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ISSN 1666-2563

Expresión en la Búsqueda del grupo laboratorio de teatro “El Rayo Misterioso” 4ta Generación - año 20 - N° 101 - Rosario, Argentina - Junio de 2014

El Teatro en Oriente

El Kabuki

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Editorial ¿P

Edita y Distribuye: Grupo Laboratorio de Teatro EL RAYO MISTERIOSO.

or qué razones el artista, que parece destinado a concitar interés a su alrededor, sólo provoca malestar y alejamiento? Casi podría decirse que la piedra de toque del verdadero artista estaría dada por la rapidez con que el hombre normal le hace el vacío. Aunque el artista trate de pasar inadvertido suscita inmediatamente la desconfianza de ese hombre normal, desconfianza que rápidamente toma caracteres de la malevolencia y el rencor. En el panorama general de la incomunicación social, al artista le toca la parte del león. Lo que podría llamarse su convivencia con el ambiente es mala, directamente desastrosa. En ese ambiente creado para el hombre común, todos son indulgentes entre sí, todo se lo perdonan mutuamente, todo se lo justifican, pero lo que no justifican de ningún modo es al artista. Este es una presencia perturbadora: para el hombre normal es el individuo de los excesos. Esta desmesura en los sentimientos coloca al poeta, como al criminal, fuera de la ley. Se lo acusa de locura o estupidez. Es el idiota que no comprende la vida: la vida que para el común de los hombres significa desgarrarse las carnes a dentelladas para conquistar el dinero con miras a obtener el poder, o para conquistar el poder con miras a obtener dinero. El artista pregona una riqueza inútil, la riqueza del espíritu. Busca en la vida un sentido que no es el de la vida práctica. Se convierte a su vez en testigo acusador de la realidad trivial, de la existencia sin sentido. Tal es la posición del artista en el área del hombre común. Pero se dirá: tiene a sus hermanos de sangre, los otros artistas. Nadie podrá describir en forma aproximada la intensidad de sentimientos que abarcan el odio, el resentimiento, la envidia, la indiferencia, abundantemente condimentados por la intriga, la calumnia, la deslealtad, la vileza, el despecho, la degradación, el saqueo, la estafa, que esos llamados “hermanos de sangre” tienen hacia un artista auténtico. Por eso el artista está todavía más solo entre los falsos artistas. Estos últimos forman una multitud desesperada en busca del éxito: se patean, se codean, se empujan, pero en definitiva se unen y se apoyan para defenderse del artista auténtico, porque ellos también tienen derecho a la vida. Y por ese derecho a la vida lanzan baratijas para consumo de los idiotas. Extraído de “La Soledad del Artista” de Aldo Pellegrini

SUMARIO

•El Teatro en Oriente: El Kabuki.

TRUENOS & MISTERIOS

R E V I S TA D E I N V E S T I G A C I Ó N T E AT R A L Expresión en la Búsqueda del grupo laboratorio de teatro “El Rayo Misterioso”

Con el Apoyo del:

� Programación del “Teatro del Rayo” � La Página de los Socios Beneficios y Ganadores del Sorteo Mensual. � Rosario Cartelera Lo que se mueve In. � Efemérides Arresto, tortura y asesinato de Meyerhold.

Revista seleccionada para el Plan 2001 de Promoción a la Edición de Revistas Culturales de la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Presidencia de la Nación. Menciones “Premio Teatro del Mundo 2001”, “Premio Teatro del Mundo 2002” y Premio MAYOR “Teatro del Mundo 2012” otorgada por el Centro de Investigación en Historia y Teoría Teatral del Centro Cultural “Ricardo Rojas”, Universidad Nacional de Buenos Aires, Argentina.

EQUIPO CONSEJO DE DIRECCIÓN: Aldo El-Jatib, Ada Cottu, María de los Ángeles Oliver. DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Aldo El-Jatib. SECRETARÍA GENERAL, PEDAGOGÍA Y EDITORIAL: María de los Ángeles Oliver. ADMINISTRACIÓN Y RELACIONES PÚBLICAS: Ada Cottu. DISEÑO Y PUBLICIDADES: Catalina Balbi. PRENSA Y PROMOCIÓN: Maywa Vargas. RELACIONES EXTERIORES: Julia Feroglio. SOCIOS: Sebastián Arriete. TÉCNICA Y MANTENIMIENTO: Exequiel Orteu. Equipo de Investigación: Amarillys Del Mar Moreno, Anibal De Sanctis, Claudio Masini. Revista Mensual de Teatro 4ta Generación, Año 20, Nº 101, Junio de 2014. PROPIETARIO: Grupo Laboratorio de Teatro “El Rayo Misterioso” Asoc. Civil sin Fines de Lucro. Personería Jurídica Nro 325/98. REDACCIÓN Y TEATRO: Salta 2991- 2000, Rosario, República Argentina. TEL: +54 (0341) 4360454.

laboratorio@elrayomisterioso.org.ar www.elrayomisterioso.org.ar Facebook: El Rayo Misterioso PROPIEDAD INTELECTUAL: Nº 154.883 ISSN: 1666-2563. Permitimos la reproducción total o parcial de las notas, artículos y ensayos incluídos, siempre que se haga mención de la fuente. Las notas firmadas no representan necesariamente la opinión de la revista.


“Si es sólo razón, el teatro es una conferencia en donde se exponen ideas... Nosotros no aceptamos esto, la propaganda racional es nociva...el teatro puede lanzar ideas al espectador pero debe ocuparse también de otro aspecto: la sensibilidad.” Vsévolod Meyerhold

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EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente

El Teatro en Oriente El

Kabuki

“Un espectáculo de teatro Nô, a pesar de sus intervalos recreativos ha sido siempre un espectáculo para nobles y eruditos. El gusto popular le opuso otro tipo de drama más sencillo, más rudo: el teatro Kabuki. Basado en la recitación de diálogos y monólogos, cantos y danzas, de carácter más realista, con personajes, argumentos y efectos más accesibles al interés del público ingenuo.”

