Saul Leiter - Colors

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Saul Leiter

Co lors



Saul Leiter Colors

This book is published on the occasion of the exhibition Saul Leiter — Early Color Musée de l’Elysée, Lausanne 13 September – 20 November 2011 The exhibition received support from Bank Degroof and Aforge Finance © Saul Leiter / Howard Greenberg Gallery for the photographs © Sam Stourdzé for the interview with Saul Leiter © Musée de l’Elysée / IDPURE éditions, 2011 ISBN 978-2-9700702-2-8

Saul Leiter Colors Editor Sam StourdzĂŠ

From the Art Pradier collection


























Images Index

4 – 5 Untitled, 1950

6 – 7 Postmen, 1952 Collection privée, Paris

8 – 9 Fire Hydrant, 1957 Collection privée, Paris

Newspaper Kiosk, 1955

10 – 11 Red Umbrella, 1957

12 – 13 Green Light, 1955 Collection privée, Paris Untitled, around 1950

Snow Scene, 1960 Collection privée, Genève

18 – 19 Window, 1957

20 – 21 White Brooklyn, 1949

Walk With Soames, 1958

Dog in Doorway Paterson, 1952 Collection privée, Paris

Red Lights, 1957

16 – 17 Phone Call, 1957

14 – 15 Smoking, 1953

22 – 23 Mondrian Worker, 1954 Collection privée, Genève

24 – 25 Horse, 1958

26 – 27 Untitled, New York, 1950 Worker, 1956

Sign Painter, 1954 Collection privée, Paris

28 – 29 Red Stairs, around 1950

30 – 31 Tanager Stairs, 1954

32 – 33 Yellow Scarf, 1956 Collection privée, Genève Untitled, 1959

34 – 35 Seeds, 1954

36 – 37 A Spanish Market, Spain, 1952 Collection privée, Paris Foot on El, 1954


38 – 39 El, 1954

40 – 41 Kutztown, 1948

42 – 43 Lanesville, 1958

44 – 45 Untitled, 1998 Lanesville (Variant), 1958

Harlem, 1960

46 – 47 Untitled, Venice, 1950

48 – 49 Shopper, 1953

Door, Harlem, 1959

Paris, 1959

52 – 53 Bus, New York, 1954

54 – 55 Parade, 1954

5th Avenue Bus, around 1955 Collection privée, Genève

Rolls-Royce, New York, 1950

50 – 51 Untitled, around 1950

56 – 57 Taxi, 1957

58 – 59 Limousine, 1958

60 – 61 Through Boards, 1957

62 – 63 Harlem, 1966

Canopy, 1958

64 – 65 Sign Painter, 1949

66 – 67 Looking Down, 1953

Harlem, 1960 Collection privée, Paris

The photographs, when not specified, belong to the Art Pradier collection, Paris, and are Cibachrome prints. Les photographies, sauf indication contraire, appartiennent à la collection Art Pradier, Paris, et sont des tirages Cibachrome.


Saul Leiter or the art of going unnoticed Interview with Sam StourdzĂŠ

Family My father was a rabbi, a great Talmudic scholar learned in many ways, a linguist and a very, very charming man. He left Poland for Vienna and went on to become a rabbi in Holland. Within a few months, he mastered the language of the country in which he spent some time. On walks with my father he would stop and talk with an Italian shopkeeper and then a Greek shopkeeper and then on and on. That was in Pittsburgh, the city in which I was born in 1923 and where I grew up. On my return after a month-long trip to Paris, my father asked me if I spoke French. He was disappointed to hear that I did not. We were four children, three boys and a girl. My father was worldly. He was friendly with priests and ministers ; we had friends and neighbors who were not Jewish. But his tolerance did not extend to his sons’ lives. He could only imagine them becoming rabbis. My two brothers fulfilled his ambitions. But just two, that was not enough… My father disapproved of my turning away from his world and obviously he was very disappointed. I was closest to my sister. I encouraged her to paint. She had talent. She made beautiful little paintings. My family of course was unhappy about that. Unfortunately she became schizophrenic. I am not religious. When I was talking about it to Soames1, she replied : “That’s what you think.” Matisse said, I think, that when he worked he felt the presence of God or something like that. I hope I am not misquoting him. Soames was deeply religious and a very fine artist. She was my friend for many, many years. The Beginnings As a child, when I needed something, I asked my mother. I nagged her endlessly. I remember having asked her for a camera. She got me a Detrola. I still have pictures from this camera I did when I was thirteen. When I left 76

