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Índice:  Introducción  Análisis de los lenguajes artísticos. 1ºcuatrimestre: No puedo vivir sin el arte. Monstruos sublimes. Vanguardia y kitsch. 2º cuatrimestre: diseño industrial-el fórmula 1. Juanjo guarnido: trayectoria de un dibujante. Diseño grafico. El cartel.  Artículos.  El taller del artista  Enlaces de interés  bibliografía

Introducción: Mi nombre es Andrés García Escribano y a partir de hoy os dejare en este espacio de manera diaria una muestra de algunos de los trabajos que he ido realizando a lo largo de mi caótica vida. También recomendare exposiciones o lugares de interés de forma que todos podáis disfrutar de ellas, así como un escrito de las mismas para que tengáis otro punto de vista en cuanto a crítica u análisis se refiere En 1879 don Marcelino S. de Santuola, dio a conocer las pinturas de la cueva de Altamira (Santillana de Mar, Santander). El descubrimiento fue importantísimo. Demostraba que el hombre prehistórico había realizado obras de arte, hasta entonces desconocidas, en el interior de las cavernas. Pasado un tiempo, en 1907, Juan Cabré publicó unas pinturas de ciervos (halladas en la Roca de los Moros de Calapatá, Teruel) de un estilo diferente al de la cueva de Altamira: se había descubierto otro estilo de arte rupestre: el levantino. Posteriormente se han realizado numerosos hallazgos y los investigadores han podido conocer mejor el arte rupestre y determinar, para la Península Ibérica, tres estilos principales: el Arte Paleolítico, el Arte Levantino y el Arte Esquemático.


Pero las pinturas y grabados sobre las paredes de las cuevas y abrigos no fueron la única expresión artística de la Prehistoria. También se realizó pintura sobre cantos rodados, escultura, cerámicas decoradas, objetos ornamentales etc.

Arte antiguo o Arte de la Antigüedad es el arte de la Edad Antigua. La historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual. Su delimitación cronológica va desde el comienzo de la Historia (aproximadamente el IV milenio a. C. en Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída del Imperio romano de Occidente (siglo V). La extensión geográfica del desarrollo de las primeras civilizaciones –definidas por la aparición de la escritura y el poder político y religioso– impone dónde pueden localizarse (civilizaciones mediterráneas, de la India, de Extremo Oriente, de América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en cada una de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria), que determinaría que su producción artística fuese objeto de la historia del arte prehistórico; aunque realmente la metodología para su estudio es en gran parte común, hay una diferencia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las fuentes escritas para los periodos históricos. Este recurso es insustituible, puesto que no sólo permite la identificación en su caso de los autores o patrocinadores de la obra artística y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que posibilita la interpretación del Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos del pensamiento, sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una lectura del arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología dominante en épocas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la Edad Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual. Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremoorientales y americanas no experimentaron la marcada discontinuidad que el arte occidental presenta entre el arte antiguo y el arte medieval; con lo que éste último concepto no suele aplicarse a estas civilizaciones. También existe un concepto comercial y coleccionista del Arte antiguo, entendido como antigüedades; es decir, como el término usado para englobar todo tipo de objetos artísticos que no se consideran Arte moderno, pertenezcan a la Edad Antigua o a periodos posteriores (arte medieval, arte de la Edad Moderna e incluso buena parte del arte contemporáneo si este no se entiende sólo como el más actual sino como todo el arte de la Edad Contemporánea desde mediados del siglo XVIII-). 33.000 años después la necesidad del ser humano ha evolucionado hacia otros aspectos más enrevesados en cuanto a la funcionalidad de la obra de arte se refiere.


Análisis de los lenguajes artísticos: Primer cuatrimestre:

No puedo vivir sin el arte

Se trata de una entrevista que Leticia Fernández realiza al actual director del museo del MET. En ella se realizan varias preguntas para intentar conocer la opinión del entrevistado, respecto a diversos temas. La opinión de Philippe de Montebello se deja entrever en el texto, para él la contemplación del arte es parte de un todo. No puede vivir sin ese disfrute, ¨ son parte de nuestra vida y nos permite elevarnos sobre todo lo que hay alrededor¨. Seguidamente, hace una análisis de la complejidad del museo.las exposiciones forman parte de museo, estas nacieron antes que los mimos museos. Las obras de arte, no tienen que presentarse a partir de colecciones permanentes, es decir, pueden ser un conjunto de obras seleccionadas en un momento concreto. Las colecciones son importantes, el poder ver obras maestras de nuevo es un gozo, ya que las obras de arte necesitan de una mirada serena y de un determinado espacio de tiempo para apreciarlas. Aunque también le gustan las exposiciones porque le permiten ver cosas en un contexto muy diferente. Como director del Metropolitan le gusta ampliar las colecciones para mejorarlas, ampliarlas, y para presentar mejor el arte de todo el mundo, que es el papel del MET. A esta altura de la entrevista Lucia Fernández le plantea la siguiente pregunta: ¿cree que el arte puede sobrevivir tal y como está atravesado por el mercado? ¨ va a sobrevivir siempre ha sobrevivido. El artista debe comer como todos y la obra de arte es el fruto de su trabajo, el cual vende¨ .para mí el mercado es el sistema normal para cambiar las cosas de sitio. No es un problema si los precios son muy elevados, cambiaran, pero la creatividad nunca va a sufrir por ello.


