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SEPTIEMBRE 09

E M P I R E

Nยบ10

Europe Niobeth Galadriel In Flames The Mirage Legacy Fest

SIRENIA


ZAS. MURIÓ. Y LA MUERTE SECA LAS PALABRAS, VACÍA LA GRAMÁTICA, APUNTILLA CON SANGRE LA SINTAXIS. Pilar Rahola en La Vanduardia del 02/06/2009

En el ojo del huracán

3

Sirenia

8

In Flames

13

Legacy Fest

17

Niobeth

22

The Mirage

27

Galadriel

36

Críticas de discos

39

Festival de la Guitarra

47

Europe

50

octubre

… es que este número que tienes ante ti es la décima entrega de Empire. Pese a quien pese; pese a lo que pese, aquí seguimos, en la brecha, incordiando, informando y sobretodo haciendo lo que nos da la gana; seguimos dando bola a las bandas que nos gustan, sin dinero de por medio, sin que nadie nos pague y nos imponga a qué bandas hay que dar cancha. Aquí seguimos siendo un medio 100% independiente. Creo, honestamente, que esa es la única forma de ser fiel a una cultura musical que no (debería) entiende(r) de ataduras, de esclavitudes ni debería entender de mamoneos. Pero aquí todos sabemos quien es quien y en Empire tenemos una línea editorial basada, únicamente, en hablar con las bandas que nos gustan, que nos interesan y que nos aportan algo; no importa que sean de Barcelona, Gotheborg o Brasil. Aquellos lectores que nos siguen desde que dábamos nuestros primeros pasos en esta apasionante aventura habrán detectado que hay discográficas de las que hablamos de forma intermitente tal como pasa de promotoras de conciertos y festivales. Eso es debido a que, de repente, han dejado de confiar en nosotros sin motivo alguno, porque piden que entrevistemos a sus bandas nos gusten o no a cambio de enviarnos material promocional o cosas por el estilo. Igual pasa con los conciertos… pagaremos siempre que haga falta por ver un concierto pero que se olviden de la publicidad gratis de las crónicas, los anuncios y demás. Lo mejor de todo esto es que al final llega el final y en la situación de crisis que atraviesa el sector hay gente que no tiene dos dedos de frente y cree que va a vivir de esto eternamente sin cambiar nada. Ya se sabe, al final a todo cerdo le llega su San Martin. Más pasión y menos dinero. Más iniciativas y menos estancamientos. Luego la culpa es de las descargas de internet y el top manta. Luego la culpa es que los conciertos son demasiado caros y nunca de los precios de las entradas. Desde esta tribuna quiero agradecer a discográficas, promotoras de conciertos, distribuidoras, bandas y lectores que nos apoyan, que creen en nosotros y en nuestro trabajo. Porque Empire es una publicación independiente, que tiene en cuenta la opinión de sus lectores, que no se cierra a ningún estilo de música, que nos va desde el Hard Rock o el AOR al Death y al Black Metal. Nada importa si tiene calidad. Aprovechando esta reivindicación por nuestro trabajo quiero reflexionar acerca del formato .PDF. Realmente parece no ser el mejor formato para una publicación hoy día, máxime teniendo en cuenta la velocidad a que se mueve la información a través de la red de redes. Soy de los que apoyan fervientemente la prensa escrita en papel pero a estas alturas de vida ¿alguien cree realmente que dentro de 10 años existirán muchas de las publicaciones que se venden en los kioskos ahora mismo? El .pdf aúna el modelo digital y el formato papel, con su diseño, con su estructuración clásica, con las mismas secciones… Cada vez somos más los medios que apostamos por el .pdf hasta el punto que pronto editaremos un reportaje especial sobre este formato en el que descubrirás que en todo el mundo se está empezando a trabajar así y que los resultados son ciertamente asombrosos. Todo lo expuesto hasta ahora es para poner de manifiesto cosas que no se suelen explicar de una revista. Todo esto es para volver a manifestar la desunión del mundo del Metal. Todo esto es para felicitarnos a nosotros mismos por el trabajo que hacemos de forma independiente y por amor a la música, con pasión, sin objetividad pero sobretodo con respeto. Si piensas que esta columna ha sido, esta vez, una manifestación de prepotencia… creo que te equivocas… es, más bien, una reivindicación por el trabajo libre y por demostrar que no necesitamos poner a las bandas de siempre en portada para seguir adelante.

CONTACTA CON EMPIRE EN: empirezonemagazine@gmail.com Dirección y coordinación: Marc Gutiérrez Subdirección: Alex López Redacción: Marc Gutiérrez y Alex López Diseño gráfico: Irene Serrano Espejo (www.loylas.com) y Marc Gutiérrez Diseño de portada: Irene Serrano Espejo (www.loylas.com)

www.myspace.com/empirezonemagazine

Fotografía: Marc Gutiérrez Colaboradores: Alex López, Viking, Jero García, Rider G. Omega, Rubén Pérez, Borja Guijarro, Carlos Azcárraga, Fernando Galicia Poblet, Rara M, Eduard Tuset, David Aresté (www.metalsymphony.com); Javier Rojo (www.metaltrip.com); Azucena Peñarol Corresponsal en Chile: Paulina Pérez G. (www.non.cl) Corresponsal en Suecia: Annika Argerica

EMPIRE NO SE HACE RESPONSABLE DE LA OPINIÓN DE SUS COLABORADORES


EN EL OJO DEL HURACÁN Los próximos meses de octubre y noviembre Hamlet estarán girando por España y tendrán unos teloneros de lujo con la presencia de INFERNOISE. Mientras el combo cierra fechas europeas.

ARCH ENEMY se encuentran acabando de ultimar los detalles de su nuevo álbum de estudio “The root of all evil” en el que est´´an regrabando algunos de los clásicos que la banda lanzó en tiempos de Johan Liiva. Según Michael Amott el material suena muy fresco y estará en la calle el 29 de septiembre via Century Media. ¡¡¡Viva la injusticia a Johan Liiva!!! JORN LANDE ha vuelto a MASTERPLAN después que la banda expulsara a Mike DiMeo. Masterplan no habían vuelto a ser los mismos y el próximo disco se presenta como la reválida definitiva para volver por sus fueros. Actualmente están en la mezcla final en Eslováquia, en el estudio de Roland Grapow y aparecerá a primeros de 2010.

La factoría WACKEN sigue a lo suyo. Año tras año demuestra que no tiene competencia ya tengan un cartel bueno o mediocre. La edición 2010 ya tiene vendidas más de 20.000 entradas y si el año pasado los tickets se agotaron para navidad todo apunta que en esta ocasión no van a llegar a diciembre… y de momento solo Immortal, Corvus Corax y Mambo Kurt están confirmados… increíble pero cierto. Estas cosas solo pasan en Wacken, el mejor festival de Metal del Mundo. Rain or shine, see you in Wacken.

Los sueco / germanos SAVAGE CIRCUS, han decidido que ya ha pasado mucho tiempo desde que editaran su opera prima “Dreamland manor”, allá por 2005. “Os doom and death” es su continuación y la formación actual está compuesta por Jens Carlsson (voz), Emil Nordberg (Guitarra), Piet Sielck (guitarra), Yenz Lionheart (Bajo) y Mike Terrana (Bateria). Siguen la misma línea musical.

TARJA TURUNEN anuncia la formación que llevará para su gira de conciertos de este verano y que estará formada por: Mike Terrana a la batería; Alex Scholpp (Farmer Boys) a la guitarra; María Ilmoniemi al teclado; Max Lija (Apocalyptica) al violonchelo; y Oliver Holzwarth (Blind Guardian) al bajo).

Tsunami del mes Destacar como notición del mes que OBSIDIAN KINGDOM están cocinando su nuevo álbum puede parecer muy pretencioso por parte de esta revista pero si tenemos en cuenta que nos gusta dar cancha a bandas underground con cosas que decir sobra decir que son una de las bandas mas frescas y destacadas que han aparecido en los últimos años por estos lares. “FERA” será su nueva producción y que ha sido grabada en Sils (Girona) bajo la supervisión de David Fernández de Baalphegor. Se conoce también que Tristan Iñiguez de Darkness by Oath se va a encargar de la producción y masterización en sus Aurum Studios de Arrasate (Gipuzcoa). Y por ultimo te revelamos que el artwork corre a cargo de Ritxi Ostariz que ha trabajado para bandas del nivel de Emperor o Ihsahn. Pero mientras todo esto acaba de cocerse habrá una edición limitada de 3:11 de 250 copias para prensa que contendrá los temas “Pray”, Maze” y “Solitude” y cuya portada os adelantamos. En breve os contaremos todos los detalles de este álbum y todo lo que rodea a una banda que se encuentra en estado de gracia y que no quiere desvelar por donde irán los tiros musicales en esta ocasión. A buen seguro que no dejan indiferente a nadie.

ANTHRAX siguen sin vocalista después que Dan Nelson abandonara repentinamente. Mientras Scott Ian & Co. siguen intentando convencer a JOHN BUSH para que vuelva. Ahora se confirma un segundo show juntos para el 17/10/2009 en el Loud Park Festival japonés. Mientras el nuevo disco de la banda, “Worship music” que ya está grabado y casi listo para salir a la venta, sigue parado a la espera que se resuelva este tema. ¿Alguien apuesta por una vuelta de John a la banda? El tiempo dará o quitará razones pero Anthrax con John Bush es mucho Anthrax.

“Nattväsen”, el nuevo disco de MANEGARM estará en la calle el 22/10/2009 vía Regain Records. Según la propia banda este nuevo disco “pretende ser una guía a través de lo abstracto de un mundo de sombras y un viaje al lado oscuro de tu mente” por lo que parece que la temátic a vikinga queda relegada a un se g und o plano.

Pese a estar separados desde 2002 los suecos ABLAZE MY SORROW vuelven al ruedo con un EP titulado “The suicide note” en el que aparecen dos temas nuevos, “The illusion” y “By my own hands” que son dos bonus de sendas ediciones japonesas. Pronode Records lo pone en circulación e l 09/09/2009 en el mercado europeo.

Los noruegos IMMORTAL vuelven al mercado discográfico con “All shall rise” que será editado después de verano por Nuclear Blast. La banda liderada por Abbath volvió a los Gryeghallen Studios con Pyten para dar forma a las nuevas canciones. El resultado el 25 de se pt i e mbre.

FINNTROLL han fichado por Century Media. En julio entraron en los Sonic Pump ha grabar su quinto trabajo que será editado a principios de 2010. Según parece seguirá los pasos de su último “Ur jordens djup” y dejará un tanto de lado el Polak Metal y el lado más alegre del Folk de sus primeros trabajo. Habrá que esperar aún unos meses para constatarlo pero la banda dice que será con diferencia el mejor disco que han grabado… todas las bandas dicen lo mismo pero igual tienen razón...

REX BROWN, bajista de DOWN y ex de PANTERA será operado en breve de Pacreatitis aguda debido a los excesos con el alcoholo mientras militaba en Pantera. Le deseamos una pronta recuperación.

SOZIEDAD ALKOHOLIKA son actualidad por varios motivos. El primero de ellos es que Roadrunner edita en estos días la versión en vinilo de 180 gramos de “Mala sangre”. Mientras, la banda anuncia que Javi deja la banda después de doce años y aunque nada se sabe de los motivos parece ser que el guitarrista quiere emprender nuevos proyectos fuera de la música. La noticia mas destacable en el seno de la banda es que se encuentran actualmente en los estudios Music Lan de Girona regrabando el primer disco que grabaron y que esta descatalogado desde hace años junto a algunos temas de la maqueta “Intoxicacion etílica”. La mezcla final la ha ra Tue Madsen en los Antfarm Studios de Dinamarca. Según la propia banda se trata de regrabarlas con el sonido que tienen actualmente pero manteniendo las señas de identidad de esas canciones que han marcado un época dentro de la música urbana y radical. Mientras, quien quiera puede verles el 25/09/2009 en Faktoria D’Arts en Terrassa actuando en vivo.

Ya era raro que BARON ROJO se reunieran solo para un concierto. Total que se han llevado el bote del Metalwäy 2009 y ahora anuncian una gira entre enero y mayo de 2010 con la formación original compuesta por los hermanos De Castro, Armando y Carlos, “Sherpa y Hermes Calabria. De momento la primera fecha que se conoce es el 30 de enero en La Riviera de Madrid. A buen seguro que de ahí sale un doble directo, un dvd, libro con la historia de la banda… Lo merecen por historia, trayectoria y elenco incomparable de éxitos. Eso sí, la pasta que se ha llevado… algún día alguien debería contar el pastón que se lleva cada músico después de las disputas que han tenido entre ellos.


AGENDA DE CONCIERTOS KOMA 5 septiembre Loeches, Madrid

NILE + GRAVE + KRISIUN + ULCERATE + CORPUS MORTALE 1 diciembre Bilbao (Santana 27)

11 septiembre Acorcón, Madrid

4 diciembre Sevilla (Sala Q)

19 septiembre Pobla D Coramiñal, Coruña

5 diciembre Madrid (Caracol) 6 diciembre Barcelona (Salamandra)

LUJURIA + MANZANO 31 octubre Madrid (Heineken)

OVER THE RAINBOW 28 octubre Madrid (Joy Eslava)

MAGNUM 18 octubre Barcelona (Razzmatazz 2)

29 octubre Barcelona (Razzmatazz II) 31 octubre Barakaldo (Rockstar Live)

19 octubre Madrid (Heineken) PARADISE LOST + SAMAEL + GHOST BRIGADE MALEVOLENT CREATION + VOMITORY 11 septiembre Durango (Kafe Antzokia) 12 septiembre Madrid (Caracol)

15 diciembre Barcelona (Razzmatazz 2) 16 diciembre Madrid (Heineken) 17 diciembre Bilbao (Rockstar)

13 septiembre Almería (Jala Jala) PORCUPINE TREE 14 septiembre Valencia (Durango) 22 noviembre Madrid (La Riviera) 15 septiembre Barcelona (Mephisto) 23 noviembre Barcelona (Sant Jordi Club) MANUEL SEOANE + THE BROKENFLOWERS (DARE) PRIMAL FEAR + BRAINSTORM + JADED HEART 6 noviembre Madrid (Ritmo y Compás) 23 octubre Barcelona (Salamandra 1) MARILYN MANSON 3 diciembre Madrid (Palacio de Deportes) 4 diciembre Barcelona (Palau San Jordi)

MISERY SIGNALS + YOUR DEMISE + THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU 7 septiembre Durango, Vizcaya (Plateruena) 9 septiembre Madrid (Ritmo y Compás) 10 septiembre Barcelona (Becool)

24 octubre Madrid (Heineken) 25 octubre Villava, Navarra (Totem)

QUIREBOYS 13 noviembre Bilbao (Kafe Antzokia) 14 noviembre Gijón (Acapulco) 16 noviembre La Coruña (Playa Club) 17 noviembre Madrid (El Sol o Caracol, por confirmar) 18 noviembre Cáceres (La Bola)

MR. BIG 18 septiembre Madrid (La Riviera) 19 septiembre Barakaldo (Rockstar Live)

19 noviembre Granada (El Tren) 20 noviembre Valencia (Durango Club) 21 noviembre Barcelona (Apolo 2)

21 septiembre Barcelona (Bikini) RAMMSTEIN MUNICIPAL WASTE 17 septiembre Bilbao (Santana) 18 septiembre Madrid (Ritmo y Compás)

10 noviembre Madrid (Palacio de los Deportes) 12 noviembre Barcelona (Pavelló Olímpic de Badalona) 14 noviembre Bilbao (Bizkaia Arena)


RICHIE KOTZEN + NACHO MUR 7 noviembre Madrid (Ritmo y Compás)

SVBWAY TO SALLY 2 octubre Madrid (Caracol) + TROBAR DE MORTE 3 octubre Barcelona (Salamandra 1) + NARSILION

RISE AGAINST + THURSDAY + POISON THE WELL 13 noviembre Barcelona (Razzmatazz 1) 14 noviembre Madrid (La Riviera)

SABBATH RULES 19 septiembre Alcorcón, Madrid (Rock Sur)

SATURNUS 10 septiembre Barcelona (Mephisto) + ISOLE + AUTUMNAL 11 septiembre Madrid (Ritmo y Compás) Madrid Is The Dark Fest

SAVIA 26 noviembre Madrid (Caracol)

TARJA + ASPERA 26 septiembre Hospitalet de Llobregat, Barcelona (Salamandra 1) 27 septiembre Madrid (La Riviera)

THE POODLES + HEAT 6 noviembre Villava, Navarra (Totem) 7 noviembre Barcelona (Salamandra 1) 8 noviembre Madrid (Caracol)

U.D.O. 4 diciembre Bilbao (Santana 27) 5 diciembre Alicante (Nave 8)

SAXON + SUIDAKRA 6 diciembre Sevilla (Sala Q) 3 octubre Madrid (Heineken) 7 diciembre Madrid (Heineken) 4 octubre Barcelona (Razzmatazz 2) 8 diciembre Barcelona (Salamandra 1) SIRENIA + NIOBETH UFO 17 septiembre Barcelona (Salamandra 1) 3 diciembre Barcelona (Apolo) 18 septiembre Alicante (Nave 8) 4 diciembre Barakaldo (Rockstar Live) 19 septiembre Madrid (Caracol) 5 diciembre Madrid (Heineken) 20 septiembre Bilbao (Café Antzoki) 6 diciembre Villava (Totem) SKA-P VADER + MARDUK + FLESHGOD APOCALYPSE 19 septiembre Rivas Vaciamadrid, Madrid 13 octubre Bilbao (Santana 27) 10 octubre Los Alcázares, Murcia 14 octubre Madrid (Caracol) 17 octubre Zaragoza 17 octubre Sevilla (Sala Q) 23 octubre Badalona, Barcelona 18 octubre Valencia (Durango) SONATA ARCTICA

20 octubre Barcelona (Salamandra 1)

27 noviembre Barcelona (Razzmatazz 2) 28 noviembre Madrid (Heineken)

W.A.S.P. 9 diciembre Barcelona (Razzmatazz 2)

STRATOVARIUS 15 enero Madrid (La Riviera) 16 enero Bilbao (Rockstar Live)

11 diciembre Vigo (Sala A) 12 diciembre Madrid (La Riviera) 13 diciembre Bilbao (Rock Star Live)

17 enero Barcelona (Razzmatazz 1) WINGER + ARTISTA INVITADO STRAVAGANZZA

12 diciembre Madrid (Ritmo y Compás)

16 septiembre Monterrey MetalFest, México Y&T STRYPER 15 enero Barcelona (Apolo) 16 enero Madrid (La Riviera)

15 octubre Cacidedo de Camargo, Cantabria (Heaven) 16 octubre Navarra, Puente La Reina, Navarra 17 octubre Barcelona (Bikini)


Por Marc Gutiérrez

SIRENIA Lo

s góticos noruegos se reinventan. Musicalmente siguen la línea de “Nine destinies and a downfall” pero vocalmente es su cuarto trabajo y su cuarta vocalista. Ailyn es la definitiva. Si la has escuchado lo sabes. Descubre todo sobe Ailyn, la nueva voz de Sirenia y algunas cosas de su banda. Con todos vosotros Ailyn...

De Barcelona a Granada Ailyn es una chica corriente que como otras tantas quería dedicarse a la música. Nacida en Barcelona parecía estar en el escenario ideal, una ciudad cosmopolita en la que se reúne parte de la industria musical más importante de este país pese a que el epicentro sea Madrid. Nada más lejos de la realidad. Sus primeros pasos no fueron nada halagüeños “nunca he estado en una orquesta pero cuando tenía 20 años estuve en un grupo en el que hacíamos versiones, ríete, de músicas de series japonesas y estuve durante dos años esa es mi etapa oculta (risas) pero apenas tocábamos salvo festivales de manga y demás. Fue una experiencia pero no la repetiría”. Todos los músicos tienen un pasado. Quizá en el mundillo del Metal no sea muy común pero muchas vocalistas tienen en su haber la participación en orquestas donde foguearse, tocar muy distintos palos de la música y muy distintos registros vocales. Por el bien de la música Ailyn siguió un camino bien diferente. Tocaba mudarse a Granada y empezar de 0. Con la misma ilusión. En un entorno más limitado si cabe.

ciendo una cosa y acabaron haciendo otra porque en la hoja de inscripción decía que tú entrabas con tu estilo y en el programa lo mantendrías y yo me presenté cantando y vistiendo Gótico. Al entrar al programa me dijeron “canta “Moonlight shadows” y claro, eso no tiene nada que ver. Salir en esos programas te marca un poco”.

“LO MÍO FUE DE PELÍCULA PORQUE ESTABA SENTADA EN CASA Y Y MORTEN ME

Pero ¿realmente sirve algo entrar en programas como Factor X? “No” aunque nuestra protagonista tuvo la oportunidad de seguir relacionada a un productor del programa “Al salir del programa cada participante tenía su propio productor musical, que se encargaba de hacer las bases para el programa y el mío era Paco Trinidad que estaba con Luz Casal… A él le interesó que yo siguiera y me puso en contacto con unos chicos de Granada para hacer un proyecto gótico cantado en español pero al final no salió bien porque ellos querían hacer más tipo Pop y yo más Metal. Al final cada uno tiró por su camino y ahí es cuando salió lo de Sirenia”.

DIJO QUE QUERÍA PROBARME PARA SER LA NUEVA VOCALISTA DE LA BANDA. IMAGÍNATE, UNA CHICA GRANADINA SIN PROYECTOS PREVIOS, A LA QUE LE PASA ESTO… YO ESTABA EN UNA NUBE”

De Granada a Factor X Pero cuando las cosas parecen ponerse feas, en un solo instante tu vida puede cambiar radicalmente. “Un día me llamó un amigo y me dijo que habían abierto el plazo de inscripción de un nuevo Reality de televisión relacionado con la música y pensé en presentarme. Hasta ese momento siempre que me había presentado a un casting lo había hecho cantando cosas de Mariah Carey y Malú que es lo que suelen pedir en ese tipo de sitios pero en esta ocasión decían las bases del concurso que tenías que presentarte cantando tu estilo sea el que fuera. Dicho y hecho. Me vestí de Gótica y me fui a cantar Gótico que es lo que a mí me gustaba”. Y de ahí a Factor X. Su paso por televisión fue más bien discreto pero para su historial queda el haber aparecido en un programa de la televisión comercial en el que pudo vivir una experiencia “salí en la cuarta gala y viendo como me están yendo las cosas te diré que no me arrepiento de que me echaran”. No es para menos “he pasado de hacer cuatro galas en la tele a estar en una superbanda de metal”. Mucho se ha hablado y hablará del perjuicio que estos programas puedan haber ocasionado a la música pero mientras sigan existiendo el sector tiene que convivir con ellos y muchas personas en ellos una oportunidad de dedicarse a lo que les gusta que es cantar aunque por suerte o por desgracia esa experiencia puede acabar siendo una losa en su carrera como nos contará Ailyn más adelante. En Factor X Ailyn se sintió engañada “En Factor X dijeron que empezarían ha-

Del anonimato a la fama… vía Gothic Metal Hay muchas chicas que creen que aparecer en cutreprogramas del estilo de Operación Triunfo o Factor X les va a abrir las puertas de la industria discográfica… y de ahí al estrellato… es como la chica que se dedica a hacer porno para dar el salto al cine convencional… un poco exagerado pero el caso es el mismo. Para ser actriz hay que ir a castings, saber de interpretación y para ser cantante hay que estudiar y/o saber cantar. A nuestra protagonista, Factor X le ha hecho más daño que beneficio le ha aportado “Me hace mucha gracia cuando la gente me dice por la calle “gracias a Factor X estás en Sirenia”... Realmente, gracias a Factor X casi no me cogen. Fue muy gracioso porque la novia de Morten me comentó que cuando vieron mi myspace donde yo tenía mis videos de Factor X, covers de Evanescence y otras canciones pop Morten dijo que yo era pop y no estuvo muy por la labor pero vieron los grupos que tenía agregados, que eran Metal y se lo repensaron”. Quizá la suya no se ala típica historia de una chica que quiere cantar en una banda de Metal pero el cuento de hadas no siempre tiene el mismo final ni el mismo desarrollo, por supuesto. Ailyn hace un comentario digno de reflexión en torno a la voz de las cantantes “aquí en España si tienes la voz dulce y fina la gente cree que no tienes voz y que no sabes cantar. En el extranjero es todo lo contrario”. Pese a no haber entrado en el Metal por la puerta grande ni convencional, el Gothic Metal y la música Metal en general han estado presentes en su vida durante mucho tiempo. Su entrada en Sirenia tampoco responde a un inicial interés por parte de Ailyn “cuando entré en Factor X mi madre abrió un myspace mío por hacer un poco


No te pierdas a Sirenia de gira con Niobeth: 17/ 09/ 2009– Barcelona– Sala Salamandra 18/ 09/ 2009– Alicante– Nave 8 19/ 09/ 2009– Madrid– Sala Caracol 20/ 09/ 2009– Bilbao– Kafé Antzoki


de promoción y mi hermana le ayudaba y como nos gustaba mucho el Metal se puso a buscar bandas para agregarlas y encontró a Sirenia y como nos gustó los agregamos. Así es como salió todo. Lo mío fue de película porque estaba sentada en casa y la novia de Morten me envió un mail por si quería hacer una colaboración. Ni siquiera ser la cantante porque por entonces no habían anunciado que Monika había dejado el grupo. Me puse en contacto con Morten y hablando con él me dijo que quería probarme para ser la nueva vocalista de la banda. Claro, imagínate, una chica granadina sin proyectos previos, a la que le pasa esto… yo estaba en una nube”.

Sirenia… Viviendo un sueño Ya hace más de un año que nuestra protagonista está en Sirenia. Es la cabeza visible de la banda. No es la frontwoman de una banda cualquiera de Gothic Metal. Es la vocalista de Sirenia, es la compañera de viaje de Morten Veland, uno de los músico y compositores más reputados del género. Ella se encuentra perfectamente integrada en la banda y aún recuerda con emoción las audiciones que tuvo que hacer “fue en enero de 2008 y tuve que ir a Noruega, a casa de Morten, que tiene allí el estudio. Tuve que cantar dos canciones del disco anterior y me hizo probar algunas demos del nuevo. Ese fue el primer casting. Estuve cinco días con Morten y su novia, que es encantadora también. En la segunda audición hicimos un falso directo que grabaron en video para ver si encajábamos bien y ese fue el último casting y de ahí a esperar una respuesta que tardó un mes en llegar. Durante ese mes Morten estuvo en contacto conmigo, la verdad es que estuvo muy atento conmigo” Al tiempo que Morten es un reputado músico también tiene cierta fama de ser una persona difícil para trabajar sin embargo Ailyn rompe falsos mitos… “Morten es muy profesional, es muy serio con su trabajo y al contrario de algunas cosas que se dicen no es nada difícil trabajar con él. Nos reímos mucho y lo pasamos bien pero es muy exigente con su trabajo y a la vista están los resultados en toda su carrera. A mí no me gustaría estar en una banda y que no me corrijan por no decirme las cosas y que piensen que se puede mejorar”. Pero otro frente abierto que tiene Ailyn es con la hipocresía que rodea al Heavy Metal en España “Sí, bueno… siempre están los típicos comentarios de “esta tía que es pop… que no canta bien, que no pronuncia bien el inglés… supongo que en parte es normal también. Hay gente que antes de escucharme cantar ya estaban diciendo “una española nooooo!”

