se ha anunciado su apertura. También se ha planteado la posibilidad de que el palacio pueda ser un centro de expositivo para las colecciones del Museo Nacional del Prado, materializando una vez más, el sueño, el capricho de la duquesa de Osuna. Potenciar este parque abriendo al público el búnker e instalando una sala expositiva en el palacio, entre otras acciones, sería un lujo para Madrid aunque, a tenor de los sucesivos anuncios y propuestas que nunca se han materializado, la explotación del parque como recurso cultural y turístico se vislumbra como si de un espejismo se tratara. En este número primaveral nos hemos acercado a este maravilloso parque para conocer su historia y sus rincones secretos, con ello nos unimos a la demanda de todos los madrileños que deseamos que El Capricho vuelva a recuperar el brillo que tuvo en el pasado.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

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MADRID. Primavera en El Capricho

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MADRID COMUNIDAD. El castillo de Manzanares el Real

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MADRID NATURAL. Los cerros espartanos

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LUGARES. Llanes. Los cubos de la memoria

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PERSONAJES. Nahum Mantra

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ARTE. Amber Cowan

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FOTOGRAFÍA. Anuar Patjane

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CINE Y TV. Estremos

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ESCENA. El Prisionero

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MÚSICA. Sivan Talmor

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LIBROS

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EXTRAÑO Y CURIOSO. La iglesia de los nueve fantasmas

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ESPACIOS Y PROPUESTAS. Las muy perras

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COMER. La Candela Restò

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AGENDA

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| CONTENIDOS – ABRIL 2016 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

Número 44 / Abril 2016

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Carmen Martínez de Artola RJ Jaime de la Torre Óscar Bethencourt Pilar Sarro

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Bar Villa de Verín


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Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul

La Térmica presenta Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul; exposición que recoge las míticas fotografías que el fotógrafo colombiano Leo Matiz realizó a Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, popularmente conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán, 13 de julio de 1954), y casada en 1929 con Diego Rivera. Cuando André Bretón conoció la obra de Frida Kahlo afirmó que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia: “Se me tomaba por una surrealista. Eso no es correcto. Yo nunca he pintado sueños, lo que yo representaba era mi realidad”. Kahlo fue retratada tanto o más que cualquier estrella de cine en México y sus fotos alimentaron su protagonismo en su entorno. Durante su primer viaje a los Estados Unidos fue fotografiada por Lucienne Bloch,

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Imogene Cunningham, Peter Juley, Martin Munkacsi, Nickolas Muray, Carl van Vechten y Edward Weston. Y la lista siguió creciendo. En México posó para Tina Modotti, Lola Álvarez Bravo, Miguel Ángel Bravo, Miguel Covarrubias, Giselle Freund, Héctor García.., entre otros. También por André Breton y Dora Maar. Lola Álvarez Bravo afirmó que Kahlo era buscada por los fotógrafos debido a su atractivo estético. Estos famosos fotógrafos y, quizás, muchos más, realizaron series muy conocidas, como la que acoge esta exposición de FRIDA por Leo Matiz. Desde muy joven, sin duda, junto a su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, Frida aprendió a posar. Complacida, permitía que otros la retrataran. Ella dominaba por completo el instante fotogénico; una modelo que se dirigía a sí misma y que imponía la manera en que debía ser retratada. Modelo intransigente que manipulaba el sentido final de la placa. De los testimonios fotográficos que quedan de esa época, que son numerosísimos, quizás el más intere-


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sante es el que se conserva en el acervo del fotógrafo colombiano LEO MATIZ. Leo Matiz se sumergió con su cámara Rolleiflex en el ambiente intelectual y artístico de la época y logró registrar en sus retratos la intensidad creativa y personal de los hombres y mujeres que protagonizaron un papel decisivo en la historia cultural de México en los años cuarenta. Leo Matiz fue, al ser uno de los más allegados a la pareja Kahlo Rivera, uno de los que captaron a Frida en la intimidad de su hogar, siendo estos los retratos más originales, precisamente, por su sencillez. La exposición La exposición, comisariada por Angustias Freijó y Mario Martín Pareja, muestra a la enigmática artista Frida Kahlo en medio centenar de imágenes realizadas por Leo Matiz, y que provienen de los fondos de la Fundación Leo Matiz, así como publicaciones de las vanguardias de la época, algunas obras de autores que se interrelacionan y aportan claves de la escena mexicana de la época. Concebida como una gran instalación, la exposición se completa con obras de otros autores de la época (Germán Cueto, Mathías Goeritz…), textos, publicaciones estridentistas, documentos, bibliografía y proyecciones.

Las fotografías incluidas en Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul son también un acercamiento a uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, el cual expuso en el MoMA en 1949. Esta exposición examina, así mismo, la utilización vicaria del medio fotográfico por parte de Kahlo, el papel de esas imágenes en su trabajo creativo y, de manera medular, cómo Frida desafía tres principios básicos de la disciplina fotográfica a través de sus retratos: la noción de autoría fotográfica en su trabajo, el uso que hace la artista de la capacidad narrativa del medio y, por último, la relación de estas fotografías con ciertas prácticas autobiográficas (“Soy el motivo que mejor conozco”, afirmaría). O, en palabras de Margaret Hooks: “En algunas de las fotografías de esa época, su desbordante personalidad está escondida bajo una ajustada máscara, pero sus ojos buscan al espectador con una mirada que no ha perdido ni un ápice de su orgullo desafiante ni de su atractivo”. También se incluyen en Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul las sentimentales fotografías que Leo Matiz realizara a su regreso a México en 1997, después de 50 años de ausencia, de algunos de los rincones de esa “Casa Azul” convertida en museo. Matiz recuerda a aquella mujer controvertida que un día fue su amiga y que le ofreció las miradas más especiales. Él, las inmortalizó. Y soñando y recordando su pasado y el de ella, fotografió algunos de los objetos que la acompañaron a lo largo de su vida, como queriendo encontrar dentro de ellos algo de Frida, algo de aquella mujer que sufrió y amó sin tibiezas.

Hasta el 29 de mayo La Térmica Diputación de Málaga Av. de los Guindos, 48 29004 Málaga www.latermicamalaga.com

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30 Salón de Gourmets Actividades Tras unos años de ausencia, el Campeonato de España de Sumilleres Glorioso regresa al Salón de Gourmets en su 22 edición. Más de 50 sumilleres se darán cita en el que es el certamen de España por excelencia. Gracias a Bodegas Palacios, a la UAES y al Grupo Gourmets este concurso vuelve a su lugar de nacimiento.

El Salón de Gourmets, Feria Internacional de Alimentación y Bebidas de Calidad celebra su 30 edición los días 4, 5, 6 y 7 de abril en IFEMA, Madrid. Los más prestigiosos cocineros de nuestro país estarán presentes para celebrar el 40 Aniversario de la Revista Club de Gourmets y el 30 Aniversario del Salón de Gourmets. Mesas redondas La convocatoria de las Mesas Redondas de Gastronomía a finales de los años 70, sentó las bases del movimiento de la Nueva Cocina Vasca, Nueva Cocina Española. Si en aquellos años participaron los incipientes cocineros españoles con los chefs má́s influyentes de Europa (Bocuse, Oliver, Chapel, Guerard, Senderens, Troisgros, Laporte...), en la tarde del 4 de abril los mejores representantes del panorama gastronómico español se darán cita para debatir sobre el pasado presente y futuro de la gastronomía en España. Juan Mari Arzak, Pedro Subijana, Martín Berasategui, Carme Ruscalleda, Andoni Aduriz, Ferrán Adrià, Toño Pérez, Pepe Solla, Paco Pérez, Pedro Larumbe, Ramón Fornell, Susi Díaz, Oscar Velasco, Hilario Arbelaitz, Fernando de Córdoba y Luis Lezama, intervendrán en presencia de otros muchos grandes profesionales Fina Puigdevall, Pedro Morán, Carles Gaig, Manolo de la Osa, Xanti Elías, Andrea Tumbarello, Diego Guerrero, Sacha Hormaechea... Con los que establecerán un debate sobre pasado, presente y, sobre todo, futuro de la gastronomía en nuestro país.

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Por cuarto año consecutivo, Estrella Galicia, Cerveza Oficial del Salón de Gourmets, apoya la celebración de GourmeTapa, Campeonato de España de Tapas para Gourmets. Los mejores cocineros competirán por crear la tapa más original y que mejor armonice con las cervezas del Grupo, hijos de Rivera. De nuevo, y ya van 3 años, Estrella Galicia convoca en el marco del Salón el Campeonato de España de Tiraje de Cerveza donde lucharán por el título los vencedores de los concursos regionales realizados previamente. Otra novedad de esta edición es el espacio Cocinas del Mundo, que contará con la participación de Israel, Estados Unidos y Países Bajos. Durante los cuatro días, prestigiosos chefs elaborarán diferentes show cookings con sus productos autóctonos. Además, Andalucía, que acude en calidad de Comunidad Autónoma Invitada, exhibirá su gran riqueza agroalimentaria. La mayor feria de productos delicatessen de Europa, vuelve a reunir a los mayores representantes de la alta gastronomía y los alimentos más singulares. Entre 1.400 y 1.500 empresas expositoras presentarán cerca de 35.000 productos, de los cuales más de 1.000 serán novedades a los más de 80.000 visitantes profesionales que acudirán al salón los días 4, 5, 6 y 7 de abril, de ellos, cerca de 10.000 lo harán desde el extranjero.

www.gourmets.net


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Once de marzo Once de Marzo, de Eduardo Nave, es un proyecto fotográfico que recoge el estado anímico de una realidad marcada por los trágicos atentados terroristas ocurridos el 11 de marzo de 2004 en Madrid. La muestra es un conjunto poético de instalaciones, vídeos, fotografías, objetos del archivo del duelo, pachtworks, etc. en torno a la memoria de los atentados del 11 de marzo de 2004 y sus consecuencias. Al mismo tiempo, es un espacio físico y temporal en el seno del Museo Nacional de Antropología, en directa conexión con la estación de Atocha y el monumento erigido entre ambos edificios en recuerdo de las víctimas. La exposición ha sido organizada por la Fundación Centro Memorial de las Víctimas del Terrorismo, la Fundación Víctimas del Terrorismo y el Museo Nacional de Antropología. Cuenta además con la colaboración de la Asociación 11M Afectados por el Terrorismo, la Asociación Ayuda 11M, Renfe y el Archivo Histórico Ferroviario del Museo del Ferrocarril. Once de Marzo nace con la finalidad de crear un estado emocional y reflexivo en cuantas personas la vean, buscando la renovación del apoyo anímico a quienes más directamente sufrieron el daño causado por las bombas. También pretende reforzar los lazos y los sentimientos en torno a los valores que en aquellos días de 2004 unió a la sociedad frente a la amenaza del terrorismo. El autor de la muestra, Eduardo Nave, ha tratado de contarse a sí mismo lo que sucedió, viajado durante cuatro años sucesivos, el mismo día y a la misma hora por las líneas de los trenes afectados por las explosiones, por a las estaciones en las que estallaron las bombas: la estación de Atocha, la estación de Santa Eugenia, la estación de El Pozo y la calle Téllez. Nave ha atravesado el tiempo y el espacio con el fin de elaborar su propio duelo, tan cerca y tan lejos hoy de aquello. A partir de ahí posa su mirada en los espacios y sus alrededores como una forma de situar la emoción y de entrar en contacto con un mundo arrebatado.

La fotografía se somete al riesgo de “ver” lo mismo que vieron las víctimas de los atentados a esa hora precisa y en ese lugar concreto. En cada detalle, en el banco de un andén, en las escaleras mecánicas, en las farolas, en las vías de tren, en las aceras, o en un reloj de estación. Nos hablan precisamente en la medida en la que sobreviven y permanecen. Su obra, su proceso creativo, tiene un sentido litúrgico para proyectar una reconstrucción de la vida ausente. Unas imágenes vienen del exterior y otras brotan del interior… “Once de marzo” es, por tanto, un viaje personal que se sitúa entre dos territorios: la realidad y la ilusión. Es también un recorrido mental donde se solapan dos tiempos: el pasado y el presente. La exposición se completa con cuatro piezas, repartidas entre la verja del edificio y el patio central del museo Nacional de Antropología: En tu nombre; Poema de las emociones; Archivo del Duelo y Patchword de las Puntadas. Todo un viaje visual por el día a día de los escenarios de los atentados, pero no un día cualquiera, sino los cuatro onces de marzo de cuatro años sucesivos (2010-2013). Once de Marzo Museo Nacional de Antropología Hasta el 22 de mayo EMNMM - 13


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El weekend IIFA-MADRID 2016

Madrid dará la bienvenida, del 23 al 26 de junio, a toda la industria de Bollywood con la celebración en la ciudad de los premios anuales que entrega la International Indian Film Academy (IIFA). La ciudad vivirá un espectáculo internacional que va más allá de la entrega de premios de cine y que abarca el mundo de la música, la moda, la cultura y el fortalecimiento de los vínculos entre Madrid e India. La alcaldesa de Madrid, ha sido la encargada de presentar la 17ª edición del IIFA Weekend and Awards junto al secretario de estado de Asuntos Exteriores, Ignacio Ybáñez, la directora de la oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Anunciada Fernández de Córdova, la directora general de TourEspaña,

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Marta Blanco y el embajador de India, Vikram Misri. Además en la presentación han participado el director de la IIFA, André Timmins, el director de Wizcraft International (organizadores del evento), Sabbas Joseph y tres estrellas de Bollywood: Sonakshi Sinha, Anil Kapoor (Slumdog Millionaire) y Hrithik Roshan. IIFA-MADRID 2016, que se celebrará en IFEMA, constará de tres galas: La IIFA Green Carpet and Awards, la propia ceremonia de entrega de premios, la gala musical IIFA Rocks, en la que participarán los mejores artistas de la industria de la música india y, una tercera gala, llamada IIFA Stomp & Rang Jam: que consiste en una exhibición de tendencias urbanas (música electrónica, moda, etc.).


