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Julio 2013

Creative Art Dadaismo Surrealismo Abstraccionismo Los 3 favoritos Seleccion de Artistas Marcel Duchamp El ready-made

Joan Mir贸 Investigador de la pintura

Wassily Kandinsky Padre del arte abstracto


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Abstraccionismo

Wassily Kandinsky

Dadaísmo

pmahcuD lecraM

Surrealísmo

Joan Miró


Abstraccionismo El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX..

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados. En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

Paul klee, Conquistado, 1930

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltandonormalmente la fuerza del color. También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Kazimir Malévich, Suprematismo, 1916

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El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura Robert Adams, (arquitectura abstracta) Constructivismo


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SABÍAS QUE...

Tres grandes movimientos artísticos precedieron al arte abstracto: Romanticismo, impresionismo y expresionismo. Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como James McNeill Whistler.

o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones. Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva).

Esculturas Abstractas La abstraccion en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse los mismos estilos. Relativamente es arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomorfica, en donde se trata de representar lo organico como principio formativo de la realidad. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. El hecho de que una parte de los pintores abstractos experimenten con la inclusión de texturas extremas, les llevó a la denominada pintura matérica, el espacialismo (Lucio Fontana) y la escultopintura (Gerardo Rueda), donde las fronteras entre pintura y escultura se difuminan. Recursos muy poco usados en la escultura tradicional, como el movimiento y la luz, han sido utilizados de forma destacada en algunos movimientos artísticos vinculados a la escultura abstracta: arte cinético (Marcel Duchamp, Alexander Calder) y light art (Dan Flavin, Olafur Eliasson). Entre los principales escultores que han desarrollado obra abstracta se encuentran Constantin Brancusi, Henry Moore o Richard Serra.

Constantin Brâncuși, Musa Dormida 1911

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Wassily Kandinsky


Wassily Kandinsky El padre del arte abstracto Wassily Kandinsky es uno de los hombres imprescindibles de la pintura moderna, no solo porque es el iniciador del arte abstracto sino por sus aportaciones teóricas sobre el arte de la pintura. Ruso educado en alemán, brillante profesor universitario y entusiasta del folclore popular, la vida del iniciador del arte abstracto se asentó sobre arenas movedizas desde que, a los treinta años, se convirtió al arte porque, después de no saber distinguir un almiar en el oleo de Monet, se sintió arrebatado por la sinfonía de colores de la opera lohengrin de Richard Wagner. Con la fe del converso, emprendió su tardía carrera artística en Munich, agitada por la Secession y el Jugendstil. Exaltado defensor de la libertad formal del nuevo estilo, fundo asociaciones de artistas e impartió clases en las que, entre pinceles, descubrió el amor.

Wassily Kandinsky, Soft pressure, 1931

Viajo por Francia, Túnez, Italia y se asentó en Paris, donde recibió el impacto del color fauvista. De regreso en Munich, Kandinsky empezó a profundizar en una nueva concepción de la pintura en la que el color se impondría a la figura como el protagonista fundamental de la obra de arte. Convertido en un apóstol del color tras una inspiradora estancia en los Álpes bávaros, Kandinsky propagó su nueva concepción estética a través de asociaciones de pintores -NKVM y Der Blaue Retier-, en las que coincidió con Marc, Feininger, Klee y Jawlensky, partidarios también de una nueva pintura mas inmaterial, y coincidió la pintura abstracta, inspirada por romanticas ideas metafísicas sobre el triunfo del espíritu sobre la materia, tal como describía en su libro De lo espiritual en el arte, su primer texto teórico sobre el color y una defensa de la intuición como valor artístico.

“ En mi opinión, el arte no es más que el desarrollo de ideas determinadas, del mismo modo que en la naturaleza los seres son el desarrollo definitivo de determinados gérmenes”

Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, Sobre las puntas, 1928 7

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Dadaísmo El dadaísmo fue una actitud subversiva que negaba todos los valores culturales establecidos por una sociedad <<de orden>>, que, paradójicamente, había incubado la locura destructiva de la primera guerra mundial.