Hacia la primavera de 1603, Okuni, una sacerdotisa del templo Izumotaisha, abandonó sus hábitos enamorada de un samurái, y, abocándose de lleno al arte teatral, formó una compañía que bajó a la ciudad de Kioto y caracterizada de hombre, equipada de Katana (espada) y Wakizashi (espada pequeña) y con el cabello corto provocó un gran revuelo entre la población con su baile de plegaria. La gente empezó a llamar a este baile Kabuki Odori, por ser provocante y psicodélico. Kabuki proviene del verbo “kabuku” (desequilibrarse, inclinarse, o salirse de la raya). Tuvo tanto éxito esta sacerdotisa que hasta el Shogún Tokugawa Ieyasu la invitó varias veces a su fortaleza. En la compañía de Okuni, las actrices interpretaban los papeles masculinos. Esta inversión de los roles causó gran agrado en el público, sumado esto al escándalo social que rodeaba a estas representaciones, derivado de que la clase guerrera se vinculara con actrices, motivó la primera prohibición del gobierno Tokugawa (1629) para que no actuaran más mujeres.

Resultando más escandaloso el remedio que la enfermedad, se prohibió también la actuación de los jóvenes en esos papeles (1652). Ante los reclamos del público se modificó el decreto (1653) imponiéndose a los actores la obligación de rasurarse el cráneo sobre la frente, para diferenciarlos del sexo femenino. Como consecuencia, los roles femeninos fueron cubiertos por hombres y muchachos, con tanto éxito que se llegó a exigir no sólo actores hábiles sino verdaderos efebos. Debido a que los textos de los primeros Kabuki carecían de un refinado sentido estético, este teatro debió apoyarse en las virtudes de los actores y de la técnica escénica. Uno de los actores que más sobresalió fue Sakata Tojurô, nacido en Osaka en 1646, descrito como el intérprete más importante de la época, fue él quien dictó las reglas para la representación del Kabuki y quien clasificó a los personajes en: el “personaje central”, el “hermoso adolescente”, el “malvado”, el “padre noble”, la “mujer anciana”, el “niño”. Hasta el 1624 los actores no se diferenciaban del público, de quien

no los separaba ni el borde del tablado, ni la hierba en que se sentaba el mismo; pero a partir de esta fecha se construyen edificios estables, donde los actores del Kabuki se diferencian del público creando una nueva categoría, con leyes, hábitos, moral y disciplina especiales. Es a partir de esto que los actores deseosos de exhibirse en variantes mayores, enriquecieron progresivamente el Kabuki pasando de tener solamente un acto a tener cinco, hacia el año 1664. Con el transcurso del tiempo, el Kabuki fue tornándose exitoso y no exclusivo de las urbes más populosas y ricas; por el contrario, justamente por su fama, se extendió a las provincias. En el siglo XVIII su desarrollo estaba en su esplendor y hay crónicas que dan cuenta de estas representaciones. La corriente proveniente de lo urbano, como fuente y modelo artístico, tanto importando las compañías, como estimulando el surgimiento de formas propias, resulta sumamente revelador, ya que las actuaciones continuaban, incluso en situaciones devastadoras, como fue la gran hambruna de 1784; así consta sobre lo ocurrido en la ladera del monte Agaki.

Períodos

de apogeo

El florecimiento del Kabuki se sitúa en el período comprendido entre 1688 y 1704, comunmente conocido como el período Genroku. La estructura de una obra Kabuki se formalizó durante este período, así como varios elementos de su estilización. Se determinaron tipos de personajes convencionales. El teatro Kabuki y el Nigyo Jôruri, la forma elaborada del teatro de marionetas que más tarde se conoció como Bunraku, se volvieron muy cercanos durante este período, y desde entonces se influenciaron mutuamente en su desarrollo. El famoso dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, uno de los primeros profesionales del Kabuki, produjo varios trabajos influyentes, aunque la obra calificada como más importante, “Sonezaki Shinju” (Los Suicidios de Amor de Sonezaki), fue originalmente escrita para Bunraku. Como muchas obras Bunraku, pudo adaptarse al Kabuki, y luego de su estreno produjo una serie de imitadores; de hecho, esta obra y otras similares causaron tantos suicidios imitados, que el gobierno tuvo que prohibir el Shinju Mono (las obras

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Orígenes

Grabado de 1887 representando a actores Kabuki.


“Y el camino será espinoso hasta el momento en que el soñador comprenda que debe quedarse solo en su último camino.” Vsévolod Meyerhold

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EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente - EL TEATRO en oriente acerca de suicidios de amantes) en 1723. A mediados del siglo XVIII, cayó la popularidad del Kabuki por un tiempo, ya que el Bunraku tomó su lugar como forma primordial de entretenimiento escénico de las clases sociales bajas. Pasamos así a un segundo período de apogeo que persiste aún. Apartándose más aún de las aristocráticas predilecciones orientales, el Kabuki se enriqueció con nuevos elementos escenográficos, como máquinas, trampas, etc., hasta desarrollar además un escenario giratorio. Los textos, antes escritos por los mismos actores, pasan a ser escritos por eruditos escritores, habiendo encontrado hacia 1800 su lugar ideal en la ciudad de Yedo (que más tarde se llamaría Tokio),

Estilo

y

un foco cultural y político. Cuando tres teatros Kabuki fueron destruidos por el fuego, el gobernador de turno, creyente de la existencia del maléfico influjo del teatro, aprovechó para prohibir su reconstrucción, y debieron buscar para su desarrollo lugares periféricos. Hacia finales del siglo XIX surge el más prolífico de los autores, Namboku Tsure (1755-1825), quien produjo más de 100 obras incluyendo en su temática crímenes, conflictos feroces, locura, horrores, etc. Posteriormente evolucionó a formas más vivaces, con personajes más humanos, bajo el impulso de Furukawa Mokuami (1816-1893), autor de más de trescientas obras. Sería Danjurô Ichikawa IX el actor más destacado, cuya técnica in-

terpretativa fue recogida por todos sus sucesores. Con el ingreso a la Edad Moderna (1868) se advierten prontamente cambios en la organización y producción del teatro, retornan las actrices y se reconocen los derechos de autor. Conviven los Kabuki, de género antiguo y tradicional, aunque más rápidos y vivaces, con los dramas de un nuevo tipo genéricamente llamados Shimpa, olvidando los criterios de escena-sueño, fabula y fantasía para representar la vida japonesa tal cual es, con sus luces y sus sombras. Más allá de sus orígenes con visos legendarios y de su riqueza artística, al punto de influir incluso en dramaturgos contemporáneos de Occidente, el teatro Kabuki nos

otorga un entramado que urde el arte con la sociedad. Como hemos observado, recuperados registros literarios como el “Nanshoku Ôkagami” de Ihara Saikaku, nos dan un espejo íntimo, sutil y apasionado de rostros y cuerpos ocultos en el tiempo, ya lejano, de aquella escenificación. Pero además, el Kabuki no sólo fue espectáculo en las grandes ciudades de la era Genroku, sino que se había expandido por pueblos y aldeas, gracias a la participación de grupos comunales denominados Wakamono Nakama, que organizaban y apoyaban su representación; y en este sentido, constituyeron una muestra del valor que Japón siempre ha dado a lo comunitario, desde los más antiguos tiempos de su formación política y social.