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Además, el fin de semana lleva aparejada la convocatoria de un Foro Global de Negocios que organizan la Federación de Cámaras de Comercio Indias (FICCI, por sus siglas en inglés) y la Cámara de Comercio de España. Según declaraciones de la Alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, “Que la gala de entrega de los premios de Bollywood se celebre en Madrid es muy importante para este Ayuntamiento. Es un paso más en nuestro objetivo de situar a Madrid en el panorama internacional. El conjunto de actividades que se celebrarán durante el fin de semana de este evento facilitarán que nuestra ciudad sea, en un futuro próximo, escenario para rodajes de Bollywood, lo que servirá, por un lado, para crear empleo y, por otro, para tender puentes entre la industria india del cine con la española y la hispanoamericana. Al mismo tiempo se nos brinda una oportunidad inmejorable de promocionar Madrid en un mercado turístico tan amplio como es el indio.” La actriz y los dos actores de Bollywood que han participado en la presentación, Sonakshi Sinha, Anil Kapoor (Slumdog Millionaire) y Hrithik Roshan, han aprovechado su viaje a Madrid para realizar algunos vídeos promocionales de la capital, con los que, durante los próximos meses y través de una amplia campaña de difusión turística, se mostrarán a la audiencia de la India algunos de los lugares más emblemáticos de Madrid. Impacto de la Gala Los premios IIFA son un reclamo global, capaces de atraer a la ciudad miles de turistas. Según las previsiones, basadas en el estudio de ediciones anteriores, se prevé la visita de 15.000 personas, lo que supondrá un impacto económico superior a los 10 millones de euros que revertirán directamente en la ciudad. Más de 500 periodistas internacionales cubrirán el evento, con lo que la imagen de Madrid contará con una enorme proyección no sólo en India, sino en toda el área de influencia de Bollywood, que comprende parte del Sudeste Asiático, Extremo Oriente y Europa. Dado el poder de prescripción turística del cine, los Premios

IIFA suponen la mejor carta de presentación de Madrid para un mercado de 1.300 millones de personas. Dentro de India, ya hay una clase media de 300 millones de personas con cada vez más recursos económicos para emprender viajes internacionales. El weekend IIFA-MADRID 2016 se retransmite a 127 países, con una audiencia potencial de 800 millones de telespectadores. No sólo durante la celebración de los eventos correspondientes sino también en diferido, en dos ocasiones más: Diwali (noviembre) y Navidad. Por su parte, la celebración del Foro Global de Negocios es un mecanismo de acercamiento entre sectores estratégicos para India y España. Además, Bollywood es la más prolífica de las industrias cinematográficas en el mundo. Entrar en su circuito de producciones supone una inyección extra para la industria del cine y un excelente instrumento de marketing turístico para la ciudad. Durante la presentación del evento, Andre Timmins, Director de Wizcraft International y responsable de los actos de IIFA-MADRID 2016 ha asegurado que “este es un año muy especial para nosotros ya que damos los primeros pasos en Europa. No podría imaginar una ciudad mejor con la que comenzar este nuevo proyecto, las celebraciones de este año combinarán el espíritu del cine indio con la energía y la cultura de la vibrante ciudad de Madrid. Puedo decir con convicción que 2016 será testigo de una de las mayores celebraciones de IIFA”. Teniendo en cuenta la magnitud del evento, desde su gestación, negociación y confirmación, la voluntad del Ayuntamiento de Madrid ha sido la de involucrar a todas las instituciones públicas y al sector privado. Así, se trabaja conjuntamente y con el apoyo de la Comunidad de Madrid, el Ministerio de Asuntos Exteriores (a través de la Fundación Consejo España-India), el Ministerio de Industria y Turismo (a través de Turespaña) y el Ministerio de Educación y Cultura, además de la Embajada de India en España.

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IV Centenario de la Plaza Mayor de Barajas

La asociación cultural “Barajas BIC”, con el apoyo de la Junta Municipal de distrito y la colaboración de la Universidad Alfonso X el Sabio, organiza las actividades del IV Centenario de la Plaza Mayor de Barajas, espacio histórico que empieza a configurarse en el último cuarto del siglo XVI para consolidarse definitivamente en 1616. En paralelo a la conmemoración, la entidad pretende dar un impulso al proyecto de peatonalización de la plaza que presentara al Ayuntamiento de Madrid en enero de 2014. Con el lema Recuperar el pasado para ganar el futuro, las actividades programadas no sólo quieren centrarse en la importancia histórica y patrimonial de la Plaza Mayor de Barajas, sino que también fijar un horizonte para su puesta en valor. Las actividades se desarrollarán en el centro cultural “Villa de Barajas” (Calle de la Botica, 7 y 10) desde el 18 hasta el 29 de Abril. El 18 de Abril a las 19:00, tendrá lugar una mesa redonda en la que participarán Marta Gómez Lahoz 16 - EMNMM

(Concejal-Presidenta del distrito de Barajas), Mónica de Blas Gutiérrez (Arquitecta, Jefe Dpto. Renovación Urbana del Área de Gobierno de Desarrollo Urbano Sostenible), Mª Isabel Pérez Hernández (Dra. Arquitecta, Profesora Universidad Alfonso X el Sabio) y Cristóbal Marín Tovar (Historiador, Profesor Universidad Rey Juan Carlos). Por otro lado, desde el 18 hasta el 29 de Abril, los vecinos podrán ver la exposición de trabajos teóricos de arquitectura sobre la Plaza Mayor de Barajas realizados por los alumnos de la Universidad Alfonso X el Sabio, que incidirá sobre la peatonalización de este espacio, y que será complementada por una colección de fotografías antiguas sobre la vida cotidiana en este entorno. Una de las plazas mayores más antiguas de la región La Plaza Mayor de Barajas empieza a configurarse a partir de la construcción del Palacio Nuevo que Don


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Francisco Zapata, I Conde de Barajas, ordenara levantar en la villa a partir de 1572. Este elemento, ya desaparecido, se convierte en el vórtice para la construcción de los laterales porticados de la plaza que han llegado hasta nosotros que llevaría a cabo su sucesor, Don Diego Zapata. Las obras documentadas en este ámbito en 1616 presuponen ya la existencia de la plaza. La prosperidad económica de la Villa de Barajas durante los siglos XVI y XVII, por ser uno de los puntos de suministro de pan y harina a Madrid desde que se instalara la corte (1561), hizo que su Plaza Mayor adquiriera una clara función de mercado. Asimismo, y como sucediera en otras plazas similares de Castilla, también fue lugar para la organización de corridas de toros, siendo las primeras sobre las que tiene constancia las celebradas en Septiembre de 1725, y representaciones teatrales. La Plaza Mayor de Barajas puede considerarse un hito puente entre las plazas del medievo (Pedraza), de las que recoge la sencilla fisonomía de dos alturas de sus construcciones, la columnas cilíndricas y los dinteles de madera, y las construidas ya en el periodo barroco

avanzado ya el XVII (Madrid), a las que se equipara por la regularidad del trazado geométrico de su planta rectangular. Peatonalización de la Plaza Mayor de Barajas En paralelo a la conmemoración de la construcción de la plaza, la asociación también pretende dar un impulso al proyecto de peatonalización de la Plaza presentado en Enero de 2014 de cara a la revisión del Plan General de Ordenación Urbana de Madrid, y que supondría la puesta en valor no sólo de este emblemático espacio, sino del Casco Histórico de Barajas, el que mejor se conserva de los distritos periféricos de Madrid. El cierre de la vía de circunvalación del Casco Histórico (calle Ayerbe) permitiría la creación de nuevas entradas y salidas alternativas a la actual (avenida General), lo que abriría la posibilidad de una reestructuración de la movilidad interna y la creación de zonas para el peatón. Asimismo, tal circunvalación crearía de por sí nuevas zonas de aparcamiento y podría favorecer también la de zonas verdes en el exterior del núcleo urbano.

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Universal Music Festival, el evento musical del año Hall de Londres, el Teatro Olympia de París o el Carnegie Hall de Nueva York, ofrece una experiencia única de imagen y sonido con una visibilidad privilegiada, una acústica espectacular y un entorno exclusivo para 1.750 espectadores.

Universal Music Festival, sin lugar a dudas el festival musical de referencia del verano madrileño. Para este 2016 Universal Music Festival ha redoblado su nómina de participantes de primerísimo nivel, anunciando las actuaciones en el Teatro Real de Madrid, que será la sede del festival por segundo año consecutivo, del mítico Rod Stewart el martes 5 de julio, el prestigioso cantante y compositor español José Luis Perales el viernes 8, el cantautor estadounidense-canadiense Rufus Wainwright el sábado 16, Bunbury representando el mejor rock el martes 26, la afamada pianista y cantante de jazz Diana Krall el miércoles 27 y el mejor flamenco de la mano de Arcángel el sábado 30 de julio. Este año Universal Music Festival se suma a la celebración del segundo centenario del Teatro Real -una celebración que durará tres años: desde 2016 a 2018 (ambos inclusive)- con una programación especial y única. Un cocktail musical que dará la oportunidad al público madrileño de disfrutar de una producción incomparable y acorde a un espectacular recinto como es el emblemático Teatro Real de Madrid. Este palacio del arte musical que, en consonancia con otros importantes auditorios a nivel global, como el Royal Albert

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La primera edición del Universal Music Festival agotó el papel para ver las actuaciones de Elton John, padrino del Festival, Caetano Veloso & Gilberto Gil, Raphael, Miguel Poveda, Juanes y El Barrio. Con respecto a esta segunda edición de UMF, Narcis Rebollo, presidente de Universal Music España y Portugal, ha declarado que “La diferencia del Universal Music Festival estriba con respecto a otras propuestas en que nos hemos centrado en buscar grandísimos artistas de proyección internacional que hagan en este festival con algo especial y distinto de lo que hacen en en sus conciertos habituales.”. Asimismo Marcos Calvo, director y productor de La Rock Entertainment, ha manifestado que “hemos conseguido transmitir a los artistas que participan en el Festival la excelencia y la maravilla que supone actuar en el Teatro Real de Madrid.” Finalmente el director general del Teatro Real Ignacio GarcíaBelenguer, ha puesto de manifiesto que “el Teatro Real de Madrid, que este año de celebración de bicentenario se estrena como co-productor del Festival, es una institución abierta en la que cabe el pop, el rock, el flamenco…y no hay nada más divertido que hacer interrelacionar todos los estilos musicales sobre su escenario…” El Universal Music Festival 2016 abre sus puertas. Bienvenidos a la mejor música.

Más información en: www.universalmusicfestival.es


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Futuro inmediato. Impresión 3D la misma alrededor del globo, sobre el tipo de materiales a usar, la personalización de los productos, y un largo etcétera”. La exposición abre una pequeña ventana a un vasto campo de productos y posibilidades, que abarca ya casi todos los aspectos de la vida: desde comida a órganos humanos, de ladrillos a piezas de vidrio o de cemento, de componentes metálicos para construcción a muebles, desde cerámicas a prótesis o a escayolas, desde joyas a vestidos, de juguetes a gafas y bolígrafos, desde casas a lámparas y suelas de zapato.

D-Espacio, el área expositiva de CentroCentro dedicada en exclusiva al diseño contemporáneo, presenta: Futuro inmediato. Impresión 3D, una exposición comisariada por Ana Domínguez Siemens, donde se aproxima a la tecnología de impresión tridimensional a través de cerca de una treintena de productos y proyectos, objetos y vídeos.

De este modo, en la muestra se podrán ver, entre otros: piezas de mobiliario y objetos -sillas, lámparas, jarrones, vajillas-, producidas en diferentes materiales como cerámica, vidrio, nylon, e incluso arena del desierto; zapatillas de deporte, juguetes, gafas y joyas, así como piezas de un puente de acero construido en 3D para uno de los canales de Ámsterdam. La muestra se puede ver en la planta 3a de CentroCentro hasta el 26 de junio. www.centrocentro.org

Surgida hace ya más de dos décadas y calificada como la Tercera Revolución Industrial, “aunque es todavía relativamente incipiente y no conocemos aún el alcance y magnitud de los cambios que se adivinan, la impresión 3D es claramente un movimiento imparable que ya tiene un peso importante en la economía que irá a más según se perfeccione y abarate”, explica la comisaria. “Es una tecnología que no necesita de complejas infraestructuras y pone el poder de la manufactura en manos de la gente, lo que implica un importante cambio que va a afectar a nuestro modo de producir y consumir, de relacionarnos con los objetos; un cambio que tendrá consecuencias para la economía, que plantea cuestiones sobre la propiedad intelectual y la falsificación, sobre las relaciones laborales, sobre el papel del diseñador y el del consumidor, sobre la cantidad de mercancía a producir, sobre el transporte de

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PRIMAVERA EN

EL CAPRICHO


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_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

En el distrito madrileño de Barajas, en el barrio de la Alameda de Osuna, se encuentra uno de los jardines más desconocidos de Madrid, incluso por los propios madrileños, se trata de el jardín histórico de El Capricho, una zona verde única repleta de belleza y naturaleza. El parque tiene una extensión de 14 hectáreas y está considerado como uno de los más bellos de la ciudad. Fue mandado construir en 1787 por la duquesa de Osuna, María Josefa Pimentel, la rival más famosa de la duquesa de Alba en cuanto a elegancia y distinción. La duquesa de Osuna llamó a este lugar “Mi Capricho” y, desafortunadamente, no llegó a ver finalizado su jardín de ensueño. Por los avatares de la historia, las obras no finalizaron hasta 1839, cinco años después de su fallecimiento. Pedro Alcántara, nieto de la duquesa, fue el encargado de continuar el proyecto tras la muerte de su abuela, con verdadero entusiasmo y dedicación.

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LA DUQUESA La duquesa de Osuna, María Josefa Pimentel, fue una mujer muy culta y refinada, no era como la mayoría de las aristócratas de su época, más interesadas en cotillear de unos y de otros en los numerosos salones de baile de los palacios de Madrid. La duquesa de Osuna, que sin duda también se interesaba por las frivolidades, tenía una gran debilidad y sensibilidad por las artes, dando claras muestras en muchas ocasiones de su interés en sacar a España del atraso cultural que sufría dando mecenazgo a numerosos artistas. Como los artistas que tanto admiraba, la duquesa sentía la necesidad de crear un espacio, un jardín del Edén donde reinara la belleza y la armonía, un refugio, un capricho. Un lugar para el disfrute de la vida en todos sus sentidos. Con esta premisa, la duquesa puso su empeño y muchísimo dinero para la creación de este fabuloso jardín. EL PROYECTO En el año 1783 la duquesa adquirió unos terrenos a las afueras de Madrid pertenecientes al conde de Priego. Poco tiempo después, encargó a Pablo Boutelou, arquitecto de la corte y autor, entre otros, de los jardines de La Granja y el Palacio Real, el diseño del jardín, y contrató a dos paisajistas franceses, Jean Baptiste Mulot y Pierre Provost, para embellecerlo.

