Page 1

EL BIBLIOTECOM

GRABADOS ANTIGUOS ¿QUÉ ES EL GRABADO? De acuerdo a los datos históricos recopilados por especialistas, las técnicas de grabado sobre papel y la xilografía (técnica de impresión en relieve sobre madera), fueron inventadas por los chinos y luego llevadas a Europa a través de sus caravanas comerciales que ingresaban por Rusia y Moscovia. La xilografía encontró en el estampado de tela su principal aplicación. Luego aparece el grabado sobre metal en sus versiones de hueco y relieve. Probablemente esta técnica surgiera en los talleres de orfebres, que junto a los armeros eran quienes más conocían el trabajo con los metales. Muchos cambiarían su oficio por el de grabado en respuesta a la gran demanda. Entre otros artistas que luego adquirirían fama, Alberto Duero es un buen ejemplo del artista que en su juventud trabajo en un taller de orfebrería. Esta técnica de morder el metal, comúnmente llamada aguafuerte, también se atribuye a quienes practicaban el oficio de armero, pues eran quienes conocían a la perfección la acción corrosiva de los ácidos y su empleo. Pero hasta la aparición de Gutemberg con su invento de los tipos móviles, ocurrida hacia el año 1450, puede decirse que todo lo relacionado con la impresión no ofrece grandes avances. Recién en el silo XIX, en sus comienzos, el tipógrafo alemán Alois Senefelder descubre basándose en el principio de repulsión entre el agua y el aceite la litografía. Se diferencia de todos los otros sistemas por estar toda la superficie a imprimir a un mismo nivel, así que no se trata de un huecograbado ni de un relieve. Este descubrimiento, que más tarde tendría que revolucionar la industria moderna, no tuvo en su momento demasiada resonancia. En la actualidad los más modernos sistemas de impresión se basan en la litografía.

En los comienzos del silo XIX, el tipógrafo alemán Alois Senefelder descubre la litografía basándose en el principio de repulsión entre el agua y el aceite.

Litografía

Tipos de grabado En la actualidad hay diferentes categorías de grabados e incluso subcategorías. Pero fundamentalmente pueden presentarse en cinco áreas principales: el giclée, el relieve, el intaglio, la litografía y la serigrafía.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

1


EL BIBLIOTECOM Giglée Es una de las técnicas más recientes en lo que hace a grabado artístico, técnica que genera cada vez más adeptos. También se lo conoce como “Iris”, en referencia a la primera impresora con la que se experimentó esta técnica, la Iris 3047. Las primeras reproducciones giclée, palabra francesa que significa pulverizar un líquido, son del año 1989. Las imágenes son escaneadas y digitalmente almacenadas para luego ser enviadas a una impresora inkjet de muy alta resolución. Giclée, “Magic Dream”

Giclée, “The found passion”

Todo el proceso tiene su punto de partida en una imagen digitalizada de alta resolución, de tal manera que proporciones cerca de 1800 dpi visuales en el formato de salida, para lograrlo debe emplearse un escáner de muy elevadas prestaciones, perfectamente calibrado, y con monitores que por lo general sin color. El artista u operador, realiza los ajustes oportunos y luego guarda el archivo en CD-ROM u otro sistema que posea alta capacidad. Las imágenes deben ser escaneadas a 300 dpi en formato de salida, así que una copia de 75 x 100 cm. ocupa 432 Megabites.

Las obras se definen con impresoras que utilizan tintas de altísima calidad, que son pulverizadas en gotas microscópicas por un capilar más fino que el grosor de un cabello, a razón de más de 4 millones por segundo. Cuando se trata de la famosa impresora Iris, el papel va montado en un cilindro que gira a una velocidad de 250 a 375 cm. por segundo, logrando con esta velocidad llegar a una impresión de 80 x 110 cm. en una hora. Su alta calidad no se aprecia a simple vista. La técnica del giclée es por la calidad de su impresión, especial para utilizarse en trabajos de arte, pues hasta puede sustituir a las copias en papel de bromuro. Las posibilidades creativas y el hecho de que todas las copias son idénticas, hace que sea ilimitado. Relieve Esta forma de grabado es reconocida como la más antigua. Su antigüedad se remonta a los tiempos de las primeras xilografías chinas, de aproximadamente el siglo VIII. Recién en el siglo XV esta técnica aparece en Europa. www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

2


EL BIBLIOTECOM Básicamente el grabado consiste en crear una imagen en papel sobre una superficie elevada de la matriz. El artista realiza el dibujo sobre la matriz o plancha y luego retira lo que no corresponde a las áreas de la imagen.

De este modo las áreas mencionadas se convierten en la negativa de la imagen, los espacios alrededor de los cuales veremos la imagen. Entonces la tinta cubrirá estas áreas que el artista no toca. La plancha se entinta y se extiende sobre un pliego de papel. El artista podrá entonces presionar el papel utilizando su propia mano o pasarlo por una prensa de impresión. La imagen reproducida en el papel es como el reflejo en un espejo de la que hay en la plancha. La xilografía y los linocuts son los ejemplos más comunes de los grabados en relieve. Relieve, Xilografía

Intaglio Esta técnica es exactamente lo opuesto al grabado en relieve. El artista realiza incisiones en la matriz y aplica tinta sobre las líneas que traza, de este modo va realizando el proceso que plasma la imagen en la matriz, asegurándose que las áreas sin dibujo queden completamente limpias de tinta.

Esta técnica es exactamente lo opuesto al grabado en relieve.

Intaglio Intaglio

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

3


EL BIBLIOTECOM Para hacer este trabajo, es necesario humedecer previamente el papel con agua. Cuando se extiende sobre la matriz y es presionada por la imprenta, el papel es empujado hacia las ranuras de la plancha, lo que hace que la imagen se transfiera en el papel. Pueden también utilizarse en la concreción de esta técnica los ácidos para hacer las incisiones sobre planchas de metal, protegiendo con ceras las áreas que no deben verse plasmadas en el papel. Las variantes de la técnica del intaglio incluyen: la punta seca, la aguatinta, el grabado, la mezzatinta, y el aguafuerte.

Litografía de Joan Miró

Litografía La litografía se caracteriza porque puede realizarse un importante número de copias con una sola matriz sin que se deteriore la calida de la imagen. La litografía fue inventada en Bavaria por Aloysius Senefelder (1771 – 1834). Esta técnica está basada en la incompatibilidad entre el agua y el aceite, la capacidad que tiene la piedra caliza para absorber y retener agua y la disposición de las sustancias aceitosas a adherirse a la piedra caliza. La naturaleza pulida de la superficie es receptiva al aceite que se extiende sobre ella.

Lo que descubrió Senefelder fue que, tratando químicamente la superficie de la piedra caliza, y dibujando en ella con lápices grasos, solamente las áreas que no han sido tocadas con los lápices grasos absorberían la tinta de la impresión. Entonces, dibujando en la piedra tratada, entintándola, cubriéndola con papel húmedo y pasándola por una prensa, la imagen se transfiere exactamente en el papel. Actualmente la técnica se aplica en una plancha de metal. Litografía

Serigrafía El concepto del estarcido es el que rige la técnica serigráfica. Se realiza empleando una fina hoja de material resistente, recortado en ella. Luego esta lámina se coloca sobre lo que se transforma en superficie receptora que puede ser papel, lienzo, etc. Una vez que la pintura se aplica sobre la superficie de la lámina, solo alcanzará la parte de la superficie receptora colocada bajo la zona donde el diseño ha sido recortado. Si bien la serigrafía alcanzó su auge en los años 60 del siglo XX, cuando entre otros artistas, Andy Warhol impone el Pop Art, el estarcido ya se aplicaba en el Reino Unido a principios del mismo siglo.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

4


EL BIBLIOTECOM Hoy el estilo más conocido de serigrafía es el que se realiza en seda, y es empleado en numerosos objetos cotidianos como posters, remeras, telas estampadas, y en su sentido artístico más difundido en las obras de Warhol. Serigrafía

Hoy el estilo más conocido de serigrafía es el que se realiza en seda, y es empleado en numerosos objetos cotidianos como posters, remeras, telas estampadas.