Sobre su opinión acerca del arte de hoy en día, nos comenta, que hay artistas buenos por que en todas las épocas los hay, pero no tienen por qué ser reconocidos. Es necesario un periodo largo de tiempo para juzgar estas cosas. Para Philippe de Montebello toda experiencia artística requiere tiempo, paciencia y un cierto nivel cultural, sino no, no se puede gozar de estas obras porque no se entienden. Además apoya la idea de que hay que intervenir sin sustituir la experiencia directa, pero en muchos casos esa experiencia no es posible si no hay cierto conocimiento, una trama crítica atreves de la cual se pueda penetrar en la obra de arte. Es decir si tienes datos, referencias históricas, y culturales, es más fácil apreciar la obra en su totalidad, sin perder tiempo en investigar esos datos. Finalizando la entrevista Lucia Fernández hace la siguiente pregunta ¿puede el arte cambiar la sociedad?¨aportar cosas si, cambiarlas no estoy seguro. Conozco a muchas personas que gozan de arte y sin embargo, no tiene moral, no es una cuestión de virtud¨. Para Philippe la honradez, la autenticidad, y la búsqueda de la excelencia, son los valores que deben regir una institución, haciéndolo siempre de la mejor manera que se pueda, y trabajar para mejorar las cosas. Todas las decisiones que ha tomado han sido basándose en el arte, que es en esencia lo importante en un museo. Para él, compartir todo lo maravilloso del arte con otras personas ha sido el condicionante que lo ha llevado a este camino, y no perder nunca los ideales y los valores que nos mueven aunque a veces se nos olviden.

Monstruos sublimes El texto de Ángel Mollá, hace un análisis acerca del peso que ha tenido, la tendencia del gusto por lo oscuro, lo grotesco, lo satánico, a partir del siglo XVIII y lo hace de forma magistral valiéndose de citas y análisis de varios autores. Para empezar diremos que Eugenio trías enfatizo en la conexión entre las categorías de lo sublime en Kant, y lo siniestro en schelling, e insistió en el carácter radical y limítrofe, de tales conceptos. En lo bello y en lo siniestro, según trias el análisis de Kant de lo sublime, pone de manifiesto un goce estético más allá del principio formal, al que queda restringido el concepto tradicional de lo bello. Esta experiencia de lo sublime encontraba su grandeza no ya en la mezcla de placer y dolor, si no para ambos, en la infinita violencia simbólica, que entrañaba la ¨presencia larvada de la muerte¨ Este gusto por lo siniestro, lo oscuro, define ala perfección lo que se ha dado en llamar según Harold Bloom, edad de la sensibilidad o lo sensible. El pacto diabólico, el tema moderno por excelencia guardaba ya cierta relación con la mitología y el paisaje clásicos, con el mundo moderno medieval, con todos sus conceptos de magias, alquimias, brujas, etc.


Para la modernidad, para los románticos, fue Milton quien otorgo a la figura de Satanás la fascinación del rebelde indómito, que poseían malvados, sublimes modernos y algunos héroes clásicos, así la energía y la libertad satánicas, adquieren una dimensión ejemplar que sus descendientes vitalistas humanizan, según Bloom. Milton no distingue entre espíritu y energía que según Bloom incorpora también el sentido de la muerte. Es de interés constatar que los románticos se acercaron al punto de vista de Blake, el propio Schiller en una alusión a su drama ¨los bandidos¨ explica el proceso siguiente de simpatía con el diablo. Kant no tarda en replicar este supuesto, apoyándose en que la ¨majestad de la ley moral¨ inspira reverencia y respeto y no confianza ni gracia; y concluye su argumentación con la siguiente alegoría :(solo tras haber dominado a los monstruos, Hércules llega a ser conductor de musas, pero schiller arroja una mayor sombra de duda acerca del carácter conciliador que la facultad del juicio estético adopta, en el sistema critico kantiano, entre la facultad de conocer y de desear. Tras varias publicaciones schiller va más lejos y propone que la energía y el riesgo son estéticamente mas sublimes.la idea de esta suposición reside en que en los juicios estéticos estamos interesados ¨no en la moralidad, si no únicamente en la libertad¨ De este modo la libertad estética no solo incluye la posibilidad de ¨deleitarse con el mal¨, si no que tiene en tal virtualidad, un plano muy fuerte. En definitiva el texto hace un análisis profundo del lado más oscuro y terrorífico del ser humano, y reafirma la explicación de dicho concepto relacionándolo con citas de distintos artistas, pensadores y maestros. Afianzando la idea de que, no tan solo los conceptos de lo bello y lo atractivo revuelven el interior del hombre, si no también otros aspectos más oscuros como la muerte el miedo o lo repulsivo.

VANGUARDIA KITSCH: El texto de C Greenberg, titulado vanguardia y kitsch, comienza con un análisis acerca de los factores que dieron lugar al surgimiento de la vanguardia. Una parte de la sociedad burguesa occidental, (al esforzarse por superar el alejandrismo) produjo algo desconocido anteriormente: la cultura de vanguardia. Los pobladores de la bohemia, (entonces idénticos a la vanguardia) adoptaron una actitud desinteresada hacia la política. Tuvieron que aceptar el concepto de burgués, para darse cuenta de que ellos no lo eran. Se afirmaron agresivamente contra los valores


prevalecientes en la sociedad, aunque eso supusiese pasar hambre. Pero en cuanto la vanguardia consiguió separarse de la sociedad, se dedujo, que la verdadera y más importante función de la vanguardia no era experimentar, si no encontrar un camino a lo largo del cual fuese posible mantener en movimiento la cultura en medio de la confusión ideológica y violenta que es viva en el momento. El artista de vanguardia, busca mantener alto el nivel de su arte, llevándolo a un terreno en donde la obra habla por sí sola, elevando la expresión a un absoluto, en donde se resuelven o marginan todas sus relatividades y contradicciones. Es decir, el artista de vanguardia intenta crear algo que sea válido por si mismo del mismo modo que es estéticamente bello un paisaje. Por ejemplo, lo abstracto, si ha de tener una validez estética, no puede ser arbitrario ni accidental, sino que debe surgir de la obediencia o de alguna restricción, o de la experiencia con el propio medio. Ninguna cultura se puede desarrollar sin una base social sin una fuente de ingresos estables, esos ingresos los proporciona una elite dentro de la clase dirigente de esta sociedad de la que se suponía ¨apartada¨ (aunque siempre ha ido unida a ella).Aunque todo cambia, y esta empieza a sentirse insegura del publico del que depende. Ricos y cultos