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Estanque de los cisnes


Casa de las Ca単as


La duquesa tenía mucho interés en hacer de este lugar un espacio único, por eso incluyó una cláusula en el contrato del arquitecto y de los paisajistas en la que se especificaba que, después de este proyecto, no harían ningún otro igual. Esto, que podría parecer una excentricidad, tenía su motivo, que no era otro que la rivalidad entre los aristócratas por tener el jardín más hermoso y exclusivo. Además de los jardines, por toda la finca se levantaron numerosas construcciones: un casino de baile, templetes, casitas de aspecto rural, grutas y hasta una plaza de toros. Algunas de estas construcciones son obra de Ángel María Tadey y Borghini, un experto y afamado artesano tramoyista milanés, muy cotizado en los espectáculos teatrales de aquella época. Sus trabajos dotaron a este lugar de magníficos y mágicos rincones que hicieron las delicias de la duquesa y de sus invitados. Los sueños de la duquesa se vieron truncados con la invasión francesa de 1808 y la posterior Guerra de la Independencia. El jardín y todas sus pertenencias pasaron a manos del general francés Agustín Belliard y los jardines de El Capricho sirvieron para el acuartelamiento de las tropas francesas. La duquesa, temerosa por su vida, huyó a Cádiz donde permaneció hasta la expulsión de los franceses, volviendo a recuperar su más preciada posesión para continuar trabajando en su sueño, su capricho, recuperando la animación perdida y las fiestas que eran de las mejores que se celebraban en la corte.

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EL JARDÍN Actualmente los jardines están restaurados respetando al máximo el proyecto original. Están divididos en tres secciones o estilos diferentes: el jardín francés, el paisaje inglés y el giardino italiano, éste último es el más antiguo de todos. La finca cuenta, además, con un sinuoso canal que recorre una parte del jardín en su límite norte y cuyas aguas provienen de uno de los manantiales que hay en esta zona muy rica en aguas subterráneas. Este canal o ría, así como sus estanques y las pequeñas islas que se encuentran en el estanque principal, también llamado el Estanque de los cisnes, son uno de los elementos naturales más hermosos y simbólicos de todo el jardín. Junto al estanque principal, se encuentra un singular puente de hierro de estilo veneciano construido en 1830 que fue el primer puente de hierro construido en España. A pocos pasos del puente se levanta un pequeño embarcadero de falúas de estilo oriental llamado la Casa de las Cañas, nombre dado por el material con el que está revestido el exterior y que era utilizado como embarcadero. Aunque está restaurado, la estructura es original, a pesar de la fragilidad de los materiales con que está construido. El interior está decorado con un curioso trampantojo que simula una ventana con las cortinas abiertas y que descubren un idílico paisaje. Continuando el curso del canal hasta el final, se levanta una pequeña estructura de aspecto militar, un fortín que hacía las delicias de los hijos de los aristócratas que visitaban a la duquesa, pues el fuerte estaba destinado a los niños para que jugasen a la guerra. El fortín tuvo en sus tiempos un puente levadizo y hasta 12 cañones de bronce, hoy desaparecidos.

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Puente de hierro


El Fortín


El Abejero


No muy lejos del viejo fortín se levanta una estructura singular, un inmenso y elegante abejero. Se compone de una galería dividida en su centro por una estructura octogonal rematada con una cúpula. La estructura albergaba ochenta colmenas donde las abejas entraban y salían a su antojo por unas trampillas metálicas. Uno de los detalles más curiosos es que las abejas elaboraban la miel ante los ojos de los visitantes, pues se podían visitar las colmenas y ver a los insectos trabajar sin peligro alguno, gracias a los cristales instalados para poderlas observar. En el lado sur del parque se encuentra la zona palaciega, en ella destacan algunos elementos de estilo clásico como un hermoso templete circular dedicado a Baco, una exedra, un laberinto de setos, -posiblemente el único de Madrid- y el palacio. EL PALACIO Frente a una gran fuente conocida como la Fuente de las Ranas, se levanta el palacio, una hermosa construcción de estilo neoclásico cuya fachada principal cuenta con un peristilo con ocho esbeltas y elegantes columnas corintias. La fachada está adornada con relieves y medallones con motivos clásicos, entre ellos la vida de Apolo. Este palacio albergó una de las bibliotecas más importantes de España y numerosas obras de arte, como algunos lienzos de Goya, quien frecuentaba estos jardines. Una de sus pinturas, El Aquelarre, que hoy se encuentra expuesta en el Museo Lázaro Galdeano, estuvo en alguna de las paredes de este palacio. Digno de destacar fueron el hoy deslucido comedor y los magníficos techos pintados al temple por Francisco Martínez de Salamanca.

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OCASO DE EL CAPRICHO La época de esplendor de El Capricho acabó con la muerte del nieto de la duquesa de Osuna, Pedro Alcántara, quien dedicó todo su empeño en completar el sueño de su abuela. Tras su muerte, la propiedad pasó a manos de su hermano Mariano, famoso en todo Madrid por ser un vividor y por las innumerables deudas económicas que iba acumulando. Precisamente por las deudas se vio obligado a deshacerse de las magníficas obras de arte e incluso la espectacular biblioteca que albergaba en la finca. Al morir Mariano Alcántara, El Capricho fue objeto de todo tipo de litigios y demandas de los acreedores. Finalmente, en el año 1900, El Capricho fue adquirido en subasta pública por Gustavo Baüer, legendario banquero agente de los Rothchild en España quien le devolvió parte del brillo perdido, no sólo embelleciéndolo una vez más, también recuperando el espíritu festivo de antaño celebrando en él fastuosas fiestas. Pero una vez más, la muerte del propietario puso en serio riesgo a El Capricho, tras ser heredado por los hijos de Baüer, las penalidades económicas de éstos tras la crisis de 1929 les impidieron mantener esta posesión, que acabó al amparo del gobierno tras ser declarados bajo la categoría de “Jardines Artísticos” en 1934.

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Palacio


Laberinto


En 1936 estallaba la Guerra Civil y su propietario, Eduardo Baüer es asesinado por milicianos republicanos y El Capricho fue incautado, como todos los palacios y casas de la aristocracia. Durante la Guerra Civil los dos bandos enfrentados tenían a Madrid como el objetivo principal para ganar la guerra, motivo por el que la ciudad y toda la región fue escenario de cruentas batallas. Por esta razón, para proteger a la población y al Estado Mayor del Ejército Republicano, se edificaron numerosas construcciones para protegerse de las bombas y, sobre todo, para protegerse de un posible ataque con armas químicas, que fueron tristemente protagonistas en la I Guerra Mundial, por esta razón se construyeron novedosas infraestructuras destinadas a tal fin. Por todo el parque de El Capricho se encuentran diseminadas pequeñas torres con aspecto de chimenea, que no son otra cosa que los respiraderos del Búnker del general Miaja, que se encuentra bajo el parque. Este búnker fue construido para ubicar el Cuartel General del Ejército del Centro. El lugar elegido no fue al azar, su localización, relativamente alejada de la artillería franquista, su cercanía a otras fortificaciones defensivas y estar en la misma vía que unía a Madrid con Barcelona, hizo de este lugar el sitio idóneo para su construcción.

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EL CAPRICHO HOY En la actualidad, el parque de El Capricho depende del Ayuntamiento de Madrid desde 1974 y está declarado Bien de Interés Cultural (BIC). Es visitable durante los fines de semana y en verano se realizan actividades culturales. Un lugar como este, repleto de belleza e historia podría ser un importante foco cultural para la ciudad, pero esto es algo que no parece importar demasiado a ninguno de los alcaldes y alcaldesas que ha tenido la ciudad de Madrid durante las últimas décadas. Recientemente, la actual alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, ha declarado que quiere potenciar este rincón de Madrid, abriendo de una vez por todas el búnker, del que tantas veces se ha anunciado su apertura. También se ha planteado la posibilidad de que el palacio pueda ser un centro de expositivo para las colecciones del Museo Nacional del Prado, materializando una vez más, el sueño de la duquesa de Osuna. Potenciar este parque abriendo al público el búnker e instalando una sala expositiva en el palacio, entre otras acciones, sería un lujo para Madrid aunque, a tenor de los sucesivos anuncios y propuestas que nunca se han materializado, la explotación del parque como recurso cultural y turístico se vislumbra como si de un espejismo se tratara.

Fuentes: Hemeroteca Nacional - Ayuntamiento de Madrid Madrid Oculto II Marco & Peter Blesas Ediciones La Librería.

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Templo de Baco


EL CASTILLO DE MANZANARES EL REAL


| MADRID COMUNIDAD |

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_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

En la Comunidad de Madrid, como tierra castellana que es, podemos encontrar un buen número de castillos y fortalezas diseminados por toda la región. Lamentablemente, muchas de estas construcciones no han llevado bien el paso del tiempo: el abandono, las guerras y los malos usos han convertido en verdaderas ruinas estos vestigios de nuestro pasado pero, afortunadamente, algunas de estas construcciones se mantienen en pie y en un estado más que aceptable de conservación. Uno de los castillos mejor conservados y el más representativo de la Comunidad de Madrid, es el Castillo de Manzanares el Real, una fortaleza que se encuentra a sólo 50 kilómetros de la ciudad de Madrid. Este precioso palaciofortaleza del siglo XV, fue mandado construir por los duques del Infantado durante el reinado de los Reyes Católicos. Al primer Duque se le atribuye la construcción del cuerpo principal y las cuatro torres, su sucesor, Íñigo López de Mendoza, hijo primogénito de Don Diego y segundo Duque del Infantado, fue quien se ocuparía de la ampliación del Castillo al morir su padre en 1479.

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Todo el castillo está circundado por una barbacana cuyas saeteras llevan esculpidas en relieve la cruz del Santo Sepulcro de Jerusalén, por el título del que gozó Don Pedro González de Mendoza. En el interior del castillo podemos ver un curioso museo y una pequeña pero interesante colección de tapices. En este Castillo se inició en 1981 el proceso autonómico de la Comunidad de Madrid y en él se gestó el proyecto de Estatuto de Autonomía que se aprobaría en Congreso y Senado en 1983. En la actualidad, se realizan en el castillo interesantes iniciativas culturales, que deberían servir de ejemplo a otras construcciones históricas cerradas injustamente a cal y canto. Algunas de estas actividades son sus famosas visitas teatralizadas con personajes vestidos de época que enseñan la fortaleza en un recorrido de unos 45 minutos, representando una función escrita para la ocasión y en la que se desarrolla una trama ficticia que explica la historia y las características del castillo. Otras de las actividades que se realizan son: conciertos, espectáculos de luz y sonido, mercados medievales y todo tipo de exposiciones temporales. El Castillo de Manzanares el Real se ubica a los pies de la Sierra del Guadarrama, un lugar privilegiado donde la naturaleza, la historia y la gastronomía, son algunos de los muchos atractivos que ofrece este lugar a menos de una hora de la capital de España y que bien merece la pena visitar. Fuentes: Comunidad de Madrid

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| MADRID NATURAL |

LOS CERROS ESPARTANOS

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______ TEXTO: ANTÓN PÉREZ | FOTOS: EMNMM

La fisionomía del cuadrante sureste de Madrid tiene bien poco que ver con el resto del paisaje de la Comunidad: cerros arenosos y yesíferos, restos de los sedimentos de un mar que cubría la zona hace millones de años, sustituyen los relieves graníticos que, elevándose cada vez más, terminan por formar la Sierra. Son terrenos secos y abrasados por el sol en verano, donde si les dejan el tiempo suficiente son coscojas lo que crecen en vez de encinas, pero que normalmente, merced al fuego y al diente del ganado, no suelen contar con arbustos mayores que las retamas. Al pie de los cerros, que se van degradando y cambiando de forma a lo largo de los siglos, crecen romeros, orgazas, tomillos, ontinas y otros arbustos acostumbrados a la vida dura; y son además legión las plantas que cuando llueve, entre otoño y primavera, se apresuran a germinar, florecer, dispersar sus semillas y morir cuando llega el verano. Pero todo este parco vergel se limita al conjunto de avenidas entre las lomas, donde el suelo es más profundo, más húmedo y más rico. Las laderas en cambio son demasiado secas, demasiado soleadas y demasiado pobres como para que nada pueda prosperar… nada salvo, claro está, el esparto.

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El esparto, que hasta en su nombre científico (Stipa tenacissima) lleva el distintivo de ser un luchador, es sin lugar a dudas la especie más emblemática de estos paisajes del sureste madrileño. Esta gramínea está perfectamente adaptada a resistir allí donde las demás no pueden: forma matas densísimas en las que, al ir creciendo desde el centro al exterior, las hojas viejas y duras retienen en la base de la planta los nutrientes y la humedad, y protegen los renuevos jóvenes del interior del exceso de sol y sequedad; y también del fuego no muy fuerte, pues estas macollas secas arden tan deprisa que casi ni a calentarse llegan. En los días más calurosos del verano las hojas se enrollan además en forma de cilindro, para minimizar la pérdida de agua por evaporación; pero ahora en abril, cuando las condiciones son más benignas para todos, las matas crecen con ganas y desarrollan también sus altas espigas. Las semillas que saldrán de éstas son picudas y cuentan con muchos pelos que apuntan hacia atrás, y que se enganchan como el velcro en el pelo de los animales que acierten a pasar junto a ellas.

