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FOTOGRAFIA

ESTETICA

UN ESPACIO PARA EXPRESAR TU OPINIÓN

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PACO PEREGRIN FOTOGRAFO

Desnudando fotografías

“PREMIOS LUX DE FOTOGRAFÍA”

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HISTORIA FOTOGRAFIA A principios del siglo XI, el árabe Ibn al-Haitham estudió los eclipses de sol y la luna, haciendo paCLAUDIA JOHANNA TORRES ORTIZ EDITORA

sar a través de un pequeño agujero los rayos emitidos por el sol y reflejados por la luna. Estos rayos se proyectaban en la pared opuesta de una habitación oscura, llamada Cámara Oscura. Más tarde se descubrió que poniendo en el agujero una lente de una distancia focal apropiada se obtenía una imagen más nítida. Partiendo de este principio, en los siglos XVII y XVIII empezaron a utilizarse como instrumentos de dibujo para reproducir edificios, campos, etc., cámaras que consistían en tiendas de campaña.

CONTENIDO HISTORIA FOTOGRAFIA

1

PEREGRIN Y NEO2

2

Desnudab¿ndo fotografias

2

EL CABALLERO DE LA MANCHA

3

LA RELACIÓN

4

Este instrumento de reproducción

obtuvo cuando se mezclaron las

existía ya cuando se inició la

sales de plata en una capa resis-

técnica de conservar la imagen de

tente de gelatina. El americano

la cámara oscura, mediante el

George Eastman Kodak lanzó un

efecto producido, sobre las sales

nuevo método consistente en

de plata, por los rayos luminosos.

aplicar la capa sensible sobre una

En 1839, el francés Daguerre

cinta flexible de celuloide, de

lanzó un método práctico: empleó

manera que los negativos podían

placas de cobre recubiertas con

almacenarse en rollos. A partir de

yoduro de plata y expuestas en

entonces el fotógrafo dejaba el

cámaras de madera.

laboratorio en casa, y el equipo

Para que la imagen del daguerroti-

resultó más sencillo.

po aparezca visible, tiene que ser

A principios del siglo XX, los afi-

observada bajo cierto ángulo con

cionados pudieron adquirir las

respecto a la luz. Se obtuvieron

cámaras del tipo de caja y de

imágenes más perfectas aplicando

fuelle. Después de estas primeras

el yoduro de plata sobre papel y

cámaras, la industria fotográfica

posteriormente sobre placas de

ha desarrollado las cámaras del

vidrio. No obstante las fotograf-

tipo de película de 35 mm y la

ías tenían que ser preparadas y

cámara reflex.

reveladas inmediatamente des-

Los aparatos fotográficos moder-

pués de la exposición, de manera

nos están provistos de objetivos

que el fotógrafo de campaña deb-

cambiables para poder emplear

ía llevar una tienda y una gran

diferentes distancias focales. No

cantidad de productos químicos.

obstante, las fotografías de estu-

Un gran avance en la técnica se

dio se toman aún siguiendo el

antiguo principio de la cámara de fuelle. Las fotografías solo podían hacerse en una escala de tonos, o sea blanco y negro, pero ya en 1861 se conocían los principios fundamentales de la fotografía en color. Lumiére introdujo ya, en 1907, las primeras placas fotográficas para obtener fotografías en colores, aunque la verdadera fotografía en color no se divulgó hasta 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas. El problema del revelado inmediato ha sido resuelto en la actualidad, por ejemplo, con las cámaras Polaroid, en las cuales una pasta reveladora es introducida entre la película y el papel, cuando el rollo aún se encuentra en la cámara.


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EL FOTÓGRAFO PACO PEREGRÍN & NEO2 TRIUNFAN Hace un par de días que se celebró en Barcelona la decimosexta edición de los Premios Lux de Fotografía Profesional. Y allí acudió uno de nuestros colaboradores con sus mejores galas. El fotógrafo Paco Peregrín, previo nominado como uno de los finalistas en la categoría de Moda y Belleza, fue el gran triunfador de la noche.

