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N煤mero 2 - Entinta Magazine

Entinta magazine

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¡Aquí comienza el nº2 de entinta!

Redacción Israel Martín Herrero Alba Saborido González Maquetación Alba Saborido González Israel Martín Herrero Impresión Viela Artes Gráficas (200 ejemplares)

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Índice / Contenidos Nº2

ÍNDICE 4 Lalolagráfica El diseñador como demiurgo

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Javier Jubera Ilustrador logroñés

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Gastrodiseño

Concéntrico

Eventos de diseño y comida

BoaMistura en el festival

20

Espacios para el arte

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BoaMistura Color es vida

Galería Minúscula

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Entinta Magazine

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Chatanooga

Javier Peña Ibáñez

Moda vintage

Arquitecto y mucho más

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Nombre: Raquel Marín Álvarez (Logroño, 1978) Estudios: Licenciada en Humanidades y diseñadora gráfica. Máster en tipografía avanzada en la Universidad Autónoma de Barcelona. Recorrido profesional: comenzó a trabajar como diseñadora para diversos estudios y editoriales hasta que en 2009 fundó Lalolagráfica (www.lalolagrafica.com), un estudio de diseño gráfico especializado en diseño editorial y tipografía.

Actualemente: Es colaboradora habitual de gráffica.info, periódico de noticias dedicado en exclusiva al mundo del diseño y ha escrito artículos para diversas publicaciones de referencia. Vive y trabaja: en Logroño y es la autora del libro Ortotipografía para diseñadores publicado en 2013 por la editorial Gustavo Gili.

“El diseñador es una pieza clave en la transmisión de la información y debe saber transmitir el mensaje con pocos recursos”

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Lalolagráfica / El diseñador como demiurgo

Imágenes y texto: Raquel Marín

EL DISEÑADOR COMO DEMIURGO. Los que me conocen o han asistido a alguno de mis talleres o charlas ya me habrán oído decir alguna vez que el diseñador gráfico es lo más parecido que conozco a un demiurgo y lo digo por varias razones. Habitante de un mundo dominado por imágenes, al diseñador gráfico le ha tocado vivir un difícil momento: no se le considera un artesano, ni un erudito, ni un obrero puro y duro. El diseñador es una pieza clave en la transmisión de la información y debe saber transmitir el mensaje con pocos recursos, poco tiempo y poca información. Si durante el proceso algo va mal, generalmente se le culpa.

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Según la filosofía gnóstica, un demiurgo era una entidad que sin ser necesariamente creadora era impulsora del universo. Y es por esto por lo que yo suelo decir que un diseñador gráfico es principalmente un «dador» de forma –aunque también puede ser creador–, ya que lo que el diseñador hace la mayor parte de su tiempo es dar forma a mensajes de otros y traducir esos mensajes en lenguaje gráfico. Y... ¿qué es la tipografía más que gráfica pura y dura? En un momento de la historia todo el mundo aceptó que el sonido a sería representado con la letra ‘a’, con esa forma concreta para la minúscula y con otra forma para la mayúscula (A). Al final, la relación de las letras y su forma es pura convención, como lo es la asociación de una cantidad a una cifra o número que la sustituye (0, 1, 2, 3, etc.), o la pausa en un discurso con la representación de un punto pegado a la línea base (.).

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La reflexión sobre la importancia de utilizar bien las fuentes con todas sus letras, signos, numerales, etc. comenzó en mis años universitarios ya que antes de estudiar diseño gráfico me licencié en Humanidades. Estudiar esa carrera cambió mi perspectiva y es posible que esta preparación previa fuera la que me empujara a interesarme por la tipografía y su correcta aplicación, porque ya en la universidad me preguntaba cómo se utilizaban las comillas, los paréntesis, los corchetes, las barras verticales o para qué estaban todos esos guiones, menos y rayas. Como creadora de texto entendía que tenía que saber utilizar la tipografía para expresar bien mis ideas en los proyectos de investigación, pero cuando empecé a diseñar y tuve que dar forma a textos ajenos, fui todavía más consciente de que necesitaba saber aplicar la tipografía correctamente para no enturbiar el mensaje y transmitir exactamente lo que el autor quería transmitir. Por eso los diseñadores somos demiurgos del texto. No concibo que un diseñador gráfico celoso de desempeñar bien su profesión no intente aplicar a la perfección la tipografía para sacar todo su potencial expresivo a través de los mensajes gráficos que tiene que emitir constantemente. Con este objetivo elegí el tema del proyecto de investigación de mi pre-tesina: la correcta aplicación de la tipografía, embrión de lo que luego sería mi libro Ortotipografía para diseñadores.

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Con este afán en que el diseñador recupere el orgullo profesional y pueda defenderse ante editores, correctores o jefes sin respeto hacia nuestra profesión escribí mi libro y empecé a dar charlas y talleres. El interés aumenta rápidamente y cada vez paso más tiempo investigando sobre este tema para un futuro doctorado, escribiendo artículos y dando talleres y workshops sobre ortotipografía y diseño editorial. Actualmente también estoy desarrollando la primera plataforma de e-learning para diseñadores sobre ortotipografía. Tanto en mis cursos presenciales como en los cursos on-line intento trasmitir lo importante que es nuestro papel en la comunicación y cómo el diseñador debe entrar en el texto, mejorarlo con su saber tipográfico y después tiene que salir de él sin que nadie haya notado su presencia. Si el trabajo está bien hecho, la intervención tipográfica debe ser tan discreta que no hay lugar para el aplauso, sólo el receptor debe salir beneficiado al encontrarse con un mensaje preciso e inteligible. Es hora de tener diseñadores bien formados en materia ortotipográfica.

