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Editor Francisco Javier Rodríguez, AIA

(in) forma v.1

(in) forma v.2 Domesticidad

2013

Modernidad, modernismo, modernización

Co-editor Carlos J. García Moreira

(in) forma v.3 La ciudad y el urbanismo

Diseño Gráfico y Producción Darwin J. Marrero-Carrer, AIA Assoc. Carlos J. García Moreira

(in) forma v.4 (in) forma v.5 Narrativas digitales

(in) forma v.6 Hiperturismo

(in) forma v.7 45 aniversario

(in) forma v.8

45 lugares

(in) forma v.9

Junta Consultiva Marcos Barinas Uribe UNIBE, Santo Domingo Luis Carranza Roger Williams University Ellen Dunham-Jones Georgia Tech Renata Hejduk Arizona State University Lars Lerup Rice University, Houston Rafael Longoria University of Houston Rafael Jackson Martin UPR, Mayaguez Jim Williamson Cornell University

DISEnO INDUSTRIAL | MODA | GRÁFICO | INTERIORES

(in) forma

DISEÑO INDUSTRIAL | MODA | GRÁFICO | INTERIORES

DISEÑO INDUSTRAIL | MODA | GRÁFICO | INTERIORES

Vivir en la ciudad

(in) forma9 arquitectura

La revista (in)forma es una publicación de la Escuela de Arquitectura - Universidad de Puerto Rico - Recinto de Río Piedras - 2013

upr

Colaboradores Andrea Bauzá Lilliana Ramos Collado Andrés Mignucci Mayra Jiménez Jorge Ramírez Buxeda Celina Noguera Miguel Miranda Griselle Fullana Juan Calaf Darwin Marrero Danniely Staback Jennifer Lozano Evelyn Rolón Carmen Esquilín Loida Morales Impresión Ramallo Bros. Printing, Inc. San Juan, Puerto Rico

Autorizado por la Comisión Estatal de Elecciones CEE-SA-12-9031

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“Design is a plan for arranging elements in such a way as best to accomplish a particular purpose.” — CHARLES EAMES


ÍNDICE

p.04 »

Prólogo Francisco Javier Rodríguez Decano Escuela de Arquitectura - UPR

p.06 »

Herramienta de comunicación visual... Arquitectura del diseño gráfico... Grafitectura? Jorge Ramírez Buxeda Principal - Ramírez Buxeda Arquitectos Profesor - Escuela de Arquitectura UPR Robin Planas Profesor - Escuela de Arquitectura UPR

diseno grafico / graphic design p.38 »

Muuaaa es lo que ocurre cuando el diseño y la cultura se encuentran... Miguel Miranda Celina Noguera

diseno interior / interior design p.46 »

p. 14-43

p. 44-57

Solar al sur: El “piso específico” de Andrés Mignucci y María de Mater O’Neill Lilliana Ramos Collado Escuela de Arquitectura Universidad de Puerto Rico, Río Piedras

diseno industrial / industrial design p. 60 »

2

diseño | industrial - gráfico - moda - interior

El lenguaje común del Diseño Andrea Bauzá Profesora Escuela de Arquitectura - UPR

p. 58-151


p.124 »

Codex Urbans Andrés Mignucci Profesor Escuela de Arquitectura - UPR

p.148 »

Common Ground for the Common Good/Suelo Común Para El Bien Común Griselle Fullana Con La Colaboración De Juan Calaf Urbano Activo

diseno de moda / fashion design p.154 »

Estructuras Fluidas o Prendas Arquitectónicas: Lazadas Entre Arquitectura y Moda Mayra O. Jiménez Montano Decana Asociada - Escuela de Arquitectura UPR

p.170 »

Sobre el Proceso de Diseño Danniely A. Staback Rodríguez Estudiante - Escuela de Arquitectura UPR

p.176 »

El Gallo: Diseñando una iconografía universitaria Francisco Javier Rodríguez, Decano de la Escuela de Arquitectura - UPR Darwin J. Marrero Carrer Decano Auxiliar de Asuntos Estudiantiles

p. 152-169

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

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A

Prólogo Francisco Javier Rodríguez Escuela de Arquitectura UPR Decano

Esta edición de la revista (in)forma se dedica al tema del diseño en la educación y el quehacer del arquitecto, y ausculta un debate crítico sobre las fronteras acreditadas y revalidadas de nuestra disciplina, la cual enmarcamos en sus posibilidades y no necesariamente en sus limitaciones. Recientemente se ha suscitado una controversia sobre el nombre correcto para nuestras facultades: arquitectura o diseño. De la misma manera se pregunta si los arquitectos operamos dentro de la industria de la construcción o la del diseño. Cameron Sinclair comenzó su conferencia en la Escuela de Arquitectura de la UPR diciendo: “Designers design; Architects build.” Legalmente, nuestros graduandos pueden llamarse inmediatamente diseñadores, pero para ostentar el derecho al título que aparece en su diploma tienen que pasar por todo un calvario de pasantías, cuotas, formularios y reválidas. Demasiados eufemismos en nombre de la seguridad pública. En aquellos tiempos de la enseñanza de la arquitectura “con A mayúscula” el proceso educativo también estaba diseñado para filtrar y alargar esos años hasta que solamente los más fuertes sobrevivían, cuando en realidad el postulado darwiniano debería decir que los que mejor se adaptan al cambio, sobreviven. Estamos en uno de esos momentos de cambio. El mismo es exponencial y se mueve más rápido que la capacidad de nuestras instituciones para digerirlo. Mi generación ha vivido en dos milenios, dos siglos y varias décadas; la mitad estudiando bajo el miedo colectivo de la guerra fría y la otra enseñando o trabajando bajo los efectos de la revolución digital e informática. El Auto-CAD, email e internet pusieron en crisis la manera de hacer, representar y percibir nuestra producción arquitectónica. Encarnamos la transición entre esos dos mundos a la vez que nos adentrábamos en años antes reservados para películas de ciencia ficción. La primera década del nuevo milenio comenzó con el simulacro post Guggenheim del Y2K, se estremeció con el 911 y terminó revolucionada por Steve Jobs y sus iPads, iPods, iPhones y iClouds, transformando radicalmente el modus operandi de varias industrias y muchos individuos. “Shift happens…” Mientras tanto, la enseñanza de la arquitectura incorpora desesperadamente toda esa gama de conocimiento nuevo a sus currículos a la vez que las administraciones recortan el número de créditos requisitos y la NAAB juega “scrabble” con sus criterios. Bajamos información a una computadora y simultáneamente le removemos su capacidad de memoria. “Less is more” se convirtió en “more in less” y el tiempo de pasantía y reválida comenzó a tardar más que la misma educación universitaria. Te haces diseñador en la universidad y arquitecto en “la calle” sería la posición reciclada del NCARB diet.

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior

This volume of (in)forma is dedicated to the larger subject of Design in both architectural pedagogy and practice. It aspires to a critical debate about our accredited and licensed borders within our discipline, framed in its possibilities and not necessarily its limitations. Recently, we have witnessed a controversy regarding the proper name for our schools: Architecture or Design. Similarly, it has been questioned whether architects operate within the construction industry or the design industry. Cameron Sinclair began his lecture at the UPR School of Architecture stating: “Designers design; Architects build.” Legally speaking, our graduates are able to call themselves “designers” immediately, but in order to have the right to the title written in their diploma, they have to go through a Calvary of internships, fees, forms and exams; too many euphemisms in the name of public safety. In the times of architectural education with “a capital A” the learning curve was also calibrated to filter and stretch those years into a Darwinian “only the strong survive”, when the real Darwinian postulate should be: those who adapt to change shall survive. We are living in times of exponential change, and the world seems to be moving faster tan our ability to digest its repercussions. My generation has lived in two millennia, two centuries and several decades; half of it studying under the collective fears of the Cold War and the other half working or teaching under the effects of the information or digital revolution. Auto-CAD, email and the Internet questioned our way of creating, representing and perceiving architectonic production. We embodied the transition between those two paradigms while society entered into years previously reserved for science fiction movies. The first decade of the new millennium began with the post Guggenheim Y2K simulacra, shaking its foundations after 911 before being completely revolutionized by Steve Jobs and his iPads, iPods, iPhones and iClouds. Apple not only transformed the modus operandi of various industries and many individuals, but also how we designed the means of transformation. “Shift happens…” Meanwhile architectural pedagogy desperately incorporates all that body of new knowledge into its curriculum while administrators slash the number of required credits and NAAB plays “scrabble” with its criteria. We seemingly download tons of data into a computer and at the same time we remove its memory capacity. “Less is more” became “more in less” and the internship/licensing period now took longer than the university education. You leave the university as a designer and the “real world” makes you an architect seems to be the position of the N-CARB diet. The housing bubble crisis exacerbated a precarious labor situation. Consequently, students opted to diversify their portfolios, as they would say in the world of business. It is more and more common to combine


Banco Ying-Yang Escofet, Barcelona. 2004-05.

Selección oficial Bienal Iberoamericana de Diseño, Madrid 2009.

La crisis de la burbuja inmobiliaria exacerbó una condición laboral precaria. Como consecuencia, los estudiantes optaron por diversificar sus portafolios, como dirían en el mundo del business. Cada vez es más común combinar la arquitectura con otras disciplinas como el paisajismo o el diseño urbano y en la UPR nos hemos dirigido hacia la creación de grados conjuntos entre MArq, Juris Doctor, MBA y MPlan. El perfil del egresado en la Escuela de Arquitectura dejó de gravitar hacia el prototípico diseñador estrella con el mismo capacete y sueños de divismo revistero, apostando a su vez por darle la vuelta al embudo expandiendo el arcoiris de posibilidades que el mundo del diseño puede ofrecer.

architecture with other disciplines such as landscape and urban design and our graduate program at UPR has directed its North towards the creation of joint degrees between MArch, Juris Doctor, MBA y MPlanning. Our prototypical graduate ceased to gravitate to the Star designer status with the same hard hat and dreams of being a magazine diva, betting instead on flipping the funnel and expanding the world of possibilities that design offers as a discipline.

Es precisamente en estos tiempos de la multidisciplinariedad que la carrera de la arquitectura se posiciona convenientemente como un híbrido entre las disciplinas de las artes y las ciencias, definiendo el nuevo menú de bachilleratos universitarios. Entre esos dos mundos que encontramos en la Escuela, el diseño se perfila como una entidad autónoma entre el determinismo histórico y el pragmatismo tecnológico. Diseño es la materia que cursamos cada semestre, a la que más tiempo le dedicamos y en la que exploramos durante nuestra tesis o proyecto de fin de carrera. Como bien dijera nuestro fundador Jesús Amaral, "es el tronco del cual parten las otras ramas de nuestro quehacer." La subsiguiente proliferación de másters en cada posible variación del campo del diseño adjudica autoridad y relega al sato a la periferia de la práctica integral y el debate interdisciplinario. De repente cayeron barreras institucionales entre disciplinas hermanas y la práctica se convirtió en una tragicomedia examinada, colegiada, licenciada, revalidada y limitada con el pretexto de la seguridad del pueblo. Cada grupo se volvió el celoso guardián de su finquita autorizada y la interdisciplinaridad permaneció adormecida entre la quimera del sueño universitario. Para llamarse renacentista pronto tendremos que estar certificados, revalidados y licenciados, además de tomar numerosos cursos de educación continua en un mundo donde las opciones parecen ser: saber mucho de un poco hasta saberlo todo de nada, o saber un poco de mucho hasta saber nada de todo. El arquitecto como generalista no parece ser capaz de balancear el péndulo entre los mundos del ars y el techne, y se debate entre una década y la próxima sobre si debe ser un teórico o un científico, un artista o un matemático.

It is precisely in these times of multi-disciplinary discourse that architecture conveniently positions itself as a hybrid between the arts and the sciences, defining the new menu of undergraduate degrees. Between those two worlds we find in architectural education, design is hailed as an autonomous entity between historic determinism and technological pragmatism. Design is the one course we take every semester, the one we dedicate the largest amount of time, and the subject of our thesis or capstone research. As our founder Jesús E. Amaral correctly stated, it is the trunk from which the other branches of our discipline grow from. The recent proliferation of masters in every possible variation of the design field, provides authority and relegates the generic to the periphery of both practice and interdisciplinary debate. Suddenly, institutional barriers between related disciplines have disappeared and practice has become an examined, licensed, and limited tragic-comedy in the name of public safety. Each group became the jealous guardian of its authorized territory while interdisciplinarity remained dormant as a utopic university dream. In order to be a renaissance humanist, we will have to be certified, licensed and take numerous continuous education courses in a world were the options seem to be limited to: know a lot about little until you know everything about nothing, or knowing a little about everything until you know nothing about everything. The architect as a generalist is not capable of balancing the pendulum of the ars and techne worlds, and debates himself between a decade and the next whether he should be a theoretician or a scientist, and artist or a mathematician. Meanwhile, our graduates reject those pre-engineered solutions and simply express themselves. They transgress, invade, challenge the norm and unapologetically carry out what they learned in our studios: Design. It doesn’t matter how others chose to call it.

Mientras tanto, nuestros egresados rechazan esas opciones pre-empacadas y definidas y simplemente, se expresan. Transgreden, invaden, retan las normas y hacen sin pedir perdón ni permiso, lo que aprendieron en nuestros talleres: diseñar. Da igual como los quieran llamar.

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Herramienta de comunicación visual... arquitectura del diseño gráfico... ¿grafitectura? JORGE RAMÍREZ BUXEDA | ROBIN PLANAS RAMÍREZ BUXEDA ARQUITECTOS/PROFESOR - ESCUELA DE ARQUITECTURA UPR

Cuando no hay capital, ni mercado, ni bancos que presten dinero para desarrollar edificios, el arquitecto que diseña edificios tiene que buscar alternativas para seguir trabajando. En nuestro caso, hemos buscado y hemos encontrado oportunidades en el campo del diseño gráfico. Las oportunidades de diseñar gráficas se han dado mayormente en el desarrollo de nuestros propios proyectos, pero en este caso, no arquitectónicos, sino de eventos, actividades y otros inventos. Lo cierto es que en tiempos de crisis las especializaciones no suelen ser tan deseables y los especialistas se des-especializan, es la pluralidad de oficios la que permite la supervivencia. Por esta razón las prácticas híbridas re-surgen. Estas prácticas permiten amasar un volumen de trabajo considerable por medio de la suma de pequeños proyectos de naturaleza variada. Ejemplos de creadores multidisciplinarios que combinan el diseño gráfico con otras disciplinas del diseño no son endémicos de los tiempos de crisis; estos, aunque no abundan en tiempos de bonanza,

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


Proceso de diseño logo Loinaz Martin PSC

han existido en todas las épocas, desde las vanguardias de Theo Van Doesburg en Holanda y Herbert Bayer en Alemania hasta ejemplos americanos como Charles Eames y Massimo Vignelli. Los arquitectos tenemos la experiencia de diseñar gráficas en edificios, podemos decir que una buena planta, o una buena fachada, o un buen espacio, es una composición de elementos (formas, materiales, texturas, colores) que transmiten una imagen y comunican una idea. También como arquitectos, tenemos mucha experiencia desarrollando gráficas para crear una presentación de un diseño a un cliente, o a un jurado de una competencia. Posiblemente la diferencia más significativa entre el proceso de diseño de gráficas y el de edificios (sin entrar en el tema de los sistemas técnicos, estructura, electricidad, mecánica, etc.) es la integración de la tipografía y la literalidad en el mensaje. Como arquitectos, estamos acostumbrados a traducir nuestras intenciones en formas abstractas. En el diseño gráfico estas traducciones pueden ser más literales y el mensaje suele ser más concreto y preciso. El diseño de gráficas es diseño y sigue, aunque con ciertas particualridades, una estructura muy similar a la de cualquier otro diseño, no importa si es el diseño de un edificio, un bolígrafo, un empaque, un logo, una silla, una camisa. Como en cualquier proceso de diseño encontramos una primera etapa de conceptualización, desarrollo de soluciones alternativas al problema y finalmente la evaluación y depuración de dichas alternativas en una solución final, capaz de comunicar nuestras intenciones y en este caso un mensaje. Para diseñar algo primero tiene que haber una necesidad y esa necesidad, mientras mejor se le comunica al diseñador, mejor será el producto final. Para poder comenzar la etapa de conceptualización el diseñador necesita información. Las tres piezas de información básicas y críticas que van a resonar en todas y cada una de las

decisiones que se tomarán en el proceso de diseño son: el mercado, el presupuesto y el medio de publicación o representación. Casi todas la demás piezas de información que hacen falta son subcategorías debajo de estas tres básicas, por ejemplo: los materiales de producción dependen del medio de publicación y del presupuesto, los métodos de producción dependen del medio de publicación y del presupuesto, el mensaje (copy) depende del mercado y del medio de publicación... El diseño de gráficas se practica todos los días en una oficina de arquitectura. Por la naturaleza holística y abarcadora de nuestra educación, venimos naturalmente equipados para este tipo de ambiente, y somos capaces de aplicar diseño, no solo a edificios sino a todo un espectro de ideas y productos que fácilmente sobrepasan los límites de lo que sería el cuerpo de conocimiento tradicional de nuestra profesión. Esa educación, combinada con una experiencia de años de práctica privada, nos prepararon bien cuando tuvimos que enfrentar el nuevo alcance de trabajo en la oficina - la creación de marcas, imagen, "branding" mediante el diseño gráfico. Cuando tuvimos la necesidad, decidimos no contratar a la agencia de publicidad, quien típicamente en Puerto Rico produce este tipo de trabajo, y decidimos contratarnos a nosotros mismos.

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El proceso de producción de diseño gráfico en la oficina se puede resumir en las siguientes categorías: 1. Diseño gráfico en eventos propios. El alcance de trabajo en estos proyectos es el más amplio y complejo porque no hay nada dado. Nosotros somos nuestros propios clientes y por lo tanto la información para poder generar las ideas conceptuales la tenemos que producir nosotros mismos. Comenzamos desde cero con la idea del evento, el tipo de evento, el propósito del evento, quién participa, cuál es la audiencia. En estos proyectos hay que crear la marca, la imagen, el "branding" del evento, y por lo tanto se diseña desde el logo, pautas en los medios de publicidad, páginas de internet, hasta los artículos de promoción como camisetas, llaveros, gorras, etc. Algunos ejemplos: a. diseño de marcas propias, imagen, branding - (Roselyn Sánchez Triathlon for Life, Regitek, Connessione, Ventana al Jazz)

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


YOUR FIRST STEP TO THE FINISH

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2. Diseño gráfico para publicidad y mercadeo en eventos / elementos arquitectónicos de terceros. En el proceso de diseñar gráficas para nuestros proyectos, hemos logrado campañas exitosas de integración con nuestros auspiciadores. Estas campañas han creado un "good will" con nuestros auspiciadores al punto que nos han contratado para que les diseñemos integraciones de sus marcas en medios tradicionales típicos (pautas en periódicos, billboards, etc.) pero también en espacios y elementos arquitectónicos (espacios de exhibición, integración de elementos gráficos en barras). Algunos ejemplos: a. pautas periódicos, email blasts, billboards - (Sanseb, Salsa en tu pueblo, Islanders, spaña en ventana) b. tri-dimensional - (barra de Restaurante Perurrican en Condado, espacio de exhibición en Plaza las Amércias para Blue Label).

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


3. Diseño gráfico típico, para clientes particulares. Como parte del nuevo alcance, también hemos sido contratados para el desarrollo de imagen y branding, desde cero, para terceros. En estos casos el proceso de conceptualización y desarrollo conlleva el tener que interpretar las necesidades del cliente según su línea de negocio y audiencia particular. Algunos ejemplos: a. diseño gráfico típico - logos, tarjetas de presentación, letterhead, websites - (Bufete Loinaz Martín, Manta Healthcare)

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4. Diseño gráfico en proyectos arquitectónicos. A continuación, muestras de algunos proyectos donde hubo un esfuerzo consciente de la integración de diseño gráfico a elementos construídos, desde patrones de pisos, combinaciones de materiales, colores y texturas, hasta la incorporación de imágenes y gráficas a elementos arquitectónicos: a. composiciones en planta, fachadas, gráficas espaciales (escalera de coca cola, lámparas lobby de coca cola, planta patrón de piso coca cola, fachada principal edificio y puente de coca cola, planta liberty caguas) b. integración branding / imagen del cliente, materiales de construcción para crear / componer patrones - contrastes de colores, texturas, para marcar áreas, jerarquías - (Heineken City - versiones Grey Goose, Medalla, cancha Perpetuo, Salón Salón Beaute)

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


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diseno grafico / graphic design


título

Cartel Ciclo de Conferencias EA-UPR 2006

autor

Robin Planas

fecha

01 · 2006

16

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


título

Cartel Ciclo de Conferencias EA-UPR 2007

autor

Edgardo Arroyo

fecha

08 · 2006

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título

Cartel Ciclo de Conferencias EA-UPR 2010

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

01 · 2010

18

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


título

Cartel Ciclo de Conferencias EA-UPR 2011-12

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

08 · 2011

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1

editorial

EN LA CIUDAD DE LOS CIEGOS: LA PERTINENCIA DE LOS ESTUDIOS Y EL DISEÑO URBANO Jorge L. Lizardi Pollock, Ph.D.