home, I started to think about what I could do and how I could earn a living. I became friends with the painter Richard Pousette-Dart, abstract expressionist painter of the New York School, a great artist, whose true value has never actually been recognised. Richard did some photography. He liked it and encouraged me to do the same. I think I began to take it more seriously then. I grew up in a world where I was not prepared for anything. I grew up in a world where I studied what God wanted. One day I met with an editor who was fond of my work, and the conversation went something like this. She said : “Saul, what are you going to do for a living ?” And I said, “Perhaps I can do fashion photography.” And she said, “You can’t really do that. Impossible. That is what my husband is trying to do, but without much success.” It must be mentioned that in my life I constantly heard “You can’t do this. You should not do that.” Yet I did so many things I was told I couldn’t do. One day Bob Weaver, a very unusual artist and friend asked me to see Henry Wolf 2. The first time I saw him, I showed him my black and white photographs. The next time, I showed him color photographs that he liked very much. He then told me that he was going to be the art director of Harper’s Bazaar and that he would like it if I worked for the magazine. In order to build a career and to be successful, one has to be determined. One has to be ambitious. I much prefer to drink coffee, listen to music and to paint when I feel like it. I prefer so many things than to plotting how to conquer the world. I must admit that I never found ambitious people very attractive. By the way, my great ambition in life was to pay my light bill [he laughs]. I go out to take a walk, I see something, I take a picture. I take photographs. I have avoided profound explanations of what I do. When I was younger there were very few photography galleries. Photography was not what it has become. Photographers had not yet been called artists. That happened later. I visited exhibitions at the Museum of Modern Art. I remember an

Atget exhibition that really impressed me. I also was very excited by a Cartier-Bresson exhibition. Then I discovered the work of Kertész, Brassaï, Walker Evans, Boubat… Friends Eugene Smith, who was friendly with Gene Pearson, who was friendly with my sister and me suggested I see Steichen. Steichen noticed I had holes in my loafers [he laughs] but nevertheless included me in the exhibition Always the Young Strangers at the MoMA3. At the time I was unaware that it was a big thing. I was invited to show my work in the Steichen exhibition Family of Man but for some reason I did not submit. He may have been annoyed with me. I do not know. Over the years I have for unknown reasons avoided certain opportunities. My life is full of unused opportunities. Just a few days ago I found a letter that I had slipped into a book. It remained there for about thirty years. I opened it — it was an invitation to participate in an exhibition. I do not see myself as someone with a political agenda. I never was an extreme activist. The revolutionary business doesn’t appeal to me and I am very suspicious of pretended idealism. I do sympathise with those who suffer and those who are poor, those who live under terrible conditions. But in my photographs, I don’t do much for them. My photographs have not contributed to the improvement of mankind’s condition but I’d like to think that the work I do gives others pleasure. I was not a member of the Photo League, but I was to hold an exhibition there. Eugene Smith had suggested showing my work with that of Robert Frank. Unfortunately, the Photo League closed down before the exhibition was to start. I knew very few photographers. I never really talked with other photographers about my work. I used to see Lisette Model and her husband in the street but I did not know them. My attitude is probably strange. I never felt the need to know everybody. I was never like that. I always had too 78

much respect for certain people. I didn’t want to impose myself. At the time I was a very young person who took photographs and these people were very well known. I knew Lou Faurer and Robert Frank. We never spoke of photography. I don’t know if any one of them knew at that time that we constituted a school. Sometimes historians create movements much later. It seems like this is the case of the New York School4. Robert Frank once came into the L&M… this sounds like I made it up. He came in and I was sitting there, and he said he was going back to Switzerland. I asked him why, and he said : “There’s nothing to photograph here !” And this was before [he laughs] he did The Americans. Possibly he was in a bad mood that day. I knew Lou Faurer. One day Robert Frank asked me to help Lou who had a job. I went to Lou’s studio and all sorts of stuff was going on. Lou was examining his film before it was even fixed to see what was what. At some point I felt useless and left. Lou felt betrayed and angry and for a long time did not talk to me. Then one day he stopped me in the street and asked me to help prepare his son for his bar mitzvah. I told him I was in another business. I think Lou Faurer is a great photographer who was not properly appreciated or understood. Color One day I bought a roll of color film and I took pictures. Then I got a small box with slides. I liked what I saw. I liked color even though many photographers looked down on color or felt it was superficial or shallow. There was a preference for black and white. The history of art is full of attempts to belittle color. There was a time when Rubens was found to use too much color and Michelangelo thought that Titian could do a better job at drawing. He felt that he was also too colorful but then recently after cleaning Michelangelo’s Sistine Chapel it was discovered there was much more color in his work than had been thought [he laughs].