“El diseñador debe entrar en el texto, mejorarlo con su saber tipográfico y después tiene que salir de él sin que nadie haya notado su presencia.” Entinta magazine


Lalolagráfica / El diseñador como demiurgo

1. DISEÑO EDITORIAL CREATIVO (GRAN CANARIA) FUND. MAPFRE

3. MÁSTER OFICIAL DISEÑO EDITORIAL (VALENCIA) EASD VALENCIA

2. ORTOTIPOGRAFÍA (TYPOMAD 2015)

4. DEMIURGOS Y TIPOGRAFÍA (MADRID)

(LAS PALMAS DE GRAN CANARIA) WORKSHOP (16 HORAS)23, 24, 25 y 26 NOVIEMBRE 2015

TYPOMAD (MADRID) WORKSHOP (12 HORAS) 11 Y 12 DE DICIEMBRE 2015

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SESIONES PRESENCIALES 14, 15, 16, 17 Y 18 DICIEMBRE 2015

MR. MARCEL SCHOOL (MADRID) WORKSHOP INTENSIVO (20 HORAS) 22, 23 Y 24 DE ENERO 2016

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Javier Jubera i l u s t r a d o r

“¡A galope! No hay tiempo de descanso.” Nombre: Jabier Jubera García (Logroño, 1982) Estudios: En Madrid completó sus estudios de ilustración, estudió grabado y más tarde se especializó en aguafuerte. Vive y trabaja: En Madrid, está vinculado al mundo editorial y de prensa.

Javier Jubera comenzó estudiando en lo que era la antigua Escuela de artes y oficios de Logroño, hoy actual Escuela de Diseño. Fue donde tomó sus primeros contactos con las especialidades que hoy en día son su herramienta más personal y efectiva a la hora de expresarse la ilustración y el grabado. Empezó estudiando ilustración y entre las asignaturas que cursaba, había una que le llamó especialmente la atención, grabado. A raíz de este primer contacto decidió seguir su formación primero en Madrid, donde completó sus estudios de ilustración, estudió grabado y más tarde se especializó en aguafuerte en la Fundación de la estampa contempornea de Galicia.

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Desde sus comienzos ha unido la ilustración al aguafuerte y ha sido capaz de compaginar dibujo y grabado en función de las necesidades del momento o encargo. Si algo no se puede obviar en su obra es el trazo. Duro, decidido, pero a la vez fino y claro, que dota a sus obras de una gran personalidad, expresividad y fuerza. Esta forma de dibujar es la que confiere carácter y personalidad a sus obras. Y es que su forma de bocetar tiene tanta personalidad propia que es fácil identificar trabajos suyos. Él mismo afirma: “el trazo es algo prácticamente innato y es muy importante dentro de la obra que hago.” Sus ilustraciones siempre nacen del dibujo, posteriormente utiliza diferentes técnicas para llegar al resultado final, procesos que pueden ser digitales o manuales. Por ejemplo en el aguafuerte todo es dibujo e incluso hay veces que las piezas mismas pasan a ser finales, sin ser necesariamente bocetos previos para un posterior acabado. Para él los bocetos son una herramienta que le ayuda a expresarse ya que los suele trabajar de manera más intuitiva y libre. El color, en contraposición al trazo, lo usa de una forma muy sencilla, prefiere darle importancia al dibujo. Normalmente lo trabaja más o menos en función de lo que le pida el encargo a realizar. Por ejemplo en uno de sus trabajos más recientes para el Teatro Bretón, fue el color rojo el que adquirió mayor importancia en consonancia con el rojo de la moqueta, las butacas o el telón. En su obra personal no suele introducir color, en ese sentido su obra tiene una personalidad muy propia.

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Y aunque hablamos mucho del estilo de Javier, él mismo nos insiste en que: “El estilo es fruto de uno mismo, de tu personalidad, de las cosas que ves. El estilo se desarrolla partiendo de uno mismo, a través de la evolución personal y del trabajo. Es el propio trabajo el que te da unas señas de identidad que reflejan cómo trabajas y cómo eres.” Javier nunca ha buscado tener un estilo en concreto. Hablando de sus proyectos sale el tema de la tipografía, la cual también ha empezado a formar parte de ese estilo, y es que Javier quiere hacer tan suyo su trabajo, tan personal, que como podemos ver en varios de sus últimos trabajos, introduce su propia caligrafía dentro de las obra. “La caligrafía de cada uno es diferente, es personal y hay que ser personal y arriesgado. Si puedes incluir tu propia tipografía en la obra es una maravilla.” Reconoce que le gusta escribir, de hecho nos cuenta que escribe mucho y que es otra manera de reflejar su ser. “Escribir y dibujar se asemejan, es otra manera de reflejar tu personalidad, tu estilo. Es una manera de defender tu trabajo, la caligrafía es única y personal al fin y al cabo.” Nos cuenta que donde más a gusto se siente es en su obra personal, porque es donde tiene la libertad total para trabajar lo que más le apetece. Él impone el tema, expresa lo que quiere y lo cuenta, es mas emocionante porque le permite expresar de forma más íntima, cosas que en ese momento puede querer contar, y donde puede arriesgar y experimentar más libremente tanto con el contenido como con la técnica.

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“El estilo sale de uno mismo, es como tu propio estilo de vida aplicado al trabajo.”