Esta nueva corriente artística surge en 1916, en plena contienda, en el Cabaret Volaire de Zúrich, donde el escritor y director teatral Hugo Ball (1866-1927) y el poeta rumano Tristan Tzara (1896-1963) organizaban veladas musicales y literarias, así como exposiciones, con el proyecto de construir un orden nuevo, con experiencias sensoriales distintas, más allá de los valores mercantilistas y contemplativos en los que se desarrollaba el arte.

Hans Arp, Coryphée (Corifeo), 1961

La palabra <<dadá>> no significa nada y, según parece, fue elegida al azar. Se le otorgó un papel mágico, como identificación de una actitud vital opuesta a lo que la sociedad consideraba artístico o de buen gusto. Los dos pilares del dadaísmo son, por una parte, el escandalo, la polémica y la provocación como revulsivo de todo juicio intelectual o estético preconcebido; y, por otra parte, la reivindicación del azar y la dimensión irracional de la condición humana, como componente esencial de la creación, que se concibe como un descubrimiento, una relación sorprendente que antes no existía.

Los hallazgos estéticos El dadaísmo exploró tres formas de creación, que después alcanzaron un desarrollo considerable. En primer lugar, la poesía fonética, es decir, una poesía de carácter abstracto que renuncia al significado de las palabras, en favor del sentido profundo que, por si mismo, poseen los sonidos; en esa misma linea, proponen la utilización de un lenguaje de signos abstractos, es decir, en relación con la necesidad de desprender a las formas de un significado previo. En segundo lugar, la posibilidad de aprovechar cualquier objeto de desecho como material artístico; En tal sentido, fueron importantes el foto montaje, realizados con recortes fotográficos, y el collage, derivado del cubismo sintético. Marcel Duchamp, Fuente (1917)

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Francis Picabia, Desfile amoroso (1917)


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SABÍAS QUE...

El nombre Dadaísmo deriva de la palabra dadá, una expresión cuya falta de significado simbolizó el carácter contestatario del movimiento. Los dadaístas se rebelaban contra todas las convenciones artísticas del momento, especialmente sus representaciones burguesas.

En tercer lugar, los dadaístas desplazan la esencia de lo artístico desde el objeto a su vivencia; por eso, aunque ya el futurismo había concedido a las veladas artísticas una gran importancia, es en el dadaísmo donde está el origen del arte de acción, es decir, el que se basa en la participación directa en un determinado espectáculo, y no en su venta o coleccionismo.

Artistas Dadaístas En Zurich trabaja Hans Arp (1887-1966), utilizando al azar como recurso plástico, que aplica a escultopinturas de formas agujereadas. Coéntaneamente, Nueva York es también un activo centro dadá, donde, ademas de Marcel Duchamp (1887-1968), sin duda la figura más importante, trabaja Francis Picabia (1879-1953), que utiliza los ingenios maquinistas como metáforas de un mecanismo amoroso, y Man Ray (1870-1976), que manipula objetos cotidianos, con el fin de llamar la atención sobre un uso paradójico y absurdo, es decir, reinvindicándolos como cosas,al margen de nuestro conocimiento.

Francis Picabia

En Alemania hay dos centros importantes: Berlín, donde trabaja Raoul Hausmann (1886-1948), un artista polifacético, que realizaba una especie de collage tridimensional ensamblando piezas heterogéneas, y Hannover, donde Kurt Schwitters (1887-1948) reúne en sus collages todo tipo de objetos de su entorno cotidiano, convertidos en huellas amorosas de su paso por la vida.