El trabajo en Sirenia Morten Veland es el alma mater de Sirenia. Es su banda y es él quien toma las decisiones aunque deja una puerta abierta a la discusión y a nuevas ideas “Lo compone todo él y cuando llega y me presenta una nueva canción me dice “mira, esta es la melodía. Cántala” Después de probarla, si yo veo que hay cosas que se pueden cambiar se las propongo, lo hablamos, lo discutimos y no hay ningún problema. Él está abierto a todo. Cuenta que todo lo que se compone y todo lo que se hace en Sirenia está bajo la tutela de Morten” quizá

esa centralización le ha venido bien para mantener el espíritu de Sirenia pese a tantos cambios de formación… “Él tiene la idea en su cabeza pero te deja probar cosas”. Musicalmente ¿a que suena este “The 13th floor”? “yo creo que este es una mezcla muy buena de los tres anteriores y aunque sigue la línea de “Nine destinies and a downfall” es más cañero”. Totalmente de acuerdo pero con una diferencia muy significativa y es el trabajo de los coros y las orquestaciones. Quizá muchas puedan ser las comparativas pero sin ligar a dudas suena mucho a aquél trascendental “Beytond the veil” de Tristania y son de impresión “sí, tienes razón. Yo cuando escuché las canciones fueron con la música y mi voz encima pero sin coros. Cuando nos juntamos los cuatro para escuchar el resultado final me quedé alucinada”. ¿Y qué opina Morten de los Sirenia actuales? “Morten dice que está convencido que ahora es el momento de Sirenia porque tenemos la mejor formación. Morten dice que conmigo ha buscado una voz diferente, más limpia”. Sea como fuere, la popularidad de Sirenia va crescendo y el nuevo video de la banda “The path to decay” lleva en 8 meses mas de 2 millones de visitas en youtube mientras que el anterior “The other side” con dos años solo lleva unas pocas visitas mas.

On tour Pronto descubriremos como son los nuevos Sirenia en vivo. Y también como es Ailyn. En disco suenan muy bien pero salir a la carretera es otra cosa. De momento ya tiene algún precedente y con qué compararlo “En televisión era otra historia porque había 600 personas de público y muchas cámaras pero estaba todo oscuro y tú no veías a nadie. Sin embargo en el Masters of Rock era de día y yo miré a lo lejos y la gente no se acababa. En el programa salí en cuatro galas y antes de eso solo cantaba a lo mejor una vez al año. Imagínate al subirme al escenario de Masters of Rock… Pero bueno, tantos nervios fueron solo los primeros minutos, luego se pasaron y disfruté mucho. Desde Masters of Rock no hemos vuelto a tocar y ahora que están las fechas programadas se pasan más nervios esperando que lleguen los conciertos que luego durante la gira en sí”. Sin embargo, pese a ese autocontrol reconoce que la gira española va a ser un punto de inflexión para ella “sí, la verdad es que esos conciertos van a ser muy especiales para mí porque tocaré en mi tierra y si te digo la verdad estoy hecha un flan porque el público español va a ser más exigente conmigo por lo


que hablábamos antes de qué hace una chica española cantando en Sirenia…”. Y para colmo el concierto lo abrirán Niobeth, una de las mejores formaciones españolas de la actualidad y que tienen a una de las mejores voces del panorama mundial, Itea Benedicto “los he escuchado y dentro de no mucho vienen a Granada y me acercaré a verles y así les conozco. Con la voz de Itea me quedé flipando, con la boca abierta”.

Ailyn y las opiniones… ¿Qué aporta Ailyn a Sirenia? Yo creo que aporta sobretodo frescura y escuchando el disco y escuchando su tono de voz (y por teléfono lo constato) aporta cierto grado de ingenuidad, de chica tímida. Normalmente la imagen que se tiene de las chicas góticas es de presencia imponente, que cuidan mucho la pose y aunque con un punto de fragilidad, en algunos casos, es de firmeza “la verdad es que estoy muy de acuerdo contigo porque has acertado en lo de chica tímida. Escuchando las voces que ha tenido hasta ahora Sirenia, el cambio de vocalista no ha sido muy drástico por lo que los fans deberían estar contentos con Ailyn “yo estoy muy contenta porque la gente me ha aceptado bien. Yo cantaba pop pero llevaba escuchando Metal muchos años y por suerte yo me presenté a Factor X cantando Metal y me cogieron y eso me sorprendió. Siempre me he amoldado a lo que pedía la ocasión porque si cantas en las fiestas un pueblo tienes que cantar pop o rancheritas o lo que sea pero siempre lo que te pida la ocasión. Tengo mi estilo pero al cantar las canciones de los otros discos respeto mucho el trabajo que habían hecho mis antecesoras pero a la vez intento darles el sello de mi voz”. ¿Y para el futuro? ¿Te gustaría volver a ser solista? No entra en mis planes. Llevo tanto tiempo siendo solista que ni me lo planteo. Si no me quedara más remedio ya se vería pero hoy por hoy no entra en mis planes. Llevaba mucho tiempo pensando cantar en una banda. En el grupo de versiones japonesas éramos tres chicas que íbamos con nuestro cd por ahí y yo quería cantar en una banda de Metal de chicos pero no me imaginaba llegar a donde estoy ahora. Cuando se publicó que Tarja dejaba Nightwish pensé que sería genial cantar en una banda de ese estilo. Dicho y hecho. Sin duda Ailyn esta viviendo su cuento de hadas y si Morten dice que esta es la mejor formación de Sirenia hay que hacerle caso ¿sino crees a Morten Veland a quien vas a tener en cuenta?

Ailyn opina sobre la competencia Liv Kristine: No la he escuchado demasiado pero me parece una buena vocalista pero me acaba cansando un poco.

Simone Simons: Ahí me has tocado la fibra. Es impresionante vocalmente. Maravillosa.

Sharon Den Adel: Es mi preferida. Seguramente la más completa que hay para mí.

Vibeke Stanne: Bufff! Es muy buena. Y todo el mundo habla maravillas de ella. Henriette Bordvik: La encuentro muy parecida a Fabienne, la cantante de “At sixes and sevens”.

Monika Pedersen: Pese a todo lo que se ha dicho de ella no creo que sea mala vocalista.

Sirenia REVIEW

Como nos gusta comparar los discos a la prensa… ya sea con otras bandas o con discos pretéritos de la banda en cuestión. Bueno, a los fans también os/nos gusta ¿verdad? Con “The 13th floor” no va a ser diferente y por eso empezaremos diciendo que es el mejor disco que ha grabado Morten Veland desde “Beyond the veil”. Sin discusión. “The 13th floor” tiene dos cosas que le hacen especial, muy especial, desde el inicio. Por un lado está el parecido con “Beyond the veil” a la hora de tratar los coros y sino solo hay que escuchar “Lost in life” y “The seventh summer”. Ese fue uno de los pilares de aquél disco. Por otro lado, está Aylin, la nueva vocalista de la banda. No tiene voz operística, sus tonos altos no llegan al de algunas de sus compatriotas pero la profundidad de su voz y la sensibilidad con que canta no están al alcance de cualquiera. Quizá uno de sus rasgos más trascendentes sea la timidez y la ingenuidad de su voz aportando, así, un punto de ternura especial. El cómputo general de “The 13th floor” son temas muy melódicos y pegadizos, que te enganchan a la primera y en los que la voz gutural de Morten queda relegada a un segundo plano. Quizá sea el disco en que menos protagonismo tiene su voz y es que en ningún momento se entremezcla con la de Aylin. Por lo demás, pese a los cambios de formación, la banda sigue siendo muy solvente y la creatividad de Morten Veland tiene cuerda para rato para seguir explotando una tendencia que ya inició con Beyond the veil” y para la que parece haber encontrado a su perfecta alma genela en la voz de Aylin. Esperemos que, esta vez sí, sea su voz definitiva. 9


In

Flames son una banda respetada que se encuentran en estado de gracia. Tan solo la temporal baja de jesper Stromblad se interpone en su camino aunque de forma circunstancial. Pero las cosas no siempre fueron así y hablando de tiempos pretéritos la banda alcanzó su cénit con “ The Jester race” , una de las piedras angulares del Gothemburg sound. Bjorn Gelotte guitarra de la banda nos habla del pasado y del presente de la banda.


EMPIRE (EM): Hace ya un año del lanzamiento de “A sense of purpose” ¿Qué valoración hacéis del disco y la respuesta que ha tenido por parte de los fans? BG: Ha sido la primera vez que hemos tenido un proceso de grabación muy relajado porque hemos trabajado todos juntos en nuestro propio estudio y hemos decidido juntos todas las cosas que queríamos hacer. Por otra sido muy confortable no hacer giras mientras grabábamos el disco porque nos ha permitido estar plenamente concentrados en el trabajo de estudio. Cuando empezamos a empezamos a tocar los nuevos temas fue realmente divertido porque te sientes excitado al tocar los nuevos temas y ver la respuesta de los fans y veíamos que la gente las cantaba, saltaba y lo pasaba realmente bien y eso siempre es muy gratificante. EM: El verano pasado os vi en Graspop presentando este último disco y volví a constatar que tenéis unos fans muy cercanos a vosotros y eso es algo que he podido comprobar en varios países como España o Alemania también. BG: Sí, tienes razón y estamos encantados con ello. Siento que nosotros trabamos junto a nuestros fans y viceversa y eso sucede desde hace años. Los fans aprecian nuestra música y se muestran abiertos de mente a los cambios que introducimos en cada disco y a nuestra evolución. EM: ¿Tienes la sensación que la gente se muestra más cercana a vosotros ahora mismo que en la época de “Reroute to remain” o “Soundtrack to your scape”? BG: No sé… creo que no puedo comparar las canciones de esos discos con las actuales. Yo estoy orgulloso de todo lo que hemos hecho y esos dos discos han recibido una respuesta muy injusta por parte mucha gente. Piensa que a nivel de grabación muchos fans y mucha prensa habló mal de esos discos porque los comparaba con otros trabajos anteriores. Sin embargo, piensa que la gente que viene a vernos en directo quiere escuchar “Cloud connected”, “Trigger”, “My sweet shadows” o “The quiet place” y nosotros las tocamos. Eso quiere decir que esos dos discos centran una parte muy importante de nuestro repertorio actual. Quizá la línea de las canciones sea algo diferente pero el proceso de composición es exactamente el mismo, el productor es el mismo, el estudio es el mismo… EM: Creo que tanto “Reroute to remain” como

“Soundtrack to your scape” son dos buenos discos pero creo que con “Come clarity” y “A sense of purpose” habéis recuperado vuestras raíces… BG: No sé… quizá… lo que te puedo decir es que no hacemos música para contentar a nadie, hacemos la música que nos apetece a nosotros mismos en cada momento sin pararnos a pensar si suena a los viejos discos o si va a ser un cambio importante en nuestra carrera. Piensa que llevamos muchos años girando por todo el mundo y que hemos compuesto muchas canciones en nuestra historia y para poder hacer eso nos tienen que gustar nuestras propias canciones. Podríamos grabar “The Jester race” una y otra vez y muchos fans estarían encantados pero nosotros nos aburriríamos en el escenario, no tendríamos aliciente para volver al estudio ni aliciente para componer. Eso no puede ser. De todas formas quiero decirte que hagamos lo que hagamos las raíces siempre están con nosotros. Hemos desarrollado nuestro estilo pero creo que siempre hemos mantenido nuestras señas de identidad. Es evidente que cada disco suena diferente pero eso no significa que hayamos perdido el norte. No entiendo cuando la gente dice que con un disco hemos vuelto a nuestras raíces porque creo que nuestra esencia siempre ha estado ahí. EM: “Delight and Angers” es vuestro nuevo single y tal como está la industria hoy día no acabo de tener clara la utilidad de este tipo de lanzamientos si no incluyen material inédito ¿lo hacéis de cara a editar un video clip, a las ventas en itunes…? BG: Creo que es una forma se seguir manteniendo la atención en el disco por parte de la gente. Sigues apareciendo en los medios, los fans siguen hablando de ti mientras no estás tocando en directo. No pensamos en hacer video clips para MTV, VIVA o VH1 máxime cuando ahora mismo no son necesarios para promocionarnos ni para darnos a conocer. Ahora con youtube y myspace todo eso se ha perdido y si grabamos un clip no tenemos que pagar para que lo pongan en televisión. Piensa, por otro lado, que no disfrutamos nada rodando los videos, son muchas horas tremendamente aburridas y en las que acabas muy cansado. Lo hacemos porque es necesario para promocionarnos. Sobre lo de incluir material inédito… seguro que los fans lo agradecerían pero ¿para que vamos a incluir temas nuevos o versiones si luego la gente va a descargárselas y no va a pagar por ellas? Es por eso que lanzamos el single para que se mantenga viva la llama del disco, en este caso “A sense of purpose”, y no para vender el single como tal. Lo que nos interesa es que la gente compre el disco y

venga a nuestros conciertos. EM: Me gustaría preguntarte por la situación actual de Jesper… BG: Es algo que no ha sucedido de la noche a la mañana sino que ya llevamos un tiempo en esta situación. Él es alcohólico. Tiene un problema. Es algo muy duro para él y para nosotros. No tiene ningún problema físico, él puede seguir tocando y sigue siendo un compositor excelente y cuando tocamos juntos lo pasamos realmente bien pero él no puede engañarse a sí mismo ni engañar a la gente y por eso se está rehabilitando. Lo apoyamos en todo lo que podemos porque somos una familia y estamos para ayudarnos unos a otros. EM: Este verano parece que estaréis tocando en varios festivales europeos y la actividad de la banda en vivo seguirá pero imagino que Jesper no estará con vosotros… BG: Efectivamente, Jesper no estará con nosotros porque aún no está preparado para ello. Finalmente tocaremos con Niclas Engelin que ya había estado en In Flames y es el sustituto ideal para nosotros mientras Jesper se recupera. Podríamos hacerlo solo con un guitarrista pero nuestra música necesita que sean dos personas en ese puesto. EM: Me gustaría dedicar la segunda parte de esta entrevista a hablar del pasado de la banda. Quisiera volver la vista atrás hasta la etapa de “The Jester race” y la escena sueca de mediados de los noventa ¿Cómo viviste el nacimiento del Gothemburg sound? BG: Todos éramos amigos y hacíamos competiciones melódicas pero manteniendo la base Death Metal. Aquello sonaba extremo. En contraposición, en Estocolmo se practicaba un estilo más centrado en la rapidez y en la agresividad. Todo empezó a crecer muy rápido y ahora, veinte años después podemos decir que la gente que estuvimos allí creamos algo nuevo. EM: ¿Había muchos fans en Gothemburg en aquella época de esos sonidos? BG: Sí, piensa que cuando tocabas en directo lo hacías, sobre todo para tus amigos y para otros músicos de otras bandas con lo cual todo estaba muy relacionado. La gente que iba a vernos a nosotros era la misma que luego iba a ver a otras bandas. Poco a poco fue creciendo la escena y de repente varias discográficas empezaron a interesarse por todos nosotros. Wrong Again Records se interesaron por In Flames y quisieron grabarnos un disco y Jesper dijo que lo tenían compuesto pero


era mentira, solo tenían tres canciones por lo que tuvieron que componer muy deprisa para cumplir con el sello. “Lunar strain” fue una especie de proyecto serio porque los miembros no eran estables en esos momentos ni en In Flames ni en otras bandas; por ejemplo Jesper tocaba en Ceremonial Oath en esa época.

do, realmente. Si te fijas, todos somos cabezas de cartel y tenemos nuestras propias giras y juntarnos de nuevo sería muy complicado. Además tenemos la misma audiencia y tenemos en común a nuestros fans y creo que no sería bueno para ninguno de nosotros. No creo que se vuelva a dar actualmente pero nunca se sabe.

EM: ¿Quieres decir entonces que las bandas que grababan EP’s en aquellos tiempo no eran bandas serias? BG: No, lo que quiero decir es que no tenían formaciones estables en muchos casos, ni un plan de acción, ni planes de salir de gira. Lo importante en aquella época era que se trataba de un circulo donde todos éramos amigos y donde experimentábamos con la música y finalmente acabamos creando algo nuevo. In Flames era un proyecto serio que empezó a funcionar como banda cuando entramos Anders y yo entre otros porque Jesper quería que In Flames fuera más allá de esa escena local. Piensa que en los primeros In Flames habían varios miembros de Dark Tranquillity y Arch enemy.

EM: Si se diera actualmente una gira como esa actualmente se haría en grandes pabellones con miles de espectadores pero recuerdo que en aquella gira mucha gente llevaba banderas de Suecia y creo que eso debe haceros sentir bien cuando estáis a tantos kilómetros de casa… BG: Sí, te hace sentir extremadamente bien. Cuando estás tan lejos de casa y vas a cualquier país a tocar y ves que la gente es de otras culturas, habla otras lenguas y viene a verte, quiere conocerte, quiere estar cerca de ti, hablarte… es algo especial. EM: Hace algunos años Soilwork, Dark Tranquillity y vosotros cambiasteis vuestro sonido girando

EM: ¿Cómo nació vuestra relación con Dark Tranquillity y como vivisteis el intercambio de músicos y la contribución de Anders Jivarp a “Subterranean”? BG: Antes de formar a nuestras respectivas bandas éramos amigos por lo que todo surgió de forma espontánea y con la amistad de fondo. Nada era sólido en esa época y no decíamos “esta es la formación para esta banda”. Anders y Daniel Erlandson se repartieron las baterías de ese trabajo y todo el mundo lo respetaba. Después entré yo como batería y Anders Fridén y Mikael Stanne se cambiaron de banda y fue cuando grabamos “The Jester race”. Las cosas pasaban de forma natural. Éramos amigos y esos cambios estaban haciendo que ambas bandas crecieran. Michael ayudó a In Flames en “Lunar strain” y Henrik Foss grabó “Subterranean” y solo coincidí con él en la grabación y después de aquello no le volví a ver. EM: “The Jester race” es el disco favorito para muchos de vuestros fans, entre los que me incluyo ¿Qué crees tú que tiene de especial ese disco? BG: Creo que fue uno de los primeros discos de In Flames y eso que te sucede a ti me pasa a mí con el primer disco de Dio. Creo que cuando la gente escucha algo nuevo o algo diferente tiene esa percepción. Cuando salió ese disco tenía un buen sonido y una composición realmente brillante y una portada espectacular. Quizá no estaba del todo bien tocado porque yo soy guitarrista y estaba a la batería (risas) pero tenía mucha energía. EM: “The Jester race” es el primer disco que tú grabaste con In Flames ¿es especial para ti también? BG: Sí, por supuesto. Entré cuando estaban grabando “Subterranean” y pensé que hago yo aquí cuando estos tíos son baterías profesionales. Daniel Erlandson es un batería increíble y después de dos canciones vino a mí y me dijo que iba a tocar unas versiones de lo que estaba haciendo yo. Juntos mejoramos mi técnica y mi trabajo. Fue un trabajo muy duro pero fue muy divertido al mismo tiempo. Cuando grabamos el disco no pensábamos a quien iba a gustar el disco ni qué tipo de canciones queríamos grabar. Solo queríamos hacer un disco del que estuviéramos orgullosos, como al final ha sido. EM: Soy fan de In Flames desde hace 15 años y para mí una de las mejores giras en las que he estado fue cuando girasteis con Arch enemy, Children of Bodom y Dark Tranquillity ¿qué recuerdas de aquella gira? ¿Crees que puede volver a darse un cartel como aquél? BG: Sí, recuerdo aquella gira especialmente porque fue una de nuestras primeras giras grandes y fue muy especial, tienes razón. Sobre repetir esa gira en la actualidad o en el futuro lo veo muy complica-

sentido llevar partes de teclado o algunas guitarras pregrabadas. Nos gusta volver a las raíces cuando tocamos algunas viejas canciones en los conciertos pero la idea que planteas no es fácil de llevar a cabo. EM: ¿Has leído el libro “Swedish Death Metal” de Daniel Ekeroth? BG: No, aún no lo he leído pero he oído hablar muy bien de él ¿lo has leído tú? Sí, y realmente es un buen documento para la gente que, como yo, no vivimos en Suecia durante aquellos años. Ha sido volver a recuperar el espíritu de aquellos años que ahora parecen tan lejanos. EM: Creo que Jesper y tú habéis compuesto la música del disco debut de All Ends ¿Qué me puedes contar sobre ello? BG: Sí, es cierto y la verdad es que lo sentimos como parte nuestra pero desgraciadamente no podemos girar con ninguna banda que no sea In Flames por falta de tiempo. Ahora ha entrado mi hermana como vocalista en la banda y otro amigo nuestro y es una pena no poder estar más implicado en la banda. Marc Gutiérrez

hacia terrenos más americanos pero con el paso de los años habéis vuelto a vuestras raíces suecas… BG: (me corta la pregunta y parece no gustarle que le pregunte por este tema, ndr) Creo que eso no es cierto. Nosotros no cambiamos nuestro estilo hacia terrenos más americanos. Somos la misma gente y siempre hemos hecho la música que hemos querido sí, estoy de acuerdo pero quizá bandas como Slipknot o bandas similares os hayan podido influir cuando habéis pasado tanto tiempo allí de gira… tal vez a nivel de producción pero no a nivel compositivo. Podríamos estar repitiendo una y otra vez lo que hicimos en nuestro primer disco pero acabaríamos aburriendo a las ovejas y eso no va con nosotros porque queremos evolucionar y hacer crecer nuestra música. Al fin y al cabo cuando grabamos un disco no lo hacemos pensando si va a gustar o no, lo hacemos porque nos gusta. La clave es sentirse a gusto con uno mismo porque luego tenemos que pasar mucho tiempo en la carretera presentándolo y nos tiene que gustar y nos tenemos que divertir tocando esas canciones. Queremos dar pasos adelante y no pasos atrás.

IN FLAMES A SENSE OF PURPOSE

EM: ¿Sería posible una gira de viejas canciones al estilo de lo que están haciendo Iron Maiden con “Somewhere back in time”? BG: Ummmm… Es posible pero no creo que lo hagamos porque algunas de las viejas canciones tienen seis o siete pistas de guitarra superpuestas y nosotros solo somos dos y es uno de los motivos por los que no creo que lo hagamos; no tendría

Nuclear Blast (PIAS Spain) WWW.INFLAMES.COM WWW.MYSPACE.COM/INFLAMES


21-23 de mayo de 2009 Dessau (Alemania) PRIMER DÍA - 21/05/09 Ahora vamos con el repaso a lo que nos parecieron los grupos que nos dio tiempo a ver el primer día del Legacy Fest, en Dessau – (Alemania) : 21 de Mayo 2009 Entre que llegamos, vimos cómo estaba el panorama, encontramos el sitio que más montículos y baches tenía de toda la zona de acampada para plantar la tienda y cogimos los bártulos, eran ya como las 16:00 horas, de la tarde por lo que se siente por los grupos que nos perdimos pero no podíamos correr más. Llegamos con tiempo para entrar en el recinto y disfrutar de la actuación de los piratas escoceses, Alestorm. Ya les vimos en el Ragnarök hacía como un mes y cambia bastante de verles en un pabellón cerrado, a oscuras a verles en un escenario tocho, a plena luz del día y con todo el mundo como muy relajado, recién comidito y sobre todo bebido y con ganas de cachondeo, tanto ellos como nosotros. Se puede calificar su actuación de muy divertida, lo dieron todo y su pirata Metal nos gustó a todos. Su cantante, el menudo Chris Bowes, nos dio una lección de cómo tocar su guitarra teclado. Sonó bien y terminaron con su afamado “Captain Morgan’s Revenge”. Lo mejor para esa hora y pasar un rato muy divertido. Sin complicaciones y muy divertidos. Se saben ganar rápido al personal. Después y en el mismo escenario, ya empezaba la cosa a ponerse intensa y más serio después del cachondeo de los escoceses; se trataba de los noruegos Keep of Kalessin. Con un precioso cartel por detrás, portada de su nuevo disco y seguido de una intro (para no variar), comenzaron a descargar uno de los shows más guapos de este festival. Estos tíos hacen Black Metal del bueno, sin alaridos descontrolados y con una base y calidad musical muy alta. Es un gusto verles agitar su pelo en círculos al unísono mientras suena muy buena música. Su batería, Vyl, es de lo mejorcito de estos grupos ya que toca todo el kit que lleva, no se dedica al chimpún de muchos que veríamos después. Muy rápidos a veces, muy intensos en otras ocasiones, no dejaron indiferentes a nadie. Además y cosa rara también en estos grupos, sus miembros se cambiaban de posición en el escenario todo el rato, dándole más movimiento al show y haciéndolo más ameno y visualmente llena mucho más. Presentaron su nuevo disco, “Kolossus” al que dedicaron su set y cuando nos preguntaron si estábamos listos para more fucxxx Metal? – pocos fueron los que les dijeron que no. Ah, encima el sonido bastante guapo.

KEEP OF KALESSIN

SABATON

Sobre las 18h30, el ambiente había cambiado un poco y ya no se veía tanto malo y satánico por allí, porque a continuación tocaban los épicos suecos Sabaton. Se curraron el comienzo ya que tenían un cartel grande negro detrás del escenario, que fue desplomándose poco a poco para mostrar el logo del grupo

rodeado de luces, muy buen detalle para una banda que aunque ya llevan años, no es que sea de las bandas ya consagradas... estos detallitos siempre se agradecen. Desde el primer tema tenían al público en el bolsillo que coreó todos sus temas dando palmas al son del Metal que salía del escenario. Su cantante, Joakim Bróden, hace lo indecible por gustar, echándose el peso de la banda a su espalda pero estaba un poco afónico y digamos que no fue su mejor tarde, pero hay que aplaudir las ganas y la intensidad que pone encima del escenario. No paró de saltar, de moverse, de poner posturitas y de comentar que si cuando acababa el concierto le ponían hasta las trancas de cerveza, se desnudaría en el escenario – cosa que pudimos comprobar que no despertó ni el más mínimo interés, ya que no le acercaron ni un sorbito de birrote por lo que nos quedamos sin ver el dantesco espectáculo. Tocaron un tema que era clavadito a uno de SET LIST: KATAKLYSM Savatage (tienen mucha influencia As Death de estos Yankees) Ressurected y cuando llegó el Crippled final con su conoShadows cido “Primo VictoLet them Burn ria”, allí cantaba Manipulator hasta el tato. En Prevail una escala de 10 Slither les damos un 7 y Chains Power lo más importante, Illuminati el público se lo Taking World pasó en grande Like Angels con estos suecos. Ahora a cambiar de rollo otra vez ya que sobre las 20:00 tenían que aparecer los canadienses Kataklysm. Aquí los amigos dicen que hacen Extreme Metal, pero es Death Metal hecho al otro lado del charco con mucha calidad – como casi todos los grupos que salen de donde se cargan a las pobres focas. Se dedicaron a descargar su último disco “Prevail”. Lo que más hay que destacar es el aporreo constante y de calidad de Max Duhanel, con mucha incidencia en el doble bombo, un cañón. Según ellos, Alemania es su segunda casa y se les notó lo contentos que estaban de estar allí y se notaba el tirón que tienen, ya que estaba hasta las orejas el sitio, con mogollón de stage divers todo el rato. La reacción del público era fantástica, todo el mundo con simbolito de los cuernos y haciendo headbanging con temas como “The vultures are watching or taking the world by storm”, de lo mejor que vimos en todo el festival. Poco a poco fueron descargando todo su set, sin dar tregua al personal con numerosos surfeos por encima de nuestras cabezas, algún circle pit y sobre todo con el calor de los asistentes. Kataklysm tienen enorme calidad y le dan una fuerza y calidad enorme a sus conciertos. Muy buenos. Habiendo caído la noche y con mucho más frío, teníamos cita con Die Apokalyp -tichen Reiter – un grupo alemán que está en casi todos los festivales por allí. Había muchísima gente para verles. Estos jinetes del Apocalipsis se dedican a hacer cachondadas en el escenario y no te les puedes tomar muy en serio musicalmente lo que pasa, es que hay veces que están aceptables y esta noche no fue así. Aparecieron tras una música de violín muy dulce acompañados de una luz roja intensa y aclamados como si hubieran ganado la Liga. Para que os hagáis una idea de que van los tiros, su teclista sale vestido de fan del sadomaso, con su máscara y todo, se sienta en los teclados y cuando no los toca, tiene una especie como de columpio alrededor por lo que se sienta en él y se pasa el 90% del tiempo columpiándose y pasando del tema, para de repente salir al centro del escenario y montar su propio show cachondo que a los alemanes les vuelve locos. Su Death/Folk Metal no es nada del otro mundo, tiene el mismo soniquete todo el rato pero si entiendes alemán y te gustan las gracias guiris puede que te guste su show pero si te los pierdes tampoco te arrepentirás. Como los jinetes se estaban pasando un poco de rosca, nos largamos un rato


DIE APOKALIPTISCHEN REITER

al Stardust Stage, que era el escenario pequeño, en una especie de Nave abandonada y acondicionada para conciertos, que al ser un sitio (pabellón cerrado) solía hacer un calor húmedo como bastante asfixiante no haciendo muy agradable la estancia.