I projected my color photographs. Sometimes I invited my friends to come and see them. At the time I couldn’t afford to have prints made. Later, Martin Harrison introduced me to a number of labs. I worked with Philippe Laumont 5. But many pictures still remain unpublished. One day, I would need someone to finance the exploration of my archives and continue to edit my best photographs. I have very often said that I don’t really know my work. I have thousands of color slides that have never been printed and quite possibly never will be. You know, most photographers file and keep their works fairly well organized. They know what they did. They know things and they can find it quickly. This isn’t true of me. I have sometimes defended my confusion and I have also been driven mad by it. I am not organized and there is little logic in my way of working. There is a certain logic in the way I work but it is not apparent. I recently read at the death of Walker Evans that there were boxes of negatives in various states of confusion at his place. If it’s true, I was glad to hear that. A kindred spirit [he laughs]. I take photographs in my neighborhood. I think that mysterious things happen in familiar places. We don’t always need to run to the other end of the world. I like ambiguity in a photograph. I like it when one is not certain of what one sees. When we do not know why the photographer has taken a picture, and when we do not know why we are looking at it, all of a sudden, we discover something that we start seeing. I like this confusion. Painting I was a painter before becoming a photographer. One day — I was still at the theological school — we were visiting the girlfriend of a friend. She was painting. I saw her work and decided that I would like to try and paint. I bought everything I needed and copied a Vermeer. I never took any lessons. Later, this first painting disappeared from the framers. I must admit that I felt a sense of pride. 80

As a university student, I spent my summers at the library of the University of Pittsburgh. At that time, I knew very little about art. I had only taken a course in French painting. The library had an usual collection of precious books. I spent my days there, from morning till night. Today, this is unthinkable. I sat in the reading room and looked at everything. I liked everything. I discovered a new world. One day, it was Greek sculpture, the next, it was African sculpture, later, Peruvian textile. No one explained anything to me. No one taught me anything. And I responded with delight and great pleasure. It was my education. Even today, I haven’t lost the pleasure I take in looking at things and admiring things and in taking photographs and in painting. Sometimes, I wake up in the middle of the night and take out a book on Matisse, or Cézanne, or Sotatsu. A detail that I had not noticed suddenly catches my attention. Painting is glorious. When I am lying in bed I think about painting. I love photography but it is not painting. I always practiced photography quite freely, without having in mind any paintings or photographs. Those who see my paintings think that there is a relationship between the use of color in my paintings and photographs. When I paint, I play with color. Sometimes I know what I am doing and sometimes I discover things while I am painting. Often, I start by doing and then think. I reflect upon what I have done. I must admit that I am not a member of the Ugly School. I have a great regard for certain notions of beauty even though to some it is an old fashioned idea. Some photographers think that by taking pictures of human misery, they are addressing a serious problem. I do not think that misery is more profound than happiness. Being Unnoticed I spent a good deal of my life being unnoticed. I was perfectly happy that way. Being unnoticed is a great privilege. To be an important person involves a great deal of effort. Quite often it’s not worth it. You know, when

I was living with my parents, I was observed all the time, from the morning till the evening. At the age of six, I woke up at five in the morning, went to school and then came back and then I prayed. Days passed, one quite like the next. The notion of being left in peace, alone, is quite an appealing one. Many want to be rich, famous and successful. Me, I just wanted to be left in peace. Martin Harrison was the first to mention me in his book on fashion photography 6, then there was the book by Jane Livingston on the New York School. It was Avedon who suggested to Jane that she see me. I don’t know if my life was what I would have liked it to be, as I never knew what I wanted. I think that I learned to see what others see and do not see. One of the things photography has allowed me is to take pleasure in looking. I see this world simply. It is a source of endless delight. Marvin Israel said to me : “You could have been great if only you cared.” Perhaps, Marvin, I did care [he laughs]. I laugh too much. It’s a minor fault. This interview was published by Steidl Publishers in the catalogue Saul Leiter accompanying the exhibition organized by the Foundation Henri Cartier-Bresson, Paris, in 2008. The English original version and its translation were processed in a slightly different way for the English and the French editions of the catalogue, and are here reproduced as they were. 1. Soames Bantry was Saul Leiter’s partner. They were together for 45 years. 2. Back then Henry Wolf was the art director for Esquire. 3. Steichen was the curator of the photo department of the MoMA. In 1953, he organized an exhibition, Always the Young Strangers, where Saul Leiter’s works were shown alongside those of Roy DeCarava and Leon Levinstein. Furthermore, the MoMA organised travelling exhibitions featuring Saul Leiter’s works, especially the exhibitions Contemporary Photography and Contemporary American Photographers in 1953. 4. The concept of the “New York School” was developed by Jane Livingston in her book The New York School, Photographs 1936–1963, New York, Stewart, Tabori, & Chang, 1992. 5. Philippe Laumont heads one of the biggest photo laboratories in New York. 6. Martin Harrison, Appearances, Fashion Photography since 1945, New York, Rizzoli, 1991.