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El esparto protege las laderas de la erosión excesiva y, aunque seco y con poca sustancia, forma la base de las redes alimenticias de estos parajes: mantiene con sus hojas y semillas a una legión de insectos y a los omnipresentes conejos, y éstos a su vez a mil y una aves insectívoras, a las lagartijas colilarga y colirroja, al lagarto ocelado y a la culebra bastarda, al zorro y al búho real. Y ha sido además compañero del hombre desde tiempos inmemoriales, alimentando a las poco remilgadas cabras y permitiendo, gracias a su consistencia fibrosa, la elaboración de gran cantidad de tejidos y útiles de cestería, cuya fabricación y uso poco ha variado desde el Neolítico hasta que a mediados del S. XX los plásticos revolucionaron nuestra manera de fabricar el mundo. Muchos son los que, a la vista de un espartal, fruncen el ceño, pensando en lo mucho más agradable que sería el paisaje de estar cubierto de árboles, sin pensar en que también hacen falta espacios abiertos, en que tan importante es la biodiversidad de los bosques como la de los espartales a la hora de mantener nuestro mundo funcionando. Y sin pensar tal vez en lo que Madrid le debe a esta planta, también conocida como “atocha”, por haber dado nombre a una de las zonas más señeras de la capital, precisamente la que representa la puerta de la ciudad a los atochales de su extrarradio. Es justo ahora en primavera, antes de que apriete el sol, cuando los espartales presentan su cara más amable. Tal vez sea la hora de ir y mirarlos con otros ojos…

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| LUGARES |

LLANES Los Cubos de la Memoria


_______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM

Llanes es un municipio de la costa asturiana famoso por su magnífico patrimonio histórico, su excelente gastronomía y por los Cubos de la Memoria, una colorida intervención artística realizada por el artista vasco Agustín Ibarrola en los bloques de hormigón que componen la escollera del puerto de Llanes. Los cubos de hormigón comenzaron a pintarse en 2001 por un equipo de artistas dirigidos por Agustín Ibarrola. El proyecto fue realizado en tres fases, la última en el año 2006. En las dos primeras fases el artista quiso representar la naturaleza y el pasado histórico de la villa marinera y en la tercera fase quiso plasmar con figuras abstractas y lineales un homenaje al mar. Según palabras de propio artista, estos cubos son una síntesis de su carrera artística y de la memoria del territorio, con una temática figurativa que relaciona la villa marinera, rural y urbana de Llanes. Los materiales utilizados para pintar los cubos de hormigón y su disposición en primera linea del mar, dotan a esta composición de un elemento extra, que no es otro que las variedades cromáticas que varían dependiendo de la luz del sol y su reflejo en el mar.

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Para la realización de este proyecto se utilizaron más de 5.000 kilos de pinturas resistentes al salitre y al efecto erosivo del mar. Se pintaron 236 bloques en sus 657 caras. El coste total de esta intervención artística superó los 700.000 euros que fueron aportados por el Ayuntamiento de Llanes, el Principado de Asturias, algunas empresas privadas y el Ministerio de Fomento a través del 1% Cultural. En la actualidad, los Cubos de la Memoria se encuentran en un estado muy deslucido, algunos han perdido parte de la pintura por las inclemencias del tiempo y la erosión. Alertados por este motivo, las autoridades de Llanes propusieron recientemente restaurar estos cubos para devolverlos a su color original. La propuesta, que en un principio fue bien acogida, encontró serias dificultades para llevarla a cabo por su elevado coste económico. Mientras se decide si se restauran o no, los Cubos de la Memoria continúan aportando un llamativo espectáculo visual para todos aquellos que se acercan a esta preciosa villa marinera, tanto por tierra como por mar.

Fuentes: Turismo de Llanes

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| PERSONAJES |

NAHUM MANTRA El Arte y el Espacio _______ POR EMNMM | FOTOS: CORTESÍA NAHUM MANTRA

Es difícil calificar a un personaje como el joven mexicano Nahum Mantra. Artista, músico, compositor o mago son algunas de las facetas y disciplinas artísticas con las que desarrolla interesantísimos trabajos relacionados con la ciencia y el arte tanto en México como en Reino Unido, donde trabaja desde 2008 para la agencia de arte y ciencia Arts Catalyst. Nahum Mantra es un artista comprometido en el estudio y la exploración del cosmos a través del arte, una curiosa forma de explorar el universo con la que fue reconocido por la Federación Internacional Astronáutica, nombrándole en 2004 Líder Espacial del Año. Además de todo ello, Nahum Mantra es el fundador de la Orchestra Elastique y la Goldsmiths Electronic Orchestra y director de Kosmica y La Gravedad de los Asuntos, dos proyectos participativos que se organizan periódicamente. Del arte, de la exploración del Cosmos y muchos temas más, hemos hablado con Nahum Mantra para esta entrevista.

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Artista, músico, mago... Nahum ¿con qué faceta artística te sientes más identificado? A veces con todas y a veces con ninguna. Siempre me sentido incómodo con las definiciones porque limitan y pueden confundir más que aclarar las cosas. Me gusta pensar en que un artista lo puede hacer todo y eso es una de las bondades de estos tiempos. El artista se puede desplazar entre disciplinas y medios y así explorar las ideas que guían al trabajo.

son seres curiosos que quieren ir más allá de la superficie para encontrar las esencias y entrañas de un tema. Hay otra característica en común y esta es el espíritu de exploración; ir a lugares poco explorados y sentir una fascinación por lo que todavía no sabemos que está ahí. Existe esta idea de que la ciencia trata sobre lo que se conoce, pero realmente lo que la sigue moviendo es lo desconocido y cuanto más sabemos, más nos damos cuenta que ignoramos.

En el Renacimiento, que un artista fuese además un científico no era algo extraño, hoy posiblemente sea algo bastante llamativo, desde tu experiencia, ¿has sentido incomprensión o extrañeza hacia tu trabajo entre artistas y científicos? Para muchas personas suena muy novedoso la idea de que un artista se acerque a la ciencia, pero en realidad siempre ha habido una relación entre ambas disciplinas. Es cierto que en un principio éstas se encontraban muy próximas, a veces eran intercambiables. Hubo un momento en la historia donde se tuvieron que distanciar para encontrar su propio camino y estuvo bien. Es importante reconocer que el arte y la ciencia son campos bien distintos y de esta diferenciación es que pueden salir resultados increíbles cuando trabajan juntas. Hoy en día tenemos una tradición de al menos cincuenta años de artistas trabajando con científicos y aún así sigue sorprendiendo.

Otra de tus facetas artísticas es la música: compones, tocas varios instrumentos y eres el fundador de la Orchestra Elastique y la Goldsmith Electronic Orchestra. La música quizás sea también uno de los nexos más evidentes entre el arte y la ciencia, pues en el fondo, la música es pura matemática. ¿Cómo relacionas la música en tus proyectos artísticos? Uno de los hilos conductores de todo mi trabajo es el asombro y la música es el mejor ejemplo. Podemos entender a nivel neuronal lo que le sucede a nuestro cerebro cuando escuchamos música, pero eso jamás quitará el hecho de que cuando la escuchamos, sentimos algo que no podemos expresar. En lo personal, la música es algo muy profundo, es un misterio y al mismo tiempo algo tan humano y tan nuestro. Siempre he dicho que no confío en las personas que no les gusta la música, sorprendentemente conozco a dos.

Posiblemente uno de los nexos de unión más evidentes entre el arte y la ciencia es la experimentación, en tu opinión ¿qué otros nexos hay en estas dos disciplinas? La experimentación es definitivamente algo que el arte y la ciencia comparten, pero hay algo bien fundamental: la curiosidad. Tanto el artista como el científico

También eres director de KOSMICA y de La Gravedad de los Asuntos ¿podrías hablarnos de ello? ¿Qué son y qué finalidad tienen estos proyectos? KOSMICA es una serie de encuentros, a veces sólo una noche, a veces de 10 días sin parar. El espíritu de KOSMICA es crear una interfaz en donde el público pueda participar en las discusiones espa-

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ciales que están detonando el trabajo de otros artistas, académicos, científicos y demás. Me gusta llamarle festival porque también es una celebración a nuestra relación con el universo y cómo hemos sido capaces de explorarlo. Hemos realizado más de 20 eventos en diferentes países y hemos presentado a más de 100 invitados de literalmente todos los continentes. En cuanto a La Gravedad de los Asuntos es un proyecto que dirigí junto con Ale de la Puente. Realizamos una misión de gravedad cero para generar una serie de reflexiones sobre la fuerza de la gravedad. Invitamos a otros artistas para que participaran y durante dos años nos preparamos los diferentes proyectos que se ejecutarían en la misión, la cual se realizó en el Centro de Entrenamiento Gagarin en Star City, Rusia. Gravedad Cero ha sido realizado por mexicanos en Rusia ¿cuáles han sido los retos más duros a la hora de realizar este proyecto? Hay un componente político importante y difícil: ¿cómo apropiarnos de tecnología espacial como un civil? Fueron negociaciones intensas, el clima militar de Rusia era tenso en aquellos momentos y la viabilidad del proyecto incierta durante un año y medio. Sin embargo, al final los rusos aceptaron el proyecto y le pusieron toda la energía. Otro reto fue el de ejecutar los proyectos en gravedad cero, cuando estás allí sabes que estás en un ambiente extremo. A la hora de realizar un proyecto artístico, dada la versatilidad de tu producción artística y de los recursos creativos con los que cuentas, ¿cómo es el proceso de producción y desarrollo artístico y cómo te lo planteas? Son procesos de años, entre dos y tres

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como promedio. Vivo inmerso en el mundo espacial, es lo que leo y veo todo el tiempo, así que de aquí salen mis ideas, pero también encuentro muchos elementos que me motivan a hacer obras en el teatro y la literatura. Vivo haciendo investigación constante y poco a poco van emergiendo ideas. Es un proceso complejo y que toma tiempo y paciencia. En KOSMICA han participado infinidad de artistas con el fin de la exploración del cosmos de forma alternativa ¿qué alternativas o recursos pueden ser utilizados por un artista para realizar este trabajo? ¿Algún artista ha logrado avanzar en el conocimiento del cosmos utilizando el arte como herramienta de trabajo? No es necesario tener acceso a un cohete espacial. El trabajo espacial se puede hacer de muchas maneras, es un tema de creatividad. Creo que como comunidad artística, siempre hemos contribuido a la exploración del cosmos. En un principio a través de la creación de imaginarios desde la ciencia ficción, hoy desde la colaboración en misiones espaciales. La Federación Internacional Astronáutica te nombró Líder Espacial del Año en 2014 ¿Qué supone este reconocimiento para ti y que es lo que aporta dicho reconocimiento a quien lo recibe? Este nombramiento es al mismo tiempo un reconocimiento a la comunidad de artistas espaciales. Es la primera vez que un artista es premiado por contribuir a la astronáutica y mi trabajo es una continuación al trabajo de muchos otros artistas, por esto creo que es un premio para todos los que hemos estado trabajando en este campo. En tu opinión, ¿crees que la espiritualidad y el conocimiento científico están co-


nectados o estamos hablando de dos términos antagónicos? No creo que sean antagónicos. Yo veo a la ciencia como algo espiritual y por este término me refiero a la espiritualidad atea que plantea André Comte-Sponville. Al tener un interés verdadero en el universo, en su funcionamiento, veo un compromiso espiritual. Tal vez no es la espiritualidad basada en fe, pero sí en algo real y profundo. En mi caso, tengo veinte años siendo vegetariano lo cual es una acción espiritual de todos los días. Yo llegué al vegetarianismo después de entender que un animal y un humano no estamos tan distantes como lo parece y este entendimiento me lo dio la ciencia. El espacio, como los océanos, nos rodean y han sido y son fundamentales para nuestra existencia, pero parece que en el día a día todos vivimos ajenos a ellos, ignorando su vital importancia para la humanidad. En tu opinión ¿qué puede aportar algo tan cercano y valorado como arte para conectar a las personas con el espacio? Precisamente la exploración espacial es sobre nosotros y este lugar, pocas de estas actividades son para el espacio profundo. Salimos de este planeta para vernos en una totalidad que es difícil de apreciar desde aquí. Dependemos del espacio y pertenecemos a él. Desde 2009 trabajas para la agencia Arts Catalyst en Londres ¿en qué cosiste tu trabajo allí? Arts Catalyst es una organización legendaria de arte y ciencia. Gracias a ellos he desarrollado todo este trabajo espacial. Digamos que Arts Catalyst es mi mentor. Uno de tus últimos trabajos ha sido Evocations of a Forgotten Voyage, un espectá-

culo en el que se invita a viajar a la Luna mediante la hipnosis. ¿En qué consiste realmente y cómo surgió la idea de trabajar con la hipnosis y su aplicación a las artes? Este es mi último proyecto, nace con la idea de que más personas participaran en una caminata lunar. Inicialmente sólo 12 hombres caminaron en la Luna dejando fuera a las mujeres. La idea es cuestionar el acceso al espacio exterior mientras que sembramos una memoria falsa a través de hipnosis sobre un camino en la Luna. Es un proyecto poético y muy poderoso. Con este proyecto has hipnotizado a numerosas personas en México y Reino Unido insertándoles una “memoria falsa” de un viaje a la Luna. ¿Qué consecuencias tiene para el individuo que ha sido hipnotizado el tener ese recuerdo o experiencia? Es una memoria que se queda por el resto de tu vida en la memoria, por esta razón es un proyecto íntimo y profundo. Es como si una ficción generada de pronto se convirtiera en realidad. Otra vez existe un tema de apropiación en este proyecto. ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo? Hay muchos proyectos en el futuro. Actualmente estoy trabajando en dos misiones espaciales. Son proyectos que involucran a varias agencias espaciales y estamos haciendo todas las gestiones para poderlo hacer. Al mismo tiempo estoy preparando un proyecto más personal en el que generaré la noche más larga que haya existido en la Tierra. Esto lo haré por medio de una coreografía entre el Sol, la Tierra y un avión. ¿Dónde podemos ver tu trabajo? Estoy en todas las redes sociales como @nahummantra y en www.nahum.xyz

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| ARTE |

AMBER COWAN Alma de cristal _______ POR EMNMM

Amber Cowan es una artista norteamericana cuya pasión por el vidrio le ha llevado a crear magníficas obras que se encuentran repartidas en numerosas galerías, colecciones particulares y museos de todo el mundo. Uno de los elementos más llamativos de su trabajo es la utilización de patrones vítreos que ya no se fabrican pertenecientes a fábricas americanas de vidrio ya desaparecidas. Este recurso ha hecho que sus obras sean piezas con alma, la de una industria desaparecida que vuelve a renacer en cierta medida gracias a las hermosas y exuberantes piezas que Amber Cowan crea en su taller de Filadelfia, una magnífica artista y artesana del vidrio con la que hemos hablado para esta entrevista.