Tocaban a esas horas Aborted, que es el típico grupo de Death Metal moderno, con toques de metal más moderno, que le dan mucha canchilla en las revistas por ABORTED lo que nos interesaba bastante verles. No son un espanto (que los hay) y tienen su público, ahora, no esperéis ni virtuosismo, ni nada – mucha caña, mucha energía, mucho cara de malo tatuado y a saltar. La verdad es que a pesar de que éramos como unos 40 viéndoles, los tíos se dedicaron a dar todo de sí y pidieron que hiciéramos un circle pit que para qué os voy a comentar, que era un circle pit de garrafa, quedó muy deslucido pero les dio igual; bien por estos chicos, que ellos se comportan de la misma forma para 40.000 que para 40. Además llevaban 2 carteles blancos para dar más ambiente a ambos lados del escenario; interés pusieron y mucho. En algunos temas se apreciaba mucho la influencia de Pantera y su sonido era muy duro y repito, como el RedBull, muy energético. Eso sí, tanto metal moderno y al volumen que estaba, era muy difícil de soportar, me sobrepasa y nos largamos a ver si los Die Apokaliptischen Reiter habían cambiado de rollo; pues apareció una rubita preciosa en el escenario que saltó, bailó y fue vacilada por Fusch y el sado teclista, Dr. Pest, que la incitaron a que enseñara chicha superior pero dijo la rubita que les dieran por donde amargan los pepinos. También ondearon una bandera roja tocha con el logo del grupo mientras todos los teutones cantaban sus cancioncillas todo contentos. Como final de fiesta sacan las dos barcas hinchables donde se suben el más fan y uno que acompaña a la banda y a pasear por encima de nuestras cabezas, con el consiguiente jolgorio y cachondeo generalizado, muy bien para el espectáculo, pero de calidad musical justitos. En resumen, un 5 a cada uno de los grupos raspadillo. Ya de noche, con un frío que pelaba y bastante humedad, tenían que salir las súper estrellas headliners de la noche, Satyricon. Estos sí sé de dónde son, de Noruega, como los gatos de los bosques y son una de las bandas más aclamadas tanto fuera como dentro de Escandinavia. Venían a presentar su último lanzamiento ”The Age of Nero”, para ello comenzaron su actuación dejando el escenario con una luz muy tétrica, de color azul oscuro, empezó a salir mucho humo muy denso y de fondo una música de estas de peli gore. Cuando se disipó el humazo, pudimos ver el soporte del micro de Satyr con el tridente característico, aquello pintaba muy bien y prometía espectáculo. Salieron Satyricon entre aplausos de todos los blackies más oscuros del festi – Satyr se dejó caer el último y ya este se llevó, claro, más aplausos que ninguno que para eso es el jefe y el que monta todo el cotarro. Fueron sonando temas como el “Repined Bastard Nation”, “Now, Diabolical”, “Fithgrinder”, “Forhekset”, “K.I.N.G.” “The Age of Nero” – tuvieron un pequeño problema de sonido al principio del tema pero al final sonaba genial. “The Wolfpack”, ese pedazo de canción, también sonó atrozmente, daba miedo, eso sí retumbaba

SATYRICON

un poco el sonido (hemos de decir, que hicimos vida y raíces junto a la mesa de sonido, que es donde se supone que mejor se debe escuchar, y apenas nos movimos de allí, más que para hacer fotos, ir al servicio, comer y beber) y le restó calidad a su interpretación. Todo el rato estuvieron con unas luces muy discretas y muy oscuras, con mucho humo y los miembros de la banda que pueden, estuvieron haciendo headbanging durante gran parte del show. Todo el concierto fue muy bueno aunque al final se hace un pelín repetitivo pero en general estuvo bien, de notable alto. Satyr también tuvo tiempo de agarrar la guitarra para demostrarnos que también sabe tocar y muy bien. Mucho teclado (característico de Satyricon), mucho ambiente medieval, oscuro, frío y sobre todo anti-todo rodeaba el ambiente. Eso sí, a medida que iba transcurriendo el concierto, tanto Black Metal iba haciendo mella en el público y si dura un pelín más les veo tocando para ellos solos, ya que se fue muchísima gente y la reacción en general fue de tibia a fría llegando a helada como las tierras de donde vienen estos tíos. Eso sí, se fueron y aparecieron de nuevo a los poquísimos minutos aunque le hubieran pedido un bis unos siete fans de todo el festival. Otros días se desgañitan 20.000 personas y no salen ni a dar las gracias, hay que joderse. No tocan nada mal pero un concierto entero es sólo para sus acérrimos – les ponemos un siete y van que chutan. Después de Satyricon nos largamos a disfrutar de los muchos baches que reinaban en el suelo de la tienda de campaña regados con agua fresca de lluvia – a intentar dormir y mañana será otro día. SEGUNDO DIA – 22/05/09 Pasó que se tiró lloviendo toda la santa noche, unos goterones alemanes más grandes que el Bayern de Münich y por la mañana salía el sol a ratitos, pero la atmósfera tenía bastante humedad todavía. No os quiero contar como estaban algunos de los caminos del Festival, llenos de barro. Menos mal que el camping era de hierba muy frondosa y a penas se notaba que había llovido. Después de aguardar una cola tremenda en la ducha y de no saber por qué tardaban tanto en ducharse cuando el agua salía helada y no había quién la resistiera nos fuimos a tragarnos todos los grupos que pudiéramos y más. Entramos a las 14.30 y cerca de las 15.00’ aparecieron en escena Demonical; esta banda de Death Metal sueca pillando a más de uno papeando, al otro de compras, al otro congelado después de ducharse... por lo que no había mucha gente viéndoles. Un detalle curioso era el cable del micrófono que llevaban que era verde bastorro y parecía totalmente una cuerda de esas de tender la ropa en las casas, de lo más anti-estético que he visto en un escenario; se te iba la mirada al cable aunque no quisieras. Vinieron a presentar su recientísimo trabajo “Hellsworn” y no estuvieron mal, buen grupo para ver a estas horas y no esperar nada de ellos.

SWASHBUCKLE

GRAVEWORM

Después de estos tíos que se lo tomaron muy en serio, todo tétricos ellos necesitábamos caña y diversión después de tanta intensidad y mira Vd por donde la sorpresa fue muy agradable. Era el turno de los Swashbuckle, un nombre muy retorcido y bastante jodío de pronunciar que lleva detrás, a 3 tíos de lo más pintoresco, que aparecieron vestidos de piratas como el Jack Sparrow, pero en feo y que se tomaron aquello como la conquista de Gibraltar. Los propios Alestorm que abanderan el movimiento pirata estaban en primera fila flipando con estos norteamericanos. La banda la componían un entradito en miles de kilos, uno bastante más escuchimizado pelirrojo con pinta de pirata genuina y el otro, un normal, más parecido a un estudiante de Harvard aplicado, a la batería. Vaya caña que le dieron, según ellos era “Live from Somalia”. Le daban mogollón de caña, muy divertidos y si encima le echaron ganas, ordenaron un circle pit que además fue animado al tirar unos delfines de plástico muy grandes que iban y venían por los aires, qué risa. Un ambiente muy divertido, muy distendido y muy cañero.

Después de tanto cachondeo y buen rollito, ahora a ponerse serios otra vez y trascendentes ya que era el turno de los alemanes Graveworm. Estos tíos hacen Melodic Black Metal y llevan a una preciosidad de chica en sus filas, que no paró en todo el concierto, bueno, era la teclista. Ya había mucha más gente por lo que el ambiente había cambiado para bien porque ver los grupos con cuatro personas no mola nada. El cantante de los gusanitos estos, tiene la particularidad de agarrar el micrófono de un modo super extraño, como del revés. Cosa rara en estos grupos, se dirigieron al público y animaron a todos a cantar con ellos, en general estuvo bien.


Ya eran cerca de las 18h00 cuando salieron a tocar los Mercenary. Estos son daneses y van de Melo-Death Metal. Se molestaron en plantar dos carteles grandes en el escenario, con la portada de su último disco, “Architest of Lies”. Muy poquita gente otra vez viéndoles y eso que no había fútbol ni nada. Para animar su show, pidieron también un circle-pit y creo que fue por hacer la gracia que me metí un topetazo contra el suelo por intentar correr con los niños de 18 años – a ver – mandamiento primero : nunca oh Señor correré un CirclePit con las NewRock (botas) puestas. Qué dura es la vida del Heavy Metal fan. Su set list estuvo formado por: “Black and Hollow”, “Bloodsong”, “Soul decisión”, “The Endless Fall”, “Death Connection”, “Execution Style” y “Firesoul”. Luego le tocaba el turno a los suizos Eluveitie que se prodigan por todos los festivales que pueden y más y sobre todo en Alemania, donde les van a hacer hijos adoptivos. En un momento aquello se llenó de gente, mucha expectación había para ver a una de las bandas más importantes del Folk Metal. Estuvieron mucho tiempo probando sonido y se veía ambiente distendido y relajado. Como aquello tardaba, la basca se tenía que entretener con algo y qué mejor que un vikingazo enorme con una mochila del Bob Sponge que levantaba y todos le aclamaban; nos lo pasamos bomba con él, estuvo sembrao, todo un líder de masas, ya que en 10′ levantó a todo el personal que estaba aburrido con el coñazo de las pruebas. Después de la cachondada esta, salieron Eluveitie ante una lluvia de aplausos, al principio tuvieron algún pequeño problemilla de sonido pero se solucionó corriendo. La primera canción fue “Inis Mona”, un tremendo tema que levantó a las masas. Su cantante, Chrigel, no sólo interpreta los temas, además es un artista de la bandurria y de la flauta. Es ahora muy importante en la banda la actuación de las chicas, Anna y Meri que además de tocar genial el violín y otros instrumentos medievales tienen unas preciosas voces que cada vez cobran más protagonismo dentro de los conciertos aparte de ser espectáculo visual, ya no sólo por ser guapas sino por las larguísimas y cuidadas cabelleras que tienen que no dejan de mover al son de lo que fabrican. Mientras tocaban hubo lanzamiento por parte de algún espectador de preservativos inflados a modo de globos, que hicieron las delicias del personal, folk metal del bueno y encima cachondeo, muy bien la combinación aunque después de media hora ya se te hacen pesados los temas porque en directo suenan muy igual. Esta gente tiene todos los ingredientes para ser la bomba y luego es más ruido que nueces, bueno, no se dice así pero me habéis entendido. Molan muchísimo más que miles de bandas, pero es de las que quieren pero no dan lo que esperas aunque eso no quiere decir que estén mal.

ELUVEITIE

Tras la actuación de estos, ya se notaba un vientecillo un pelín molesto, luego fue de menos a más, miramos para el cielo y este estaba poniéndose un poco Black Metal. En 5 minutos aquello era el diluvio universal. Salimos todos corriendo, ni los más fans de los fans se quedaron allí porque la cosa se puso fea, pero fea fea y cuando estábamos refugiados en la carpa de prensa con los Swashbuckle firmando autógrafos a los pocos fans que se quedaron a la firma tras la tormenta, y que no se llevara el vendaval parte del sitio, oímos un estruendo raro pero seguimos allí en espera de que terminara aquello. Al cabo de una media hora seguía lloviendo pero no tanto, salimos y pudimos comprobar que al escenario le faltaba casi toda la parte de atrás y que se había inundado gran parte de él. Vimos a bastantes técnicos corriendo, poniendo cosas, recogiendo cables y ya nos dio bastante mala espina, – ¿y ahora, qué? – mientras estábamos con el resto intentando saber qué pastaba, vino un rapadísimo segurata y nos dijo que nos fuéramos ya que se habían acabado los conciertos ahí en todo el día. ¿Qué pasa con Sodom? – pués el rapado nos puso la cara de pijo nazi de a mí los Sodom me la flinflan, a casa ya y nos tuvimos que largar, pero mira por dónde algo o alguien dijo, tocan en el escenario pequeño y estampida de búfalos, todos a correr empapados como energúmenos hacia el otro lado ya que Tom Angelripper y sus chicos iban a dar voces ahí. No os podéis ni imaginar la que debía haber dentro del recinto; era totalmente imposible acceder dentro ya que no debía caber ni un alfiler bajo un calor húmedo de lo más agradable. Estuvimos en la puerta, con nuestras alturas españolas intentando colarnos dentro cuando pudimos comprobar que los seguratas rapados se habían unido para hacer un bloqueo y que no pasara ni el tato allí, imposible. Yo empujo por aquí, tu empujas por allá, yo mido uno cincuenta y tú dos metros más, ahora meto el codo y te piso, tu te vuelves y me dejas el pie liso – ¿a qué parece un rap malo? – pues eso pero a lo bestia que en cuestión de empujar los alemanes pierden toda la educación tan exquisita que suelen tener y se convierten en la locomotora de AC/DC sin frenos, qué brutos. Vino un frikie zumbado, con un casco militar y una máscara anti-guerra química puesta y dijo que por sus santos atributos masculinos iba a ver a Sodom – era delgadito pero empujaba y jodía como el que más. Los rapados no le pegaron abiertamente pero voló un par de veces, desde la puerta de acceso bloqueada hasta donde cayó. Le dio igual, si no puedo colarme por tierra lo intento por el aire, hizo surfeo y lo intentó por arriba, no me acuerdo del resultado, pero me imagino que se comió la máscara anti-bacteriológica lo que pasa es que el ambiente ya era bastante peligroso y decidimos pasar de ver al Angel-

ripper que mientras, tronaba dentro del sitio para algunos miles de afortunados espachurro-asfixiados. El caso es que tampoco duró mucho aquello y más o menos a los 45 minutos aquello se cayó. Putadón inmenso porque me gustan mucho Sodom, una pasta en largarme hasta allí para que al final no los pueda ni ver. En fin... Buahhhhh, eh! nos hemos olvidado de Behemoth, otra de las bandas que yo quería ver…. venga a preguntar, venga a cotillear y nada, el escenario igual y los de seguridad echando a todo Cristo – pues ni rastro de los polacos. Lo que pasa es que luego por la noche ya habían apañado los destrozos y sí hubo más conciertos, bueno miento, hubo el concierto, con mayúsculas, mejor del Legacy, los Arch Enemy. Ahí va. Un poco empapados, tras dar el correspondiente paseo por la ciudad, mientras arreglaban el escenario, hambrientos y muertos de frío nos situamos a ver por enésima vez a Angela, a los Amott Brothers, Daniel Erlandsson y a Sharlee D’Angelo. Salieron sobre las once de la noche, muchísima gente había vuelto de la tienda al recinto y comprobaron (nosotros también, claro) que las luces habían mejorado lo que nadie sabe y el sonido era simplemente espectacular y cojonudísimo. Mientras sale la banda y empieza la música, tras los aplausos suenan los aullidos de los lobos en la lejanía, dándole a la cosa un feeling como de ARCH ENEMY misterio/mieditis que molaba mucho. Acorde con las luces, salieron vestidos todos de negro riguroso, pero con un brazalete rojo en sus brazos, que algo debía significar pero yo ni idea, si alguien lo sabe que lo comparta por fa. Pues allá vamos…, madre de Dios. Impresionante, increíble – simplemente el mejor conciertazo del Legacy Fest 09 y la mejor vez que he visto a los Arch Enemy. Se salieron por todos lados, por los bordes y de costado. No pararon de moverse, no pararon de cambiarse de posición en el escenario mientras sonaban unos punteos maravillosos con una claridad de sonido impresionante (la mejor de todo el festiARCH ENEMY val), Angela como una posesa pero sin alaridos guarros, con bramidos de una intensidad bestial, animando al personal, moviéndose con los otros, es que no sabías a quién mirar. Entre la bestialidad de lo que salía del escenario aparecían melodías preciosas en las partes que la impresionante batería se aplacaba un poco, genial. Los hermanos Abbott se lucían en muchos fragmentos de las canciones, doblando las guitarras, poniendo los pelos de punta a más de uno. Temas como “The last enemy”, “Blood in your hands” o el “The Great Darkness” hicieron las delicias de todos, era una pasada auténtica, si no fuera porque estaba Angela dando voces no pensaría nunca que esos de ahí eran Arch Enemy, parecía otro grupazo completamente distinto – ¿habrán cambiado de entrenador? – no lo sé pero estos chicos han sabido mejorar mucho. Después del fantástico “Bury me an angel”, llega la hora de los solos coñazo y ¿quién mejor que el batería? – pues de coñazo nada, eso sí repito por enésima vez en un conciertazo de una hora y cuarto, ¿a qué coño viene lo de poner un solo ahí en medio?. Eso sí, el tío lo hizo genial, hubo momentos que se puso en plan Neil Peart (Rush, el genio) y no lo hizo nada mal, los sonidos que sacó eran originales, intensos, maravillosos, un ocho alto. Después de maravillarnos los sentidos con el “Dead Bury their Dead” o “The Day you Died”, también hubo tiempo para que admiráramos el bajista tan bueno que llevan y se marcó un solito pequeñito – si se lo hubiera ahorrado pues bueno... Eso sí, mientras, Michael Abott ya se había cambiado de guitarra muy coqueto él para salir con una Flying V blanca, preciosa que sonaba incluso mejor que la otra. Auténtica lección de música sin concesiones. La tónica del concierto era tocar como los ángeles, sonar claramente, movernos y crear ambiente festivo en el frío y hacernos pasar un rato increíble de los que te da igual la tromba de agua, el montículo del suelo de la tienda, el frío y la lluvia. Al cabo de una hora y cuarto de auténtica caña, de Metal genial y de darnos Angela una charla en alemán (con gallo incluido, tanto vocear pues ya se sabe luego) se marcaron el último temazo y si os he visto pues no me acuerdo pero dejaron a la basca auténticamente maravillada – un nueve sobre diez. Después de esto ya no queríamos ni vivir ni ver nada (hasta dentro de media hora) y viendo que los Behemoth no aparecían nos piramos para comprobar si el montículo estaba dentro todavía de la tienda o se había disuelto (que fue que no) ya que el sábado quedaba todavía una paliza de aquí te espero. Día ajetreado, disgusto gordo pero todo con final feliz como en los cuentos. TERCER Y ÚLTIMO DIA – 23 de Mayo 2009 Cuando amaneció ya no había ni la mitad de nubes que el día anterior después del vendaval y aquello pintaba como que iba a hacer bueno. Como el Heavy es así y si no sufres es como si le faltara algo, ese día la lluvia no hizo acto de presencia, pero alguna cosa tenía que haber y qué mejor que un sol que quema como un soplete. El día que en un festival se esté a cero grados, o sea, ni frío ni calor, me retiro de la historia, ja ja – eso no me lo creo ni yo. Lay Down Rotten Después de otra maravillosa ducha con agua natural, haber visto como unas cuantas ovejas rodeaban y dejaban sus rastros alrededor de la tienda, nos fuimos al recinto a ver si no había cancelaciones esta vez. Entramos sobre las 14h00 para ver a los melódicos death metaleros Lay Down Rotten. No había ni


LAY DOWN ROTTEN DESASTER

ENDSTILLE

BELPHEGOR

EQUILIBRIUM

concierto con problemas de sonido para el cantante, al que no oíamos. Este grupo es de esos intensos, con las letras trágicas, sobre temas muy importantes, con una música tan densa y tan tan tan… Después de estos, fuimos un rato para desintoxicarnos al otro escenario y sufrimos la actuación de Destinity. Estos chicos son franceses y hacen un compendio de Thrash y Death – o sea, rapidez, rapidez y ya está. Eso si, en el escenario pequeño seguían con un volumen brutal, muy poco aguantable para los oídos de gente sencilla, y que podemos afirmar que deslucía la actuación de la banda.

dios viéndoles, sólo las primeras filas de siempre, todo contentos para no variar y aunque no están mal son de los de ni fu ni fa. Su puesta en escena se limita a mover el coco de derecha a izquierda y a no menearse más. Sacaron una Flying V que Nils Forsters supo tocar y deleitarnos con ella. Presentaron sobre todo temas de su último trabajo, “Gospel of the Wretched”, y al final terminaron ellos aplaudiéndonos a nosotros, bueno, al público. Está bien para antes de comer. Interesante banda. Luego cambió el rollo y salieron a escena Desaster, un grupo alemán de Thrash Metal a la antigua usanza, muy Trues, con mucha tachuela y mucho cinturón de balas. Sonaban bestiales, muy rápidos y mucho raca-raca, a los seguidores del género les gustaba mucho. Entre tema y tema, su cantante, alzaba sus brazos haciendo con ellos una cruz quedando aquello como parte de una ceremonia solemne. Su bajista salió con pintas a lo Dimmu Borgir mientras que el resto iba de thrashero de toda la vida. Estuvo bien aunque lo típico, se te hace un pelín monótono al final pero bien. Luego había que ponerse las pilas porque venían Endstille. Qué expectación había por todos lados – qué de camisetas hemos visto de esta gente, siempre lo hemos comentado, los Endstille estos deben ser la primera división, porque no veas qué de seguidores acérrimos tienen. Si con los otros no había nadie, con estos estaba bastante llenito el sitio. Ay qué vamos a ver, qué nervios, vente vente para adelante, que yo quiero ver a estos tíos que deben ser la de Dios. Señor mío, salen 4 pavos que no tenían desperdicio ninguno. Según su web son lo mejor del Black Metal alemán, pues cómo tienen que ser el resto... de tocar cero y de cantar menos cero. El recinto empezó lleno y acabo a medias, la reacción del público no suele engañar. Gratis, todavía, es curioso. Después del susto y ya sobre las 16.30, aparecieron otros representantes del lado oscuro y más temido del Metal, los Belphegor. Estos sí que son malos, que tienen cara burros, que cuentan con presencia escénica y que encima tocan muy bien. Era como la noche y el día. Hay melodía debajo de la brutalidad y buen gusto a la hora de componer. Dijeron eso de Fucking Dessau bastantes veces y estuvieron desafiando altivos al público. Sonó muy bien y fue un muy buen concierto a primera vista. Se echaron sangre por encima y dieron caña hasta la saciedad. Muy bien los Belphegor, no dejéis de ir a verles, molan mucho.

Luego salieron Equilibrium que son una banda de Folk Metal/Pagan alemán muy joven. De entrada hay que ponerles un pero, en el Heidenfest se presentaron sin batería y la llevaron grabada y también los teclados– eso sí, sonó tan bien y le dieron tanta caña que les perdonamos (fijaos que bien lo hicieron) – pues aquí llevaban pre-grabados los teclados y eso corta mucho el rollo porque gran parte de su sonido está basado en este instrumento, pero tienen un técnico que es un fenómeno y estos “detalles sin importancia” los arregla increíblemente bien aunque al principio, desde atrás, no se oía bien al cantante. Sólo diré que se dieron un conciertazo y fue de las bandas que más nos gustaron tanto por su actitud como por su música. Fueron muy aplaudidos desde el principio y con razón. Su cantante, Helge Stand, no para, no dejó de correr ni de animar a sus compañeros a dar un buen show. Llevan una bajista todo sonrisas y en general sonaron estupendamente. Presentaron sus mejores temas, sobre todo del “Sagas” y nos lo pasamos muy bien, mucho surfeo y mucho aplauso todo el rato por parte de la gente. De los que más me gustaron del festival – eso sí, esperamos algún día verlos a todos juntos, ya que la falta de sus componentes resta algo de credibilidad a la actuación de la banda. Después de los Equilibrium y todo envalentonados, llegaba el turno de ver y oír a Einsregen, unos alemanes que hacen Metal oscuro y tenebroso. Llevaban un esqueleto en mitad del escenario. Sonó una intro suave de piano y comenzó su

Menos mal que luego venía una de las bandas más graciosas, simpáticas y divertidas, Ensiferum. Digo todo eso si te gustan las vikingazas porque como me oigan los puristas heavy-metals me matan. Este grupo es genial para tomártelos de conquistar lejanas tierras, mientras vas cantando el himno y te marcas unos bailes. Salieron con sus habituales pintas con las faldas con la bandera de Finlandia, descamisados y la mar de animados. Cada vez tienen más tablas y experiencia y se les nota muchísimo más asentados y ya saben qué dar a la peña para que se lleven muchísimos aplausos. Himnos divertidos, la mar de cantables, un sonido muy bueno y ellos cada vez tocando mejor. Ha sido la vez que les he visto moverse más y estar más divertidos. Eso sí, Petri Liindros estaba afónico y le arroparon todo el rato entre Markus y Sami (bajista y guitarra, respectivamente), pero estuvo hasta animado y eso que no es la alegría de la fiesta precisamente. Cuando tocaban los temas de su famoso “Victory Songs” aquello se caía y cuando al final Petri preguntó si queríamos cantar el Tátarará, tátarará nos volvimos locos. Hasta su bajista terminó tocando con su instrumento detrás de la cabeza, esos detalles que nunca se los ves. Qué juerga vikinga padre, muy bien los Ensiferum, la mejor vez que les he visto. Como detalle curioso, estaba viéndoles Evan Seinfield de Biohazard al lado mío. El careto del yankee cuando los finlandeses aparecieron en escena era un poema y cuando vio la reacción del público estaba flipado. Creo que ha sido una de las experiencias de su vida. Por cierto, está bastante cascado – los años no pasan en balde, pero este poco se ha cuidado, qué pena. Ensiferum de nota muy alta – muy bien con afonía o sin ella, da igual. Los Ensiferum dejaron el listón muy alto y era bastante difícil para cualquier banda que viniera a continuación; si encima esa banda es de un estilo completamente distinto, entonces, apaga y vámonos.