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Fotografía: Ilustraciones del autor. Textos: Entinta

Sin embargo Javier destaca no sólo por su obra personal sino por trabajar en diferentes campos de la ilustración, desde el mundo editorial, pasando por el diseño de carátulas o vinilos y tocando campos como el diseño de etiquetas o la cartelería. Para Javier el mundo editorial es mágico en gran medida gracias a las historias que le toca ilustrar. Las novelas y libros le permiten imaginarse mundos nuevos, en función de la historia o de lo que el autor pretende transmitir. También es una forma distinta de trabajar para él ya que las situaciones pueden hacer que el dibujo sea más suelto o más potente, con un color u otro. El proceso de trabajo viene marcado por el propio texto que es el que te inspira una cosa u otra y por la voluntad del autor de querer transmitir ciertos

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mensajes, sensaciones o emociones. “El escritor tiene en su cabeza una idea sobre los personajes pero tiene la confianza de que sea el ilustrador el que de forma a esos personajes.” Reconoce incluso que algunas de estas historias le han marcado de por vida, ya sea por la historia o los escritores. Además siempre ha sentido que su trabajo ha sido bien acogido y valorado. Javier se muestra apasionado con su profesión cuando nos habla. Él mismo se da cuenta mientras hablamos de que trabaja mucho y no le da tiempo casi ni de respirar y pararse a pensar en todo lo que hace, cuando puede lo ve y está satisfecho, descubre que ha conseguido objetivos como trabajar con gente y editoriales con las que quería. Se encuentra tan cómodo que no le importaría plantearse retos nuevos como el muralismo o la animación pero nunca olvidando que el dibujo es la herramienta principal.

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Chatanooga / Moda Vintage

隆Yo soy la experiencia, Ericka la frescura!

SUSANA & ERICKA. 路12路


Moda vintage / Chatanooga

Cómo: Susana empezó a trabajar en el mundo de la moda hace veinte años, cuando residía en Barcelona. Trabajaba en la sección de vestuario en películas de época y fue en ese momento cuando contactó directamente con la moda vintage. Desde entonces ya tuvo la inquietud de crear su propia marca sin embargo le fue imposible y se volvió a Logroño para crearla. Le propuso a una amiga la idea y de ahí nació -Bo Mambo-. Dentro de las complicaciones de empezar un proyecto, Susana contaba con la ventaja de su experiencia como diseñadora en Barcelona, lo cual significaba tener una serie de contactos y conocimientos que le permitieron allanar ese complicado comienzo. Sin embargo al año de estar juntas decidieron que era mejor continuar por separado. Entonces en solitario creó -Chatanooga-, su primera colección salió en Octubre del año pasado. A la presentación de esa colección acudió Ericka gracias a una invitación y cuando vio la colección expuesta decidió que quería hacer las prácticas con ella, como ella misma dice: “Fue amor a primera vista al ver los vestidos.” Y tímidamente, acabó pidiéndole hacer las prácticas en su taller. Ambas congeniaron a la perfección, tienen el mismo espíritu creativo y Ericka ha pasado a formar parte del equipo. El nombre: quería que éste tuviera relación con la música. A ella le gusta la de los años 40, un grupo llamado -The Andrews Sisters- tiene en casa varios discos de ellos. Quería que su nombre, reflejara lo que a ella le gusta: los años 40, la ropa de esa época, la música... Escuchando canciones se quedó con el titulo de una canción -Chatanooga choo choo- Fue en ella donde vio un ritmo que trasmitia todo lo que ella quería expresar. Entinta Magazine

Qué hace: comenzó rediseñando los vestidos vintage que nosotros conocemos de nuestros padres y abuelos, los de toda la vida. Desde que está Ericka ha habido un cambio en ese sentido ya que han comenzado a trabajar sus propios patrones, si antes se rediseñaba sobre un patrón original, ahora diseñan desde cero. El trabajo es más complejo pero les da más libertad creativa. Su última colección está dividida en tres. -Love- vestidos rediseñados de mujer y camisas para hombre. -Life- vestidos de niña, inspirados en los de Love de mujer. Por último -Wild- es una edición exclusiva, sudaderas con ilustraciones de animales (lobos, búhos o ciervos) hechas por Amets Muruzabal. Son unisex y tanto para adulto como para niños. La gran novedad de esta colección es que por primera vez han diseñado para hombre y para niño. Ahora han conseguido un stock original de telas de los años 50 y 60 además de un buen número de material autóctono riojano incluyendo lanas que les ha dado un empujón de cara a su próxima colección y nos cuentan: “Tenemos ganas de empezar a trabajar con todos estos nuevos materiales.” De hecho ya se encuentran inmersas preparando la colección de verano. Podemos adelantaros que estará llena de novedades.

“Nuestra filosofía es el ÚNICO, no hay dos vestidos iguales, es la filosofía del vintage.”

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LIFE.

Colecci贸n ni帽a 路14路


Moda Vintage / Chatanooga

Fotograf铆a: Lookarts & Chatanooga. Textos: Entinta

Colecci贸n unisex

WILD.

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GASTRODISEÑO.

“La cocina es un lenguaje mediante el cual se puede expresar armonía, creatividad, felicidad, belleza, poesía, complejidad, magia, humor, provocación, cultura.”

Ferrán Adriá

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Fotografía: www.lekue.com Textos: Entinta

Desde que el hombre es hombre y desde que éste se alimenta, el diseño vinculado a la gastronomía existe. Desde el primer cuchillo de sílex hasta el interior de los nuevos restaurantes, todo tiene que ver con el diseño. Lo podemos apreciar en la vajilla de casa, el instrumental de la cocina o hasta la carta, señalética, web e imagen gráfica de un restaurante de moda. Diseño y gastronomía siempre han estado vinculados. En este sentido el diseño se ha aplicado no solo a la preparación y presentación de los alimentos, sino también a los útiles que usamos en la mesa o fuera de ella. España siempre ha estado ligada tanto a la calidad de las materias primas, como a la creatividad gastronómica y de diseño. No en vano en los últimos años vemos como el turismo gastronómico se ha convertido en muchos casos en una de las puntas de lanza del turismo de muchas regiones de España, incluso a nivel nacional. Restaurantes, cocineros y diseñadores españoles han destacado internacionalmente colocando a nuestro país a la cabeza en estas disciplinas.

