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MAS DEL POP ART Con el minimal se atacaba a los principios del modernismo. Otros movimientos apelan a una nueva comunicación con la cultura de masas y popular (manifestación cultural que eclosiona en los 50. A partir de los 40 y 50 se convierte en una industria cultural. Se desarrolla ad infinitum para ocupar todas las manifestaciones culturales. Su fundamento es el consumo y el sujeto de la industria cultural es el consumidor. Frente al sujeto libre kantiano que entra en contacto con las obras de arte, se sustituye por el sujeto que se ve interpelado por la publicidad y los medios de comunicación para que consuma. El consumo y el capitalismo se convierten en el modelo fundamental de la producción cultural. Es una cultura de masas, mediática. Esto se convierte en una realidad dentro de la Guerra Fría, se convierte en una propuesta ideológica positiva, una alternativa de libertad. A esto se enfrenta el arte de vanguardia, compitiendo con la cultura mediática. Se producen manifestaciones artísticas que asimilaban el vocabulario de la cultura de masas: es el ARTE POP. Es otro síntoma del fin del modernismo. Johns y Rauschenberg luchan contra el modernismo, es una crítica al funcionamiento del mundo del arte. Fue asimilado por las galerías y percibido como una nueva vanguardia. Más ambicioso fue lo que ocurrió en Inglaterra. El Pop Art es un fenómeno que nace en Inglaterra con un espíritu radical de crítica social general a la vanguardia. Recogen la tradición del surrealismo y dadaísmo y proponen un nuevo modo de vida. El Reino Unido en los 50 había sido una potencia victoriosa, sin embargo sufre una crisis radical con la descolonización en la posguerra, con la commonwealth, la dura situación económica y la abolición de los principios aristocráticos de los británicos. Se redefine el contrato social y hay un rechazo a la alta cultura. Fascinados por los medios culturales populares y las influencias americanas. EE.UU. era proveedor de objetos de deseo para la cultura británica, en la que había una carencia de casi todo. Las tiendas estaban como vacías. Un grupo de jóvenes artistas herederos del dadaísmo forman el Independent Group, alrededor del instituto de arte contemporáneo fundado por Herbert Read; Teórico de la escultura postsurrealista. Read intentó crear un instituto con fondos públicos que funcionase de un modo larvado. Uno de los padres del Independent Group es Eduardo Paolozzi, un escocés que, remitiéndose a las tradiciones dadaístas de crítica, va a rechazar cualquier principio de alta cultura y defiende a ultranza la imaginería de los nuevos medios de masas llevando a reflexión la subjetividad de los consumidores. Paolozzi realiza en 1952 un “Collage” donde reflexiona sobre la nueva construcción de la subjetividad en los nuevos medios de consumo. Tiene un carácter casi norteamericano (Trazan sujeta un coche). Son famosas sus “Conferencias epidiascópicas”. RICHARD HAMILTON Es otro autor que hizo “Exactamente ¿qué hace de las casas de hoy en día tan diferentes y atractivas?”. Es una casa con todos los fetiches del mundo moderno. Hay constantes referencias al mundo americano. Aparece un televisor, un teléfono, una alfombra que en realidad es un cuadro de Pollock, una lata de jamón cocido, un chupa chups, una taza de café, un magnetófono, una aspiradora, unos cómics,...