SAN JUAN-BARCELONA Arq. Javier Isado

68

simposio

3

O6

Portada e Indice de la revista (in)forma 3

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

08 · 2009

CONSIDERACIONES SOBRE EL INTERSTICIO ENTRE LO ECOLÓGICO Y LO ESTÉTICO EN LA CONSERVACIÓN Y EL DISEÑO AMBIENTALES: HACIA UNA INTEGRACIÓN BIOESTÉTICA Gabriel Moreno Viqueira, Ph.D.

24

A LA INTEMPERIE: LOS ESCENARIOS DEL ARTE PÚBLICO Lilliana Ramos, Ph.D.

4O

YO TENGO YA LA CASITA: HISTORIA Y TRANSFORMACION DE UN DESEO Carmen A. Pérez Herranz, Ph.D.

5O

EL DETECTIVE, LA CIUDAD; ENTRE LA PICARESCA Y LO POLICIAL, EL PARADIGMA CARIBEÑO Edgardo Rodríguez Juliá, Ph.D.

56

LA HABANA HOY:FRONTERAS INTERNAS Carlos García Pleyán, Ph.D. LA CONDICIÓN HETEROTÓPICA DE LA CIUDAD DE MÉXICO Arturo Ortiz Struck

20

diseño | industrial - gráfico - moda - interior

94

14

4

exhibiciones

2

ensayos

título

DESCENTRALIZACIÓN Y POLÍTICA DE RECUPERACIÓN DE DISTRITOS: EL CASO DEL EIXAMPLE DE BARCELONA Arq. Jordi Carbonell

64

VIVIR SANTURCE: ENSAYO GRÁFICO SOBRE UN DESEO. Proyecto CIUDAD Cruz García Hugo Colón Juan Alvarado 10 Jose Castro


116

7

CONCURSO ACSA Julio Noriega Jorge Méndez Nicole Granda Ariel Santiago Edgardo Maldonado COMPETENCIA SCF Emmy Juliette Rodriguez Angel Vidro Sepulveda Hadit Mejía Castro Luis Alonso

8

148

126 CARTOGRAFÍA, MEMORIA Y DESEO Rubén Nazario

reseñas

6

14O

PREMIO OBRA CEMEX Pedro Cardona Roig

dossier

94

SANTURCE: YO GRÁFICO E UN DESEO. cto CIUDAD García Colón Alvarado 102 Castro

136

portfolio

investigación

5

CIUDAD Jorge L. Lizardi Pollock, Ph.D.

9

LARS LERUP Decano Rice University Arq. Francisco J. Rodríguez

entrevista

132

LO FUNDAMENTAL Antonio García Padilla Presidente, Universidad de Puerto Rico

156

LA CIUDAD

contenido

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

21


autor

fecha

02 · 2010

22 diseño | industrial - gráfico - moda - interior

93 94 95 96 97 98 99

Díaz Paunetto

Díaz Domenech

del Toro Miranda

del Río

del Cueto

de Lemos

Davis Fúster

Davis

Carlo

Bonnin Orozco

Betancourt

Bermúdez Delgado Díaz

Bermúdez Calzada

Bermúdez

Bartizan / Hogan

Arce

Agrait Betancourt

Amador Calzada

Abruña

3av arquitectura + visión

22

Pabellón Nacional Expo ‘92 Faro Las Cabezas de San Juan Paseo la Princesa y su Jardín Estacionamiento Isabel II Centro de Visitantes Jardín Botánico Plan Maestro Balneario de Carolina Casa Pagán Pico La Vuelta al Dos de Abajo Sede del Colegio de Arquitectos Cafeteria Jardín Botánico Casa en Barrio Candelaria Nueva Sala Centro de Bellas Artes L.A.F. Casa Hopgood Mejoras Casa Ashford Casa Alegría Lamar 557 Biblioteca CUTB Mueblería Infantil Casa Knuecas Mejoras Urbanas Múltiples Mayagüez Casa J. Marchand Casa Vivas Plan Maestro U.S.C. Reconstrucción Casa Roses-Artau Cooperativa Gasolinera Cayeyana Escuela Elemental Las 400 Ampliación Cámara de Comercio Santuario Santo Cristo de los Milagros Casa del Lago Villa Malpica Plaza del Mercado de Santurce Plaza del Mercado Rafael Hernández Escuela de Bellas Artes de Carolina Casa de la Cultura Parque de los Niños Rehabilitación Antigua Plaza del Mercado Veredas del Morro Rehabilitación Viviendas en la Playa de Ponce Cuartel del Este Doral Fiancial Centro de Adiestramiento Obs. de Arecibo Residencia Calle España Realojo Barriadas Israel y Bitumul Casa Solar Vivienda Urbana de Relleno

8 12

Proyectos / Projects

Entre debates y dislates... el jurado falla

Tropics of Modernisn

Darwin Marrero Intro

Arquitectura Contemporánea en PR 7

Editorial

título 6


99 00 01 02 03 04 05 06 07 08 09 10

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr 23

Nuevo Complejo Cultural C.S.I. Plaza del Mercado de Cabo Rojo Plan Maestro Jardín Botánico Centro de Cuidado Diurno El Palmar Ventana al Mar Colegio Ángeles Custodios Aula Verde Residencia Park Boulevard 2204 Valle Escondido #30 EGUPR Addition Biblioteca Municipal de Barranquitas Coca Cola Puerto Rico Bottlers Casa Viera Casa Urbana Residencia en Cupey Bajo Casa en Culebra Casa Manaj Oceanía Comunidad El Cielito Madeira Alhambra 1721 Escuela Intermedia Pugnado Afuera Casa Ausente The Cell Casa Delpín Condominio Museum Park Plaza de los Artistas Casa i 774 Restauración Paisaje Longitudinal del Tren Casa i 2.1 Isabela Commercial Building Centro de Visitantes Fundación L.M.M. Casa Bortech Restauración/Rehabilitación Teatro UPR Casa en Río Piedras Relocalización Comunidad El Peligro Villa in Ordos Biblioteca Residencia Santos Febres CASH Modernización Res. San Fernando Comunidad Especial Cerro Visbal Verja Emblemática Jardín Botanico Hogar Seguro, Villas de Coamo Casa Patio 1 Cono Visual Nuevo Anexo al CAAPPR Water Dune Hacienda La Esperanza Centro de Estudiantes Manuel González Pató Cacique 2050 / Comarca Parque del Litoral PDOT Galería AirMaster Escuela de Arquitectura PUCPR Jardín del Desagravio Natatorio Mayagüez

Rehabilitación Viviendas en la Playa de Ponce Cuartel del Este Doral Fiancial Centro de Adiestramiento Obs. de Arecibo Residencia Calle España Realojo Barriadas Israel y Bitumul Casa Solar Vivienda Urbana de Relleno Ampliación a Popular Center Casa del Litoral

URBANA

Toro Ferrer

S-Mart

Sánchez

SCF

Rodríguez / rvmdg

Rodríguez / r s v p

Reyes

Rigau + Penabad

Rigau

Ramírez Buxeda

RMA

Mignucci

Méndez Brunner Badillo

McCullough Domínguez

Marvel Marchand

Marvel

Martínez Joffre

Marchand

KV

in.formation studio

GET, Inc.

Fúster

Flores

ERERAS

EMarquitectos

EA UPR

Díaz Paunetto

Díaz Domenech

del Toro Miranda

del Río


abril 25

few

ideas for the new

millenium symposium food + energy + water

25 & 26 de abril

9 food TBA

Sala Torres Martinó Escuela de Arquitectura

10 energy

Ing. José Maeso

Sala Torres Martinó Escuela de Arquitectura

Director Ejecutivo Administración de Asuntos Energéticos

11 water

Marianela Torres

Sala Torres Martinó Escuela de Arquitectura

Directora Departamento de Recursos Naturales y Ambientales

2 c.a.s.h.

Visita Parque Ecológico de Dorado

Caribbean Affordable Solar House 2009 Solar Decathlon Competition

4 on / off

Opciones de energía para Puerto Rico

Visita Banco Popular de Puerto Rico

Cartel del Simposio: A Few Ideas for the New Millennium

autor

Edgardo Arroyo

abril 26

título

Exhibición Coctel

1 food

Auditorio Jesús Amaral Escuela de Arquitectura

Ada Laureano, PhD

Departamento de Nutrición Universidad del Turabo

Elsa Pinto, PhD, RD, LND Departamento de Nutrición Universidad de Puerto Rico

Bill Mebane & Scott Lindell Investigadores Marine Biological Laboratory (MBL)

Germán Ramos, PhD CAUCE

fecha

2 energy

04 · 2013

Auditorio Jesús Amaral Escuela de Arquitectura

Francisco J. Rodríguez Decano Escuela de Arquitectura

Luis A. Avilés

Decano Asociado Escuela de Derecho

Fernando Abruña, FAIA Arquitecto Abruña & Musgrave Arquitectos

Efrain O’Neill, PhD

Asesor en Asuntos Energéticos Oficina del Gobernador

3 water

Auditorio Jesús Amaral Escuela de Arquitectura

Luis E. Rodríguez Profesor Escuela de Derecho

Scott Bishop

Profesor UPENN Stoss Landscape Urbanism

Rafael Ríos, PhD

Director Departamento de Ciencias Ambientales Facultad Ciencias Naturales, UPR

Bryan Brooks, PhD Profesor Baylor University

ESCUELA DE ARQUITECTURA UNIVERSIDAD DE PUERTO RICO

24

diseño | industrial - gráfico - moda - interior

ESCUELA DE DERECHO Universidad de Puerto Rico


título

Diagrama de programa académico

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

09 · 2011

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25


POBLACIÓN MUNDIAL 1966 - 3 BILLONES

2012 - 7 BIL

@ 1966 - 2.6 MILLONES 2012 - 3.9 MILLONES

título

Portada y página de "infographic" de la revista (in)forma 45 aniversario

ANTES

B.ARQ

218 CREDITOS

autor

Carlos J. García Moreira

NAAB REQ.

fecha

08 · 2009

168 CREDITOS

B.DA 131 CREDITOS M.ARQ 56 CREDITOS

DESPUÉS

escuela de arquitectura

FOR SALE

TOTAL - 187 CREDITOS

26

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


2.90

2.80

2.80

ADMIN. EMPRESAS

FILOSOFIA

ECONOMIA

2.40

3.10 ING. CIVIL

DIS. INTERIORES

3.20 ING. ELECTRICA

2.80

3.25 ING. QUIMICA

ARTES GRAFICAS

3.30 BIOLOGIA

2012 - 3 DE CADA 10 PROFESORES ES MUJER

3.33

1966 - 0 DE CADA 10 PROFESORES ERA MUJER

ING. COMP.

2012 - 5.5 DE CADA 10 ESTUDIANTES ES MUJER

3.50

1966 - 3 DE CADA 10 ESTUDIANTES ERA MUJER

ARQUITECTURA

2012 - 7 BILLONES

MÍNIMOS DE IGS POR FACULTAD crédito-ponce = $285 crédito-poli = $200 crédito-upr = $55

estudiantes-ponce = 400 estudiantes-poli = 600 estudiantes-upr = 390

4+2=$14K BDA

M.Arq

66%

arquitectos (lic)-pr =687 arquitectos (ait)-pr =580 ingenieros (ciapr)-pr =10,646

de estudiantes reciben la PELL GRANT y pagan = de estudiantes reciben BECA DE HONOR y pagan=

$0

1 AÑO EN LA UPR = $1,800(B.DA) $3,700(M.Arch) - total for 6 years b.da + m.arch= $14,000 1 AÑO EN HARVARD, PENN, PRATT, COLUMBIA, CORNELL O MIT = $50,000 x 6= $300,000 1 AÑO EN GEORGIA TECH, VIRGINIA, MICHIGAN O ILLINOIS = $25,000 x 6= $150,000

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

27


Mitologías mediáticas: la materia del mito y la (re)producción del espacio de Savannah Edgardo Pérez Maldonado

14 “Con la boca es un mamey…” la política pública contemporánea de vivienda social y ordenación del territorio Pedro Cardona Roig 20 “Coge pa' Plaza y siéntate en La Terraza”: dos e-mails a Nelson Rivera Lilliana Ramos, Ph.D.

4

50

esbozo

6

editorial

La ciudad después del desplome inmobiliario Jorge L. Lizardi Pollock, Ph.D.

ensayos

1 2

4

vivir en la ciudad/ living in the city: 15 ensayos cortos de experiencias citadinas/ 15 short essays of urban experiences

26 Vereda metropolitana: un proyecto para (en)caminar San Juan Jorge Rigau 30 Soportes: vivienda y ciudad Andrés Mignucci y N. John Habraken

título

Portada e Indice de la revista (in)forma 4

fecha

08 · 2010

3

38 Vivir y pensar la comunidad Moderna: historias y memorias de la vivienda social Javier isado Jorge Lizardi Pollock, Ph.D. CIUDAD

5

66 CASH - Caribbean Affordable Solar Hous Sonia Miranda Francisco Gutiérrez

investigación

Carlos J. García Moreira

simposio

autor

74 ECO-QUI Fernando Abruña, Ph

76 Habitar San Juan: me y deseo Darwin José Marrero Francisco Javier Rod CIUDAD

86 Vivir en ciudad: propu de vivienda urbana Manuel Bermúdez

28

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


Habitar San Juan: memoria y deseo Darwin José Marrero Francisco Javier Rodríguez CIUDAD

Vivir en ciudad: propuestas de vivienda urbana Manuel Bermúdez

portafolio

142 Valcor Samcor: 45 años a la medida de la nueva arquitectura

dossier

8

134 Vivienda urbana en Río Piedras: la apropiación como alternativa a la expropiación. Fernando Avellanet 136 Un Lákou para Haití: catedra Haití - AIAS Poli / Andrés Mignucci

6

96

Exhibición Vivir Santurce en el MAC Luis Irizarry

98

Elemental: Iniciativa hacia nuevas cartografías urbanas María Isabel Oliver

104 Making it right in New Orleans: houses for the lower Ninth Ward Rafael Longoria

9

152 Entrevista a Héctor Arce Francisco Javier Rodríguez

entrevista

ECO-QUI Fernando Abruña, Ph.D.

124 Rethinking Home: AIAS student design competition 126 New Orleans studio: the lower Ninth Ward

reseña

CASH - Caribbean Affordable Solar House Sonia Miranda Francisco Gutiérrez

7

122 Bohemian Flats Boathouse: AIAS student design competition Ángel Vidro Sepúlveda

112 The High Line: un nuevo “taijitu” Jean P. Casillas, LEED AP 116 Intervenciones recientes en la ciudad: Desayuno Calle y Parking Day María Gabriela Flores

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

29


Ser una comunidad interdisciplinaria que descubre y construye la mejor educación de la Arquitectura.

MISIÓN

3ER AÑO DISEÑO

Crear un espacio cuyos valores de formación, investigación y trabajo fomenten el desarrollo de una educación que investiga aspectos tanto locales como globales; del arte como de la técnica; de la memoria como del deseo; de la conservación como del desarrollo sustentable y del conocimiento como de la innovación.

Zolimar Febles

3ER AÑO DISEÑO Zolimar Febles

Gabriela Pérez Edgardo Maldonado

2DO AÑO DISEÑO

PEP 1.5

78

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Jeirca M . Medina Pagán Carla J. González Vizcarrondo

7. ela. 76 arq 4. uit 00 ec 00 tura @ X. upr. 21 ed 14 u

Elaine Morales

La creación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico, en 1966, fue la culminación de varios esfuerzos realizados por arquitectos reconocidos e instituciones educativas de Puerto Rico. Durante los primeros 38 años se albergó en el antiguo edificio del Centro de la Facultad del Recinto de Río Piedras. A partir del segundo semestre del año académico 2003-2004 la Escuela de Arquitectura estrenó facilidades nuevas, las que permiten cumplir más adecuadamente con los requisitos para una mejor tarea de enseñanza-aprendizaje y el crecimiento del volumen estudiantil. Su currículo también ha sido revisado a tenor con las tendencias educativas que se han desarrollado en gran parte de las escuelas de arquitectura de los Estados Unidos. Comenzó modelada por los currículos de las universidades Cornell, Harvard y Massachusetts Institute of Technology para otorgar un Bachillerato en Arquitectura como primer grado profesional con un programa de seis años. En 1976, el programa se revisó para ofrecer un bachillerato en Diseño Ambiental y una Maestría en Arquitectura. Recientemente, su currículo fue revisado a tenor con las tendencias y necesidades que rigen la disciplina en el mundo contemporáneo. A 45 años de su creación, la Escuela admite los estudiantes con el índice académico más alto de todo el sistema universitario, cuenta con una facultad de primera proveniente de diferentes países, realiza publicaciones semestrales para promover el quehacer arquitectónico, opera siete centros de investigación, cuenta con una biblioteca con la colección más grande del Caribe y con un archivo de arquitectura puertorriqueña de calidad mundial. Todo ello es muestra de los logros alcanzados por nuestra comunidad académica a la vez que nos acercamos al medio siglo de historia.

4TO AÑO DISEÑO

Clara Tresgallos

4TO AÑO DISEÑO

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Stephanie Morales

escuela.arquitectura@upr.edu

787.764.0000 X. 2114

DE

4TO AÑO DISEÑO

Natalia Rey

3ER AÑO DISEÑO

HISTORIA

4TO AÑO DISEÑO

4TO AÑO DISEÑO

ESCUELA

VISIÓN

ARQUITECTURA

María Mercedes Serrano

UNIVERSIDAD DE PUERTO RICO, RECINTO DE RÍO PIEDRAS

1ER AÑO DISEÑO

3ER AÑO DISEÑO

Diseño Gráfico / 1ER MA Alberto J. de la Cruz Acevedo

Claudia Cintrón

4TO AÑO DISEÑO

Mónica Alicea

Luisel Zayas

escuela de arquitectura 1966 - 2011

BACHILLERATO EN DISEÑO AMBIENTAL

Alberto de la Cruz

fecha 2011

Diseño (35 créditos) Los cursos de Diseño preparan al estudiante para resolver problemas asociados a la manipulación de variables ambientales, con énfasis en aquellas situaciones de escala arquitectónica. Estos cursos se

Estructuras y tecnología (24 créditos) La secuencia de Estructuras y tecnología, prepara al estudiante en aquellos conocimientos técnicos necesarios para la materialización de la idea de diseño. La secuencia es abarcadora, tocando temas tales como los elementos resistentes del edificio, su diseño y cálculo, los aspectos climáticos del espacio y el control mecánico de los mismos, y los aspectos relativos al ejercicio profesional, entre otros. Se espera que el estudiante incorpore estos aspectos técnicos a los trabajos que desarrolle en los talleres de diseño.

programa de intercambio

1.1 ARQU3131

diseño

autor

Historia y teoría (18 créditos) La secuencia de Historia y Teoría expone al estudiante a contenidos asociados al desarrollo del diseño en el tiempo, desde la antigüedad a nuestros días. Se espera que a través de estos cursos el estudiante no solamente se informe acerca de aquellos diseñadores y las obras que han sido relevantes para el desarrollo de la actividad, sino también que desarrolle un pensamiento crítico que le permita reflexionar no solamente acerca de los tiempos pasados, sino acerca del presente y el rol que jugamos como diseñadores en nuestro contexto contemporáneo.

Secuencia curricular sugerida BDA

taller diseño 1

electivas tecnología estructuras historia teoría

Opúsculo de promoción de la Escuela de Arquitectura

INTERNACIONALIZACIÓN

dictan en los talleres de diseño de la Escuela, y siguen una modalidad de enseñanza basada en la práctica, donde los profesores actúan como mentores, trabajando conjuntamente con el estudiante en la resolución de los ejercicios presentados como parte de los cursos. El taller es un espacio de síntesis, donde el estudiante debe de hacer uso de los diversos conocimientos adquiridos a lo largo de los diferentes cursos de nuestra estructura curricular.

intro a arquitectura

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taller diseño 2

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CURSO ED.GEN.

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CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

lite / ciso / huma / arte

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estructuras 3 ARQU4313

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tecnología 2

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electiva

CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

CURSO ED.GEN.

ciencias naturales

lite / ciso / huma / arte

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lite / ciso / huma / arte

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VERANO

33 seculares 3 electivas

De igual manera, nuestros profesores participan en investigaciones, dictan ponencias, presentaciones y ofrecen conferencias en los Estados Unidos, Caribe, México, España, Córcega, Francia, China y Turquía, entre otros países.

Talleres conjuntos (Joint Studios) Los estudiantes participan en talleres conjuntos de diseño con las universidades de Cornell, Harvard, Rice y New Orleans, entre otras. Curso de Conservación Histórica – Taller de diseño especializado en conservación histórica durante el verano en la Universidad de Córcega. Cursos de viajes de estudio La Escuela ofrece viajes de estudio a Estados Unidos, Europa, América Latina y el Caribe enfocando en el estudio de la arquitectura y urbanismo de la ciudad visitada.