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Esta unión entre diseño y gastronomía surge de manera natural. La gastronomía está por encima de la necesidad de alimentarse así como el diseño supera la necesidad de hacer. Se busca propiciar que la creatividad salte entre ambas disciplinas y que surjan ideas que contaminen las experiencias de cada una de ellas por separado. Ferrán Adriá, el que es probablemente el mayor exponente de la cocina mundial afirmaba que: “La cocina es un lenguaje mediante el cual se puede expresar armonía, creatividad, felicidad, belleza, humor cultura...” Ahora más que nunca y de manera generalizada, la cocina y el diseño están dentro de ese lenguaje del que Ferrán siempre ha sido pionero.

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Gastrodiseño / Comida y diseño

Últimamente diversas exposiciones como “Tapas: Spanish Design for Food”, “Come casa! An experience of interior space” o “Arte y gastronomía” se han encargado de mostrarnos a través de la fotografía, los objetos y los espacios cómo: el diseño, la tradición, la gastronomía, la ciencia, la vanguardia, el arte y la innovación han interactuado con la cocina transformándola y llevándola a las cotas más altas del diseño y la creatividad. También se trata de destacar la enorme capacidad innovadora de grandes nombres de la cocina española cuyas técnicas han revolucionado la gastronomía mundial. Estas muestras se han encargado de descubrir como el diseño encuentra soluciones a los problemas que ha ido planteando el mundo de la gastronomía, y particularmente, cómo la cultura española ha aportado inventos y soluciones ingeniosas a lo largo de su historia. Esta asociación no sólo ha dado sus frutos desde el punto de vista funcional, también el mundo del arte se ha inspirado en la comida y ha dado lugar a interesantes piezas que transitan entre la instalación artística y el discurso antropológico de un país.

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Desde el objeto más pequeño como un salero, pasando por la vajilla, el mobiliario y la decoración interior de restaurantes, hasta llegar a la arquitectura, son objeto de estas muestras y cada vez más de los propios usuarios y turistas que encuentran en todas ellas un atractivo más añadido al propio de la gastronomía. Cómo el entorno influye en las acciones que realizamos cotidianamente, es importante para conseguir el confort y bienestar de los usuarios que utilizan o habitan los espacios en los que posteriormente se cata y se degustan los productos que los restauradores crean. Lo que está claro, es que ahora más que nunca, la interacción entre gastronomía y diseño, se ha expandido hasta el punto de llegar a la mayoría de hogares. Programas de televisión, nuevas tiendas especializadas tanto de comida como de utensilios y restaurantes con aires renovados casi siempre con un perfil contemporáneo, artesano, sostenible, orgánico y de proximidad hacen que el día a día de los usuarios esté cada vez más unido al mundo del diseño donde surgen sinergias diferentes, innovadoras e inesperadas.

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Quizá te interese... ¡sigue las novedades en facebook y apúntate al siguiente!

SANTIAGO(é)TAPAS Santiago de Compostela

https://www.facebook.com/santiagoetapas/ 12/29 Noviembre 2015 FOODIE FEST Castellón https://www.facebook.com/foodiefest/ 20/22 Noviembre 2015 MADREAT Madrid https://www.facebook.com/madreatmarket/ 13/15 Noviembre 2015 11/13 Diciembre 2015 MADRID FUSIÓN Madrid https://www.facebook.com/madridfusion 25/27 Enero 2016 KALEFOOD MARKET San Sebastián https://www.facebook.com/KaleFood-Market 13/15 Noviembre 2015 GASTRONOMIKA. San Sebastián https://www.facebook.com/SanSebastianGastronomika Octubre 2016

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ESPACIOS PARA EL ARTE Vivimos en el siglo XXI, para bien o para mal y estos nuevos tiempos hacen que el fino velo del futuro lo impregne todo. El arte y sus espacios tradicionales, galerías y museos, también son susceptibles a estos cambios. Además de ellos han surgido otros nuevos “espacios para el Arte” donde es posible sorprenderse con las creaciones de los artistas, donde poder “ver arte”. Son espacios alternativos e independientes que hoy validan la regeneración de un sistema artístico que necesita sanearse de la crisis económica, y del inmovilismo y la falta de visión  en la que  está inmerso el sector. Vivimos un momento de crecimiento de ideas e iniciativas, de creatividad subversiva. Estos nuevos  espacios proponen caminos paralelos, oscilantes entre lo oficial y lo alternativo, lo visible y lo subterráneo, con una escala diferente al museo y sin la presión comercial que puede imperar en una galería. Son proyectos que surgen con una estructura más flexible, muchas veces con fecha de caducidad, y donde el espacio es un medio más que un fin. Garajes, pasillos, vitrinas, sótanos o escaparates convertidos en espacios de exposición, donde el objetivo es la experimentación, reinventarse constantemente.  Espacios que  surgen de la necesidad  de artistas, comisarios y gestores por construir nuevas redes de trabajo que revitalicen el anquilosado panorama. Estos espacios aportan espontaneidad y rapidez de maniobra. También, nuevas ideas de gestión, de difusión artística y de hacer exposiciones sin necesidad de grandes inversiones. Cada movimiento es un ejercicio de ensayo-error.   En la actual situación, estos espacios para el arte tienen un papel central como lugar de resistencia. Es momento de sacar las cosas adelante a pesar de todo, trabajar con la inmediatez y gestionar lo que no puede ser propuesto de otro modo. Es clara la vigencia de estos nuevos tipos de proyectos para espacios alternativos del Arte. Se está generando una escena diferente y sin prejuicios a la hora de presentar las propuestas artísticas. Es significativo que los propios artistas propicien la gestión de estos espacios de forma que se pueda exponer su obra en un museo o galería y al mes siguiente poder hacerlo en un garaje de la misma ciudad, algo importante porque no es una cuestión de rangos, sino de ganas.  José Á. Martín.