Los individuos en blanco y negro se integran como objetos. La cultura es un lugar de excitación consumista. Los hombres no son tanto productores como productos. Son obras un tanto ambiguas. Los personajes son complejos. Se codifica la experiencia en un análisis crítico. Hay un rechazo enorme a la cultura de elite, se puede detectar una adhesión a los medios de producción mediáticos. Hamilton fundamenta su investigación en los medios. El Pop no fue universal, tiene su extensión y sus secuelas. DAVID HOCKNEY Nos muestra un aspecto más del Pop. Es puente entre la producción británica y el pop norteamericano. A la obra se incorpora el deseo de los medios de masas que detonan procesos de subjetividad y motivación. Su carrera está entre el mundo británico y el norteamericano. Hockney aplica un estilo artificioso y frío, típico del cómic, de colores básicos a la representación de la vida cotidiana. Al mismo tiempo se produce una sensación de familiaridad y distanciamiento, se crea un sentimiento ambivalente: son figuras de cera de cierta belleza. Combina el lenguaje pop con la artificiosidad con la realidad doméstica. Cuando va a California desarrolla una nueva personalidad sin contradicciones y opta por una solución relacionada con los medios fríos, sin vida ni muerte de los medios de masas. Hace cuadros relacionados con las piscinas. Autorretrata su vida utópica y sin problemas en un mundo soleado y refrescante. ANDY WARHOL. Su personalidad es difícil de definir ya que no se ajusta a ningún tipo. No es uno más sino que es un ser diferente. Vivió el drama del no llegar a ser. Esa ansiedad de la identidad se convierte en paradigmática. El caso Warhol se convierte en modelo de la experimentación contemporánea. Se engloba en el movimiento duchampiano antivanguardista. Su carrera se detona a través de una exposición de Duchamp en Passadena en 1962. Renuncia como los minimal a convertir al individuo en el origen de la significación de la obra. Las obras no significan al artista, su significado está ligado al contexto y al entorno social. Critica el concepto de interioridad. El arte es una producción cultural colectiva donde el individuo es un componente más del entramado social. Al igual que para Rauschenberg, el marco de representación es una pantalla frágil y sin profundidad (TV). Las imágenes atraen el deseo del consumidor. Las producciones sociales son contingentes y superficiales. Esta fragilidad no la percibe como una carencia o castración sino que para él es como una liberación. Este sistema superficial le libera. La subjetividad estable y fuerte era represiva y opresiva, es como una cárcel. Como gay, no quería que su físico y su psique se parecieran a la de su padre o a la de su hermano; ve que no iba a ser y ve que en los medios de masas la apertura aparente le parece liberadora. Es un modo de afirmar la nueva subjetividad artificiosa de un nuevo mundo, una subjetividad en tránsito que puede ser primero amarilla y luego verde.