3. 4x = repetir en las 4 puntas

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3

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Compendio de Historia II / III

3

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Seminario de Diseño Arquitectónico Avanzado

Compendio de Estructuras II/III

Estructuras I

3015

3

Introducción a la Tecnología

14

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3

3

Compendio de Tecnología II/III 3

Electiva Dirigida: Narrativas Digitales

14

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3

5

14

17

AACUPR -Tiene la misión de rescatar, conservar, enriquecer y difundir los valores arquitectónicos del pueblo puertorriqueño a partir del 1898. El Archivo es custodio de más de 70 colecciones que incluyen la obra de importantes firmas de arquitectos e ingenieros como Pedro de Castro, Antonín Nechodoma, Rafael Carmoega, Pedro Méndez, Toro y Ferrer, Henry Klumb, Amaral y Morales, Robert Prann y Raúl Galla Benejam, entre otras. También se conservan las colecciones que documentan edificios particulares, como el Capitolio de Puerto Rico y el Falansterio y otras pertenecientes a corporaciones o instituciones como las Centrales Aguirre, Guánica y Fajardo, la Fundación Abarca y la Universidad de Puerto Rico. CIUDAD - Es un proyecto de investigaciones que ofrece interpretaciones interdisciplinarias sobre los problemas urbanos, su genealogía económica, cultural, ecológica o arquitectónica, en función de idear concebir posibilidades para su solución. Este proyecto tiene como norte la coordinación de perspectivas heterogéneas en todos sus proyectos de investigación y diseño con el ánimo de replantear las dimensiones de las prácticas del urbanismo contemporáneo. A esos efectos, CIUDAD constituye equipos de trabajo integrados por investigadores y estudiantes con bagajes académicos diferentes pero a la vez complementarios. En pocas palabras, en CIUDAD, la

construcción de conocimientos nuevos y las propuestas pertinentes a los dilemas de la vida urbana no es el producto de un solo campo del saber sino la suma de todas las áreas posibles del conocimiento. CIDI - La actividad de diseñar es probablemente aquella con la cual se asocia más directamente el trabajo profesional del arquitecto. Paradójicamente, es probablemente también el campo de conocimiento en la disciplina arquitectónica del cual se dispone de menor cantidad de conocimiento teórico acerca de los procesos que éste involucra. La meta principal de CIDI es entonces establecer un programa de investigación, discusión, y generación de conocimiento acerca de los diversos aspectos involucrados en la solución de problemas de diseño, partiendo desde la docencia de esta actividad hasta la práctica de la misma en la vida profesional. sTAND - Nace para agrupar y organizar un componente de curso electivo dirigido que forma parte de los requisitos de graduación del programa de bachillerato en diseño ambiental de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico. La oferta de cursos y talleres adscrita a sTAND está encaminada a ofrecer, primero, una secuencia de estudios, luego un área de énfasis y finalmente una concentración.

1966- 2011

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior

Ciclos de conferencias Todos los semestres se invita, a un grupo selecto de conferenciantesde reconocimiento mundial. Arquitectos / diseñadores, académicos o profesionales en áreas relacionadas a la arquitectura.

Talleres de diseño y cursos especiales Taller de Diseño Comunitario - intercambio de estudiantes, alternando un verano en la UNAM, México y otro en el taller de nuestra Escuela realizando proytectos que integran la teoría y la práctica del diseño al servicio comunitario. El Taller busca maximizar la calidad de vida de comunidades que normalmente no tendrían acceso a asesoría acerca del ambiente construído. Taller Virtual Internacional – Proyecto de diseño con participantes internacionales con sede en la Universidad de Stanford, California. Curso de verano en la Universidad de los Andes, Cartagena, Colombia.

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5

Compendio de Historia I

4321

Taller Introductorio de Verano: Seminario de Diseño Arquitectónico Intermedio

36 total de créditos

el CUBO:

1.1

Seminario de Diseño Arquitectónico Avanzado

4016

Requisitos: • Bachillerato en disciplinas distintas a la de arquitectura (presentar evidencia de grado) • Índice académico general mínimo de 3.0 puntos, en escala de 4.0. • 3 créditos en un curso de Historia del Arte o Historia de la Arquitectura. • 3 créditos en un curso de Física o Ciencias Físicas. • 3 créditos en un curso de Cálculo.

Secuencia curricular sugerida PEP 1.5

5995

Proceso de Admisión: • Someter una solicitud de admisión al programa • Entregar una declaración de Propósito (600 palabras) • Enviar dos (2) cartas de recomendación

• Entregar dos (2) copias oficiales de transcripción de créditos que deben ser enviadas directamente a la Oficina del Programa Graduado por el registrador de la institución de origen. • Una vez se reciban los documentos requeridos de Admisión se citará a los candidatos para entrevista. • El candidato puede traer trabajo creativo adicional a la entrevista • La fecha límite para solicitar es durante la tercera semana del mes de febrero.

4030

El Programa de Estudios Preparatorios (PEP1.5) ofrece estudios pos bachillerato en Diseño Ambiental. El Programa va dirigido a estudiantes que han completado un bachillerato en disciplinas distintas a la arquitectura. El PEP1.5 se puede completar en un año y medio. Comienza con un Taller de Diseño introductorio de verano seguido por dos semestres. Los cursos son un compendio del Bachillerato en Diseño Ambiental (BDA) de la Escuela de Arquitectura. La secuencia curricular es rigurosa y le provee al estudiante una base intelectual amplia en las áreas de diseño arquitectónico, historia, teoría, tecnología y práctica profesional. Al finalizar el Programa, los estudiantes solicitan entrada a la Maestría en Arquitectura del Programa Graduado. El PEP1.5 ofrece estudios Pre-profesionales en Arquitectura. La Maestría en Arquitectura es un grado Profesional en Arquitectura que - en combinación con un Internado de Práctica Profesional y la Reválida – permite al graduado practicar la profesión como Arquitecto Licenciado.

30

Con convenios en proceso con la Universidad de Palermo, Argentina y la Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona ELISAVA, la Ecola da Cidade, Facultad de Arquitectura de Sao Paulo, Brasil y la IE Escuela de Arquitectura y Diseño en Segovia, España.

Profesores visitantes Contamos con profesores visitantes que se integran a cursos de diseño o electivos en sus diferentes especialidades dentro de nuestra disciplina.

INVESTIGACIÓN

PEP 1.5

1.

La Escuela de Arquitectura, inmersa en el esfuerzo de la Universidad de Puerto Rico para incorporar la internacionalización como parte integral de una formación académica que propicie la diversidad y la colaboración intercultural, fomenta una serie de actividades de rango internacional a través de: Intercambio de estudiantes y docentes: - Universidad Iberoamericana, República Dominicana - Universidad Nacional Autónoma de México, México - Universidad de Guadalajara, México - Universidad de Sevilla, España - Universidad Politécnica de Madrid, España

historia teoría 6

lite / ciso / huma / arte

17CR

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taller diseño 7

historia teoría 5

inglés

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práctica profesional CURSO ED.GEN.

ciencias naturales

CURSO ED.GEN.

taller diseño 6

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ELEC. DIRIGIDA

3.2 ARQU4134

taller diseño 5

tecnología 1

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CURSO ED.GEN.

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intro a tecnología

cálculo

3.1

2.2 ARQU3134

taller diseño 3

ARQU4211

CURSO ED.GEN.

general

título

El Bachillerato en Diseño Ambiental (BDA) de la Escuela de Arquitectura, es un programa no profesional de cuatro anos de duración. Está orientado a personas que quieran tener un grado preparatorio antes de continuar estudios de arquitectura o campos afines. Nuestro Bachillerato procura establecer un balance entre los aspectos conceptuales del diseño y las técnicas que permiten materializar esas ideas. Por ello nuestra educación comprende cursos de cortes tanto humanísticos como técnicos, teniendo siempre como referencia las necesidades particulares de Puerto Rico. El programa se compone de 39 cursos, para un total de 131 créditos. Estos créditos se subdividen en 42 créditos del componente de educación general, 9 créditos de cursos electivos, y 80 créditos de cursos de concentración. Los cursos de educación general, preparan a nuestros estudiantes en diversas áreas, tales como física, matemáticas, biología, literatura y ciencias sociales. Los cursos electivos, por otra parte, le permiten al estudiante tomar cursos de acuerdo a sus intereses, en cualquiera de las múltiples áreas de conocimiento disponibles en el Recinto de Rio Piedras y/o los demás Recintos del sistema de la Universidad de Puerto Rico. Los cursos de concentración son aquellos dirigidos a los conocimientos específicos del área de diseño ambiental. Se subdividen en diseño (35 créditos), historia y teoría (18 créditos), estructuras y tecnología (24 créditos).


título

Opúsculo de promoción de la Escuela de Arquitectura

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

11 · 2009

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

31


título

Calendario de presentaciones de jurados del Programa de Bachillerato

autor

Darwin Marrero

fecha

7 · 2009

32

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


presentaciones finales

p r o g r a m a g r a d u a d o escuela de arquitectura universidad de puerto rico

segundo semestre 2010/2011 tesis / proyectos de fin de carrera / diseño

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(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

33


título

Portada Revista arq.i.tec

autor

Carlos J. García Moreira

fecha

02 · 2011

34

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


título

Carátula de CD LOGO BEAT

autor

Alberto de la Cruz

fecha

2 · 2011

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

35


EGG surge como parte de un esfuerzo dirigido a ofrecer una mayor participación al cuerpo estudiantil en la discusión crítica de la arquitectura en la academia y como profesión. La publicación es desarrollada como iniciativa de un curso que viera la práctica del arquitecto dirigida hacia la investigación y crítica. El curso, diseñado por el profesor Darwin Marrero y el a!án de varios estudiantes buscando oírse, tomó forma y, como gallina ponedora decidimos pujar EGG [crack it!]. Luego de la visita de WAI, y conscientes la necesidad de dejar que voces jóvenes se mani!iesten, se decidió comenzar a empollar la primera publicación estudiantil de la Escuela de Arquitectura del Recinto de Río Piedras. EGG, acrónimo de estudiantes generando gorjeos, tiene como propósito tocar temas y tabúes que muchas veces se aislan de lo que se discute en las aulas. Conversaciones de pasillo y preocupaciones latentes sobre aquello con lo que nos tropezamos en la calle, son parte del cascarón que tratamos de quebrar. El objetivo de EGG es implantar en las mentes de los estudiantes la práctica de un ejercicio de crecimiento intelectual. La pertinencia de esta publicación estriba en la capacidad de desarrollar pensadores y proveer exposición necesaria, generando así sed de cuestionarse la ciudad, los edi!icios y la práctica. El comité editorial desea manifestar a la comunidad académica en qué se !ija esta nueva generación, ya sean problemáticas emergentes o aquellas que aún en la actualidad mantienen su vigencia.

título

EGG - Estudiantes Generando Gorjeos

autores

Nicole Castro Ana Corujo Alberto De La Cruz Jennifer Lozano Frances Ortiz

fecha

06 · 2012

36

diseño | industrial - gráfico - moda - interior


the evolution of pedagogy architecture at Cornell wells + warke williamson + simitch better + buckley chi+ curry closing panel School of Architecture University of Puerto Rico www.ea.uprrp.edu

9 11 1 3

moderator: francisco j. rodríguez

moderator: maría rossi

moderator: víctor nieto

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título

Cartel para Simposio: Evolution of Pedagogy

autor

Edgardo Arroyo

fecha

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4 · 2013

pm

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moderator: esteban sennyey

andrés mignucci + jorge rigau + javier isado Sala Torres Martinó

April 12 | 2013 (in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

37


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Muuaaa es lo que ocurre cuando el diseño y la cultura se encuentran... Miguel Miranda, Celina Nogueras Principales - Muuaaa

Con base en San Juan desde el 2007, Muuaaa ha sido el estudio de la curadora Celina Nogueras Cuevas y el diseñador y egresado de arquitectura Miguel Miranda Montes. Con la intención clara de hibridizar el diseño y la cultura el estudio ha sido responsable de llevar a cabo proyectos innovadores como lo son la Feria Internacional de Arte CIRCA, el libro FRESCOS: 50 artistas puertorriqueños menores de 35, la exhibición temática ON/ OFF: Opciones de Energía para Puerto Rico y el Technological Rainforest Expo para Toyota y Lexus. A través de un acercamiento transdisciplinario y de una creencia firme en la supremacía del buen diseño, Muuaaa siempre busca optimizar experiencias, espacios y proyectos para sus clientes.

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Con un modelo de oficina muy particular en Puerto Rico, la Con un modelo de oficina muy particular en Puerto Rico, la misión de Muuaaa es generar contenido y aportar soluciones de diseño para los clientes a través de la creación de experiencias o eventos de impacto cultural. Esta oficina de creativos se ha caracterizado por el desarrollo de proyectos de vanguardia en Puerto Rico como exposiciones, feria de arte urbano, subastas, eventos de arquitectura y diseño de experiencias para tiendas y marcas, además, de varias publicaciones. Muuaaa cuenta con talentos multidisciplinarios, que reúnen capacidades provenientes de áreas tan diversas como arquitectura, arte, diseño gráfico, comunicaciones y relaciones públicas. Es a través de la integración de las diferentes profesiones que se logra la diferencia y la innovación de los proyectos que trabajamos. Lo refrescante de la oficina es que fusiona especialidades de un estudio de diseño gráfico, oficina de arquitectura y de una agencia de publicidad.

¿Cuál es la filosofía que motiva a Muuaaa? CNC: Parte esencial de nuestra filosofía parte de la idea de la democratización de la cultura y el diseño. Eso significa llevar la cultura a un público cada vez más amplio. El desarrollo cultural de Puerto Rico necesita todavía una labor de educación hacia esos fines. Se necesita que la gente se interese mucho más por consumir productos culturales y que haya un entendimiento en los beneficios del buen diseño. Esto para nosotros se logra a través de diversas estrategias que parten de la premisa que la cultura puede tomar prestado estrategias del mundo del entretenimiento, sin sacrificar contenido. Es solo una cuestión

de forma. Queremos generar más adeptos y entusiastas de la cultura. Mis dos proyectos más emblemáticos dentro del sector cultural, la feria de arte CIRCA y el libro FRESCOS parten de esa mentalidad. Me interesa además lograr el reconocimiento y la importancia del buen diseño en todos los aspectos de la vida.

sean sencillos o complejos al final terminas con un proyecto con diferentes capas de complejidad e información.En mi caso yo vengo del estudio de la estética y la filosofía, la cual ayuda muchísimo al desarrollo conceptual y marco teórico de los proyectos.

MMM: Aunque venimos de las ramas de la arquitectura y el arte nos interesan otros segmentos de la cultura contemporánea. Creemos que debemos estar todo el tiempo en contacto con el arte, diseño, arquitectura, moda, gastronomía, coctelería y tecnología, entre otras. Para poder generar cultura hay que vivirla en todas sus facetas. Nosotros no vemos que sea posible de otra manera.

¿Cómo llegan a desarrollar el interés y el concepto de brandscaping?

Dentro del contexto del diseño, ¿Cómo ustedes hacen para poder mantener una producción tan diversa? MMM: Aunque mi formación es en arquitectura no trabajamos en la oficina segregando profesiones. Celina y yo nos acercamos a los retos como un “design-multi-tasking studio”. Esto requiere diferentes disciplinas y preparación para poder resolver un problema de diseño de la mejor forma. Siempre trabajamos como equipo para generar la idea, luego como grupo la desarrollamos para luego volver al final al “drawing board” común y pulir la propuesta final. Esto permite que el proceso pase por diversas reflexiones y se nutra de los diferentes expertise y experiencias de cada uno. CNC: Si, esto del “design-thinking” es una forma de poder pensar en soluciones innovadores o interesantes antes problemas, ya

MMM: La amplitud de los servicios que ofrecemos en el campo del diseño nos ha permitido hacer proyectos para marcas comerciales, siempre desde una perspectiva fresca y única. La fusión de disciplinas y la investigación siempre informan el proceso; ese es nuestro distintivo y la razón de que cada vez más clientes confíen en nosotros para diseñarles experiencias y objetos que realcen el valor de sus marcas. Creemos que, desde la perspectiva de branding, el diseño de objetos y experiencias pensados a la medida para las marcas sirven para fortalecerlas y estrechar vínculos emocionales con sus consumidores. CNC: En un mundo donde la visibilidad de marca ya no es suficiente, la marca tiene que tener un rol más significativo en las vidas de sus consumidores y es a través de las experiencias que la gente se siente identificada con algo único y crea lealtades. El diseño viene a llenar ese rol y en ese sentido la combinación de un curador y un diseñador le brinda una perspectiva única a los proyectos. Nos acercamos a los proyectos comerciales desde lo que llamamos Brandscaping, una disciplina emergente que combina el diseño espacial y de objetos con estrategias de branding para elevar la experiencia que los consumidores tienen con las marcas.

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Algunos de los proyectos de Muuaaa:

FRESCOS FRESCOS presenta el trabajo de 50 artistas puertorriqueños menores de 35 años de edad, seleccionados por un grupo de curadores internacionalmente reconocidos. Estos artistas forman parte de una generación cosmopolita que ha trabajado o estudiado alrededor del mundo. Ocho ensayos proveen el contexto para su producción. FRESCOS es el primer libro en documentar el trabajo de la escena de arte contemporáneo en Puerto Rico. De portada a portada, todo sobre FRESCOS fue cuidadosamente planeado siguiendo el concepto creativo de la editora, Celina Nogueras Cuevas y Miguel Miranda Montes. Desde utilizar el guineo (banana) como la imagen principal del libro y producir las divertidas fotografías que dividen cada sección, hasta el tamaño de la letra y la impresión bilingüe, nada sobre FRESCOS fue dejado al azar. Muuaaa estuvo a cargo de toda logística y coordinación del libro, la comunicación con los artistas, la selección de curadores, el contenido, el diseño gráfico y la diagramación. FRESCOS es el primer libro publicado por Muuaaa Publishing y distribuido por ActarBirkhauser, una reconocida casa publicadora basada en Barcelona y Suiza, que se especializa en libros innovadores sobre arte contemporáneo, diseño gráfico y arquitectura, y está disponible para la venta tanto en Amazon.com, como en instituciones de arte como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), la librería del MoMA P.S.1, El Museo del Barrio, y el Museo de Arte de Houston, entre otros.

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ON/ OFF On/Off: Opciones de Energía para Puerto Rico, es una exposición didáctica-temática que contextualiza a Puerto Rico dentro del panorama de la crisis energética mundial. Se presenta actualmente en la Sala de Exhibiciones Rafael Carrión Pacheco, ubicada en el segundo piso del edificio del Banco Popular en el Viejo San Juan. En el caso de ON/OFF, Muuaaa estuvo a cargo del diseño de exhibición, diseño gráfico, diseño interactivo, y diseño de muebles además del video y la página web. El equipo de investigación del proyecto estuvo capitaneado por el Arq. Fernando Abruña. Uno de los mas exitosos es que se logró crear una coherencia “across the board” a través de todo el diseño, que todos los elementos exhalan las características distintivas del tema. La exhibición tiene como eje principal la forma del círculo y los arcos, que se ven utilizados alrededor de la exhibición en el diseño grafico en los muebles y el diseño espacial. Tanto la forma del espacio como la forma de los muebles cumplen un fin utilitario, las posibilidades de diseño se destacan por el uso de formas curvas y de puntas redondeadas, que hacen eco del lenguaje gráfico característico de la exhibición y, a la vez, maximizan la cantidad de personas que pueden sentarse.

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Technological Rainforest Partiendo del concepto de representar la naturaleza a través de la tecnología, la exhibición Technological Rainforest tenía como intención crear una experiencia de marca que nunca antes se había visto por la marca en Puerto Rico o a nivel internacional. Se presentó el concepto como formato de exhibición y contó con una serie de elementos diseñados a la medida tales como candelabros digitales que simulaban gotas de lluvia (que fueron programados y simulados a través de los microprocesadores Arduino ), proyecciones gigantes de la naturaleza y un mini anfiteatro que representaba una topografía artificial. También destacan la fabricación de los muebles a la medida que acompañaban y delimitaban el espacio de exhibición de los vehículos. Estos, cuyo diseño teselado evocaba formas de rocas o diamantes, fueron fabricados mezclando procesos de fabricación digital con ebanistas locales. Usando tecnologías como Arduinos , herramientas paramétricas (CAM_CAM) y de fabricación digital, el diseño se puede llevar a otro nivel convirtiendo los objetos de la experiencia únicos. El marco de referencia estructural y estético del diseño, en este caso, fue la naturaleza, la cual es objeto de investigación continua en Muuaaa.

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CIRCA Bajo la dirección artística de Celina Nogueras Cuevas, CIRCA fue la primera feria de arte del Caribe. Como parte de las responsabilidades como Directora Artística y Curadora de la feria se encontraba establecer relaciones con artistas, galerías, y coleccionistas; determinar los requisitos para los participantes; ver galerías potenciales y persuadirlas a participar; supervisar todos los aspectos visuales y de reconocimiento de marca de la feria y coordinar las actividades paralelas a la feria. CIRCA disfrutó de visibilidad como una marca y un producto a escala global.

¿Quién es Muuaaa? Miguel Miranda Montes,

dirige la división de diseño de Muuaaa, es graduado de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico y tiene una maestría en Arquitectura y Urbanismo de la Architectural Association (DRL) en Londres. Miguel es responsable de la identidad gráfica de proyectos tales como el Primer Simposio de Diseño Tropical, la bienal de arte urbano Graphopoli y el libro FRESCOS: 50 artistas puertorriqueños menores de 35. Fue editor asociado de la revista Entorno del Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas de Puerto Rico y ha dictado cursos en la Escuela de Arquitectura de Ponce de la Pontificia Universidad Católica de Puerto Rico y el UPR Visiting School en la Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona (ELISAVA) en Barcelona, España.