Simultáneo a la vanguardia tuvo lugar la aparición de otro grande fenómeno cultural el kitsch, un tipo de arte popular y comercial que se manifiesta de las formas más dispares: películas comic, revistas, etc. El kitsch es un producto de la revolución industrial, que estableció el alfabetismo universal. Con la introducción de este alfabetismo universal, la capacidad de leer y escribir se convierte en una habilidad menor, y dejo de usarse para distinguir las inclinaciones culturales del individuo. Así los emigrantes rurales que inundaban las ciudades empezaban a demandar algún tipo de distracción; la cual, solo un tipo de cultura puede proporcionar De este modo el kitsch, que utiliza degradados de la propia cultura, empezó a vislumbrar una magnifica fuente de ingresos. Ingresos que s consiguen a medida que se venden cada vez mas obras mecánicas. La condición previa del kitsch es la accesibilidad a una tradición cultural plenamente madura, de la cual se sirve aprovechándola para sus propios fines. Como se produce mecánicamente, ha pasado a formar parte de nuestro sistema productivo.


El kitsch se ha extendido a todos los lugares y esta tan inmerso en nuestra sociedad, que la propia sociedad depende de sus obras, y por consiguiente las demanda. A título personal me decanto un poco más por la vanguardia ya que para mí el kitsch me parece frio sobrio y evidente (teniendo sin duda otras virtudes). La gente los demanda por su contenido erótico o de parecidos con el natural, o de representaciones de caras muy conocidas en el mundo del cine y del espectáculo (Jeef Kooms) y quizá también porque es un tipo de arte ¨fácil¨ en el que no hay que interpretar grandes interacciones de formas, colores o espacios, o la creación de mundos estéticos que tengan un carácter tan formal como su propia materia, y que se desenvuelvan perfectamente en su contexto. Es decir, un cuadro constructivista o abstracto en donde la funcionalidad de la obra es palpable, en donde la interacción del color es magnífica, donde se crean espacios para el recreo físico y Psicológico, me resulta más atractivo, que la exuberante chica de un almanaque, o una figurita de Michael Jackson.

Jeff Koons, the New Patron Saint of Easter! Sunday, April 12, 2009


Jeff kooms “Michael Jackson and bubbles� (1988), porcelain/ceramic blend 42x70.5x32.5 inches


Segundo cuatrimestre:

14 kilómetros

Dirección y guión: Gerardo Olivares

País: España. Año: 2007 Duración: 95 min Género: Drama Interpretación: Adoum Moussa, Iliassou Mahamadou Alzouma, Aminata Kanta. Producción: José María Morales Música: Santi Vega Fotografía: Alberto Moro Montaje: Raquel Torres


De la mano de tres jóvenes africanos -Violeta, Buba y Mukelarecorreremos un largo y peligroso viaje a través del Sahara para conocer lo que nunca enseñan los medios de comunicación. Las repetidas imágenes en televisión de cayucos llegando a las costas de Canarias han acabado por insensibilizarnos ante un drama que solo muestra la punta del iceberg. Esas imágenes de rostros exhaustos dan buena fe de la dureza del viaje, un viaje que tiene su origen a miles de kilómetros de distancia y que puede durar años. Y esto es lo que pretende “14 kilómetros”. Esta película quiere ser un homenaje a los que triunfaron y a los que fracasaron, a los que viven y a los que murieron en el empeño. Con la película, Gerardo Olivares ha ganado la Espiga de Oro de la 52 Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). El cineasta Gerardo Olivares muestra en "14 kilómetros" lo que no suele verse en los telediarios sobre la inmigración africana. "Es habitual ver la llegada de los cayucos, que supone el tramo final, o el final de la propia vida, porque de cada tres cayucos uno se hunde antes de llegar a las costas españolas. Sin embargo, los medios no cuentan el aterrador viaje previo hasta recorrer estos catorce kilómetros que separan África de Europa" Olivares combina documento y ficción en la historia de tres jóvenes africanos, una mujer que huye de la transacción matrimonial a que quiere someterla su familia y dos hermanos varones, uno de los cuales destaca con el balón. Convencido por su hermano de que en Europa puede convertirse en figura balompédia inician su viaje hacia el infierno. La corrupción policial, los tortuosos y sórdidos caminos hasta llegar a Marruecos, así como el negocio de traficantes sin escrúpulos, conforman un entramado que Gerardo Olivares recrea en los lugares donde acontece. La película cuenta con un discreto equipo de cinco personas, aparte de los tres, digamos "actores". Un tuareg, que ayuda a los protagonistas en su travesía por el directo, les lanza una amistosa advertencia: "Valdría más que emplearais vuestro esfuerzo y vuestro dinero en crear un negocio. El futuro está aquí en África". Filmografía del autor:            

La Ruta de las Córdobas(1992) La Ruta de los Exploradores(1994) La Ruta de Samarkanda(1997) Herederos de Gengis Kan(2000) Fantasmas de Sulawesi(2000) Hijos del Jaguar(2000) Tibet, Libertad en el exilio (2002) El Desierto de los Esqueletos (2001) Bajo la sombra de los Annapurnas(2003) Mekong, el río de los nueve Dragones(2001) Moradores del Himalaya (1999) Una nube sobre Bhopal (2001)


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Herederos de la tierra (2002) (miniserie) El hambre en el mundo explicada a mi hijo (2002) Caravana (2004) El Tercer Planeta (Director de rodaje) Ultimos Paraísos (Director de rodaje) Supervivientes del Planeta (Director de rodaje) La Gran final (2006) 14 kilómetros (2007) Somalia, un mundo aparte (2007) Cazadores (2007) Bazares de Oriente (2007) Entrelobos (en producción)

A titulo personal lo que más me impacto de esta película es la escena en que se tumban debajo de las acacias por que llevan mucho tiempo andando en círculo y están prácticamente desfallecidos por el sol del desierto, y el hermano de buba (mukela) el cual lo animo a emprender el viaje muere deshidratado. Unos tuareg que pasan por allí los recogen, dan entierro a mukela, y llevan a violeta y buba a su campamento para que se recuperen.