El hombre se cumplía cuando salía por la televisión. Esto es liberador pero a la vez hay un elemento de denuncia. Un sesgo de señalamiento de una carencia, un sesgo mortal o melancólico. “Serie de Marilyn Monroe” Su diva. Es como un cuadro funerario porque lo produce a la noticia de su muerte. Reflexiona sobre la eternidad de la imagen mediática y la realidad de la muerte y de la imposibilidad de cortar la relación entre una y otra. Incompatibilidad entre la imagen donde se cristaliza nuestra subjetividad ideal y nuestra vida que va a la decadencia. Incompatibilidad entre la imagen y la muerte. Sus cuadros son un juego de máscaras. Warhol hace una exposición en la Galería Blume en un ambiente más gay. Son exposiciones que marcan diferencias con Duchamp. “Serigrafías de la Campbell Soup”, “acumulación de cajas del detergente Brillo” uno piensa que el punto de partida es el ready made. Sin embargo hay algo más porque al usar cajas su esencia publicitaria está relacionando el mundo de la galería con el mundo exterior. Los objetos de Duchamp se vacían de contenido y se llenan de contenido artístico. En Warhol no estamos seguros de sí esta haciendo publicidad. Como son imágenes nos remiten a los signos que hay fuera de la galería. Es parecido Donald Judd y sus cajas huecas. La relación tiene connotaciones publicitarias y consumistas. Lo llena de significado social dentro de los medios de masas. Cuando Warhol se convierte en Warhol es en 1962, en la exposición de Duchamp. Hace una exposición en Los Ángeles donde aprende la cultura Pop, donde la vanguardia era más culta. El pop se produce antes del minimal. Nos encontramos en una investigación paralela. Warhol pretende una destrucción de los modelos de modernismo. Se elimina el concepto único y aparece la seriación. No hay composición. La repetición nos impide fijarnos en un único objeto por lo que es imposible localizar el original. “Sopa Campbell” es la sopa que toma todas las mañanas. No hay autonomía, individualidad o subjetividad. Critica con esta obra la autonomía del arte. Vemos como se solapa la reflexión sobre los objetos de consumo. Marilyn Monroe es una persona y un objeto de consumo a la vez. La mayoría de los cuadros de Warhol tienen un componente de mortalidad. Tras exponer en la Galería Blume se hace más radical en temas de violencia y muerte desde cómo los medios de comunicación la espectacularizan. “Silla eléctrica” tenemos un fragmento de esta serie en que las imágenes aparecen como quemadas o corroídas. Notamos un drama a través de la sobre exposición, los colores metálicos,... se produce una tensión. Se expone un drama no individual sino general de lo social. Con la introducción de colores se introduce una relación más empática. “Guardias pegando a unos manifestantes negros” Reflexiona sobre cómo la violencia es transmitida por los medios. Es difícil analizar el punto de vista de Warhol. Podemos pensar en una denuncia sistemática o en un intento de vaciar el contenido de la imagen a través de la repetición. “Serie sobre accidentes” Imágenes monocromas y sobre expuestas. Escoge temas en los que hay una fascinación por la muerte producida por la tecnología. Rompe la cadena que llega a su fin; nunca hay conclusión. Hay una negación a utilizar los medios de producción únicos. Se pone en evidencia cómo funcionan los medios y hay una renuncia a la denuncia a través de una obra única. Hay un elemento nihilista. En el año 62 hace una obra sobre la artificiosidad de los medios de producción a través de la moda. Decora un escaparate con maniquíes, coloca una figura de Superman que


adopta las cualidades de una máquina. Se habla de la perfección del cuerpo por medio de los medios tecnológicos. En 1963 se pone fin a esta etapa. Hay un sentimiento de poder cambiar las cosas. El presidente Kennedy procuraba una sociedad abierta pero es asesinado este año. Se hace una serie con Jackie Kennedy; se identifica así con las masas y se pierde su elemento crítico. Se vuelve mas “warhol” conectando con la sensibilidad de la gente. Es el momento final de una apertura al optimismo y se produce un quiebro en 1964. se produce la eliminación de elementos críticos. Se realiza la exposición mundial de Nueva York sobre los adelantos de la tecnología y se le encargó un mural a Warhol, que hizo “Los hombres más deseados” donde colocó los rostros de los más perseguidos y peligrosos de América jugando con la actividad del atractivo sexual. Lo censuraron. Tiene connotaciones homosexuales, habla de la marginalidad, el deseo, el peligro. Hasta 1964 Andy no vendía nada, era un personaje bohemio que se convirtió en objeto de la censura. Dejó de ser activo políticamente para construirse su propio mundo. Hizo su serie “Flowers” que por medio de la seriación vende cuadros como churros. Ase vuelve decorativo, los colores se diversifican y se hacen superficiales, lo que no oculta el procedimiento. “The philosophy of Andy Warhol from A to B and back again” “Serie de vacas” la obra como decoración. Hay una crítica más sutil; la vaca es mansa y femenina. Para él es un fetiche frente a la masculinidad. “Serie sobre Mao Zetung” Papel pintado sobre un fondo con lunares morados. “Serie dedicada a Elvis” toda la galería se empapela con este primer gran icono de la cultura Pop que encarna los valores masculinos. A partir del 64 se dedica a la vez al papel pintado y crea un lugar de reunión, “The Factory”. Núcleo de la vanguardia neoyorquina. Era un continuo happening donde los individuos se travestían, se grababan unos a otros y se hacía música y cine. Sus películas son de tendencia vanguardista sexualmente explícitas. No es cine erótico sino experimental en técnica y temática. La seriación sigue siendo fundamental. El contenido es irrelevante. “El paso del día alrededor del Empire State Building”, “Durmiente” o “Mario Banana” son algunas de sus películas. Esta última dura 3 minutos y en ella un personaje travestido se come un plátano de modo explícito. La Factory no sólo es Warhol. Su cine era sobre todo antinarrativo. No pretendía entretener sino recuperar un espacio y un tiempo literal. Pone en evidencia la construcción ideológica del otro cine. Recupera la experiencia de la realidad completamente directa. No existe un montaje posterior a la película. En “Mario Banana” el personaje se come con mucho gusto el plátano. Reivindica una visibilidad de la Drag-Queen. Son obras muy inocentes. No hay narratividad, la cámara permanece fija, lo que equivale a la seriación y a la relación estática de la imagen. Se vacía de contenidos morales, traumáticos. Sus últimos años le hicieron cruzarse con Basquiat, con quien colaboró. A pesar de que el pop art, a finales de los 70 parecía frío, no se recluyó sino que se abrió a tendencias más expresionistas. El Pop se hizo popular desde mediados de los 60 principalmente por la ampliación del mercado y los nuevos ricos como la familia Skull, propietaria de una cadena de taxis. El boom económico exige una ampliación de la oferta artística. Los nuevos compradores vieron en este arte un modo fácil de acercarse a la vanguardia. Leo Castelli fue el primero en apoyas a J. Johns, R. Rauschenberg, la obra de Warhol y Lichtenstein.