Celina Nogueras Cuevas completó un Bachillerato en Historia del Arte y Filosofía en la Universidad de Puerto Rico y una Maestría en Estética y Artes Visuales del Siglo 20 en la Universidad de Essex en Inglaterra. A través de Muuaaa o independientemente, Nogueras Cuevas ha dirigido eventos a gran escala tal como CIRCA PR, la primera feria de arte del Caribe, para la que sirvió como directora artística, y Graphopoli, la primera bienal de arte urbano del Museo de Arte de Puerto Rico en el 2008. Celina es también reconocida por ser editora de la Revista Entorno del Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas de Puerto Rico(2005-2008) y por haber sido Gerente del Proyecto de Arte Público de Puerto Rico. Es también la editora y autora de FRESCOS: 50 artistas puertorriqueños menores de 35 años. (in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

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Solar al sur: El “piso específico” de Andrés Mignucci y María de Mater O’Neill Lilliana Ramos Collado Escuela de Arquitectura Universidad de Puerto Rico, Río Piedras

“… En aquel imperio, el Arte de la Cartografía logró tal Perfección que el mapa de una sola Provincia ocupaba toda la ciudad, y el mapa del Imperio, toda una Provincia. Con el tiempo, estos Mapas Desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que tenía el tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. Menos Adictas al Estudio de la Cartografía, las Generaciones Siguientes entendieron que ese dilatado mapa era inútil y no sin Impiedad lo entregaron a las Inclemencias del Sol y de los Inviernos. En los desiertos del Oeste perduran despedazadas Ruinas del Mapa, habitadas por Animales y por Mendigos; en todo el País no hay otra reliquia de las Disciplinas Geográficas. [Sic]” —Jorge Luis Borges, “Del rigor en la ciencia”

“SUSANNA: Cosa stai misurando, /caro il mio Figaretto? FIGARO: Io guardo se quel letto/ che ci destina il Conte/ farà buona figura in questo loco.” - Lorenzo da Ponte / Wolfgang Amadeus Mozart, Le noce di Figaro 1 46

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Quise comenzar citando un recuerdo museológico de Jorge Luis Borges (1960:847): un relato que describe el mapa de una ciudad que tiene las dimensiones exactas de la ciudad misma, y que el autor colocó en una sección titulada “Museo” de su libro El hacedor. Lo que en la materialidad urbana constituye mero hábitat, en el mapa se convierte en desmesura. La clave del mapa es la pequeña escala, que nos permite sobrevolar la urbe con una mirada cenital sin perder nuestra propia escala humana. Por lo tanto, un mapa tan grande como la ciudad derrota su propósito: poder andarlo con los dedos, poder reconocer — en la abstracción de forma y contenido — los rasgos esenciales de un territorio. El mapa es y no es el país. Pero una semejanza suficiente lo anima y legitima. Según Denis Cosgrove2 (1999:2), el mapa encauza un tipo de lenguaje — el de la cartografía — convirtiéndose en una tecnología de comunicación: Casa Poli - Architects: Pezo von Ellrichshausen Location: Coliumo peninsula, Chile - 2005

To map is in one way or another to take the measure of a world, and more than merely take it, to figure the measure so taken in such a way that it may be communicated between people, places or times. The measure of mapping is not restricted to the mathematical; it may equally be spiritual, political or moral. The mapping’s record is not confined to the archival; it includes the remembered, the imagined, the contemplated. The world figured through mapping may thus be material or immaterial, actual or desired, whole or part, in various ways experienced, remembered or projected. […] Acts of mapping are creative, sometimes anxious, moments in coming to knowledge of the world, and a map is both the spatial embodiment of knowledge and a stimulus to further cognitive statements. El mapa, como tecnología minimalista que comunica “informaciones” de diverso talante para conducir de diversa manera al advenimiento del conocimiento, es acorde con el concepto de aparato elaborado recientemente por Giorgio Agamben de forma clara e incitante. Un aparato es: …literalmente cualquier cosa que de alguna forma tiene la capacidad de capturar, orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar, o asegurar los gestos, las conductas, las opiniones o los discursos de los seres vivientes. No se trata sólo de prisiones y manicomios, del panóptico, de escuelas, la confesión, las fábricas, las disciplinas, las medidas jurídicas, etcétera (cuya conexión con el poder es en cierto sentido evidente), sino también del bolígrafo, de la escritura, de la literatura, de la filosofía, de la agricultura, de los cigarrillos, de la navegación, de las computadoras, de los teléfonos celulares, y —por qué no—, del lenguaje mismo, que es tal vez el más antiguo de los aparatos—aquel en el cual hace miles de años un primate, sin querer, se dejó capturar, probablemente sin darse

cuenta de las consecuencias que estaba a punto de enfrentar. 3 El mapa — aparato ausente de la lista de Agamben, pero que sigue de forma puntual su esbozo del concepto — hace la mímica de otro aparato aún más antiguo: el trazo, en la tierra misma, del límite del territorio, la línea que segrega el espacio entre lo sagrado y lo profano, segregación simbólica que ordena nuestra experiencia y que da cuenta de la fundación del ser en el mundo redimido del caos de lo irrestricto al entregarlo a lo sagrado del “lugar”. La diferencia entre, por ejemplo, la agrimensura (como trazo directamente sobre el terreno) y el mapa es una de escala, y, a diferencia de la relación signo/referente en el lenguaje verbal, el mapa recoge el territorio en la imagen de su forma y de su mensura. El mapa, mímica del trazo “real”, convierte el terreno en territorio, le da sentido al ordenar sus lugares y al realizar la trama de sus recorridos. Por otra parte, la “cabaña primitiva”, como ficción emblemática de la primera habitación humana, es también operación de ese trazo, en tanto, como nos advierte Martin Heidegger, el emplazamiento de esa primera morada arrancada al bosque — a lo no cartografiado, a lo informe — implica no tanto el acto de edificar, como el de “reservar un lugar” para poder ocuparlo “en paz”4. La ocupación pacífica del lugar — el habitar— opera a su vez una oposición entre la tranquilidad y el peligro, entre el adentro y el afuera del territorio trazado. Arrancamos el espacio al bosque para “pacificarlo” con nuestro propio acto de habitar, y de ahí la frecuencia con la cual, en el origen de un territorio, de una ciudad, de un espacio sagrado, se imagine una lucha de titularidad para alcanzar esa posesión pacífica. El territorio se inscribe así, y su bitácora, su dación de orden, es el mapa. Esta idea la condensa agudamente Gilles Deleuze cuando propone: Las fuerzas del caos son mantenidas en el exterior en la medida de lo posible, y el espacio interior protege las fuerzas germinativas de una tarea a cumplir, de una obra a realizar. Hay toda una actividad de selección, de eliminación, de extracción para que las fuerzas internas de la tierra no sean englutidas, puedan resistir, o incluso puedan extraer algo del caos a través del filtro o la criba del espacio trazado.5 Al cribar, al someter el caos a un proceso de minería, extraemos territorio cierto, identidad, el resultado feliz de una batalla contra lo informe 6. De hecho, estos aparatos existen, según Agamben, en oposición a los seres vivientes. También propone que es en la lucha entre aparato y ser viviente que se cuela y se cuaja el sujeto. La actual proliferación de aparatos provoca una diseminación que termina por revelar la prestidigitación de la identidad personal en tanto ésta se refiere a ese sujeto aparatoso, que no es el ser, sino su máscara. Se comprende entonces por qué la “territorialidad”, ese aparato que Agamben olvidó

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mencionar, se confunde con el proceso de subjetivación que llamamos identidad.

en Chile, que en el idioma indígena significa —interesantemente— “el fin del mundo”.

Hoy se propone otra posibilidad en el proceso de identificación entre sujeto y territorio: lo que el teórico del arte Nicolas Bourriaud ha llamado el sujeto radicante, un individuo cuyas raíces nacen mientras avanza, y siguen su paso por el mundo. “El adjetivo radicante califica a ese sujeto contemporáneo atormentado entre la necesidad de un vínculo con su entorno y las fuerzas del desarraigo, entre la globalización y la singularidad, entre la identidad y el aprendizaje del Otro. Define al sujeto como un objeto de negociaciones.”7 El radicante — aquél sujeto nómada que arranca sus raíces y las pone en movimiento para replantarlas y replantearlas en diversos contextos, conductas e identidades, y que está dispuesto a resignificar íconos e imágenes y a borrar el origen — lleva a cuestas su mochila identitaria llena de objetos que le obligan a reevaluar los modos de producción, consumo y uso de la cultura; objetos que, al ser colocados en el espacio, crean un lugar para él, quizás efímero, siempre imaginario en tanto es trazo, hecho sobre la marcha y presto a borrarse con el polvo, a volver a criar maleza y olvido. En su Pintura para un piso específico (2008), el dúo María de Mater O’Neill-Andrés Mignucci examinan en profundidad el desasosiego ante la territorialidad como acicate de la identidad, y replantean el concepto “territorio” que termina trayendo a la luz la acción siniestra del aparato territorial y cartográfico, de ese modo dislocando el concepto de “identidad”. Veamos.

Dos años de trabajo los llevaron primero a un acuerdo de no agresión y de respeto mutuo. Luego, al repaso de una densa bibliografía teórica y filosófica, luego a un examen minucioso de la obra existente de cada cual, y luego a un juego surrealista: el cadáver exquisito. Se decidieron finalmente por una superficie fina de vinilo magnético, decorada digitalmente por un diseño que evoca la textura superficial de los bloques de Lego®. Colores estridentes y planos, formando rayas estrictas. Nada de base sino el vinilo, pura apariencia superficial haciendo las veces de ristra de bloques levantados sobre el suelo: un piso blando con un aspecto duro, aunque igual de sintético. El primer gesto fue usar ese piso específico de alfombra, y les chocaron los colores, demasiado estridentes, demasiado aviesos al paisaje marino del Pacífico Sur y a la estructura de CasaPoli. Un segundo intento vino del azar: una almohada usada para tapar un hueco en la secuencia de piezas les hizo ver otro uso de este ensamblaje: un espacio de reposo, un lecho. Debajo de él fueron a parar colchones de lana y otras materias cuya misión sería dar contorno al suelo, crear una topografía para ese lecho.

Pintura para un piso específico es el título de un libro escrito a cuatro manos que a su vez pormenoriza el proceso árduo de una colaboración entre la artista María de Mater O’Neill y el arquitecto Andrés Mignucci, que también se titula Pintura para un piso específico8. Este proyecto respondió a una invitación de CasaPoli, Concepción, Chile, a ocupar una residencia artística en una estructura diseñada para llevar a cabo residencias artísticas internacionales, precariamente asomada a un farallón que avista el Pacífico Sur. A juzgar por las fotos, la inmensidad del mar, que Emanuel Kant llamaría “sublime”, aplasta todo con su mera escala inconmensurable. Frente al mar infinito, todo es finito y pequeño. La casa, refugio tópico de la humanidad, prótesis humana equivalente al caracol, carga en sí la hendidura del contraste: a la inmensidad del mar, la casa responde con su mesura acorde con nuestro cuerpo, humano y magro. Retada por la tradición pictórica que asigna a la pared la primacía de los trasfondos, O’Neill se planteó plantarse en el suelo. En vez de producir una obra vertical, produciría una obra horizontal, no al alcance de los ojos, sino de los pies. Allá abajo, gozaría de los azares de la inatención ocular. Ese llamado “piso específico” estaría hecho para el cuerpo y para nuestro sentido más rastrero: el tacto, y no para el más espiritual de los sentidos: la vista. O’Neill decidió parear su ingenio con el de Mignucci como arquitecto. Entre ambos harían un piso específico para esa casa

Es curioso recordar aquí la noción de suelo como materia de materias, como lo estable por excelencia. Sin esa base, no hay edificio que aguante la embestida accidentada de lo real. Estamos ante un piso ondulado, inestable, cuya desigual superficie poco tiene de piso, y requiere que se le use de lecho, y este uso lo convierte, fundamentalmente, en un espacio “primitivo”, qué se yo, el suelo de arena donde duerme, embozado en una túnica multicolor, el hermoso gitano de Henri Rousseau…

Portada del libro: Pintura para un piso específico por Andrés Mignucci y María del Mater O'Neill

Surge entonces la pregunta por la pintura. No hay aquí acto alguno de pintar, ni gesto alguno de figurar, sino más bien de colocar color, no como objeto visual, sino —como quería Deleuze— ofrecido, en la calidad plana de su color estridente y sólido, al sentido volumétrico e “indexicalizado” del tacto9. Un piso para tocarlo con los ojos, primero, y después con el cuerpo que ni experimentará los volúmenes estrictos de los bloques de color, ni sentirá, como la famosa princesa del cuento de Andersen, los tarugos de los Legos levantados como guisantes delatores. La idea del fin del mundo queda emplazada con este piso específico: invitar al descanso al borde del abismo sobre esta especie de alfombra mágica de vinilo magnético que parece una cama de tarugos para niños fakires. La alusión a las alfombras de jacinto sobre un lago10 impulsa ese sentido de suave ondulación del agua o de la brisa leve que podría encampanar esa alfombra para dormir sobre el vacío ese sueño del final al borde del filoso acantilado. No estamos aquí acomodando en un buen lugar la siniestra cama matrimonial donada por el mujeriego Conde Almaviva a Fígaro y a Susana —como en nuestro epígrafe de da Ponte—,

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sino acomodando el lecho al que alude Heidegger, hecho para habitarlo en paz, si bien en el fin del mundo y al borde del abismo. Esta casa dentro de la casa me recuerda la exfoliación infinita a la que nos invita Jacques Derrida al hablarnos del meollo y la corteza. Cuán interior puede ser el interior de la casa que nos acoge, cuánto más debemos protegernos de la casa misma como una exterioridad del cuerpo11. Este piso, que nos invita al sueño y así a deponer la disciplina rigurosa de la vigilia, nos adentra en el escenario caótico de los símbolos, del acertijo que debemos cada mañana descifrar para poder salir a la calle. Desterritorializada la casa, abolida la identidad de los sujetos gracias a la invitación al sueño, este locus no es otra cosa que un abismo ante cuya boca oscura se cierne la ominosa frase, “Lasciate ogni apparato, voi ch’intrate”12.

Esta obra —y el libro que le sirve de documento y que desafía el carácter efímero de la intervención en CasaPoli— produce una meditación compleja sobre cuán precaria es la identidad que no puede predicarse sobre un territorio cierto y cuyo mapa es la cosa misma, inscrita en el suelo. El piso específico, si bien mullido lecho que se desmaterializa al asumirse como espacio del sueño, no puede escapar del hecho de estar colocado en Chile, es decir, en “el fin del mundo”. Aquí, la cesura creciente entre territorio e identidad se traduce en una obra hendida, atribulada, como dice Bourriaud, entre la prevención del desarraigo y las fuerzas que lo producen. Estamos ante la ocasión de trazar el recuadro de habitación, la casa como lecho primario, el aparato esencial sin el cual todo es pura intemperie. Si bien paradójicamente, este piso específico deliberadamente lucha contra lo informe produciendo su opuesto: una teoría de lo informe, también, como teoría, sirve para dormir, pero sobre todo, para soñar el mundo material.

En fin, existe gran desasosiego en estos dos artistas por lo radicante, por lo que no radica, contrario a lo inmueble, a los bienes raíces. Ese desasosiego se manifiesta en una obra que subvierte el aparato territorial. De hecho, nuestra identidad, cada vez más desligada de una tierra cuya estabilidad aparece cuestionada, se asoma siempre al escarpado abismo de roca que marca el fin del mundo. Pero no hay temor en esta obra que replantea el uso mismo de la obra de arte como nueva experiencia estética de desterritorialización en la cual se emborronan las nociones del ser y de lo íntimo. Radicantes cada cual a su manera, Mignucci y O’Neill nos hablan de una nueva manera de no-estar. Y nos dicen: nuestra casa está en el fin del mundo. Es hora de fundarla de andadura, mientras recorremos, junto a Animales y a Mendigos, las Ruinas del Mapa.

(Endnotes) 1 “SUSANA: ¿Qué estás midiendo / mi amado Figarillo? FÍGARO: Me aseguro de que el lecho / que nos destina el Conde / irá bien en este lugar.” Libreto de Lorenzo da Ponte para Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart, Acto I, Escena Primera. La traducción del italiano es mía. 2 Denis Cosgrove. “Introduction”. En Cosgrove, ed., Mappings. London: Reaktion Books (1999): 2. 3 Giorgio Agamben. “What is an Apparatus?” En What is an Apparatus? and Other Essays. Stanford: Stanford U Press (2009): 14.La traducción del inglés es mía. 4 Martin Heidegger. “Building Dwelling Thinking”. En Basic Writings. New York: Harper Perennial (2008): 351. 5 Gilles Deleuze y Félix Guattari. Mil Mesetas. Valencia: Pre-Textos (1988): 318. 6 Me refiero a la definición tentativa que ofrecen Yve-Alain Bois y Rosalind Krauss en su libro ya clásico L’Informe: Mode d’emploi, Paris: Éditions du Centre Georges Pompidou (1996), que fuera el texto del catálogo de la exhibición homónima en el Centro Pompidou del 22 de mayo al 26 de agosto de 1996. La definición informe del concepto “informe” incluye descriptores como “materialismo rastrero”, que se asocia con lo excrementicio; la “horizontalidad”, en el sentido de que lo informe es lo que coloca en un eje horizontal la boca y el ano, y por lo tanto pone en el mismo nivel lo puro y lo impuro; el “pulso”, que introduce la carne misma como indicador del tiempo arrítmico del cuerpo; y la “entropía” como, literalmente, la medida del caos. Vale señalar que estos descriptores que Bois y Krauss relacionan con lo informe guardan una similitud notable con la idea de “homogeneidad” con la cual Mircea Eliade describe el espacio neutro, no cartografiado, no sacralizado, de lo profano, en su igualmente clásico libro. Mircea Eliade. Lo sagrado y lo profano. Barcelona: Paidós (1998): 21-27). 7 Nicolas Bourriaud. Radicante. Buenos Aires: Adriana Hidalgo, Editora (2009): 57.

8 De esta intervención en CasaPoli —producto de una estrecha colaboración entre los artistas efectuada de agosto de 2007 a noviembre de 2008)— queda como testimonio documental un hermoso y densamente ilustrado libro bilingüe que pormenoriza el proceso de su ideación, construcción, instalación y recepción: Andrés Mignucci & María de Mater O’Neill. Pintura para un piso específico. Painting for a Specific Floor. San Juan: A+ Edtores (2009).

9 Gilles Deleuze. “The Diagram.” En Francis Bacon: The Logic of Sensation. New York: Continuum (2003): 110. 10 Mignucci y O’Neill, op. cit., p. 19. 11 Jacques Derrida. “Yo—el psicoanálisis”, en Suplemento Núm. 13: Jacques Derrida. Deconstrucción: textos y documentación. Madrid: Anthropos (1989): 41. 12 ¿Para qué vencer la tentación de poner a Dante Alighieri al día substituyendo “esperanza” por “aparato”? Divina Commedia. Inferno III, v. 9.

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título

Pintura para un piso específico

autor

Andrés Mignucci María de Mater O’neill

fecha

11 · 2008

lugar

Residencia de Artista en CASAPOLI, Chile

material

vinilo magnético impreso Fotografías suministradas por el autor

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título

Casa Solar 2009 CASH - interiores

autor

Estudiantes Escuela de Arquitectura - UPR Prof. Francisco Gutierrez Prof. Sonia Miranda

fecha

10 · 2009 Fotografías suministradas por el autor.

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título

Remodelación de Oficinas HB Arquitectos

autor

Andrea Bauzá

fecha

08 · 2010 Fotografías suministradas por el autor.

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título

La Marketa & Co.

autor

Ramírez Buxeda Arquitectos

fecha

04 · 2013 Fotografías suministradas por el autor.

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título

Restaurante Santaella

autor

Toro Arquitectos

fecha

06 · 2011 Fotografías suministradas por el autor.

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El lenguaje común del Diseño Andrea Bauzá Profesora Escuela de Arquitectura - UPR

Recuerdo hace un tiempo atrás cuando una estudiante me presentó su inquietud en cuanto a si estudiaba un bachillerato en Arquitectura o Diseño Industrial. La preocupación era genuina al ésta comentarme que veía a tanto arquitecto desempleado y como no quería invertir en una carrera que no pudiese luego ejercer. Mi reacción casi inmediata fue pensar en cuantas personas que se formaron conmigo como profesionales realizaban una práctica convencional de arquitecto; pocos o muy pocos. Sin embargo, la mayoría está empleada. De las 30 personas que desfilamos en aquella graduación que recuerdo sin mucha nostalgia, hoy día solo 4 ó 5 personas ejercen como arquitectos, y de esos quizás uno o dos son licenciados. El resto, donde me incluyo, hacemos otras cosas, derivadas de la arquitectura, pero siempre con la presencia del diseño.