Saul Leiter ou l’art de passer inaperçu Entretien avec Sam Stourdzé

La Famille J’ai grandi au sein d’une famille religieuse. Mon père était rabbin. C’était un homme très particulier. Ma famille a quitté l’Europe parce qu’elle n’y était pas bien traitée, et mon père se souvenait des pogroms. Il était parti de Pologne pour Vienne, puis il fut rabbin en Hollande. En quelques mois, il maîtrisait la langue des pays où il passait. Il était très doué. Je me souviens qu’ensemble, nous allions souvent à la boutique du coin de notre rue, tenue par des Grecs, il leur parlait en grec ; un peu plus loin, nous rencontrions des Italiens, et il échangeait en italien. C’était à Pittsburgh, la ville où je suis né en 1923, et où j’ai grandi. Mon père a-t-il jamais été fier de moi ? Au retour d’un séjour d’un mois à Paris, comme il me demandait si je parlais français, je lui répondis que non. Il fut déçu. Nous étions quatre enfants, trois garçons et une fille. Mon père était plutôt respectueux, ouvert. Il connaissait un prêtre catholique, nous avions des amis, des voisins, qui n’étaient pas juifs. Mais sa tolérance ne s’appliquait pas au destin de ses fils. Pour eux, il n’envisageait qu’un seul avenir : le rabbinat. Mes deux frères ont répondu à ses attentes. Mais deux, ce n’était pas suffisant… Mon père et moi, nous n’avons jamais vraiment parlé. Il désapprouvait mon travail, la vie que j’avais choisie. J’ai aussi une sœur que j’aime beaucoup. Elle avait du talent. Malheureusement, elle est schizophrène. C’est un peu comme si je l’avais perdue. Je ne suis pas religieux. Quand j’en parlais avec Soames1, elle me répondait : « C’est ce que tu crois… » L’art est certainement l’expression de profonds sentiments religieux. Matisse disait — à peu de chose près — que c’était en peignant qu’il croyait en Dieu. 86

Les Débuts Enfant, lorsque j’avais besoin de quelque chose, je m’adressais à ma mère. Je me souviens que je lui avais demandé un appareil photo. Ensuite, quand j’ai quitté la maison, j’ai commencé à me demander ce que je pourrais bien faire. Comment allais-je vivre, gagner ma vie ? C’est à cette époque que je me suis lié d’amitié avec Richard Pousette-Dart, peintre expressionniste abstrait de l’école de New York, un grand artiste à mon avis, qui n’a jamais été reconnu à sa juste valeur. Richard faisait de la photographie, il aimait la photographie, il m’a encouragé. En réalité, je n’avais pas été préparé à vivre par moi-même dans ce monde. Un jour, j’ai eu une discussion avec l’une de mes amies qui travaillait pour un magazine. Ça ressemblait à ceci : « Mais Saul, que vas-tu faire pour vivre ? » « Peut-être que je pourrais faire de la photographie de mode. » « Tu ne peux pas faire ça. Impossible. C’est ce qu’essaie de faire mon mari, mais sans succès ! » « Je ne vois pas le rapport avec moi ! » Il faut savoir que ma vie a consisté en une répétition permanente de : « Tu ne peux pas faire ceci… tu ne dois pas faire cela… » J’avais juste envie d’en sortir. Un jour, un ami qui travaillait pour Henry Wolf 2 me conseilla d’aller le voir. La première fois, je lui ai montré des photos en noir et blanc. Il m’a encouragé à revenir. La fois suivante, je lui ai montré des photos couleur, il les a beaucoup aimées. Il m’a alors annoncé qu’il allait prendre la direction artistique de Harper’s Bazaar et qu’il serait heureux que je collabore au magazine. C’est ainsi que j’ai commencé à gagner un peu d’argent et à travailler pour lui. Pour faire carrière, pour avoir du succès, il faut le vouloir. Il faut être ambitieux. Moi, j’ai plutôt tendance à rentrer à la maison après le travail, et à peindre un peu, ou à boire un café, ou à écouter de la musique. En aucun cas je ne voulais conquérir le monde. D’ailleurs, je n’ai jamais trouvé les ambitieux très attirants. [Il rit…] Lorsque je photographie pour moi, je n’ai rien de particulier en tête, je ne planifie pas. J’aime juste prendre des photos. J’aime certaines choses.

Je n’ai pas de philosophie de la photographie. Plus jeune, lorsque j’ai commencé à m’intéresser à la photographie, il était difficile d’en voir. Je regardais beaucoup de livres, je visitais les expositions du musée d’Art moderne. Je me souviens d’une exposition sur Atget, qui m’avait vraiment impressionné. Puis j’ai découvert le travail de Kertész, de Brassaï, de Walker Evans, de Cartier-Bresson, de Boubat aussi… Les Amis J’étais ami avec Eugene Smith. Il m’a recommandé à Steichen, et Steichen a présenté mon travail dans l’exposition Always the Young Strangers, en 1953 au MoMA3. J’aurais dû faire partie de l’exposition de Steichen The Family of Man. Je ne me souviens plus exactement des circonstances, mais j’ai réussi à ne pas soumettre mes photographies à temps ! Ma vie est remplie d’opportunités qui se sont succédé, et que je me suis régulièrement évertué à manquer. Il y a quelques jours encore, j’ai retrouvé une lettre que j’avais glissée dans un livre. Elle y était restée près de trente ans. Je l’ai ouverte : c’était une invitation à participer à une exposition ! Bien sûr, je suis allé voir The Family of Man. C’était une exposition de photographie, mais c’était autre chose aussi. Comment dire… la photographie au service de l’humanité. Je dois avouer que ça ne m’intéressait pas vraiment. Je ne me perçois pas comme politiquement engagé. Je n’ai jamais été un sympathisant communiste, je n’ai jamais été attiré par les idéaux révolutionnaires. Les idéalistes ont d’ailleurs trop d’occasions d’être corrompus… J’ai pourtant tendance à avoir de la sympathie envers les êtres qui souffrent, ceux qui traversent des périodes difficiles, les malades mentaux, les schizophrènes. Mais, à travers mes photos, je ne fais pas grand-chose pour eux. Mes photos n’ont pas contribué à améliorer la condition de l’humanité. Je n’ai pas fait partie de la Photo League, mais je devais y exposer. 88