Diseño industrial. El formula1

Dentro del diseño industrial existen varias fases o procesos a tener en cuenta para entender los distintos tipos de diseño que pueden realizarse de un mismo prototipo. DISEÑO DEL CONCEPTO Análisis y creatividad. · Histórico y tendencias. · Bocetos. consiste en hacer una serie de estudios previos mediante bocetos graficos y digitales que configuren una idea de la posible forma final de nuestro obejeto. Aquí se estuian las dimensiones el diseño la forma el color peso aprosimado maniobrabilidad del vehiculo etc.


Estudio de la carroceria de un f1

Estudio de la carroceria de un f1 y primeros analisis de piezas.


Carroceria de un f1. Estudio de la forma.


Estudio de la carrocerテュa de un f1 en formato digital. DISEテ前 DE DETALLE Desarrollo alternativa elegida. ツキ Planos de conjunto y despiece.


OFICÍNA TÉCNICA E INGIENERÍA DE PRODUCTO Posibilita el paso a la producción. · Procesos de cálculo y simulación. · Planos de fabricación. · Prototipado funcional. · Ensayos. La computadora CAD/CAM ayudó a que el diseño ha reemplazado la tabla de dibujo típica en el diseño de F1 durante los últimos 5 años. Casi todas las partes del auto, incluso el motor, se diseñan en software de PAN. La ventaja principal de PAN encima de una hoja de papel es que el objeto puede ser dado por el software en 3D y lo hace mucho más fácil para los diseñadores ver cómo las partes encajan juntos. Los programas complejos como el CATIA que diseñan el software pueden crear partes grandes hechas de muchos componentes pequeños. El software PAN puede unirse a FEA (Análisis del Elemento Finito) el software que puede calcular la tensión y figura de tensión en cada parte del componente, con grados variantes de tensión pintada con varios colores. Esto les permite a los diseñadores que vean las áreas bajo las que existe la mayoría de tensión y rediseñar el componente para remitir las tensiones altas a otras áreas.


Computador corriendo el software CATIA CAD Usando FEA, se analizarán partes del cuerpo usando CFD (Dinámica Fluida Computarizada) software que predice cómo los flujos de aire se comportarán alrededor de la parte. Este tipo de software se usa paralelo con el túnel del viento para evaluar la eficacia de las partes aerodinámicas como alerones delanteros, arreglos etc. El software de CFD da un cuadro de cómo el flujo de aire se mueve encima del auto, y los diseñadores pueden acostumbrarse a ver cómo pueden dirigir más aire, por ejemplo, al alerón trasero. El trabajo de túnel de viento puede proporcionar sólo los datos en bruto. Otra ventaja de una computadora basada en el sistema de diseño es que los componentes diseñados pueden enviarse electrónicamente al LEVA (Fabrica de Computadoras para Ayuda) sección donde puede ser directamente manejada por el equipo de LEVA. Esto elimina la necesidad por sección industrial de interpretar el diseño y por mano entrar en las co-ordenadas del componente de la herramienta, reduciendo tiempos y " errores industriales. FUNCION DEL TÚNEL DE VIENTO A las altas velocidades alcanzadas en F1 hoy, una de las áreas del plano principal del auto es la aerodinámica. La aerodinámica del auto puede gobernar tales variables como velocidad del término, asimiento, sensibilidad del diapasón entre otros, y éstos pueden efectuar otros parámetros como consumo de combustible, carga de los neumáticos etc. es usual para los equipos más grandes gastar 12,000 horas en un túnel del viento durante el diseño inicial del auto. (Esto no incluye el tiempo gastado depurando el auto a lo largo de la temporada.) Producir partes totales a escala para probar el túnel también estaría el tiempo que se consume, para que los equipos produzcan a modelos a escala, y así, se perfeccione cada detalle. Los modelos a escala exactos varían según el equipo; para McLaren tienen un 40% túnel, Ferrari ha construido una escala media recientemente. Si el modelo es demasiado grande, los flujos de aire serán perturbados por los lados del propio túnel, estas interacciones se llaman factores de bloqueo y distraerán los resultados de las verdaderas lecturas. Los equipos más pequeños alquilarán un túnel, Stewart igualan usado el túnel Veloz en California para el desarrollo de sus autos. Los modelos normalmente se construyen de fibra de carbono con ataduras de aluminio como alerones y suspensión. Los modelos necesitan ser fuertes, de túnel de viento obliga a hacer grandes esfuerzos en los componentes