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Feria de Arte y Diseño en el patio del Museo Nacional de Puerto Rico

Mi contestación comenzó por argumentar que estudiar diseño industrial tampoco le aseguraba que pudiese ejercerlo una vez finalizara sus estudios. La respuesta a la pregunta inicial de la estudiante depende tanto del individuo que se la plantea como del contexto en que se quiere formalizar. Podemos argumentar que estudiar arquitectura te entrena para manejar una escala mayor y unos conceptos teóricos de esta profesión milenaria. Por otro lado, el diseñador industrial, carrera oficializada desde siglo XX, te prepara en el manejo de técnicas y materiales para la producción de objetos de una escala usualmente manejable, este siendo el factor atractivo a muchos. De todas formas, ambas carreras coinciden en un punto, el diseño. En Puerto Rico un estudiante de arquitectura aprende a dominar las destrezas del diseño más que ninguna otra. Este es un bien compartido con todos los otros ámbitos del diseño como interiores, industriales, gráfico, moda. Ser bueno en diseño no nos garantiza un éxito en la ejecución de proyectos, por mas pequeña o grande la escala. Debemos sumarle a esto los factores administrativo, de propiedad intelectual, de mercadeo, que acompañan la realización de proyectos. Es aquí donde ocurren los malentendidos. A veces se malinterpreta que una práctica arquitectónica convencional es más difícil de lograr(a nivel constructivo y empresarial) que una en diseño industrial. No existe tal cosa como una más complicada que la otra. El diseñador industrial también se enfrenta a muchas limitaciones, sobre todo en el contexto de la isla. Puerto Rico carece actualmente de una industria manufacturera establecida para la producción de objetos como muebles, textiles, cerámicas por decir algunos. En un pasado no tan lejano si se producía a nivel industrial, pero esas empresas fueron relegadas por otro tipo de industria económica. El diseñador local hoy por hoy se ve en la necesidad de producir de manera independiente o exportar su diseño para este ser fabricado en otro país. Debido a que este factor es un denominador común

en muchos de los campos del diseño, el diseñador industrial compite al mismo nivel de oferta y demanda que muchos otros profesionales como arquitectos, diseñadores de interior, artistas, ebanistas, etc. En este sentido, entiendo que hacen falta otras iniciativas para la comunidad de diseñadores, por ejemplo, una asociación o colectivo que los reúna y abogue por mejorar las condiciones de producción en la isla. Un referente es la industria del Cine en Puerto Rico que poco a poco se ha ido levantando como comunidad. Cada vez son más las producciones locales que se están desarrollando y colocan al producto nacional en alto. También es importante recalcar que esta recibe un incentivo estatal por ley desde el año 2001. Existen muchas maneras de estimular el campo del diseño. Por ejemplo: concursos, ferias, talleres colectivos y colaboraciones con otras disciplinas. Si bien el arquitecto en sus orígenes era pintor, escultor y científico al mismo tiempo, ¿por qué no continuamos fomentando la práctica del diseño multidisciplinario? Académicamente cada vez más nuestras escuelas de diseño y arquitectura promueven esta diversificación, pero necesitan ser mas agresivas para preparar a sus estudiantes una vez salgan a la calle. En Puerto Rico actualmente existen esfuerzos públicos y privados para el beneficio y desarrollo de la práctica de profesionales del diseño y arquitectura a nivel posgraduado. Estos esfuerzos reúnen varios intereses como son: crear un mercado para el producto local, exhibir el trabajo de los diseñadores en el plano internacional, fomentar la creación de una industria que incentive el desarrollo empresarial del diseño y fomentar el pensamiento crítico sobre lo que se produce y su relevancia cultural. Aquí presento algunas de las iniciativas y programas de los últimos años. También se presentan nuevos colectivos de arquitectos y diseñadores jóvenes que están emprendiendo en la economía del diseño y la construcción de objetos y productos.

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Beta Local 2009-

Puerto Rico Diseña 2012-

Beta-Local es una plataforma educativa creativa en donde coexisten diversas disciplinas y conocimientos. Mantienen un diálogo crítico local y a la vez con la comunidad internacional. Entienden que pensar a través del hacer es el motor necesario que puede “jumpstart” proyectos que potencien posibilidades reales para la comunidad artística y que provoquen connotaciones sociales amplias para nuestro país. Beta-Local es una organización sin fines de lucro dedicada a apoyar y promover la práctica y el pensamiento estético a través de varios programas. La Práctica es uno de los programas post-académicos mediante el cual participantes de diversas disciplinas llevan un proyecto desde su conceptualización hasta presentación mediante procesos abiertos y frecuentemente colaborativos. Éste programa se lleva acabo desde hace tres años corriendo y ha tenido una serie de participantes cuyos campos incluyen: artes, baile, arquitectura, teatro, gestión cultural, urbanismo, filosofía y diseño. Para más información visita: www.betalocal.org

Puerto Rico Diseña es una plataforma digital manejada por Michelle Kenderish. La idea es crear un directorio de diseñadores y marcas que cubren la comunidad creativa floreciente de la isla. Fomentan la producción local y entienden que la misma es una fuente positiva para el cambio social. Su visión es la de una economía local más diversificada y sostenible, donde la oferta, la fabricación y los empresarios puedan prosperar y contribuir a la vitalidad económica de la isla. Para más información visita: www.puertoricodisena.com

Feria de Arte y Diseño en Galería Nacional 2013En el mes pasado de enero del 2013, se celebró la primera Feria de Arte y Diseño en Galería Nacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Ésta reunió a un nutrido y selecto grupo de artistas plásticos, arquitectos, diseñadores y colectivos de diseño con la idea de presentar al visitante productos, objetos y obras de arte de primera calidad; con enfoque en diseño y factura. Con el consumidor/visitante en mente, estuvieron en venta artículos y obras de arte a precios económicos, así dándole la oportunidad al visitante de comenzar una colección de arte o adquirir objetos de diseño contemporáneo local. Por primera vez, la Galería Nacional convocó a una treintena de artistas para intentar unir al público visitante con la escena del arte contemporáneo y el diseño industrial. La actividad creó un ambiente sinérgico que fomentó el que ambas escenas coexistieran. Debido al éxito que tuvo tanto en exposición como en ventas, esta feria se repetirá en mayo de 2013.

Incubadora de Empresas e Industrias Creativas – Mayagüez 2009La Incubadora de Empresas e Industrias Creativas en Mayagüez es una iniciativa pionera en Puerto Rico que busca apoyar y promover el desarrollo empresarial y económico de diez industrias creativas: industria de la moda, diseño industrial, cine, televisión, diseño gráfico, diseño de video juegos, industria editorial, industria de la música, neoartesanías y turismo cultural. La Incubadora nace entre el 2009 y el 2010 como un proyecto académico de post-grado de Silvia A. Aguiló. Luego, con el apoyo económico del Gobierno Municipal de Mayagüez, se comenzó un proceso de estudio e investigación de estas diez industrias creativas en Puerto Rico. En cada una de las diez Mesas Redondas que se llevaron acabo entre el 2011 y 2012 se identificaron las fortalezas, debilidades, necesidades y oportunidades de las industrias creativas en la Isla. Puerto Rico Design Exchange 2010-2011 Puerto Rico Design Exchange fue un concurso internacional de diseño en los campos de arquitectura, moda, interiores, artes gráficas, diseño industrial y fotografía. Obtuvo cerca de 100 propuestas locales e internacionales. Brindó la oportunidad de exposición a profesionales del diseño y estudiantes. Este creó un premio en honor a la diseñadora Maruja Fuentes como el mejor en excelencia de diseño. Para más información visita: http://www.prdx2010.com/

Design in Puerto Rico / WANTED NYC 2013 Bajo la iniciativa del diseñador puertorriqueño Carlos Bobonis, se creó Design in Puerto Rico, un colectivo de diseñadores locales que debutarán en la muestra Wanted Design, feria internacional paralela al International Contemporary Furniture Fair de Nuevo York. Esta muestra pretende exhibir lo mejor en diseño de cada país. Dada la oportunidad al nuestro, el grupo, compuesto de diseñadores y arquitectos locales, presentará lo mejor de sus trabajos. Estos incluyen mesas, sillas, bolsos, objetos, lámparas etc. Design in Puerto Rico estará exhibiéndose en mayo de 2013.

Algunos talleres y colectivos de arquitectos y diseñadores industriales: Constructo - http://labdospuntocero.com/ Laboratorio de Artes Binarios - http://labartesbinarios.com/ Diceño Lab - http://dicenolab.com/ Taller 6 - http://www.taller06.com/ Two Squared Studio - http://www.twosquaredstudio.com/ Fotografías suministradas por el autor.

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título

Lighting Tape Lamp

autor

María de Fátima Santos

profesora

Andrea Bauzá - Introducción al Diseño Industrial

fecha

05 · 2012

“To create a memorable design you need to start with a thought that’s worth remembering.” — THOMAS MANSS

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“Design is a plan for arranging elements in such a way as best to accomplish a particular purpose.” — CHARLES EAMES

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título

SK8 Cup

autor

Anuardi J. Cantre

fecha

05 · 2012

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título

Paper Jewelry

autor

Jubilee Valentín

fecha

05 · 2012

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título

Mueble en cartón

autor

Cristina Centeno Jennifer Goldfarb Miriam Agrinzoni Raiza Rivera

fecha

08 · 2010

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“Making the simple complicated is commonplace; making the complicated simple, awesomely simple, that’s creativity.” — CHARLES MINGUS

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título

Learn+Play+Display

autor

Yazmin Crespo

fecha

06 · 2011

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título

Casa del Árbol

autor

Miguel E. Calzada Carlos A. Camacho Vega Gilberto de Jesús Ramírez Design team: David Vázquez Gerena Jonathan Vázquez Gerena Contractor: Redcon LLC Rafael Mora Photos: Carlos A. Camacho Vega

fecha

05 · 2012

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título

Sin título

autor

Enid Soto Méndez

fecha

04 · 2007

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Objeto Lumínico

autor

Janice M. Delgado

fecha

12 · 6 · 2011

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“Creating something out of thin air is easy. It’s finding the air that’s hard.” — ASHER TROTTER

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título

Objeto Lumínico

autor

Heriberto G. Urbano

fecha

12 · 6 · 2011

“Creativity is allowing yourself to make mistakes. Design is knowing which ones to keep.” — SCOTT ADAMS

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título

Objeto Lumínico

autor

Abimael Jiménez

fecha

12 · 6 · 2011

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“Design is to invent with intent. If you take away the ‘invent’ bit, you have an engineer. If you take away the ‘intent’ bit, you have an artist.” — REBECCA REUBENS

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título

Objeto Lumínico

autor

“Inspiration could be called inhaling the memory of an act never experienced.”

Catalina Vargas

— JONATHAN LETHEM

fecha

12 · 6 · 2011

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título

Objeto Lumínico

autor

José Carbo

fecha

12 · 6 · 2011

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


“A good design is driven by needs and defined by constraints. — ASTIK PANT

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título

Objeto Lumínico

autor

Monica Rivera

fecha

12 · 6 · 2011

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“Good design is a lot like clear thinking made visual.” — EDWARD TUFTE

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“Creativity is allowing yourself to make mistakes. Design is knowing which ones to keep.” — SCOTT ADAMS

título

Objeto Lumínico

autor

Orlando Díaz

fecha

12 · 6 · 2011

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Truly elegant design incorporates top-notch functionality into a simple, uncluttered form. — DAVID LEWIS

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“Design is the method of putting form and content together. Design, just as art, has multiple definitions; there is no single definition. Design can be art. Design can be aesthetics. Design is so simple, that’s why it is so complicated.” — PAUL RAND título

Objeto Lumínico

autor

Joel Martínez

fecha

12 · 6 · 2011

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título

Building Slices II

autor

Danniely Staback

fecha

08 · 04 · 2013

92 diseño | industrial - gráfico - moda LAYERS

LAYERS

LAYERS

LAYERS

+

+ +

+ + +

+ + +

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

+ + +

+ + +

+ +

+

LAYERS

LAYERS

LAYERS

LAYERS

: 10

:7

:7

:3

02

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

+ + +

+ + +

+ +

+

LAYERS

LAYERS

LAYERS

LAYERS

: 10

:7

:7

:3

INITIAL GEOMETRY

01

:7

:5

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

HOLLOWNESS

INITIAL GEOMETRY

VERTICES

:5

03

:3

:7

:3

INITIAL GEOMETRY

VERTICES VERTICES

: 15


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E BR EM VI NO

NO 20 E| BR

12 |20

EM VI 06 JUNIO|2009

20' x 9'

emplazamiento cantidad de paneles 9'

10'

9'

10'

cantidad de piezas 1A

= 28

posibles patrones

2A = 8 2B

1B = 26

= 6

mariely leon colon luis a rogriguez santana arqu3134.004 prof. andrea bauza prof. yazmin crespo

título

Piso Móvil

autores Prof. Andrea Bauzá Prof. Yazmin Crespo Camila Hernández Mónica M. Aparicio Elizabeth González Yaseli R. Olivera Shiyein Lau Génesis Rivera Josue Taveras José Martínez Rafael A. Borges Mariely León Luis A. Rodríguez Xilma D. Báez Caleb M. Príncipe

fecha

3 · 11 · 2013 Fotografías suministradas por el autor.

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título

Dapperheid

autor

Leonardo Ruiz

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Arq-Cube

autor

David Acevedo

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

La Caja Tobogán

autor

Verónica Rosado

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Rolling Spheres

autor

Kevin Y. Rivera

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

100

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título

Structuram

autor

Eddie G. Meléndez Merced

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Cuberinto

autor

Luis Méndez

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Loophole

autor

Janet T. Saumell Rivera

fecha

12 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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103


título

Leaning Molds

autor

Maruja Fuentes

fecha

3 · 2007

fotografía

Jennifer Lozano

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“Design is about making things (and fantastic) for the people título

Lámpara

autor

Jennifer Goldfarb

fecha

11 · 2010

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good (and then better) and right who use and encounter them.” — MATT BEALE

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título

Mueble en madera

autores

Juan Rodríguez Wilfredo Pérez

fecha

08 · 2010

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


“Creativity is allowing yourself to make mistakes. Design is knowing which ones to keep.”

— SCOTT ADAMS

título

Relieve molde

autor

Christian Ortíz

fecha

6 · 2011

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título

GHEPARDO S18 materiales: enameled MDF, y laser cut acrylic

autor

Fabian S. Morales

fecha 2007

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


título

4chair

autor

Manuel Pérez

fecha

11 · 2011

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título Bloque

autor

Lenny Reyes Edsell Rivera

fecha

11 · 7 · 2012

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título

Habitat para Niños en Haití

autor

Claudia Cintrón Fabiola Guzmán Madeline Campos

fecha

10 · 2012

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título

Eco Fabric

autores Julio Armando Yadariz

fecha

03 · 2012

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[ TeK [ TeK

to ni

to ni

CONCEPTO

K]

Estructura

CONCEPTO

K]

RANURA MACHIHEMBRADO

Se comenz� con una forma org�nica en la que las personas pudieran interactuar de varias maneras.

La estructura fue cambiada a una de direcci�n Y.

Se comenz� con una forma org�nica en la que las personas pudieran interactuar de varias maneras.

Las personas podian sentarse tanto dentro como fuera de la pieza para una interracci�n variada.

Se modific� la forma para facilitar la entrada y salida de las personas y permitir tanto sentarse como acostarse.

Se dise�� una estructura tipo machihembrado de direcci�n X y Y.

Se modific� la forma de la pieza para reforzar sus puntos d�biles.

VISTAS

Para ahorrar material se modific� la forma de la pieza en su longitud y en su superficie inferior.

VISTAS

Las personas podian se tarse tanto dentro com fuera de la pieza para u interracci�n variada.

8’

4’

Pieza final

Estructura RANURA

1.7’

MACHIHEMBRADO

1.7’

Materiales

Acrilico Trasparente

Madera

Pl�stico Blanco

título

Symbionic Tek to ni k

autores

8’

María de Fatima Michael Roxanna Ana

Pieza final

fecha

03 · 2012

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25 36

título

U Ergo Bench

autores

María A. Mateo Melissa Bermúdez

fecha

03 · 2012

4d

Step 12: Add module A using peices 1d and 3d, to finalize the bench

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18" 17"

5'8"

6'

6" 17"

16" 15"

5'6"

5'4"

5'5"

10"

5'3"

5'1"

5'2"

MSM inc.

13"

UniversalErgoChair

[universally ergonomic]

30 31

11°

6"

MSM inc.Bench U-Ergo

32 33 34 35 36

26° 26°


4”

1”

4”

2’

4”

Ax1

1”

orte de negativo

3/4”

3’

4”

Cx1

85º

Bx2 puntos estructurales Ax1 2’

A x 10

Dx2

título

Dx5

Drooping Chair

autores

Jonathan Eydira Lillianie

fecha

03 · 2012

Ax1

Proceso

Proceso

4”

I Prototipo

construcción

III Prototipo

II Prototipo

2”

4”

SECCIÓN

SECCIÓN

SECCIÓN 3/4”

10”

1’1/2”

2’3” 3/4”

3.5’

2”

3/4”

2” 4”

6”

8”

3”

4”

2”

2”

2”

18”

ción

rea de intervención

3/4”

3’

Cx1

10 elementos estructurales que se amoldan desde la parte de arriba del asiento, hasta detrás de la viga donde reposa. Adicional en el área del asiento tiene 16 tablas de manera horizontal que conecta en machimbrado con lo estructural en vertical.

2 elementos estructurales en la parte frontal de la viga y 16 piezas con 3/4” de grosor en el eje de “Y” del asiento .

1”

85º

16 elementos estructurales que dan soporte a la silla. Con 15 piezas en horizontal que aguantan en machimbrado con las tablas en vertical.

Bx2

3/4”

puntos estructurales

Ax1

3’

A x 10 4”

SECCIÓN

SECCIÓN

Sección

Drooping chair

V Prototipo

IV Prototipo

Dx2

3”

7”

SECCIÓN

2’

viga

4”

2”

machimbrado 3/4”

3/4”

Dx5

18”

3’

2’3”

1” 4”

6”

3/4”

13”

3’

12” 12”

4”

cintra

2’ 1/2”

2’ 2’

10” 1/2”

pared

Área de intervención + negativo

Negativo

1”

11 elementos estructurales en vertical y 16 piezas en horizontal que se conectan en machimbrado con las estructurales en vertical.

14 elementos estructurales en vertical con 15 tablas en horizontal que se conectan en machimbrado con los elementos estructurales verticales.

2’

Formación del objeto

5 elementos estructurales que se encuentran en vertical con 13 piezas en horizontal conectadas en machimbrado .

3/4”

4”

32”

Forma adquirida

4”

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1”

3/4”

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título

Liv(in) Curves- Primitive Hut competition

autor

Gabriela Pérez

fecha

09 · 2010

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


título

Blind Touch

autor

Sixto Cordero

fecha

04 · 2012

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s s n e , s rs. e s n al

What is communication? Not its definition, but what it is physically. Communication can be received through waves: sound waves and light waves. The manifestation of waves as a form of communication can lead to a variety of interpretations within architecture. This design embraces this concept in its form and function, creating a contained space that both kids and adults can enjoy. It is an interactive sensory playground that applies the idea of the wave in its form and creates a series of spaces where different activities take place, from reading a book to jumping around with a friend. These activities are organized according to the amount of the movement, from passive to active, by which the spaces will react with light and sounds depending of the type of activity that it is occurring. This playground was though out so that children would have the opportunity, through integration, to interact and communicate with others. In order to design a space that can function as a tool for autism, the following therapies were considered: the Irene Method and the importance of color, the TEACCH treatment with the necessity of a structured space, and the Sensory Integration Therapy, that promotes the need of physical exercise. Ondolux applies ideas taken from these autism therapies and uses them to create a sensorial integration module that can aid these therapeutic methods. Likewise, this space can be used by both kids and adults for other recreational purposes as well.

Perspectives Active

Pasive

Climb

Hang

Jump Isolate Hide and Seek

título

Ondolux-Autism Connects competition

autor

Eduardo Santiago

fecha

05 · 2011

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior

Diagram Diagram of of activities activities


título

Funicular Tessellations

autor

Cristina Centeno Rose Florian Michael Quiñones René Duchesne Jhoshua Sanchez Omar González Rafael Vargas Prof. Carlos E. Pérez

fecha

02 · 2011

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título

Mobious

autor

Rose Florian

fecha

06 · 12 · 2010

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior


Rhizo es la propuesta ganadora de la competencia Bici-Rack 2012 y actualmente esta siendo producido por la empresa puertorriqueña Caribbean Green Bikes. Rhizo está inspirado formalmente en el mangle rojo (rhizophora mangle) que abunda en muchas costas de Puerto Rico y el Caribe. Su forma representa de manera iconografica la conexión entre un método de transporte responsable y la preservación del medio ambiente. Al igual que los manglares promueven la biodiversidad en la naturaleza, Rhizo busca promover la diversidad de medios de transporte en la ciudad.

título

Rhizo Rack

autor

Doel Fresse (Ex-alumno EAUPRRP)

fecha

09 · 03 ·2013

(in)forma 9 - diseño | en la ea-upr

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5

CODEX URBANS Andrés Mignucci Profesor Escuela de Arquitectura - UPR A Emilio Farré-Escofet

Las grandes ciudades se leen como libros. Oriol Bohigas escribe que “el texto urbano es útil si es legible e interpretable. La ciudades se leen y perciben a través de los itinerarios de su espacio público”. La formación de nuestra imagen y entendimiento ambiental es, por ende, un proceso recíproco entre la ciudad y la ciudadanía – es consecuencia directa del acto de habitar. Entender una ciudad depende de sus propias señas de identidad, de la claridad de sus componentes elementales y del valor descriptivo de la propia forma urbana, particularmente de la forma de su espacio público.