Terminología Tirada Pruebas de artista

La tirada es el juego de estampas idénticas de una misma lámina, piedra o plantilla. Es una secuencia producida por el artista o realizada por un estampador bajo su supervisión. Lo que acostumbra a hacerse es numerar cada pieza de la tirada sobre el total. Esta numeración se hace sobre el grabado, generalmente a lápiz. Las denominadas pruebas de estado se consideran parte de la tirada y cuando se mencionan como prueba buena u original se está haciendo referencia a una tirada limitada. Pruebas de artista Son pruebas dedicadas exclusivamente al artista y diferenciadas como tales. Se hacen por fuera de la tirada y su numeración, se la identifica sólo como “prueba de artista”. Reacuñación Es un estampado posterior al original tanto de una lámina, piedra o cualquier otra plantilla. Generalmente son póstumas o hechas sin autorización. Pruebas de estado Se llama así a las pruebas que el artista va haciendo sobre la obra una vez dibujada la imagen. Si hace cambios, las estampas anteriores se llaman primer estado, y las posteriores segundo estado, y así sucesivamente según los cambios que vaya aplicando el artista sobre su obra. Catálogo razonado Refiere a un texto legitimado por la erudición del autor acerca de la obra de un artista en particular. Documenta y describe todos los grabados del artista. En la información se suele incluir el título, los títulos alternativos, la fecha, la técnica, el tamaño de la tirada, el formato de la imagen, el papel empleado y otros datos pertinentes. El término se aplica también a catálogos similares de pintura, escultura, dibujo, acuarela u otras obras del mismo artista o taller.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

5


EL BIBLIOTECOM

TÉCNICAS DE GRABADO Para definir la técnica de grabado es necesario establecer que el artista trabaja a partir de la elaboración de una matriz, con ella reproduce imágenes de manera múltiple. A la matriz se la denomina también plancha, y en ella se realiza la representación en negativo. La clasificación que suele hacerse de las técnicas de grabado está vinculada a la materia prima de la que se hace esta matriz o plancha.

Madera: que se emplea en las técnicas de xilografía y linograbado. Metal: que se emplea en las técnicas de buril o talla dulce, aguafuerte y aguatinta entre otras. Piedra: que se emplea en la litografía. Pero se ajustaría más a una clasificación el considerar el proceso de realización que el artista aplica para obtener el resultado que busca. Esta consideración permite diferenciar los grabados en tres grandes grupos: Grabado en relieve: Consiste en el tallado de la matriz por medio de gubias, cuchillas o buriles, que dejan en relieve las líneas de composición. Es a este grupo que pertenecen la xilografía y el linograbado. Buriles

Grabado en relieve

El grabado en relieve se logra tallando la matriz con gubias, cuchillas o buriles.

Grabado en hueco: En este caso el artista sigue el camino contrario al del relieve, pues lo que hace es vaciar los negros. Las tallas se realizan de dos diferentes maneras. Utilizando medios directos o mecánicos para lo que se sirve de herramientas como el buril y la punta seca En este grupo se integra la técnica de grabado a buril, o talla dulce. Procediendo de manera indirecta, para lo que recurre a los ácidos corrosivos. En este grupo podemos citar como más conocidos el aguafuerte y el aguatinta. Grabado plano: Esta es una técnica discutida por los puristas porque su característica fundamental es que la matriz no es tallada, por tanto no se trataría de un grabado. Las imágenes estampadas se obtienen por el traspaso de las tintas directamente aplicadas sobre la matriz, o haciendo pasar la tinta a través de una trama o pantalla.

Grabado en relieve Una idea aproximada de cómo se hace el grabado en relieve se puede obtener observando un tampón de los que se usan para sellar documentos.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

6


EL BIBLIOTECOM El grabador debe vaciar en la matriz los blancos de la imagen y dejar en relieve las líneas de la composición. El vaciado se realiza por medio de gubias, cuchillas y buriles. Cuando se realiza la matriz el artista tiene en cuenta que el paso siguiente es el vaciado de lo que se quiere en blanco, de modo que la imagen que se talla es la inversa de la que se obtendrá una vez hecho el estampado. Negro

Blanco

Talla

Tinta

Madera o linóleo

Para tener una idea de cómo es el proceso de talla de una plancha o matriz, basta con dibujar con cera blanca sobre cartulina negra la composición del grabado. Lo que en una obra original se tallaría con las gubias, es lo que se dibuja con la cera, de esta manera quedará en blanco lo que se proyecta negro. También se ha de tener en cuenta que el dibujo de la matriz debe ser el simétrico axial del que queremos obtener estampado, tal como podemos observar en la plancha y grabado de Henri Matisse. Dentro de las técnicas de grabado en relieve se incluyen: Xilografía El nombre de esta técnica proviene del griego (xilón significa madera en griego, y grafos deviene del latín y significa dibujo), y se debe a que su matriz o plancha se hace en madera. Y el resultado es entonces un grabado xilográfico. Según que el corte de la madera sea paralelo o perpendicular al tronco del árbol, obtenemos un grabado al hilo (tendido, o a fibra) o por testa (hilo de pie, o a contrafibra). Este método es uno de los más antiguos del grabado. En Europa se lo conoce a mediados del siglo XIII, y las primeras obras de las que se registran documentos son naipes. Con el tiempo fue utilizado para realizar estampas religiosas. De esta manera fue divulgándose su uso y perfeccionándose hasta inspirar la idea de las letras móviles.

Xilografía dos colores

Si se busca como resultado una xilografía de varios colores, debe realizarse una plancha diferente por color que se quiera aplicar. De esta manera se imprimen los colores aplicándolos uno sobre otro de manera que se superponen. Al superponerse los colores se obtendrá un color diferente por la mezcla de los anteriores. Xilografía dos colores

Se realiza una plancha diferente por color que se aplica. De esta manera se imprimen los colores aplicándolos uno sobre otro de manera que se superponen.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

7


EL BIBLIOTECOM Maestros de la xilografía fueron el alemán Alberto Durero (1471-1528), Eduard Munch (18631944), Paul Gauguin (1848-1903), Emil Nolde (1867-1956), Wassily Kandinsky (1866-1944), Joan Miró (1893-1983), Georges Braque (1882-1963) y Eduardo Chillida (1924-2002) entre otros, de los cuales se han seleccionado las obras que se presentan en el visor. Xilografía, Durero

Linograbado La misma técnica que se utiliza para la xilografía puede usarse con otros materiales como el cuero, pero principalmente se la practica con linóleo, por lo que el grabado obtenido se denomina linograbado o linoleograbado. Siguiendo estos pasos se usa incluso algunos metales como los que se practica el criblé, cribado o acribillado, aunque en realidad el metal es la materia prima para la matriz o plancha de grabado en hueco. El linóleo es un material práctico y noble para el trabajo de grabado ya que permite trabajar sobre una matriz flexible, ligera y fácil de cortar. El proceso que sigue el artista es similar al que se usa en la xilografía, y para llevarlo a cabo utiliza incluso las mismas herramientas, con las ventajas que significa el trabajar sobre un material más blando. También el proceso de entintado y estampación es similar al de la xilografía.

Linograbado

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

8


EL BIBLIOTECOM El linograbado es una técnica muy apreciada por los artistas plásticos contemporáneos, y muy utilizada en las clases de plástica en las escuelas. Entre los artistas que han utilizado esta técnica cabe destacar a Pablo Picasso (1881-1973), Henri Matisse (1869-1954) y Jean Arp (1887-1966). Linóleo, Picasso, “Naturaleza muerta con lámpara”, 1962

Grabados en hueco Para el grabado en hueco se sigue una técnica que es justamente el procedimiento opuesto al que se usa para el grabado en relieve. Aquí el artista vacía los negros.

Al observar un boceto original, notaremos que lo que se vacía con las herramientas de grabado son los negros de este boceto original, así lo que es negro en el boceto original, quedará en negro en el grabado. Comparando el dibujo tallado en la plancha con el grabado se verá que es el simétrico del boceto original y del grabado. Analizando el boceto original y el grabado que se obtiene a partir de él, vemos la coincidencia en forma y composición, pero el resultado final en el grabado suma calidad expresiva propia de la técnica de grabado en hueco. Esta técnica se denomina grabado calcográfico o calcografía y es el antecedente directo del huecograbado en las artes gráficas. Hay al menos dos maneras diferentes de realizar las tallas. Pueden hacerse por procedimientos directos o mecánicos, en el que las planchas son talladas o rehundidas mediante el uso de herramientas incisivas, punzantes o de percutoras. Dentro de esta técnica la más difundida es el grabado a buril. Esta técnica recibe su nombre de la herramienta que se utiliza para su realización, el buril. Pero también se la conoce como talla dulce. El buril se usa para hacer surcos o tallas en la plancha matriz. Estos surcos o tallas son de diferente profundidad y con ellos el artista crea la composición del grabado. www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

9


EL BIBLIOTECOM Huecograbado

La matriz que se emplea es de metal (cobre, acero, cinc, etcétera). El grabador talla la matriz, y en los huecos (tallas) que en ella abre se depositará la tinta. Después y como final del proceso, con una fuerte presión en una prensa, la composición se trasladará al papel obteniéndose el grabado. Tinta

Tinta

Talla

Talla

Plancha o matriz de metal

La técnica de grabado a buril se utiliza desde la mitad del siglo XV, y en ella se emplean distintos metales, siendo los que más se utilizan el acero, el zinc, y fundamentalmente el cobre. El manejo efectivo de esta técnica es delicado y requiere de una meticulosidad y paciencia, un amplio entrenamiento en el manejo de la herramienta para la realización de la matriz. Pero se logran bellos efectos y se consigue una gama extensa de matices, logrando desde blancos apagados hasta negros intensos, profundos y de textura aterciopelada. También el entrecruzamiento de las líneas permite lograr el efecto de las sombras.