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Espacios para el arte / En Logroño

¿Dónde encontrarlos? ¡visítalos y sigue las novedades en sus páginas web!

LA GOTA DE LECHE Espacio Joven

www.lojoven.es/

Calle Once de Junio 2

COMPLOT!

Asociación artística contemporánea

https://complotasociacion.wordpress.com/ Calle Beratúa 39/41

PLANTA BAJA MILÁN Diseño, arte y cultura

www. plantabajamilan.com Calle La Cigüeña 10

CASA DE LAS MUSAS Centro de creación artística

www.asociacioncasadelasmusas. wordpress.com/ C/ Barriocepo 45 Bajo

GALERÍA MINÚSCULA Escaparate de arte

www.galeriaminuscula.com/ Calle Gral. Primo de Rivera 14

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GALERÍA MINÚSCULA

una historia sobre cómo de las cosas pequeñas salen grandes ideas.

“Galería es un espacio abierto para cualquier persona que este interesada en crear.”

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Galería Minúscula / Espacios para el arte

Nos trasladamos a la Calle Primo de Rivera, integrada dentro del barrio de Madre de Dios, en el número 14 se encuentra un local que hace unos años fue un espacio dedicado a la cerámica. Cuando esa actividad cesó el espacio fue ofrecido a Jose Ángel, que junto a cuatro compañeros y amigos de fatigas en el arte y la creatividad decidieron conquistarlo como espacio personal de trabajo. Espacio que tuvieron que vestir desde cero ya que ni siquiera tenían luz cuando se adentraron en él. El local se encuentra en una zona con amplia presencia pakistaní donde los niños suelen estar en la calle. Cuando los niños pasaban junto al local siempre solían asomarse al escaparate o a la puerta para averiguar qué es lo que estaban haciendo dentro, como si algo oculto se estuviera gestando en el interior del local. Con la idea de facilitarles las cosas a los niños Jose tuvo la idea de crear una ventana para que éstos pudieran observar el interior del local sin tener que asomarse a escondidas y junto con Mamen se adentraron en esta curiosa aventura. Partiendo del concepto de -ventana abierta para ver desde el exterior hacia el interior- se desarrolla la idea hasta el punto de mostrar en ese espacio las propia obras de los artistas que en su interior trabajan. Fotografía: Jose A. Martín - Mamen Urquía Textos: Entinta

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Finalmente este espacio se ha convertido no solo en un lugar de muestra de sus trabajos, sino en un peculiar espacio en el cual artistas, artesanos y diseñadores pueden exponer. Su nombre, Galería Minúscula viene dado por el espacio que ofrece, minúsculo si tenemos en cuenta que sus dimensiones son 85x106x64 cm, pero que a efectos prácticos funciona como una si de una galería al uso se tratase aunque con una concepción completamente distinta a la habitual. El día 22 de Febrero, cumpleaños de sus dos creadores, hace cinco años, se inauguró la galería con la ventana-cajón que hoy seguimos viendo, ya en el escaparate. La primera instalación, titulada -Metáforaera un huevo dorado en un nido, metáfora visual según sus autores, “sobre la belleza, la incubación, la luz, el embrión del arte y la gallina de los huevos de oro.” Con la incógnita de saber qué podía salir de ese embrión que a día de hoy ha dado ya muchas alegrías empezó esta historia. A partir de ahí los amigos y conocidos les solicitaron el espacio para exponer sus piezas, a partir de lo cual el alcance de Galería Minúsucla se disparó. De la mano de su página web y las redes sociales su difusión ha aumentado y desde su inauguración nunca han tenido vacía esta pequeña galería, siempre han tenido peticiones para exponer, tanto de Logroño, como nacionales e incluso internacionales.

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Galería Minúscula / Espacios para el arte

El espacio se oferta a quien quiera con el condicionante de que solo hay ese cajón y la obra no se puede salir de ese espacio. Lo primero que se hace es explicar a los artistas las peculiaridades del espacio: las dimensiones y la entrada de luz limitada por el escaparate, condicionantes que a prácticamente todos los artistas les resultan atractivos, por ser una exigencia más del guión. Tanto Jose como Mamen ofrecen todos los recursos de que disponen para que todo salga adelante. Siempre han coincidido con gente muy altruista que ha sido capaz de viajar para montar la exposición, o mandar la obra por mensajería desde el exterior, (Fuerteventura o Buenos Aires) con las instrucciones necesarias para poder montar de la mejor manera posible. Nunca han puesto límites a la obra que se expone y están abiertos a cualquier tipo de obra. Entre las ya expuestas nos podemos encontrar desde arte gráfica, hasta cerámica o fotografía.

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Es también importante el feedback que la galería ha creado con el barrio y es que la gente comenta las obras con los galeristas. La gente del barrio suele entrar a comentar qué les parecen las obras, hay comentarios buenos y malos. También preguntan ¿qué pasa? cuando lleva unos días sin exponerse nada.