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Amber, háblanos un poco sobre tu trabajo. Comencé a trabajar con el vidrio hace 15 años. En 2004 obtuve mi BFA en Diseño 3-D con una pieza de cristal en la Universidad de Salisbury. Después me trasladé a Nueva York, donde trabajé con numerosos artistas del cristal mientras perfeccionaba mi trabajo y mis técnicas. Más tarde, en 2009, me fui a Filadelfia para asistir a la Tyler School of Art de la Temple University, donde obtuve mi Maestría en Vidrio/Cerámica en 2011. Desde entonces he estado en la facultad, en el departamento de vidrio de Tyler y también tengo mi propio estudio en Filadelfia donde realizo mi trabajo. ¿Cuándo te empezaste a interesar por el vidrio como medio artístico para tu trabajo? Me encanta el vidrio desde que era pequeña. Cuando tenía siete años me encontré con una pareja de elefantes rosas en el sótano de la casa de mis padres y me enamoré de ese material, desde entonces, ha sido la pasión de toda mi vida. Me interesé por el vidrio como medio artístico cuando estaba en la Universidad. Un día me encontré un viejo barril repleto de desperdicios de vidrio prensado, los desperdicios de vidrio son los restos que una fábrica de vidrio desecha después de un ciclo de producción. Aquellos desperdicios eran de un precioso color rosa que procedían de una serie de platos hechos para dulces de Pascua y yo, que era una universitaria sin muchos recursos económicos que buscaba una manera de hacer esculturas más grandes y de forma asequible, encontré en ese barril una fuente de inspiración, fue un punto de inflexión que me hizo explorar y ahondar profundamente en la historia del vidrio prensado en América. ¿Dónde encuentras la inspiración? Mis obras están obviamente inspiradas en la naturaleza y en la abundancia. Uso la repetición de las formas naturales con exuberantes follajes de manera abrumadora. Creo que mi

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trabajo bien podría considerarse como un claro ejemplo de horror vacuii. Un término aplicado en el arte que viene a significar un temor por los espacios abiertos. A menudo me inspiro por el color, especialmente con algunas piezas históricas de cristal de color que ya no se producen, ya que la fuente de materiales para mis esculturas procede de una antigua fábrica de vidrio ya desaparecida. Esencialmente utilizo material fuera de stock. Por ejemplo, el color menta que utilizo en algunas de mis obras es el último que existe de ese color en particular, de modo que quien adquiere una de mis piezas de este color sabe que, además de ser una pieza única, es una de las más raras que pueda estar hecha en este color. También me inspiran mucho las piezas históricas de los patrones de colores de vidrio prensado. Estoy trabajando en la creación de una biblioteca de piezas escaneadas en 3D con antiguas piezas de cristal prensado americano que puedo usar para crear moldes. Muchas de estas piezas tienen una rica historia sobre el modo en el que se produjeron; sus moldes fueron pasando a lo largo de la historia de fábrica a fábrica y la mayoría de estas piezas ya no se producen en la actualidad. Junto con los desechos de vidrio de la vieja fábrica, otra de mis fuentes de material son las tiendas de segunda mano, mercadillos callejeros y también adquiero piezas por eBay. Con el paso del tiempo me he ido convirtiendo en una especie de experta en la identificación de patrones y fabricantes de objetos de vidrio prensado. A menudo me puedo encontrar con un un jarrón o un cristal específico por el que me siento particularmente atraída para crear una pieza alrededor de este objeto. Una gran parte de mis trabajos están realizados con vidrio blanco (milk glass). Muchas de estas piezas se basan en un patrón particular de vidrio blanco llamado Colony Harvest, procedente de la Fábrica de Vidrio de Indiana. Esta fábrica, ya desaparecida, producía este particular patrón de color en piezas de


Garden of forgotten and extinct


menaje que se regalaban en S&H Greenstamps. Fueron muy populares estos obsequios. Se adquirían reuniendo unos sellos que daban por cada compra en gasolineras y tiendas de comestibles. Muchas amas de casa de antaño coleccionaban estas piezas por su disponibilidad y por ser muy asequibles. Hoy muchas de esas piezas de cristal fueron a parar a los estantes de tiendas de segunda mano. Háblanos del proceso creativo ¿experimentas con nuevas técnicas? Mi proceso implica numerosas horas de soplete (moldeando y dando forma al vidrio fundido). Al principio, trabajaba de manera tradicional, como soplador de vidrio y al final todas esas técnicas tradicionales se fueron incorporando a mi forma de trabajar el vidrio. ¿Eres perfeccionista? No me considero una perfeccionista en temas de precisión técnica. En ocasiones, el proceso técnico con el cristal durante su fabricación puede llegar a ser aburrido. ¿Has trabajado con otros materiales como puede ser el plástico o el barro o prefieres trabajar sólo con vidrio? Trabajé la cerámica cuando era pequeña y en la adolescencia. En la universidad había en el taller de cerámica una puerta que llevaba a la tienda de cristal, pero fui a esa puerta y ya nunca miré atrás. Has dicho que utilizas piezas recicladas en tus obras, muchas de ellas provienen de viejas piezas históricas ¿cómo seleccionas las piezas con las que vas a trabajas? Normalmente selecciono las piezas por puro instinto y también si me gusta un determinado color o por la forma. A veces puedo pasar mucho tiempo buscando la pieza correcta durante mucho tiempo. Para una de mis obras: el Teatro del Cisne Blanco, estuve buscando el cisne correcto para usarlo en la composición durante muchísimo tiempo sin

éxito hasta que un día entré en una tienda de segunda mano y allí estaban, sentados en un estante, mirándome, como si estuvieran esperándome. Tus piezas están hechas a mano en vez de realizarlas con maquinaria ¿por qué te decidiste a utilizar este proceso artesanal? Creo que la tecnología puede complementar un proceso hecho a mano, como por ejemplo la posibilidad que ahora puedo tener para hacer un escaneo en 3-D de una vieja pieza de cristal, para poder hacer un molde de grafito molido y hacer muy fácilmente múltiples copias idénticas, pero a fin de cuentas, soy una artista y me gusta hacer mis propias piezas con mis manos. Siempre he sido una artista, una escultora que trabaja en tres dimensiones, no tengo el talento para la pintura o el dibujo, pero puedo pintar con el color de mis esculturas. ¿Dónde se pueden comprar tus obras? Todos mis trabajos se venden a través de la Heller Gallery en Nueva York, que está en el 303 10 Ave. entre la calle 27 y la 28 en Chelsea. ¿Tienes alguna exposición a la vista? Cada mes de noviembre expongo con la galería en el SOFA Art Fair en Chicago y en diciembre en el Art Miami durante la Art Basel week. Tengo una próxima exposición individual en el The Fuller Craft Museum opening que será en mayo de 2017. ¿Dónde podemos ver tus obras? Mis obras se pueden ver tanto en Heller Gallery o en las colecciones permanentes del RISD Museum, el Corning Museum of Glass, el Wichita Art Museum y el Museo del Cristal de Shanghai. www.ambercowan.com

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River mint detail


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Chocolate with thorny vine detail


Burmese dream detail


River green and mint


| FOTOGRAFÍA |

ANUAR PATJANE

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_______ POR EMNMM Anuar Patjane es un fotografo mexicano que a sus 34 años ha sido reconocido como uno de los grandes fotógrafos de la naturaleza. Sus excelentes trabajos han sido publicados en prestigiosos medios como National Geographic, del que además es uno de sus miembros. Una de sus fotografías, más famosa en todo el mundo, ha sido, Whale Whisperer, una imagen subacuática en la que aparece una ballena rodeada de buceadores con la que ganó en 2015 el National Geographic Photo Contest, además del segundo premio este mismo año, en el prestigioso World Press Photo en la categoría de Naturaleza. Con Anuar nos sumergimos en las profundidades del océano para que nos hable de sus experiencias y conocer más a fondo su magnífico trabajo en esta entrevista.

Anuar, te formaste profesionalmente como antropólogo social ¿cómo llegaste al mundo de la fotografía? Siempre tuve una cámara cerca, desde niño me parecía mágico el poder capturar momentos en un papel, pero fue durante la universidad, cuando tomé un curso de foto documental y comencé a tomar más en serio a la fotografía. Me gustó todo lo que la foto podía transmitir sin necesidad de palabras, la foto me parece más orgánica que las palabras, es un medio más directo de aproximación y de transmisión de mensaje. Tal vez por eso vivimos hoy día rodeados de tantas imágenes, los mercadólogos lo saben. Gran parte de tu trabajo se centra en el mundo subacuático ¿qué te llevó a adentrarte a este mundo? A los 17 años tomé mi primer curso de buceo, lo cual sólo lo hice por probar, por conocer el mundo submarino debido a la insistencia de mi madre, que es bióloga marina. Y bueno, me pareció una locura esa libertad de poder moverte hacia todas direcciones, es una especie de vuelo. ¿Tu formación como Antropólogo social te ha servido para una visión diferente del mundo que nos rodea en tus fotografías? Seguramente, no es fácil librarse de la óptica académica, tampoco sé si quiero librarme de ella. En casi todas mis fotos puedes ver el elemento humano, medio documen86 - EMNMM

talista, inclusive en las fotos bajo el agua. Con todo y que somos una especie brutal para la naturaleza de este planeta y la supervivencia de otras especies, no dejamos de ser primates muy curiosos y fotogénicos. Muchas fotos las hago para mostrar lo estúpidos que podemos ser, claro, también otras fotos que muestran lo empáticos y la compasión que también podemos llegar a mostrar. Somos una especie bipolar. ¿Cuentas con un equipo o trabajas en solitario? Normalmente trabajo en solitario ya que para la mayoría de las fotos que hago requiero estar completamente enfocado en el proceso fotográfico. Pero las expediciones de buceo normalmente se realizan en equipo, cada integrante con sus propios intereses, ya sea el video, la foto o el simple hecho de bucear y explorar. Ya somos un grupo de camaradas que buceamos juntos, es como una familia. Uno de los rasgos característicos de tus trabajos es el uso del blanco y negro, un elemento que aporta mucho sentimiento a las fotos ¿por qué? El blanco y negro tiene su propia mística, al descartar el color sólo quedan las formas y la luz, el alma secreta de las cosas, la foto se vuele más limpia, minimalista y el mensaje es más contundente. Hay cuerdas que sólo puede tocar la foto en blanco y negro, y claro, también hay cuerdas exclusivas para el color, pero no suelen ser mis cuerdas predilectas.


Es posible que el uso de la fotografía en blanco y negro bajo el agua obligue a prestar más atención a la luz ¿cómo te enfrentas a este reto? Es siempre el gran problema, la cantidad de luz bajo el agua y la claridad del agua. Son pocas las fotografías que hago bajo el agua, no suelo disparar en ráfaga ni me la paso todo el tiempo tomándole fotos a lo que me voy encontrando, soy muy selectivo. A veces pasan varios días de buceo sin que tome una sola foto debido a que las condiciones no están como a mí me gustan que estén para poder fotografiar Gran parte de tu trabajo se centra bajo el agua ¿qué es lo más difícil de trabajar en este medio? No es difícil si es lo que te gusta, no hay nada difícil en esto del buceo, claro que existen niveles de buceo técnico, en cuevas por ejemplo, para los cuales aún no me siento listo y, seguramente, en ese tipo de buceos extremos sea más complicado acarrear una cámara y 88 - EMNMM

encontrar luz suficiente para poder tomar una foto. Exceptuando lo anterior, en realidad la fotografía bajo el agua puede ser tan técnica o tan simple como lo es en tierra firme. Depende del tipo de fotografía que decidas hacer y el equipo que utilices. A mí me gusta la simplicidad y ligereza del equipo, tanto en tierra firme como bajo el agua. Ni bajo el agua ni en tierra firme utilizo flashes o estrobos, y es muy raro que utilice un trípode. Lo más difícil es dejar el mar y volver a la civilización, en serio. La fotografía El encantador de ballenas ha sido la ganadora de entre más de 17.000 imágenes en el concurso National Geographic Traveler Photo y segundo premio en la sección de Naturaleza en el World Press Photo 2016. Aunque es un poco pronto para saberlo, ¿qué ha significado para ti obtener estos importantes reconocimientos? Fueron dos honores tremendos de dos de las tres insti-


conexión que tuvimos con estos impresionantes animales. La elección del equipo técnico, una Sony RX100, ha sido clave a la hora de realizar esta fotografía ¿por qué este equipo y qué ventajas tiene respecto a otras cámaras? Para mí es como elegir qué cámara llevar a la calle. Si salgo con una Leica y un 35mm me moveré mucho mas rápido y seré mucho mas discreto que si cargo con mi Nikon d800 y un telefoto. Seguramente me perderé muchas fotos si salgo con mi Leica y sólo un 35mm, es un sacrificio que estoy dispuesto a hacer, con tal de cargar con menos equipo, ser más discreto y ser más ágil. Esta misma lógica la aplico bajo el agua, uso la RX100 y un Housing Nauticam porque hace 4 años era la mejor combinación posible entre una cámara compacta con excelente sensor y un excelente housing, la cual me permitiría movilidad y discreción sacrificando muy poco en cuanto a calidad de imagen, en especial en rango dinámico. La RX100 es una camarita impresionante.

tuciones fotográficas que más respeto y admiro, National Geographic y World Press le han dado al mundo imágenes que han venido transformando la realidad y marcando épocas. La tercera es Magnum y lo que uno ve en esa agencia no lo hay en otro lado. Además de la emoción y de la continua lucha por controlar al condenado ego, me han generado excelentes oportunidades y viajes en nuevas expediciones, además de que ahora buscan mucho más mis imágenes las agencias y medios. Esta foto ganadora está cargada de espontaneidad ¿cómo fue ese momento al estar junto a una ballena jorobada con su cría? La foto sólo evidencia un momento de toda una serie de encuentros que tuve con estas ballenas. Estuvimos buceando con ellas durante tres días. Las ballenas nos buscaban y se nos acercaban con curiosidad, fue fenomenal y no hay palabras para describir esta sensación de

La foto fue tomada en las Islas Revillagigedo, declaradas Patrimonio Natural por la UNESCO, un lugar muy desconocido y en peligro por la pesca ilegal ¿crees que esta foto puede ayudar a tener mayor relevancia y protección a estas islas? Sin duda, cualquier material que genere conciencia de lo que existe bajo el mar y de lo delicado que es este medio, ayudará. Del mar vivimos todos y lo tratamos como si fuera una fuente infinita de recursos y al mismo tiempo un basurero. El humano es el animal mas peligroso que el mar ha conocido. ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo? Seguir fotografiando bajo el agua y en tierra firme, ahora espero encontrar cachalotes y calamares en el Mar de Cortés, y fotografiar el paisaje submarino en Islandia. Estas dos expediciones me tienen muy emocionado. Anuar, muchas felicidades por estos galardones, esperamos que sean muchos más. www.anuarpatjane.com

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Whale whisperers


LA INVITACIĂ“N Estreno 8 de abril


| CINE Y TV |

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SINOPSIS Will y Eden fueron en el pasado una feliz pareja con un hijo en común. Pero la muerte en trágicas circunstancias del niño afectó irremediablemente su relación, hasta el punto de que un día ella desapareció sin previo aviso. Años más tarde, Eden regresa a la ciudad casada con otro hombre y como una persona diferente: en ella parece haber cambiado algo, es ahora una persona inquietante e irreconocible, incluso para Will. Una oscura noche, éste retorna a la casa que compartió con Eden, acompañado de su nueva novia, Kira, y de un grupo de antiguos amigos. En el transcurso de la velada, a Will le aterra la evidencia de que tanto Eden como las personas que comparten ahora su vida esconden oscuras y misteriosas intenciones. Pero, ¿podemos confiar realmente en los presentimientos de Will? o, ¿es él mismo el catalizador inconsciente de esa fatalidad que intuye? Un drama de suspense sobre personas en crisis, que no desperdicia un fotograma para construir una de las cenas más tensas y gozosas de la historia del cine reciente. Con un elenco de actores en estado en gracia y una dirección que mantiene el pulso en todo momento hasta un clímax imposible de olvidar, La invitación ha sido la película más aplaudida del Festival de Sitges 2015, donde consiguió el Premio a la Mejor Película.