Las herramientas que se utilizan para el grabado a buril son: El rascador o desbarbador Sirve para quitar las rebarbas que deja el buril en el metal. Esta herramienta con tres aristas en punta y un mango cilíndrico de madera. El buril Pueden utilizarse de distintos tamaños, dependiendo la elección de la profundidad y el grosor que se quiera lograr en la incisión. Herramientas de grabado, buriles

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

10


EL BIBLIOTECOM El bruñidor Se trata de una lámina de acero de corte ovalado con punta roma y mango cilíndrico, y se utiliza para atenuar o hacer desaparecer tallas mediante frotamiento de las partes grabadas. Los bruñidores pueden tener también punta cilíndrica o forma de espátula curvada para modelar. La punta seca Esta herramienta es utilizada para completar en la talla dulce el trabajo del buril. Es entonces delicada como una mina de lápiz o barrita hecha en alambre de acero y montada en un cilindro alargado de madera para abrir con su uso tallas finas. Punta escoplo Consiste en una barrita de acero muy duro que se presenta de un grosor superior al de otras puntas, y con una sección en forma de elipse. Por lo general es empleada para la realización de tallas anchas, pero también se le pude dar otras aplicaciones si varía la punta, como las que se emplean para hacer los rayados paralelos, o las de diamante que se utilizan en los trabajos más delicados. La entenalla Se emplea para sujetar las planchas cuando sea necesario calentarlas cuando sea preciso evitando quemaduras en las manos.

Hasta el siglo XIX, el grabado a buril o talla dulce fue una técnica de interpretación, ya que el grabador tallaba en la plancha lo que el artista había creado mediante otra técnica pictórica. En los grabados figuraban los nombres del artista y el grabador. Sin embargo, algunos artistas como Durero, Rembrandt, Mantegna o Picasso grabaron sus propias planchas, llevando la técnica del grabado a la categoría de arte.

Técnicas indirectas Se llaman así a las que recurren al uso de procedimientos indirectos o químicos con ácidos corrosivos, en los que al eliminar el barniz protector con los trazos del dibujo sobre la plancha, el ácido ataca las zonas desprotegidas, produciendo los mordidos deseados. A este grupo pertenecen entre otras las siguientes técnicas de grabado: Aguafuerte Es una técnica desarrollada hacia el año 1432 por el italiano Maso Finiguerra. Su nombre se debe al ácido que se emplea en el proceso de realización de las planchas o matrices de grabado, el ácido nítrico, el que, al ser rebajado con agua recibe el nombre de aguafuerte. Aguardiente, “Pasiones soñadas”, María E. Blázquez

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

11


EL BIBLIOTECOM Se trabaja por lo general sobre una plancha de cobre a la que se recubre con un barniz impermeable a la acción de los ácidos. Una vez completado este paso, se realiza el dibujo usando un punzón que se aplica sobre el barniz y deja al descubierto el metal. Finalmente, se somete la plancha al mordido del ácido, el cual, al atacar al metal traduce en surcos aquellas líneas trazadas en la capa del barniz. Esos huecos reciben después la tinta que pasará al papel en la impresión. Al tratarse de un procedimiento rápido, agresivo y poco lineal, no requiere tanta paciencia como el buril. Grandes maestros la han utilizado logrando reconocidos resultados. Entre los más destacados se cuentan: Alberto Durero, Harmenszoon van Rijn Rembrandt, Francisco de Goya, Paul Cezanne, René Magritte o Pablo Picasso. Hoy sigue empleándose por numerosos artistas contemporáneos. Aguatinta Es considerada la más pictórica de las técnicas de grabado, ya que permite trabajar superficies con distintas intensidades y sin entrecruzamiento de líneas. Para que esto sea posible es necesario un preparado especial de la plancha: Primero se espolvorea con una leve capa de polvo de resina (polvo de colofonia). Después se calienta y la resina se funde formando pequeñas gotas, que dan como resultado una superficie granulada con minúsculos islotes de intensidad variable, donde el ácido no puede morder. Esta superficie granulada, de intensidad variable según el tiempo de mordido, es apta para componer los fondos y modelar las figuras. Esta técnica suele utilizarse de manera complementaria con la técnica de grabado de aguafuerte, ya que esta por sí sola no consigue tonalidades pues sólo se logran líneas. Para combinar las técnicas se procede en principio a espolvorear toda la superficie de la plancha grabada al aguafuerte usando un polvo de resina o betún de Judea.

Aguafuerte y Aguatinta

Calentando la plancha se consigue que los granos se adhieran, y luego se cubre con barniz las zonas que se desea que queden en blanco. Se somete la plancha a un primer mordido que ataca a los intersticios que han quedado entre los granitos de resina. Se saca y se cubren los grises más claros. El proceso se repite cuantas veces sea necesario, tapando en último lugar las partes más oscuras. Hay una variante que se parece a la aguatinta y a la que se conoce como grabado a la sal. Por ella se obtiene el resultado contrario: sobre una plancha barnizada se espolvorean granos de sal que, tras ser disueltos en agua, dejan sobre el cobre desnudo pequeños puntitos para que el ácido los muerda. www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

12


EL BIBLIOTECOM Grabado plano Se utiliza una matriz que no está tallada, no tiene relieves ni huecos, esta es su característica fundamental, es por esto que algunos no la mencionan como técnica de grabado. Sus formas más reconocidas son la litografía, la serigrafía y el monotipo.

Como se ha explicado, las técnicas de grabado en relieve o hueco se basan en la producción de imágenes mediante la presión de una hoja de papel contra una matriz que ha sido anteriormente grabada con herramientas como el buril, la gubia, o por el uso de ácidos. Pero para el grabado en plano lo que se hace es traspasar las tintas aplicadas sobre la matriz, o haciendo pasar la tinta a través de una trama o pantalla. Grabado plano

Los grabados en plano se presentan principalmente en tres formas que dependen de los elementos elegidos para su desarrollo. Litografía Esta técnica consiste en utilizar como matriz una piedra calcárea, que rechaza la tinta salvo en las zonas que han sido tratadas con lápiz o tinta especiales. Serigrafía En esta técnica no se utiliza plancha o matriz alguna, sino una simple trama o tamiz, a cuyo través pasa la tinta e imprime el grabado. Monotipo o monotipia Es la estampa lograda por contacto de una imagen pintada o dibujada sobre un soporte rígido cuando el pigmento todavía está fresco; por tanto se trata de una pieza única si bien puede haber alguna prueba más, pero siempre con variantes. Trabajo en litografía

Se utiliza como matriz una piedra calcárea, que rechaza la tinta salvo en las zonas que han sido tratadas con lápiz o tinta especiales.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

13


EL BIBLIOTECOM

HISTORIA DEL GRABADO A partir de la invención del papel por parte de los chinos en el año 105, es que comienzan a desarrollarse en esta milenaria cultura los primeros pasos en las técnicas del grabado En Europa recién en el siglo XV es que prospera la técnica del grabado en relieve, de manera coincidente con la llegada del papel que proviene de oriente. Desde entonces su uso se ha incrementado y se lo práctica como un arte.

Litografías y grabados a fibra en China Antes de la aparición de cualquier tipo de grabado a la fibra aparecen las litografías. Este es un proceso vinculado al desarrollo cultural del pueblo chino que, para educar a sus niños en sus libros sagrados, cincelaban los textos clásicos y sus imágenes sagradas en grandes losas planas de piedra. Ahí, luego de grabar las líneas aplicaban papel húmedo para que el papel se introdujera en las ranuras del diseño. Posteriormente procedían a aplicar tinta sobre el papel, pero cuidando de no afectar las zonas insertadas en las ranuras de la plancha. Al levantar cuidadosamente el papel, las imágenes talladas quedaban en líneas blancas sobre fondo negro. Esta técnica, verdadera esencia de lo que es el grabado, continuó difundiéndose no sólo en China si no también en la India a través de la práctica común del budismo. Era a los efectos muy práctica porque les permitía en una sola plantilla de papel aplicar texto e imágenes, a esta aplicación a la que se denominó libro xilográfico. El grabado a fibra chino más antiguo que se conserva, con texto e imágenes combinadas, es un famoso manuscrito budista, de unos 5 m de largo, del Sutra del Diamante (868, Museo Británico, Londres). Estas primitivas estampas devoción ales eran reproducciones de dibujos de artesanos anónimos, de muy distinta calidad. La tosquedad de las imágenes indica que se reproducían pensando poco en su presentación artística, pero tal como ocurriría en Europa en el siglo XV, estas obras tempranas del arte popular fueron muy importantes para el desarrollo de la estampación.