Estética

El estilo de interpretación varía de acuerdo al programa. Las obras Gidayû, originadas en Bunraku, se caracterizan por la narrativa acompañada de música. Las obras Aragoto tienen por característica la exageración sobrenatural, mientras que las Sewamono incluyen palabras y gestos muy similares a los de la vida diaria y por tanto son mucho más realistas. Como ya se ha mencionado, una característica de las presentaciones de Kabuki es que sobrepasan las expresiones o estilos de belleza individual. A esto se le podría llamar “estilización” basada en la realidad de la vida cotidiana. Esto no tiene que ver con el realismo natural de la modernidad occidental; sino que es una forma de arte elaborada, de teatro quasi-musical, el cual también puede ser definido como un tipo de expresionismo compuesto de belleza visual, que da énfasis en el uso sensual del color y de composiciones pictográficas, además de una musicalidad compleja y versátil por parte del Shamisén. La música y la danza son los elementos esenciales que siempre han estado presentes en el arte del Kabuki, desde sus orígenes en las danzas de la Sacerdotisa Okuni. Por tanto, incluso en las piezas más realistas, estas técnicas de danza y música (incluyendo las posturas mie) constituyen inevitablemente una parte integral de las obras.

Los Actores

La importancia de los actores es particularmente grande en el Kabuki. La etimología de la palabra japonesa actor, Yakusha, se refiere a aquellos que interpretan personajes en los festivales dedicados a deidades shintoístas. Gradualmente, las personas que interpretaban danzas y obras en festivales llegaron a ser llamadas Yakusha y, con el tiempo, la palabra se convirtió en sinónimo de actor. Ya que el Kabuki tiene muchos tipos de personajes, es importante al menos considerar los tres estilos básicos de actuación establecidos en la era Genroku: el Aragoto, el Wagoto y el Onnagata. Aragoto: Es un estilo de actuación que se dice fue creado por Ichikawa Danjûrô I, en Edo (Tokio). Literalmente significa “cosa

áspera”, es simplemente eso. El héroe de Shibaraku, obra que formaparte de las 18 favoritas del Kabuki, es un típico ejemplo de este estilo. El Aragoto es brillante y simple y se puede decir que sus movimientos son galantes y heroicos. Sobre la base de maquillaje blanco que cubre su cara hay pintadas líneas rojas alrededor de sus ojos y de sus pómulos. Este maquillaje indica la gran indignación de este honesto héroe hacia los actos del villano; esta es una representación teatral de los sentimientos de un hombre que está invadido por una furia creciente. Este maquillaje conocido como kumadori, considerado como lo más representativo del Kabuki, es no realista, representa gran fuerza y poderes sobrehumanos, que son las características principales del Aragoto, cuyo espíritu traspasa de tal forma el pensamien-

Actor Kabuki.

to realista y racional por medio de expresiones exageradas de fuerza y rectitud. Realiza las posturas llamadas mie, éstas hacen al héroe parecer de mayor envergadura de la real. Recursos y acciones tales como kumadori, mie y las sonoras declamaciones de los personajes (tsurane) que en forma exagerada muestran los poderes superhumanos, constituyen el Aragoto. Wagoto: En contraste con el rústico estilo Aragoto de Edo (Tokio), el Wagoto, que fue creado en la región de Kansai (Osaka y Kyoto) se caracteriza por los movimientos suaves, gentiles y por su gracia. En el caso del Wagoto, esta gracia no es igual a la del Nô, donde el término indica una expresión extrema de belleza abstracta refinada y contenida. En Kabuki, esta gracia se expresa a través de movimientos realistas que representan la cotidianidad y costumbres de la gente común. Onnagata: El arte del Onnagata se desarrolló en la región de

Kansai al igual que el Wagoto. En el caso de Nô, Kyôgen e incluso en Occidente hasta el fin de la Edad Media, las actrices fueron prohibidas principalmente por razones religiosas, y en las presentaciones autorizadas, eran los actores los que tomaban los papeles que correspondían a las mujeres. El Kabuki es un arte originado por mujeres, que estaban libres de restricciones religiosas. Los espectadores, quienes se habían familiarizado y acostumbrado a los auténticos encantos sensuales de las actrices, habían, para decirlo de algún modo, probado el fruto prohibido. Es así como los espectadores, al tiempo que aceptaron a los actores en papeles femeninos, exigían de ellos un carácter femenino real. Por tanto hubo una necesidad de desarrollar un encanto y belleza naturales que es posible ver ahora en las interpretaciones de los Onnagata. El Onnagata se convirtió en el modelo ideal de la feminidad japonesa tradicional.


“Me preocupan mis colegas, que no desean elevarse por sobre el nivel de las castas cuyos intereses mediocres son ajenos a los intereses de las mayorías. Sí, el teatro puede jugar un enorme rol en la reconstrucción de todo lo existente.” Vsévolod Meyerhold

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Linaje

y

Apodos

de los

Actores

El factor esencial en la transmisión del arte del Kabuki ha sido la existencia del ie (familia), donde los padres han transmitido su arte a sus hijos por generaciones. Los hijos de familias célebres, conocidas como rien, recibieron su entrenamiento escénico empezando por los papeles infantiles. Allí absorben las habilidades teatrales de la generación anterior, llamadas o-ie gei (el arte familiar) y crecen convirtiéndose en estrellas. En la actualidad los nombres artísticos más antiguos son los de Nakamura Kanzaburô e Ichimura Uzaemon utilizados en estos días por la decimoséptima generación de actores. Además de sus nombres reales y artísticos, los actores tienen apodos. Los espectadores adquirieron la costumbre de gritar estos apodos durante las funciones, algo equivalente al ¡Bravo! en Occidente.