LICHTENSTEIN Su obra es fácilmente reconocible. Hace una ampliación en términos expresionistas abstractos rellenos de una ampliación inmensa de cómics e imágenes de la cultura popular. Es como si se pixelizara. Se pone en evidencia el método de reproducción a partir de puntitos de color. Se reivindica el imaginario popular y el propio proceso tecnológico, lo cual supone una crítica a los medios de producción artesanales. Con “Pinceladas” se ríe de Pollock y Kline. Usa el lenguaje codificado de los cómic para hacer su crítica del dripping. Habla de la codificación del expresionismo abstracto. Incluso hace una versión de la vanguardia. Su lenguaje es complejo sobre todo cuando el lenguaje de los cómic se descontextualiza. Parecen encarnar complejos dramas humanos. Dota a un lenguaje popular de significados típicos del arte de elite. CLAES OLDENBURG Participa en el ambiente más radical de los 50, jugaba a la ambigüedad sexual, participa en happenings. Sus obras de los 60 se enmarcan en el arte pop “Esculturas Hamburguesas” donde ironiza sobre el arte monumental, la vanguardia encarna valores individuales y paradójicos. Tiene una serie de objetos inmensos (pinza, navaja suiza, ventilador hecho en plástico, váteres,...) Juega humorísticamente a la superposición de lo doméstico con valores de la cultura social. Su obra de los 70 y 80 es una sucesión de chistes. Segundas vanguardias y otras corrientes "modernas" Pop art (arte popular) Pintura pop Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El término de "pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas. La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general. Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público. Los inicios del pop, especialmente el pop norteamericano representado por Rauschenberg y Johns, también se conoce como "neodadaísmo", por estar muy influenciados por las obras de Duchamp y Schwitters. En Europa, una tendencia relacionada con el pop norteamericano recibe el nombre de "nouveau réalisme" (nuevo realismo).


CARACTERÍSTICAS - Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual. - Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. - Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.). - Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura. - Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles. - Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva. - Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo). - Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.). - Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein). - Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. . - Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo. INFLUENCIAS Del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo.