Durante la década de 1640, finales de la dinastía Ming, aparece un texto llamado “Jardín Grande como Grano de Mostaza”. Este testo no es otra cosa que una gran enciclopedia preparada para la formación de artistas de la pintura. Incluso utiliza grabados instructivos de gran belleza hechos a la fibra y en color. Una reimpresión de esta enciclopedia llegó a Japón, lo que hizo que los artistas japoneses empezaran también a desarrollar la técnica del grabado. Es el grabado a fibra chino más antiguo que se conserva, con texto e imágenes combinadas, es un famoso manuscrito budista, de unos 5 m de largo, del Sutra del Diamante (868, Museo Británico, Londres).

Manuscrito budista

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

14


EL BIBLIOTECOM Grabado japonés

Grabados japoneses La historia del grabado japonés está íntimamente ligada a la prosperidad de esta arte en China, y a la técnica del grabado en relieve inventada allí. Japón, sin embargo, también comienza a generar su propio estilo en el arte gráfico, y hacia mediados del siglo XVIII aparece el Ukiyo-e, cuyo significado es “imágenes del mundo flotante”. Las primeras estampas Ukiyo-e eran en blanco y negro. Las imágenes eran tan efímeras como una tarjeta postal y estaban destinadas al consumo del público masivo. Las había destinadas a la decoración del hogar, y otras simplemente a marcar modas o estilos de época. Luego apareció la estampación a color con el uso de múltiples plantillas. El Ukiyo-e se popularizó por su relación con el kabuki, estilo de teatro muy difundido. De allí toma sus formas planas y sólidas y su colorido.

Así llega a la elaboración de estampas teatrales e incluso a la reproducción de retratos de los actores más reconocidos en sus papeles dramáticos. De la misma manera que las estampas teatrales anunciaban famosas escenas del teatro, había estampas de bellas mujeres para anunciar el mundo de las prostitutas. El artista más vinculado a este último periodo es Toshusai Sharaku. Sus grabados son melodramáticos y ponen de relieve los rasgos faciales exagerados y los bellos trajes de los personajes. La belleza femenina también es contemplada como tema por el Ukiyo-e, que toma para sí muchas escenas de género. El artista Harunobu logró excelentes obras dedicándose a la representación de mujeres llenas de gracia y encanto poético. En este sentido hubo otro artista muy reconocido por la creativaza e imaginación de su obra, Utamaro, quien creó con gran sutileza imágenes íntimas plenas de erotismo realizadas con delicados detalles de composición. El artista Harunobu logró excelentes obras dedicándose a la representación de mujeres llenas de gracia y encanto poético.

Luego, en el siglo XIX se produce un viraje en la temática que pasa a relacionarse con los temas paisajisticos. En esta nueva tendencia se destacan maestros como Hokusai e Hiroshige. Hokusai solía firmar sus obras como 'el loco por la pintura'. Grabado, Haranubu

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

15


EL BIBLIOTECOM Mostraba en su arte de manera detallada los cambios de estación, influenciado notablemente por los aspectos de la naturaleza. Sus estudios de aves, cataratas, olas, insectos, peces, árboles y montañas forman un famoso libro de dibujos, de 13 volúmenes, llamado Hokusai manga (comenzado en 1814). Hiroshige ponía el acento en la impecable calidad de sus líneas, logrando increíbles efectos de color contra color. En sus estampas se destaca la degradación que va de la coloración intensa a una simple pizca de color., y un muy estilizado modelado Destacan entre sus obras las series de estampas sobre los viajeros en la carretera de Tokaido (1804) y las Sesenta y nueve estaciones de la carretera de Kiso. Grabado, Hokusai

Mostraba en su arte de manera detallada los cambios de estación, influenciado notablemente por los aspectos de la naturaleza.

Hacia 1856 París descubrió los grabados de Hokusai, y pronto se dieron a conocer muchos más. El entusiasmo que provocaron puso de moda todo lo japonés, tendencia que perduraría en París durante 40 años y que ejercería una gran influencia sobre el arte moderno.

Grabados del Renacimiento De este tiempo destaca la obra del pintor holandés Van Ryn Rembrandt, de quien se conserva una importante colección de grabados, junto con la obra de otros importantes artistas de los siglos XV y XVI. Entre otros se destacan por sus creaciones artistas de la talla de Leonardo Da Vinci, Mantenga, Andre de Sorto, Miguel Angel Buonarroti y Tiziano, entre otros. Grabado, Da Vinci

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

16


EL BIBLIOTECOM El trazo clásico y académico de estos grabadores contrasta con el manejo de claroscuro que hace el holandés. El juego de la luz y la sombra aparece en cada uno de sus trabajos, aun en los retratos de pequeña escala (no llegan a los diez centímetros de alto) que hizo de escritores, funcionarios y gente común. Rembrandt permaneció oculto durante mucho tiempo para el público de su época pues no se ocupaba de retratar a la nobleza. Su reconocimiento llega finalmente con su obra “La lección de anatomía”, y es a partir de ella que su increíble talento es finalmente reconocido.

Grabado Barroco Los artistas de la Europa del Barroco, fueran pintores, escultores o arquitectos, se vieron claramente influidos por la inspiración que significaba para ellos el grabado en general. Esta corriente se extiende naturalmente a América, y con más razón ya que los artistas no tenían oportunidad de viajar para conocer las obras originales. Incluso existe la opinión de la existencia de un mal entendimiento del modelo propuesto en Europa por parte de los artistas americanos, por no conocer la obra original sino por grabados, lo que habría generado una diferencia de concepto y de realización. Hacia el siglo XVI la influencia de los grabados provenientes de Europa se hace visible en todo el territorio de la llamada Nueva España, sobre todo en las pinturas que inspiran para los claustros de los conventos.

Muchas veces, incluso, se utilizaban como inspiración las imágenes bíblicas y misales. Los artistas muchas veces no eran dueños de su producción si no que esta pertenecía a las órdenes que los contrataban En esta forma debieron conocer los artistas la impresionante reconstrucción llevada a cabo por el jesuita Villalpando del templo de Jerusalén que había sido publicada a comienzos del siglo XVII. La huella de sus grabados se encuentra lo mismo en la pintura de Cuzco que en un retablo de Potosí, sobre el que se especifica en un contrato de 1677 que el "sagrario ha de ser en la forma y según está en una estampa que está por principio de un libro (aquí cita la obra de Villalpando)... menos los bultos de profetas que están en dicha estampa". Este estilo o forma de contratación establece un modelo que otorga al cliente una influencia decisiva sobre la obra del artista a quien le impone como modelo los grabados que recibían de Europa. Grabado Barroco, “Danza de aldeanos”, Rubens

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

17


EL BIBLIOTECOM De este modo se van extendiendo modas y tendencias que llegaban a imponerse en una ciudad y eran luego tomadas por otra, especificándose a veces en los contratos una portada que el artista debía copiar de la portada de otra ciudad, y así, aunque con detalles que permitieran una diferenciación. Hubo artistas europeos que llegaron a tener una marcada influencia en América a partir de la llegada de sus grabados a esas tierras. Así, tanto Rubens como Bolswert, están presentes en la obra del artista americano Miguel de Santiago en Quito, como en la de Basilio Pacheco, ya en el siglo XVIII, en Cuzco. “Juicio de París”

Por su parte, los modelos de los hermanos Klauber, grabadores alemanes del siglo XVIII, conocieron una impresionante difusión a partir de 1760 en tierras americanas y se pueden detectar como fuente de inspiración tanto en la pintura de Quito como en algunas de las esculturas del Aleijadinho. El éxito de los grabados de los Klauber fue tal que se utilizó como argumento en contra del gusto barroco cuando los nuevos tiempos trajeron el Neoclasicismo, criticándose entonces a un artista porque su "arquitectura de altares siguió la desarreglada de Klauber y aún adelantó los sueños de Borromini". Ante la diferencia de opiniones aparece la voz de La Academia, que sustituye la polémica con la reutilización de tratados como los de Vitruvio, Vignola o Arfe, tratados que habían ido quedando en desuso luego de la autoridad que alcanzaran hacia fines del siglo XVI, pero que el Barroco se ocupó de desplazar con la fuerza escenográfica con que se dio en América.