El Maquillaje

El maquillaje, o el keshou, es uno de los ingredientes vitales del Kabuki. La acción de aplicar maquillaje se considera una parte importante para la preparación psicológica de una actuación. Hay varios estilos del keshou para los varones y los papeles de las mujeres. El color para la mayoría de los estilos de maquillaje es el oshiroi blanco. Hecho de polvo de arroz, en el Onnagata simbolizó la piel delicada. Pudo haber tenido sus orígenes en la tentativa de iluminar la cara de los actores debido a la luz pobre en los teatros. El estilo más distintivo del maquillaje, y el más asociado con frecuencia al Kabuki es kumadori. Uno de los aspectos visualmente más llamativo para un recién llegado al Kabuki es el maquillaje exagerado usado por los actores, especialmente ésos que desempeñan los papeles más dramáticos. Es particularmente vivo cuando está asociado a un carácter supernatural. El nombre de este estilo de maquillaje,  kumadori, se deriva  de kuma, líneas, arrugas; y toru, para tomar, seguir. Los colores usados en kumadori tienen gran significado, y son éstos los que destacan la emoción y el temperamento del carácter. Beni (profundamente rojo)

Cólera, indignación, obstinación

Beni (rojo)

Actividad, impaciencia, pasión, vigor

Usuaka (rosa o rojo pálido)

Animación, juventud, alegría

Asagi (azul ligero)

Calma

Ai (añil)

Melancolía

Midori (verde muy ligero)

Tranquilidad

Murasaki (púrpura)

Nobleza, arrogancia

Taisha (marrón o quemado)

Egoísmo

Usuzumii (gris en la barbilla)

Monotonía

Sumi (negro)

Miedo, terror, abatimiento

La

música

El principal encanto del Kabuki puede estar en su amplia musicalidad, que incluye el agradable efecto de los ritmos de los textos, algo que se encuentra en prácticamente todas las obras. Existe una gran variedad de melodías apropiadas para las escenas en general, y para los estados anímicos de esas escenas. La primera tarea de la música en el Kabuki es la de proporcionar una atmósfera apropiada, el sonido resultante es una sugestión simbólica. Primero que todo, encontramos el sonido de las baquetas hyôshigi, siempre presentes en el Kabuki. Estas dos piezas de madera, son percutidas entre sí por un hombre que está ubicado al lado derecho, en momentos en que la cortina se abre o se cierra. Su función no es para nada sencilla. Primero, porque la técnica de percusión varía de acuerdo con la obra que se presenta. Es así como el penetrante sonido de hyôshigi se puede considerar como el verdadero símbolo de las cualidades sonoras del Kabuki. Dentro de las diferentes músicas encontramos la Narrativa, esta mú-

sica es derivada del teatro de títeres y con frecuencia se usa, como su clasificación lo indica, para comentarios y explicaciones narrativas. La música de Tras-escena es el tercer elemento principal de la música Kabuki. A medida que las producciones de Kabuki evolucionaban, el número y variedad de instrumentos de percusión usados en la Trasescena aumentó enormemente de tal forma que hoy día, además de Shamisén, cantantes, percusionistas de Nô, hay otros seis tambores, dieciocho gongs y objetos para la producción de ruidos. Los músicos están bajo el control del hayashi gashira, quien arregla toda la música de percusión para una producción específica en acuerdo con el intérprete de Shamisén líder, los actores y los productores. Luego está la música Para Indicar Lugares, existe música en Kabuki tanto para locaciones generales como para locaciones muy específicas. Las indicaciones más comunes son para escenas en palacios, mansiones, o la casa de un guerrero, y también para escenas en el campo, cerca del mar y en poblados.

Escena de un drama Kabuki.

La Danza Kabuki

La forma de la danza Kabuki, tomando su idea del principio del jo-ha-kyû encontrado también en el teatro Nô, se divide en tres grandes secciones: Deha (Jo): oki, michiyuki; Chûha (Ha): kudoki, monogatari, odori ji; Iriha (Kyû): chirashi, dangire. Hablando en términos generales, oki contiene todo el material introductorio antes de que aparezca el actor principal, y la sección michiyuki cubre la entrada del actor. Kudoki contiene estilos de danza lírica, mientras que monogatari se concentra en una narrativa, ya sea hablada por el actor con el acompañamiento musical, o en pantomima mientras los músicos declaman el texto. Odori ji es la danza principal de la forma y es comparable con la principal sección de danza de una obra de Nô. Chirashi es una sección brillante y rápida, que conduce a la cadencia final conocida como dangire.


“Una de las características esenciales de lo grotesco es la de rechazar el conocimiento de un solo aspecto (lo vulgar o elevado) ya que precisamente su objetivo es el de mezclar los opuestos y acentuar intencionadamente las contradicciones.” Vsévolod Meyerhold

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Escenario Kabuki

Hanamichi

El escenario Kabuki en sus inicios fue una imitación del teatro Nô, y fue desarrollado y modificado a través de varias etapas, de acuerdo con la evolución de la forma y el contenido de las obras, y hacia finales del siglo XVIII finalmente dejaron atrás las influencias del Nô, alcanzando así su forma y construcción final. Las características más importantes del escenario son el hanamichi, (camino de las flores o pasarela de las flores), y el escenario giratorio. El hanamichi está ubicado entre las sillas del público en la parte izquierda del teatro (por supuesto, todos los teatros modernos tienen sillas, pero originalmente el público se sentaba sobre un piso de tatami). Esta pasarela se extiende desde la parte trasera del área de sillas hasta el escenario, y está hecha de madera. Normalmente se emplea solamente una de estas pasarelas, pero en algunas obras también se usa una un poco más angosta en la parte derecha del teatro. El hanamichi de la izquierda, que es permanente en los teatros de Kabuki, es conocido como hanamichi principal. Lo que es más importante, es el hecho de que el hanamichi no es simplemente una pasarela para entrar y salir, sino que también es un espacio para la actuación, que permite una relación y compenetración más cercana entre actores y público. Gracias a la existencia y uso del hanamichi es posible eliminar la distancia que separa al espectador del escenario, y se crea una empatía entre el público y los actores. Ésta es la esencia del Kabuki como una forma de teatro popular. Se puede decir que a diferencia del aristocrático Nô y del teatro realista moderno de Occidente, la característica esencial del Kabuki en la cual el actor se destaca, es simbolizada por el hanamichi.

Ilustración de un Teatro Kabuki, descripción de sus partes.