ARTISTAS EE.UU.: Robert Rauschenberg (1925), Jasper Johns (1930), Ed Ruscha (1937), Robert Indiana, Mel Ramos (1935), Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquit (1933), Tom Wesselman (1931), etc. U.K.: David Hockney (1937), Allen Johns (1937), Richard Hamilton (1922), Jim Dine (1935), Peter Blake (1932), etc. OBRAS DESTACADAS J. Johns: "Tres banderas", 1968. R. Rauschenberg: "Cañón", 1959. A. Warhol: "Marilyn Monroe", 1967. Serigrafía, 92 x 96 cm. Recklinghausen, Städtische Kunsthalle. A. Warhol: "Marilyn Twice" (Marilyn dos veces), 1962. Pintura acrílica y liquitex sobre lienzo, serigrafía, 74 x 36 cm. Colección Marx, Berlín. A. Warhol: "Single Elvis" (Un Elvis), 1964, detalle. Serigrafía sobre lienzo, 210 x 107 cm. Colección Ludwig, Neue Galerie, Aquisgrán. A. Warhol: "Latas de sopa Campbell". A. Jones: "Hemafrodita", 1963. A. Jones: "La falda plisada", 1965. "Man-Woman" (Hombre-Mujer), 1963. Óleo sobre lienzo, 213 x 183. Galeria Tate, Londres. R. Hamilton: -"She" (Ella), 1958-1961.


Óleo y collage sobre panel, 122 x 81. Galería Tate, Londres. R. Lichtenstein: "Whaam", 1963. R. Lichtenstein: "Blonde waiting" (Rubia esperando), 1964. Óleo sobre lienzo, 121,9 x 121,9. Colección Richard L. Wesiman, los Angeles, California.

POP ART, ARTE DEL CONSUMISMO El Pop Art es un arte conceptual. Los cuadros se convierten en cosas y las cosas se convierten en cuadros Tilman Osterwold El Pop Art, movimiento artístico que define la segunda mitad del siglo XX, nace como una reacción en contra del expresionismo abstracto, considerado por los artistas del Pop como un arte excesivamente intelectual, subjetivo y lejos de lo que estaba viviendo para ese entonces la sociedad de la época. El Pop Art quería suprimir las distancias existentes entre vida y arte, reflejando con un tono irónico al entorno de la vida cotidiana. Su propuesta se basa en un arte determinado, ya no por la creación en sí, sino por la idea. De este modo la mera selección del objeto se convierte entonces en el proceso artístico. Esta manifestación cultural y artística, extendida hasta nuestros días, rompe con los patrones preestablecidos introduciendo la presencia del mercado en la creación artística. Vemos un arte que se esmera en recuperar objetos e imágenes pertenecientes a la cultura de masas, haciendo uso de diversas iconografías que reflejan el materialismo y trivialidad de la época, queriendo comunicar con esto una idea crítica de la realidad. Los artistas del Pop Art no intentaban realizar una interpretación de la realidad, lo que pretendían era adueñarse de ella, incorporándola de diferentes maneras al arte. Se refleja en las obras una integración de la cotidianidad urbana de la época, así como también de la publicidad, de la vida industrial y del consumo. Esta apropiación de modelos ya existentes se manifestó de muchas formas. Una de las más frecuentes fue la representación de símbolos de consumo masivo, sobre todo los de la sociedad norteamericana. Teniendo como claros ejemplos las serigrafías de Marilyn Monroe hechas por Andy Warhol (1928-1987) o los cuadros realizados por Roy Lichtenstein (1923-1997), con los cuales hemos ilustrado la Universalia impresa nro. 17, en donde el género de los comics se ve explotado de una manera casi abusiva. Es así como el artista Pop se convierte en el verdadero protagonista. Su firma va a representar una marca de fábrica, siendo ésta la que va a dar su indiscutible valor a la obra. Concluyendo en un arte que no es más que mercancía, el Pop Art no sólo dejó al descubierto la mercantilización del objeto artístico, sino que también puso en evidencia que el ser humano habita en un universo objetual, rodeado de elementos que le son


completamente inútiles, imbuido en una sociedad capitalista que se basa en la adquisición de bienes que, de acuerdo a las actitudes de las masas, le producen placer estético. Universalia nº 17 Sep-Dic 2002 Universidad Simón Bolívar. Decanato de Estudios Generales

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