Eugene Smith avait proposé de montrer mon travail avec celui de Robert Frank. Manque de chance, la Photo League a fermé juste avant… Ce fut encore une opportunité manquée. Parfois, je croisais Lisette Model et son mari dans la rue… mais je ne les connaissais pas. Mon attitude est peut-être étrange. Je sais que d’aucuns veulent rencontrer à tout prix les gens qu’il faut connaître. Je n’ai jamais été comme ça. J’ai toujours eu un peu trop de respect pour certaines personnes. Jamais je n’ai pensé que je pouvais essayer de les rencontrer. Je ne voulais pas les importuner. Je crois que j’ai un talent pour passer inaperçu ! Je connaissais Eugene Smith, Louis Faurer, Robert Frank. Mais, ensemble, nous ne parlions jamais de photographie. Je ne sais pas si l’un de nous pensait à l’époque que nous formions une école. Parfois, les historiens créent des mouvements a posteriori. Il me semble que c’est le cas de cette école de New York 4. Toutefois, il y avait des liens forts qui m’unissaient avec certains photographes. Je connaissais Robert Frank, c’était un ami. Un jour, il est venu ici. J’étais assis là. Il disait qu’il voulait rentrer en Suisse. Je lui ai demandé pourquoi. Frank a simplement répondu qu’il n’y avait rien à photographier ici ! Et pourtant il n’avait pas encore fait The Americans. Ce jour-là, il devait être de mauvaise humeur. [Il rit…] J’étais aussi très lié à Lou Faurer. Un jour, Robert Frank m’a demandé si je pouvais aider Lou qui venait d’obtenir une commande. Je suis allé dans le studio de Lou. Il s’y passait de drôles de choses. Lou, par exemple, examinait ses négatifs avant qu’ils soient totalement fixés… à un moment, j’ai pensé que j’étais inutile et je suis parti. Lou s’est senti trahi, il était en colère et pendant longtemps, il ne n’a plus adressé la parole. Et puis un jour, il m’a arrêté dans la rue et m’a demandé de l’aider à préparer son fils pour sa bar-mitzvah. Je lui ai répondu que j’étais occupé par

autre chose… J’ai toujours aimé le travail de Louis Faurer. Il n’a pas été reconnu à sa juste valeur. Je crois qu’il n’a pas été compris par les gens pour lesquels il travaillait. La Couleur Un jour, je m’ennuyais. J’ai pris un rouleau de film couleur. J’ai photographié. Ensuite, j’ai reçu une petite boîte avec des diapositives, et ce que j’ai vu m’a plu. Je trouvais ça intéressant. J’ai toujours été attiré par la photographie couleur, même quand elle n’était pas à la mode. Pendant longtemps, beaucoup n’ont juré que par le noir et blanc. Les gens pensaient que la photographie couleur était une chose superficielle. Mais chaque période de l’histoire revisite son passé. L’histoire de l’art est truffée d’exemples : il fut un temps où l’on trouvait que Rubens était trop coloré, un temps où Michel-Ange pensait que Titien aurait pu dessiner un peu mieux… Mes photos couleur, je les projetais. Parfois j’invitais des amis à venir les voir. Très souvent, je n’ai pas eu les moyens de faire autant de tirages que j’aurais souhaité. Je n’avais pas d’argent. Un jour, Martin Harrison m’a présenté à Philippe Laumont 5. Laumont m’a proposé un arrangement : il ferait quatre tirages de mes photos, m’en donnerait trois et en garderait un pour lui. Aujourd’hui, il a certainement la plus grande collection de Saul Leiter ! Mais beaucoup d’images sont toujours inédites. Un jour, j’aurais besoin d’une bourse pour explorer mes archives et continuer à ressortir les meilleures photos. Je ne me souviens plus si, à l’époque, ces photos ont été reproduites ou non… Vous savez, la plupart des photographes archivent, conservent, ils savent ce qu’ils ont fait. Moi, je ne le fais pas. Il faut comprendre que je ne suis pas organisé, qu’il n’y a pas de logique dans ma façon de travailler. J’ai lu récemment qu’à la mort de Walker Evans, on a trouvé chez lui un sacré bazar. Je dois dire que ça m’a fait plaisir. J’aime savoir cela… Souvent, je sors pour marcher autour de chez moi. Beaucoup de photographies sont prises dans mon quartier, autour de mon bloc. Il me semble 90