El

escenario giratorio y otros detalles

Además de ser un recurso que permite girar partes de la escenografía, el escenario circular o giratorio, tiene una gran importancia, ya que facilita el cambio de escena sin cerrar la cortina. y es usado en ocasiones para enfatizar el contraste entre una y otra escena. El alemán Max Reinhard (1873-1943) y el ruso Vsévolod E. Meyerhold (18741942), productores y pioneros del movimiento antinaturalista, se impresionaron al ver el escenario giratorio del Kabuki y lo introdujeron al teatro occidental. Existen además una serie de elevadores de diferente tamaño, que están ubicados en el propio escenario,

y sobre el hanamichi se encuentra un elevador pequeño, el suppon. En obras que incluyen danza, a veces se construye una plataforma temporal para los intérpretes de Shamisén y los narradores, la cual se conoce como hinadan o yamadai. Existen también algunos dispositivos para usos espectaculares, tales como el carro giratorio, sobre el cual se monta un actor y es usado en ocasiones, como cuando se requiere de la aparición de un espíritu. Otra diferencia con el Nô es la presencia de un telón. En la actualidad se usa un telón similar al occidental (doncho) en obras que incluyen danza o en obras contemporáneas Kabuki. El telón anterior tenía franjas verticales alternadas

En

de color negro, verde oscuro y vino tinto, tres colores que están todavía conectados con el Kabuki y usados frecuentemente en las portadas de los programas de mano. Éste se conoce como joshikimaku y se emplea todavía cuando se presentan obras clásicas. El telón se abre hacia un costado al tiempo que se escucha el percuteo de los hyôshigi. Con respecto a las sillas del público, en Japón en la actualidad hay tan sólo unos cuantos teatros que aún conservan los palcos de tatami, el Kabuki-za y el Shimbashi Embujô en Tokio y el Minami-za en Kyoto, prácticamente no existen otros con estas características. Una parte del espacio para el público

la

fue reemplazada por sillas, luego de la entrada de la influencia occidental en el período Meiji. En 1923 se hizo la conversión total a teatro de sillas, luego del Gran Terremoto en Tokio. Originalmente, los aficionados del Kabuki se sentaban en grupos de cuatro o seis sobre cojines en los pisos de tatami, en áreas cuadradas pequeñas conocidas como masu, alrededor de braseros, y durante la función era costumbre relajarse fumando, bebiendo y en general pasándola bien. De esta forma, el Kabuki se diferencia del teatro actual en general, por ser un lugar para establecer una conexión con los actores y un lugar para disfrutar en grupo.

Actualidad

§

La época de la posguerra fue un momento difícil para el Kabuki. Además de la devastación causada en las ciudades japonesas más importantes, la tendencia popular consistía en rechazar los estilos y pensamientos del pasado, entre ellos el del Kabuki. Las innovadoras producciones del director Tatsuiji Takechi sobre los clásicos del Kabuki trajeron de vuelta el interés por el mismo en la región de Kansai. Actualmente, sigue siendo relativamente popular –es el más popular de los estilos tradicionales del drama japonés– y sus actores estrella, a menudo aparecen en la televisión o en películas. Por ejemplo, el conocido Onnagata Bando Tamasaburo V, apareció en varias obras y películas, a menudo interpretando un papel femenino. El Kabuki también aparece en obras de la cultura popular japonesa, como el animé. En la actualidad las presentaciones las organiza en gran parte Shochiku Co., en su lugar más habitual, el teatro Kabuki-za. También hay funciones periódicas de Kabuki con comentarios y funciones, para revivir obras antiguas en el Teatro Nacional, que fue fundado en 1966 con el propósito de preservar y transmitir las artes escénicas tradicionales. El Kabuki apareció en la lista de la UNESCO “Tercera proclamación de las obras maestras de la herencia oral e intangible de la humanidad” el 24 de Noviembre del 2005. Equipo de Investigación: Amarillys Del Mar Moreno, Anibal De Sanctis, Claudio Masini. Bibliografía ▪Silvio d´Amico: “Historia del Teatro Universal”, México, UTHEA, 1961. Introducción. ▪www.japonartesescenicas.org ▪es.wikipedia.org ▪culturajaponesa.blogspot.com.ar ▪www.20minutos.es ▪http://temakel.net/teatrokabuki.htm

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“Todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos... puesto que la creación del actor es creación de formas plásticas en el espacio, el actor debe estudiar la mecánica de su propio cuerpo.” Vsévolod Meyerhold

CINEMATECA

Programación JUNIO 2014 JUEVES 21:30 hs

Ciclo de Cine:“Expresionismo Alemán”

En 1917, altos mandos militares ordenaron la creación de la Universum Film Aktiengesellschaft con fines propagandísticos. La situación de Alemania, luego de la Primera Guerra Mundial, es decir para 1918, era extremadamente crítica. Ciudades reducidas a escombros, hambre y extrema división de clases. El descontento social provoca en el cine alemán un interés con fines comerciales y estéticos. Y cuando se declara la República de Weimar, en 1919, es cuando comienza una sucesión de filmes artísticos con una estética expresionista propia de los alemanes, que mucho tenía que ver con la caótica situación que atravesaban. Este lenguaje era opuesto al naturalista, criticaba el materialismo de las altas clases, y aludía al colapso de la civilización. El cine Expresionista Alemán existe entre 1919 y 1927, hasta que el país experimenta una lenta recuperación económica. El sentido estético de esta corriente trabajaba, también, la distorsión de los colores, las formas y el espacio, como se puede apreciar en El Gabinete del Doctor Caligari. Y en el sentido interpretativo, se dejó de lado la actuación realista, para buscar la exteriorización de los sentimientos hasta el extremo, involucrando al cuerpo en su deformación respondiendo a esta exteriorización, que a veces incluso se acentuaba con mucho maquillaje.

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El Gabinete del Doctor Caligari

(Alemania, 1919) Dirección: Robert Wiene. Actores: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher. Dur: 78 min.

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Las Manos de Orlac

(Alemania, 1924) Dirección: Robert Wiene. Actores: Conrad Veidt, Alexandra Sorina, Fritz Kortner, Carmen Cartellieri, Fritz Strassny, Paul Askonas. Dur: 92 min.

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Fausto

(Alemania, 1926) Dirección: F. W. Murnau. Actores: Gösta Ekman, Emil Jannings, Camilla Horn, William Dieterle. Dur: 116 min.

Metrópolis (Alemania, 1927) Dirección: Fritz Lang. Actores: Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel. Dur: 117 min. Entrada General al Ciclo: $25.