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Declaraciones de la directora La invitación es un drama de suspense sobre personas en crisis. Inspirándose en películas de género como La semilla del diablo (1968) o Déjame entrar (2008), el filme toma prestados elementos estilísticos de thrillers como Klute (1971) o la configuración de la puesta en escena que aparece en El infierno del odio (1963). Desde el primer al último fotograma, la película transmite una creciente sensación de temor e inquietud en la que los progresivos miedos y las incertidumbres de nuestro personaje principal, Will, ejercen sobre los espectadores una sensación de continua tensión. ¿Creemos en sus miedos o los subestimamos como hacen algunos de los personajes? ¿La aflicción de Will lo aleja de la realidad o está dirigiendo su realidad hacia otro extremo? Al observar la realidad desde el inestable punto de vista de Will, el espectador se pregunta ¿quién debe ser verdaderamente temido en ese grupo? ¿Quién, o qué, es realmente peligroso? El conjunto de personajes que aparecen en La invitación, incluso los de más baja mora, son complejos e incluso pueden resultar, paradójicamente, simpáticos. Muchos de esos perfiles podrían ser de gente que conocemos. Algunos de ellos se mueven en entornos a los que podríamos pertenecer. No tengo en mente a ningún villano de película, sólo a algunas da-

ñinas y desquiciadas personas que llevan a cabo actos destructivos en momentos de intensa vulnerabilidad y en el nombre de alguna oscura creencia. Si existe un villano en esta película es la resistencia cultural a incorporar en nuestras vidas el dolor y el sufrimiento de una manera presente y real, es esa rabia que acompaña a nuestro desconocimiento del mundo y su naturaleza impredecible. Nuestro miedo a perder el control, así como el rechazo al sufrimiento y a la pena, a menudo nos conduce a momentos de verdadero terror. Dentro de su categoría de cine de género, La invitación explora las consecuencias, a veces irrevocables, de esa negación de la tragedia. Eden y el deseo de David para negar las desgracias del pasado y llevarlas a extremos totalmente drásticos. La insistencia de Will por mantener sus caóticos sentimientos a raya le impiden relacionarse con Kira, una mujer que lo ama a pesar de la terrible tragedia que lo asola. En esta película, exploro cómo un personaje tiene que experimentar algo terrible para abrazar verdaderamente su deseo de vivir. A veces, para algunos de nosotros, tiene que pasar lo peor para que suceda lo mejor. La película emplea un controlado y estricto estilo visual, un destacable e inusual score, y presta gran interés por la ambientación sonora para contar su historia. Me gusta la sutil belleza de los ambientes nocturnos y la intimidad de los rostros en primerísimos planos. EMNMM - 105


El ambiente de la película, a pesar de la fácil comunicación entre varios de los personajes y la sugerencia de historias emocionales entre ellos, sigue siendo claustrofóbico y misterioso. Existe una intensidad visual en la casa principal de la película que, conforme avanza el tiempo, comienza a percibirse como algo horrible que te atrapa. Y una vez que estalla la violencia varía el estilo con la cámara: moviéndose junto a los personajes que corren para salvar sus vidas, persiguiendo sus cogotes, registrando cada aliento de pánico. Mucha de la violencia se experimenta desde el punto de vista de Will y Kira, por lo que a veces sólo vemos a través de puertas entreabiertas y de oscuros pasillos. Parte de la violencia está implícita y, con suerte, se convierte, gracias a ello, en espeluznante. Finalmente, a pesar del miedo que han sufrido nuestros protagonistas, espero que el público pueda sentir una catarsis emocional, la sensación de que hemos visto gente conocida y de que nos hemos interesado por ese paseo en torno al fuego apocalíptico. Los seres humanos pueden ser inducidos a realizar cosas inhumanas en nombre de la fe, y esta película intenta explorar los peligros de caer en la doctrina de un individuo, de una comunidad o de una religión. Para mí, el mayor horror de este mundo es que seguimos tomando decisiones sobre el destino de terceras personas en nombre de nuestras cre106 - EMNMM

encias. Cultos y sectas hay de todo tipo, espirituales, culturales, políticas... y algunas de ellas son, incluso, engañosamente benignas. Uno de los principios más generalizados de nuestra sociedad moderna es que hay que evitar a toda costa el daño, ya sea físico o emocional. Nos hemos convertido en una nación literalmente adicta a “mitigar el dolor”. Pero, ¿ese exceso por controlar las aflicciones no es lo que también nubla nuestra capacidad de ver y sentir la vida con mayor vitalidad? Esta es la pregunta que la película intenta hacer. Transitando a través de temas como la pérdida y el dolor, y explorando las consecuencias de su negación, espero que La invitación deje a los espectadores con la sensación de que tanto la oscuridad como la luz forman parte de sus vidas. La película imagina un mundo plagado de fuerzas que no podemos comprender, y con personajes que actúan con el desesperado deseo de un paraíso desvinculado de las tristezas de sus vidas terrenales. Para muchos de nosotros es la gente de la que nos rodeamos, la que nos ama y a la que damos nuestro amor, la que nos ayuda a paliar las cargas de nuestra difícil existencia. Para mí la película es en última instancia la confirmación de que hay que vivir la vida con los ojos y el corazón abiertos a nuestras tristezas, y en conversación con ellas. Karyn Kusama, directora de La invitación


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| CINE Y TV |

EL LIBRO DE LA SELVA Estreno 15 de abril

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Dirigida por Jon Favreau (Chef, Iron Man, Elf), basada en las historias atemporales de Rudyard Kipling e inspirada en el clásico animado de Disney, esta nueva adaptación de El Libro de la Selva es una nueva epopeya de acción cuyo protagonista es Mowgli, con el debut de Neel Sethi, un niño al que cría una manada de lobos. Pero Mowgli comprende que debe dejar la selva ya que el tigre Shere Khan, que lleva las cicatrices del Hombre, promete eliminar lo que considera una amenaza. Mowgli se ve obligado a abandonar el único hogar que ha conocido en toda su vida y se embarca en un fascinante viaje de autodescubrimiento. Sus guías son la pantera Bagheera convertida en su mentor y el oso Baloo, un espíritu libre. Por el camino, Mowgli se cruza con criaturas de la selva que no son muy de fiar que digamos. Entre ellas está Kaa, una serpiente pitón cuya voz y mirada seductoras hipnotizan a Mowgli, y el embaucador Rey Louie, que coacciona al pequeño para que le enseñe el secreto de la mortal flor roja: el fuego. El reparto incluye a Lupita Nyong’o que presta su voz a Rakshan, y a Giancarlo Esposito, la voz de Aleka.

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El Libro de la Selva es una película que mezcla con enorme maestría la acción real con animales y entornos fotorrealistas generados por ordenador, utilizando las tecnologías y las técnicas narrativas más avanzadas, y sumerge a los espectadores en un mundo fascinante y exuberante. Las voces en la versión original están interpretadas por los actores Bill Murray como Baloo, Ben Kingsley como Bagheera, Idris Elba como Shere Khan, Scarlett Johansson como la serpiente Kaa, Christopher Walken como Rey Louie, Lupita Nyong’o como Raksha, la súper protectora madre loba y Giancarlo Espósito como Akela, el macho alfa de la manada de lobos. Sobre el director Jon Favreau, Director de esta adaptación de El Libro de la Selva, inició su carrera en la industria como actor en la película sobre deporte titulada Rudy. Después se convirtió en un guionista de enorme talento con la aclamada comedia Swingers. Desde entonces, ha seguido poniéndose retos con una variedad de proyectos eclécticos. Dirigió los éxitos de taquilla Iron Man e Iron Man 2, que re-


caudaron un total de 1.300 millones de dólares en todo el mundo. También fue productor ejecutivo en Los Vengadores y Vengadores: La era de Ultrón de Marvel, que recaudaron conjuntamente 2.900 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose respectivamente en la tercera y séptima películas con mayores ingresos por taquilla de todos los tiempos. Más recientemente, Favreau escribió, dirigió, produjo y protagonizó la película independiente Chef, que tuvo un gran éxito, junto con Sofia Vergara, Scarlett Johansson y Robert Downey Jr. En 2011, Favreau dirigió y produjo Cowboys & Aliens, protagonizada por Harrison Ford y Daniel Craig. Antes de dirigir las dos primeras entregas de la franquicia de Iron Man, Favreau dirigió Zathura, una aventura espacial, una película infantil protagonizada por Tim Robbins, para Radar Pictures y Sony Entertainment. En 2003, Favreau dirigió el aclamado éxito Elf, protagonizada por Will Ferrell, para New Line Cinema. Favreau debutó como director con Made, un guión que escribió y que protagonizó junto a Vince Vaughn y Sean Combs para Artisan Entertainment.

Delante de las cámaras, pudimos ver a Favreau en El lobo de Wall Street, Por la cara y Así somos (People Like Us). Otros de sus trabajos en el cine son Todo incluido, Te quiero, tío, Como en casa en ningún sitio, Separados, Wimbledon. El amor está en juego, Cuando menos te lo esperas, Daredevil, Love and Sex, Equipo a la fuerza, Very Bad Things y Deep Impact. También encarnó al campeón de pesos pesados Rocky Marciano en el biopic de MGM, Rocky Marciano. Los créditos televisivos de Favreau incluyen un papel recurrente en Friends y una aparición especial en Los Soprano de HBO, interpretándose a sí mismo. Favreau también fue jefe de producción así como creador, productor y presentador de la aclamada serie de IFC nominada a los Emmy®, Dinner for Five. También fue productor ejecutivo de la serie de televisión Revolution. En la actualidad, Favreau es productor ejecutivo de la serie de televisión, The Shannara Chronicles. FOTOS: ©2016 Disney Enterprises, Inc. All Rights Reserved.

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| ESCENA |

EL PRISIONERO Dirección: Mariano de Paco _______ POR EMNMM | FOTOS: ANTONIO SUÁREZ DE ARCOS

¿Merece la pena morir por haber vivido? ¿Se puede encerrar a un mito entre cuatro paredes? Un hombre aguarda la muerte en su celda, mientras escucha cómo construyen el patíbulo donde será ejecutado. Sin embargo, tiene la oportunidad de sobrevivir si firma un documento en el que abjura públicamente de sus “crímenes”. El tema de la identidad halla en El prisionero un campo donde germinar a su antojo. Alguien quiere ser otro. En un juego de espejos, el escritor quiere ser actor, el actor quiere ser su personaje, y el mito, ignorante de sus mil muertes, lucha por su pervivencia desde el corazón del actor.

“¿La cárcel está dentro o fuera? ¿En qué dirección empieza la celda? Si de este costado, ¿no es el mundo otra celda al otro lado, solo que de mayor tamaño? ¿No fue entrar en la celda pequeña, salir de una celda mucho más grande?”. Esta es la sinopsis de la obra que se estrena este mes de abril en los Teatros del Canal. Es una obra dirigida por Mariano de Paco sobre un texto de José Luis de Blas, a partir de una idea del actor José Manuel Seda. Como la información aparecida nos ha dejado con ganas de saber más, hemos entrevistado a su protagonista para conocer los entresijos de esta obra y un poco más al actor en esta entrevista.

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José Manuel, ¿por qué José Luis de Blas para materializar esta idea? Pues azares del destino. Cuando yo tengo la idea de este proyecto me pongo en contacto con ese gran hombre de teatro que es Juan Vinuesa, y es él, el que me recomienda a José Luis, al que hasta ese momento desconocía. ¿Cómo ha sido la colaboración entre vosotros y qué opinión te merece el resultado? Desde las primeras reuniones en Sevilla, todo empezó a fluir entre nosotros, y el resultado ha sido mucho mejor de lo que hubiera podido imaginar, ya que recoge todas mis propuestas, respetando el hilo argumental que yo le propuse, y plasmado en un texto de una gran belleza. ¿Cuánto tiempo habéis tardado desde que comenzó el proyecto hasta su materialización? Pues el camino comienza a mediados del 2013, y durante un par de años hemos estado manteniendo reuniones y cruzando correspondencia, recomendándonos lecturas que nos llevara en la dirección correcta, y a mediados de 2015, presentamos el proyecto a Teatros del Canal, que finalmente aprobó. No ha trascendido mucha información sobre El Prisionero, por lo que se vislumbra, parece que en la obra se encarcela a un mito como es Don Juan, para someterle a un juicio del que no se sabe mucho más, ¿cuáles son los delitos que ha cometido y por qué esa acusación? No, el personaje ya ha sido juzgado y condenado a muerte. Sin embargo, se le concede una última oportunidad, pudiendo salvar su vida si escribe una carta antes del amanecer, en la que abjura y reniega de todos sus “crímenes”. Durante toda la obra, dialogará con el actor que le representa, y se irá preguntando si merece la pena renegar de su pasado, a cambio de seguir vivo. Nos hemos centrado en la rebeldía del mito, en su lucha contra el poder y lo establecido, más allá de las otras características que le definen, por las que ha sido juzgado y condenado a lo largo de los siglos. Y por supuesto, en las debilidades propias de un ser humano que se enfrenta a la muerte. El personaje está prisionero, eso es obvio pero, ¿de qué tipo de cárcel estamos hablando? El mito es intemporal, pero a nosotros nos vino bien enmarcarlo dentro de la Venecia del siglo XVIII. En una mazmorra del Palacio Ducal.