que des choses mystérieuses peuvent prendre place dans des lieux familiers. On n’a pas toujours besoin d’aller courir le reste du monde. Je suis sensible à une certaine ambiguïté dans la photographie, ne pas être certain de ce que l’on voit. Lorsqu’on ne sait pas pourquoi le photographe a pris une photographie, que l’on ne sait pas pourquoi on la regarde, et puis subitement, on découvre quelque chose, on se met à voir. J’aime cette confusion. La Peinture La peinture ! J’ai commencé à peindre avant de photographier. Un jour — j’étais toujours à l’école de théologie — j’ai rendu visite à la petite amie d’un ami. Elle peignait. J’ai vu son travail et j’ai décidé que je voulais, moi aussi, essayer de peindre. J’ai acheté tout ce qu’il fallait et j’ai fait une copie d’un Vermeer. Je n’ai jamais pris de cours. Plus tard, cette première peinture m’a été volée. J’avoue avoir ressenti une certaine fierté. Étudiant, je passais mes étés à la bibliothèque de l’université de Pittsburgh. À cette époque, je connaissais très peu de choses sur l’art, j’avais juste suivi un cours sur la peinture française. La bibliothèque conservait une importante collection d’ouvrages. J’y passais mes journées, du matin jusqu’au soir. Tous les livres étaient en accès libre. Aujourd’hui ce serait impensable. Et, sans a priori, je m’installais dans la salle de lecture, je regardais tout, j’aimais tout. Je découvrais et répondais favorablement à un nouveau monde que j’abordais sans entrave. Un jour, c’était la sculpture grecque ; le jour suivant, la sculpture africaine ; le jour d’après, le textile péruvien. On ne m’a rien expliqué, on ne m’a rien enseigné, c’est un peu comme si ces choses venaient d’elles-mêmes. Et j’y répondais avec un enthousiasme infaillible. Je considère que ce fut mon éducation. Aujourd’hui encore ma passion est intacte. Parfois je me réveille au milieu de la nuit, je saisis un livre sur Matisse, sur Cézanne, ou sur Sotatsu, et un détail, qui jusqu’alors n’avait pas attiré mon attention, m’interpelle d’un seul coup. La peinture est glorieuse. J’aime la photographie, mais

je ne suis pas certain que la photographie puisse faire ce que la peinture peut. J’ai toujours pratiqué la photographie très librement, sans avoir à l’esprit ni peintures ni photos. Ceux qui regardent mes peintures pensent qu’il y a un lien, du point de vue de l’utilisation de la couleur, entre mes toiles et mes photographies. Lorsque je peins, je joue avec la couleur. Parfois je sais ce que je fais, parfois je le découvre en le faisant. Souvent je commence par faire, et ensuite, je réfléchis, je pense à ce que j’ai fait. Je dois avouer que je ne suis pas un admirateur du « moche ». J’ai beaucoup de considération pour la beauté. Elle est plaisante ! Certains photographes pensent qu’en traitant de la misère, ils s’attaquent à quelque chose de profond… Je ne crois pas que la misère soit plus profonde que le bonheur. Être Ignoré J’ai passé une grande partie de ma vie à être ignoré. J’ai toujours été très heureux ainsi. Être ignoré est un grand privilège. Vous savez, quand j’habitais chez mes parents, on me regardait tout le temps, du matin au soir. À six ans, je me réveillais à cinq heures du matin, j’allais à l’école, puis je revenais et je priais. Les journées se suivaient et se ressemblaient. L’idée d’être laissé tranquille, seul, est une idée très plaisante. Beaucoup veulent être riches, célèbres et couronnés de succès, moi, je voulais juste que l’on me laisse tranquille. Martin Harrison a été le premier à reparler de moi dans son livre sur la photographie de mode 6, ensuite il y a eu l’ouvrage de Jane Livingston sur l’école de New York. Je ne sais pas si ma vie a été celle que j’aurais voulu avoir, car je n’ai jamais su ce que je voulais. Je crois que j’ai appris à regarder ce que les autres ne voient pas, à réagir aux choses. J’ai regardé le monde, pas vraiment préparé à quoi que ce soit. 92