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Domesticar, desnaturalizar, humanizar, son palabras clave en el encuentro entre un tipo de mujer y un tipo de chancho. El hombre destaca el carácter antropocéntrico de la creación. La naturaleza resalta los límites y la precariedad del hombre; revelándose, o mejor dicho, existiendo... El chancho de Palermo representa una relación entre el hombre y la naturaleza, donde la tragedia y la comedia chocan en una manifestación triste de la condición humana y el sentido absurdo de la existencia. Intérpretes: Soledad Verdún, J. Manuel Verdún. Dirección: Virginia Brauchli. Música: J. Manuel Verdún. Producción: Ana Taleb. Dramaturgia y dirección general: Soledad Verdún. Dur.: 40 min.

Entrada General: $70. Desc. (Estudiantes, Jubilados y Anticipadas): $55. Socio Cooperador: $25. Socio Espectacular: Sin Cargo.

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“El teatro unificó las clases y los partidos, haciendo sufrir a todos por un mismo dolor, expresar una sola alegría, protestar contra aquello que nos indigna por igual. Con eso el teatro declaró su no partidismo.” Vsévolod Meyerhold

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1994 - 2014

20 años

SOCIAL REVOLUCION en rosario !

- LA PÁGINA DE LOS SOCIOS

1994 - 2014

20 años

Hacete Socio /a y Entrá gratis por un AÑO Campaña de Socios 2014

la continuidad de un proyecto cultural

a todos los espectáculos programados

en el teatro Del Rayo

y muchos beneficios más

¿Por qué ser Socio del Rayo?

El Grupo Laboratorio de Teatro “EL RAYO MISTERIOSO” nace en Noviembre de 1994 con el objetivo de conformar un Grupo de Investigación Teatral en Rosario. Son muchas las actividades que desarrollamos desde entonces. Nuestra Sala, el TEATRO DEL RAYO funciona como sede de las mismas; aquí se realizan espectáculos nuestros y de otros grupos de Rosario; se proyectan semanalmente películas durante todo el año; funciona la Escuela de Teatro con actividades pedagógicas; se realiza un Festival Internacional en Diciembre de cada año llamado EXPERIMENTA TEATRO y se edita mensualmente la revista TEATRO TRUENOS & MISTERIOS, la única revista de investigación Teatral de Rosario.

Además de apoyar a todas estas actividades que integran este proyecto cultural tenés beneficios espectaculares inéditos. ¡¡¡ESTE MES!!!

Frutas y Verduras

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Salta 2938 - Rosario

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“Todo mi camino creador y todas mis realizaciones son una autocrítica ininterrumpida. La biografía de un auténtico artista es la historia de su eterno descontento consigo mismo.” Vsévolod Meyerhold

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LA PÁGINA DE LOS SOCIOS - LA PÁGINA DE LOS SOCIOS - LA PÁGINA DE LOS SOCIOS - LA PÁGINA DE LOS SOCIOS - LA PÁGINA DE LOS

Beneficios del socio cooperador

Velada

Relámpago Sesiones Teatrales Trémulas y Temáticas

Amasado de Pan, Experimentos culinarios, Comida casera y Teatro Coord.: Aldo El-Jatib y María de los Ángeles Oliver.

TEATRO DEL RAYO

Abona sólo impuestos a los espectáculos programados.

CINEMATECA DEL RAYO Entrada Gratuita a los Ciclos de Cine para el socio y un acompañante. Proyecciones semanales en el “Teatro del Rayo”. DESCUENTOS EN SALAS INDEPENDIENTES DE TEATRO En las Salas: La Nave: San Lorenzo 1383. CET: San Juan 842. La Escalera: 9 de Julio 324.

REVISTA Recepción mensual en forma gratuita de la Revista “Teatro Truenos & Misterios”. BIBLIOTECA TEATRAL

Material de consulta sobre Teatro, Teoría, Historia, Maestros y Grupos, Técnicas, Obras, Antropología, Literatura, Revistas y Cuadernos de arte, teatro y cultura general: ediciones nacionales y extranjeras. En el “Café del Rayo”.

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Beneficios EXTRAs del socio TODOS LOS BENEFICIOS DEL SOCIO COOPERADOR MÁS:

ENTRADA GRATIS a todos los espectáculos programados en el “TEATRO DEL RAYO”.

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Rayo Social Club

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PREMIOS MENSUALES Socios Ganadores de JUNIO

Reflexología, Anteojos de Sol, Clases de Tango, Spa, Tabla de Copetín, Peluquería, Lencería, Artesanía en Vidrio, Consumiciones en Bares y Restaurantes Culturales y un Premio Especial de Cumpleaños. Periódicamente, nuevos premios.

Los Sorteos se realizan los primeros Sábados de cada mes en el “Teatro del Rayo”

PREMIOS ESPECTACULARES 1er Premio $450 1 ADORNO EN VITROFUsIÓN

Artesana “Norma Trivisonno”. Tel. 156413437 Pablo Warner Nº 413

2do Premio $430 Anteojos de sol en

“Óptica Del Fante”. San Martín 779.

Juan Manuel Verdún Nº 410

1er Premio $290

Una cena para dos en “Saltimbocca”. Caferatta esq. Catamarca. Arturo Uranga Nº 412

3er

Premio $180

3er Premio $290

Una cena para dos personas en

“Cadencia Eco Bar” . Dorrego 564. Tel. 4249615. Luisa Godoy Nº 312

2do Premio $210

UNA ORDEN DE COMPRA en “Lencería Uh Lalá!”. Salta 2907. Ana Varela Nº 74

4to

Premio $150

Cauterización y Brushing en “Under Cut Salón”. Italia 1550. Elena Llonch Nº 107

2 pLATOS DE CrêpeS Y UNA CERVEZA en “La Vie en Rose”. Güemes 2301 Daniel Calvo Nº 274

5to Premio $130

6to Premio $130

7mo Premio $130

8vo Premio $130

9no Premio $130

10mo Premio $120

11vo Premio $110

12vo Premio $100

UNA PIZZA Y UN VINO Trapiche Malbec en “Berlín”. Pje. Fabricio Simeoni 1128. Soledad Verdún Nº 405 Una Clase de Tango Individual o en pareja. Profesor: Pablo Taglioli. Tel: 155066400. Yesica Pelicates Nº 382 ConsumiCión Libre en “El Oso Sala la Sopa”. Suipacha 57. Matias Quiroz Nº 433

Una pizza y una cerveza en “Bar del Mar”. Tucumán y Balcarce. María Pía Martín Nº 47

Tabla de Copetín en “Lo de Don Benitez”. Salta 2963. Gabriel Mensegues Nº 371

ConsumiCión Libre en “El Born”. Pellegrini 1574. Christian Jourdan Nº 331

FANGO TERAPIA Una sesión en “María del Valle”. Rioja 1983. Mara Admella Nº 401

REFLEXOLOGÍA Holística Una sesión en Fabiana G. Torressi. Tel: 155907899. Judith Bulian Nº 349

13vo ¡Premio ESPECIAL DE CUMPLEAÑOS!