Peregrín se hizo con el

Lux de oro por la editorial “In My Room”, publicada en el pasado número de julio/agosto en Neo2. El concepto es de Ipsum Planet y los fotones suyos. Nos sentimos muy orgullosos. Juzgad vosotros mismos.

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VISITEN http://www.neo2.es/blog/


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DENUDANDO FOTOGRAFIAS SPENCER TUNICK

DE SERGIO 2277 WWW.OJODIGITAL.COM

Es muy conocido por sus foto-

mente se hicieron populares y

saba desnuda en el Centro Roc-

grafías de grandes masas de

decidió ampliar su trabajo por

kefeller de Manhattan (Nueva

personas desnudas dispuestas

otros estados de Norteamérica,

York)[En junio del 2003 llegó a

en artísticas formaciones a

en su proyecto denominado Naked

fotografiar a 7000 personas

menudo situadas en localizacio-

States (Estados desnudos). Más

desnudas en Barcelona.[2] En

nes urbanas y conocidas como

tarde hizo una gira internacional,

mayo de 2007, en la Ciudad de

Instalaciones. Surgen de estas

a la que denominó Nude Adrift

México rompió su propio record

imágenes una serie de tensiones

(Desnudo a la Deriva) tomando

logrando juntar en la Plaza de la

entre los conceptos de lo públi-

fotografías por ciudades como:

Constitución (Zócalo) de esta

co y lo privado, lo tolerado y lo

Brujas, Londres, Lyon, Melbourne,

ciudad a cerca de 19.000 parti-

prohibido o lo individual y lo

Montreal, Caracas, Santiago

cipantes que se desnudaron sin

colectivo. Tunick comenzó en el

(5.000 asistentes), México, São

prejuicios. Sus modelos son

año 1992 fotografiando perso-

Paulo, Newcastle o Viena.

voluntarios que únicamente

nas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápida-

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Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella po-

reciben una foto firmada por su colaboración

Spencer Tonick entiende el arte como un lenguaje polisémico, es decir sin asimilar una estética definida, nos presenta fotografías que, si bien revisan o integran rasgos de sus refrentes artisticos,. El resultado de sus obras nos relatan la mentamorfosis del cuerpo en paisaje de la ciudad y todo ello con una doble consecuencia: por un lado su fantasia se extiende mas alla para poner en duda nuestro conocimiento de la realidad y por otro lado nos muestra una nieva visión del desnudo, aquella donde no solo se nos revela su belleza traspasando la instantaneidad del acto fotográfico sino la contemplación del individuo como un todo organico. Este fotógrafo busca que el cuerpo desnudo intervenga el espacio urbano desnudo para vestirse los dos de arte.


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Evitar sombras. Un flash. Ver. Mirar. Gran angular. On. Off. Buscar la imagen, el encuadre. Enfoque. Y la imagen para el recuerdo. No obstante, aunque parece fácil, se trata de una reacción en cadena. Para la que hay que tener una serie de nociones, porque no es lo mismo ser aficionado a la fotografía, que experto o profesional del tema. La jornada de ayer en la Escuela de Arte estuvo dedicada a la enseñanza de la fotografía, de las técnicas. A desgranar una vida. Dos.

Dos profesionales de la fotografía explican toda una vida de imágenes Como su vocación es la docencia, ha querido que todo quede claro. Cuenta con un amplio aval en este campo, ya que ha sido profesor en el Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña, trabajando como asesor de color para la revista Casanova Profesional. Así, a las 10:30 de la mañana, comienza su disertación centrando buena parte de la misma en la importancia del ajuste del monitor para que la realidad responda a la intención de la manera más adecuada. Más tarde, tras la ovación que los jóvenes le dedicaron, entra en la sala el almeriense Domingo Leiva. Lleva en la memoria las instantáneas de algunos de sus viajes. Muestra las de China, donde estuvo centrado en la quietud de los trabajadores que duermen por la mañana en el metro. Hugo Rodríguez es especialista en gestión de color y asesora a profesionales y empresas. Cuenta con uno de los trabajos más prolíficos en fotografía digital en la web, trabaja como docente de fotografía compaginándolo con su trabajo como asesor de color en los laboratorios EGM. Domingo Leiva desafía al sol para hacer del laboratorio digital una herramienta creativa de reconstrucción de la realidad. Hugo y Domingo han enseñado dos maneras diferenciadas, a la vez que comunes, de contemplar el trabajo fotográfico en el laboratorio digital, diversas herramientas útiles profesionalizadoras, dos ejemplos de un gran trabajo, pero sobre todo, dos maneras de apasionarse por la fotografía.