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¿Cómo ha sido el proceso de preparación del personaje? ¿Qué ha sido lo más difícil? La verdad que la preparación del personaje, en este caso, también vino dada desde el proceso de escritura, por lo cual, nunca he llegado a un ensayo con tantos datos, y con tanto trabajo avanzado. Evidentemente, luego hay que ponerlo en pie, y darle carne. Lo más complicado tal vez es mostrar esa esquizofrenia que puede llegar a padecer un preso que lleva meses sin ver la luz, y que se enfrenta a la que puede ser la última noche de su vida, y hacer de ese monólogo un diálogo, en medio de su soledad. En esta obra te enfrentas solo a un texto y a un público que hasta que no se conozca más la obra no sabrán a qué se enfrentarán ¿Qué acogida crees que puede tener? Pues eso no se suele saber nunca. Lo único que puedo asegurar es que el texto es maravilloso, y que el actor y el personaje, los dos, porque ya la esquizofrenia también está afectando al actor (risas) se dejan la piel en escena durante 75 minutos. Además, como siempre digo, en el teatro, no siempre se dan respuestas, lo mejor es suscitar preguntas en el espectador. Si éste empatiza con la realidad de ese preso, con sus dudas y flaquezas, se hará muchas preguntas. Los mitos, los clásicos como Don Juan, son precisamente eso porque, entre otras cosas, son tremendamente humanos y sus defectos y virtudes son compartidas por todos. ¿Se humaniza más si cabe a este clásico en El Prisionero? Como te decía antes, lo que más nos interesa son sus debilidades. Cada espectador tiene a su don Juan en la cabeza, y seguramente, antes de entrar en un teatro y verle sobre las tablas, ya le ha juzgado y condenado, o absuelto... Los mitos acarrean con ellos atracción y repulsión. Por eso nosotros no queríamos que apareciera en el título de la obra, porque queríamos que el espectador se encontrara con un hombre, en la mitad de su vida, que se debate entre la vida y la muerte, y que hace balance de si ha merecido la pena lo vivido, y si merecería la pena seguir vivo dejando de vivir… Después de su estreno en Madrid, ¿habrá gira por el resto de España? Esa es la intención. Espero que muchos programadores se acerquen a vernos, y les interese programarnos. Espero que dure mucho ¡en los Teatros del Mundo!


Has estado en cartel recientemente con otras obras de teatro y próximamente te podremos ver en televisión en Perdóname ¿Hay fechas aproximadas de la emisión de la serie? Bueno he estrenado recientemente 11 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid, una maravillosa obra La estancia, de Chema Cardeña, dirigida por Jesús Castejón y producida por Salvador Collado, en la que comparto cartel con Javier Collado Goyanes. En ella enfrentamos a Christopher Marlowe y a William Sha-

kespeare, y que tras su paso por los festivales de clásicos durante el verano, espero que llegue pronto a Madrid, y muchos puntos de España. Es el año Shakespeare, a ver si… Respecto a fechas de emisión en la televisión, ¡eso es más difícil de acertar que la lotería primitiva!

EL PRISIONERO Del 8 al 24 de abril www.teatroscanal.com

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La compañía granadiana Guantuguan Teatro regresa a la Sala Off del Teatro Lara el 21 de abril con Big Boy, una obra en la que dos actores interpretan a casi un centenar de personajes. Esta obra, que fue finalista en el Festival Talent 2014, ha cosechado una gran acogida de la crítica y del público. Big Boy cuenta una historia cargada de emociones, amistad, reencuentros, entrega, guerra, superación humana y lucha... Es una historia donde se rinde homenaje a todas aquellas personas que por unas razones u otras tuvieron que emigrar y abandonar a sus familias, su tierra y sus raíces, para adentrarse en un mundo desconocido. Es una historia de amistad, la historia de dos amigos inseparables... Con esta frase comienza una gran aventura en la que se hace un recorrido por las vidas de Michael

Smith y Jimmy Olsen, dos jóvenes irlandeses de principios del siglo XX, desde su paso por la niñez a la adolescencia, hasta convertirse en soldados del ejército inglés durante la I Guerra Mundial. Ambos personajes recorren el largo y difícil trayecto que supone el emigrar de una Europa devastada por la guerra hacia América, la tierra de las oportunidades. Allí se toparán la Ley Seca y el crimen organizado que aquella prohibición generó. Transitarán por los bajos fondos neoyorquinos del boxeo en los suburbios de Brooklyn, hasta llegar al mismísimo Madison Square Garden. Todo esto, contado por sólo dos actores en escena que, a un ritmo frenético, nos mostrarán a casi un centenar de personajes y lugares que acompañarán a los protagonistas a lo largo de su vida. BIG BOY Teatro Lara Desde el 21 de abril www.teatrolara.com

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| ESCENA |

BIG BOY Dirección: José Luis Montiel Cháves


| MÚSICA |

SIVAN TALMOR _______

POR EMNMM | FOTOS: GANAL

Sivan Talmor es una cantante y compositora israelí que desde muy joven ha cantado y actuado en musicales de gran escala que han realizado giras por todo Israel. Más tarde, y tras haber trabajado como presentadora de un programa para una cadena infantil, se convirtió en la cantante de una banda militar israelí con la que realizó más de 100 conciertos dentro y fuera de Israel. Estudió tres años en la Escuela Rimon de Jazz y Música Contemporánea, experiencia tras la cual Sivan comenzó a enfocarse en su propia música. Comenzó en una banda con la que actuaba por todo el país, resultando así el inicio de su carrera profesional como músico. Durante la última década ha colaborado con importantes artistas israelíes en diferentes conciertos y eventos, y la canción hebrea Let’s Leave Together que cantó con Ran Danker, disparó su popularidad al ser considerada como la canción del año, en 2007 en Israel. En 2012, Sivan fue una de las concursantes más destacadas del programa de talentos La Voz en Israel, donde fue la favorita por los medios, obteniendo espectaculares críticas. Su paso por el pro-

grama le dio la oportunidad de actuar en diversas ocasiones con su mentor en el show, el gran artista israelí Aviv Geffen. Además de actuar con su propia banda de música, durante los últimos cuatro años Sivan ha formado parte en múltiples proyectos de carácter poético, destacando su aparición junto al legendario poeta israelí Jonathan Geffen. En 2013, Sivan lanzó Luna Park, su primer álbum cantado íntegramente en Hebreo y producido por Yoni Bloch. Recientemente acaba de presentar su nuevo álbum titulado FIRE. Está cantado en inglés y producido por Ori Winokur, también conocido por producir a Asaf Avidan & the Mojos. El álbum está a la venta desde febrero de este año y su sonido único está acompañado de su propia guitarra, acompañados además por los sonidos de la guitarra eléctrica y los teclados por parte del joven dúo indie Shelly and Rotem. Juntas, las tres jóvenes crean un distintivo sonido cálido y femenino. La voz excepcional de Sivan Talmor y su sonoridad le han llevado a convertirse en una artista muy reconocida en Israel que hemos entrevistado para este número de EMNMM.

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Sivan, para aquellos que todavía no te conocen, ¿podrías hablarnos un poco sobre ti y tu trabajo en el mundo de la música? Por su puesto, soy una cantante y compositora israelí, si tengo que describir el tipo de música que hago diría que podría ser una música melódica que cuenta historias con influencias de las baladas, del folk y el jazz americano, aunque últimamente también he añadido influencias de cantantes y bandas indie-folk. Hace tres años saqué Luna Park, mi primer álbum cantado en hebreo y ahora acabo de sacar un nuevo álbum titulado FIRE, cantado totalmente en inglés. ¿Escribes tus propias canciones? Escribo y compongo mi propia música. En el último álbum he incluido dos canciones del anterior trabajo que he traducido al inglés junto a Ori Winokur, el productor del álbum. ¿En qué te inspiras a la hora de escribir una canción? Me inspiran la mayoría de las cosas que me pasan en la vida... la gente que conozco, una canción bonita que escuche por ahí, los cambios estacionales en la naturaleza, un buen libro, hablar con un amigo, un sentimiento extraño, la tristeza, las cosas que no me puedo explicar y por supuesto, todo tipo de cosas bonitas. Mi mente nunca para de pensar, al fin y al cabo, la creatividad es un gran barullo de sentimientos que al final se van convirtiendo en una canción. ¿Quiénes han sido los músicos y compositores que han tenido una mayor influencia para ti? Supongo son que varios toques de un par de estilos musicales diferentes que me gustan... Desde Leonard Cohen, Joni Mitchell, Bob

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Dylan, Crosby Stills and Nash, Edith Piaf, Billie Holiday, and spans to Wilco, Belle and Sebastian, Carla Bruni, Feist y Emiliana Torrini. ¿Qué caracteriza tu música? Son canciones sencillas que cuentan una historia. Supongo que se podría denominar folk, pero todas mis influencias musicales están ahí reflejadas. Así que en mi música puedes escuchar un poco de todo, americana, jazz, etc. Has trabajado con numerosos artistas ¿tienes tu propia banda? Sí, he tenido una gran oportunidad en poder trabajar con un par de los mejores artistas israelíes e ir a grandes escenarios en una amplia variedad de lugares. En 2009 tuve mi propia banda que, a lo largo del tiempo ha tenido algunos cambios. En la actualidad, mi banda es ¡totalmente femenina! Está compuesta por dos chicas jóvenes increíbles con mucho talento: Shelly Levy y Rotem Frimer. Ellas estuvieron tocando juntas durante un par de años como Shelly & Rotem. Nos conocimos hace muy poquito, cuando buscaba algo diferente para mi antigua banda, las encontré a ellas y tuve un buen sentimiento para comenzar un proyecto nuevo y fresco. Has formado parte de la banda de música del Ejército de Israel y has estado con ellos de gira en numerosos conciertos y, además, has sido concursante en el programa de televisión La Voz en Israel. Háblanos de tu experiencia en ello. En Israel ir al Ejercito es obligatorio, tanto para chicos como para chicas. Después de que no pudiese hacer todo el “camino” para ser piloto de helicóptero, me fui a una audición para la banda de música del ejército y


Sivan Talmor actuarรก en el Festival Ellas Crean 5 de abril de 2016 Auditorio Conde Duque


me aceptaron. Fueron dos años y muchísimos conciertos por todo el país, en ocasiones hasta tres y cinco conciertos por día. Formábamos una banda completa, con baterista, bajista, guitarrista y yo misma que tocaba la guitarra acústica. Fueron tiempos de tocar sin parar y fue una experiencia increíble, eso me dio muchas “horas de vuelo” sobre el escenario. Más tarde, en 2012, participé en el programa de televisión La Voz de Israel, y en realidad fue una experiencia que llegó en buen momento porque yo ya había empezado mi carrera musical, tenía muy claro quién era y lo que quería y lo disfruté mucho. La verdad es que participar en este programa sirvió para darme un buen empujón que, finalmente, me llevo a publicar mi primer álbum, que estuvo durante dos años esperando salir a la luz en un segundo plano. Eso me hizo trabajar en mi música y no necesitar nada más aparte de eso. Luna Park fue tu primer trabajo y todo el álbum está cantado en hebreo, por el contrario, tu segundo álbum, FIRE, lo está sólo en inglés, ¿significa un cambio o un giro a tu carrera musical? Supongo que ha habido muchos cambios desde que salió el primer álbum. Ahora soy mucho más madura y no me escondo ni pido disculpas por todo lo que hago. He buscado mucho en mí misma durante todos estos años: mis puntos débiles o mis penas, porque las cosas simples me hacen sentir bien y estar satisfecha. Intenté escribir de nuevo en hebreo y ya tenía un par de canciones listas, pero sentía que no mostraban mi verdadero yo, era algo como si me ocultase tras una máscara, era como si no pudiese ser genuina y honesta escribiendo en hebreo. Al escribir las can-

ciones en inglés se me desataron los cables y me sentí libre para decir lo que quería, lo que sentía y pensaba, sin la necesidad de esconderme. Con la ayuda de Ori Winokur, decidí que la cosa más importante para mí hoy en día es que mi arte sea real y honesto. Si para mí es más fácil hacerlo en inglés que así sea. FIRE es un álbum muy emotivo, háblanos de este nuevo trabajo. Como ya he dicho, para mí es la primera vez que he sentido la necesidad de ser súper real, abierta, sin límites y temores, buscaba ser yo misma con la mayor pureza posible. La única cosa que realmente sé que puedo hacer bien en esta vida, es ser yo misma. Este mes de abril visitas Madrid para presentar tu nuevo trabajo en el festival Ellas Crean ¿Es la primera vez que tocas en España? ¡Así es, y mi primer concierto en el extranjero! He de admitir que estoy súper encantada y emocionada. Espero acordarme de un par de palabras en español que he aprendido para decirlas en el concierto (risas). ¿Qué sueños tienes para el futuro? Mi sueño es que mi música sirva para que la gente se encuentre así misma, que les ayude a recordar los recuerdos de su infancia, un inicio feliz, un dolor de corazón y luego un nuevo amor. Espero poder mantenerme siempre fiel a mi arte, de manera honesta y que eso sirva para que la gente haga de mi música algo suyo. Sivan, muchas gracias por dedicarnos tu tiempo, te damos la bienvenida a España y te deseamos muchos éxitos.