Corbatas y cabeza, Hans Arp

Hannah Hoch, 1919

Estrella, jean arp

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Marcel Duchamp


Marcel Duchamp

El Ready-Made

La obra de Duchamp es la más personal de cuantas emergen del dadaísmo, hasta romper los limites del movimiento y convertirse en una referencia inexcusable para los artistas de la segunda mitad del siglo XX. Tras un contacto en París con experiencias próximas al cubismo y al futurismo, muestra en seguida su fascinación por dos aspectos que desarrollara después: el funcionamiento de las maquinas, como metáfora de una perfección esencial, y la búsqueda d aquello que traspasa los limites físicos, a través de planos transparentes. Se instala en Nueva York, donde se vincula a una <<Sociedad de Artistas Independientes>>. a la primera exposición (1917) envía una obra titulada La fuente, un urinario masculino, invertido noventa grados de su posición habitual, que lleva la firma <<R.Muut>>. Nace así el primer <<Ready Made>>, es decir, un objeto ya hecho, equivoco nombre que alude al artista como un manipulador poético: reivindica la condición intelectual de la creación y no la artesana. Tras el se esconden muchas intenciones desmitificadoras y la exaltación de la belleza industrial.

Desnudo bajando las escaleras, marcel duchamp.

“Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros”. Marcel Duchamp. Rueda De Bicicleta sobre Taburete, 1913,

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Surrealismo

ciencia de su papel como grupo de su dimensión ética y política. Diversas revis

Max Ernst, Pays Charmant (1923)

La fase automática

Max Ernts, Dos muchachas desnudas (1925)


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SABÍAS QUE...

El Surrealismo es el movimiento de vanguardia que más larga duración ha tenido y ello se debe en gran medida al aporte que ha hecho a todas las artes y a su cohesión ideológica. Para entender al Surrealismo se puede partir de la frase de Tristán Tzara : "El surrealismo salió de las cenizas del dadaísmo".

La materialización del sueño

André Bretón

Paul Delvaux,


Joan Mir贸


Joan Miró El investigador de la pintura En el panorama del arte del siglo XX, Joan Miró es un personaje de biografía singular, Entre tantos artistas de vida bohemia, Miró destaca por la sencillez de su carácter catalán. Orden, respeto, equilibrio, tenacidad y autoexigencia marcan a un pintor de vida discreta pero de una fuerza interior extraordinaria. Espíritu, vibración, tensión son conceptos siempre presentes en el vocabulario de Miró y que señalan su atormentado y constante esfuerzo por alcanzar la esencia de la pintura. Si en el transito de una enfermedad en Mont-roig, Miró exorcizó sus temores y se convirtió en pintor, en el París surrealista adquirió poco a poco la convicción de que el iva a aportar un nuevo lenguaje a la pintura, ingenua de puro nueva, rebosante de color y poesía.

Joan Miró, Carnaval de arlequín, 1924-1925

“No temo romperme la nuez en cualquier aventura. En cambio, sólo la idea de que mi pintura despida hedor a cadáver, me horroriza [...]”, declaro a un periodista en 1928, cuando su compromiso con la pintura se había transformado en frenética y tensa investigación, que conduciría al anhelo pasajero de asesinarla. Multitud y aislamiento, detallismo y estilización, plenitud y vacío, aparecen de forma cíclica en la obra de Miró, cuyos agresivos personajes de los años treinta anuncian las monstruosas crueldades de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Aterrorizado por el mundo que le rodea, la pintura se convierte en un medio de escape -”una escalera de evasión”- hacia el mundo estelar de las constelaciones, que, trabajado en el forzado enclaustramiento de la España franquista, le anunciaron un lenguaje pictórico originalisimo y personal, y le abrieron las puertas a la democratización de la pintura y al reconocimiento internacional.

“El surrealismo liberaba el inconsciente, exaltaba el deseo, daba más poderes al arte. las alucinaciones sustituyeron al modelo exterior. Yo pintaba como en un sueño, con absoluta libertad.”

Joan Miró

Joan Miró, Bodegón del zapato viejo, 1937 19 Creative Art


A partir de hoy, ya no tienes que imaginar.


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