BIOHAZARD

Salieron los Biohazard a escena y me imagino que se preguntarían que a dónde había ido la peña? – muy poquita gente. La verdad es que no pegaban ni con cola en el cartel y es que había sido una invitación de Kreator, que son colegas de los Yankees, según ellos, desde una gira que hicieron conjunta en el año 1991. Tampoco estaban anunciados en ningún cartel ni aparecían en ninguna camiseta – venían de prestado y se incorporaron a última hora. Biohazard vinieron con la formación original que tan famosos les hizo a principios de los 90 cuando los cimientos del Heavy Metal no estaban muy allá (la culpa también fue de ellos, por cierto). Están bastante cascadetes porque los años no EISREGEN pasan en balde pero intentaron ofrecer un buen show. Fueron los únicos que salieron con unos 10 minutos de retraso, si no tenían el poco público a su favor esto contribuyó a que creciera el poco interés del personal. Intentaron ganarse a la basca comenzando con el uno dos tres cuatro en alemán pero ni por esas. Para comenzar y ganarse a la gente, dijeron que iban a hacer un concierto para la gente de la vieja escuela y solo iban a tocar temas de sus tres primeros trabajos, así se veía en los pogos mucha vieja gloria pegándose con los jovencitos. Para congelar más la cosa, Evan Seinfield (cantante y alma del grupo) no hacía nada más que pedir al rodie que le subiera el volumen de la guitarra mientras que Billy Grazadie y sus amigos se esforzaban por suplirle. Esta gente pusieron la base del New Metal hace mucho tiempo y quien tuvo retuvo. Tocaron mucho material antiguo, sobre todo de su primer álbum “Survival” y muy bien, sobre todo la actuación de su batería que es otro mazas impresionante. También sonaron el “Love Denies” o el “Pressure to Kill”. Después de los saltitos, mucha expectación por ver a los cabeceras de cartel, los adorados por todos Kreator. Jugaban en casa y son una banda tremenda, estábamos seguros de que iba a ser una pasada pero no tenían el día fino y


como ya sabían que todo estaba ganado pues aquí me paseo yo y ya está. Mucha parafernalia y montaje con unos carteles de su último “Hordes of Chaos”, los que más luces llevaron de todos pero en exagerado y mucho humo. Fueron a los únicos que les enchufaron dos cañones de luz. Al grito de Kreator has returned (los Kreator han vuelto) comenzaron su show. Sonaba mal, luego peor, ya tiene mérito. No se movieron, no estuvieron más estáticos y distantes porque no podían, nada de comunicación entre KREATOR ellos y más parecía alguien que va al Ministerio (con todos mis respetos, ojo) todo cabreado un lunes por la mañana a currar de mala gana. Pero esto es Heavy Metal y así no transmites buen rollo y chungo si tu actitud es esa. Fueron cayendo grandes temazos como “Enemy of God”, “Pleasure to Kill”, “Extreme Agressions”, etc pero la apatía reinaba por allí. Lamentamos decir que fue bastante aburrido porque entre que sonaba mal, ellos no estaban por la labor y que encima tampoco la reacción del público animaba la cosa (la peña te adora, pero no es tonta) pues aquello fue en picado para abajo haciendo que fuera el peor concierto de Kreator que he visto. Les dio por menearse un poquillo cuando tocaron el “Flag of Hate” y “Tormentor” pero ya era demasiado tarde para arreglarlo. Sonaba todo enmarañado, un pum pum pum pum sin mucho sentido y un sonido a lata que salía de la batería que le quitaba el poco encanto que tenía aquello. Pero eso es como los equipos de fútbol, otro día se salen por los bordes y aquí no ha pasado nada. Seguro que otro día están como siempre, genial. Un día con muchos altibajos cuanto a los grupos pero un festival muy guapo. Esperamos ir el año que viene al Legacy, barato, cómodo y con mogollón de grupos – muy recomendable.

KREATOR

Crónica y Fotos: Rocío y Javier de www.metaltrip.com


Al

bacete casi nunca había estado en la primera división del Metal. Ni tan siquiera era la tierra prometida. Primero Angelus Apatrida y ahora Niobeth se han encargado de poner a esa tierra manchega en el lugar que le merece. Niobeth es un quinteto que hacen… lo que les da la gana! Y con una calidad desbordante, y con una pasión inaudita, y con una elegancia abrumadora y con una variedad de registros exasperante. Sí, Niobeth es la gran banda del Metal español. Heavy, Power, Progresivo, toques de Metal Extremo y una voz, la de Itea Benedicto, que se ha convertido por méritos propios en la mejor vocalista soprano surgida en diez años a nivel mundial. Pasa página y déjate embaucar por las palabras de Jesús Díaz, guitarra, y la propia Itea mientras escuchas su primer lanzamiento “The shining harmony of univese”.


EMPIRE: ¿Cómo llega Niobeth a este nivel musical. Contadnos la educación musical que tenéis… · ITEA: MI FORMACIÓN MUSICAL HA SIDO DESDE PEQUEÑITA, A LOS 10 AÑOS COMENCÉ A ESTUDIAR SOLFEO, PIANO Y CANTO Y A DÍA DE HOY, 11 AÑOS DESPUÉS, AÚN SIGO PERFECCIONANDO MIS ESTUDIOS DE CANTO. · Jesús: Yo soy maestro de educación musical y tengo diversos estudios relacionados con la música, la armonía, etc. Si todo va bien este año empezaré el segundo ciclo de la Licenciatura de Historia y Ciencias de la Música (Musicología). EM: Vaya primer disco habéis grabado!!!!!!! ¿no creéis que es demasiado para una primera entrega? Siempre se intenta hacer todo lo mejor posible pero ¿no creéis que os habéis pasado? · ITEA: JA, JA, JA, SÍ, MUCHOS NOS DICEN QUE NOS HEMOS PASADO. YO CREO QUE HEMOS DADO TODO LO QUE PODÍAMOS DAR EN ESTE MOMENTO DE NUESTRA CARRERA MUSICAL PORQUE ES ASÍ COMO VEMOS NOSOTROS LAS COSAS, SIEMPRE DAR TODO LO QUE PUEDAS Y UN POQUITO MÁS, ASÍ QUE NOS HAYAMOS PASADO O NO ERA LO QUE NOS PEDÍA EL CORAZÓN HACER. · JESÚS: Queríamos mimar este disco al máximo y

todo lo hemos hecho con mucho cariño y dedicación. Como ha dicho Itea, nos gusta dar siempre lo mejor de nosotros; para nosotros que fuera nuestro primer disco no significaba que tuviéramos que ser menos exigentes. EM: En mi reseña de vuestro disco, la cual obtuvo un 10/10 decía que si este disco lo hubiera compuesto Arjen Lucassen ahora sería venerado en todo en todo el mundo (que conste que sigo manteniendo ese comentario) ¿porqué creéis que está tan satanizada la música que se hace en este país? · JESÚS: Muchas gracias por el comentario, es un placer que hayas disfrutado tanto con nuestro dis-

co. · ITEA: CREO QUE EN ESPAÑA SE ESCUCHA MUCHO LA MÚSICA DE MASAS, ES DECIR, LA MÚSICA QUE NOS PONEN EN LA TELEVISIÓN, EN LA RADIO Y QUE NOS METEN POR TODOS LADOS Y, CLARO, AHÍ NO ENTRAN ESTILOS COMO EL HEAVY METAL NI MUCHO MENOS UN GRUPO COMO NÍOBETH, POR TANTO HASTA QUE LA GENTE NO APRENDA A TENER INICIATIVA MUSICAL Y BUSCAR MÁS ALLÁ DE LO QUE NOS VENDEN POR TELEVISIÓN SERÁ DIFÍCIL CAMBIAR LA CULTURA MUSICAL DE ESTE PAÍS.

· Jesús: En general falta más cultura y mentes más abiertas, creo que ambas cosas van de la mano.

EM: La producción de ”The shining harmony of universe” es muy buena.. tiene narices que todavía haya gente que diga que no se puede grabar un disco con buen sonido en España... ¿qué tal fue el proceso de grabación? · ITEA: FUE BASTANTE BIEN, AUNQUE ALGO COSTOSO Y LARGO PARA LO QUE EN UN PRINCIPIO HABÍAMOS PLANEADO, PERO BUENO, QUERÍAMOS MIMAR MUCHO A NUESTRO PRIMER DISCO Y ALARGAMOS TODO EL TIEMPO NECESARIO EN EL ESTUDIO HASTA CONSEGUIR LO QUE BUSCÁBAMOS.

· Jesús: además de la estupenda experiencia, hemos conocido a muy buenos amigos y profesionales en el proceso de grabación. Estamos muy contentos con el trabajo de Fernando Asensi así como con el de todos los músicos invitados. EM: Muchas veces, la mayoría para ser sincero, me resulta muy pesado escuchar un disco que dure 70 minutos. Sin embargo con el vuestro no me ha ocurrido por su variedad. Aunque sé que os gusta de todo no resulta fácil mezclar tantos estilos, recrear tantas emociones y atmósferas y que todo suene en su sitio ¿Cómo y de donde surge todo ese entramado? ¿Nunca habéis tenido la tentación de definir algo más vuestro estilo? · Jesús: Lo más importante es no ponernos barre-

ras. Como has dicho, nos gusta mezclar muchos instrumentos, estilos, matices, armonías, atmósferas... Lo bonito es hacer que cualquier elemento que entre en nuestra música suene a Níobeth; ya sea un riff, una melodía folklórica, un pasaje de piano o un solo de guitarra, es importante darle nuestro toque particular y fusionarlo con el resto de elementos. · ITEA: ¡UF! SÍ, MEZCLAMOS MUCHAS COSAS, NO SÉ… ¡¡SIMPLEMENTE NOS ENCANTA!! CREO QUE NO PODEMOS OBLIGARNOS A HACER ALGO MÁS O MENOS DEFINIDO SI NO ES LO QUE NOS PIDE LA MÚSICA EN ESE MOMENTO. PARA “THE SHINING HARMONY OF UNIVERSE” LA INSPIRACIÓN NOS TRAJO UN MONTÓN DE MELODÍAS ENTREMEZCLADAS Y DIVERSOS ESTILOS, PUEDE QUE EL SEGUNDO DISCO SIGA LA MISMA LÍNEA O PUEDE QUE LA INSPIRACIÓN NOS TRAIGA ALGO UN POCO MÁS DEFINIDO, EN CUALQUIER CASO, NO CREO QUE NOS FORCEMOS A HACER NADA CONCRETO PARA ASÍ DEJAR QUE LAS IDEAS FLUYAN LIBREMENTE.

EM: He leído que detrás de la portada se esconde una historia muy bonita ¿podéis contársela a los lectores de Empire? ¿Seguís manteniendo contacto con esa persona? · Jesús: Por supuesto. Se remonta a un año antes de la grabación de "The Shining Harmony Of Universe". Itea y yo estábamos barajando ideas sobre una posible portada, hablábamos de una niña en un acantilado con un vestido ondeando al viento, todo el mar embravecido y tormenta, contrastando la paz y calma de la niña en medio de toda la furia de la tormenta. En torno a eso giraba. Un día, a la vuelta de un concierto, miré el correo electrónico y teníamos un e-mail de Dimitri Elevit, al cual apenas conocíamos de MySpace. En él explicaba que se había sentido inspirado por una de nuestras canciones y había querido crear una ilustración para nosotros en base a dicha canción y lo que le transmitía; adjunta estaba la ilustración, que se convir-


tió inmediatamente en la portada de nuestro disco, aunque todavía faltaba un año. Es increíble cómo captó perfectamente la esencia de lo que queríamos transmitir sin haber intercambiado ni una sola palabra, solamente a través de nuestra música y letra. Imagínate cómo me quedé cuando vi la imagen aquella noche, ja, ja. Debido a sus viajes constantes mantenemos contacto esporádico con Dimitri; sería para nosotros un placer poder contar con su talento para futuros trabajos. EM: Itea, como creo que ya sabes, me confieso un ferviente admirador tuyo. Tu voz es absolutamente grandiosa y especial y sinceramente creo que eres una de las dos o tres mejores voces dentro del Metal mundial femenino. Después de cantar “La flauta mágica ¿Cuál es tu próximo reto? ¿Cuál es la canción más difícil de cantar de todo el disco? Creo que “Requiem for imogen” también se las trae… da la impresión que los temas donde tus tonos son más altos son los más difíciles ¿es así? · ITEA: MUCHAS GRACIAS POR ESA GRAN VALORACIÓN :) EN EFECTO ADEMÁS DE “LA FLAUTA M ÁGICA” LA SEGUNDA CANCIÓN MÁS DIFÍCIL ES “REQUIEM FOR IMOGEN” POR LOS TONOS TAN ALTOS QUE ALCANZA Y PORQUE SE MANTIENE EN ESOS TONOS ALTOS BASTANTE TIEMPO, HAY, POR EJEMPLO, OTROS TEMAS EN LOS QUE ALCANZO NOTAS MÁS AGUDAS QUE EN ÉSTA PERO AL SER SÓLO UN MOMENTO NO ES COMPLICADO LLEGAR, LO DIFÍCIL ES MANTENERSE AHÍ ARRIBA CON LA CALIDAD ADECUADA. ¿MI SIGUIENTE RETO? CREO QUE MI RETO SIGUE SIENDO “LA FLAUTA MÁGICA”, CREO QUE AÚN PUEDO DAR MÁS PARA ESTA CANCIÓN, PERO SIENDO SINCERA CREO QUE NO EXISTE CANCIÓN QUE VAYA A SER MÁS DIFÍCIL QUE ÉSTA EN TODA MI CARRERA Y SI LA HAY LA HABRÁ COMPUESTO ALGÚN LUNÁTICO QUE QUIERA ACABAR CON LAS SOPRANOS, JA, JA, JA. SÍ QUE PUEDO ANTICIPARTE QUE PARA EL SIGUIENTE DISCO UN RETO QUE TENGO PENDIENTE ES HACER CAMBIOS RÁPIDOS ENTRE MIS TONOS MÁS GRAVES Y MIS TONOS MÁS AGUDOS, ES ALGO MUY DIFÍCIL DE HACER PORQUE REQUIERE UNA TÉCNICA MUY BUENA, PERO EN ESO CONSISTEN LOS RETOS ASÍ QUE LO INTENTARÉ.

EM: Itea, dime cinco vocalistas que idolatres o te gusten mucho y los motivos de ello (sino es mucho pedir, he, he, he). · ITEA: TARJA TURUNEN, POR MANTENER SIEMPRE UNA VOZ TAN OSCURA Y PROFUNDA Y POR TENER UNA TÉCNICA LÍRICA TAN PERFECTA, SIMONE SIMOS DE EPICA POR TENER UNA VOZ TAN SUMAMENTE PRECIOSA QUE ME ENAMORA SIEMPRE Y POR SUS MEZCLAS DE TÉCNICAS A LA HORA DE CANTAR YA QUE, NO SÓLO SE QUEDA EN EL LIRISMO, ADEMÁS DE QUE SUS GRAVES Y SU ZONA MEDIA DE LA VOZ SON PERFECTOS, MANDA OPUS DE NEMESEA POR SU PRECIOSA VOZ FINITA Y SUS AGUDOS EXTRAORDINARIOS, ANNLOUICE LOEGDLUND DE DIABLO SWING ORCHESTRA PORQUE QUE YO CONOZCA ES LA ÚNICA VOCALISTA METALERA QUE SEA SOPRANO LIGERA Y SE MANTENGA SIEMPRE TAN FIEL AL LÍRICO Y MARCO HIETALA DE NIGHTWISH POR SUS GRAVES GENIALES DE ESCUCHAR Y UNA VOZ ROTA QUE TE CAUTIVA POCO A POCO. PODRÍA SEGUIR LA LISTA CON ALGUNOS CANTANTES MÁS PORQUE LA VERDAD QUE SIEMPRE HAY ALGO QUE ADMIRAR DE CADA VOCALISTA PERO SI ME LO PERMITES RECOMENDARÍA ESCUCHAR LA VOZ DE C ANO, CANTANTE DE CENTINELA, EN EL DISCO ACÚSTICO QUE HAN SACADO HACE POCO, YA QUE ES UNA MARAVILLA DE VOZ, EL DISCO EN GENERAL ESTÁ MUY BIEN.

EM: ¿Hasta qué punto creéis que un video clip refuerza la promoción de un disco? Habladme de la grabación de “The whisper of rain” porque habéis contado con dos actrices conocidas ¿Qué tal con ellas y la grabación en general? · Jesús: un videoclip es una elemento de promoción muy importante, puedes llegar a mucha gente de esta manera. La experiencia de grabación fue estupenda, llena de anécdotas tanto en el estudio como en exteriores. Las actrices muy simpáticas, cercanas e implicadas; la verdad es que no me lo esperaba de esa manera, al menos no tanto. · ITEA: CREO QUE ES FUNDAMENTAL TENER UNA BUENA IMAGEN PARA TU MÚSICA, Y POR ELLO UN VIDEOCLIP ES IMPRESCINDIBLE, EL EJEMPLO ESTÁ EN QUE SÓLO EL PRIMER DÍA DE COLGARLO EN INTERNET TUVIMOS CASI 1000 VISTAS DE ÉSTE Y A DÍA DE HOY ES EL VÍDEO MÁS VISITADO DE NUESTRO CANAL DE YOUTUBE CON UNA DIFERENCIA ABISMAL RESPECTO A LOS DEMÁS. LA GRABACIÓN CON LAS ACTRICES MUY BIEN, SE NOTABA MUCHO SU PROFESIONALIDAD Y ESO HACÍA SENTIR ALGO ASÍ COMO ”ESTO VA A SALIR BIEN”, SOBRE TODO AL VER A TANTA GENTE TRABAJANDO PARA TU

NIOBETH son: Itea Benedicto– Voz Jesús Diaz– Guitarra Santi Tejedor– Teclado, violín y gaita Alberto Trigueros– Batería

VIDEO Y EL GRAN DESPLIEGUE DE MEDIOS PARA QUE FUESE ALGO GRANDE. ADEMÁS ES UNA EXPERIENCIA MUY DIVERTIDA Y POR MI PARTE ME ENCANTARÍA REPETIRLO NO DE AQUÍ A MUCHO.

EM: ¿Tenéis en perspectiva girar por el extranjero? ¿Habéis tenido alguna oferta ya? · ITEA: SÍ A AMBAS COSAS, JA, JA, JA. HEMOS TENIDO ALGUNA OFERTA PERO AÚN NO HAY NINGUNA FECHA EN EL HORIZONTE NI NADA SEGURO, PERO TAMBIÉN CREEMOS QUE ES CUESTIÓN DE TIEMPO SI LAS COSAS VAN EN CRESCENDO COMO HASTA LA FECHA.

NIOBETH “THE SHINING HARMONY OF UNIVERSE” MALDITO RECORDS WWW.NIOBETH.COM WWW.MYSPACE.COM/NIOBETH

EM: ¿Qué esperáis de la gira con Sirenia del mes de septiembre? · ITEA: AUNQUE YA HEMOS GIRADO POR MUCHAS CIUDADES ESPAÑOLAS PRESENTANDO EL DISCO CREO QUE ES AHORA CUANDO LA GENTE EMPIEZA A TENER UN CONOCIMIENTO MAYOR DE LA EXISTENCIA DE NÍOBETH Y SI A ESO LE SUMAS EL APOYO QUE DA IR CON UNA BANDA DE RECONOCIDO PRESTIGIO CREO QUE MUCHOS SEGUIDORES VENDRÁN A VERNOS EN EL MES DE SEPTIEMBRE, ASÍ QUE SERÁN SIN DUDA UNAS DE LAS FECHAS MÁS IMPORTANTES HASTA EL MOMENTO.

· Jesús: Estamos deseosos de hacer esta gira, sabemos que mucha gente tendrá ocasión de vernos en directo por primera vez y saldremos a darlo todo. Además será genial compartir esta experiencia con los miembros de Sirenia, seguro que lo pasaremos muy bien. EM: Ahora editáis el disco en Japón ¿Qué ha pasado para que sufra un retraso su edición? ¿Hasta qué punto es interesante el mercado nipón para vosotros? ¿El grabar un tema en japonés tiene algo que ver con las intenciones que tenéis puestas en el país del sol naciente? · Jesús: La edición japonesa del disco incluye un DVD con el vídeoclip, el making of y un vídeo de fotos. El retraso ha venido por un error en el primer máster que nos pasó la productora del vídeo, aunque en este momento el máster ya está en Japón funcionando a la perfección y listo para hacer las copias. · ITEA: EL MÁSTER QUE SE DEBÍA MANDAR A JAPÓN NO LO TUVIMOS NI EN LA FECHA NECESARIA NI EN LAS CONDICIONES REQUERIDAS, PERO LO IMPORTANTE ES QUE AHORA YA SE ESTÁN HACIENDO LAS COPIAS EN JAPÓN Y DENTRO DE NO MUCHO SALDRÁ A LA VENTA. PARA NOSOTROS SON IMPORTANTES TODOS LOS MERCADOS DONDE TENGAMOS UN HUECO Y EL JAPONÉS CREO ES UNO DE LOS MEJORES PARA UN GRUPO DE NUESTRAS CARACTERÍSTICAS, ADEMÁS DE ESTO EL SELLO DISCOGRÁFICO RUBICON MUSIC SE ESTÁN PORTANDO GENIAL CON NOSOTROS Y AMBAS PARTES TENEMOS UNAS EXPECTATIVAS MUY ALTAS. E L TEMA EN JAPONÉS NO LO HICIMOS PENSANDO EN ESTO SINO MÁS BIEN POR LA TEMÁTICA DE LA CANCIÓN, AUNQUE HAYA INFLUIDO O NO LO CIERTO ES QUE AHORA LOS JAPONESES OIRÁN MI EXTRAÑO ACENTO ESPAÑOL CANTANDO JAPONÉS, JA, JA, JA.

· Jesús: Desde luego cabe destacar el increíble trato y condiciones que nos está dando la discográfica japonesa Rubicon Music. Estamos deseosos de que llegue el lanzamiento, Japón es un mercado importantísimo y haber llegado allí con nuestro primer disco es todo un honor y una gran oportunidad, además con una edición con tantos extras. EM: ¿Cuál es límite compositivo de Niobeth? Si el primer disco ya suena así … ardo en deseos por saber cómo sonaran los siguientes… · Jesús: No nos gusta ponernos límites y realmente creo que nos queda muchísimo por explorar en ese sentido. Personalmente adoro componer y quiero pasear por todos los rincones de la música de la mano de las musas. Al final, lo que se refleja en la música es lo que llevamos dentro, es importante ser sincero con uno mismo. · ITEA: EL LÍMITE CREO QUE NO EXISTE PARA NOSOTROS, JESÚS ES UN GRAN COMPOSITOR Y PIEZA IMPORTANTE EN ESTE PUZLE Y SU CABEZA DA PARA COSAS QUE NO MUCHOS PUEDEN IDEAR, ADEMÁS DE ESO YO TAMPOCO PONGO BARRERAS A MIS IDEAS COMPOSITIVAS, SI ALGO ES IMPOSIBLE DE TOCAR O CANTAR INTENTAREMOS SER MEJORES MÚSICOS PARA HACERLO LO MÁS PARECIDO POSIBLE A LA IDEA PRINCIPAL, Y ÉSTE ES SÓLO UN EJEMPLO.

EM: Normalmente los músicos graban un disco y por su propia ambición al poco tiempo empiezan a


encontrarle fallos y defectos ¿estáis contentos al 100% de este disco? ¿Qué cambiaríais si pudierais volver atrás? · Jesús: Está claro que si lo grabásemos ahora sería distinto, eso es porque una parte importante de cada disco es el momento único en que está grabado. Quedamos muy satisfechos con el resultado cuando lo terminamos, yo no cambiaría nada porque así es como es “The Shining Harmony Of Universe”, tiene que reflejar el momento en que nació. · ITEA: SIEMPRE CAMBIARÍAS COSAS, YO ADEMÁS SOY MUY CRÍTICA PARA ESO Y ENSEGUIDA SACO PEGAS A TODO, PERO TAMBIÉN CREO QUE SI VOLVIESE ATRÁS LO GRABARÍA TODO EXACTAMENTE IGUAL, EL PRIMER DISCO DE NÍOBETH ESTÁ HECHO CONFORME A LAS IDEAS QUE TENÍAMOS EN ESE MOMENTO Y A LAS CAPACIDADES MUSICALES DE CADA UNO, AHORA HABREMOS CAMBIADO EN ALGUNAS IDEAS O MEJORADOS NUESTRAS TÉCNICAS COMO MÚSICOS, POR ESO UN SEGUNDO DISCO REFLEJA SIEMPRE UNA ETAPA DIFERENTE Y UN TERCERO OTRA DISTINTA Y ASÍ, PORQUE EN CADA MOMENTO TIENES QUE DAR LO QUE PUEDAS DAR. ESO HACE DESDE MI PUNTO DE VISTA QUE SIGAS UN CAMINO ASCENDENTE REFLEJADO EN TUS TRABAJOS Y NO DESCENDENTE.

-EM: ¿Qué está haciendo Niobeth ahora mismo? ¿Habéis empezado a componer nuevo material? Si es así ¿a qué suena? · ITEA: POR SUPUESTO SEGUIMOS ENSAYANDO PARA LOS CONCIERTOS QUE AÚN TENEMOS PENDIENTES DE ESTE PRIMER DISCO Y ESPERANDO ALGUNAS OFERTAS QUE TENEMOS PENDIENTES PARA SEGUIR PROMOCIONANDO ESTE ÁLBUM FUERA DE ESPAÑA. SOBRE LO DE LA COMPOSICIÓN TODOS VAMOS SACANDO ALGUNAS IDEÍLLAS PARA EL SIGUIENTE DISCO. PERSONALMENTE TENGO YA TANTOS TEMAS EN MENTE PARA UN NUEVO DISCO QUE CREO QUE HABRÁ QUE DESCARTAR ALGUNOS Y ESO SERÁ DIFÍCIL.

· Jesús: Aunque todavía es pronto para saber cómo sonará el segundo disco, estamos deseosos de desarrollar las nuevas ideas que tenemos y de ver cómo van cogiendo forma y creciendo. Como dice Itea, hay muchas ideas en desarrollo y tendremos que seleccionar cuidadosamente entre ellas. Eso o sacar un triple CD, ja, ja.