1 TORTA DE CUMPLEAÑOS. Panadería “La Rosarina”. Mendoza Esq. Ov. Lagos.

Aurora Noemi Rieffolo Nº 378 Cumpleaños: 13/6

¿CÓMO ASOCIARSE AL RAYO?

Para informarte podés llamar al: 4360454, escribir a: laboratorio@elrayomisterioso.org.ar o encontrarnos en nuestra sede: “TEATRO DEL RAYO” - Salta 2991 - Rosario www.elrayomisterioso.org.ar - Facebook: El Rayo Misterioso


“Tomemos por ejemplo el Otelo. Otelo estrangula a Desdémona, y la habilidad del actor consiste en que, al llegar al máximo de tensión, debe sin embargo, seguir siendo durante todo el tiempo su propio guía, debe conservar el dominio de sí mismo para no estrangularla realmente.” Vsévolod Meyerhold

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LO QUE SE MUEVE IN - LO QUE SE MUEVE IN - LO QUE SE MUEVE IN

LO QUE SE MUEVE IN

Efemérides

EFEMÉRIDES - EFEMÉRIDES - EFEMÉRIDES - EFEMÉRIDES

JUNIO

Cartelera Teatral Independiente

a.t.i.r.

Asociación de Teatros Independientes de Rosario

Guía de Espacios Amigos del Artea 3 de Febrero 755 CETa San Juan 842 La Manzanaa San Juan 1950 la moradaa San Martín 771 P.A. Teatro del Rayoa Salta 2991

Viernes 6

Sábado 14

Dir.: Melisa Martyniuk.

17hs Ito, Teatro para bebés Dir.: Carla Rodríguez. La Manzana _____________________________

22hs Como quien mata a un perro Dir.: Rubén Deninno. Amigos del Arte _____________________________

22hs Salón, el fracaso de una idea Dir.: Juan Hessel. CET _____________________________

21hs Algo Sangra

La Manzana _____________________________

22hs Queridísimo Bernardo Dir.: Sergio D’Angelo. La Morada _____________________________

Sábado 7

17hs Ito, Teatro para bebés Dir.: Carla Rodríguez.

La Manzana _____________________________

22hs Salón, el fracaso de una idea Dir.: Juan Hessel. CET _____________________________ 22hs Bajo un cielo de Verano Dir.: Rody Bertol. La Manzana _____________________________ 22hs Quiero que gustes de mí

22hs Bajo un cielo de Verano Dir.: Rody Bertol. La Manzana _____________________________ 22hs. Quiero que gustes de mí

Dir.: Gustavo Di Pinto.

La Morada _____________________________

22hs El Chancho de Palermo Dir.: Soledad Verdún.

20hs Pluma y la Tempestad Dir.: Raúl Marciani. Amigos del Arte _____________________________ 20hs 2 mil 90

Dir.: Julián Sanzeri.

La Morada _____________________________

20:30hs Los (D)opados Dir.: Adrián Almaraz. CET _____________________________ 21hs Die Vier Himmelsrichtungen Dir.: Ma. Cecilia Borri.

Amigos del Arte _____________________________

20hs 2 mil 90

La Morada _____________________________

20:30hs Los (D)opados Dir.: Adrián Almaraz. CET _____________________________ 21hs Die Vier Himmelsrichtungen Dir.: Ma. Cecilia Borri. La Manzana _____________________________

Viernes 27 21hs Algo Sangra

Dir.: Melisa Martyniuk.

La Manzana _____________________________

Dir.: Sergio D’Angelo.

La Morada _____________________________

Sábado 28

17hs Ito, Teatro para bebés Dir.: Carla Rodríguez. La Manzana _____________________________

21hs Algo Sangra

Dir.: Melisa Martyniuk.

La Manzana _____________________________

22hs Como quien mata a un perro Dir.: Rubén Deninno. Amigos del Arte _____________________________

17hs Ito, Teatro para bebés Dir.: Carla Rodríguez. La Manzana _____________________________ 22hs Salón, el fracaso de una idea Dir.: Juan Hessel. CET _____________________________ 22hs Bajo un cielo de Verano Dir.: Rody Bertol. La Manzana _____________________________

22hs Quiero que gustes de mí Dir.: Gustavo Di Pinto. La Morada _____________________________ 22hs El Chancho de Palermo Dir.: Soledad Verdún. Teatro del Rayo _____________________________

Domingo 29

20hs Pluma y la Tempestad Dir.: Raúl Marciani. Amigos del Arte _____________________________ 20hs 2 mil 90

Dir.: Julián Sanzeri.

La Morada _____________________________

20:30hs Los (D)opados Dir.: Adrián Almaraz.

CET _____________________________

21hs Die Vier Himmelsrichtungen Dir.: Ma. Cecilia Borri.