El tratado de Vignola consistía en cinco órdenes simples acerca de la arquitectura, y había sido utilizado en América con bastante asiduidad dado su fácil aplicación. Su huella se puede ver por ejemplo en la obra del arquitecto mexicano Miguel Custodio Durán en la primera mitad del siglo XVIII, mezclada con la influencia de fray Juan Rizzi y su orden salomónico entero, cuya influencia por cierto fue también muy grande y detectable lo mismo en México que en Potosí. Puede señalarse que la utilización de la columna salomónica, tan difundida, se debe en mucho al tratado del jesuita A. Pozzo. “Juicio Final”, Miguel Ángel

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

18


EL BIBLIOTECOM En América también la obra de Miguel Angel fue conocida por los grabados, sin embargo alcanzaron un éxito mayor en cuanto a la arquitectura, con modelos como los citados que pasaban a formar parte de tratados que no sólo mostraban la imagen si no que además explicaban los pasos que llevaban a esos resultados.

Por eso adquiere en esos días una gran influencia un tratado como el de fray Lorenzo de San Nicolás, en Brasil. Pero quien fuera uno de los tratadistas que adquiere mayor relevancia en el tema arquitectura en América es Serlio, cuya traducción al español de sus obras “Libro III” y “Libro IV” había sido hecha en 1552, y de las que durante siglos se continúan haciendo reediciones. En su obra, y no solamente en sus libros traducidos, si no en la totalidad que en lengua original también se encontraba en las más importantes bibliotecas americanas, encuentran los arquitectos una cantidad de modelos que satisface numerosas demandas dentro de un gusto para entonces renovado que impacta en la época colonial. Si bien su apogeo se produce en el siglo XVI, su influencia se mantiene y se nota en las obras inspiradas los grabados de sus libros, y aunque luego va siendo desplazado por nuevas tendencias, hay quienes siguen utilizando su modelo como Diego de Porres en Guatemala quien en el siglo XVIII sigue en sus obras los lineamientos de Serlio, u otros como Guerrero y Torres cuya realización de la planta de la capilla del Pocito en Guadalupe (México), se inspira en un modelo de Serlio. Puede incluso notarse su influencia en la portada del Hospital de San Andrés en Cuzco, o en quien decoró la bóveda de la capilla de indios del convento agustino de Actopan, en México. Hasta en los casetones de las bóvedas y en la cúpula de la catedral de Mérida (Yucatán) se ha querido ver influencia de los grabados de Serlio. Las cuestiones más influenciadas en la arquitectura americana por la acción de los grabados son las relacionadas con modelos de puertas, decoración, el orden, y siempre con un carácter fragmentario que seguramente fuera el elegido por los artistas. Se inspira en un modelo de Serlio. Puede incluso notarse su influencia en la portada del Hospital de San Andrés en Cuzco, o en quien decoró la bóveda de la capilla de indios del convento agustino de Actopan, en México.

Capilla del Pocito

También llegaron a América por vía del grabado los arquetipos del arte occidental como el Panteón, la basílica de San Pedro proyectada por Bramante, o bien reconstrucciones imaginarias como las hechas sobre el tempo de Salomón, estos modelos podrían aportar nuevas aproximaciones a la asimilación de los artistas americanos durante el período colonial. La utilización de grabados, puede decirse de todas manera que no es privativo ni mucho menos del arte de las Indias, y la interpretación de dichos grabados estuvo mediatizada -al igual que en todo el arte occidental- por el grado de formación del artista, los condicionamientos materiales, la tradición e incluso los intereses de los clientes, siendo éstos los factores que diferencian a los diversos centros artísticos. Las fundaciones religiosas americanas tuvieron que competir desde los primeros años de la Conquista con la monumentalidad de la arquitectura religiosa prehispánica.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

19


EL BIBLIOTECOM A esto se debe, en parte, lo desmesurado en muchos casos de estos programas, si bien, en España, durante la Edad Media y el Renacimiento, también se produjo una desproporción análoga entre la imagen del monumento y su función. En los programas arquitectónicos que se llevan a cabo en un medio rural es frecuente hallar una desproporción entre el volumen de la iglesia y el entorno urbano. Indudablemente, las imponentes dimensiones de muchos edificios no se justificaban por razones prácticas relacionadas con la población, sino como un fenómeno de imagen que es paralelo a la desproporción entre la población y el número de iglesias y conventos de algunas ciudades.

Grabados del siglo XVIII En Italia en el siglo XVIII se destacan artistas del grabado como Giambattista Tiepolo (1696-1770), quien tuvo una importante influencia sobre Gouya. Otro artista importante para entonces es Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). En Inglaterra hay una importante escuela de grabado que se inicia con Hogarth, en el siglo XVIII, y fue continuada por Rowlandson. Y William Blake., el más importante de los grabadores británicos, y contemporáneo de Goya, que buscó nuevos campos de expresividad y profundidad en esta técnica. Finalmente puede decirse para establecer el contexto que la Europa del siglo XVIII es un ambiente culto en el que proliferan los libros de cuadros y de obras de are, en una sociedad que quiere participar de aquellos gustos artísticos que hasta entonces eran reservados para la minoría. Esta es entonces una etapa en la que el grabado por sus características juega un papel preponderante. Los cambios sociales que se producen en este tiempo, son acompañados por cambios técnicos y estéticos que van marcando la evolución en el grabado en la búsqueda del color con técnicas como la aguatinta, el punteado y el grabado al crayón.

En Italia en el siglo XVIII se destacan artistas del grabado como Giambattista Tiepolo (16961770), quien tuvo una importante influencia sobre Gouya.

Giambattista Tiepolo

Grabados del siglo XIX Recién a fines del siglo XVIII se consolida la industria del libro y del grabado, como así también la aparición de importantes escuelas que enseñan sus técnicas creativas. Una de las primeras escuelas destinadas al grabado que se crean en España se debió a la intervención de Palomino (1692-1777), quien fuera grabador de cámara de Fernando VI. La academia que fundara Palomino instituyó pensiones para que los estudiantes pudieran perfeccionarse en París. Uno de los ganadores de estas pensiones fue Manuel Salvador Carmona (1734-1820), quien residió en Paris entre los años 1752 y 1763, formándose como un prestigioso artista.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

20


EL BIBLIOTECOM Goya En medio de las circunstancias alentadoras que favorecían el desarrollo del arte del grabado en España, aparece un artista genial cuya obra habría de trascender los tiempos. Se trata de Francisco de Goya y Luciente (1746-1828).

Su formación escolástica se debe a quien fuera también su patrocinador artístico, Bayeu. En 1792 padece una enfermedad que lo obliga a trasladarse a Andalucía, y a su regreso graba una serie de pinturas de Velásquez. Durante su estadía se sabe que conoció la colección de grabados de Sebastián Martines, y es allí donde queda impresionado por el grabado de una parte de la obra de Rembrandt. Goya experimentaba constantemente diferentes técnicas, pero en su obra prevalece la aguatinta, para entonces una técnica novedosa que fuera inventada en Francia hacia 1760. También supo utilizar el aguafuerte para explicar la base del tema y la aguatinta se constituía en un colchón de grises a menudo bruñidos, que redondeaban el ambiente planteado. Usaba en sus trabajos la punta seca y el buril para retocar o acentuar sus obras. Antes de su muerte, en un destierro a Burdeos, llea a conocer una nueva técnica sobre la que alcanza a experimentar. Se trata de la litografía. En 1799 se publicaron las ochentas aguatintas de la serie Los Caprichos. A esta serie siguieron Los Desastres de la guerra, (realizadas entre 1809 y 1820) con un conjunto de ochenta y dos planchas; Los disparates, con otras veintidós (realizadas entre 1816 y 1828) y la tauromaquia, con treinta y cuatro. Desde entonces Goya puede ser considerado más como grabador que como pintor, incluso sus pinturas y especialmente la serie de las pinturas negras recibe claramente las influencias del grabado, y no al revés, culminando de esta manera su proceso creativo. En 1799 se publicaron las ochentas aguatin tas de la serie Los Caprichos

“Los Caprichos”, Goya

La litografía del siglo XIX Durante el silo XIX el grabado sigue las tendencias propias del restote las artes plásticas. Se produce un cambio espectacular como resultado de los nuevos procesos industriales, sobre todo en litografía, que aumenta notablemente la cantidad de su tirada modificando así mismo la estética, lo que implica un cambio en el público y en las características del grabado.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

21


EL BIBLIOTECOM Este sistema, inventado por el bávaro Aloys Senefelder a finales del siglo XVIII., se difundió en los primeros años del XIX., una vez preparado para su uso industrial en Inglaterra. Esto hace que durante que todo el siglo XIX. se popularice el coleccionismo de estampas o de grabados, que aún en el XVIII había sido elitista y aristocrático. Grandes obras comienzan a ofrecerse al público en Europa alentadas por la revolución industrial y las nuevas técnicas de producción. Se publica la expedición de Napoleón a Egipto, y obras similares permiten acceder no sólo a grandes textos, sin o también a la reproducción de imágenes impactantes por medio del grabado. En este ambiente destacan las famosas láminas del escocés David Roberts, de enorme difusión. En 1837 publico una versión de su viaje a España bajo el titulo de Picturesque Sketches in Spain.