EM: ¿Queréis añadir algo más? · Jesús: Ha sido un placer. Nos veremos en septiembre en Barcelona. ¡Muchas gracias y un saludo para todos los lectores de Empire! · ITEA: MUCHÍSIMAS GRACIAS POR ESTA ENTREVISTA TAN INTERESANTE Y POR TU VALORACIÓN TAN BUENA. ME GUSTARÍA AÑADIR UN PENSAMIENTO QUE TENGO MUCHAS VECES RESPECTO A COMENTARIOS DE FANS Y SEGUIDORES DEL GÉNERO DE METAL CON VOZ LÍRICA. CREO QUE ES IMPORTANTE ACLARAR POR EJEMPLO EN MI CASO, Y CREO QUE SUCEDE EN TODOS LOS GRUPOS COMO NOSOTROS, QUE LAS VOCALISTAS QUE HACEMOS LÍRICO DENTRO DEL METAL NO ESTAMOS HACIENDO ÓPERA, NI SIQUIERA PUEDE LLAMARSE LÍRICO AL 100 POR 100 YA QUE, MUCHOS ADMIRADORES DE LA ÓPERA SUELEN CRITICAR LAS TÉCNICAS QUE USAMOS LAS VOCALISTAS DENTRO DEL METAL, PERO HAY QUE ENTENDER QUE ESTAMOS ENTRE DOS TIERRAS, SÓLO POR EL HECHO DE USAR UN MICRÓFONO QUE AMPLIFICA NUESTRA VOZ LA TÉCNICA YA CAMBIA, PORQUE POR EJEMPLO, NO NECESITAMOS SACAR TANTA POTENCIA PARA LLENAR UN AUDITORIO ENTERO CON NUESTRA VOZ SIN AMPLIFICACIÓN ALGUNA. ADEMÁS ALGUNAS VOCALISTAS MEZCLAMOS A VECES EL LÍRICO CON VOCES MÁS DULCES O MÁS AGRESIVAS, COSA QUE EN ÓPERA JAMÁS SE HARÍA. DIGO ESTO, PORQUE A VECES ES DIFÍCIL PARA VOCALISTAS COMO YO ESTAR AQUÍ, NO PERTENECEMOS AL MUNDO DE LA ÓPERA PORQUE ESTAMOS EN UNA BANDA DE METAL PERO TAMPOCO SOMOS VOCALISTAS DE HEAVY ASÍ QUE CREO QUE NUESTRO ESTILO Y FORMA DE CANTAR DEBERÍA SER MEDIDO EN BASE A LO QUE HACEMOS Y NO A UNA TÉCNICA DE ÓPERA NI COMPARADA POR EJEMPLO CON UN VOCALISTA DE HEAVY METAL COMO LEO. CREO QUE ESTA EXPLICACIÓN ES MUY IMPORTANTE PARA LOS SEGUIDORES ESPAÑOLES QUE AÚN NO TENEMOS CLARO EL CONCEPTO DE LO QUE SIGNIFICA UN GRUPO COMO NÍOBETH. MUCHAS GRACIAS POR DEJARME EXPRESAR MIS IDEAS Y POR TODO. UN ABRAZO PARA TODOS LOS SEGUIDORES. ¡NOS VEMOS EN LOS ESCENARIOS!

Marc Gutiérrez No te pierdas a Niobeth de gira con Sirenia: 17/09/2009– Barcelona– Sala Salamandra 18/09/2009– Alicante– Nave 8 19/09/2009– Madrid– Sala Caracol 20/09/2009– Bilbao– Kafé Antzoki


Vi

go ha dejado de ser la tierra prometida para el Rock. No solo de Los Suaves viven

los gallegos. Después de varios lustros sin que el Hard Rock tuviese un lugar de peso en la escena por fin ha llegado el momento de girar las tornas. La revolución ha llegado y The Mirage son los encargados de llevarla a cabo.

Mandi García nos pone en situación, nos cuenta la actualidad del grupo, sus miras de futuro y acabamos hablando de futbol en un época tan propicia para ello… esperemos que a final de temporada Espanyol y Celta bailen al son de “No soy diferente a ti”. Hard Rock, Sleazy, Rock N’ Roll… todo tiene cabida en “revolución”…

Welcome to the jungle, baby!!!


EMPIRE (EM): Escuchando vuestro primer trabajo me queda claro que no acabáis de llegar a esto de la música ¿podéis contarnos algo de vuestro pasado musical? MANDI GARCÍA (MG): Es cierto, esta no es la 1ª experiencia para ninguno de nosotros, todos llevamos en la espalda muchas horas de ensayos y conciertos en otras formaciones y creo que este bagaje ha sido fundamental para que el avance de la banda sea más rápido. Los primeros pasos los hemos dado por separado y eso nos lo hemos ahorrado, así que lo aprendido ha venido a sumar. De todas formas es difícil encontrar a la gente adecuada y con la misma visión. Hemos pasado por muchas experiencias para llegar aquí y el haber estado ahí durante todos estos años ha tenido la mejor recompensa que es formar parte de The Mirage con todo lo que ello significa. EM: Lleváis dos discos grabados pero desde el principio se os ve con las cosas muy claras y ya en “Viviendo Rock N’ Roll” empezasteis a definir vuestro estilo ¿teníais claro ya desde entonces que The Mirage no era solo una banda con la que crear música por simple diversión? MG: Por supuesto, nuestra intención ha sido siempre apuntar alto y trabajar duro para ello y esta filosofía es la que impera dentro de la banda. No cabe duda de que nos divertimos, o de lo contrario no tendría mucho sentido, pero nos vemos con ganas de hacer oír nuestra propuesta en todas partes, no nos importan los giros que dé la industria o la propia vida y tenemos claro que amamos lo que hacemos. Soy muy optimista con respecto al crecimiento de nuestra banda. Tenemos la mentalidad muy abierta para poder pensar que nuestra música pueda llegar a cualquier tipo de oyentes y encontrarles el punto, la energía y el corazón con las que fueron compuestas. Queremos darle al nuevo disco “rEVOLUCIÓN” lo que se merece y encontrar un público que conecte con nuestra forma de entender la música. EM: Cuando recibí “rEVOLUCIÓN” me dejó asombrado su presentación en formato Digibook repleta de grabados y un libreto interior de gran calidad con fotos muy buenas ¿hasta qué punto creéis que la presentación es importante para vender un disco?

MG: The Mirage siempre ha cuidado los detalles en todo lo que ha hecho dentro de sus posibilidades. Teníamos claro que el art-work tenía que estar a la altura del contenido y por ello apostamos por algo que nos hiciera sentir bien. Creo que el resultado final hace justicia a lo que significa este álbum para nosotros, hay que reconocer la labor de nuestro bajista Tito que ha realizado un excelente trabajo de diseño y maquetación para el digi-book. Además sabemos que la gente que compra música habitualmente gradece nuestra visión. Nosotros como fans de la música y compradores de discos compulsivos, también disfrutamos de los discos de nuestras bandas favoritas cuando están bien trabajados en todos los sentidos, carpeta, fotos interiores... Creo que la gente que se haga con una copia de “rEVOLUCIÓN” se llevará a su casa un trabajo hecho a conciencia en todos los aspectos. Podemos pensar que, si tú lo has apreciado, Marc, los seguidores de Rock podrán valorarlo también. EM: En general las canciones son bastante ágiles, frescas y sobretodo naturales en tanto en cuanto no hay nada forzado o metido con calzador ¿estáis de acuerdo conmigo? MG: Totalmente de acuerdo Marc. Nuestro productor Will Maya nos ayudó mucho en este aspecto, dando a la banda una visión exterior que creo que era totalmente necesaria, y más tratándose de un profesional de su talla. Trabajamos juntos productor y banda para arreglar nuestras composiciones y buscar las estructuras, los arreglos y todo lo que fuera necesario para que las canciones cogieran su punto adecuado. Las hemos cocinado lenta mente y poniéndole o quitándole lo que creímos oportuno siempre dentro de un consenso, probándolo absolutamente todo. Fue muy enriquecedor y una lección más que cargar en nuestras mochilas. Me alegra que lo hayas podido ver y espero que tu opinión pueda ser la de mucha gente.

EM: Vuestro sonido tiene mucho de americano sobretodo en el uso de las guitarras ¿estáis de acuerdo? ¿Qué bandas os han influencias desde aquella mágica hornada de bandas ochenteras? MG: Sí, creo que el sonido de guitarras de Fran y de David es puro Hard americano. Me encanta escucharlos tocar, como suenan, creo que son responsables de un porcentaje alto de lo que es The Mirage en el aspecto del sonido, desde luego. Todos los del grupo somos amantes de este rollo, ya sabes, Van Halen, Aerosmith, Motlëy Crüe, Tesla, Kiss etc. Hemos crecido con este concepto de entender el rock (diversión, buena música y una gran dosis de actitud y de energía). En definitiva, “Canciones y Emociones”, como hemos decidido llamar a nuestra cover de “Song and Emotion” de Tesla que solemos hacer en nuestros shows en directo. EM: Cuando un disco cae en mis manos me gusta leer el libreto casi antes de escuchar el disco y cual ha sido mi sorpresa cuando leo en el apartado de agradecimientos, y en primer lugar el nombre de Valery Karpin, que era el jugador del Celta, entre otros ¿Qué relación os une a él y que ha tenido que ver con The Mirage y “rEVOLUCIÓN”? MG: Este es un punto que hay que concederle al 6º The Mirage Tino Valadares, nuestro manager. ES un viejo amigo que se enamoró de nuestra música y de la banda desde el primer concierto, y tal fue su entusiasmo que decidió echar una mano en todo lo que estuviera en su mano. Pensamos que el mejor manager que se puede tener es un amigo que crea en tus posibilidades como artista y en eso Tino es el mejor de los mejores. Tino sintió que el grupo necesitaba crecer y nos inyectó su energía. Necesitábamos dinero para poder traer nos a Will como productor y grabar en las condiciones en que lo hicimos y el movió sus contactos. Supo venderle a Valery Karpin lo que es The Mirage y el ruso enten dió nuestra filosofía a la perfección, muy similar a su actitud rebelde en los terrenos de juego, dicho sea de paso. El resto es historia, él nos financió el disco y nosotros siempre le mostraremos nuestro agradecimiento. Ojalá (como bien decía Tito hace días en una entrevis ta) la gente con posibilidades económicas invirtiera más en cultura que en fiestas. Sin los Medi cisno habría Miguel Ángel, ser mecenas era muy “cool” en aquellos tiempos y a mi me lo sigue pareciendo.


EM: El pasado 4 de julio hicisteis un concierto acústico ¿Qué tal resultó la experiencia de llevar los nuevos temas a ese nuevo formato? MG: Esto es algo bastante habitual en The Mirage casi desde el primer día. Hemos realizado muchos conciertos en este formato donde yo particularmente me siento muy cómodo. Me gusta ver como respiran las canciones con otros arreglos, ritmos o melodías alternativas, ya sean nuestras canciones o versiones. Me dan otra visión, explorando un lado de la banda que creo que hay que conocer porque es parte de ella. No hay nada forzado en estos shows, el concepto original que te comentaba antes (energía, actitud, etc..) no se pierde y eso me hace sentir lo bien acompañado que estoy en este viaje. No descartamos hacer un pequeño set acústico para nuestros conciertos de presentación de rEVOLUCIÓN por todo el país. EM: El Hard Rock nacional tiene ahora mismo dos grandes nombres, en mi opinión, que están poniendo esto patas arriba como son Bad Way y vosotros ¿os conocéis? ¿Qué te parece su música? ¿creéis que ambos podéis ser el referente de una nueva hornada de Hard Rock en España? MG: La verdad es que no nos conocemos, no. Conozco su nombre pero no he tenido oportunidad de escucharles. Tan pronto acabe la entrevista le pondré remedio. Si tú me los recomiendas seguro que merecen la pena. Ves, este es el tipo de historia a la que hay que ponerle solución. Tenemos que intentar que nuestros grupos tengan la oportunidad de ser escuchados por los amantes del rock y en este aspecto hay que trabajar muy duro, creo que es fundamental para la buena salud del rock nacional. En cuanto a tu segunda pregunta te digo que esa es nuestra intención. Queremos abrir el Hard Rock a un público que no le ha dado oportunidades a bandas nacionales que siguen la estela de otros como Aerosmith o Bon Jovi, que en cambio sí son escuchadas en nuestro país. ¿Qué hay que hacer para solucionar esto? Cuanto menos estar ahí día a día, canción a canción y ser cada día mejores cada día para competir y decirle a todos aquellos que hoy en día nos cierran las puertas por prejuicios musicales y demás, que nosotros creemos en lo que hacemos y que el rock en España necesita bandas como la nuestra, Bad Way o tantas otras que llevan la buena música en las venas. EM: Creo que habéis iniciado vuestras relaciones con el mercado japonés. Contadnos como ha surgido el tema y como veis la posibilidad de promoción y de tocar allí…

MG: Es anecdótico pero no deja de ser grande que unos aficionados al Hard Rock en Japón se interesen por nuestra banda y se hagan con los discos. Ello nos hace pensar que podemos llegar a cualquier ser humano y nos cobfirma que no estamos equivocados creyendo ciegamente en nuestra propuesta. El disco se podrá encontrar a la venta en cuestión de días a través de la tienda www.rockavenuerecords .com. Si existiese alguna posibilidad de promoción y de actuar fuera de nuestras fronteras creo que habría muchas posibilidades de decir sí. ¿Te imaginas? “The Mirage : one night at Budokhan!” EM: Personalmente me agrada, y mucho, que las bandas canten en español. No por un tema patriótico ni por entender lo que dicen sino más bien por mantener nuestra lengua y nuestra cultura dentro del terreno del Metal… pero ¿hay posibilidad de grabar una nueva versión del disco en inglés para el mercado internacional o va a salir en español? ¿de cara al futuro seguiréis manteniendo la lengua de Cervantes? A mi también me agrada escuchar bandas cantando en español, creo que nos diferencia de las bandas que cantan en otros idiomas y además España tiene una tradición importante que no creo que se vaya a perder. Tampoco creo que pasemos nuestras canciones al inglés, no se me ha pasado por la cabeza, ni creo que las nuevas composiciones se canten en otra lengua que no sea la que utilizamos, nosotros incluso solemos adaptar al castellano las covers que hacemos. En ese aspecto somos defensores del Rock en nuestra lengua, y hay ejemplos que nos dan la razón. Por ejemplo, a los fans alemanes de Héroes del Silencio les importaba un huevo que Bunbury cantara en castellano y quizás para muchos de ellos era ahí donde radicaba alguno de sus encantos. De todas formas, en el inicio de The Mirage nos planteábamos en que idioma expresarnos pero enseguida vimos que el inglés no es lo mío. Creo que debemos de tener alguna cosa registrada en la lengua de Shakespeare o por lo menos intentándolo, jaja EM: Hablando de futbol ¿Cómo veis la nueva temporada? Si sois del Celta espero que subáis, unos históricos como vosotros no merecéis estar en segunda… (vaya por delante que yo soy del Espanyol) MG: Bueno, en la banda no se habla mucho de fútbol, el único realmente interesado soy yo, que llevo más de 20 años siendo socio del R.C.Celta.

Esto del fútbol ha perdido toda la magia y el romanticismo que yo entiendo debiera tener. Solamente el amor irracional a unos colores puede salvar esta locura de CR7 y compañía. Para mi hay una similitud entre amar el Rock y a un club como el Celta o el Espanyol, sabes que tendrás que plear duro para sacar la cabeza y ese estigma te hace ser quien eres. Es como la vida misma...adoro ver como David se come a Goliath de vez en cuando. Ojalá se cumplan tus palabras y pronto volvamos a 1ª. Quisiera aprovechar para dar el pésame a la familia “perica” por la pérdida de vuestro capitán y desearos la mayor de las suertes para este año, tenéis un gran entrenador. EM: Hoy día, la autoedición es el mejor modo de salir adelante con una banda pero ¿Qué virtudes e inconvenientes tiene esto? Seguro que hay muchos chavales empezando que necesitan información sobre ello ¿Qué les diríais? MG: La autoedición es una medida que tenemos que adoptar muchas bandas que intentamos salir adelante puesto que no es un buen momento para que las compañías te presten la atención suficiente como para mover el culo por ti. Realmente en España, hay muy pocas compañías que puedan ofrecer algo que no puedas hacer tú mismo, asi que nosotros optamos por tener el control de todos nuestros movimientos sin preocuparnos de nada de lo que nos rodea. Es cierto que todo este trabajo lleva mucho tiempo incluso para conseguir absolutamente nada en ocasiones, aunque siempre van saliendo cosas interesantes que saben mucho mejor al saber que las has conseguido por tu propia mano si depender de nada ni de nadie. Así que, a los chavales que empiezan...realmente no soy nadie como para soltar discursos pero sí que les puedo decir que como no lo tengan claro ellos mismos que se olviden del tema. Han de tener las cosas claras y creer en lo que hacen y han de saber que le pueden llover críticas por ese simple hecho...simplemente tienen que saber decir...¡ que os den por culo a todos! Yo sigo mi camino. EM: Curioso el título del disco mezclando las palabras revolución y evolución ¿Cuál será vuestro siguiente paso para revolucionar vuestro sonido? MG: No lo sé, la verdad, cuando iniciemos el proceso de composición se verá en que punto estamos, creo que la revolución en The Mirage


es posible, a través de esa evolución individual y colectiva de cada uno de nosotros. Son muchas las buenas vivencias y experiencias que hemos ido atesorando, y si te soy sincero estoy deseando absorber la energía de mis compañeros para crear y crecer juntos, este grupo funciona retroalimentándonos los unos a los otros y necesita tiempo para crecer y desarrollarse como antiguamenten se hacía con bandas similares a la nuestra. EM: Seguro que estáis componiendo temas o sacando nuevas ideas ¿seguiréis la misma línea o habrá cambios? MG: La verdad es que todavía nos hemos puesto a trabajar en nada nuevo porque queremos centrarnos en rEVOLUCIÓN. Queremos darle todas las oportunidades que creemos que el disco merece hasta que se agoten...entonces empezaremos a darle forma a una buena cantidad de ideas que tenemos pero que aún no nos hemos puesto a madurar.

EM: ¿Queréis añadir algo más? MG: Sobre todo Marc, queremos mostrarte a ti, nuestro más sincero agradecimiento por el interés que has puesto en nuestro trabajo y por supuesto por esa labor que haces al frente de tu revista. No todo lo que reluce es oro y hoy por hoy ningún medio especializado da oportunidades a bandas como la nuestra para promocionarse sin pedir nada a cambio como lo hacéis vosotros, en este país por desgracia hay que pasar por el aro previo pago en todas partes. Por nuestra parte, haremos todo lo posible para que sean ellos quienes vengan a llamar a nuestra puerta...quien sabe! ¡Un saludo para todos los lectores del Empire Zone Magazine, la rEVOLUCIÓN llegará a vuestra ciudad muy pronto y allí esperamos veros! THE MIRAGE “rEVOLUCIÓN” Autoeditado Www.themirage.es Www.myspace.com/themirageband


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EMPIRE SABEMOS QUE LOS INICIOS NO SON FÁCILES

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Empire Magazine (EM): Cuando recibí vuestro promo y lo escuché, estaba del todo convencido que erais guiris y no de Alcalá de Henares. Que bueno que en la música todavía existan cosas que sorprendan de verdad. ¿os lo han comentado mas veces? Jesús Filardi (JF): Mentiría si te dijera que no. Básicamente se debe al conocimiento del inglés. Me crié en Toronto donde el inglés se convirtió en mi primer idioma. Vivimos 10 años en Canadá y eso te cala, lo quieras o no, hasta los huesos. Para bien o para mal la cultura americana está presente en mis venas, aunque rebajada en parte debido a los 35 años que llevo viviendo en España. Jose Bautista es del Prat de Llobregat (Barcelona) pero se vino a Alcalá hace un montón de años y juntos llevamos las riendas de Galadriel. Los técnicos que nos grabaron el disco se lo enseñaban a otros músicos cuando no estábamos en el estudio y todos creían que se trataba de una banda inglesa o americana. En Galadriel intentamos sorprender a cada paso que damos. EM: ¿Es verdad eso de que los músicos de progresivo son bastante excéntricos y ahí radica el potencial de su creatividad, o en España ese es un lujo que no os podéis permitir? JF: Los músicos en general tenemos un punto de rebeldía crónico que te acompaña hasta el último día de tu existencia. Considerémoslo como el motor de nuestra actividad creativa. Nuestra cabeza siempre está en otra parte y ésa ausencia puede parecer algo extremo a veces de cara a los demás. Me temo que es muy difícil separarlo del resto, mi mujer lo lleva intentando más de dos décadas y aun le cuesta una barbaridad. EM: Vuestro nuevo disco es tan variado, que a veces cuesta seguirlo. Con el fin de que se pueda llegar a valorar objetivamente, ¿Cómo recomendáis que se escuche y bajo que circunstancias? JF: Recomiendo escuchar nuestra música con cascos, al menos las primeras 50 veces. El universo tímbrico que desplegamos es infinito, el oyente se lo puede pasar realmente pipa atendiendo a un

sinfín de detalles que van y vienen como un torbellino. La música de Galadriel es un viaje constante e interminable. No hay fronteras, por eso quizás al principio cueste seguirlo. Pero con el tiempo uno va sacándole más y más matices. Perderás la noción del tiempo cuando escuches uno de nuestros discos. Métete en las canciones, ataca los textos (por cierto, en dos idiomas) y olvídate de todos los clichés que conoces hasta ahora. Galadriel es una ventana a otra dimensión. EM: ¿Dónde habéis grabado “Calibrated Collision Course”, como, quién ha producido, masterizado, etc? JF: El 90% del disco se grabó en nuestro propio estudio “A Different Angle”. Traíamos a un técnico del calibre de José Dalama y él nos guiaba. Nos grabó la batería, el bajo y algunas guitarras. De los teclados nos ocupamos Jose y yo, secuenciándolos y colocando efectos, panoramizándolos, produciendo y arreglando. Para los pianos exigentes contamos con Santi Perez, un excepcional músico que se dedica a los musicales. Fue director musical de Cats, La Bella y la bestia etc… La fase final, con grabación de voces principalmente, se grabó en Dalamix, un estudio espectacular propiedad de José Dalama. Los hermanos Felipe y Juan Guevara nos grabaron las voces a Andy Sears y a mi, además de alguna guitarra suelta. Felipe después mezcló el álbum. El trato en Dalamix fue exquisito. La predisposición de todos con nuestro proyecto sobrepasó nuestras expectativas. A continuación entregamos nuestro disco al inglés Simon Heyworth, quién lo masterizó. Simon es una leyenda dentro del mundo del rock: fue uno de los dos técnicos que grabaron a M.Oldfield su “Tubular Bells”. EM: ¿Si humildemente tuvierais que compararos con una banda a la que considerar vuestra máxima influencia e inspiración, quién sería la elegida? JF: A estas alturas de la película lo que perseguimos es no parecernos a nadie en ningún sentido. Es muy importante deshacerse de las influencias y apostar por uno mismo. Solamente así consigues

un verdadero reconocimiento a tu carrera. Los grupos que nos inspiraron de los ’70 nos dieron las líneas maestras de cómo tiene que ser un grupo, pero a partir de ahí estás solo con tu equipo y con tu música. Tu camino te lo has de abrir sin más ayuda que tu confianza en ti mismo. EM: Y la pregunta obligada ¿a vosotros el tema de descargas por internet que tal va, bien, mal o ni fu ni fá? JF: Aun a pesar de que me llamen de todo, tengo que decir que las descargas hacen más mal que bien. Las cifras que he recibido de las primeras ventas de “CCC” son bastante inferiores a las que solíamos obtener cuando sacábamos años atrás un disco nuevo. Lo de hacerte con algo, por la cara, sólo porque la tecnología te lo permite no me parece bien. Si eres de los que piensan que antes las casas de discos se forraban con precios abusivos en sus CD’s, cuando te bajes un CD ahora, mándale lo que creas que se merece el músico, que son 3 euros, mándaselos directamente; que son 4’5 euros, lo mismo, algo que reciba el músico por todos los años que le ha costado hacer el disco. Lo que ocurre es que lo queremos GRATIS TOTAL porque nos creemos más guapos que nadie, y eso no puede ser. España es uno de los países donde más piratería hay, es un tema cultural, somos así de chorizos, menos cuando nos quitan algo a nosotros claro, entonces nos jode. Nos queda mucho por aprender. EM: De lo que no cabe duda es de la calidad de vuestra música, pero, ¿Cuál es vuestra idea, llegar a un público global, especializado o solo a aquel que realmente se tome la molestia de entenderos y escucharos? JF: Creo que tenemos el potencial de llegar a diferentes personas. Obviamente nuestro primer mercado es el progresivo tradicional, pero a medida que hemos enseñado nuestra música a otra gente hemos descubierto que a algunos les ha llamado la atención. Sobre todo en directo. Creemos que Galadriel puede tocar el corazón a mucha más gente de lo que hace ahora, es básicamente un

GALADRIEL El R

ock Progresivo está de enhorabuena con el lanzamiento de “Calibrated collision course”, el nuevo lanzamiento de Galadriel. El veterano duo de Alcalá de Henarés está consolidaddo como uno de los grandes nombres del género y ahora vuelven a demostrar cuales son sus virtudes. Su talento vislumbra más allá de nuestras fronteras. Jesús Filardi nos pone al corriente de la actualidad de Galadriel...


tema de promoción y de colocarnos en los lugares donde podamos tener más proyección. Si estamos en el menú la gente nos puede pedir, pero si no estamos pedirán otra cosa y ni siquiera sabrán lo que se están perdiendo. EM: He visto que tenéis fechas europeas para presentar el disco, además de telonear a Mike Pointer en Barcelona para Diciembre. Al menos a efectos de galas, ¿la cosa pinta bien no? JF: La perspectiva inmediata es prometedora pero no exenta de grandes sacrificios. Las galas que vamos a hacer próximamente entran dentro del plan de promoción en la que la banda está invirtiendo desde hace varios meses. Las salas han cambiado su forma de contratación si la comparamos con el pasado. Eres tú el que alquila la sala ahora y te llevas lo que eres capaz de recaudar en la taquilla. La sala se blinda, ya no se arriesga a nada. La banda tiene que correr con todos los gastos. Si no hay apoyo financiero (como es nuestro caso) nuestro directo puede limitarse mucho me temo. Ahora depende de la gente que quiera venir a los conciertos, es una gran y jodida incógnita. EM: ¿Habeis pensado que el próximo disco tiene que ser igual de bueno, como poco, que este “Calibrated Collision Course”?, ¿hay presión a este respecto? JF: El listón que Jose y yo tenemos es muy alto. No creo que lo que hagamos en el futuro siga un camino diferente en términos de calidad compositiva o de producción. Nos encanta mimar el sonido de lo que sacamos. Estoy seguro que los futuros discos de Galadriel no defraudarán, nos gustan las cosas bien hechas. Otra cosa es que te guste el estilo de los nuevos temas. Intentamos no repetirnos, por eso para algunos, puede parecerles que no somos demasiado sinfónicos si se nos compara con nuestro primer disco. Hay gente que sólo quiere algo muy delimitado y de ahí no salen. Galadriel avanza a pasos agigantados atreviéndose con perspectivas innovadoras. No hay presión sobre nuestras cabezas, haremos como siempre: la música que nos venga en gana. EM: Me han comentado que fuiste disco de la semana en el programa de Pilar Tabares (la ex jurado de la primera edición de OPERACIÓN TRIUNFO) en RNE. Necesitamos grupos como vosotros para conseguir que el rock deje de ser sectario a nivel de grandes medios de comunicación… JF: Estamos encantados y agradecidos de la respuesta que hemos tenido en el programa de Pilar. La verdad es que no sabíamos que tipo de reacción podrían provocar nuestras canciones. Nunca hay que perder la esperanza, la música es un arma muy poderosa. Próximamente haremos un acústico en su programa, en cuanto aclaremos el tema de las agendas, posiblemente para Septiembre. Va a ser un reto para nosotros hacer acústicamente tres temitas de Galadriel.