aerodinámicos, y dobla las partes que alterarían drásticamente los datos adquiridos. Los equipos construyen alrededor de 3 o 4 modelos reales, con varias partes que se alteran durante su desarrollo. Hay un gran artículo en túneles del viento escritos por William Toet, BAR aerodynamicist, en la revista RACING MAGAZINE de Diciembre REINO UNIDO de F1 FIBRA DE CARBONO Desde que John Barnard usó primero una fibra de carbono en el chasis McLaren MP4/1 en 1981, ha sido el único método para construir autos de F1. Se desarrolló inicialmente para el uso en la industria aerospacial pero el aluminio fue reemplazado debido a su dureza, fuerza y bajo peso. La Fibra de carbono comenzó como un rollo de tela de carbono (£25 o $35 por metro cuadrado) el cual fue colocado por capas en un molde del componente del que estaba hecho. Un simple ítem como el conducto del freno tendría aproximadamente tres capas de espesor, aunque un chasis tendría aproximadamente cinco capas, después una capa, y luego otras cinco capas. Ahora puede ver por qué la producción del chasis es tan costosa... Las capas de fibra se calientan por medio de un secador o el equivalente a pegarlo al molde, éste es ' el cooked' en un autoclave a aproximadamente 350 grados en 8 barras de presión (la presión interior ' succiona la fibra al molde mientras endurece) durante un par de horas. Después de que el autoclave ha completado su presión / ciclo de calor, el componente se retira de su molde, y se ajusta en el auto. La otra ventaja de dureza y bajo peso es que pueden elaborarse formas muy pequeñas. Sería muy difícil trabajar aluminio en algunas de las formas requeridas para los componentes de F1. El lado inferiores muy costoso, y una vez se elabora una parte no se puede alterar. El Aluminio puede pegarse nuevamente en la forma inicial después de un accidente menor, mientras que los daños en las partes de fibra de carbono son normalmente desechadas. Para una explicación más detallada de los procesos involucrados al producir un chasis de F1 vea la página del chasis. MECANISMO La demanda para la fiabilidad y eficacia de las partes móviles en autos de F1 ha dictado la necesidad de tolerancias sumamente pequeñas entre los materiales fabricados. Los funcionamientos interiores de una caja de velocidades no pueden ser por ejemplo un milímetro perfecto, pero se requiere mucha más exactitud que un mm. Imagine medir la longitud de pelo humano 75 veces. Cada cuerda resultante sería 0.001mm (o una micra) espeso. Las partes interiores de un auto de F1 normalmente funcionan a una tolerancia de 2


micras, y por esta razón, el proceso industrial debe controlarse cuidadosamente. Frecuentemente se usan máquinas grandes como Yamazaki Mazak en F1. Todas estas máquinas están basadas en el principio de CNC (Control Numérico de la Computadora). Esto significa que pueden producirse varias partes que usan un programa que está cargado en la máquina por sus operadores una y otra vez. PRUEBAS DE CHOQUE Los autos están sujetos a varias pruebas para asegurar que los autos son muy buenos y absorbentes para prevenir lesiones considerables del piloto durante un accidente. Así como son físicamente fuertes, los autos también deben tener ciertas áreas que absorben impactos para disipar tanta energía como sea posible para no causar daño al piloto. El chasis debe pasar un gran número de ' estática torciendo, aplastando y pasando pruebas de impacto laterales que pueda permitirle correr. Un chasis sufre en cada prueba, debe estar sujeto a muchas pruebas. El chasis de la carrera debe pesar dentro del uno por ciento del peso del chasis para demostrar que tienen la misma carga y características productivas como el chasis.

Test estatico del chasis

Prueba de choque dinamico

La nariz está sujeta a pruebas dinámicas, con las que el chasis se mueve en lugar de tener una carga simple aplicada a él para una cierta longitud de tiempo. La nariz debe deformarse de manera que prevenga el daño del chasis, y tampoco debe disminuir la velocidad del auto sobre una cierta proporción. Esto asegura que toda la energía esté absorta por el auto y no por el piloto que podría causar lesiones interiores. Estas pruebas tienen lugar en un vehículo que corre a 15 metros por segundo aproximadamente, impulsado por cordones. Una vez el chasis se ha juzgado por FIA, el chasis individual se ajusta con tres transmisores dentro de la cabina del piloto. Éstos pueden ser recogidos por una computadora en la pista, para que los jueces sepan inmediatamente que el auto es legal. PINTURA Como los autos de F1 se ven primero en TELEVISIÓN, los patrocinadores insisten en diseños de color inteligentes que con precisión promueven su marca. Como en todo en el mundo de Fórmula Uno, el peso es una consideración se usa la pintura acrílica de polyethene, por su peso liviano y las propiedades de durabilidad. La pintura del auto entero pesa sólo 2 Kg. Los autos se despojan de fibra de carbono cada dos o tres GP por una solución


especial que disuelve la pintura. Esto lo hace mucho más rápido que el recubierto seco del auto, y la solución no daña el acabado del carbono como la haria el papel de lija. En el proceso de creación de un formula 1 diseño, potencia y seguridad van cogidos de la mano.la rivalidad entre las grandes marcas llegaron a ser tales que hace unos años un mecánico de Ferrari fue inhabilitado por pasar información a Maclaren la marca que compite con Ferrari por los pódium en la fórmula 1, ya que estaba proporcionando información acerca de todos los avance que hacían los ingenieros de ferrari.

Juanjo guarnido: trayectoria de un dibujante La exposición de Juanjo guarnido que tiene lugar El Jueves 25 de marzo en el hospital real supone un arranque de un nuevo proyecto del centro de cultura contemporánea de la universidad de granada, en el cual se acercaran al publico los más destacados creadores que se han formado en la aulas de nuestra universidad y que han alcanzado un relevante reconocimiento a nivel nacional e internacianonal.