Gustave Doré (1832-1883) es, sin duda, el más popular de los grabadores del siglo XIX. Tiene una prolífera obra, aunque despareja. Su gran tema era la ilustración de grandes obras como la Biblia, la Divina comedia, El Paraíso perdido y otras, de ahí los resultados desiguales. “La Divina Comedia”

Grandville (1803-1874) realizó a través de su reconocida obra en la que también se mostró como eximio dibujante, una crítica ácida a la sociedad de su tiempo. Sus conocidas litografías solían mostrar a sus personajes junto con animales vestidos y en pose de humanos. Grandville

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

22


EL BIBLIOTECOM Paul Gavarni (1804-1866), este nombre hizo muy conocido a S. G. Chevalier, quien firmaba su obra con aquel seudónimo. Fue colaborador de revistas y creo un estilo que luego fue muy imitado. Alcanzó, sin dudas, una gran popularidad. En Francia tenemos artistas como Ingres, Delacroix, y la Escuela de Barbizon (Daubigny, Rousseau y Corot). Ellos, en sus obras, manifiestan diversos aspectos y temáticas. Aparece la arquitectura neoclásica con sus proyectos imposibles que solo se pueden ver a través del papel. También se hace notar la sátira política, que viene de la mano de Honoré Daumier, quien realizó más de 4.000 litografías, principalmente para ilustraciones en los periódicos. Entre los impresionistas, los más destacados grabadores fueron Manet y Degas, que usaron también la técnica de la litografía. En América destacan Whistler y James Audubon aunque éste ultimo más que como medio de expresión artística, utilizó el grabado para las ciencias naturales. La litografía hace su ingreso en España por Barcelona, en 1805, con los reconocidos trabajos de Joan March. Pero la primera imprenta litráfica se instala en Madrid en 1819, y en 1825 se crea el Real Establecimiento Litográfico por orden de Fernando VII. Entre las producciones destacan los volúmenes de viajes de Laborde, con grabados de Juan Pérez Villamil. Francisco Javier Parcerisa ilustro entre 1839 y 1872 Recuerdos y bellezas de España, con unos seiscientos grabados, y acompañada con textos Pi y Margall.

El grabado en el siglo XX Durante el siglo XX el grabado cambió su función debido al desarrollo de la fotografía con su capacidad de mostrar imágenes en forma definitiva. Por este motivo queda para el grabado la función artística que se diferencia por sus posibilidades de la imagen inmediata que da la fotografía. Generalmente se realiza en ediciones limitadas y numeradas de las que luego se destruyen las planchas finalizado el proceso de estampación. El uso artístico del grabado durante este siglo tiene su auge con la irrupción del cubismo, el expresionismo y el pop art que descansan en él gran parte de su producción. En esto se destacan figuras como la de Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), quien realizó litografías, xilografías, aguafuertes y puntas secas; Matisse, Rouault, Chagal, Joan Miró (1893-1983), Max Ernst, Jan Arp, Salvador Dalí y otros artistas de gran talla cultivaron también esta técnica. El expresionismo alemán encontró su lenguaje expresivo en la xilografía, luego fue continuado por la Bauhauss, donde artistas como Kandinsky y Paul Klee produjeron trabajos seriados. Kandinsky

Desde la primera mitad del siglo XX el grabado ha sido la técnica elegida por casi todos los artistas de vanguardia. Se han destacado como grabadores artistas plásticos de la talla de Robert Motherwell, Robert Rauschenberg y Jasper Johns. Luego aparecieron jóvenes artistas que impulsaron el surgimiento de una corriente denominada Pop Art, que apelaban a la combinación de material extractado de los medios de comunicación (revistas, periódicos, películas y fotografías) para obtener resultados novedosos por sus formas creativas. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Robert Indiana con sus serigrafías desafiaron la tradición gráfica al introducir la estética publicitaria y el comic en las salas de arte.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

23


EL BIBLIOTECOM

EL ARTE RUPESTRE Pinturas rupestres La denominación de arte rupestres corresponde al realizado sobre las paredes de las cuevas, y puede tratarse de pinturas, esculturas, o de grabados. Su parición data de unos 23000 años, y sus principales realizadores se manifestaban en las zonas de la actual Francia y España, aunque se han encontrado muestras de este arte en diversas partes del mundo, y siempre asociado al homo sapiens.

Las más actuales se han encontrado en Australia, producto de sus aborígenes, y en ellas se ven representados los barcos veleros de los primeros conquistadores. Los investigadores han podido determinar, trabajando sobre las culturas actuales de los aborígenes, que se trata de demostraciones de gran significado mágico religioso. Dentro de las generalidades de este arte rupestre, las más interesantes desde lo artístico son las que corresponden al Paleolítico, dada su antigüedad, fuerza expresiva, y perfeccionismo en la ejecución. Franco Cantábrica

En esta región de territorio francés y español, se concentra más del ochenta por ciento de la totalidad de las cuevas descubiertas en Europa.

De las más de doscientas cuevas descubiertas en Europa, ciento ochenta se encuentran en territorio francés y español, en una región llamada franco cantábrica, es decir que aquí se concentra más del ochenta por ciento de la totalidad.¿Por qué en todos los demás lugares se han encontrado restos de arte mobiliar, de vivienda, de enterramientos y no de pintura? En principio no se puede determinar cuántas cuevas más habría. Puede tratarse de lugares de difícil acceso, aunque de todos modos, deberían aparecer muchas para equilibrar la cantidad que ya hay en la zona indicada. Una de las hipótesis que se maneja es que el clima en esta zona era diferente, mucho más benigno y con mayor riqueza de alimentos, que no obligaba al nomadismo constante de los pueblos de las estepas del este. Se calcula de acuerdo a los restos encontrados que la población de esta zona hace 20000 años era de unas dos mil a tres mil personas, y que en todo el resto de Europa vivirían unas 10.000, es decir, una cantidad mucho menor en relación al territorio. Una prueba de ello está en Les Eyziles (a orillas del río Vézère, en Francia) donde convivieron 600 personas al mismo tiempo protegidas por cinco resguardos de roca. En Dolní Vestonice (República Checa), Sungir y Kostenki (Rusia) también había lugares de reunión, pero no ocupados durante tanto tiempo.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

24


EL BIBLIOTECOM Tal y como dice Göran Burenhult: "Mientras que el arte mobiliar está asociado claramente a los cazadores nómadas de grandes animales de la extensa zona de tundra situada al sur del límite del hielo, el arte rupestre se concentra en una zona que ofrecía unas formas mucho más variadas de subsistencia y, por tanto, fomentaba una forma de vida más sedentaria. Es en el contexto de estos importantes cambios sociales donde debemos comprender el desarrollo del mundo ceremonial reflejado en las extraordinarias obras de arte creadas en la oscuridad de las cuevas". Esta reflexión de un especialista nos da la pauta de que el arte rupestre se desarrolló durante un período prolongado y de acuerdo a circunstancias y condiciones planteadas por la demografía, la economía de subsistencia y el clima. Así es que el 80% de las obras fueron creadas entre 17.000 y 12.000 años atrás. Como puede verse con claridad en las cuevas de Altamira, donde están pintados los bisontes, una de las costumbres era la de usar las paredes de las cuevas como parte de la obra, integrándola. Para la realzar los ojos de algunos animales, usaban pequeños minerales de sílex que estaban ya incrustados en la roca de forma natural, de este modo le dieron brillo a los ojos de las Leonas de Les Combarelles (www.culture.gouv.fr). Asombra también el estado de conservación con que han llegado estas obras a nuestros días, en muchos casos intactas, y en otros conservando gran frescura. En cuanto a la realización de los grabados, se supone que utilizaban piedra de sílex talla-das para darles filos cortantes, que sumados a su dureza las convertían en excelentes herramientas.

Período Neolítico

En el éste período los colorantes procedían de óxidos de hierro y manganeso, tierras y carbones vegetales, almagra, hematíes, limonita, caolín, etc., diluidos en sangre, resinas de árboles, grasas animales y jugos vegetales.

Para la pintura era necesaria una técnica más compleja que el simple trazo en la piedra, todo necesitaba una elaboración previa. Los colorantes que se utilizaban eran de tonos amarillos, rojos, ocres y negros, con todas en todas sus gamas y tonos. Luego, en el período Neolítico se agregó el blanco. Los colorantes procedían de óxidos de hierro y manganeso, de tierras y carbones vegetales, almagra, hematíes, limonita, caolín, etc., diluidos en sangre, resinas de árboles, grasas animales y jugos vegetales. Colorantes

Magneso

Ocre

www.elbibliote.com

Carbón vegetal

GRABADOS ANTIGUOS

25


EL BIBLIOTECOM Para la aplicación de la pintura usaban pinceles, espátulas, o con un pedazo de cuero o con los dedos y las manos, y como paleta para los colores usaban conchas marinas. En Lascaux se descubrieron también agujeros en el suelo, como signos de los andamios utilizados para llegar a los lugares más altos de la obra, y también se sabe del uso de unas especies de velas para la iluminación de los lugares oscuros. Se usaba como combustible un preparado de sebo animal y mechas de fibras vegetales, y podían estar encendidas durante un máximo de 5 a 6 horas. Esta luz les permitía focalizar el punto mejor que una linterna moderna.