EM: ¿Qué le diríais al entendido que, con buena voluntad y objetividad, os recomienda que os vayáis a vivir fuera para tener más posibilidades con vuestro proyecto? JF: España es nuestro país y es aquí donde tenemos que librar la batalla. Si con el tiempo aparecen opciones en el extranjero, intentaremos aprovecharlas. Pero, siendo un grupo español como somos, tenemos que mostrar nuestro producto aquí y ahora. Para eso estoy escribiendo las letras de las canciones en castellano y en inglés año tras año. Lo que tenemos que decir gusta a la gente que me rodea, lo sé. Están a nuestro alcance y a más de uno les tocamos en el corazón, a partir de ese momento son nuestros, nos siguen con el paso del tiempo. Son extraordinariamente fieles. EM: Define con pocas palabras “Calibrated Collision Course” JF: Rumbo de Colisión Premeditado. Apuntando al ojo del huracán. Haciendo caso omiso de la distracción a nuestras espaldas. Buscando el equilibrio en mitad del caos.

ción. Ahora hay que aguantar la posición, hacer más discos y comprobar hasta dónde somos capaces de llegar. EM: ¿Cómo podemos comprar el disco?, ¿el fondo de catálogo?, ¿vuestro merchandising?... JF: Escribiendo a nuestra página: www.galadrielmusic.com Contactando con Musea, Top Artists Promotion, tiendas especializadas y pronto en tiendas el Corte Inglés. EM: Y para ese promotor visionario que ve en vosotros el futuro de la música, ¿como puede localizaros para llevar a cabo la contratación? JF: Le esperamos con los brazos abiertos en nuestra página web o en Top Artists Promotion. EM: Suerte. JF: Muchas gracias. Azucena Peñarol

EM: Desde una perspectiva actual, ¿como ves los tres anteriores trabajos de la banda?, ¿Qué supusieron a nivel internacional? JF: Los discos anteriores fueron trabajos concienzudos. En ellos aprendimos todo lo que sabemos hoy. Han sido nuestro trampolín y nuestra escuela. Toda banda tiene un recorrido en el que va afinando cada vez más. El trabajo constante repercute en el músico. Es en realidad el mayor de los triunfos. Con cada peldaño uno se hace más fuerte, no sólo como banda, sino individualmente. Internacionalmente fueron nuestra tarjeta de presenta-

GALADRIEL "CALIBRATED COLLISION COURSE" AUTOEDITADO WWW.GALADRIELMUSIC.COM WWW.MYSPACE.COM/GALADRIELBAND


DISCO DEL MES PARADISE LOST “FAITH DIVIDES US… DEATH UNITES US” Century Media

“La fe nos divide… la muerte nos une”… sin duda un titulo de carácter reflexivo al tiempo que lo es también el cariz musical en el cual navegan los británicos. Después de divagar entre manidas ideas de progreso de escaso sentido musical el quinteto lleva años queriendo regresar a sus raíces, a aquel Gothic Metal innovador y primigenio de “Shades of God” o “Icon” con mas o menos fortuna. 2009 se presenta como el año definitivo para la banda pues “Faith divides us… death unites us” supone el regreso definitivo, tras varios esfuerzos fallidos, de recuperar el trono del genero que ellos crearon y temas como “First light” así lo atestiguan. Resulta sintomático que poco a poco que Nick Holmes y Greg Mackintosh se hayan vuelto a dejar crecer la melena pues con ella parecen haber recuperado la fuerza. El desarrollo de “Frailty” la convierte en una de las piezas mas intensas que los de Halifax han compuesto en diez años mientras que las voces de Holmes recuperar el sello de “Draconian times” o “Icon”. Claro, que para Metal Extremo “The rise of denial”, con voces guturales incluidas… ver para creer… y aun recuerdo cuando la banda giraba en torno a la electrónica… cada uno tiene que hacer lo que sabe hacer y Paradise Lost demuestran con este disco que no se habían olvidado de tocar. Quien sabe si la mini gira junto a My Dying Bride y Anathema habrá revuelto sus conciencias. Sea lo que sea, bendito sea!!! Si quieres recuperar a los viejos Paradise Lost, si quieres volver a escuchar a los maestros del Gothic Metal y dejarte de sucedáneos compra “Faith divides us… death unites us” y déjate envolver por la vieja forma de hacer música de los años noventa. Gracias Paradise Lost por regalarnos uno de los mejores discos de 2009. Obra maestra!

9.5

Marc Gutiérrez

JOE BONAMASSA

THE NAME

VV.AA.

SUFFOCATION

“THE BALLAD OF JOE HENRY”

“DEAD LETTERS”

“ULTIMATE EUROPEAN METAL”

“BLOOD OATH”

Provogue Records / Top Artist Promotion

Autoeditado / Sube un escalón

Avispa Music

Nuclear Blast / PIAS España

El neoyorkino Joe Bonamassa regresa a la actualidad dos años después de su última grabación de estudio “Sloe gin”. El bueno de Joe nos regala un trabajo que se debate entre el Blues y el Rock y entre las influencias yankees de BB King, Steve Ray Vaughn o Buddy Lee y las inglesas de gentes como Jeff Beck o Jimmy Page. Así las cosas, el resultado final resulta de gran calidad, especialmente el título que abre el disco “The ballad of Joe Henry” y que desemboca en “Stop!”. El problema de este disco es que se hace demasiado largo. No desmerece el virtuosismo de Bonamassa pero deja para el final piezas lentas en lugar de combinarlo con algún momento más roquero. La evolución sonora de los temas degenera del Rock al Blues irremediablemente. Quizá por sus influencias, quizá por su condición, su éxito está más centrado en Inglaterra donde ha colocado, a su salida, con éste, tres discos entre los 50 más vendidos mientras que con “The ballad of Joe Henry” despega en Estados Unidos. Joe Bonamassa es ya uno de los nuevos iconos del Blues.

El País Vasco ha pasado por ser siempre una tierra prolífica en cuanto a bandas de Metal y The Name son su nueva realidad. No son neófitos en esto de la música pues llevan un tiempo dando qué hablar. Mientras componen los temas que aparecerán en su tercer larga duración, Sube un Escalón nos hace llegar un promo cd con temas de sus dos anteriores trabajos, “...As we are” y una maqueta. La banda se mueve en unos derroteros que cabalgan entre el Hard y el Heavy de alta factura aunque pierden algo de consistencia con los constantes cambios de idioma, pasando del español al inglés. Imagino que en su próximo disco completo tendrán en cuenta este aspecto y que aquí quede olvidado a ser un compendio de canciones. A destacar “Aún sigo ahí, “Invisible” y “I feel your life” en los que se ve a una banda que apuesta por sonidos más pegadizos y en los cuales alcanzan su máxima expresión. Si alcanzan la consistencia necesaria en su formación, potencian sus virtudes y se definen con el idioma serán un grupo a tener muy en cuenta próximamente.

Con esto de los recopilatorios hay que ir con pies de plomo pues pueden contener material interesantes o ser monotemáticos, lo cual está bien o pueden ser lanzamientos trampa, como este Ultimate European Metal. Lo que aquí se contiene son doce canciones de muy diversos estilos. Desde el metal cklásico de Doro o Grave Digger a la experimentación de Nahemah, pasando por el Thrash de Tankard o Destruction y el Metal más extremo de Nightrage o Deadlock. Total que Avispa se saca de la manga un disco con temas de discográficas extranjeras a las que distribuye en España y todo se queda en casa. Este tipo de acciones implican discos mediocres que no aportan nada ni a la industria, ni a los fans ni a las tiendas de discos. Con una industria en crisis resulta casi imperdonable editar este tipo de trabajos. Claro, así va como va la cosa… Destinado a que lo regalen en la venta por catálogo por un importe de compra mínimo. Házte con los discos de todas las bandas que aquí aparecen pero no compres este disco a menos que seas neófito en el Heavy Metal.

Los deathmetaleros neoyorkinos Suffocation están de vuelta y lo hacen con un pelotazo como es este “Blood oath”. La banda que lideran Frank Mullen y Torrence Hobbs vuelve por donde solía, a grabar temas de puro Death Metal técnico, pesado, denso y agresivo como solo ellos saben hacer. “Prey for forgiveness” o “Provoking the disturb” son clares ejemplos de ello. Desde que les viera en 2007 tocando en Wacken he esperado este nuevo trabajo y ciertamente supera mis expectativas. Que nadie se engañe, tampoco estamos hablado de “”Effigy of the forgotten” o “Pierced from within” pero sin duda mantienen un nivel que muchos querían para sí. Resulta destacable la labor de Mike Smith a la batería tocando con una precisión que para sí quisieran los relojes suizos y a un ritmo que no necesariamente alcanza el doble bombo. Nuclear Blast ha encontrado un buen filón con ellos hasta el punto que se han colado en el Top 100 del Billboard americano en su primera semana en la calle ¿comerciales? Escucha “Blood oath” y entenderás que la esencia del Death Metal sigue en Estados Unidos. Brutal!!!

6.5

6.5

S/C

8.5

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez


ALESTORM

NOCTEM

“BLACK SAILS AT MIDNIGHT”

“DIVINITY”

Napalm Records

Noise Head Records

Los escoceses Alestorm regresan a la actividad discográfica sin apenas descanso. No han parado ni un instante desde que editaran su primer larga duración “Captain Morgan’s revenge”. Son conscientes que esto del Folk Metal es una moda que tarde o temprano volverá al underground por mucho que lo mezclen con elementos piratas. Estos Running Wild del siglo XXI, con mucha esencia festiva y bastante poco de Heavy Metal se sacan de la manga un disco brillante como “Black sails midnight” que supera ampliamente a su predecesor. La inicial “The quest” tiene un estribillo extremadamente sospechoso y si tarareas el “Somewhere out in space” de Gamma Ray no desentonas un ápice. Rápidamente las teclas y acordeón empiezan a hacer de las suyas mientras los riffs cabalgantes desembocan en una esencia eléctrico festiva que engancha a la primera. No hay tregua. Incluso la instrumental “No quarter” te mantiene en vilo. “Keelhauled” huele a Finntroll y “To the end of our days” pone el contrapunto melodramatico que mantiene la esencia épica de su propuesta. Que nadie pare el disco por la mitad porque la fiesta que montan en “Wolves of the sea” es realmente espectacular e increíble. “Black sails at midnight” es un trabajo muy completo que les va a aupar a los primeros puestos de la lista de realidades épico-folklorikas por méritos propio. Tremenda banda la que tiene Napalm entre manos, esperemos que les dure muchos años. Ya se han instalado en todos los medios y en toda Europa. Sígueles la pista. No defraudan.

Tras largo tiempo escuchando hablar de estos valenciano, por fin Noctem editan su primer larga duración. Después de dos demos “Unholy blood” y God among slaves” y un disco en directo en 2004 llega la hora de “Divinity”. Una introducción osquestal, fúnebre y decadente da paso a un torbellino endiablado de blast beats, multitud de registros vocales, atmósferas sobrecogedoras y unos temas que se desarrollan de forma natural. Es casi imposible encasillar a Noctem pues su danza de la muerte se mueve entre el Death y el Black, con muchos matices y detalles que les llevan a orquestalizar el tema que da título al disco y a incluir, por ejemplo, pasajes envolventes. Resulta digno de mención la producción de “Divinity”. Espectacular. Con diferencia el disco de Metal Extremo grabado por una banda española con mejor sonido de la historia. Todo suena en su sitio, atronador y muy potente pero sin perder de vista la esencia de diabólica de la música. La palma de este trabajo se la lleva el trabajo de Darko a la batería. Brutal! Que se hable de monstruos como Tony Laureano, Nick Barker o Hellhammer entre otros está muy bien pero si miramos de puertas adentro uno tiene cada día más claro que aquí hay musicazos que deberían ser reconocidos como tal. Darko es un tanque, una ametralladora, un rifle de alta precisión. El estilo de Noctem no tiene parangón en nuestro país y sin duda es una banda a tener muy en cuenta.

9

8

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

SWASHBUCKLE

THEORY OF A DEADMAN

TOMBS

16

“BACK TO THE NOOSE”

“SCARS & SOUVENIRS”

“WINTER HOURS”

“BRIDGES TO BURN”

Nuclear Blast / PIAS España

Roadrunner Records / Background Noise

Relapse Records / Background Noise

Relapse Records / Background Noise

Este trío procedente de New Jersey ha conseguido colarse en la todopoderosa Nuclear Blast. El renacer del Thrash Metal en Alemania y el importante apoyo de este sello ha dado pie a que Swashbuckle lleguen a donde están ahora mismo. Ya se sabe que esto de las etiquetas no deja de ser una forma errática de llamar a las cosas muchas de las veces. El claro ejemplo esta banda ¿a que ya has oído y leíso que hacen Thrash Metal pirata? Si es que de avispados está el mundo lleno. Dejémoslo en Thrash Metal de calidad, con una voz totalmente disonante, más propia del Metalcore con letras de piratas y cuyo único parecido con el tema pirata es el artwork. Resultan de lo más curiosas las canciones instrumentales que ejercen de nexo de unión entre los temas tralleros y que se mueven entre algo “folk?”, samba, música acústica y que no causa el efecto que ellos desearían. “Rounds of rum” y “The grog box” son dos de los temas a destacar. Temas cortos que hacen muy llevadero el disco. Sin lugar a dudas, una de las bandas más sobrevaloradas del mundo.

Este es el Nuevo disco de esta banda de Rock Americano, Rock en toda regla, es su tercer álbum el cual empezaron a gestar en su gira anterior del disco Gasoline. Este disco grabado por el productor Howards Benson ganador de varios Grammys. De un total de 17 canciones que se llevaron al estudio 15 se grabaron pero solo vieron la luz 12. El disco empieza con un corte muy rockero y muy movido “So happy”, le siguen “By the way”, “Got it made” también muy rockeros. Llega un momento de calma y de una gran balada típica del rock “Not meant to be”. Buen surtido de canciones del que goza este disco, le han sabido sacar buen partido al material que tenían, un gran punto en su carrera. Dos temas que destacan sobre los demás son “Bad girlfriend” y “Hate my life” dos muy buenos cortes. Para este disco Robbin Diaz fue el invitado a grabar la batería, y después de las bajas y altas de la banda, ahora parece que hay mas uniformidad y se ve a través de este disco un disco con letras muy sentimentales que por eso no dejara de ser un gran álbum de Rock.

Potentísimo y muy recomendable trabajo el de este trío de Brooklyn, que me ha sorprendido muy gratamente, máxime cuando se trata de su álbum debut. Aunque ciertamente adscritos a la creciente escena post-hardcore / sludge norteamericana, Tombs desarrollan en “Winter Hours” un estilo muy personal, sobretodo a través de la incorporación de elementos de otros géneros mucho más agresivos, llegando incluso a rozar el Black Metal y distanciándose así de sus más “relajados” compatriotas. No obstante, ello no impide que la banda desarrolle en este trabajo su vertiente musical más experimental, y es que la acertada interacción de ruidosos pasajes introspectivos con momentos de gran violencia sonora es marca de la casa. Lo que prima a lo largo de toda la obra es, por supuesto, la intensidad de la ejecución y la pesadez plomiza de la producción. Atmósferas austeras, oscuras e hipnóticas, aderezadas con una voz de clara inspiración post-hardcore conducen al oyente a través de diez cortes que, a pesar de su densidad, componen un disco que se hace corto. Un álbum compacto de una joven banda a la que seguro valdrá la pena seguir la pista.

Tras una extensa carrera como grupo y un breve hiato en su trayectoria, 16 celebraron en 2008 su decimosexto aniversario fichando por Relapse. El fruto de la colaboración es este “Bridges to Burn” que, en mi opinión, encaja de maravilla en los estándares estilísticos de la discográfica. Riffs aplastantes como patadas en la cabeza y mala leche a raudales es lo que podemos encontrar en este disco, tanto en la música como en las letras. De hecho, lo cortante y directo de los ritmos, el odio que destila la voz y la ausencia de sofisticación le confieren a este trabajo un regusto sureño que acerca a 16 a bandas como Pantera o Crowbar, matizando las afinaciones graves y lo arrastrado de las composiciones. El estilo de las canciones es muy homogéneo, aunque destacaría “Man, Interrupted” por la potencia de su estribillo, y eso que al resto de cortes potencia no les falta precisamente. Atención a la vistosa portada de Florian Bertmer, otro de los discípulos contemporáneos de Alphonse Mucha, cuyo estilo empieza a convertirse en una seña identidad de muchos post-rockeros norteamericanos.

5.5

9

8.5

7

Marc Gutiérrez

Borja Guijarro

Rider G Omega

Rider G Omega


TYR

MY DYING BRIDE

“BY THE LIGHT OF THE NORTHERN STAR”

“FOR LIES I SIRE”

Napalm Records

Peaceville

Entre la ingente cantidad de bandas que se dedican a esto del Epic / Viking Metal la mayoría no encuentran ese factor de distinción que les hacen sobresalir de la mediocridad. Týr poseen esa cualidad tan buscada. La banda más importante de las Islas Feroe resulta genuina en su forma de expresar una mitología, la nórdica por si había alguna duda, y darla a conocer al resto del mundo. Nada de voces guturales, muchísimos coros para dar profundidad a su historia y guitarras muy limpias con la que recrear épicas historias de hace más de mil años. Týr, sin embargo, tienen una condición que tal vez les pase factura el día de mañana y es que van a disco por año. De momento su capacidad creativa no se ha visto afectada. “By the ligt of the northern star” es más de lo mismo pero por alguna extraña razón me suena más fresco. Aunque igual de épico. Igual de sincero. “Ride” recupera la esencia más folklórika de las bandas escandinavas y el referente de mis siempre adorados Storm es más que latente. Por el contrario, “Into the storm” es la abanderada de la parte más heavy del disco. Ese efecto alemán destilado en su justa medida da un contrapunto muy melódico a una música ya de por sí envolvente y pegadiza. Con este trabajo tengo una tremenda disyuntiva centrada en la producción del disco. Quizá estemos ante la peor producción de la banda en toda su historia. Un sonido tremendamente embarullado que mezcla bajo, guitarra rítmica y batería. Poco a poco te vas acostumbrando a semejante enjambre de sonidos del que tan solo se salvan la guitarra solista y la voz. Por contra, tremendo trabajo compositivo de una de las bandas más genuinas de Epic Metal.

Aaron Stainthorpe y su séquito de almas agonizantes están de vuelta. “For Lies I sire” es el nuevo álbum de los ingleses y el regreso del instrumento más característico de la banda, que olvidaron en el pasado; el violín. Katie Stone ( A forest of Stars ), es la encargada de resucitar el tan emblemático instrumento, aunque a mi parecer, no consiguen revivir la esencia del violín como lo fue en el pasado. La producción del sonido del violín en “For lies i sire” no convence y es que parece metido con calzador, abusando de estridencia y careciendo de personalidad. En líneas generales, “ For lies I sire” es un buen sucesor de “A line of deathless kings”, buenas composiciones, aunque más dulzonas a lo que nos tenían acostumbrados últimamente. Arpegios, líneas de violín, voces limpias, demasiadas voces limpias y partes más delicadas a lo que venían haciendo años atrás, es básicamente lo que nos encontraremos en este nuevo trabajo grabado en los FutureWorks de Manchester. Durante todo el disco vemos una línea musical bien definida sin salirse del guion y no arriesgando en demasía, aunque llegando a “A chapter in loathing”, todo se desmorona. A Aaron, por fin, se le oye como se le debería haber oído durante todo el disco, pero para desgracia nuestra solo se atreven a ejecutar un tema 100 % death-doom en “ A chapter in loading”. Sabe a poco, muy poco. En definitiva, el menú musical se compone de dulces, muchos dulces y algo crudo, pero muy poco...

8

7

Marc Gutiérrez

Jero García

AUGURY

MEDINA AZAHARA

TIM “RIPPER” OWENS

UFO

“FRAGMENTARY EVIDENCE”

“ORIGEN Y LEYENDA”

“PLAY MY GAME”

“THE VISITOR”

Nuclear Blast / PIAS Spain

PIAS Spain

SPV / PIAS Spain

SPV / PIAS Spain

No es Canadá un país especialmente prolífico en cuanto a Metal se refiere. Sin embargo allá por 2004 Augury sorprendió a propios y extraños con una joya llamada “Concealed” que Death Metal técnico a la par que brutal y donde demostraban que podían hacer lo que les diera la gana. Esa destreza no pasó desapercibida. Cinco años después regresan con “Fragmentary evidence”, ya bajo los auspicios de la todopoderosa Nuclear Blast. Este trabajo no supera a su predecesor pero que, en los tiempos que corren, se graben temas como “Sovereigns unknown” o “Faith puppeteers” es señal de que no todo está perdido, que hay esperanza a un futuro creativo. El cuarteto liderado Patrick Loisel campa a sus anchas del Brutal Death Metal a toques Jazz pero siempre manteniendo muchas capas de sonido en su música lo que hace que el conjunto suene muy potente y pesado a la vez. Pueden ser una de las revelaciones del año si Nuclear Blast les apoya. Augury están acostumbrados a ir poco a poco pero su apuesta sigue siendo a caballo ganador.

Los cordobeses Medina Azahara cumplen 30 años y lo celebran con “Origen y leyenda”, un disco, en cierto modo, curioso. La banda ha decidido que era hora de recuperar el sonido de todas sus etapas y mientras los primeros cortes suenan más andaluces y aflamencados como “Humo y papel” o “A la deriva”. Sin embargo a medida que avanza el disco la banda apuesta por sonidos más contemporáneos como “Lo que me estoy perdiendo” o “Quien a hierro mata”. Sin duda Esta sucesión de épocas viene marca por las tres versiones que se incluyen en el disco: “Te estoy amando locamente” de Las Grecas; “Al padre Santo de Roma” que regraban de su fondo de catálogo; y”Que te quiero” del malogrado Javier Galvez que fue mánager de la banda durante 22 años. El tema “Origen y leyenda” está destinado a ser un clásicazo de su discografía con interludios de sus temas clásicos entremezclados con una nueva música. Realmente alucinante y emotivo . Definitivamente es un disco que no defraudará a quien les conozca y que les reafirma en su posición de banda privilegiada.

Tim “Ripper” Owens es una de las grandes voces del Heavy Metal actual pero por H o por B sus bandas / proyectos / colaboraciones no acaban de funcionar. Ni Judas Priest, ni Iced Earth. De ambos lados salió escaldado y no por culpa suya. Sus propias bandas siguen la misma trayectoria. Beyond Fear tienen una carrera inconstante y este “Play my game” arranca una carrera en solitario que ofrece muchas dudas ya de entrada. John Comprix sigue siendo su mano derecha pero para la ocasión se ha hecho rodear de un elenco de músicos de primer nivel con Rudy Sarzo, James Lomenzo, Dave Ellefson, Chris Caffery, Simon Wright, Jeff Loomis, Bruce Kulick, Doug Aldritch, Billy Sheehan, Marco Mendoza, Vinny Appice o Ray Luzer entre otros muchos. “Starting over” y “The cover up” son los mejores temas pero tanto cambio de músico y que el disco lo han compuesto entre seis personas hace que el resultado final tenga muy buena producción pero carencias notables en aspectos esenciales como el ritmo, la cadencia y algo tan importante como el feeling. Buenas ideas pero muy intermitente. Esperemos que esta vez segundas partes sean buenas.

La leyenda ingles UFO vuelve a la actualidad con “The visitor” tres años después de editar “The monkey puzle”. Quizá a nivel de popularidad no sed encuentren en su mejor momento pero de los que no cabe ninguna duda es que a nivel compositivo la banda raya a una altura envidiable. El Hard Rock / Rock clásico de la banda se mantiene como bastión principal aunque en “On the waterfront” introducen unas guitarras muy blussy marca de la casa. Parece que no pasan los años para Phil Mogg que sigue manteniendo una voz destacable y para Vinnie Moore cuya labor en “The visitor” es espectacular. Desde la inicial “Saving me” pasando por “Rock ready” o el cierre con “Stranger in town” se mantienen unos niveles constantes por lo que el vivo no hace sino ir hacia arriba. No recuperarán los niveles de ventas que mantuvieron hasta “Misdemeanor” pero cuando giren para presentarnos este trabajo habría que concienciarse que puede ser una de las giras destacadas de la nueva temporada. Classic Rock en estado puro con una banda muy profesional que tiene la elegancia por bandera.

7.5

6.5

5.5

7.5

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez


KATIE KING

LEAVES’ EYES

“EX NOVO”

“NJORD”

Leyenda Records

Napalm Records

Qué lejos queda ya aquél año olímpico, 1992, en que se formaron los neófitos Katie King. Desde entonces llevan luchando por salir adelante y prueba de ello es que éste “Ex Novo” es solo su tercer disco. La desgracia se ha cebado con ellos pero cual gato que cae de un edificio, Katie King siempre caen de pié. Los sevillanos han vuelto a dar una vuelta de tuerca a su formación en la que se mantienen Larry López y Miguel Guillón pero que, desde que grabaran el disco, hace ya más de un año han salido Manuel Íñigo y Joaquín Migallón por Ángel Berlanga y Fernando Gallardo. En esta ocasión “Ex Novo” nos presenta una versión actualizada de los Katie King de toda la vida, que se mueven del Rock al Heavy Metal con gran solvencia y que no tienen miedo a introducir elementos impropios del Metal como voces de copla. Todo en conjunto mantiene un espíritu de frescura del que adolece el panorama musical hoy día. “El adalid” y “Las fauces del tiempo” ponen los cimientos de un trabajo consistente que encuentra su estrella en dos curiosos temas como “Cumbanchero” y el “Angelitos negros” de Machín en versión más que roquera. “Por peteneras” supone un Rock and Roll muy enérgico que te levanta de la silla desde los primeros acordes y “Muda estrella” pone el Metal. Pese a que la producción no es todo lo brillante que debiera la banda aprovecha esa carencia para sacar pecho en lo musical y dar la talla con un Larry López que se revela como el vocalista más polivalente y versátil del panorama nacional y que imparte una clase magistral de registros vocales. Frescura a raudales en un disco realmente apetecible en los tiempos de saturación que corrren. La salvación del Rock duro está en sus manos. Katie King es ley!!!

Ya se les echaba de menos. Tres años después de su último lanzamiento con material inédito, “Legend land”, Leaves’ Eyes se presentan ante la parroquia con “Njord”, un emocionante viaje a través de la mitología vikinga y algunas pinceladas autobiográficas. “Njord” no es un álbum más en la carrera de los germano noruegos sino que es su disco definitivo, al menos hasta ahora. Eso se debe a que han aunado la dulzura de “Lovelorn” con los rasgos orquestales, las canciones más poderosas y la épica de “Vinland Saga” y “Legend land” y lo han potenciado con la utilización de la Lingua Mortiz Orchestra, con varias capas de voces superpuestas en temas como “Njord” o “Ragnarok”, con un batería, Seven Antonopoulos que ha hecho un trabajo sensacional y con la voz de Liv Kristine que raya a una gran altura. El conjunto es un disco portentoso. Napalm Records sabe que tiene un valioso valuarte entre manos y no duda en apostar por ellos y editar una edición limitada con un barco vikingo… están en estado de gracia. “Njord” da el pistoletazo de salida al disco con un himno pensado para abrir los directos y “My destiny” es el single que representa el conjunto del disco después de “Into your light” y “Elegy” que parecían no encajar en el rompecabezas de la banda. “Emerald island” posee una música más cercana al Power Metal y a partir de ahí la voz de Liv empieza a inundar todas las canciones convirtiendo “Irish rain” o “Froya’s theme” en autenticas delicias. Los bonus tracks de la edición digipack, “Landscape of the dead” y “Les champs de Lavande” no son meras comparsas en un trabajo producido excepcionalmente por Alex Krull, quien sino, y que va a darmuchas alegrías tanto a la banda como a sus fans. Excelente!