La Manzana _____________________________

Arresto, tortura y asesinato de Meyerhold

E

l ruso Vsévolod Emilievic Meyerhold, padre de la Biomecánica y maestro fundamental del teatro contemporáneo, murió a manos del régimen stalinista luego de meses de crueles torturas en prisión, a los 65 años. Meyerhold apoyaba la Revolución Rusa, en el sentido de que concebía al actor como un obrero más, de hecho, en 1919 se dictaron resoluciones que reconocían a los trabajadores del teatro como proletarios, y a los teatros eximidos de impuestos. Pero, con la muerte de Lenin en 1924, el caos y la persecución emergen en Rusia. De la mano de Stalin también viene la censura de la libertad artística, y el “realismo socialista” como única expresión permitida. Meyerhold sostiene sus principios y en 1938, el “Comité de Asuntos Artísticos” lo obliga a cerrar su teatro, acusándolo de formalismo, antisovietismo e izquierdismo. Stanislavski lo ayuda dándole un puesto en su teatro, pero muere a los pocos meses. Ahora sin apoyo, es detenido el 20 de Junio de 1939, y llevado a la prisión de Lubianka. Días después, su mujer aparece degollada en su casa. Desde la prisión, Meyerhold le escribió esta carta al jefe de gobierno soviético Viacheslav Mólotov, denunciando los terribles abusos padecidos: “Aquí está mi confesión, breve como conviene un instante antes de morir. Nunca fui un espía. El gobierno ha decidido que para mis culpas, de las que se habló en la tribuna de la primera Sesión del Soviet Supremo, no era bastante el castigo que me habían reservado (mi teatro cerrado, la disolución de mi Compañía) y que debía sufrir otro castigo más, el que los órganos del NKVD me infligen ahora. ‘Quiere decir que así debe ser’ repito a mí mismo. Y mi ‘yo’ se ha dividido en dos personas. La primera se puso a buscar los delitos de la segunda y no encontrándolos, se puso a inventarlos. El juez instructor demostró ser un experto ayudante en la materia y nos pusimos a inventar juntos, en estrecha colaboración. Me repetía amenazante: ‘Si no escribes, te pegaremos de nuevo, dejaremos intacta la cabeza y la mano derecha y haremos del resto un pedazo de cuerpo informe, desgarrado y sangriento’. Me pegaban, soy un viejo enfermo de sesenta y cinco años, me ponían en tierra con la cara hacia abajo, y con una cachiporra de goma me pegaban en las plantas de los pies y en la espalda; cuando estaba sentado, con la misma cachiporra me pegaban en las piernas (desde arriba, con mucha fuerza) y de las rodillas hacia arriba. En los días siguientes, cuando en aquellas partes de las piernas se había desarrollado una abundante hemorragia interior, me pegaron de nuevo sobre los hematomas rojos y amarillos y el dolor era tal como si en las partes sensibles y enfermas de las piernas me arrojasen agua hirviendo. Lloraba y gritaba de dolor. Me pegaban en la espalda con el mismo arnés, me pegaban en la cara, con mucho impulso. Retiro las declaraciones que me extrajeron de este modo y suplico a Usted, Jefe del Gobierno: Sálveme, devuélvame la libertad, amo mi Patria y estoy dispuesto a darle todas las fuerzas de los últimos años de mi vida.” Vsévolod Emilievic Meyerhold. El 2 de Febrero de 1940 es fusilado en la prisión y su nombre será impronunciable por decreto en toda la U.R.S.S., hasta el año 1955.

§

22hs Queridísimo Bernardo Dir.: Sergio D’Angelo. La Morada _____________________________

La Morada _____________________________

22hs Bajo un cielo de Verano Dir.: Rody Bertol. La Manzana _____________________________

Sábado 21

22hs Como quien mata a un perro Dir.: Rubén Deninno. Amigos del Arte _____________________________

Dir.: Julián Sanzeri.

Viernes 20

La Manzana _____________________________

Viernes 13 La Manzana _____________________________

20hs 2 mil 90

22hs Salón, el fracaso de una idea Dir.: Juan Hessel. CET _____________________________

La Manzana _____________________________

Dir.: Melisa Martyniuk.

20hs Pluma y la Tempestad Dir.: Raúl Marciani. Amigos del Arte _____________________________

21hs Die Vier Himmelsrichtungen Dir.: Ma. Cecilia Borri.

22hs Queridísimo Bernardo Dir.: Sergio D’Angelo. La Morada _____________________________

21hs Algo Sangra

Domingo 22

22hs Queridísimo Bernardo

20:30hs Los (D)opados Dir.: Adrián Almaraz. CET _____________________________

Domingo 8

Teatro del Rayo _____________________________

Dir.: Raúl Marciani.

20hs Pluma y la Tempestad

22hs El Chancho de Palermo Teatro del Rayo _____________________________

22hs El Chancho de Palermo Dir.: Soledad Verdún.

Domingo 15

Dir.: Julián Sanzeri.

Dir.: Soledad Verdún.

22hs Quiero que gustes de mí Dir.: Gustavo Di Pinto. La Morada _____________________________

22hs Como quien mata a un perro Dir.: Rubén Deninno. Amigos del Arte _____________________________

Teatro del Rayo _____________________________

Dir.: Gustavo Di Pinto.

La Morada _____________________________

de Rosario

20 de Junio de 1939


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Casa de Piedras Cristales y Gemas Pasaje de la Naci贸n Loc. 13 Ingreso por Peatonal San Mart铆n 834 Tel: (0341) 447 3179 - 2000 Rosario - Santa Fe - Argentina


JUNIO TEATRO DEL RAYO 2014

SALA

ALTERNATI

Cine

Programación

JUEVES 21:30 HS

Ciclo: “Expresionismo Alemán”

5

VA

El Gabinete del Doctor Caligari

DE

TEATRO

DAN Z A

SÁBADOS 22:00 HS

ENT RE NAMIEN T O DE LIBERACIÓN EXPRESIVA Dirección y Coordinación Personal: Aldo El-Jatib

6 El Chancho de

Palermo

(Alemania, 1919) Dir.: Robert Wiene. Dur: 78 min.

Dirección: Soledad Verdún. Dur.: 40 min.

(Alemania, 1924) Dir.: Robert Wiene. Dur: 92 min.

Dirección: Soledad Verdún. Dur.: 40 min.

12Las Manos de Orlac 13 El Chancho de 19

Fausto

26

(Alemania, 1926) Dir.: F. W. Murnau. Dur: 116 min.

Metrópolis

(Alemania, 1927) Dir.: Fritz Lang. Dur.: 117 min.

Palermo

20 El Chancho de

Palermo

Dirección: Soledad Verdún. Dur.: 40 min.

27 El Chancho de

Palermo

Dirección: Soledad Verdún. Dur.: 40 min.

Cupos Limitados

SÁBADOS DE 16 a 17:30 hs

FECHA DE Inicio: Sábado 7 Junio

Informes e Inscripción: “Teatro del Rayo”

TEATRO DEL RAYO Salta 2991 - 2000 - Rosario - Tel. 4360454 www.elrayomisterioso.org.ar - laboratorio@elrayomisterioso.org.ar - Facebook: El Rayo Misterioso

1994 - 2014

20 AÑOS DE TRABAJO EN GRUPO Lencería

Salta 2907 - Rosario

TEATRO, TRUENOS & MISTERIOS - Nº 101  

TEATRO, TRUENOS & MISTERIOS - Nº 101 REVISTA DE INVESTIGACIÓN TEATRAL. Expresión en la búsqueda del Grupo Laboratorio de Teatro "El Rayo Mis...