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MuseografĂ­as Editorial La Oficina del Arte VVAA Tapa dura - 215 x 320 mm - 152 pĂĄginas 57 ilustraciones en color y 47 B/N ISBN: 978-84-941270-8-3


| LIBROS |

Museografías Museografías es el título del libro que celebra los 25 años de la empresa EMPTY con un recorrido por 25 museos que han marcado la historia de la disciplina en España en ese tiempo decisivo. Como advierte su prólogo, este volumen, inédito en cuanto su objeto y ambición en España, no aspira a la objetividad: “Es preciso señalar que, a lo largo de todas las fases que conlleva su edición, se ha obrado sin concesiones, sin obligaciones, sin deudas ni servidumbres. No se ha buscado que la selección de textos o de ejemplos fuera coherente. Las fotografías no pretenden ser representativas de los detalles más relevantes bi del conjunto completo. Se ha descartado la idea de un contenido global, totalizador, jerárquico o enciclopédico. El número de ejemplos seleccionados no es ni inclusivo no excluyente, sólo es coincidente con los años de existencia de EMPTY”. Aunque la práctica de ordenar, mostrar e iluminar, ha existido siempre, ha variado con el tiempo y “la naturaleza dual de la museografía, en función de su extensión material, fruto de un diseño y de su dimensión narrativa, fruto de un discurso, ha dado pie a un inacabable y recurrente debate sobre cuál de los dos vectores debe prevalecer... un debate sin solución, aunque para quien se dedica a esto resulta enormemente interesante y enriquecedor”. Museografías reúne 25 museos con un hilo conductor: la fotografía, una sola mirada, un reportaje muy especial que refleja cada institución con un tratamiento diferente y particular. ¿Resultado? 25 museos y un libro honesto y sin pretensiones, cuya elaboración ha llevado tres años y en el que han colaborado con brillantes e ilustrativos ensayos, Juan José Lahuerta, Javier Arnaldo, Selina Blasco, Rocío Robles, Iker Seisdedos y Ángel González García, de quien se presenta su último escrito, publicado ya a título póstumo.

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LA IGLESIA DE LOS NUEVE FANTASMAS 128 - EMNMM


| EXTRAテ前 Y CURIOSO |

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_______ POR EMNMM | FOTOS: PIEFKE LABELLE

En la República Checa, en la región de Bohemia noroccidental, se encuentra la población de Luková. Este es un municipio poco conocido que cuenta con uno de los atractivos más curiosos y extraños del país, la Iglesia de San Jorge, más conocida como la Iglesia de los Nueve Fantasmas, un templo ruinoso habitado por fantasmales figuras blancas repartidas por toda la iglesia. La Iglesia de San Jorge de Luková es un edificio del siglo XIV que estuvo operativo hasta 1968, año en el que se cerró al culto tras venirse abajo parte de la techumbre del templo durante la celebración de un funeral. Este incidente no provocó daños personales de gravedad, pero sí las suspicacias en la población, que calificaron este incidente como un mal augurio, así que para evitar males mayores, decidieron cerrar la iglesia al culto. Obviamente, el derrumbe de una parte de la techumbre no estuvo provocado por el fantasma del difunto al que realizaban el funeral, como algunos habitantes del Luková aseguraban, fue provocado por algo más mundano, el mal estado del edificio que amenazaba ruina por los efectos del paso de los siglos.

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La iglesia no volvió abrir sus puertas hasta 2014, gracias a una curiosa iniciativa artística destinada a recaudar fondos para restaurar y recuperar el templo, ya que es uno, por no decir el único de los edificios históricos más importantes de este municipio. Para llevar a cabo esta iniciativa contaron con Jakub Hadrava, un estudiante de arte de la Universidad de Bohemia Occidental que saltó a los titulares de numerosos medios de comunicación de todo el mundo gracias su curiosa propuesta artística, una instalación con nueve figuras de yeso que, en palabras del propio artista, representan las almas de las personas desaparecidas que solían asistir a la iglesia. La Iglesia de los Nueve Fantasmas se ha convertido desde entonces en un inusual reclamo turístico. Desde que se instalaron las primeras esculturas, los visitantes han aumentado, así como el número de esculturas de yeso que se encuentran repartidas por toda la iglesia. Esto ha supuesto, además, una importante fuente de ingresos que servirán para poder restaurar el templo. De hecho ya se han podido llevar a cabo algunas obras de mejora y restauración, permitiendo el acceso al templo de forma segura a todos los visitantes que quieran vivir esta curiosa y fantasmal experiencia.

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| ESPACIOS Y PROPUESTAS |

LAS MUY PERRAS RESCATE ANIMAL

Todos los años, cuando, en febrero acaba la temporada de caza con galgo, miles de ellos son brutalmente asesinados o, en el mejor de los casos, abandonados. Esta lacra social que provoca el asco y la repugnancia de millones de españoles de buen corazón, se ve en cierta medida mitigada gracias a las acciones de personas altruistas que deciden dedicar su tiempo y esfuerzo en dar una vida digna a muchos de esos galgos que son “descartados” para la caza por cazadores sin escrúpulos, que tratan a estos nobles animales como meras herramientas.

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Rebeca Khamlichi y Mari Quiñonero son dos de esas personas de buen corazón que dedican mucho más que su tiempo para dar una vida digna a los galgos y otros cánidos maltratados. La idea surgió hace pocos meses, cuando decidieron abrir una cuenta en Instagram para presentar uno a uno a los galgos abandonados y maltratados, no para contar sus miserias, sino como una plataforma para poder presentar a cada uno de ellos y recaudar fondos para destinarlos íntegramente a las asociaciones APAP Alcalá y BAAS Galgo, dos asociaciones protectoras muy conocidas que llevan años luchando contra el maltrato y el abandono de animales. Lo que en un principio sólo iba ser una cuenta de Instagram, pasó a convertirse en un proyecto al que se han sumado infinidad de artistas y personajes, cediendo sus obras y objetos, y aportando así su granito de arena para ayudar a estos canes. Para ello se creó la web lasmuyperras.com en la que, a modo de escaparate, se van mostrando todas las obras de los artistas que participan en esta iniciativa. Los variados artículos se ofrecen a modo de recompensa en una campaña que estará abierta hasta el 1 de julio de 2016.

Las muy Perras es un generoso proyecto en el que mucha gente ha querido participar para cambiar de una vez por todas la vida de cientos de perros, así como la mentalidad de algunas personas que todavía hoy, en pleno siglo XXI, tratan al mejor amigo del hombre como al peor de sus enemigos. Toda la información de este proyecto, así como las formas para participar se encuentran detalladas en la página web www.lasmuyperras.com. Fotos: Ale Megale

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| COMER |

LA CANDELA RESTÒ Locura con sentido EMNMM - 139


_______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

Les conocimos hace años en la población madrileña de Valdemorillo. Unos inicios en los que hacerse un hueco en el panorama gastronómico de la capital era tan sólo un sueño. Samy Ali, Sión Calderón y Santiago Saiegh eran los artífices de un proyecto lleno de ilusión y futuro en el que todo estaba por inventar. Una propuesta fresca, divertida y diferente que sorprendió a muchos haciendo de esta casa un lugar de peregrinaje en busca de una fusión sin complejos. Y, claro, llegó el momento. La Candela Restò desembarca en la ciudad de Madrid. La lógica subida de precios, el aumento de la competencia y el ponerse en el punto de mira de críticos y aficionados no pudo con ellos. Muy al contrario. Su cocina se asienta ganando peso y madurez sin olvidar la alegre locura de sus inicios.

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UN CÉNTRICO LOCAL Y TRES MENÚS El local se encuentra situado en pleno centro, junto a la Plaza de la Ópera, y sigue esa línea moderna, minimalista y un poco hipster que ya nos llamó la atención en su primera ubicación. El servicio, cercano y siempre en su sitio, así como los tiempos entre los platos, son dos de las cosas que han mejorado con respecto al restaurante original. También la selección de vinos, con unas referencias muy interesantes y un maridaje ideal para una comida que es un festival de cambios. Así la sala se pone a la altura de unas recetas de mucho nivel. No tiene una carta propiamente dicha. Únicamente tres menús: el de seis pasos por 53 euros, el de nueve por 67 y el más largo, el de once que cuesta 79 euros. En todos los casos ajustadísimos precios para lo que aquí se ofrece. Comenzamos con un colorista aperitivo compuesto de varios bocados. Un snack de arroz y camarón a modo de moderna tortillita, el sabroso Bombón de manitas de cerdo con salsa hoisin y chile, un steak tartar absolutamente perfecto y una chispeante esferificación de leche de tigre con fondo frutal. Llega entonces el que será uno de los platos de la noche, el fantástico sunomo de conejo, en el que un escabeche pleno de matices deja con ganas de más. Vamos entonces con un guiso, el pollo con cigalas con un fondo que desvela un gran trabajo en los fogones.

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VICIOS ELÉCTRICOS Gustosa y original la gyosa de cordero con su curry amarillo y tzaziki. Sabores que se combinan con fluidez para que el paladar disfrute sin saturarse. Un poco de sandía osmotizada con flor eléctrica antes de pasar a otra de las recetas de la velada, el maravilloso capuccino de anguila ahumada. Elegancia y medidos contrastes. Viciosas mollejas de ternera con mole y morro acompañadas de un helado de panceta que, aunque excesivo para los sentidos, nos encanta. Es el momento de un pase compuesto por varias elaboraciones: un cóctel de lima y jengibre tan refrescante como el taboulé de tomate con guacamole y limón. Y finalmente un muy buen pulpo a la brasa con caldo de carne y torreznillos. La parte salada termina a lo grande con el anticucho de lomo de corzo con guarnición de dimsum de patata limeña, chucrut de apio, nabo, mojo miso y reducción de salsa de corzo con salsa teriyaki. Excelente la carne por punto, jugosidad y aderezo.

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LOS DULCES Y LOS VINOS Los postres mantienen el nivel con un delicado Pisco Sour con bizcocho de té matcha y con el tan original como logrado Tomate, tomillo, parmesano y albahaca. Dulces tan equilibrados que no cansan. Y una locura de petit four para paladares más golosos. En cuanto a los vinos, van pasando una serie de copas bien pensadas para acompañar cada alimento. Por orden de llegada: la deliciosa manzanilla Micaela; un muy correcto Malcorta; el estupendo Oloroso Micaela; una zinfandel de los californianos Mc Manis; el sorprendente moscatel Micaela; el siempre agradable 7 Fuentes; y un Carte D’Or Couteaux du Layon de Baumard ideal con los postres. Una experiencia divertida y profunda en la que todo tiene su sentido.

LA CANDELA RESTÒ C/ Amnistía 10 238013 Madrid Tlf. 91 173 98 88 www.lacandelaresto.com

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| AGENDA |

ARTE Y CULTURA

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– Alberto García-Alix (Hasta el 10 de abril. Tabacalera) – Arte en el cómic (Hasta el 15 de mayo. Fundación Telefónica) – El Bosco en el Real Monasterio del Escorial (Hasta el 30 de noviembre. Monasterio de El Escorial) – Danubio (Hasta el 31 de mayo. Círculo de Bellas Artes) – Enrique Simonet (Hasta el de de abril. Museo del Prado) – Miguel de Cervantes (Hasta el 22 de mayo. Biblioteca Nacional) – Cine de misterio (Hasta el 14 de mayo. Fundación Juan March) – Cleopatra y la fascinación de Egipto (Hasta el 8 de mayo. Centro Arte Canal) – Esperar. Andy Goldsworthy (Hasta el 21 de mayo. Slowtrack) – Gómez de la Serna (Hasta el 30 de mayo. Museo de Arte Contemporáneo) – Looking at the world around you (Hasta el 19 de junio. Fundación Banco de Santander) – Once de marzo (Hasta el 22 de mayo. Museo Nacional de Antropología) – Pablo Valbuena (Hasta el 22 de mayo. Espacio Fundación Telefónica) – Tierra adentro (Hasta el 30 de junio. Museo Sorolla) – El Siglo de Caravaggio (Hasta el 31 de agosto. Palacio Real de Madrid) – Superhéroes con Ñ (Hasta el 12 de junio. Museo ABC) – Ulises Carrión (Hasta el 10 de octubre. Museo Reina Sofía) – Wyeth. Andrew y Jaimie en el taller (Hasta el 19 de junio. Museo Thyssen-Bornemisza) MÚSICA ________________________________________ – – – – – – – – –

Alberto Cortez (27 de abril. Teatro Nuevo Apolo) Anaut (23 de abril. Joy Eslava) Anastacia (9 de abril. Palacio Municipal de Congresos) The Bellrays (6 de abril. El Sol) Coque Malla (8 de abril. Joy Eslava) Cuab Soul (15 de abril. Tempo Club) Fangoria (4 y 5 de abril. Teatro Barceló) Ludovico Einaudi (16 de abril. Teatro Real) Macklemore & Ryan Lewis (1 de abril Barclaycard Center)

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Marcus Miller (12 de abril. Teatro Nuevo Apolo) NajwaJean (14 de abril. Sala But) Sam Outlaw (16 de abril. Sala Boite) Scott Bradlee´s Postmodern Jukebox (13 de abril. Sala But) Shirley Davis & The Silverbacks (9 de abril. Sala Arena) Silvan Talmor (5 de abril. Conde Duque) Silvio Rodríguez (27 de abril. Barclaycard Center) The Steepwater (14 de abril. El Sol) Yelo (8 de abril. Moondance)

ESCENA ________________________________________ – Cabaret (Hasta el 5 de junio. Teatro Rialto) – El Crédito (Hasta el 30 de abril. Teatro Maravillas) – El Coleccionista (Hasta el 26 de abril. Sala Off Teatro Lara) – La distancia (Hasta el 10 de abril. Teatros luchana) – Equus (Hasta el 19 de junio. Teatro Arte&Desmayo) – Juana, reina de Castilla (Del 30 de abril al 5 de junio. Teatro de la Abadía) – Muñeca de porcelana (Hasta el 10 de abril. Matadero Madrid) – Nada que perder (Hasta el 21 de mayo. Sala Cuarta Pared) – En el oscuro corazón del bosque (Hasta el 17 abril. Matadero Madrid) – Penal de Ocaña (Hasta el 20 de abril. Teatro de la Abadía) – La Plaza del Diamante (Hasta el 17 de abril. Teatro Bellas Artes) – El Prisionero (Del 4 al 24 de abril. Teatros del Canal) – Una puta mierda (Hasta el 14 de abril. Teatro Lara) – Salomé (Hasta el 3 abril. Teatro Fernán-Gómez) – Sólo son mujeres (Hasta el 17 de mayo. Teatro de la Abadía) – Yerma (Hasta el 30 de abril. Off del Teatro Lara) EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – Holi Run Madrid (10 de abril. Parque de Valdebebas) – MadrEAT (16 y 17 de abril. Recinto Ferial Casa de Campo) – Madrid Beauty Days (del 22 al 24 de abril. IFEMA) – Salón Gourmets 2016 (Del 4 al 7 de abril. IFEMA)


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2016. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 44 Abril 2016

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