8.5

9

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

AUTOPSY

BLOODSHED

RUMPELSTILTSKIN GRINDER

AHAB

“SEVERED SURVIVAL”

“WALHALLA”

“THE DIVINITY OF OCEANS”

Peaceville Records

Autoeditado

“LIVING FOR DEATH, DESTROYING THE REST”

Napalm Records

Relapse Records / PIAS Spain

Los legendarios Autopsy se reunieron a finales de 2008 para preparar algunos conciertos y nuevos temas pero mientras todo eso llega han decidido reeditar su clásico por excelencia “Severed survival” de 1989. Cuando Chris Reifert abandonó Death quiso seguir la misma estela pero dio un paso adelante creando una de las bandas más enfermizas del planeta en la figura de Autopsy. Dicho y hecho la banda se hizo un hueco en la escena rápidamente y con taqn solo cuatro discos se conviertieron un grupo de culto. En esta reedición, lo más interesante son los nuevos temas “Horrific obsession” y “Feast of the graveworm” que siguen la estela de su viejo sonido incluyendo una producción sucia que rememora el espíritu de hace 20 años. Las demos de “Maulesd to death” y “Human genocide”, que estaban destinadas a aparecer en “Severed survival” son otro aliciente para comprar una edición realmente imponente. Descomunal, imponente… una lección magistral de cómo se debe tocar Death Metal, algo que las nuevas generaciones deben aprender en muchos casos. 9 Marc Gutiérrez

Bloodshed es un One Man Project creado por Mario Di Pede en Italia. Por su título y su portada ya se puede intuir que el tema va de mitología nórdica y atmósferas evocadoras. El propio Mario dice que el disco fue grabado con instrumentos mediocres bien organizados pero realmente el sonido es sorprendente por cuanto no suena a grabación casera sino más algo profesional… ya quisieran muchos grupos sonar así… Bloodshed tiene una influencia básica y no es otra que Bathory y es algo que realmente se nota y mucho en su música. Por otra parte el Doom melódico y melancólico a su vez está presente en un sonido realmente interesante en el que se mezclan voces normales y guturales con esas melodías tan sensatas y soñadoras a medio tiempo del género. Sin duda para ser una primera grabación el resultado es más que satisfactorio y el title track podría aparecer, sin desentonar, en cualquier recopilación de bandas consagradas. 4 temas, 40 minutos de sensaciones y emociones hechas con el corazón de un vikingo.

Desde Philadelphia llega esta banda de curioso nombre, Rumpelstiltskin Grinder. El inicio del disco es poco prometedor con toques muy Hardcore pero al terner tema la cosa cambia y el Thrash y el Heavy Metal pasan a dominar la situación por completo en un conjunto realmente interesante que se desarrolla a velocidades vertiginosas y “Brainwasher C. 1655” es un buen ejemplo de ello. Ryan Moll y Matt Moore a las guitarras forman un dúo letal, de armas tomar y que muestran su destreza en cualquier riff y en los solos que invaden, a ritmo de Speed Metal, unos temas de por sí muy cañeros. Recupera la esencia ochentera tanto americana como europea, mézclala con un toque de modernidad, una producción tirando a la vieja guardia y unas guitarras sobresaliente y tendrás algo muy cercano a este “Living for death, destroying the rest”. Cuatro años han tardado en grabar la continuación de “Buried in the front yard” pero eso les ha permitido afinar su estilo y ver claro que el Speed /Thrash de los ochenta es el camino a seguir. No les pierdas la pista porque prometen dar muchíiisima guerra.

Ahab es un combo alemán de Funeral Doom Metal comandado por Christian Hector de Midnattsol. “The divinity of oceans” es su segundo disco y tal como anunciaban en su anterior trabajo su estilo es Nautic Funeral Doom en honor a la influencia, cerca de la obsesión, que tienen por el mar. Musicalmente no hay lugar a los cambios. La banda se sigue moviendo en una tesitura de Funeral doom donde no cabe la esperanza, donde no hay notas más altas que otras y sobre las cuales se impone la gutural voz de Daniel Droste, también vocalista de Midnattsol. Aunque por momentos parezca que van a arrancarse con puro Black Metal, la energía contenida les permite dar mayor oscuridad a unas canciones que se ven favorecidas por las voces limpias como sucede en “Gnawing bones”, que además viene precedida de una oscura y tenue introducción. Cabe destacar, a su vez, la portada del disco, realmente espectacular. Una imagen histórica relacionada con el mar, obra de Théodore Gericault llamada “Le radeau de la Méduse”. Grandísimo disco de Doom de Ahab que vuelven a la actualidad más fuertes que nunca.

9

8.5

8

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez


ZOMBI

TRAIL OF TEARS

“SPIRIT ANIMAL”

“BLOODSTAINED ENDURANCE”

Relapse Records / Background Noise

Napalm Records

Conseguir que un álbum de música instrumental no resulte aburrido requiere, en mi opinión, gran habilidad. Pero que encima resulte terriblemente interesante es para quitarse el sombrero. Buena música, ni más ni menos, es lo que se esconde tras este “Spirit Animal”, que con una portada y un título tan crípticos como sugerentes constituye el tercer trabajo de este dueto americano. Su estilo es ciertamente difícil de definir, aunque podríamos concluir que se trata de una original mezcla entre música electrónica ambiental y una potente base rítmica con un regusto claramente deudor de la psicodelia progresiva de finales de los setenta. Estos elementos, combinados con maestría, conforman una música vibrante, dinámica, de una arquitectura admirablemente clara y rotunda. Las atmósferas épicas y emotivas fluyen con total naturalidad, transportando al oyente a un cálido universo regido por la riqueza de las formas, mientras que los complejos patrones rítmicos evitan en todo momento la más mínima pérdida de atención. La producción es harto destacable, y en más de una ocasión recuerda al buen hacer del señor Alan Parsons, no sólo por el evidente peso de los sintetizadores en el conjunto, sino por la elegancia y el equilibrio en la mezcla. Un magnífico ejemplo del buen resultado que puede dar la interacción de humanos con máquinas en lo que a música se refiere. En suma, una pieza original y personal, que gustará tanto a los seguidores del rock progresivo como a los de la música electrónica, a los amantes de lo viejo como a los de lo nuevo.

La carrera de Trail of Tears no deja de ser muy similar a la de muchas bandas de Metal. Reconozco que la he seguido bien de cerca y que ninguno de sus trabajos me ha dejado indiferente. Tuvieron un debut rompedor con “Disclosure in red” con la neumática Helena Iren Michaelsen a la voz y se reafirmaron con “Profoundaemonium”. La banda llegó ahí a su momento culminante. “A new dimensión of might” bajó algunos enteros y “Free fall into fear” fue el gran pufo de su carrera, sin vocalista femenina y perdiendo el norte de su esencia. Las sombras sobre una más que posible disolución se cebaron sobre ellos. Y cuando nadie lo esperaba se desmarcan con un nuevo lanzamiento, “Bloodstained endurance” que supone muchas cosas para la banda. En primer lugar, la grabación de su mejor disco en casi diez años. Temas como “The feverish alliance”, “Once kissed by the serpent”, “Take aim. Reclaim. Prevail”, “The desperation corridors” o la extraordinaria balada “A storm at will” serán irremediablemente parte de su set list en vivo. Lo mejor de todo es que la sociedad Ronny Thorsen – Catherine Paulsen vuelve a funcionar después de una turbulenta etapa de desacuerdo y separación. Toda la banda está pletórica y no hay nada fuera de sitio. Desde una producción excelente a cargo de Alex Krull a una instrumentación impecable. Napalm Records tiene entre manos un disco del que sentirse orgulloso y al que apoyar a muerte porque se trata de un triunfo seguro con canciones que solo buscan alcanzar el cénit dentro del Gothic Metal. Trail of Tears se reencuentran con su mejor versión para renacer de sus cenizas y colocarse en un puesto de honor que nunca debieron perder.

9

9

Rider G Omega

Marc Gutiérrez

NEURASTENIA “TE LO PELO… SUCUMBIR”

AVENUES & SILHOUETTES

ARCH ENEMY

KORPIKLAANI

Autoeditado / Background Noise

“METEORS”

“THE ROOT OF ALL EVIL”

“KARKELO”

Kaiowas / Background Noise

Century Media

Century Media

Nuevo disco de esta banda de rock tras nueve años sin editar nada. Su último disco fue editado en el 2000 bajo el título de “El asesino de la pala” y tras nueve años de silencio discográfico ”Te lo pelo… sucumbir” consta de 11 temas, todo muy rock urbano. Este estilo a grupos como Neurastenia les puede venir bien o no, como vuelta a las raíces o tras el parón pero en este caso no hay evolución musical y después de nueve años se antoja una pobre producción musical. Si sacan otro habrá que ver si hay una cierta evolución, con una mejor producción. Tras la intro del disco suena “Si te quedas”, “Te lo pelo” y “Como un gato”, temas que alientan un poco al disco, pero a medida que avanzan los minutos decae un poco. El disco es bastante flojo y tan solo las influencias Extremoduro sobretodo en la voz de Unconcho salvan unas canciones con cierto gancho pero de estilo indeterminado que no sabe si tirar al Pop, al Rock, al Rock urbano o acabar de mezclarlo todo. L oque sí tengo claro es que el sonido de la voz y la producción en general es muy mejorable. Otra vez será.

Una de las bandas revelación de panorama Rock/Hardcore español y que mas número de visitas y escuchas tiene en myspace es Avenues y Silhouettes. Tras su anterior Ep ve la luz este disco, “Meteors”, que ya a dado qué hablar. No es tan bestia como su Ep pero muy atrás no están. Para mí, apuntan alto. Este disco esta grabado en los Sadman Studios de Carlos Santos (Cuernos de chivo) y con la participación de Leo (Stravaganzza) en la producción de las voces y fue masterizado en Finlandia con Mika Jussla. El disco consta de 12 cortes, dos de ellos instrumentales “Magna huida” y “Tunguska”, hay temas con ritmos más cañeros y otras canciones mas pegadizas, como “High tech beds”. “We are the captains” pone el contrapun to melódico a la contundencia de “The nerwhal” o “Sha taught me to reed stretlights”. Una de las bandas revelación con un larga duración notable en su debut y que pueden apuntar lejos en un futuro no muy lejano. Pronto oirás hablar de ellos así que no te pierdas estesegundo esfuerzo de Avenues & Silhouettes.

Tenía ganas de escuchar este “The root of all evil” pero reconozco que lo hacía con prejuicios porque soy adorador de los Arch Enemy de la etapa Liiva. Digo más, creo que la banda no ha llegado al nivel de antaño desde que entró Angela. La escucha de este disco me ha hecho sentir nostalgia aunque reconozco que el disco no me ha dejado indiferente. Admito que los Amott han regrabado una canciones de por sí soberbias con buenas intenciones pero, en algunos casos, de resultado dispar. De entrada alguien debería haberle dicho a Angela que por más gritar no va a cantar mejor, ni a dar más miedo, ni tan siquiera a parecer un monstruo. Con diferencia su peor trabajo vocal. Escuchar como destroza un himno con “Beast of man” no tiene razón de ser. Tenía especial curiosidad por escuchar “Silverwing” pues posee uno de los solo más prodigiosos y pese a que ha perdido su completa esencia no les ha quedado mal del todo. En definitiva, un disco para los fans de la era Angela a quien les encantarás este disco. A la vieja guardia, y más si te gusta la etapa de Johan Liiva… tened cuidado y cogerlo con pinzas, de lo contrario lo odiareis.

Los fineses Korpiklaani van como cabras desbocadas por el monte… a disco por año o menos…. Sus fans más acérrimos estarán contentos. En lo musical no se desmarcan en demasía de su estilo. En la primera parte del disco la banda apuesta por la velocidad en su Folk / Humppa Metal mientras que en el ecuador del disco se encuentran los dos mejores temas, “Juodan Viinaa” y “Uniaika” que apuestan por una melodía que recuerda a los tiempos de “Tales along this road”, su obra maestra. Y ya en el tramo final temas variados que van de la machacona “Huppiaan aarre” a la animada “Vesaisen sota”, una insulsa “Sulasilmä” mientras que el cierre con “Kohmelo” recupera la esencia de la banda y es una combinación de todos elementos. El hit es “Vodka”, el nuevo himno de la banda y que marca el camino a seguir por sus fans, alcohol, fiesta y Korpiklaani!!! “Karkelo” es un buen disco pero ni mucho menos llega a la altura de sus clásicos “Tervaskanto” y “Tales along this road” y es que un pequeño parón compositivo les haría bien. Esperaba más aunque en vivo siguen increíbles.

4

7.5

5.5

7

Borja Guijarro

Borja Guijarro

Marc Gutiérrez

Marc Gutiérrez


SLIP KN OT + MACHI NE HEAD 1 0 / 0 7 / 2 0 0 9 , AU D I T O R I O J UA N C A R L O S I , M A D R I D SET LIST MACHINE HEAD: Imperium Ten Ton Hammer Beautiful Mourning Old Struck A Nerve Bulldozer Halo Davidian

SET LIST SLIPKNOT: Iowa (Intro) 742617000027 (sic) Eyeless Wait and Bleed Before I Forget Sulfur The Blister Exists Dead Memories Disasterpiece Psychosocial Duality People = Shit Surfacing Spit It Out

Joder que nochecita!! Machine head VS Slipknot!! ¿cual saldría mas laureado? pues sinceramente los dos, la gente decía que Machine head había sido apoteósico y lo fue y Slipknot que fue vastísimo que también lo fue. Quizás este sea uno de los mejores Shows del año y papeletas le sobran. Con mucha puntualidad salto Machine head al escenario eran las 20:45 y empezó el delirio, empezó Imperium, eso era el caos, te ibas de un lao para otro, adelantabas filas, te espachurraban, espachurrabas, increíble. Robb hizo las delicias de la gente, sonó alto y claro, el palacio esta dotado de una gran acústica y eso hace que merezca la pena escucharlo y vivirlo mas a fondo, un palacio que rozo medio a foro, la pista totalmente llena, pero nadie en las gradas. Ten Ton Hammer fue la siguiente en apreciarse y la gente no paraba de moverse, la gente estaba exuberante y viendo esto Robb y compañía también los disfrutaron. A mitad de su concierto tuvo unas palabras para la gente; ni Lisboa, ni Vigo...Madrid the best, gracias Madrid! eso arranco los aplausos de la gente y no era para menos. Con las pilas puestas, Bulldozer, gran trallazo que fue muy bien recibido, Halo y Davidian dieron punto y final al concierto de Machine head, me llevo gran decepción al mirar el reloj, solo 55 minutos, demasiado corto, un set list de ocho temas y aunque fueran como teloneros de Slipknot no merecían tan poco tiempo. Grande, muy grande su actuación pero muy corto. Mientras tanto, en el descanso se creo gran expectación hacia el escenario, un gran murmullo se escucho cuando se destapo la gran batería de Joey y se pusieron en primera fila los dos kits de percusiones con las cámaras y dos pantallas. Tras este periodo de monta y desmonta que fue corto, tan solo 25 minutos, todo preparado para los Maggots. Las 22:10 y todo preparado, luces del palacio apagadas, hilo musical quitado y luces rojas sobre el escenario y la intro de Iowa sonando, la gente sabia que ya estaban hay, que esto ya empezaba, que había muchas ganas y que Machine head dejo las pilas a medias de la gente para disfrutar mas. 742617000027 empezó a sonar mientras iban saltando, el primero Joey a la batería y gran ovación para el que es uno de los mejores baterías del mundo, por no decir el mejor y de uno en uno salieron, pero las cuentas no cuadraban son 9 y sobre el escenario eran 8, faltaba Chris y Corey nos dio la explicación, no asistió por la muerte de un familiar suyo, desde aquí todo nuestro apoyo!. Empezó Sic y sin descanso Eyeless y Wait and bleed todo un clásico de la banda, ya se estaba a mas de 5000rpm y nos soltaron Before I forget otro gran tema, este perteneciente a su 3º disco. Pero era la gira del All Hope Is Gone y deberían presentar algunos temas del álbum, un álbum que a sido muy criticado por algunos y laureado por otros, un álbum que no sigue mucho a los anteriores, así sonó Sulfur. Con Corey al micro agradeció ante la gente que había asistido, dio las gracias a Madrid. Otro tema mas fue The blister exists con Clown en pleno himno militar, hay fue cuando mas en falta se hecho a Chris y todo lo explico Corey. Son puro show en directo, los kits de percusiones que suben y bajan, Clown, Sid, Mick, James..todos haciendo las delicias de la gente y dejándose las piel sobre el escenario, son muy buenos y cada día atraen mas a la gente, son verdadero espectáculo. Mas temas y del nuevo Dead memories un tema que dicho por Corey fue así presentado "..this next song is from my heart and my ..WIVOS!" el palacio se sumió en una carcajada enorme y no era para menos. También se escucho Disasterpiece tema perteneciente a su 2º disco y su primer single del nuevo álbum, Psychosocial y otra de sus reliquias Duality. Con esto ya se llegaba al final, pero que final, la gente seguía con las mismas ganas como si se acabase de empezar est final fue abierto por People = shit, Corey apenas canto ya que su voz, por muy fuerte que sonara la cubrían las miles de voces que se juntaban allí, Surfacing y Spit it out fueron la culminación final a un concierto perfecto incluyendo lo que viene siendo ya un ritual de sentarse para cuando Corey lo manda, saltar todos a la vez, un verdadero concierto, de esos que hacen época y que quieras mas. A mi razón ninguno de los dos estuvo por encima, los hicieron lo que saben y como mejor saben y eso se noto y el resultado fue este, uno de los mejores, totalmente grandioso y del que pudieron disfrutar menores de edad.

Texto: Borja Guijarro Fotos: www.metalsymphony.com

T E S L A + H I G H WAY T O H E L L B A N D 24 / 06 / 20 0 9, S A L A H EI N E KE N, M AD RI D El caso de Tesla debería servir de ejemplo a la hora de analizar las reuniones de los muchos grupos que han decidido volver a la carretera después de unos años separados de los escenarios. Y es que Tesla no sólo han vuelto, sino que están en una forma mejor incluso que antes de separarse, dejando claro que ni están viejos, ni han vuelto para llevarse la pasta a cambio de un producto mediocre. Y eso lo sabe su público, que llenó hasta la bandera la sala Heineken de Madrid el pasado día 24 de junio. Abriendo la velada se presentaba la Highway to Hell Band, el nuevo proyecto del guitarrista Tite, antaño líder de la Bon Scott Band. No es que haya cambiado mucho el registro, la verdad, aunque también es cierto que tampoco ha cambiado la calidad de su propuesta, y sigue siendo uno de esos grupos que da gusto ver tanto por calidad como por buen rollo. Lo que resulta anecdótico es que la Highway to Hell band base su repertorio en los temas de la época Bon Scott de los australianos AC/DC, mientras que la Bon Scott Band esté más abierta al período Brian Johnson. Curioso cuando menos. Comenzaron con la eternamente poco valorada “Shot down in flames”, que sin embargo resulta siempre de las más efectivas en directo. Con algunos problemas de acoples (algo que fue la tónica general del show), y con el público aún algo frío fueron desgranando y haciéndonos entrar en calor. “Hell ain’t a bad place to be”, una rapidísima “Whole Lotta Rosie” (como debe ser, pues no es un tema para dormirse en los laureles), “Yoou shook me all night long” (único tema de la era Brian que interpretaron), “Walk all over you”, “Let there be Rock”, “High voltage”, “TNT” y “Highway to Hell” fue el set list completo con el que nos deleitaron y con el que dejaron a la gente animada. Es decir, que cumplieron con creces su papel. Tesla venían presentando con casi su formación original (tan sólo falta en esta vuelta a los escenarios el guitarrista Tommy Skeoch, sustituido por el joven Dave Rudd) su dignísimo “Forever More” y lo hicieron a lo grande. Si ya el público estaba entregado desde el primer tema, Tesla supieron mantener el


ritmo durante las casi dos horas que estuvieron sobre las tablas como auténticos maestros de ceremonias. Abrieron fuego con el tema que da título a su nuevo cd, “Forever More”, y a partir de aquí fueron desgranando un set list que personalmente me pareció bastante acertado (posiblemente hubiera quitado alguna del nuevo disco para dejar sitio a algún que otro clásico que se echó de menos; pero eso es cuestión de gustos). “I wanna live”, segundo corte, también fue en esta ocasión la que ocupó el segundo lugar de la lista. “Modern Day Cowboy” nos retraía a Mechanical Resonance en medio de la algarabía general, aunque fue “Song and Emotion”, el tema que dedicaron al guitarrista Steve Clark –Deff Leppard- , de cuya muerte se cumplen ahora 18 años, el primero y uno de los momentos más emotivos de la noche. “Breakin’ Free” volvía a recordarnos que estaban de presentación, aunque justo después “Hang Tough” y “Heavens trail (No way out)” formaron una dupla sonora impresionante que nos retrotraía a sus años dorados (que visto lo visto duran desde entonces). Sin duda estábamos disfrutando de lo lindo, y es que incluso el sonido, pese a ser algo saturado por momentos debido principalmente al enorme volumen, estaba acompañando. Una espléndida “Gettin’ Better” arrancaba una merecida ovación, y “So what!” fue la última de la noche que escuchamos de su más reciente álbum. A partir de aquí se sucedieron los clásicos (o no tanto, pero al menos con algunos años de haber podido digerirlos), con lo que se metieron, si no lo tenían ya, al público en el bolsillo del todo.A la pregunta de si estábamos pasándolo bien, un Jeff Keith pletórico y en unas condiciones de voz espectaculares dio paso a “What a shame”, de su disco de 2004 Into the Now. “Shine away” remontaba diez años más aún en el tiempo, y preparó otro de los grandes momentos del concierto, justo cuando Frank Hannon declaraba que “ama España” y, guitarra de dos mástiles incluída (una de tantas de toda la colección Gibson que sacó a la palestra) comenzaba a calentar con unas cuantas cadencias andaluzas (¡cómo les gusta a los guiris hacer esto pensando que tocan flamenco o algo así!) el “Love Song”, ampliamente coreado por todos los presentes, y que acabó en otra ovación. Los primeros acordes blues/folk de “What you give” hicieron que no decayera la fiesta ni un ápice, mientras Jeff Keith lo alimentaba aún más lanzando púas al público. La efectiva y enorme “Signs” nos seguía haciendo cantar, tanto que al final se pasaron un rato mirando y dando las gracias por el calor que se les estaba dando. Tras ello una durísima “Into the now” preparaba el final, dando paso antes al solo de guitarras a modo de duelo/dúo (primero una cosa y luego la otra, claro está) entre Frank Hannon y Dave Rudd, que aunque era un poco figurín cierto es que estaba cubriendo el papel con nota. Después de improvisar un rato y terminar apuntando las notas finales de “We will Rock You” engancharon con uno de los clásicos por excelencia: “Comin’ atcha live”, con la que se retiraban entre ovaciones, oés, palmas y ambiente ensordecedor. ¡Habían pasado más de noventa minutos y casi parecía que acababan de empezar! Volvieron para hacer los bises reglamentarios. Más bien el bis reglamentario, y la elegida fue la potente y festiva “Rock Me to the top”, que de nuevo nos ponía a saltar y cantar. Con ella se despedían, y aunque la gente pedía “Edison’s Medicine” no volvieron a salir (podían haberse estirado un poco visto el ambiente, la verdad). En definitiva, un concierto para enmarcar. Si alguien no les había visto en su “mejor época” no tiene que tener remordimientos si ha acudido a cualquiera de sus shows de este año, pues insisto en que están ahora mismo viviendo una segunda juventud. Y si aún no les has visto... ¡no sé a qué estás esperando! Texto: Fernando Galicia Poblet

S AU R O M + M A N U E L S E O A N E 08 / 05 / 20 0 9, S A L A H EI N E KE N, M AD RI D En la Heineken acontecía esta noche la presentación del disco de Manuel Seoane, "Livin now" y un cierre de gira de los gaditanos Saurom, una exitosa gira que les a llevado a recorrer toda la Península y en varios lugares donde han ofrecidos mas de un concierto como el caso de Madrid. La banda de Manuel Seoane saltaba a escena y por desgracia y ya quedara como anécdota que en la primera canción, el amplificador de Manuel Seoane dejo de funcionar, fallo técnico que obligo a cambiarlo y retrasar un poco mas el concierto, el resto de la banda con mucha profesionalidad termino la primera canción sin Seoane a las cuerdas. Manuel Seoane que también es guitarrista del grupo Ars amandi el cual esta preparando nuevo disco que llevara como titulo "El rincón de los deseos". Tras este pequeño percance siguió la presentación con unas palabras de Manuel que pedía disculpas. Este proyecto que ahora se conoce como Manuel Seoane lleva como nombre de banda Burning kingdom, que esta formada por el propio Seoane a la guitarra, David Noisel al bajo que tambien es bajista de Ars amandi, Filto a los teclados, Peibol a la batería y Dagarod a la voz. Siguieron presentado el disco, temas como Livin now, Rock on the radio o Walking alone, sonaron muy bien, hubo tiempo para una balada muy intima que se marcaron Seoane y Dagarod con guitarra, cajón y maraca, todo muy ochentero algo que ya no tiene apenas este país y que viene muy bien algo de savia nueva y que para los nostálgicos de esa época les hará recordar. Creo que el balance de la presentación fue muy positivo, un publico muy entregado y una nueva banda que apunta maneras y que tiene muchas tablas. Llegó la preparación de Saurom para que saltaran a escena. Nos mas de media entrada en la sala, pero muy entregado y sobre todo muy nerviosos por ver a los gaditanos, un grupo que sobre todo suele gustar a menores, chicos que todavía no pueden entrar a las salas porque ciertas personas deciden hacer leyes absurdas que impide el progreso de la cultura musical, gracias a estas leyes impiden que se llenen conciertos como este y es verdaderamente una pena. Luces fuera y un intro que nos hacia presagiar 9 minutos apoteósicos y alucinantes, "El monte de las animas" como primer corte y de seguido "Lejos del mar de rosas". Uno d sus mayores éxitos en directo es que son simples y muy buenos, suenan muy bien en directo y es puro Folkmetal, "La taberna" y "Dioses eternos" fueron las que dieron un pequeño paréntesis al concierto. Era la segunda vez que acudían a Madrid y a la Heineken en esta gira, hacia casi un año y como colofón se grabaría en un dvd que como dijeron editaran en el próximo disco al cual ya le están dando forma. También cabe destacar lo versátil que es Narci a la flauta, gaita y guitarra. Los temas siguieron y saltaron a escena el malabarista que disfruto como uno mas. De su primer disco tocaron "El arquero del rey" y sonó el single de este su ultimo álbum "Wallada la omeya". Se dejo oir también "La posada del Poney pisdor perteneciente a su disco sombras del este que esta dedicado al señor de los anillos. Sobre el escenario mimos y dragones, gran puesta en escena y que te hace disfrutar mas aun del concierto. Se llegaba al final con "Dracum nocte" e "Historias de juglar II" Texto y fotos: Borja Guijarro

MANUEL SEOANE

SAUROM

SET LIST SAUROM: El monte de las animas Lejos del mar de rosas La taberna Dioses eternos El laberinto de los secretos Mendigo La batalla de los cueros de vino El arquero del rey Wallada la omeya Romance de luna, luna Estrella sin luz Sandra Rio La musa y el espíritu La posada del poney pisador Dracum nocte Historias de juglar II