Panot Gaudí (1906) Prototipo. Antonio Gaudí, diseñador / Escofet 1886 S.A.

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diseño | industrial - gráfico - moda - interior

Panot Gaudí (1906) Paseo de Gracia, Barcelona. Antonio Gaudí, diseñador / Escofet 1886 S.A.. Fotografía por Andrés Mignucci.


La Pedrera en el Paseo de Gracia. Antonio Gaudí, arquitecto. Fotografía por Andrés Mignucci.

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El panot como pavimento distintivo de los barrios de una ciudad.

Kevin Lynch describe la legibilidad como uno de los conceptos clave en el entendimiento de la imagen de la ciudad. Es la facilidad con la que un entorno o forma urbana puede ser reconocida y organizada en unidades coherentes, aprendida y recordada. La legibilidad es en gran medida el fundamento de nuestra memoria urbana. Los componentes elementales de la imagen urbana, según Lynch – sendas, bordes, barrios, nodos e hitos – organizan nuestro mapa cognitivo del espacio público. El espacio público es espacio de intercambio y de interrelación. El espacio público es, por definición, sede de lo cotidiano.

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Pavimento Vibrazo (1968) en el La Rambla, Barcelona. Adolf Florensa, diseñador. Escofet 1886 S.A. Fotografía por Andrés Mignucci.

Bohigas describe la sintaxis del espacio público como la plaza, la calle, la manzana, el parque, el jardín y el monumento. Esta sintaxis, análoga a los componentes elementales de Lynch, establece las reglas entre los componentes que hacen ciudad. La ciudad legible requiere una claridad en la distinción entre estos elementos morfológicos fundamentales.

Vista aérea. La Rambla, Barcelona. GNU.

Las sendas, calles y caminos sirven de andamiaje estructural para los itinerarios que forman nuestro entendimiento de la ciudad. Una primera lectura de Barcelona recitaría la conexión entre la montaña y el mar a través de la gran espina dorsal formada por la secuencia entre el Paseo de Gracia y La Rambla. La alfombra de este recorrido, el “Panot Gaudí” de 1906 en Paseo de Gracia y el pavimento oleado “Vibrazo” de 1968 en La Rambla constituyen contribuciones de Escofet a la calidad y riqueza del espacio público. Este itinerario, Paseo de Gracia, de la Diagonal a Plaza Cataluña y La Rambla de Plaza Cataluña hasta el Paseo Marítimo, forma parte de la memoria colectiva de los barceloneses y de todo visitante extranjero. En gran medida y en términos simbólicos, el Panot Gaudí y las olas del Vibrazo no pertenecen a Escofet, ni siquiera a Gaudí, son de Barcelona. Al ser apropiadas por la ciudad los temas de autoría pasan a un segundo plano. En lo que respecta a elementos urbanos, el acto de pertenecer a la

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ciudad implica de cierto modo, el suprimir el protagonismo individualista de las piezas de autor. Los elementos urbanos pertenecen a dos grandes grupos – los temáticos, los que hacen ciudad y los no-temáticos, las piezas especiales. El primero da continuidad a la sintaxis urbana y a la legibilidad de los sistemas y componentes de la ciudad. Los segundos, como divertimento, sirven de contrapunto y acento. Divertimento. Si el primero es regla, el segundo es excepción. El primero opta por ser callado y anónimo, el segundo grita su presencia. Con razón Bohigas declara que “los buenos proyectos no pueden depender de una acumulación de individualidades ni de una sobredosis de artisticidad en los elementos estrictamente funcionales”. La imagen de la ciudad que construimos con cada itinerario, con cada recorrido, forma parte de un equilibrio dinámico consciente–inconsciente, balanceando la intuición además de raciocinio y de sentimiento – rauxa y seny. La sintaxis del espacio público de Bohigas - la plaza, la calle, la manzana, el parque, el jardín y los monumentos o los componentes elementales de Lynch, organizan nuestro mapa cognitivo del espacio público mediante arquetipos que se revelan según las circunstancias de cada contexto, cada lugar y cada tiempo. La calle como arquetipo se desdobla en bulevares, ramblas, pasajes, avenidas y callejones particulares. Los hitos pueden tomar la forma de un objeto íntimo como una fuente en una plaza o de una instalación como la Torre de la Collserola. Los arquetipos ponen en evidencia el dictamen de Jung que “no existe una sola idea o concepción esencial que no posea antecedentes históricos”. Arquetipo significa “modelo original o prototipo”. Jung indica que “el arquetipo es el núcleo de un complejo”, con lo que en cada manifestación aquellos adquieren renovada trascendencia. De igual manera los elementos urbanos temáticos – alcorques, bancos, sillas, luminarias, fuentes, límites, encintados – constituyen arquetipos. Los


Plano de La Rambla, Barcelona (1807). Arxiu Històric de la Ciutat

Puesto de flores en La Rambla, Barcelona. GNU.

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Sólidos Platónicos - Icosaedro, 2001. Parque de los Niños, San Juan, Puerto Rico. Andrés Mignucci Arquitectos. Escofet S.A.

Sólidos Platónicos - Cubo, 2001. Parque de los Niños, San Juan, Puerto Rico. Andrés Mignucci Arquitectos. Escofet S.A. 128

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Modular Cóncavo y Convexo, 1979. Josep Lluscá / Ramon Benedito, diseñadores / Escofet 1886. S.A. Parque del Indio, 2000. San Juan, Puerto Rico. Andrés Mignucci Arquitectos. Fotografía por Andrés Mignucci.

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diseños más exitosos son donde su claridad formal está pareada con su función, aquellos donde la forma y la función son uno. Cada proyecto, como cada ciudad, tiene su lenguaje – su prosa y su poesía. Los elementos urbanos temáticos de Escofet como el banco Abril de Cruz & Ortiz o el alcorque Carmel de Enric Pericas, constituyen parte de un repertorio codificado para la construcción del lenguaje de espacio público en proyectos particulares. Como elementos cercanos a su arquetipo primordial, tienen suficiente recato combinado con fortaleza formal para disponerse en serie como parte del lenguaje de tejidos urbanos a gran escala. Elementos especiales como el Lungo Mare de Miralles y Tagliabue o el Xurrets de Ábalos & Herreros ofrecen un regalo a consumirse con mesura, como un bombón de chocolate. No se trata exclusivamente de diseñar objetos sino de hacer ciudad. A pesar del poder simbólico de Barcelona como capital del diseño y que muchos de los elementos urbanos producidos por Escofet son respuestas concretas a proyectos determinados, la relación arquetipo y objeto establece una especie de autonomía entre el elemento urbano y su contexto originario permitiendo su utilización en proyectos y lugares diferentes a los que le dieron origen. En Barcelona o San Juan, la plaza es la plaza, el alcorque, alcorque y el banco, banco – aquí o allá. La clave yace en el ensamblaje de elementos y la claridad del lenguaje que identifica un lugar o proyecto particular. En San Juan, diseñadores como Nataniel Fuster, José Ricardo Coleman-Davis, Francisco Javier Rodríguez y este propio autor, han contribuido al repertorio de mobiliario urbano publicado y producido por Escofet. En gran medida el diseño de elementos urbanos es un proceso que obliga a meditar, y en gran sentido, a mediar entre la escala humana, la del ciudadano, y la escala de la ciudad. Junto a consideraciones de materiales, proporciones y de forma y función, el diseño de elementos urbanos constituye una reflexión sobre el vivir en ciudad y la manera en que el espacio público sirve de sala pública donde convivimos y nos congregamos.

Dujo (2004). Nataniel Fuster, diseñador. Escofet 1886 S.A.

Pinxo (2006). José Ricardo Coleman-Davis, diseñador. Escofet 1886 S.A.

La ciudad se construye, así como nuestro entendimiento de ésta, a través de su espacio público. De lo general a lo local la ciudad adquiere legibilidad mediante la claridad de sus componentes elementales. Sin embargo, ésta se construye de lo local a lo general – proyecto a proyecto. No debemos subestimar como un pequeño objeto como el Panot Gaudí, diseñado a escala personal hace más de cien años, puede establecer una narrativa a escala de la ciudad y constituirse en un sistema que contribuye a nuestro entendimiento y memoria de ésta.

Las grandes ciudades se leen como libros. Yin Yang (2006). Francisco Javier Rodríguez, diseñador. Escofet 1886 S.A.

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Límite (2000). Andrés Mignucci, diseñador. Escofet 1886 S.A. Parque Luis Muñoz Rivera, San Juan, Puerto Rico. Fotografía por Max Toro.

Referencias: Oriol Bohigas (2004). Contra la incontinencia urbana: Reconsideración moral de la arquitectura y la ciudad. Electa: Barcelona. Kevin Lynch (1960). The Image of the City. MIT Press: Cambridge.

Imágenes de elementos de mobiliario urbano, cortesía de los autores.

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título

Espiral Ceremonial

autor

Roberto Biaggi Celso González

fecha

4 · 2006

fotografía

Jennifer Lozano

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título

"Pebbles" Benches

autor

Maruja Fuentes

fecha

08 · 2009 Fotografías suministradas por el autor.

Fotografía por Marisol Roca.

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PRODUCED BY AN AUTODESK E

Habitat entails the concept of a concrete urban furniture in a l of Architecture and School of Fine Arts in San Juan, Puerto ed vacant for over five years, as the completion of the new ment of landscape. Twelve students embraced the creation of terest on shells and their performative condition as protective ough physical study models. This evolution is dictated by ciples. Shell Habitat searched for an introvert space that could he company of two or three as it angles allow user possibilities ths were dedicated towards design and construction drawings during the course of one month.

The weight of the body of Shell Habitat allowed avoiding the construction of a foundation system. Furthermore the piece was lowered and embedded in the site to create stability. A canopy was proposer as sun shade, though vegetation was used to enhance the users experience and act as a cooling climatic condition source. Four eucalyptus trees were grown around the area where it remains in use on the present.

PRODUCED BY AN AUTODESK EDUCATIONAL PRODUCT

RNITURE GI + CELSO GONZALEZ

LONGITUDINAL SECTION 0

1’

3’

Photography | Built on campus Photography | of White asswood The weight of the body of Shell Habitat allowed avoiding the construction a foundation system. Furthermore the piece was lowered and embedded in the site to create stability. A canopy was proposer as sun shade, though vegetation was used to enhance the users experience and act as a cooling climatic condition source. Four eucalyptus trees were grown around the area where it remains in use on the present.

PRODUCED BY AN AUTODESK EDUCATIONAL PRODUCT

título

Shell Habitat

autor

María Julia Escalona

fecha

7 · 2007

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LONGITUDINAL SECTION 0

1’

3’


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título Banco

autor

Amaya Labrador

fecha

7 · 2007

Fotografía: Jennifer Lozano

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diseĂąo | industrial - grĂĄfico - moda - interior


título Banco

autor

Gabriella S. Rodríguez

fecha

7 · 2007

Fotografía: Jennifer Lozano

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título Banco

autor

Patricia Toro

fecha

7 · 2007

Fotografía: Jennifer Lozano

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diseĂąo | industrial - grĂĄfico - moda - interior


título

Curvatu

autor

Taller de diseño 2do Año: prof. Celso González prof. Roberto Biaggi

fecha

2 · 15 · 2007

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Diseño Estacionamiento Catedral de San Juan

autor

Edgardo Arroyo Jean Pierre Casillas

fecha

01 · 2011 Fotografías suministradas por el autor.

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COMMON GROUND FOR THE COMMON GOOD/ SUELO COMÚN PARA EL BIEN COMÚN GRISELLE FULLANA CON LA COLABORACIÓN DE JUAN CALAF Urbano Activo

“I was inspired to direct this Biennale towards concerns of continuity, context and memory, towards shared influences and expectations, and to address the apparent lack of understanding that exists between the profession and society” - David Chipperfield

“Common Ground” es el resultado de esta inspiración; un tema con una dirección clara: ¿Qué es lo que tenemos en común? En su llamado, Chipperfield enfatiza la importancia del contexto cultural y profesional, así como las tendencias que éstas generan, lo cual aspiran a un énfasis que se aleja de lo individual y las acciones aisladas. Cada país tiene su contexto, pero hay factores de la situación actual a nivel mundial que compartimos todos en diferentes proporciones. “Common Ground/ Suelo Común” pretende provocar ideas en relación al entorno urbano, ese constructo colaborativo donde el arquitecto se desenvuelve. 148

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Exhibición en la Bienal de Venecia - 2012.

La presentación de la décimo tercera exhibición de la Bienal de Venecia presenta una gama de interpretaciones de este tema que van desde instalaciones sonoras como la del pabellón de Polonia, la crítica urbana, social y política del pabellón de Israel, a la muy actual y tecnológica del pabellón de Rusia. Pero es el enfoque en la problemática urbana, económica y social, lo que evidentemente buscaban ver Chipperfield y los organizadores de esta edición de la Bienal de Venecia. Esto se evidencia en las piezas ganadoras del premio León Dorado. Una de las galardonadas fue “Torre David Gran Horizonte”, una instalación de Urban-Think Tank, Justin Meguir e Iwan Baan, la cual explora a través de diferentes medios (instalación, fotografía y un documental) la Torre David, una comunidad que invade una torre de oficinas abandonadas y a medio construir en plena ciudad de Caracas, Venezuela. La otra pieza que obtuvo una mención especial por Participación Nacional fue “Spontaneus Interventions” del Pabellón de Estados Unidos. Estas instalaciones cumplen con alejarse de la exposición de un arquitecto y su proyecto, para enfocarse en las comunidades como fuentes generadoras y de autogestión.

“Spontaneus Interventions for the common Good”, bajo la curatoría de Cathy Lang Ho y David Van Der Been del Institute of Urban Design, toman la provocación de “Common Ground” y crean una instalación que documenta un creciente movimiento de diseñadores y otros autogestores que toman en sus propias manos la iniciativa de hacer algo para solucionar los problemas urbanos que afligen a sus comunidades. Bajo su curaduría, el pabellón de Estados Unidos termina siendo un archivo interactivo que presenta estas intervenciones y sus cualidades básicas. Una presentación que consiste de unas pancartas, de clara identificación gráfica que permite que el espectador adquiera una gran cantidad de información de manera visual sencilla y concentrada. Por un lado, demuestra un “bar code” representativo, donde las barras de color simbolizan el asunto atendido por la intervención: Accesibilidad, comunidad, placer o sustentabilidad.

“Spontaneus Intervention” es la respuesta a la situación de la ciudad, de muchas ciudades, que en los últimos 50 años ha sufrido una descentralización y descomposición causada por las políticas urbanas que fomentaban el desparramo, rígidas zonificaciones y estrategias de uso que limitan el redesarrollo innovador de las zonas urbanas que han quedado en desuso y descuido.

La importancia de esta exhibición, y por la razón que probablemente fue seleccionada para una Mención Especial, es que alcanza efectivamente los propósitos de “Common Ground”. Alejando el énfasis a un solo proyecto, este conglomerado ataca la diáspora cultural urbana y las soluciones que salen de la misma. Al contrario de otras maravillosas instalaciones, “Spotaneus Interventions” presenta soluciones. Este pabellón no tiene arquitectos estrellas, proyectos ni personajes principales, solo ejemplos de cómo los ciudadanos y arquitectos están actuando para resolver los problemas de su entorno.

“These Issues have created a series of marginalizing conditions that continue to have a devastating impact on civic identity and participation, household wealth and health, and social equity and justice” (Toni. L Griffin, (2012) American City Interrupted: What spontaneous Interventions can Teach us about taking back the city, Architect The Magazine, Aug 2012. )

“Architects and designers are trained to observe and solve problems, as we know, and one cornerstone of their education is the studio class that challenges them to develop hypothetical solutions to real, local, social, or urban problems. Moving ideas off the drawing board and into the world is the tricky part.Spontaneous Interventions: Design Actions for the Common Good celebrates those who act, who take the initiative

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to transform problematic urban situations into new opportunities or amenities to be shared by the public, without waiting for clients or permission.”- Cathy Lang Ho, “Spontaneus Interventions for the Common good”, Introduction, http://www.spontaneousinterventions.org/ statements.) Dentro de este marco de Espontaneidad Urbana, llega Urbano Activo a Venecia. Un pequeño grupo multidisciplinario puertorriqueño que, inadvertidamente nos montamos en la ola de la intervención espontánea, antes de que lo realizáramos. IlluminAcción fue el resultado de una serie de talleres organizados por Urbano Activo que resultaron en la creación del Laboratorio de Espacio Público, (LEP), un colectivo multidisciplinario de 11 miembros interesados en la discusión y experimentación con los límites del espacio público en Puerto Rico. Su intención era descubrir nuevas formas de percibir y entender estas relaciones para hacer de nuestra ciudad un lugar mejor conectado y habitable para todos.

negocios y vecinos de la calle, se abre un espacio para que diferentes artistas y ciudadanos vengan a compartir, divertirse y transformar una calle en Río Piedras, aunque sea por una noche. Y la gente llegó. Una petición dirigida al Alcalde de la ciudad fue circulada a través del evento solicitando que la iluminación fuera restablecida en dicha calle. Dos semanas después, la luz había regresado a la calle Luis B. Romano. Nuestro entorno urbano tiene el mismo contexto histórico que la mayoría de las ciudades que se desarrollan o se ven afectadas por un desarrollo en el mundo postauto. La proliferación de este medio de transporte y las políticas de planificación (o la falta de la misma), ha causado un desparramo urbano con todos los problemas que eso conlleva. Esto se agudiza en estos momentos de recesión económica mundial, dejándonos con un problema mayor donde no solo tenemos la descomposición del centro urbano, si no también una cantidad de propiedad inmueble en la periferia que también queda a medio construir y en el abandono. La falta de empleo, el deterioro de nuestro sistema educativo y la criminalidad se reflejan directamente en la práctica de nuestras profesiones y estilos de vida.

“These Issues have created a series of marginalizing conditions that continue to have a devastating impact on civic identity and participation, household wealth and health, and social equity and justice” (Toni. L Griffin, (2012) American City Interrupted: What spontaneous Interventions can Teach us about taking back the city, Architect The Magazine, Aug 2012. )

Durante los talleres, los participantes presentaron sus preocupaciones acerca del espacio público y se identificaron siete áreas de intervenciones potenciales dentro de la ciudad. Finalmente, se escogió la calle Luis B. Romano, en el corazón de Río Piedras, como punto focal de la intervención. Esta calle históricamente desentendida es una vital conexión pedestre a la estación del Tren Urbano de Río Piedras y la misma carecía de iluminación, lo cual la convertía en un tramo inseguro para el pedestre.

El grupo decidió retomar este espacio público, haciendo un llamado a los ciudadanos de iluminar la calle en un evento que se llevó a cabo el jueves, 17 de noviembre del 2011, en un llamado “Jueves de Río Piedras”. El resultado de esta actividad, fue IluminAcción, una fiesta de luces. IluiminAcción se crea de manera orgánica por los miembros del Laboratorio del Espacio público, los que crean un evento promovido por “word of mouth” y redes sociales, donde, con la colaboración de los

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Un grupo como Urbano Activo, es solo un ejemplo de grupos y organizaciones que buscan hacer pequeñas intervenciones que se nutren de y afectan el clima cultural. Este tipo de grupos en Puerto Rico continúan proliferando. Es un asunto de participación ciudadana en los problemas de la urbe. Parte de lo que realizamos al participar en “Intervenciones Espontáneas para el bien común” es que en Puerto Rico estamos activándonos en esta tendencia de participación ciudadana. Eventos como los de Cinema Paradiso, grupos de ciclistas, desayunos calles, Santurce es Ley, mercados orgánicos y huertos comunitarios, marcan un aumento en el nivel de interés que tiene el ciudadano “común” a este tipo de eventos participativos. Esta tendencia a nivel mundial de intervenciones que intentan rehacer la ciudad demuestran un deseo universal de mejorar

nuestra condición urbana. “Intervenciones Espontáneas” provee una oportunidad de que la comunidad pueda participar directamente de la transformación de su entorno. Invita al ciudadano a accionar en los asuntos urgentes colectivamente” Juan Calaf, miembro de Urbano Activo. La ciudad se reinventa continuamente y somos nosotros los diseñadores una gran fuente de conocimiento y soluciones para los problemas de la ciudad. No es casualidad que en grupos como Urbano Activo comúnmente hay algún arquitecto envuelto, en nuestro caso la mayoría del grupo. La dedicación del pabellón de Estados Unidos a este tema y el énfasis de “Common Ground” a este tipo de movida, en una Bienal de Arquiectura, que no tienen necesariamente que ver con una obra edificada, nos presenta una propuesta del rol que tiene que tener el arquitecto en el desarrollo urbano y comunitario de este momento. Pone un enfoque en otro rol del arquitecto, un rol que en este momento quizás es donde más se nos necesita. En una situación como la de Puerto Rico, donde hay más construido que lo utilizable, proyectos a medio construir, donde la programación de lo edificado no está a tono con las necesidades reales de la sociedad, donde carecemos de oportunidades de diseñar obra arquitectónica, el arquitecto tiene que diversificarse y adaptar su rol a las nuevas necesidades de nuestra situación actual. En los conversatorios que participamos con los otros exponentes del pabellón Estados Unidos, todos coincidimos en la importancia de la autogestión. En estos momentos se comienza a marcar un cambio en la visión ciudadana de cómo es que deben ocurrir los cambios. En vez de responsabilizar al gobierno todopoderoso de que resuelva todos sus problemas, se responsabiliza a la propia comunidad de buscar las soluciones y llamar la atención del gobierno para asistirlos a alcanzarlas. Es un momento de problemáticas, que necesitan soluciones nuevas. Con movimientos como” Ocuppy” y las revueltas recientes en varios países, el rol del espacio público, ambos literal y cibernético, ha entrado al centro de la discusión. Se convierte en el escenario y medio por el cual podemos conectarnos con las demás personas, facilitar el que tengamos un rol participativo en la sociedad y a través de ellos alcanzar los cambios deseados. Como arquitectos pensar en nuestro entorno urbano y sub-urbano es lo instintivo. La mayoría de las maneras en que nosotros nos desenvolvemos dependen de que un gestor nos solicite. El espacio público, es el único espacio (menos el propio) en que podemos intervenir y solucionar problemas. Una excelente dirección hacia la cual orientar nuestras energías y esfuerzos. Urbano Activo fue la herramienta a través de la cual 11 profesionales de varios campos nos unimos para generar una acción. Ahora lo que nos queda es seguir actuando, interviniendo y participando.