“El barrio es el juez de la galería.” (Aparte de Minúscula, espacio propiamente de exposición, el resto del local también se cede a asociaciones dentro de la semana de integración del barrio Madre de Dios o para diversas actividades como Enredos, de Rioja Acoge. También se ha usado para hacer un pase de ropa, lectura de poesía e incluso algún concierto.)

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Concéntrico / Diseño y arquitectura

CONCÉNTRICO 01 ARQUITECTURA Y DISEÑO. Concéntrico es un proyecto que Javier Peña Ibáñez tenía en mente desde hace años. Surge como una evolución de otros proyectos personales, en los que la ciudad y la forma en la que nos relacionamos con ella siempre fue el nexo de unión. Desde proyectos en espacios expositivos, hasta otros que se ubicaron en el espacio público o modificaciones parciales de espacios consolidados. Todos ellos tenían el punto en común de parar y cuestionarnos.

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Concéntrico es un paso más allá, la escala del proyecto es mayor y se involucran más agentes que hacen que la presencia en la ciudad sea más visible. Concéntrico 01 puso su foco en la ciudad oculta, esa que en el día a día pasa desapercibida, para que a través de la detenida mirada de un grupo de arquitectos y diseñadores se activara la reflexión de los ciudadanos sobre el espacio de la ciudad y las transformaciones de ésta.

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Fotografía: Josema Cutillas Textos: Entinta

Mediante la labor social del arquitecto, como observador de la ciudad y de las necesidades de sus habitantes, se logró un festival en el que cada una de las intervenciones fueron realizadas de forma específica para cada ubicación. El lema de esta primera edición fue -La ciudad a redescubrir-. El reto era reivindicar la ciudad para los ciudadanos a través de los ojos y propuestas efímeras de varios equipos de arquitectos y diseñadores. “Si ellos pueden proponer y poner en valor esos espacios en desuso, ¿por qué no se puede hacer de forma continuada?” Por ello el objetivo era salirse de los itinerarios tradicionales para que los propios ciudadanos volvieran a recorrer con cierta sorpresa la ciudad. Concatenar diferentes espacios que aproximaban una ciudad a veces olvidada. Cuando hablamos de la relación de la arquitectura y el diseño con la ciudad Javier nos hace mención de la exposición de Entinta magazine

David Chipperfield en la Fundación ICO de Madrid, en concreto de la reconstrucción del Neues Museum de Berlín. Este museo berlinés del siglo XIX, destruido en la II Guerra Mundial y que se mantuvo en ruina durante 60 años ha sido reincorporado a la ciudad en 2009. En él se leen las capas de la historia, las heridas del edificio y se aúna con piezas y volúmenes nuevos de forma magistral. “No se puede creer en ciudades de cartón piedra en las que el paso del tiempo queda sepultado.” Actualmente los espacios urbanos están ideados por arquitectos, urbanistas y/o técnicos municipales, cuantas más herramientas tengamos todos para juzgar estas decisiones mejores espacios configuraremos. Saber lo que queremos y cómo lo queremos, establece un compromiso que mejora la calidad de la ciudad. Para este próximo año Concéntrico 02 intentará tener de nuevo un encuentro con la ciudad de Logroño. ·27·


Concéntrico / BoaMistura instalación

BOAMISTURA

e n · e l · f e s t i v a l · c o n c é n t r i c o

Prendiendo en Bocas es un fragmento de un paisaje urbano, que es Logroño cuando, al colocarte en determinados puntos, lees conceptos que evocan el espíritu de esta tierra, en la que el agua de un río se transforma en sensaciones, que provocan risas y deseos en la gente que la comparte. En esta obra la genialidad de BoaMistura y las palabras del poeta riojano Enrique Cabezón se juntaron para ofrecernos este espacio efímero. Cuando llegaron a Logroño pensaron que el espacio donde querían trabajar era la Plaza de San Bartolomé. Ellos afirman que no vale cualquier sitio para trabajar y en San Bartolomé ellos encontraron ese espacio que querían y creían que podían mejorar. Para ellos era importante el hecho de que en el lugar se pudiese dialogar, tanto con el espacio como con la gente. Al intervenir ellos querían contar algo, y consideran que: “Hay gente que tiene sensibilidad para contar esas cosas.” Así se toparon con el poema de Enrique Cabezón después de una larga búsqueda por el panorama poético y literario riojano que les llevó hasta Gonzalo de Berceo. En esa búsqueda se toparon con las palabras de Enrique que les encantaron, y fue él quien les

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dio las pautas de cómo interpretar el poema. A partir de ahí el diálogo con la plaza se producía por contraste, y este contraste se producía al contraponer la plaza existente con unas piezas contemporáneas en contacto con la iglesia de San Bartolomé. El poema de Enrique comienza hablando de estatuas de sal y a ellos les pareció muy bonito que esas estatuas de sal fueran los prismas blancos. Una intervención que además se puede recorrer, que a veces es opaca y a veces permeable, que invita a transitar la plaza para descubrir dónde están los puntos clave desde donde se lee el verso. Los colores de las palabras son los de las fachadas de la plaza: naranjas, rojos, el azul del cielo. Hay una serie de conexiones más abstractas o más sutiles que dialogan con ella. Además siendo la obra transitable, ésta se convierte en cinética. Podrían haber hecho un muro pero las decisiones del proyecto no llegaron a ese punto. Decidieron hacer algo nuevo saliéndose de su registro habitual. La obra también habla de cómo una intervención puede cambiar el espacio.

“Uno se puede mover, esconderse, sentarse, tumbarse. La obra tenía que recuperar la calle.” Entinta Magazine


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BoaMistura / Color es vida

Nombre: BoaMistura, significa buena mezcla en portugués.