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La construcción social de una estética “artística” en fotografía Hace unos días comencé a tener una discusión con una colega fotógrafa, formada en una lectura humanista de la fotografía y la conversación quedó a medias. Justamente un par de días después, leía un texto por demás interesante: Camera Clubs and Fine Art Photography. The Social Construction o fan Elite Code de Donna Schwartz publicado en 1986 (curioso cómo, una referencia tan “vieja” pueda ser útil, estoy demasiado acostumbrado a leer trabajos sobre Internet que con un par de años, quedan obsoletos). La autora parte de que muchas veces las fotografías de aficionados parecen profesionales y en muchas otras, las fotografías artísticas no son muy diferentes de las de los aficionados. Sin embargo, Schwartz se preguntaba, ambos grupos se repudian entre sí. Lo que desarrolla entonces es un trabajo etnográfico en Philadephia con los dos grupos, los aficionados que se reúnen en clubes de fotografía y los profesionales que exponen, publican y tienen un nombre en el mundo del arte.Comienza por relatar la relación histórica entre arte y fotografía que ella sitúa en la obra de Alfred Stieglitz y el “pictorialismo”. Ella apunta que Stieglitz logró “tejer una red social” de fotógrafos artísticos “separados” de los amateurs, además de fundar un journal (Camera work) que publicaba obra crítica sobre la fotografía así como reproducciones de obras. La autora apunta que entonces se generó un “código común” que se convirtió en un código elitista que generó una separación entre los “artistas” y los “aficionados”. Partiendo de ahí, entrevista a los dos grupos en la actualidad y encuentra que: “los fotógrafos cuyo trabajo meramente amula aquél que ya se ha hecho pueden ser considerados practicantes competentes, pero no artistas importantes. Comúnmente, los artistas, elaboran con conciencia propia, sobre un idioma establecido, introduciendo nuevos elementos” y continúa: “a diferencia de los fotógrafos artísticos, los miembros de los clubes de fotografía, no esperan mejorar sobre el trabajo de aquellos que admiran. En lugar de eso, ellos aspiran a lograr lo mismo que lograron sus predecesores.” El planteamiento es interesante porque la clave es ese “código compartido” que, al conocerse, hace que se pertenezca a un determinado grupo. Plantea que mientras que en la fotografía periodística o de “snapshots” o los retratos en donde el significado está directamente articulado: “la habilidad para interpretar las fotografías de arte requiere competencia en códigos simbólicos resguardados exclusivamente por los miembros del mundo del arte”, continúa: “La emergencia de un código comunicacional exclusivo, provee un mecanismo simbólico para identificar y delimitar un mundo social de élite….el conocimiento acerca de los códigos de arte modernos se ha convertido en un bien escaso, limitando la difusión de las competencias apreciativas” para terminar: “La construcción de un código de élite de la práctica fotográfica y su mantenimiento por los artistas contemporáneos elaboran mecanismos de diferenciación social, permitiendo a la fotografía ser, simultáneamente, “más fácil que nunca” y un complejo proceso de descubrimiento visual”. Y pienso en la posible reconfiguración de estos códigos (o los nuevos mecanismos para su consolidación) en sitios de “encuentro” de estos dos mundos, especialmente Flickr.

La fotografía, además de ser una técnica, es un arte. Desde la época de la fotografía más rudimentaria, en los albores, la fotografía consiguió ser un medio de expresión y artístico sin parangón hasta entonces. La reproducción de la realidad tal cual es supuso un punto y aparte en el resto de las manifestaciones artísticas. Todo ello coincidió, además, con el apogeo del Realismo en pintura, literatura, etc

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