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diseno de moda / fashion design


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ESTRUCTURAS FLUIDAS O PRENDAS ARQUITECTÓNICAS: LAZADAS ENTRE ARQUITECTURA Y MODA Mayra O. Jiménez Montano Decana Asociada - Escuela de Arquitectura UPR

El génesis es el mismo: proteger, cobijar o resguardar al ser humano. La ocupación volumétrica y material del cuerpo es la medida de ambas. Su paralelismo se establece por relaciones de estructura-piel, cuerpo-envoltura y objeto-espacio. Aunque predicadas a distintas escalas, la arquitectura y la moda, producen objetos tridimensionales con funciones totalmente engendradas en la cotidianidad y con estéticas nutridas de influencias históricas y culturales que destacan resultados dirigidos a definir identidades, tanto individuales como colectivas. Ambas son fenómenos sociales en constante evolución que dependen del comportamiento humano, reaccionario a situaciones limitantes, para satisfacer un cambio. Por tanto, estas soluciones no solo se reducen a aspectos funcionales, sino que trascienden, buscando alternativas que predican veloces cambios por las adaptaciones de la sociedad, el tiempo y el espacio. Otro denominador común es que ambas son el resultado de un proceso de creación que va desde la conceptualización hasta la construcción de la pieza. El objeto, inmediato al cuerpo humano y coraza de éste, es creado a partir de consideraciones de proporción, armonía, equilibrio visual y ocupación espacial. En este proceso de creación, imaginamos para establecer metáforas que gestan la idea. Dibujamos para definir y reevaluar esas ideas. Experimentamos con materiales, tanto los estructurales que soportan, como las superficies que envuelven o revisten el cuerpo o estructura. Finalmente, construimos la pieza, que insertada en un mundo de consumo, redefine los contextos locales que hoy se entretejen perdiendo sus límites definitorios. La tecnología, los nuevos materiales y técnicas de construcción aportan a este proceso proponiendo nuevas formas-texturas-escalas

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y estableciendo diferencia y nuevos reflejos de identidad en los proyectos, tanto arquitectónicos como de diseño de modas. En esta relación entre arquitectura y moda es evidente la existencia de un diálogo constante, como una línea de vida, que en su recorrido histórico se aparta o se acerca la una de la otra; o como una resonancia provocada por eventos, modalidades y comportamientos que definen y alteran la expresión humana. Apunto mi interés, no en la evidente relación de estas disciplinas, sino en momentos específicos de sus trayectorias donde ocurren nudos que entrelazan los razonamientos humanos para que, de alguna forma, se materialicen. Sin establecer orden específico y detallado aparecen en mi memoria algunos eventos relevantes de estas cercanías. Sociedad de Arquitectos en el Gran Baile del Beaux Arts en 1931. Imagen recuperada el 6 de octubre de 2012 de http://www.elevatorview. com/2011/03/08/architects-dressed-as-their-buildings/.

de Wall Street, Joseph Freedlander como la estructura del Museo de la Ciudad de Nueva York y, la notoriedad de la noche, William Van Alen como el edificio Chrysler con detalles que aun hoy son emulados. El New York Times, el día antes del gran baile, anunciaba la actividad como modernista, futurista, cubista, altruista, mística, arquitectónica y feminista. Además, divulgó que se mostraría una representación del perfil de la ciudad con arquitectos posando como esculturas vivientes. El día después, el New York Evening Post señaló que a pesar de la gran depresión todas las mesas fueron vendidas. Mas allá de la literalidad del disfraz de fachada arquitectónica, relaciones inmateriales comprometen la arquitectura y la moda. Neil Leach explora este binomio, las capas de ropa y la fachada señalando que este acto no solo implica el ocultarse, sino trascender a una relación de lo que uno quiere representar ante el mundo. La tela que separa o relaciona el cuerpo -Gottfried Semper con el exterior y la estructuracubierta arquitectónica son tratados de la misma manera, como alegorías de conmociones afectivas o de ideales de lo que se quiere ser. El gran baile del Beaux-Arts y la fiel ejemplificación de envolverte en la exuberancia de la arquitectura fue irónicamente significativa por el momento histórico que se estaba viviendo. El arquitecto enmascarado en su obra, merodea entre lo real y lo deseado. Este periodo entre las guerras representaba una prosperidad ilusoria, a causa de una precedida era de gran producción que combinaba nuevas tecnologías y materiales ante un bajo poder adquisitivo de los países y su población. Es en esa época cuando se construyen velozmente edificios muy ambiciosos, entre ellos el edificio Chrysler.

The beginnings of building coincide with those of weaving,…

A mediados del siglo XIX, el arquitecto alemán Gottfried Semper, señaló que el origen de la arquitectura no estaba en la cabaña primigenia, surgida del resultado de la ingenuidad y la necesidad humana, sino en la manera en que las partes se organizaban para definir la forma arquitectónica a través de principios creativos. Semper pensaba que la humanidad emulaba la ley de la naturaleza y que ese ejercicio materializaba la forma tangible de los textiles, unir las partes para generar un todo donde el nudo era la técnica. Sus gráficas representaban las técnicas de hacer ganchillo mostrando el potencial de dichas estructuras y sus relaciones espaciales. De acuerdo con Semper, el arte del textil tuvo gran influencia en el origen y el desarrollo de la arquitectura.

Por otro lado, a comienzos del modernismo, principios del siglo XX, Adolf Loos estableció analogías entre la moda y la arquitectura de su tiempo. Señaló que la superficie limpia de las estructuras modernistas era como el traje masculino: sin adornos y anónimo, adjudicando todas las cualidades necesarias para proteger al hombre de la acelerada vida moderna. De la misma forma, argumentó que se dejaba atrás un estilo, refiriéndose al historicismo, evocador de la vestimenta femenina, con ornamentación y elementos que según él, poco aportaban a la razón de la arquitectura. Al otro lado del mundo, en el gran baile del Beaux-Arts celebrado en Nueva York en 1931, un grupo de arquitectos festejaban el prestigio de la profesión, mientras el país sufría la escasez de la gran depresión. En ese espectáculo, por lo menos 24 arquitectos se vistieron incorporando elementos de los edificios que habían diseñado. Stewart Walker fue vestido como su edificio Fuller, Leonard Schultze como el WaldorfAstoria, Ely Jacques Kahn como el Squibb, Ralph Walker como el edificio

Ese mismo periodo, reflejó otros acercamientos entre arquitectura y moda. Expresiones de forma y geometría se revelaron: simplicidad de líneas, temas de movimiento, locomoción y estilo se perfilaban en distintas manifestaciones artísticas, desde arquitectura, pintura, diseño gráfico, diseño industrial hasta diseño de modas. Este estilo fue tan fuerte formal y gráficamente que se ha revivido en contextos y épocas posteriores sin mediar la necesidad de su gestación al momento de su origen. Tan reciente como en la semana de la moda en Milán 2012, la diseñadora de Gucci, Frida Giannini se inspiró en el Art Deco, en particular el edificio Chrysler, para la creación de sus diseños de la temporada, abstrayendo elementos y detalles de este particular estilo arquitectónico. El comienzo del siglo XXI, perfila una era tecnológica en constante

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transformación, de cooperación multidisciplinar y recuperación de recursos, ofreciendo nuevas perspectivas para la creación humana. Los procesos de hacer la obra se ejecutan desde una pantalla con sofisticados programas, obteniendo resultados casi inmediatamente. La fuerza de este nuevo paradigma en las artes: provocativotecnológico-espectacular es decisivo para la transformación, no solo en la constructivilidad de la obra, sino en sus valores estéticos. En ciertos contextos, el reemplazo total o parcial de lo vernáculo-artesanal por lo tecnológico-digital conlleva además una transformación social y cultural, donde los valores se ponen a prueba y se enriquecen los divergentes y variados puntos de vista, aumentando la sensibilidad hacia las diferencias e interdependencias a diferentes escalas. Hoy día, el uso de las computadoras está creando nuevos valores y nuevo lenguaje (Hughes & Hans, 2001). La velocidad, la obsolescencia prematura, lo siempre nuevo y mejorado abre las posibilidades de otros medios técnicos de expresión con un arsenal de recursos disponibles para los artistas incorporándolos a su proceso creativo. El artista brasileño Arlindo Machado señala que explorar las posibilidades de un sistema significante implica precisamente colocarse un límite, someterse a la lógica del instrumento, endosar su proyecto industrial, y lo que hace un verdadero poeta de los medios electrónicos es justamente subvertir la función de la máquina, manejarla en favor de su productividad pensada. Vestido Bubelle diseñado por Lucy McRae. Imagen recuperada el 14 de octubre de 2012 de http://www.design.philips.com

Incorporada en este amplio escenario, Lucy McRae, auto denominada arquitecta corporal, como integrante del grupo holandés Philips Design en el Proyecto SKIN trabajó Bubelle, un vestido hecho de dos capas con materiales de alta tecnología. La capa interior contiene sensores biométricos que recogen las emociones a través de impulsos nerviosos, la segunda capa proyecta esas emociones por medio del color. La función del vestido no solo es proteger, sino exteriorizar nuestras emociones e individualidad personal del que lo viste. I became obsessed with this idea of blurring the perimeter of the body, so you couldn’t see where the skin ended and the near environment started. Lucy McRae McRae también imagina cubiertas combinando la biología y la tecnología. Su obra, por un lado, de alto impacto visual, asciende otro escalón cuando plantea la fusión entre el cuerpo y la envoltura con la creación de una píldora que, al ser ingerida, permite secretar perfume. Para ella, el cuerpo es un laboratorio de experimentación y de expresiones transformadoras, no es la vestimenta como envoltura, sino como una extensión de la piel. El mundo actual plantea nuevas alternativas y oportunidades de experimentación, además establece alianzas en otros campos. Los conocimientos de otras disciplinas,

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no necesariamente cercanas se incorporan, así como el abanico de materiales y métodos de hacer se amplían. La diseñadora británica Suzanne Lee experimenta con el crecimiento de un material que puede ser utilizado como tela o cuero vegetal para hacer ropa. El proceso BioCouture, aunque todavía por desarrollar, puede ser el futuro tecnológico de la moda, considerando preocupaciones tan vigentes como la ecológica y sostenibilidad a nivel mundial. Por su parte, la transformación de la arquitectura trasciende las formas tradicionales buscando alternativas noveles para ser representada. Como un ejemplo de integración de alta tecnología podemos señalar el Centro Acuático Nacional (Water Cube), estructura que forma parte del Parque Olímpico en el distrito de Chaoyang para los juegos olímpicos de verano, Beijing 2008. Fue diseñado por la oficina australiana PWT que trabajó en coordinación con la compañía consultora Arup para desarrollar la estructura que reviste su fachada. El diseño es significativo por el innovador tratamiento de piel de burbujas en el material ETFE con un peso de solo uno porciento (1%) del cristal. Este material absorbe 20% de la energía solar, suficiente para crear el efecto invernadero y calentar el interior del espacio, además permite la entrada de iluminación natural lo que economiza el 55% de la energía, haciendo de éste un diseño sostenible. Es evidente que la arquitectura y la moda acercan sus modos de hacer con la incorporación de nueva tecnología. En estos ejemplos, la tecnología avanza en el tratamiento de la piel o cubierta, ya sea como expresión de interioridades del usuario o con la intención de minimizar su huella en el planeta. Cualquiera que sea el caso, son íconos absolutamente expresivos del momento histórico en que conviven ambas disciplinas. Esta era también se ha preocupado por los eventos y acciones que han deteriorado y malgastado el planeta y la ocupación de la humanidad en él. En el Fashion Futures 2025, la organización Forum for the Future y la compañía Levi Strauss & Co., presentaron un informe que cuestiona estas preocupaciones reconociendo que lo primordial es hacer de la lucrativa industria de la moda una económica, ambiental y socialmente sostenible. El foro presenta cuatro panoramas que exploran los cambios de clima, la reducción de la materia prima y los recursos, el crecimiento de la población y la aplicación de la tecnología como factores a evaluar ya que afectarán el futuro de la industria de la moda. Es notable que grupos y asociaciones de arquitectura a nivel mundial también evidencian las mismas preocupaciones, persiguiendo soluciones para una arquitectura sostenible y apostando por la recuperación del medio ambiente que ocupamos y del que dependemos.


Centro Acuático Nacional en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008. Imagen recuperada el 10 de octubre de 2012 de http://www.china-tour-guide.com

Ese mismo pensamiento y enfoque hacia la recuperación del planeta es el que la organización de estudiantes American Institute of Architecture Students (AIAS) estimula en jóvenes artistas y diseñadores a través de la competencia de diseño de vestuario con piezas recuperadas. Esta actividad es una manera de incentivar y hacer consciente a los participantes sobre la riesgosa situación actual del mundo que nos rodea. El desfile, que cada año se lleva a cabo, exige a los participantes trabajar con objetos recuperados ya desechados del ambiente para diseñar vestuario. El reto de estos jóvenes es crear piezas únicas que demuestren conocimiento

del material utilizado, buen entalle, destrezas en la confección y por supuesto, armonía y expresión en el diseño. Tan desafiantes resultados prometen nuevas maneras de hacer, que sin duda alguna aportan positivamente al ambiente, así como al arte como expresión humana. Las lazadas entre arquitectura y moda anudan métodos y conocimientos específicos de estas disciplinas enfocando en el diseño-construcción de la estructura y su piel no importa la escala. Los descubrimientos y nuevas maneras de crear se aplican a ambas,

sus elementos constructivos pueden coincidir y el fin, ahora más ambicioso y sofisticado que el original (no limitado a proteger) puede ser común. Ambas disciplinas, coincidiendo en muchas de sus intenciones, pretenden re-vestir el cuerpo, re-presentar los deseos y aspiraciones individuales o colectivas, así como regionales o globales y re-capturar las grandes tendencias del momento. Tanto es así, que podemos arriesgarnos a llamarlas estructuras fluidas como revestidas en telas, refiriéndonos a la arquitectura o prendas arquitectónicas por su corte y confección estructurada cuando apuntamos al vestuario.

Bibliografía Hughes, R. & Hans J. (2001). Computers, the Internet, and families: A review of the role new technology plays in family life. Journal of Family Issues, 22, pp.776–790. Hvattum, M. (2004). Gottfried Semper and the problem of Historicism, U.K: Cambridge University Press. Leach, N. (2006). Camouflage. Cambridge, Mass.: MIT Press. Loos, A. (1898/1982) The Principle of Cladding, Spoken into the Void: Collected Essays 1897-1900, trans. J. O. Newman & J. H. Smith. The MIT Press, Cambridge, MA., pp. 66-69. Machado, A. (1993) Máquina e imaginario: o desafio das poéticas tecnológicas EDUSP. Brasil 2000 “El paisaje mediático. Sobre el desafío de las poéticas electrónicas” Edi. Libros del Rojas, UBA, Argentina. Tanzer, K. (1995) Baker’s Loos and Loos’s Loss: Architecting the Body, Center: A Journal for Architecture in America, vol. 9, pp. 76-89. Wigley, M. (1995) White Walls, Designer Dresses: The Fashioning of Modern Architecture, MIT Press, Cambridge, MA. Gray, Christopher, Published: January 1, 2006. A New Age of Architecture Ushered in Financial Gloom http://www.nytimes.com Fashion Future 2025. (s.f.). Recuperado el 4 de octubre de 2012 de http://www.forumforthefuture.org Arte y Tecnología: Las artes en la era tecnológica. Epistemowikia, Revista «Hiperenciclopédica» de Divulgación del Saber. Segunda Época, Año VII Vol. 6, Núm. 3: de julio a septiembre de 2012. (en curso) http://campusvirtual.unex.es/cala/epistemowikia

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título

Recyclable Fashion Show 2009

Participantes

Antonia Ramos Elizabeth Class Diana Esquivel Maria Cristina Ortiz Rebecca Díaz Atienza Joanne Monge Suki Berrios Raiza Rivera Ana Corujo Maria Julia Escalona Gabriella S. Rodríguez Karla Rivera

fecha

04 · 2009

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título

Recyclable Fashion Show 2010

Participantes

Steven J. Remus Gabriella S. Rodríguez Natalia Rey Melissa Marrero Mariela Martínez Emmy J. Rodríguez Antonia Ramos Yuiza Martínez Claudia Rodríguez

fecha

04 · 2010

Fotografía: Andre Kang / Primera Hora - 28 de abril 2010

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título

Recyclable Fashion Show 2011

participantes

Laura Martí Angela Figueroa Steven Remus Charlene Almeida Jubilee Valentín Elinge Ngoye Irene Fajardo Mariela Martínez Andrea Rivera Eunice Delpín

fecha

5 · 06 · 2011

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título

Recyclable xxxxxx Fashion Show 2012

autor participantes Nombre Apellido

Mariela M. Martínez Herman Nadal fecha Tylon xxx xxxReyes xxx Juan José Acosta Andres Olivo Cesmarie Jimenez Laura Martí Jubilee Valentin José Vélez Sandra Moreta

fecha

04 · 20 · 2012

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título

Recyclable Fashion Show 2013

participantes

Steven Remus Lucian Rivera Mariela Martínez Karla Francisco Herman Nadal Amanda Torres Jose Rivera Francisco Guzman Jonathan Garcia + Jesus Nieves Monica Rivera Gerardo Torres

fecha

04 · 20 · 2012

fotografía

Jennifer Lozano

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título

Building Fashion Paris 2011

autor

Gisela Correa

fecha

10 · 31 · 2011 11 · 10 · 2011

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Sobre el proceso de diseño DANNIELY A. STABACK RODRÍGUEZ ESTUDIANTE - ESCUELA DE ARQUITECTURA UPR

Se habla de que los procesos que atravesamos están demasiado cerca para analizarlos y reaccionar a ellos mientras aún los vivimos. Ocurre con las crisis sociales, los movimientos culturales, con nuestra educación, y con nuestra vida, esa continuidad de aprendizajes a veces automáticos (donde no tenemos que estar consientes de que aprendemos para aprender, o dónde, en efecto, aprendemos sin proponérnoslo). Si bien esto del aprendizaje es cierto para todos, en todas las profesiones, por el momento me conciernen los arquitectos, y de éstos, ese proceso de educación sobre lo que llamamos proceso de diseño. Ahora bien, ¿qué cosa menos específica que el diseño? Concepto por el cual entendemos toda una gama de cosas, actitudes y actividades. El diseñar, decimos, abarca desde considerar el formato del papel que elegimos hasta realizar el producto final de un semestre de diseño. Pero también estamos diseñando cuando elegimos qué zapatos van con nuestro abrigo y con qué vino servir los espaguetis. ¿Será que toda decisión que tomamos es un problema de diseño? ¿Esto aplica a todo el mundo o sólo a diseñadores? Richard Foqué define el diseño como 1) cualquier proceso orientado a cambiar situaciones existentes por unas preferibles; y 2) la concepción de los artefactos para posibilitar tales cambios en las situaciones (Herbert Simon, The Sciences of the Artificial). El hecho es que al someternos a una educación en Arquitectura nos adentramos a una cultura de diseño que trastoca nuestros paradigmas de vida, cambia nuestra percepción del mundo y nos induce poco a poco unas maneras de hacer y nos inculca unos parámetros para otorgar valor, dentro de los cuales todo debe ser bien "design". Si bien parece amplio el espectro de lo que cualifica como diseño, la gama de posibles procesos de diseño es aún mayor. Constantemente

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“There are no steps in the Design Process. Everything is happening at the same time.”