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Equipo: Javier es arquitecto. Pablo es diseñador gráfico. El otro Pablo, Purón, publicista e ilustrador. Juan, licenciado en Bellas Artes. Rubén, ingeniero de Caminos y artista plástico.

BoaMistura es un equipo multidisciplinar con raíces en el graffiti nacido a finales de 2001 en Madrid. Su trabajo se desarrolla principalmente en el espacio público y han tenido la fortuna de realizar proyectos en medio mundo. Fue en Berlín en el año 2009, mientras estaban pintando su famoso mural “Die Umarmung”, estando ya todos ellos en la recta final de sus carreras, cuando se plantearon su futuro, y todos sintieron que querían dar continuidad a algo que había comenzado hace unos años y tomárselo en serio. Finalmente en el año 2010 establecieron su estudio en Madrid desde donde salen sus diseños hacia todo el mundo.

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“El diseñador es una pieza clave en la transmisión de la información y debe saber transmitir el mensaje con pocos recursos”

Empezaron siendo cinco amigos, pero el equipo ha ido aumentando con el paso del tiempo, más personas, más manos, más cabezas. Trabajar en equipo tiene cosas positivas: surgen más ideas, estas se diversifican más rápidamente, y se llega a lugares que solo no se puede llegar. Cada uno de ellos interpreta y ofrece algo diferente al enfrentarse a una idea o proyecto y es entonces cuando se genera un diálogo que les lleva hacia un lugar nuevo. “El trabajo en equipo enriquece los proyectos.” No solo trabajan en equipo en el estudio, cuando hay murales participativos la relación con los demás es interesante porque aportan otros puntos de vista.

Fotografía: BoaMistura Textos: Entinta

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BoaMistura / Color es vida

Parte del trabajo es decidir esto ¿Qué mensaje transmitir? ¿Qué es lo que hace click en ese lugar? Para ello como ya hemos visto es importante la relación con la comunidad, conocer las peculiaridades del lugar y de las gentes. Y aunque cuentan con el consenso de los vecinos, son ellos, BoaMistura, los que deciden el mensaje final.

BoaMistura se dedica a intervenir en el espacio publico. Su lenguaje ha evolucionado desde el graffiti hacia otros lenguajes que les han permitido experimentar de otra manera en este espacio que nos rodea. Ha sido una evolución gradual, paso a paso. Uno de los primeros cambios fue saber que los muros están anclados a un lugar y no se pueden mover. Puede tener efectos positivos o negativos pero en cualquier caso se genera un diálogo. Si los ciudadanos participan del proceso se crea una relación entre ellos, la obra y el lugar. Si hablas en el idioma del espacio donde intervienes también la gente se siente mas identificada. En ese sentido también observamos la evolución, el graffiti es un lenguaje restringido, ahora trabajan con tipografías totalmente legibles y con imágenes que pueden llegar a más personas. Las palabras siempre nacen de su boca y son respuesta a una historia que se crea en función del lugar donde intervienen.

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“Las obras están ancladas dentro de un contexto, además el grado de responsabilidad de hacer intervenciones en espacios públicos es importante porque se imponen al resto de ciudadanos.”

Entinta Magazine


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Reconocen que Brasil siempre ha sido una fuente de inspiración, como en su propio nombre podemos observar. Sienten admiración por la capacidad de superación que tienen en Latinoamérica, cómo de un problema consiguen hacer una solución. Desde que empezaron a pintar siempre se sintieron atraídos por el resultado que conseguían los genios graffiteros al otro lado del charco. Su forma de trabajar con pintura plástica, allí conocida como látex, con su particular manera de trazar con la pintura y su peculiar lenguaje han influido siempre en su obra más que el graffitti neoyorkino. Han tenido la suerte de estar muchas veces en Latinoamérica, donde el color es muy especial, es diferente al resto del mundo y se usa de un modo distinto. El uso del color es uno de los distintivos de BoaMistura. Normalmente viene inspirado por el lugar aunque de forma inconsciente, es verdad que hay una paleta de color que tiene continuidad en varios de sus proyectos. En contraposición a sus murales más coloristas, el negro lo suelen

usar en espacios urbanos más consolidados, otra forma de dialogar con la ciudad que no necesita tanto color. Color y palabra son los pilares básicos de su trabajo y de la comunicación que establecen con el ciudadano o espectador. Los colores tienen una fuerza evocadora muy fuerte, también dependiendo de la forma en que están combinados y la palabra es nuestra manera más básica de comunicarnos. BoaMistura tiene la capacidad de combinar todo ello ofreciéndonos una manera diferente de sentir el espacio urbano.

Su intención siempre es mejorar la ciudad, para ello implicar a la gente es ·33· importante.


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Javier Peña Ibáñez

ARQUITECTO

Nombre: Javier Peña Ibáñez (1985, Logroño) Estudios: Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Vive y trabaja: Reside en Madrid y actualmente centra su actividad en el diseño de exposiciones, espacios efímeros y mobiliario, actividades que compatibiliza con la docencia en IED, Instituto Europeo de Diseño, así como en la reciente organización de Concéntrico, primer Festival de Arquitectura y Diseño de Logroño.

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Arquitecto de formación y profesión, Javier nos ofrece una visión especializada en la difusión e investigación de la arquitectura, generando un diálogo crítico que se desarrolla a en paralelo al arte, el diseño y el urbanismo. Sus realizaciones traducen de una forma analítica, situaciones que ejecuta mediante minuciosos estudios constructivos y una cuidada elección del material. Sus procesos de diseño, las piezas resultantes, los espacios y volúmenes que construye, hablan por si mismos mediante fuertes planteamientos desde el oficio del arquitecto.