Con este sistema de iluminación se pintó el techo de policromos de Altamira, descubrimiento que realizó Matilde Múzquiz mientras estudiaba la ejecución de estas pinturas. Probablemente dejaran en el suelo de la cueva varias de estas lámparas que hacían que el artista pudiera contemplar cómodamente toda la superficie de la misma. Techo de Altamira

El techo policromo de Altamira tiene pintados animales en tamaño casi natural y con las proporciones correctas; para ello el autor tuvo que estar de rodillas, porque el techo es muy bajo.

La forma en que se aplicaba la pintura era según lo que quería expresar el artista, pero por lo general se usaba el trazo continuo o la tinta plana para aplicar un color uniforme en la figura. Otros de los recursos que utilizaban es el llamado tamponado, que consiste en la realización de puntos consecutivos para rellenar las figuras de los animales, algo que también podían hacer de manera aislada en forma de líneas. En la cueva de El Castillo (Cantabria) aparece un ejemplo de esto último muy espectacular. A través de un largo pasadizo aparecen estos puntos alineados invitándonos a que continuemos hacia el interior de la cueva. Otra característica del arte rupestre es que las imágenes se encuentran en lugares inaccesibles, hay que gatear y meterse por recovecos para llegar hasta ellas, a veces cruzar a nado ríos o lagos subterráneos. Lo complejo de las cuevas y sus pasadizos hacían peligroso el trabajo del artista que debía llegar hasta lo más profundo para realizar su obra, ya sea pintar, grabar o esculpir. Por esto hay quienes sostienen la teoría de que las obras no eran de acceso a cualquiera cual si se tratase de una exposición. Además de esta evidente dificultad, ocurre que las pinturas y grabados no son fáciles de encontrar, pues uno puede tenerlas delante y no percatarse. El artista solía buscar ángulos especiales para que fuera vista la totalidad de su obra, y esto obliga a adquirir posiciones corporales incómodas y poco frecuentes. De este modo podían llegar a crear imágenes en tamaño natural, con la proporción exacta, sin poder retroceder para contemplar la obra en su conjunto.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

26


EL BIBLIOTECOM El caso de Altamira es en este sentido extraordinario. Para pintar la cierva a tamaño casi natural y con las proporciones correctas, el autor tuvo que estar de rodillas, porque el techo es muy bajo. El arte rupestre fue variando y evolucionando en temas, zonas y estilos por los miles de años que existió. Sirve como ejemplo la policromía del techo de Altamira, con una sierva y una gran cantidad de bisontes; en Rouffignac, en cambio, predominan los mamuts y los rinocerontes lanudos; en Niaux y Lascaux, los caballos, uros y bisontes. En lo que refiere a la temática, tienen dos principales: animales, signos y representaciones humanas. Aunque hay un predominio evidente de los animales. Es recién en el que la figura humana cobra mayor importancia. Pero, en realidad, las primeras representaciones encontradas corresponden a los órganos genitales femeninos; numerosas vulvas se han encontrado tanto grabadas como pintadas en la roca muchísimo antes de que aparecieran las primeras pinturas de animales. Lascaux Altamira

La temática En el paleolítico superior se produce una evolución clara en las expresiones artísticas. Las figuras que representan los grabados de entonces son interpretadas como representaciones de carácter mágico, cuyo objetivo se centraba en la necesidad de asegurar el abastecimiento de animales facilitando la caza. De ahí la invocación a la presencia de animales desde el culto a la fecundidad. Esta sería la razón por la que las pinturas rupestres guardan estrecha relación con figurillas femeninas del llamado arte mobiliar, por eso llamadas Venus paleolíticas.

Según Leroi-Gourhan, estas pinturas establecían sistemas de comunicación social construido mediante pictogramas e ideogramas en un intento de transmitir ideología. Esta hipótesis se sostiene en la organización de las manifestaciones artísticas, que no es azarosa si no que responde a un orden constante. Su significado deriva de las asociaciones entre algunos animales, entre animales y símbolos y entre los propios símbolos abstractos. Desde esta visión, en el arte estarían representadas las ideas imperantes en la época respecto a lo natural, lo sobre natural, simbolizando el principio masculino-femenino de la fecundidad. Lo que no logra dilucidar la teoría es si se estaría en presencia de una forma de integración que permitiera la cohesión social uniformando creencias y hábitos desde lugares accesibles o puntos de reunión, o si se trata de las manifestaciones de grupos de privilegio (iniciados), o de ritos de iniciación, ya que eso podría explicar la aparición de huellas infantiles, y la prueba de la existencia de jerarquía social. Este arte se hizo conocido como arte parietal o rupestre por el hecho de tener como soporte las paredes de cuevas o abrigos, y consiste en pinturas, grabados y relieves que se encuentran en la entrada o en el interior de las cuevas y, a menudo, en los lugares más recónditos, lo que los inhabilita como elementos decorativos. www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

27


EL BIBLIOTECOM La temática es generalmente la del contexto animal (bisontes, caballos, ciervos, renos, mamuts). Es raro que aparezca la figura humana, en cambio es común encontrar manos humanas, o también motivos simbólicos concretados en dibujos geométricos y puntos. En su diversidad estilística que incluye simples siluetas de animales hasta policromías, ponen en evidencia su corte realista. Se han hallado además, importantes murales de figuras superpuestas que no llegan a constituirse como una composición. A los animales los muestran generalmente de perfil, aunque ya hay inicios de escorzo y de movimiento, lo que les confiera a algunas figuras una dinámica asombrosa. A través de investigaciones arqueológicas se ha llegado a establecer la técnica de trabajo: Utilizaban instrumentos de sílex y pigmentos preparados sobre paletas de piedra. Para las zonas más altas se servían de andamios, y ante la falta de luz recurrían a cazoletas de piedra que facilitaban la iluminación mediante el llenado con grasa de animales y el uso de mechas preparadas con líquenes secos o ramas de enebro. Obtenían así una luz semejante a la de las velas pero sin humo. En Lascaux se usaron pigmentos como el óxido de manganeso, el óxido de hierro y el caolín para conseguir los colores negro, rojo, amarillo y blanco, respectivamente, lo que obligaba a desplazarse más de 20 Km. para su obtención. El polvo de los minerales, con el carbón y la arcilla rica en hierro se mezclaban en paletas y así se obtenían distintos colores. En Lascaux se usaron pigmentos como el óxido de manganeso, el óxido de hierro y el caolín para conseguir los colores negro, rojo, amarillo y blanco, respectivamente, lo que obligaba a despla-zarse más de 20 Km. para su obtención

Lascaux

Se considera a las pinturas de Lascaux como la catedral de un ciclo que termina, que es aquel de los contornos punteados en rojo o amarillo, que da paso a la bicromía y a los contornos negros. La pinturas de Lascaux llevaron distintas técnicas en su realización, con sus figurillas amarillas, sus bicromías y hasta el uso del negro degradado en el dibujo de un toro, en el que se nota un gran trabajo de observación y una fina sensibilidad de parte del realizador.

También pueden verse en estas pinturas las primeras escenas de caza, en una clara intención de llegar a la composición.En Lascaux, como en otras cuevas importantes, se puede apreciar el paso de más de un período: por allí pasaron durante miles de años para observar los rituales, abarcando varios períodos de la prehistoria que van desde la era auriñaco-perigordiense identificado en el rebaño de ciervos pequeños de la sala grande, entre dos toros gigantescos, hasta la pareja de bisontes yuxtapuestos en los rabos, ostentando los signos del arte magdaleniense. Lascaux

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

28


EL BIBLIOTECOM En la sala oval se ven cuatro toroso enormes, de más de cinco metros de longitud, realizados en color blanco. Rodeándolos aparece una variedad de animales más chicos, diminutos si se los compara con los toros. En algunos casos estos animales serían anteriores a los toros, y en oros posteriores. Son animales dioses que muestran la huella de siglos de adoración. Se hace evidente por sus gruesos contornos que fueron pintados sobre animales de épocas anteriores, y que en épocas más recientes se les fueron superponiendo otras figuras. Los toros comparativamente con los ciervos del rebaño, son más recientes. Se nota en la línea curva de sus lomos y sus patas fusiformes los rasgos sintomáticos del arte auriñacoperigordiense temprano. A su vez, los toros son más antiguos que los caballos rojos y negros que corren por encima de ellos, con sus cuerpos vigorosos, con mucho movimiento, algo muy visto en el magada-leniense.