F E S T I VA L D E L A G U I T A R R A D E M A D R I D P R I M AV E R A 2 0 0 9 , M A D R I D Cuando hace unos meses se anunció el festival Guitarra Madrid los seguidores de este instrumento (bien fueran –fuéramos- practicantes u oyentes) en la capital se frotaban las manos y, ya de paso, los ojos y los oídos. Nadie sabe cómo no se hacía ningún festival de guitarra en Madrid cuando en los alrededores florecen este tipo de eventos con cada vez más asiduidad, y más aún cuando por situación geográfica es un lugar perfecto para que se pueda acudir desde cualquier punto de la península. Por fin llegaba. Echando un vistazo al cartel destacaban dos cosas por encima de todas las demás: los conciertos anunciados no respondían sólo a un estilo, sino que se trataba de un festival abierto a cualquier manifestación guitarrística, y por otro lado eran días muy dispares y distantes entre sí; amén de los recintos previstos. Ello podía conllevar ser un acierto o un fallo, según se dieran las circunstancias. Vamos a analizarlo por partes. Que el cartel reuniera figuras y estilos tan dispares sin duda hablaba muy bien de una organización con apertura de miras. Decir esto puede parecer algo liviano, pero tiene más importancia de la que parece: estamos por desgracia acostumbrados a las asociaciones, sociedades, promotoras y demás grupúsculos de “amigos” de la guitarra que más que interesarse por este instrumento prefieren perder el tiempo en mirarse el ombligo, sin prestar atención a lo que está pasando a su alrededor. Especialmente flagrante es en el caso de la guitarra clásica, donde pocos son los que piensan que los guitarristas de otros estilos tienen derecho a codearse con los “suyos”, y que sus seguidores no tienen la cultura necesaria como para merecerse su respeto (y si pocos son los que lo piensan aún son menos los que se atreven a levantar la voz por miedo a que les miren como a herejes). Más que “amigos” parecen “enemigos” de la guitarra. Y en algunos de los sectores más conservadores del jazz está ocurriendo lo mismo de modo realmente preocupante, aunque en estos casos hay cierta licencia hacia estilos como el blues, al que intentan llevarse a su terreno. Afortunadamente no se piensa igual en todos los lados, y de ahí que quiera resaltar la importancia de un cartel tan amplio y abierto como el de este festival. Evidentemente ello no implica que se tenga que asistir a todos los conciertos. Es más, lo lógico es que uno, por ancho de miras que sea, siempre tenga preferencias y escoja los que más se ajusten a ellas sin dejar de interesarse por los demás. No tiene nada de malo, por ejemplo, que un guitarrista clásico quiera ir a ver a Manuel Barrueco y David Russell, pero también a Kee Marcelo. No sólo no es malo sino que es incluso sano y aconsejable para aprender algo nuevo y dejar que disfrute y se airee la mente. Lo curioso es que la circunstancia suele darse al revés, y ser el guitarrista heavy el que va a ver a Kee Marcelo, pero también a Gary Moore, Manuel Barrueco y David Russell. Durante el festival he podido observar situaciones parecidas a la comentada (y digo parecidas porque alguno de los artistas mencionados no llegó a actuar), y confirmar así mis sospechas. Y es aquí donde todo ese aura de culturetas decadentes de algunos sectores se desmonta por completo. ¿Quién es entonces el más culto? ¿El adalid de los valores de la guitarra clásica o el “macarra” que se interesa por este estilo, por otro y por el suyo propio? (Y antes de continuar he de aclarar que el que escribe estas líneas es profesor superior de guitarra clásica, y además de ello guitarrista –véase el que toca la guitarra, sea cual sea-, mejor o peor, pero guitarrista). Creo sinceramente que en pleno siglo XXI ya es hora de hacer frente común y aprender unos de otros. Sólo así evolucionará el arte de la guitarra. Si analizamos el otro gran punto que mencionaba arriba, el de los días del festival, hay que decir que ha jugado en su contra. El mero hecho de que el evento se prolongue durante la friolera de dos meses hace que no se tenga conciencia de festival, sino de conciertos aislados. Quizá hubiera sido preferible reunir un buen elenco de artistas en una misma semana, de modo que se creara una especie de ambiente característico. Es el modus operandi empleado por otras sedes, como por ejemplo la de Córdoba. E incluso como esta última añadirle una serie de clinics o clases magistrales que le habrían dado además un toque académico. También se podría haber pensado en un macro concierto de un par de días que reuniera a las figuras más importantes, tal y como sucedió en la edición de Leyendas de la Guitarra que tuvo lugar en Sevilla en el año 92. Pero esto sólo son ideas, conjeturas y sugerencias de cara a un futuro. Además de estos dos puntos, varios son los factores que han determinado el devenir de Guitarra Madrid. Por un lado la política de precios, por otro lado las sedes, y en tercer lugar la elección de artistas. Si hablamos de precios lo inevitable es decir que en este punto suspende estrepitosamente. No se pueden programar más de dieciséis conciertos a un precio que en todos los casos sobrepasaba (en algunos casos de forma escandalosa) los veinticinco o treinta euros. De ese modo alguien que hubiera querido ver todos los recitales se hubiera gastado en dos meses una cifra que rondaría los quinientos euros. ¡Y en tiempos de crisis! (de eso no tiene la culpa la organización, pero la verdad es que ha ayudado bien poco a olvidarse de ella). Se podrían haber hecho una serie de abonos, de forma que hubiera un abono general para todos los conciertos; otros que hubieran cubierto JOE BONAMASSA los conciertos agrupados por estilos (por ejemplo los dos de clásica o los tres de blues/rock), y descuentos por número de entradas (descuentos considerables por cada pack de tres entradas, por ejemplo), de modo que el que quisiera ver a tres artistas estilísticamente diferentes pudiera hacerlo sin tener después un agujero en su cuenta bancaria; amén de haber pensado en precios más populares ya de por sí. Incluso se podía haber hecho un estudio de mercado en el que se analizara a qué tipo de público van dirigidos los recitales, pues no es lo mismo un público joven y estudiante que uno adulto y económicamente más solvente. Las sedes elegidas también eran muy dispares, aunque lo cierto es que es lo de menos en un evento como este. Hay que reconocer el esfuerzo de la organización por cerrar sitios como el Auditorio Nacional, sin duda, pero que todo esté repartido por salas como ésta y otras tan diferentes como la Heineken o el Teatro Lara despista un poco. Tal vez hubiera sido más recomendable cerrar un solo sitio, dos a lo sumo, y llevar todos los conciertos allí. De nuevo son meras conjeturas, nada más.


GARY MOORE

Aunque lo que sí tiene bastante peso es la selección del elenco de artistas. De nuevo aplaudo el esfuerzo de la organización por elaborar un cartel amplio y para todos los gustos, pero se pueden puntualizar algunas cosas. A la hora de seleccionar músicos para un festival de guitarra creo que se podría haber sido mucho más preciso. Algunos de los elegidos son notables artistas, pero no destacan precisamente por ser grandes guitarristas (no niego que toquen la guitarra, e incluso que la toquen muy bien, pero no lo hacen de la manera que se ha de buscar a la hora de un ciclo como éste). Es el caso por ejemplo de Rosendo, Dayna Kurtz, Mónica Giraldo o Reincidentes, por citar sólo algunos ejemplos. Este aspecto es uno de los que más ha despistado al potencial público del festival (a los guitarristas por no considerarlos guitarristas, y a los no guitarristas por ver a dichos músicos en el cartel de un festival de guitarra, algo que a priori es ajeno a ellos). Para futuras ediciones se debería tener más tino. En cuanto a publicidad no se puede negar que se ha hecho, pero tal vez no del modo más efectivo. Ni se ha hecho una publicidad clara de los artistas como parte de un festival de guitarra (lo que comentaba antes del “ambiente de festival”), ni de los conciertos como entes independientes. De ese modo, el que se hubiera enterado de que tocaba, por ejemplo, Jackson Browne, no terminó de tener claro si tenía que ir al festival o si era sólo ese concierto. Además se ha hecho la publicidad en muchos casos en lugares donde por norma general no hay determinado público (por poner un caso, no es raro que el público rockero no escuche las emisoras generalistas de radio o no compre periódicos o revistas de música que no sean específicas).

El resultado de todo ello (crisis, precios, selección de artistas, espaciamiento temporal excesivo, publicidad, etc.) ha sido el que ya conocemos: primero llegaron los cambios de sala y de fecha (lo cual también contribuía a la confusión); luego los programas unificados (Scott McKeon/Jan Akkerman; Benito Cabrera/Mónica Giraldo) vista la poca venta anticipada; y por último las cancelaciones (Jackson Browne; Kee Marcello, Uli Jon Roth y Jorge Salán –concierto eminentemente guitarrístico, de los más interesantes del cartel en materia de guitarra, suspendido como resultado de la mala publicidad; Scott McKeon/Jan Akkerman; Benito Cabrera/Mónica Giraldo; Dayna Kurtz; Rosendo y Reincidentes; Diego del Morao; o lo que es lo mismo, la mitad de la programación); entradas incomprensiblemente paupérrimas (Manuel Barrueco), un montón de problemas y pocas alegrías. Entre éstas figuran Gary Moore, Joe Bonamassa y David Russell, por citar tres ejemplos diferentes entre sí. Gary Moore se presentaba en Madrid como una de las principales atracciones del festival, y ante un Palacio de los Deportes en formato reducido con un público bastante heterogéneo (desde rockeros y heavies hasta curiosos, pasando por los amantes del blues más clásico) fue desgranando clásicos sin descuidar su más reciente trabajo, “Bad For You, Baby”. Abrió con el tema “Oh Pretty Woman”, seguido del que da título al disco. Entre el repertorio, ligeramente retocado tras sus conciertos en Inglaterra a finales/mediados de abril, figuraban tres versiones: “Have you heard”, de John Mayall, que provocó una larguísima ovación; una “I love you more than you’ll never know”, de Al Cooper, que resultó bastante sosa y aburrida (se salvó el final, muy sentido, con en el que hizo gala de unos perfectos armónicos octavados); y la siempre efectiva “Walking by myself”, de Jimmy Rogers pero llevada a cotas más altas por el propio Gary Moore hace ya bastantes años. Por lo demás no faltaron sus temas, casi todos clásicos aunque intercalados con alguno del nuevo álbum, como una leñera “Down the line” o una participativa “Mojo Boogie”. “Since I met you baby”, “All your love”, “Too tired” y una infumable y terriblemente ñoña “I Had a Dream” (nunca entenderé el porqué de este tema) completaron el resto del concierto dejando para los bises “The blues is alright” (con la que levantó literalmente al público) y la celebérrima “Parisienne Walkaways”. Al final, y como era de esperar, ovación y todos contentos a casa. Joe Bonamassa, con su Rythm & Blues rockero, mostró al público madrileño por qué se merece un hueco entre los grandes de la guitarra por derecho propio. Con una sala Heineken a reventar de gente, y con aspecto de un Bryan Adams trasnochado, el tímido y peculiar guitarrista mostró unas maneras impresionantes a las seis cuerdas y a la voz, de modo que el recital se hizo muy ameno (tanto que pareció incluso corto a pesar de que el reloj indicara lo contrario). Simplemente espectacular. Así podemos definir su concierto y su despliegue de en el que mezclaba técnicas propias de la guitarra de blues, de rock e incluso de guitarra clásica (como el vibrato de la mano izquierda que utiliza en multitud de ocasiones, los armónicos octavados o la sexta cuerda en Re, mucho más habitual en obras clásicas). La combinación púa-dedos a ritmo vertiginoso también captó mi atención por encima de otras cosas (especialmente la habilidad para que no se notara en el sonido). En cuanto al repertorio nos ofreció un menú variado compuesto por “The ballad of John Henry”, “Last Kiss”, “So many roads”, “Mountain time”, “Further on up the Road”, “Sloe Gin”, “The great flood”, “Lonesome Road Blues”, “Happier times”, “Your funeral my trial”, “Blues Deluxe”, una acústica, brutal y espectacular “Woke up dreaming” (sin duda lo mejor del show), “Just got paid” y los bises “Story of a Quarryman” y “Asking around for you”. Seguramente ha sido la gran sorpresa de todo el festival, y esperamos que vuelva pronto. Cambiando completamente de registro y de escenario, David Russell fue la otra gran figura que brilló con luz propia. Posiblemente el mejor guitarrista clásico de hoy en día, interpretó un repertorio basado en obras de Isaac Albéniz y de Francisco Tárrega (de los que se cumplía el centenario de su muerte), aunque no se centró sólo en ellos. De hecho comenzó con piezas barrocas como la Sonata R. 46 de Vivaldi, y dos arias de Bach: la Pastorale (original para órgano) y el Aire en Sol (que como bien dijo el propio Russell tiene la curiosidad de que está transcrito en Re). Terminó su repaso al barroco con tres piezas de F. Couperin: Les Silvains, Les Barricades Misterieuses y Les Tours de Passe Passe. Un simpático recordatorio acerca de apagar los móviles arrancó una sonrisa al auditorio cuando dijo que si sonaba algún teléfono esperaba que fuera un Nokia; no por hacer propaganda sino porque la famosa melodía de la marca nórdica no es sino una adaptación de un fragmento del Gran Vals de Tárrega. Así, con interpretación incluida del mencionado fragmento en su contexto original, abordó su particular homenaje al compositor vila-realense tocando cuatro de sus obras menos conocidas: Paquito (un vals dedicado a su hijo), Sueño (un trémolo menos conocido que el famosísimo Recuerdos de la Alhambra), el vals Las Dos Hermanitas y Alborada (también conocida como “La cajita de música” por sus armónicos octavados, que el guitarrista interpretó con una precisión de cirujano). Hasta aquí cabe mencionar además que a excepción de las obras de Tárrega todas las demás eran arreglo del propio David Russell. La segunda parte fue algo más compleja, comenzando con Adagio et Polonaise de Dionisio Aguado, y seguido por una obra que el compositor S. Goss ha escrito especialmente para él basándose en el poema “Las seis cuerdas”, de Federico García Lorca (del que recitó un fragmento). Sin profundizar en el tema lo cierto es que una pieza contemporánea como ésta estaba fuera de lugar en el repertorio. Para teminar se escucharon dos piezas de Isaac Albéniz, Zambra Granadina y Torre Bermeja, ejecutadas de manera impecable. Para los bises escogió la Malagueña, de Albéniz, My Gentle Harp (una melodía tradicional irlandesa con bordón en Re que ya ha interpretado en otras ocasiones y que demuestra que no hay por qué ceñirse al repertorio cerrado de los compositores clásicos) y la Serenata Española, de Maratz. A destacar sin duda la elegancia del guitarrista, amén del sonido que consigue sacarle al instrumento y de su depuradísima técnica. Sus pasos del tasto al metálico son sencillamente sublimes, de modo que la dinámica de cada obra adquiere un colorido único. Sin duda un guitarrista elegante como ninguno capaz de hacer sonar la guitarra a un nivel donde muy pocos pueden llegar. Resumiendo, un festival con buena disposición y con buenas ideas pero que hizo aguas en lo más básico: la información y el cuidado del público. Desde aquí nos gustaría animar a la organización a que haya nuevas ediciones con el mismo espíritu de entender la guitarra de forma integral, no “sectaria” (el gran acierto de la propuesta del festival), pero que hayan aprendido de los errores para que podamos disfrutarlo en su plenitud, sin cancelaciones, sin precios excesivos y con el respeto y la entidad que un evento de tales características se merece. Habrá que estar atentos. Texto: Fernando Galicia Poblet Fotos: www.metalsymphony.com


METALLICA + MASTODON + LAMB OF GOD 2 4 / 0 6 / 2 0 0 9 , PA L AC I O D E L O S D E P O RT E S, M A D R I D Primera noche de las dos que confirmo Metallica en Madrid, Sold out para los dos días, ambiente no iba a faltar, quizás se quedo algo pequeño para lo que puede reventar esta gran banda. La apertura de puertas fue a las 6:30 y poco a poco fue entrando la gente, a eso de las 7 con todo montado saltaron Mastodon, como viene siendo habitual en estos conciertos los primeros son una prueba de sonido, todo muy embarullado; creo que Mastodon no cogió la onda al concierto, en contra tenían sonido y duración, tan solo media hora, pero en un escenario rectangular en pleno centro de pista no podían estar tan estáticos como estuvieron, solo Brent Hinds se animo a dar una vuelta. De los temas que tocaron destacan “Wolf is loose” y “Blood and Thunder”. Con esto se llego al descanso y a desmontar todo el equipo de Mastodon, para ello subieron al escenario unas 15 personas y en un rato todo estaba listo, saltaron a escena Lamb of god. Tuvieron un mejor sonido y sobretodo aprovecharon su actuación, animaron y contribuyeron a que la gente saltase y cantase algunas de sus canciones. “Dead seeds”, “Laid to rest” y “Get to fail”, fueron algunos cortes con los que mas se vivió el concierto, se noto también que contaban con un grupo numeroso de fans. El batería Chris Adler se situaba en una esquina del escenario, mientras los demás campaban a sus anchas. Fue una buena actuación, con una duración de 45 minutos. Quizás perdieron un poco de garra en directo, ya que en los discos se nota algo mas bestia por decirlo de algún modo su sonido. Otra vez a desmotar y subieron todos a una, ese ejercito de personas que hacen que se intente llevar a cabo el horario. Una de las cosas que mas llamo la atención fue la escalada hacia las luces de 4 personas donde se situaban unas especies de sillas con un foco enorme con el cual alumbrar a los que, para muchos son los reyes del Thrash metal mundial, Metallica. La gente ya sabia lo que iba a suceder y empezaron canticos como el oe oe y se empezó a hacer la ola, una verdadera fiesta. Una vez recogido y preparado, todo listo para que saltasen a escena, la espera mas larga de todo el concierto, con unos 20 minutos de retraso aproximadamente salieron, con su intro ya clásica que todo el mundo tarareo. El palacio enloqueció, gran estruendo para las primeras notas de “That Was Just Your Life” un juego de luces láser magnifico enfervorizo a la gente. James empezó a cantar por uno de los 8 micros que había sobre el escenario y una sola luz alumbraba a James, sin tiempo para ovacionar o asimilar “The End Of The Line” y un juego de luces ilumino el escenario. Hello Madrid grito James a las 17000 almas que abarrotaban el palacio, gente por todos los lados y un gran despliegue de gente para acomodar a cada persona en su sitio. “For Whom The Bell Tolls” fue el primer zarpazo donde James no paro de animar, tienen experiencia en esto y saben como animar el cotarro, Lars acabo de pie y se fue a saludar a la gente. Uno de los primeros emblemas de Metallica, disparos, fuego y… “One” cayo como agua de mayo, la verdad que todos los temas son muy bien recibidos aunque no sea el concierto de su vida pero Metallica es Metallica y se nota el respeto y la admiración. Siguieron presentando su nuevo álbum de estudio “Death magnetic” del cual se tocaron 6 temas, algunos dicen que fueron muchos creo que son canciones buenas las que tiene este disco, pero quizás quitando una o dos hubiese estado bien “Broken, Beat And Scarred “, “Cyanide” fueron las encargadas. “Sad but true” y la inesperada versión de Bob Seger, “Turn The Page”, “All Nightmare Long” y “The Day That Never Comes” cerraron la presentación de “Death magnetic”. James muy comunicativo con el publico en todo momento dijo algo que se gano la ovación del respetable, “podéis compraros un cd o una bonita camiseta, pero…hoy estáis aquí”, el apoyo al grupo a sido muy incondicional en algunos casos a los largo de la historia y así lo demostró la gente. Master Of Puppets también se dejo caer con el juego de luces en forma de ataúd que bajaba hasta casi rozar sus cabezas. El intro de algunas canciones estaban pregrabadas, algo que Metallica lleva haciendo unos años. Un momento de relax llego cuando tocaron “Nothing Else Matters” con James sentado en una silla, y el publico coreándola. Otro tema mas para añadir fue su inmortal “Enter Sandman”, y otra versión esta vez fue “Blitzkrieg” y llegando al final; solo 3 words grito James, “Seek And Destroy” y decenas de pelotas hinchables invadieron la pista, esta canción resume casi el concierto, disfruto todo el mundo, aunque Metallica no este a pleno gas siempre, quieras o no sales contento porque hay algún tema que te sorprenderá, se hecho en falta “Creeping Death” y Fuel especialmente, pero dos horas y algo de concierto, aguantaron el tipo y un publico muy fiel, esperemos que duren mil años mas para poder disfrutar de Metallica en vivo. Texto: Borja Guijarro SET LIST METALLICA: That Was Just Your Life

One

All nightmare long

Enter sandman

The End Of The Line

Broken, beat and scarred

The day that never comes

Blitzkrieg

For Whom The Bell Tolls

Cyanide

Master of puppets

Motorbreath

Holier Than Thou

Sad but true

Battery

Seek & destroy

One

Turn the page

Nothing else matters


EMPIRE (EM): Hola Joey. En primer lugar, ahora que ya habéis tocado en directo el tema “Last look at Eden” en varios festivales este verano ¿cómo crees que ha sido la respuesta del público con él? JOEY TEMPEST (JT): ¡Fue muy, muy buena! Estoy muy contento con la manera en que está siendo acogida. Nosotros ya pensábamos que podía ser así de buena, y se puede convertir en un nuevo clásico de Europe a lo largo del tiempo. La manera en que comienza, la cadencia que lleva... (tararea el principio de la canción) es fantástica. ¡En directo suena grandiosa! EM: Por lo que se ha escuchado en el EP los temas “Last Look at Eden” y “U Devil U” respiran un aire algo más melódico y menos oscuro que en los dos álbumes anteriores (especialmente U Devil U), aunque manteniendo el mismo sonido saturado que en éstos ¿Qué nos puedes comentar acerca del disco? ¿Es realmente menos oscuro? JT: Es más asequible. Tiene algunas canciones realmente heavies, quizás algunas letras serias... pero en general es un álbum de Rock con temas más divertidos. Tiene letras más divertidas, como por ejemplo “Mojito Girl”. “The beast” suena fantástica, “Catch that plane” o “U Devil U” suenan más sexy, con mucho groove, muy de los 70’s. Y luego hay temas realmente majestuosos como “Last look at eden” o “No stone unturned”. Sí que hay cierta variación con respecto a los anteriores discos, y el resultado es muy especial para nosotros, con melodías y un rock muy clásico. EM: A mí me parece que es un disco más rockero y menos heavy en el sentido estricto de la palabra. JT: Sí, pero hay cortes como “The beast” que suenan muy heavy, o “Run with the angels”, más frío aún, que también suena jodidamente heavy. ¡Es enorme! Creo que en general es más un álbum de Rock clásico, pero con un sonido moderno EM: ¿Cuáles son tus temas favoritos del nuevo álbum “Last look at Eden”? JT: Realmente me gusta “Last look at eden”. Creo que es un tema majestuoso y realmente bueno. También “Gonna get ready”, con un rock muy callejero y que me da muy buen rollo. Y “The beast”, que suena fantástica. “Catch that plane”, muy sexy; es un gran tema.

Eu

EM: Ahora que han pasado ya unos años desde que volvieron y editaron “Start from the Dark” y posteriormente “Secret Society” ¿cómo están viendo esta nueva etapa de Europe? ¿Qué tal se ven dentro del panorama del Heavy/Rock actual? JT: Bueno, desde “Start from the dark” hasta “Last look at Eden”, con “Secret socierty” en medio, ya son tres álbumes. Y en nuestros planes está seguir sacando discos para establecernos otra vez en el panorama, tener contacto con nuestros fans y ofrecerles realmente un producto nuevo, seguir girando... El plan es seguir trabajando para obtener finalmente reconocimiento en lugares como Gran Bretaña, comenzando como una banda más de Heavy Rock, tocando en clubes de Londres y apareciendo en las revistas de Rock clásico. Es algo nuevo para nosotros ¿sabes?. Nos estamos convirtiendo finalmente en una banda respetada, pero hay mucho trabajo detrás. EM: ¿Podemos decir que Europe está viviendo una segunda juventud? JT: Sí. Realmente nos sentimos así, y es un buen sentimiento. Hay un montón de buenos momentos recogidos en este disco ¡Es muy excitante! EM: Cada vez vemos más temas de su nueva etapa dentro de los set list y menos clásicos. Lógicamente entendemos que tienen que defender estos temas más recientes pero ¿no tienen miedo de perder a los fans de toda la vida? ¿Qué les dirían a estos fans? JT: En un futuro estarán equilibrados. No estaría mal llegar a un 50%-50%. Nos encanta tocar los grandes clásicos, pero también nos gusta tocar los temas nuevos. Intentamos que haya una buena mezcla de temas antiguos y nuevos. Lo que tenemos que hacer es sentirnos bien; tenemos que sentirnos excitados, vivos, y eso lo conseguimos con nuestros nuevos temas. Pero procuramos hacer una buena mezcla, pero seguimos trabajando en ello. Hay mucha gente a la que le gustan temas como “Always the pretenders”, “Start from the dark”, “Hero”... y para algunos de ellos se están convirtiendo ya en clásicos. Poco a poco lo van haciendo. Pertenecen a ese grupo de canciones candidatas a ello.

EM: Hoy hemos conocido, por desgracia, la muerte de Marcel Jacob, que además de Talismán fue parte integrante de Force, los primeros Europe. ¿Cómo fue su paso por la banda? JT: Es muy triste. Es una noticia muy, muy triste. Era muy amigo de todos nosotros. Yo escribí una canción con él, “Scream of Anger”, para el segundo disco de Europe. Marcel estuvo en la banda unos cuantos meses, cuando John Leven aún estaba trabajando con Yngwie Malmsteen. Era un bajista con mucho talento; un músico talentoso, un hombre inteligente y divertido. Le echaremos mucho de menos. Ahora estamos todavía muy sorprendidos. Éramos muy amigos. John Norum me dio la noticia ayer y aún estoy en estado de shock, lo siento. EM: Este verano han venido a España a tocar en Cáceres (Festival del Oeste) y en Zaragoza (Metalway). En el primero tuvieron que suspender el concierto por la lluvia, y en el segundo lucharon contra el viento, siendo una de las mejores actuaciones del festival. ¿Cómo fue la experiencia? JT: ¡El huracán! ¡Tocando con el huracán! ¡Un huracán en España! ¡Qué locura! Lo cierto es que nos preguntaron si queríamos cancelar el concierto, pero les dijimos “No, no, no. Queremos tocar para nuestros fans españoles”. Y lo hicimos. ¿De verdad fue tan buen concierto? ¡Gracias! Eso está bien. EM: ¿Cómo serán sus conciertos en enero? ¿Hay alguna curiosidad que debamos saber? JT: Yo espero que juntos (nosotros y el público) hagamos que sean muy buenos conciertos. Presentaremos los nuevos temas de “Last look at Eden”, pero por supuesto tocaremos también nuestros grandes hits. Además haremos algún juego de luces que ayude a crear una atmósfera adecuada. Cuando vamos a los festivales es muy diferente, porque prácticamente tienes que tocar con lo que hay allí. Lo que vamos a buscar es hacer un show excitante. EM: ¿Qué opinas de vuestros fans españoles? Sinceramente creo que hay una conexión muy buena entre Suecia y España ¿sabes? A vosotros os encanta el Rock, el Hard Rock. Desde que hemos vuelto a los escenarios siempre que planeamos un tour venimos a España. Nos encanta tocar aquí. Es fantástico.

rope están viviendo una segunda juventud. “Last look at Eden” así lo atesora. Después de verles este verano en Metalway y Hellfest nos citamos con Joey Tempest en un hotel de Madrid para que nos cuente algunas cosas de su reciente lanzamiento y algunas cosas más… como el repentino fallecimiento de Marcel Jacob. Esto fue lo que nos contó el afable mito de Europe… Por Fernando Galicia Poblet

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