50 originales dibujados por el creador granadino, 45 de ellos pertenecientes a los tres primeros álbumes de su reconocida serie Blacksad y, como primicia, la presentación de 15 páginas de su próximo álbum, Blacksad 4: L’enfer, le silence, que será editado en los próximos meses por la editorial francesa Dargaud. La exposición se completa con numerosas ilustraciones, portadas, bocetos, pruebas de color y merchandising. Lo mas impresionante de las exposición sin duda fueron(a titulo personal ) las portadas de los 10 tomos de voyageur, así como los magistrales bocetos. No menos potentes eran sus acuarelas y acrílicos que dejaron asombrados a los asistentes a la inauguración. La calidad de la obra de Juanjo es apabullante. El éxito de los dos primeros días dejó boquiabierto a todo el mundo: Más de 400 personas en la inauguración y 160 en la charla, con gente de pie y sentada en el suelo… Además de la calidad de los contertulios: Prado, Munuera,…, una gozada. Y por supuesto los protagonistas Juanjo y Juan, que hicieron una velada de lo más amena. A titulo personal me gustaría decir que guarnido es uno de mis dibujantes favoritos, sigo casi todas sus publicaciones. Blacksad.un lugar entre sombrasdargaud. Blacksad alma roja.-dargaud Blacksadartic-nation.-dargaud


Brujeando. ¡Se acabo la magia¡. Brujeando. ¡Hágase la luz¡ Como se hizo Blacksad –daugaud. Este personaje nace en granada en 1976, y tras una trayectoria de dibujo envidiable, creo a Blacksad, que desde el primer número se convierte en la historieta española de mayor éxito comercial en la historia del mercado francófono, es traducida a dieciocho idiomas, entre ellos el japonés, el ingles y el griego. Actualmente está trabajando en la publicación del curto álbum de la serie Blacksad. Esta es una de las tres viñetas que expuso del tomo IV: el infierno, el silencio.297x420 mm

También cabe destacar de este maestro del comic que tiene una visión de la anatomía magistral junto a un vestuario increíblemente trabajado. Su dominio del dibujo la acuarela y el gouache es espectacular


Diseño grafico. El cartel: En alguna ocasión nos hemos visto en la necesidad de comunicarnos utilizando la técnica de cartel o poster. En la actualidad se ha convertido en una de las modalidades más explotadas en Congresos, cursos y seminarios, para compartir resultados de investigaciones, experiencias,... A continuación se exponen algunas consideraciones que hemos de tener presentes en el diseño de carteles. El atractivo visual y la fuerza emotiva de un buen cartel, hacen de él una forma eficaz para comunicar mensajes a las personas, a un grupo, a una institución,... por esta razón el cartel ha pasado a ocupar, en los medios de comunicación, un importante lugar. Ha sido empleado en la política, en el comercio, en la industria, en la educación y la salud; por tal motivo es importante que se aprovechen todas sus posibilidades y se alcancen los efectos previstos al planearlo, realizarlo y difundirlo. Conscientes de que el cartel es un valioso recurso para propiciar la formación de conductas positivas, ponemos a su disposición esta información en la que analizaremos las características de los elementos que integran este medio, así como las normas para su elaboración. El contenido de este documento está integrado con fines didácticos, de tal manera que las personas que necesiten emplearlo en campañas para la difusión de eventos, dispongan de información práctica para su elaboración. Definición del cartel. Es un material gráfico que transmite un mensaje, está integrado en una unidad estética formada por imágenes que causan impacto y por textos breves. Ha sido definido por algunos estudiosos como "un grito en la pared", que atrapa la atención y obliga a percibir un mensaje. También puede definirse como un susurro que, ligado fuertemente a las motivaciones e intereses del individuo, penetra en su conciencia y le induce a adoptar la conducta sugerida por el cartel. En conclusión, es un material gráfico, cuya función es lanzar un mensaje al espectador con el propósito de que éste lo capte, lo recuerde y actúe en forma concordante a lo sugerido por el propio cartel. Tipos de cartel Existen dos tipos: los informativos y los formativos. El cartel informativo. es el que está planeado para comunicar eventos, conferencias, cursos, reuniones sociales, espectáculos, etc. Este tipo de carteles puede ser presentado sólo con texto, para lo cual se recomienda letras


grandes sobre fondo de color contrastante. Los textos deberán proporcionar sólo la información indispensable. También pueden ser presentados con texto e imagen, para lo cual la información se proporciona acompañada de imagen que puede estar hecha a base de tipografía de sujetos, objetos o formas que acompañan textos cortos, que den sólo la información necesaria. El cartel formativo se utiliza como un medio para propiciar el establecimiento de hábitos de higiene, salud, limpieza, seguridad, orden, etc. También se usa para propiciar actitudes de confianza, actividad, esfuerzo, conciencia, etc. En el cartel formativo la imagen tiene preponderancia sobre el texto, el mensaje es expresado gráficamente en forma clara y sólo se apoya en un corto texto, que dé énfasis a la idea sugerida. El cartel formativo usado adecuadamente en la promoción de la salud, puede convertirse en un magnífico recurso para evitar las enfermedades, los accidentes y promover los hábitos higiénicos. Cartel taurino, los sanfermines:


Vamos a abordar las características que aparecen en el cartel que estamos analizando, así como otras de interés que muestren varias opciones que subyacen en otro tipo de carteles. El mensaje de este cartel debe ser global, percibiéndose como un todo en el que cada elemento se integra armónicamente y crea una unidad estética de gran impacto. Para facilitar el aprendizaje y el manejo de estos elementos los dividiremos en físicos y psicológicos. Los elementos físicos son aquellos que constituyen el arreglo o tratamiento estético y el atractivo visual. (Elementos taurinos) Los elementos psicológicos son los que dentro del mensaje estimula al espectador para que se oriente hacia lo que se pretende en dicho mensaje. Su intención es causar el impacto para que perdure el mensaje. Un cartel de calidad es aquel que llama la atención espontáneamente, es decir, independientemente de la voluntad del observador. Los elementos físicos que provocan este tipo de atención son: imagen, texto, color, composición, tamaño y formato. La imagen debe ser una síntesis que resuma la idea a la mínima expresión gráfica, sin dejar de ser clara y significativa. Son poco recomendables las simplificaciones exageradas, así como el abuso de abstracciones, debido a que presentan dificultades para su comprensión o decodificación del mensaje, y en consecuencia, el número de observadores que entiendan el mensaje se reducirá. La imagen en un cartel está constituida por formas, que desde nuestro punto de vista, pueden ser básicamente: naturales, geométricas o abstractas. Son imágenes naturales las representaciones totales o parciales de la figura humana, de los seres vivos o de las cosas que nos rodean (escritorio, pluma, cuadro, lámpara, etc.). Las formas naturales por lo general provocan mucho la atención de las personas. Las formas geométricas son tan importantes como las naturales, pues se identifican fácilmente. Pueden ser simples o compuestas y no exigen gran esfuerzo perceptivo de quien las observa. Las formas abstractas no tienen relación aparente con el mundo objetivo que nos rodea. Son imágenes que han sido usadas simbólicamente en un estilo de expresión muy personal del autor. Exigen una mayor participación de quien las observa. Estas imágenes corren el riesgo de que el significado que le dé el observador no sea el que le dio el realizador. Por lo tanto, es recomendable usarlas sólo si se está seguro de que el nivel de interpretación de los observadores es suficiente para su comprensión. En cuanto a su elaboración, las imágenes que se aplican al cartel pueden ser: fotográficas o dibujadas. Las imágenes fotográficas a su vez pueden ser de


dos tipos: normal o con efectos. La fotografía ha sido poco utilizada por los cartelistas, sin embargo, las nuevas técnicas fotográficas han proporcionado un campo ilimitado para la creación de imágenes originales y llamativas. Se identifica como imagen normal aquella que ha sido captada en la realidad sin ningún artificio de laboratorio. Este tipo de imagen no resulta tan atractiva como otras que veremos a continuación. Las imágenes con efectos son las que se elaboran en el laboratorio y su atractivo depende de la dedicación del creador. Estas son más apropiadas para el cartel. En este caso se trata imágenes dibujadas son preferidas por las personas que realizan los carteles y parece ser que también por el público en general; tal vez esto se deba a la originalidad de las imágenes. El dibujo que se usa actualmente tiende a ser más sencillo que los primeros carteles que se hicieron en el siglo pasado, tienden a sintetizar los elementos que lo integran; esto exige del realizador gran imaginación y creatividad. Los tipos más usuales de dibujo aplicados al cartel son: el realista, el caricaturizado y el estilizado. El dibujo real se caracteriza por estar apegado, tanto los objetos como los sujetos, a la realidad. Es poco recomendable porque requiere mucha elaboración y no provoca tanto la atención. El dibujo caricaturizado es más adecuado, pero hay que usarlo con moderación y buen gusto. Por ejemplo, no hay que usar situaciones negativas como la ridiculización, los objetos repugnantes, y escenas dramáticas o hirientes. El dibujo estilizado generalmente busca la simplificación de los detalles, este tipo de dibujos es el más usual, pues pretende crear formas nuevas que llamen la atención y el interés. La estilización no es recomendable si ésta lleva al observador a la pérdida del significado, como en este caso. No olvidemos que la imagen en un cartel no es un fin en sí misma, sino un medio para llegar al fin propuesto, que es la comunicación y fijación del mensaje. El texto cumple una doble función en el cartel, refuerza el mensaje implícito en la imagen y es en sí mismo un elemento importante en la composición que ayuda a dar la impresión de equilibrio. Este elemento del cartel debe cuidarse tanto en la redacción como en el tipo de letra, tamaño de la misma y su colocación.


La redacción no debe ser muy extensa, sino más bien debe ser un destello al observador que la visualizará en segundos. (como en este caso).Dicho en otras palabras, para que la percepción sea rápida los textos deben ser cortos, directos y claros, buscando al igual que la imagen, comunicar el mensaje con el mínimo de elementos, sin utilizar palabras o frases largas. Hay que buscar el texto que mejor transmita el mensaje. En algunos casos un texto interrogativo puede ser el centro motivacional de un cartel. Tampoco debemos olvidar que su redacción estará determinada por el nivel cultural y social de las personas a las que irá dirigido el mensaje. Dentro del elemento texto existen dos tipos: el encabezado y el pie. El encabezado sirve de título al cartel, es el primer elemento del texto que llama la atención de las personas; se debe escribir con letras de mayor tamaño que las del pie, y con una, dos o tres palabras a lo sumo. El pie tiene como función clarificar y profundizar en el mensaje: da los detalles y globaliza la información. Para su interpretación es necesario que el observador se acerque al cartel. Su extensión varía dependiendo de las necesidades del mensaje, pero se recomienda que la redacción sólo incluya lo elemental. El tipo de letra es también un elemento importantísimo, pues a través de ésta podemos transmitir significados emotivos y sentimientos; combinada con la imagen pueden resultar más impactante en su mensaje global. Por ejemplo, una letra suave o adornada tal vez no armonice con una ilustración industrial. El color es otro aspecto relevante del cartel. Para éste hay que seguir ciertas reglas: usar pocos colores; aplicar los colores planos, sin matices, usar fondos contrastantes y usar colores claros. Los contrastes pueden hacerse recurriendo a la combinación de los colores complementarios (por ejemplo: violeta y amarillo) o a los armónicos (por ejemplo: bermellón que sale del rojo y amarillo). La combinación de colores armónicos se percibe de una manera más relajada, en cambio; la combinación de colores complementarios es percibida como más agresiva. Sin embargo, hemos de concluir diciendo que cualquier combinación es válida si se consigue el efecto deseado. El tamaño del cartel deberá considerarse, pues dependiendo del lugar en que estará colocado y la distancia en la que pasarán los que lo observen, determinará sus dimensiones. El tamaño más común es el de 70 x 100 centímetros, de 50 x 70 cm, o el más pequeño que es de 35 x 50 cm. Este tipo de medidas son las más recomendables pues están en función de las medidas comerciales del papel, con lo cual se evitará el desperdicio.