En cuanto los contornos e los toros, los dos primeros están enfrentados en una apariencia de movimiento congelado, Los lomos y vientres son son tratados con poca soltura en su contorno, tanto como en las uniones de cuerno y cuello, barba y garganta, patas y tronco. Incluso, observando el segundo toro, las patas parecen muñones de madera pegados. Estamos así ante una fase temprana del arte, aunque no ya en sus comienzos. Esto último se desprende de las dimensiones desmesuradas que no podrían haber sido encaradas sin experiencia previa. Lascaux

Hay expertos que consideran que las pinturas de las paredes no representan composiciones fortuitas, si no que se trata de diseños deliberados tras una planificación, tal como puede observarse en el friso o reunión de animales de una misma especie. En esta línea de interpretación se cree que el agrupar a caballo y bisonte en Lascaux se debe a que el primero representa la masculinidad y el otro la feminidad.

En un estudio realizado sobre más de sesenta cuevas por Leroi-Gourhan, a través de un programa de investigación estadística, analiza la ubicación de los símbolos, la distribución de las diferentes especies de animales, el porcentaje de su empleo y su relación entre sí y con símbolos abstractos asociados a ellos, llega a la conclusión que las cuevas no eran santuarios organizados y que las pinturas están organizadas según un plan a lo largo de todas las épocas: "lo que queda en las cavernas de las ideas de las gentes que las frecuentaban implica una organización de singular complejidad mental y tradiciones religiosas muy elaboradas".

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

29


EL BIBLIOTECOM Las pinturas más antiguas Científicos australianos descubrieron en la llanura de la Tierra Arnhem, en el norte de su país, pinturas rupestres que podrían ser las más antiguas descubiertas hasta la actualidad. El cálculo, aún sin confirmar, es una especulación que surge del tipo de aves representadas en las pinturas, algo que de confirmarse demostraría que efectivamente se está ante las pinturas rupestres más antiguas que se hayan descubierto. Se trataría del genyornis, un ave extinta hace unos 40000 años, lo que haría que las pinturas rupestres duplicaran la edad de su existencia.

El genyornis, un ave no voladora que tenía tres veces la altura de un emu, fue parte de la megafauna que se extinguió cuando los humanos comenzaron a hacer quemas en el continente para favorecer la caza y desmontar hace 40.000 años. Pinturas rupestres en Tierra Arnhem

Según consultores privados que trabajan en la evaluación de las pinturas, las rocas sobre las que están pintadas no han sido fechadas y es de vital importancia el determinar la especie representada. Por lo pronto, el pico, grueso y redondeado coincidiría con la característica de los genyornis. En principio se había relacionado con los emu, pero lo del pico fue decisivo para volcar la opinión de los expertos. Las pinturas tienen hasta un metro de altura y muestran a los pájaros como poseedores de un buche o bolsa muscular bajo la garganta, como formando parte del tracto digestivo, y unas patas cortas y muy sólidas. Se sabe de los genyornis que eran una especie de pato de hasta dos metros y medio de altura, su hábitat era Australia, y se extinguieron hace más de 40000 años. Las pinturas representan dos pájaros en color ocre, y superarían largamente la antigüedad de las de las cuevas de Francia que son hasta ahora las más antiguas descubiertas por el hombre. Tierra Arnhem

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

30


EL BIBLIOTECOM Las cuevas de Altamira La cueva está ubicada en una colina cercana a la villa de Santillana del Mar, a unos dos kilómetros de dicha localidad, y fue descubierta por Marcelino Sanz de Sautuola en el año 1879. Sus pinturas son consideradas la máxima representación del arte rupestre en España. Su calidad es de tal magnitud que sucitó una fuerte polémica cuando fue descubierta, ya que algunos arqueólogos desconfiaron de la autenticidad pues no creían que los hombres prehistóricos fueran capaces de realizar pinturas y representaciones de tal grado de perfección. La cueva y su entorno La villa próxima a las Cuevas de Altamira, Santillana del Mar, es un lugar privilegiado que ha sido residencia veraniega de la nobleza, algo que se refleja en su arquitectura, con sus torres, casonas y palacios, ornamentados en sus fachadas con los escudos familiares. Se trata de un conjunto artístico reconocido como tal desde mediados del siglo pasado, lo que le ha valido para garantizar, hasta el día de hoy, un óptimo estado de conservación. Este pueblo cuenta además con un bello centro histórico con sus casa y calles hechas de piedra. Pero a pesar de toda esta descripción su bien principal es la proximidad de la máxima representación del arte paleolítico, primer hito en la historia del arte: Altamira. Cueva de Altamira

La famosa cueva se ubica en la parte superior de una suave elevación calcárea, una de las tantas que rodea a Santillana conformando un pequeño valle. El subsuelo de este relieve está formado por estratos paralelos, casi horizontales, de calcarenitas de hasta un metro de espesor, entre los que se intercalan, finos estratos de arcillas.

Su forma actual es fruto de los hundimientos gravitatorios propiciados por la intensa fracturación vertical de los estratos, por lo que presenta techos planos y secciones trapezoidales. Son formas inestables que explican en buena parte los desplomes ocurridos desde su descubrimiento. La inestabilidad estructural se manifiesta también en las numerosas fisuras y en las evidencias de hundimientos del suelo que hay en la sala de la Hoya.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

31


EL BIBLIOTECOM La obra El bisonte encogido que puede verse allí es una de las figuras más atractivas del arte rupestre. El artista trabajó de tal manera que encajó la figura adaptando su anatomía a la misma, pero manteniendo las proporciones anatómicas. Este dibujo mide un metro veintisiete centímetros, calculando desde el inicio del cuerno hasta que arranca la cola. En la actualidad, se consideran las cuevas de mayor importancia y las más famosas del arte Paleolítico en el mundo. La UNESCO la declaró Patrimonio de la Humanidad, y se la considera la “joya” del Cantábrico, y probablemente de toda España pues su reconocimiento es mundial.

Un derrumbe natural producido unos 13000 años atrás hizo que la entrada quedara tapada. En su interior destaca por sobre el resto de la obra, la sala de policromos. Es el lugar principal y asombra por sus características espectaculares. Hasta suele decirse de ella que es la “capilla sextina” del cuaternario. Se destacan en su techo los 221 bisontes de entre un centenar de caballos, jabalíes, toros, e incluso signos, que han sido realizados con diversas técnicas (grabado, silueteado, pintado, raspado y efectos de sombreado) que dan como resultado una composición de gran movimiento y be-lleza, única en el arte paleolítico.

Se destacan en su techo los 221 bisontes de entre un centenar de caballos, jabalíes, toros, e incluso signos, que han sido realizados con diversas técnicas (grabado, silueteado, pintado, raspado y efectos de sombreado) que dan como resultado una composición de gran movimiento y belleza, única en el arte paleolítico. La obra se calcula que fue realizada hace 14000 años, usando una pintura de color ocre natural con un tinte sangriento, mientras que el contorno de las figuras está hecho con líneas negras de carbón vegetal. Además de la admiración que provocan los bisontes en sus diferentes posturas, ya sea encogidos, saltando o en pie, prueba fehaciente de la calidad del expresionismo en el paleolítico, se destaca también la “Gran Cierva”, que es la mayor figura pintada en la cueva, con 2,25 metros de longitud.

Figuras rupestres en Altamira

El pintor de la cueva utiliza el relieve del techo para darle una expresión más real a la obra que se presenta en un cueva de desarrollo longitudinal de 270 metros, con numerosos grabados a lo largo de su recorrido. Finalmente, a la zona más baja y estrecha de la cueva que se presenta como un corredor, se la denomina “la cola”. Aquí se concentran una gran cantidad de signos negros que tienen similitud con techos de madera o trampas de caza. Por razones atinentes a su conservación las visitas a las Cuevas de Altamira están restringidas a 9000 personas al año. De este modo se busca proteger este tesoro de la humanidad, lo que no impide que haciendo el pedido con suficiente antelación se puede obtener un permiso para conocerlas. En la actualidad, según lo descubierto hasta este tiempo, se calcula que el arte rupestre se practicaba desde hace 40.000 años, en etapas que van hasta los 20.000 y de ahí a los 12.000, aunque esta clasificación se complica cuando se suman los grabados al aire libre encontrados en Foz Coa, en Portugal, o en Siega Verde, en Salamanca, España, hallazgos que trastocan las fechas y derrumban los cuadros topológicos en sus aspectos formales.

www.elbibliote.com

GRABADOS ANTIGUOS

32

Tomo 1 - Grabados antiguos - elbibliotecom  

Tomo 1 - Grabados antiguos - elbibliotecom

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you