Marvin Israel m’a dit un jour que j’aurais pu être un grand si seulement je m’en étais soucié. Mais Marvin, peut-être que je m’en suis soucié ! [Il rit…] Je ris trop, mais c’est un défaut mineur. Cet entretien a été publié par les éditions Steidl dans le catalogue Saul Leiter de l’exposition organisée à la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris en 2008. La version originale en anglais et la traduction avaient été retravaillées de manière légèrement différente pour les éditions anglaise et française du catalogue, et sont reproduites ici telles quelles. 1. Soames Bantry fut la compagne de Saul Leiter. Ils vécurent ensemble pendant 45 ans. 2. À l’époque, Henry Wolf était le directeur artistique du magazine Esquire. 3. Steichen était le conservateur du département photo du MoMA. En 1953, il fut à l’origine de l’exposition Always the Young Strangers, où Saul Leiter exposait en compagnie de Roy DeCarava et de Leon Levinstein. Par ailleurs, le MoMA organisa des expositions itinérantes dans lesquelles figurait le travail de Saul Leiter, notamment Contemporary Photography et Contemporary American Photographers en 1953. 4. Le concept d’une « école de New York » regroupant des photographes est avancé par Jane Livingston dans son ouvrage The New York School, Photographs 1936–1963, New York, Stewart, Tabori & Chang, 1992. 5. Philippe Laumont dirige l’un des plus importants laboratoires photographiques. Il est installé à New York. 6. Martin Harrison, Appearances : Fashion Photography Since 1945, New York, Rizzoli, 1991.

Chronology 1923 1930s 1935 (circa) 1940s (early) 1944 1945 1946 1947 1948 (circa) 1951 1952 1953 1956 1950s (late) 1957 1958 1959 1960-1980s 1981 1991 1992 1993,1994 1994 (circa) 1997, 2005 2006-2011 2006 2008 2009 2010 2011 94

Born Pittsburgh, Pennsylvania. Attends Talmudical Academy in New York City. Is given a Detrola camera by his mother and begins photographing sporadically. Leiter attends Telshe Yeshiva Rabbinical College in Cleveland. Paintings exhibited at Ten Thirty Gallery, Cleveland. Paintings exhibited at The Outlines Gallery, Pittsburgh. Paintings exhibited at Gump’s department store in San Francisco. Leaves theological college in Cleveland and moves to New York. Meets Abstract Expressionist painter Richard Pousette-Dart. Attends Henri Cartier-Bresson’s exhibition at the Museum of Modern Art, New York. One of his paintings is included in Abstract and Surrealist American Art at the Art Institute of Chicago. Meets and befriends W. Eugene Smith. Paintings exhibited at the Butler Institute of American Art, Youngstown, OH. Begins working with color slide film. Works primarily with three cameras, Argosy C3, Auto Graflex Junior and an early Rolleiflex. LIFE publishes his black-and-white series The Wedding as a Funeral September 3 issue. More work is featured in the LIFE November 26 issue (Shoes of the Shoeshine Man). Moves to East Tenth Street; founding of the co-operative Tanager Gallery. Works in studio behind Tanager Gallery. Black-and-white photographs are included in Always the Young Strangers at the Museum of Modern Art and in Contemporary Photography at the Tokyo Museum. One-person exhibition at the Tanager Gallery. Gives slide talk about his color work at The Club, an art space in the East Village. Exhibits color work at Samuel Kootz Gallery, New York. Steichen includes twenty of Leiter’s color photographs in his slide talk, Experimental Photography in Color at the Museum of Modern Art, New York. Henry Wolf, art director at Esquire, publishes some of Leiter’s fashion photographs. Begins to photograph for Harper’s Bazaar when Henry Wolf becomes art director. Travels to Europe on assignment for Esquire to photograph Gina Lollobrigida during the making of Solomon and Sheba in Madrid. Continues to take fashion photographs and other commercial work. His fashion work is published in Harper’s Bazaar, Elle, Show, British Vogue, Queen, and Nova. His photographs are also included in LIFE, US Camera, Photography Annual, and Infinity magazines. Closes commercial studio at 156 5th Avenue. Fashion work included in the exhibition Appearances: Fashion Photography Since 1945 at the Victoria and Albert Museum, London. Black-and-white work included in the book The New York School : Photographs 1936-1963, by Jane Livingston. Black-and-white photographs exhibited at Howard Greenberg Gallery, New York. Receives funding from Ilford Paper Company to begin printing color work as Cibachromes with Laumont Labs in New York. Exhibitions of color photographs at Howard Greenberg Gallery, New York Exhibition of color and black-and-white photographs in several galleries and museums in the US and in Europe (Atlanta, Milwaukee, Antwerp, Milano, Munich, Moscow, Paris, London, Chalon-sur-Saône, Lausanne). First monograph Early Color is published by Steidl. First solo museum exhibition In Living Color at the Milwaukee Art Museum. First solo museum show in Europe at Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris. First painting exhibition in over 30 years at Knoedler Gallery, New York. Travels to Berlin to give talk and slide show at C/O Berlin. Continues to live, photograph and paint in New York.