Brian Larson (1997) How Designers Think, The Design Process Demistified


Dibujos de Luis Negrón y Samuel Figueroa

escuchamos que uno no puede enseñar a hacer Arquitectura, sólo aprender. ¿Y si no se puede enseñar, por qué tenemos profesores? ¿Deberían más bien llamarse guías de diseño? ¿Mentores? ¿Problematizadores de nuestras maneras de hacer? Pero como no creo que en la Arquitectura el fin justifique los medios, el proceso es lo que más importa, ya que el producto no sólo es el fin, sino también el medio, el proceso, el cómo, el por qué. El proceso es esencial para el arquitecto, lo define, puntualiza su carácter, sus consideraciones, su postura intelectual, aunque se alegue se puede llegar de varias maneras al mismo producto. El proceso define la obra. Por ende, la enseñanza del proceso no se debe tomar a la ligera. A pesar de encontrarme aún en esa búsqueda académica de la manera correcta de hacer Arquitectura, hago un alto para intentar pensar con ojo crítico sobre lo que ha sido mi aprendizaje, basándome en lo único de lo que puedo hablar con potestad: mi aprendizaje, según lo vivido y observado en mis talleres de diseño. Para hacerlo, me valdré de algunas tipologías de enseñanza que he logrado extraer. En el primer caso que presento, se asigna un proyecto junto con un prontuario que incluye: alguna cita para obligar al estudiante a pensar, una sinopsis del proyecto, una serie de requerimientos para la entrega final y una bibliografía recomendada (que es comúnmente ignorada). De ahí en adelante, el estudiante empieza a desarrollar el proyecto desde los esbozos más elementales o los esquicios más ridículos, tratando de hallar, primero, una idea o concepto fuerte para impulsar el proyecto hasta el jurado final. Claro que eso no es lo que nos dicen el primer día, que hallemos algo fuerte de lo que podamos agarrarnos y que tengamos una línea de pensamiento coherente. Esa epifanía nos llega más tarde, con el pasar del tiempo y luego de muchos tropezones. Pero en esta etapa, el proceso creativo parece más un

tanteo esquizofrénico. La dinámica consiste en que nos estrellemos las veces necesarias con ideas estúpidas sin que sepamos realmente qué estamos buscando. ¿Pero cómo saber qué estamos buscando? ¿Cómo se maneja la reflexión sobre lo que estamos haciendo? ¿Qué preguntas nos hacemos? Nos presentamos casi automatizados a la mesa de crítica con el papel de trazos, la libreta de bocetos, las maquetas de todos tamaños y materiales… A veces incluso creemos que tenemos algo bueno. El resto del tiempo vamos totalmente desmoralizados. ¿Qué irá a pensar el profesor? Porque el profesor tiene la palabra final. Volvamos a pensar en el rol del profesor, educado en la práctica mas no necesariamente en la didáctica, dentro de una profesión que reclama poder aprenderse, más no enseñarse. En fin, él juzga si nuestra idea vale la pena o no. Pero, vamos, ¿qué es la idea? La idea o el concepto bien podrían ser tres líneas en una servilleta, fenestraciones en un pedazo de cartón, o palillos de diente que sugieren un patrón fluido en el espacio mientras se entremezclan con hilo de pescar. Lo que intento plantear es que un buen profesor, que es por supuesto un diseñador, va a ser capaz de ver en cualquier pedazo de porquería una buena idea, trabajable y lista en dos semanas para el jurado, con todo y fotomontajes, dibujos técnicos, etc. El profesor tratará de provocar la coherencia de la idea a través del proyecto y de trasmitir lo que él cree que puede ser el resultado final si se hace de ésta o esta otra forma. El estudiante, al notar que el profesor ve posibilidades en su idea y que recomienda algunos precedentes exquisitos (con la idea original ya perfeccionada, analizada, emplazada, construida y criticada), se entusiasma y cree que algo está haciendo bien y que sigue los pasos de los dioses. Claro, luego de vender su alma al precedente, deberá trabajar como esclavo y flagelar su salud en búsqueda de la más exquisita representación de la idea.

Llegará al jurado y fabricará una manera de vender su concepto. Pero probablemente en esta etapa no ha caído en cuenta de que lo que acaba de aprender, si no tuvo cuidado el profesor, es a plagiar propiedad intelectual y, a repetir sin razón formas existentes. En un segundo caso, el profesor tendrá más cuidado en mostrar precedentes y empujar al estudiante en una dirección particular. Llegará a la mesa de crítica y examinará el trabajo, los bocetos, las maquetas, y se convertirá en el sicólogo del estudiante. ¿Qué es lo que estás tratando de hacer? ¿Qué es lo que quieres decir? Éstas me parecen excelentes preguntas, porque se alejan un poco de la subjetividad de la estética simplista. Sin embargo, es muy probable que el estudiante no tenga la menor idea de qué es lo que quiere hacer y honestamente prefiera escuchar, luego de mil intentos y noches en vela, qué es lo que el profesor quiere decir. Así que, probablemente inventará una intensión espacial escultórica para tener algo que decir y el profesor utilizará eso para timonearlo un poco. Este proceso suele ser muy frustrante (no necesariamente errado), porque en cada crítica el estudiante debe saber explicarse bien o lo que diga será usado en su contra. Si no puede entender/explicar su proyecto, la dinámica se convertirá en un subibajas emocional (un paso adelante por cada dos hacia atrás) en el que hallar una dirección sólida y definitiva se le hará muy difícil. Ahora, de esto uno aprende, sí, a tener líneas de pensamiento más coherentes y a fabricar una idea/ concepto sólido desde el comienzo para no estar cambiando dos días antes del jurado. Mi problema con esto es que el proceso creativo se puede convertir entonces un acto racional con malicia premeditada en el que el fin es estar un paso adelante del profesor y vencerlo hasta el día de la entrega. Esto conlleva buscar un concepto, desarrollarlo de forma

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título xxxxxx

autor

Nombre Apellido

fecha

xxx xxx xxx

Proyecto dodecahedro, diseñado y construido para el taller de diseño de 2do año de los profesores Carlos Pérez y Manuel Colón

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lógica (no necesariamente profunda) y dar sólo pasos coherentes que se vean bien en un flujograma o board de análisis. A cada crítica se le busca una solución quasi mecánica dentro del sistema. La línea de trayecto entre problema y solución intenta ser una diagonal muy recta, a simple vista admirable, pero en el fondo, tal vez superficial. ¿Qué tipo de conocimiento puede dejarnos un proceso así? Calma. Reconozco que hay otras destrezas que tienen que desarrollarse y que en efecto se desarrollan en estos procesos, como nuestras habilidades de representación, de artesanía y de maquetería. Reconozco además que los cursos de diseño de la Escuela de Arquitectura son en muchos casos la primera educación en diseño que reciben muchos de los admitidos, y que por algún sitio hay que comenzar a romper los paradigmas. Parte de la formación incluye ver cosas, alimentarnos de imágenes, educar el ojo. El problema es que nos quedemos, y me incluyo, educando el ojo y no sepamos aplicar la chulería a la verdadera Arquitectura. Una vez superamos el trauma de la representación y las técnicas de comunicación inherentes de la profesión, lo importante debe ser el diseño mismo, la calidad del producto, como resultado de un buen proceso de pensamiento crítico. ¿Pero cómo se le enseña a un estudiante a pensar? ¿Qué tipo de crítica se le da para lograrlo? Más o menos surge de ahí mi inconformidad con las maquetas, los dibujos y los fotomontajes. Suelen convertirse en herramientas de comunicar lo obvio: la maqueta informa al plano, la perspectiva informa la maqueta, photoshop chulea las fotos de la maqueta que reflejan el plano. Recuerdo el momento trascendental en que un profesor me señaló que las maquetas NO eran la realidad, por lo que el dibujo no debe perder el tiempo radiografiando la maqueta, sino el espacio en el diseño. Más trascendental aún fue el momento en que otro profesor dijo, ya fastidiado por nuestros someros intentos maqueteros, “ya sé que pueden maquetear lindo, pero eso no es lo que necesito que hagan…” Luego caí en cuenta de la importancia que alcanzan las maquetas analíticas y abstractas a la hora de hablar de Arquitectura, al igual que los dibujos compuestos, los mapas, los medios mixtos, los solapes de información... Tiene que ver con los niveles o capas de pensamiento, con qué tantas capas podemos ir revelando, y con cómo esa información alimenta el diseño. Tiene que ver con resistir la tentación de estancarnos en lo banal, aunque se vea lindo, y en las representaciones bidimensionales o tridimensionales simplistas, si luego pretendemos hablar de la infinita dimensionalidad de la Arquitectura...

Reconozco, de nuevo, que los cursos intentan que pulamos nuestras herramientas para comunicar lo que diseñamos, pero a la hora de la práctica, el dibujo final probablemente lo haga un delineante, la maqueta probablemente se mande a fabricar, y del board se puede encargar un diseñador gráfico o un intern. ¿Entonces las herramientas de representación son sólo eso? ¿Para qué sirven durante el proceso de diseño? ¿Qué separa al arquitecto del delineante, del maquetero y del diseñador gráfico en la manera de utilizarlas? El caso 3 presenta un tipo de proceso de diseño menos tradicional. Aquí el profesor escucha con paciencia todo lo que el estudiante tiene que decir (haga o no sentido). La dinámica se centra en analizar tipos de precedentes que no están formalmente ligados al proyecto del estudiante, pero sí estructuralmente, programáticamente, ideológicamente. El tema de la estética nunca se toca. Lo que importa es qué puede llegar a ser el proyecto y por qué. El proceso conlleva mucha exploración y experimentación y los resultados son impredecibles. Las preguntas intentan ser de tipo más complejo: contexto, visión, gesto sociológico-espacial, propuestas constructivas y estructurales... y el proyecto va tratando de encarnar todo lo que lo sustenta. Para lograrlo, el dibujo ortográfico es herramienta de análisis, como lo son la maqueta y los demás medios. Todo se problematiza. Domina un interés por generar significado, conocimiento y realidades alternas. He aquí un proceso de diseño que va proponiendo un verdadero acercamiento a la creatividad, tomando creatividad como la habilidad de descubrir lo existente, inventar lo nuevo y modificar lo viejo. El proceso de diseño que aprendamos debe, entre otras cosas, propiciar que seamos realmente creativos. Según el texto de Foqué (Building Knowledge in Architecture), un proceso creativo no está puramente basado en la intuición, y sólo puede existir cuando la acción intuitiva es apoyada y complementada por el pensamiento reflexivo (…) esto nos conduce al momento creativo, donde las fronteras entre lo racional y lo intuitivo desaparecen para dar paso al nuevo entendimiento/percepción/creatividad. Por esta línea llegamos al caso 4, un tipo de taller que funciona más como oficina, en el que cada cual es prácticamente independiente. Las revisiones se dan sólo al final de cada proyecto, por lo que al estudiante le toca apartarse de la necesidad esquizofrénica de recibir crítica y obligado por la necesidad desarrolla las habilidades de autocrítica y reflexión, y busca de forma humilde la crítica de sus pares. ¿El profesor? No suele emitir opiniones. Es una referencia que el estudiante debe abordar con preguntas específicas. Eso sí, constantemente fomenta debates grupales donde se problematiza cada aspecto del diseño,

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Proceso desde dibujo conceptual a diseño diagramático.

incluyendo el proceso en sí (lo que explica cómo llegué a todo esto). El concepto como punto de partida se ridiculiza. Se habla más bien sobre la búsqueda de coherencias o estrategias formales en el diseño para lograr comunicar las movidas complejas y el verdadero contenido del proyecto. El concepto no es el proyecto. Las discusiones buscan comprender y criticar las referencias asignadas (proyectos construidos, ensayos, artículos, literatura). Sobre lo leído y discutido, el estudiante elabora reflexiones que somete a la crítica de sus pares. De esta forma, cada estudiante va armando una bitácora actualizada donde se recopila su proceso de diseño, sea cual sea, lo cual aumenta en definitiva la posibilidad de que aprenda del mismo. El proceso que se sugiere, aunque no de forma explícita, es uno bastante metódico y racional donde 1) se plantea un problema, que puede ser continuación de otro problema o una mezcla de varios. Luego 2) se asignan lecturas al respecto y se reflexiona. Después 3) se lleva todo a una mesa de discusión, mientras se diseña. Se presentan opciones, no intentos finales. Una vez se trabaja con esmero cada propuesta, se reflexiona sobre cada una y, teniendo en cuenta los requerimientos finales, se elige la que deberá seguir adelante. Este proceso se lleva simultáneamente con varios proyectos distintos, de forma que nunca se tiene una sola cosa en mente. Se favorece mucho traducción, ya sea de ideas propias, de ideas del profesor, de ideas de los compañeros o de algún star architect. Se cree que la originalidad pura no es la meta, formal o tipológica, sino la yuxtaposición acertada de elementos existentes para crear nuevas narrativas, lo cual no implica copiar, pero sí requiere poseer suficiente conocimiento. Encuentro que el proceso sí tiene una deficiencia fundamental: carece del componente práctico del proceso creativo: el construir, el

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experimentar la escala humana en el espacio en el plano real. El diseño debe, por definición, promover el hacer (aunque ese es ya otro debate). Pero, este último método parece ser en teoría una gran propuesta que tiene los ingredientes necesarios para convertirse en una forma sólida de... ¿Hacer arquitectos? ¿Generar buenos proyectos? ¿Formar pensadores? ¿Filtrar indecisos? ¿Inculcar un buen proceso de diseño? ¡Pero alto! Aunque todos somos eternos aprendices, a mí particularmente me falta mucho. Naturalmente, no he experimentado todos los tipos de cátedra, ni he leído suficiente sobre el tema. Por consiguiente, no pretendo porfiar que lo digo es en definitiva lo correcto, aunque creo que mis preocupaciones son genuinas y que mis argumentos merecen atención. Para concluir, recalco que necesitamos un proceso de diseño que no sea lineal y que permita anomalías y excentricidades, que se documente minuciosamente, y que se examine y analice como si fuera un proyecto más del curso; necesitamos poner la teoría en práctica, hacer, para retroalimentar la teoría; y necesitamos un trasfondo de historia y teoría sin el cual es imposible elevar el proceso de diseño, el proceso de enseñanza, el proceso de debate y las revisiones de proyectos a un nivel adecuado de intensidad, pertinencia, sensibilidad, transdiciplinariedad, y creatividad.


"By representing new things in new ways, we can build a new world and inhabit it, if only with our eyes." Aaron Betsky, on Introduction: Beyond 89 degrees, page18 Works

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El Gallo: Diseñando una iconografía universitaria Francisco Javier Rodríguez, Darwin J. Marrero Carrer

Hay conversaciones que se explican mejor en imágenes y hay reuniones que fallan en cautivar nuestra atención --por no decir que pueden tornarse aburridas. En ambos casos, los arquitectos solemos acudir al recurso gráfico y optamos por dibujar en una servilleta nuestras ideas. [Francisco] - En una reunión particular comencé a mirar los logos universitarios que adornaban la montaña de documentos oficiales que acompañaban dicha sesión. Llevaba un tiempo pensando lo "outdated" que lucían y como de cierta manera eran espejo de nuestra desmejorada imagen institucional. Hay que admitir que no es fácil diseñar un gallo que se vea bien y quizás por eso mismo me di a la tarea de trazar unas líneas subconscientes buscando algún tipo de fluidez que ameritara estar en vitrina, o al menos en una T-Shirt. Me encantan los deportes, especialmente los universitarios, y siempre he seguido de cerca los cambios en diseño de sus logos, mascotas y uniformes. Debo admitir que he tenido una fantasía secreta de crear un programa completo

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de imagen institucional y todo indicaba que ésta era una oportunidad ideal para hacerlo. Al día siguiente llegué a la Escuela de Arquitectura y le mostré la servilleta al Prof. Darwin J. Marrero-Carrer y a mi estudiante Cristina Marrero, quien además era atleta de pista y campo y sentí cierta receptividad de parte de ellos. Darwin digitalizó el esbozo, lo dibujó en la computadora y poco a poco lo fuimos puliendo. Mientras tanto, Cristina lo llevaba a la pista y auscultaba el sentir de sus compañeros gallitos y jerezanas. El esfuerzo llegó a los oídos de David Alemán, quien se entusiasmó con las posibilidades del proyecto y, acto seguido, nos reunimos con él y la Decana de Estudiantes, Mayra Chárriez, en la sala de conferencias del Decanato de Arquitectura. Hicimos nuestra presentación, mostrando como una campaña concertada y unificada podría ir mas allá de la típica camiseta anual para las Justas. La conspiración tenía ahora un equipo.

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[D] - Si tuviese que describir el gallo en texto, este consiste formalmente de “una descripción geométrica abstracta de la anatomía de un gallo oriundo mediante la utilización de trazos primordialmente diagonales.” Las palabras clave de esta descripción lo son “trazos” y “oriundo”. El logo es moderno y dinámico por la manera en que fue dibujado. Su representación, además de ser anatómicamente precisa, escoge resaltar el brío, energía y dinamismo natural del gallo puertorriqueño. Con esto quiero recalcar que no es un gallo de pelea pero resalta la reyerta nata en nuestro gallo. Cuando recibí el esbozo de Francisco en una servilleta pude ver que la visión y objetivo que perseguía el diseño era claro: como forma era la anatomía completa de un gallo en lateral; como logotipo buscaba definir la identidad atlética y, más allá, del espíritu de nuestro Recinto. Hoy podemos ver cómo se ha convertido en imagen institucional. El proceso de desarrollo del logo fue único en el sentido de ser compartido. Ninguno de los diseñadores pudimos haber llegado al mismo sin el insumo del otro. Las ideas, concepto y trazos se confunden hasta el punto de ser irreconocibles por nosotros, sus autores. Lo que es irrevocable es que el gallo es inconfundible y propio del Recinto de Río Piedras de la UPR.

[F] - El rumor del cambio trascendió las fachadas de la Escuela de Arquitectura y pronto nos encontramos evaluando la posibilidad de otras propuestas e inclusive modificaciones a la nuestra. Fueron situaciones potencialmente difíciles pero las encaramos con diplomacia y firmeza, y al final, se escogió la propuesta de la Escuela de Arquitectura. Ese año no solo diseñamos la camisa de las Justas, sino también los uniformes de los atletas y además del flamante gallo fuimos lo suficientemente atrevidos como para modificar el “UPRRP” y añadirle el tradicional “la IUPI” como parte integral del mismo. Debo admitir que me dio mucha ilusión ver una foto del 4x100 en el periódico El Nuevo Día celebrando la carrera con sus nuevos uniformes. Eventualmente, la Rectora se involucró en el proyecto, proveyendo el necesario apoyo institucional a nivel del Recinto, a la vez que Rosita Rivera, quien llegaba al Recinto de Río Piedras para dirigir la oficina de Mercadeo,


Desarrollo y Comunicaciones se convertía en parte esencial del equipo. Al año siguiente, el Recinto dio la bienvenida a los estudiantes con “banners” y camisetas portando los logos y comenzamos a trabajar en la idea de tener una tiendita universitaria para vender todo tipo de mercancía con la nueva imagen. Darwin había practicado como atleta en la UPR y conocía a varios dirigentes deportivos, incluyendo a Gretchen Gotay, la entrenadora del equipo femenino de natación, quien no tardó en sumarse al proyecto. De una propuesta para una camiseta emblemática, pasamos a uniformes de pista y campo, luego a natación y finalmente al resto de los deportes. Acto seguido, el Decanato de Estudiantes nos solicitó que diseñáramos la tarjeta de identificación de los estudiantes. Poco a poco, el logo se estaba oficializando y cada vez era mas común verlos por todo el recinto.

[D] - Para continuar con el desarrollo del esbozo del gallo y su utilización fue necesario el estudio de logos y mascotas de diversas instituciones deportivas y académicas alrededor del mundo, pero también el de uniformes, revistas, encabezados y otros recursos institucionales además de todo tipo de mercancía y suvenir. Prontamente y dado que en un momento fui atleta y ansié llevar el logo de la UPR en mi pecho, decidí que era necesario diseñar logos complementarios como el “UPRRP”, los trazos dinámicos de la cola y la huella del gallo. Esto, con el propósito principal de dotar los atletas con una gráfica contemporánea única en sus uniformes, llena de movimiento y tenacidad como ellos. Poco a poco surgieron movidas características como la ubicación del “UPRRP” en la parte posterior de los uniformes para que los atletas derrotadas pudiesen identificar la institución proveniente del glorioso vencedor, gallo o jerezana de la IUPI.

[F] - Eventualmente la Administración Central envió un comunicado mediante su Presidente avalando los logos nuevos y los mismos se inscribieron en el Departamento de Estado. Tanto Darwin como yo renunciamos a los derechos de autor, no sin antes hacer un llamado a que los diseños se mantuvieran lo mas fieles a su intención original. Desde entonces hemos colaborado con los diseñadores gráficos del Recinto para implementar la campaña a en varios niveles, desde las casetas de los guardias hasta stickers, tazas de café y plantillas de PowerPoint. El gallo llegó para quedarse y la Universidad tiene una imagen a la altura de su reputación. Cuando voy a rectoría o al senado, suelo pasar por la tiendita a ver los productos nuevos. A veces compro algo para regalarle a mis hijos o a algún visitante a la Escuela e inevitablemente siento la misma sensación que cuando termino uno de mis proyectos de arquitectura. Acto seguido entro a la reunión a ver si la musa vuelve a aparecer y otro de esos esbozos servilleteros llega a convertirse en algo especial.

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Propuesta para incorporar logotipos universitarios al puente peatonal que conecta con el ĂĄrea deportiva.

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This volume of (in)forma is dedicated to the larger subject of Design in both architectural pedagogy and practice. It aspires to a critical...

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