La composición es tan importante como las anteriores. Se refiere a la distribución de los elementos, tanto las figuras como los textos, en el área utilizable del papel. La composición debe buscar el equilibrio y la armonía, no sólo en lo referente a la imagen, sino también en cuanto a colorido y estética. El mensaje debe estar compuesto de forma integral, como si fuera una unidad perfectamente equilibrada. El último elemento a considerar en el cartel es el formato. Existen dos tipos: el vertical y el horizontal. El primero es el más usado y al segundo se le conoce también como apaisado. La selección de una u otra forma dependerá en gran medida de las intenciones del mensaje y de la estética o composición.

Artículos:


Tommasso Marinetti, fundador del movimiento cultural conocido “futurismo”, nació en Alejandría (Egipto) el 22 de diciembre de 1876; y murió de un ataque cardíaco en Bellagio, Como, el 2 de diciembre de 1944. Después de haberse doctorado en las carreras de Letras en París y de Jurisprudencia en Génova, publicó sus primeros libros. En Milán, en 1905, y con la colaboración de Sem Benelli, fundó la revista Poesía a cuyo éxito contribuyeron Jean Cocteau, Miguel de Unamuno, William Butler Yeats, Gian Pietro Lucini, Giovanni Pascoli, Trilussa –seudónimo de Carlos Alberto Salustri –, Aldo Palazzeschi, Corrado Govoni, Ada Negri y Biagio Marin. En 1909 publica en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto futurista cuya traducción ofrecemos a continuación. Manifiesto futurista 1. Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad. 2. El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía. 3. La literatura exaltó, hasta hoy, la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo. 4. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia. 5. Queremos ensalzar al hombre que lleva el volante, cuya lanza ideal atraviesa la tierra, lanzada también ella a la carrera, sobre el circuito de su órbita. 6. Es necesario que el poeta se prodigue, con ardor, boato y liberalidad, para aumentar el fervor entusiasta de los elementos primordiales. 7. No existe belleza alguna si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra maestra. La poesía debe ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para forzarlas a postrarse ante el hombre. 8. ¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!... ¿Por qué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente. 9. Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer. 10. Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria. 11. Nosotros cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, cantaremos al vibrante fervor nocturno de las minas y de las canteras, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas, devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; a


los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte, y a las locomotoras de pecho amplio, que patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta. Es desde Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy el FUTURISMO porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios. Ya por demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de ropavejeros. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren por completo de cementerios.

El taller del artista.

Andrés García Escribano: nacido en baza (granada) 1986, este estudiante de último curso, en la carrera de bellas artes, comenzó a dar sus primeros coletazos artísticos cuando solo tenía 6 años. Sus primeras obras artísticas datan de principios de los 90. Obras que no son más que meras búsquedas de su autentico afán creativo. No sería hasta 1995 cuando este autor comenzara a interesarse por la pintura como un medio de comunicar todas y cada unas de las preocupaciones y necesidades que experimentaba a lo largo de su todavía corta trayectoria pictórica. “solo tengo dos vicios en mi vida. El tabaco y la pintura” Inspirado en autores como Pablo Palazuelo o Valentín Alvardiaz. Este pintor desconocido utiliza la pintura como vía para llegar a una satisfacción plena y personal que nada tiene que ver con la comercialidad artística que impera en mucha galerías artísticas de hoy en día.


3 m, contĂŠ sobre papel.50x70cm.


Estudio รณseo. Lรกpiz sobre papel cebolla. 50x70 cm

Estudio muscular. Lรกpiz sobre papel cebolla. 50x70 cm


Boceto. AcrĂ­lico sobre tabla 100x 70cm.

Zagala. Oleo sobre tela 1.40x 1.05 cm


Dibujo de estatua, carboncillo sobre papel, 100x70 cm


Modelos de clase, bolĂ­grafo sobre papel, 100x70 cm


Modelo de clase tiza y grafito sobre papel, 100x70 cm


Modelo de libro, grafito sobre papel 100 x 70 cm


Enlaces de interés.

JACKSON POLLOCK http://www.youtube.com/watch?v=vy6Omz1bDPg http://www.youtube.com/watch?v=7bICqvmKL5s

MODELOS FEMENINOS DE LA HISTORIA DE LA PINTURA http://www.youtube.com/watch?v=nUDIoN_Hxs&feature=PlayList&p=9707AF758327FBC9&playnext=1&index=17los

ANTONI MUNTADAS http://www.youtube.com/watch?v=bb4IlaeX_ZM

ESCULTURAS INCHABLES. http://www.youtube.com/watch?v=PH6xCT2aTSo

DIBUJOS QUE ACABAN BIEN (BUENISIMO) http://www.youtube.com/watch?v=VgbAgMxm-ss


Bibliografía: Edwar Lucie-Smith. MOVIMIENTOS ARTISTICOS DESDE 1945 Ediciones destino, Thamen and Hudson.

DORFLES Gillo, NATURALEZA Y ARTIFICIO, Barcelona, Editorial Lumen, 1972. Kandiski, W. DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE, Barcelona, editorial Gustavo Gili, 1979. Kandiski, W. PUNTO Y LINEA SOBRE PLANO, Barcelona, Editorial Barral y Labor, 1986, 5º ed. Vasari. VIDA DE GRANDES ARTISTAS, Madrid, Editorial Mediterráneo, 1976.

http://www.hoyesarte.com/ http://www.deviantart.com/ http://www.artehistoria.jcyl.es/ http://www.arte10.com/

ANDRES GARICA ESCRIBANO


¨Novum Fabricâtôris¨  

Nuevos Artesanos