Biographie 1923 1930 (années) 1935 (vers) 1940 (début) 1944 1945 1946 1947 1948 (vers) 1951 1952 1953 1956 1950 (fin) 1957 1958 1959 1960-1980 1981 1991 1992 1993,1994 1994 (vers) 1997, 2005 2006-2011 2006 2008 2009 2010 2011

Naît à Pittsburgh, Pennsylvanie. étudie à la Talmudical Academy de New York. Reçoit un appareil Detrola de sa mère et commence à photographier sporadiquement. étudie au Telshe Yeshiva Rabbinical College à Cleveland. Exposition de ses peintures à la Ten Thirty Gallery, Cleveland. Exposition de ses peintures à l’Outlines Gallery de Pittsburgh et au grand magasin Gump’s de San Francisco. Quitte l’institut théologique de Cleveland et s’installe à New York. Rencontre le peintre expressionniste abstrait Richard Pousette-Dart. Visite l’exposition d’Henri Cartier-Bresson au Museum of Modern Art de New York. Une peinture de Leiter est accrochée au sein de l’exposition Abstract and Surrealist American Art à l’Art Institute de Chicago. Se lie avec W. Eugene Smith. Quelques-unes de ses peintures sont exposées au Butler Institute of American Art, Youngstown, OH. Commence à photographier avec une pellicule couleur. Travaille principalement avec trois appareils photo, un Argosy C3, un Auto Graflex Junior et un Rolleiflex. LIFE publie sa série en noir et blanc The Wedding as a Funeral dans le numéro du 3 septembre. D’autres travaux sont montrés dans le numéro du 26 novembre (Shoes of the Shoeshine Man). Fondation de la coopérative Tanager Gallery. Leiter travaille dans le studio derrière la galerie. Ses photographies en noir et blanc sont montrées dans les expositions Always the Young Strangers au Museum of Modern Art de New York et Contemporary Photography au Tokyo Museum. Exposition individuelle à la Tanager Gallery. Montre un diaporama de ses photographies couleur à The Club, un centre d’art à East Village. Expose ses images en couleur à la Samuel Kootz Gallery, New York. Vingt de ses photographies couleur sont présentées par Steichen dans sa conférence Experimental Photography in Color au Museum of Modern Art de New York. Henry Wolf, directeur artistique de Esquire, publie ses photos de mode. Commence à travailler pour Harper’s Bazaar quand Henry Wolf en devient le directeur artistique. Voyage en Europe envoyé par Esquire pour photographier Gina Lollobrigida sur le tournage de Salomon et La Reine de Saba à Madrid. Poursuit son travail de photographe de mode publié dans Harper’s Bazaar, Elle, Show, Vogue, Queen, et Nova. Ses photographies paraissent également dans les magazines LIFE, US Camera, Photography Annual, et Infinity. Ferme son studio de photographie commerciale de la 5e Avenue. Ses photographies de mode sont montrées au sein de l’exposition Appearances : Fashion Photography Since 1945 au Victoria and Albert Museum de Londres. Son travail en noir et blanc apparaît dans le livre The New York School : Photographs 1936 –1963 de Jane Livingston. Ses photographies en noir et blanc sont exposées à la Howard Greenberg Gallery, New York. Reçoit un financement des papiers Ilford pour commencer à tirer son travail en couleur en Cibachrome avec les laboratoires Laumont à New York. Expositions de ses photographies couleur à la Howard Greenberg Gallery, New York. Exposition de ses photographies en couleur et en noir et blanc dans divers musées et galeries aux états-Unis et en Europe (Atlanta, Milwaukee, Anvers, Milan, Münich, Moscou, Paris, London, Chalon-sur-Saône, Lausanne). Première monographie, intitulée Early Color, chez Steidl. Première exposition individuelle dans un musée : In Living Color au Milwaukee Art Museum. Première exposition muséale en Europe à la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris. Première exposition de peinture en 30 ans à la Knoedler Gallery, New York. Voyage à Berlin pour donner une conférence au C/O. Continue à vivre, photographier et peindre à New York.

Ce livre est publié à l’occasion de l’exposition Saul Leiter — Early Color présentée au Musée de l’Elysée, Lausanne 13 septembre – 20 novembre 2011 Ouvrage publié sous la direction de Sam Stourdzé Coordination éditoriale : Caroline Recher Direction artistique : Thierry Häusermann et Raphaël Verona Conception et réalisation : This is Not édition : IDPURE Impression : Musumeci SpA Le Musée de l’Elysée adresse ses remerciements chaleureux à tous ceux qui ont contribué à la réalisation de ce projet, et notamment à Saul Leiter, Damien Bachelot, Yves et Tina Hervieu-Causse, Claude Garnier, Regnier Haegelsteen, Eric Kawan, Howard Greenberg, Margit Erb, Harvey Robinson, Gerhard Steidl. Saul Leiter est représenté par la Galerie Howard Greenberg, New York. © Saul Leiter / Howard Greenberg Gallery pour les photographies © Sam Stourdzé pour l’entretien avec Saul Leiter © Musée de l’Elysée / IDPURE éditions, 2011 Le Musée de l’Elysée est une institution de l’état de Vaud.

L'exposition et la publication ont reçu le soutien de

Art Pradier

ISBN 978-2-9700702-2-8

Howard Greenberg Gallery


Saul Leiter Colors Editor Sam Stourdzé

Published by IDPURE éditions Musée de l’Elysée

ISBN 978-2-9700702-2-8

9 782970 070238