“Lo entiendo como una actitud ante la resolución de proyectos y problemas.”

Entinta Magazine


Aunque como vemos su campo de actuación no se remite únicamente a la arquitectura sino que es mucho mas amplio, en todos ellos, en parte al menos, sigue estando presente la definición de arquitectura que dio Le Corbusier: “La arquitectura es el juego sabio, correcto, magnífico de los volúmenes bajo la luz.” Javier entiende la Arquitectura como parte de la vida, más allá de una clasificación por sector: “Lo entiendo como una actitud ante la resolución de proyectos y problemas.” Como en matemáticas tienes unas herramientas, la formación en arquitectura, tan general y concreta a la vez, te dota de una habilidades que luego son las que determinan tu forma de comprender una determinada circunstancia. En uno de sus últimos viajes ha podido conocer la Unidad de Habitación Le Corbusier en Marsella y reconoce: “No puedo estar más de acuerdo con esta afirmación que nos dejó Le Corbusier.” Podemos afirmar que en el caso de Javier, la profesión va por dentro, la relación entre su día a día y su vida laboral es completa, para él, el trabajo no se entiende sino como una forma de vivir y los límites se disipan. Al elegir ser freelance optas por este camino, a veces de forma más cómoda otras con más quebraderos. “Cuando afrontas un proyecto las referencias externas son constantes y en la resolución de problemas, hasta dar con la más adecuada, bebes de aquí y de allí hasta sentirte seguro de la decisión tomada.”

Su obra nos afirma: “Está en constante evolución.” La mayoría de proyectos han sido respuesta de otros, están constantemente en construcción, en muchos casos uno no hubiera existido sin el otro, así que aunque para Javier, el último proyecto pueda ser el que más signifique, no pueden leerse de forma autónoma. Nos dice que no habría habido Concéntrico si antes no hubiera habido un Bingo, una Ciudad Doméstica o un Cásate con Madrid. Tampoco habría habido un diseño como el de Falla y Zuloaga si antes no hubiera habido un Cortázar, un Bohumil Hrabal o hasta un Libros Mutantes. “Los proyectos son como cadenas ilimitadas que confío en que sigan evolucionando. Cada uno ha supuesto un reto del momento en que vivía.”

“Me considero arquitecto, que es en lo que estoy formado, a partir de ahí lo demás lo entiendo como una necesidad de clasificación. Por el momento me siento más cómodo en esa indefinición que me permite afrontar mucha variedad de proyectos.”

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Fotografía: Asier Rúa Textos: Entinta

“Los proyectos son como cadenas ilimitadas que confío en que sigan evolucionando.”

Si hablamos de sus últimos trabajos muchos de ellos son en el campo del diseño expositivo: Zuloaga, Lampedusa o Cortázar son algunos de ellos. En este campo del diseño expositivo que para la gran mayoría nos es desconocido, Javier nos da algunas pistas de cómo se desenvuelve y cuáles son sus complicaciones. Una de las primeras complejidades es entender el proyecto del Centro o del comisario y lo que se quiere trasmitir de ese autor. Hay ocasiones en las que se conoce al autor muy por encima, en esos casos se tiene la oportunidad de aproximarse al personaje sin ideas preconcebidas. ·36·


Javier Peña Ibañez / Arquitecto logroñés

Javier prioriza la espacialidad que se consigue con el diseño y la visión global a la par que la pormenorizada en relación con la forma de mostrar los documentos y obras que componen la exposición. Es muy diferente mostrar grandes cuadros que manuscritos, a priorizar el texto o lo visual. “El reto siempre es imprimir cierta unidad a todo el conjunto, releer el espacio en combinación con las piezas y realizar una distribución coherente con los criterios del comisario o la organización y la relectura que incorpora el diseño.” Normalmente le toca trabajar tanto el diseño espacial como gráfico, de esta forma es más fácil controlar la imagen final del proyecto. “Me divierte pensar las bolutas de las mesas de Falla o Zuloaga, o estudiar el color para dotar de cierta vida al recorrido. Hay veces que puedo arriesgar más o menos, siempre depende de la relación y el convencimiento que tenga el cliente.”

Entinta magazine

“El reto siempre es imprimir cierta unidad a todo el conjunto.” Entre los proyectos más personales que está realizando ahora se encuentra un mueble para una fotógrafa, una mente creativa que no para, por lo que el reto es grande. Le gustaría que fuera el comienzo de una serie de mobiliario que de un vistazo mostrara la persona y el universo del usuario que hay detrás. Cuando le preguntamos sobre un espacio en el cual le gustaría intervenir Javier reconoce que le gustaría hacer un espacio que perdurara y se modificara con el tiempo, por ejemplo, la vivienda de alguien que quiera aventurarse a crear.

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¡Aquí acaba entinta!

Queremos agradecer: A Javier Jubera por animarnos a seguir adelante con este proyecto y aconsejarnos que debemos creer en ello y sacarlo adelante. A todos los que nos han aguantado mientras lo hacíamos. A los que: nos dejan entrevistarles; están al otro lado del teléfono contestando a esas preguntas curiosas; nos invitan a entrar en “sus casas” y nos enseñan su forma de trabajar. Y agradecernos a nosotros mismos por los dolores de cabeza, los cambios interminables, los momentos buenos y malos en la creación. A la Gota de leche y Ayuntamiento de Logroño por ayudarnos a llevarlo a cabo.


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Entinta magazine

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Becas Proyecta. Ayuntamiento Logro帽o

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Entinta nº2  

Magazine de diseño, arte, arquitectura y fotografía. Magazine of design, art, architecture and photography.

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