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«CEBRAS», obra del artista húngaro Victor Vasarely (1906-1997).


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/ÍNDICE

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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

PERSONAJE

Michael Kimmelman escribe el perfil del arquitecto suizo Peter Zumthor, ganador del premio Pritzker 2009, quien le revela en un bar su filosofía sobre la arquitectura y el diseño.

ELOGIO

José Alejandro Castaño escribe un ensayo sobre el color amarillo, en el que relata cómo le ponía semillas de naranja, de girasoles y de uvas amarillas en los bolsillos de sus dos hijas.

LOS LIEBANA

CIUDADES

Ámsterdam es una ciudad universal. Augusto Ortiz de Zevallos nos brinda una visión personal e histórica de este lugar cosmopolita.

ESPACIO FAVORITO

Dos hermanos artistas pintan en casas contiguas. Uno estudió Arquitectura, el otro Artes Plásticas. Uno hace cuadros, el otro esculturas. Joaquín y Mateo Liébana nos cuentan su historia en una entrevista.

Tres artistas y un arquitecto se apropian de la casa del empresario Jorge Quiroz. El resultado: un lugar repleto de cuadros y pequeñas esculturas de hombres gordos.

Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada, ni transmitida en ninguna forma ni por ningún medio, sea mecánico, electrónico, magnético, por fotocopia o cualquier otro, sin el permiso previo y por escrito de los editores.

DIRECTOR EDITORIAL

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Walter Vásquez López Alberto Rincón Effio Carlos Fuller Carlos Franco FOTÓGRAFOS

Sorrentino y Salinero/Phoss DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN

Estefani Campana Escala Renato Rodríguez Rueda ARTE FINAL

Héctor Huamán Escate CORRECCIÓN DE ESTILO

José De La Cruz

DIRECTOR COMERCIAL

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Línea es una publicación de Pool Editores SAC Federico Villarreal 581, San Isidro, Lima 27, Perú Teléf.: (511) 440-1404 / 441-3693


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ C O L A B O R A D O R ES

AUGUSTO ORTIZ DE ZEVALLOS

Perú. Crítico de arte y curador. Titulado en Genética en Gran Bretaña. Ha investigado la fotografía arequipeña entre 1860 y 1960. Curador principal de la II Bienal de Fotografía de Lima, que se celebrará en 2014.

JOSÉ ALEJANDRO CASTAÑO

Perú. Arquitecto y diseñador de interiores. Es director creativo de Holzman Moss Bottino Architects en Nueva York, y Ecoarki en Lima. Desarrolla proyectos de arquitectura.interiores y planificación urbana en Nueva York y Lima.

MICHAEL KIMMELMAN

Perú. Escultor e ilustrador. Ha representado al Perú en simposios internacionales de escultura. Ha ganado diversos premios como el Adolfo Winternitz en 1994 o el premio de escultura Hochschild Plaut IPAE en 2004.

ESTRELLA JIBAJA

Perú. Diseñador industrial y artista. Es director creativo en Gea Design. Diseña productos para Depa Design Store. Asesora y desarrolla conceptos creativos para empresas.

Perú. Arquitecto, M.A. y diseñador urbano. Ensayista y crítico de arquitectura y ciudades. Dirige el Estudio AOZ. Lideró la recuperación del malecón de La Punta y el Gran Parque de Lima.

JORGE VILLACORTA

Colombia. Periodista y escritor. Ha ganado el premio Casa de las Américas, el Rey de España y tres veces el premio Simón Bolívar de periodismo. Ha escrito crónicas para Etiqueta Negra, SoHo y Letras Libres.

DANIEL BARRENECHEA

Estados Unidos. Periodista y pianista. Es crítico de arquitectura en The New York Times. Finalista del Pulitzer Prize en 2000. En 2013 recibió un doctorado honorario de la Corcoran College of Art and Design.

ALDO SHIROMA

Perú. Diseñadora industrial y artista plástica. Co-owner y design manager de Gea Design. Es diseñadora de productos en Depa Design Store y docente en Artes Visuales.

COQUE SHIROMA


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ C A R TA

UN TECHO NOS OCULTA DE LAS ESTRELLAS

E

n la novela Nocilla Lab, del español Agustín Fernández Mallo, un hombre encerrado en una habitación sin techo se deprime hasta la locura. Narrado en viñetas de cómics, las imágenes retratan el paso del tiempo en medio de un desierto cuya única interrupción son las cuatro paredes y el hombre metido allí, muriéndose entre el aburrimiento y la fatiga de tener que soportar la asfixia del sol. Un cuarto sin techo es una invitación a la demencia. En Tierras de cristal, la novela del italiano Alessandro Baricco, se

construye un inmenso palacio hecho solo de cristal: quienes entraban en él solían asombrarse por lo infinito que parecía el mundo desde dentro. Ver el cielo de noche era una representación del universo. Estar dentro del palacio era también estar fuera. Más allá de la novela, esta construcción realmente existió a mediados del siglo XIX en Londres. Fue un hito de la arquitectura que encarnó la inagotable fe del hombre en el modernismo. Si algo siempre nos ha impactado es la inmensidad de las cosas. Y una construcción a la que le falta un techo es una rareza que nos inquieta: no soportaríamos ver el cielo todo el tiempo. Nadie busca un lugar sin cubrir. El ser humano empezó a techar sus casas cuando descubrió que era el único modo de protegerse de la lluvia y el sol. Pero siempre necesitó ocultarse del mundo. Primero en las cavernas, después en la ferocidad de la naturaleza con la simple ingeniería de madera, piedras y ramas. Del latín ‘tectum’, la palabra techo significa protegerse o esconderse de algo. Pocas cosas en la historia de la humanidad representan de modo tan literal el acto de ocultarnos. Un techo, por definición, es una necesidad: sin él no podríamos sobrevivir. Y una cobertura de cristal, como en la novela de Baricco, nos dejaría insomnes de por vida. Buscamos en los techos seguridad, pero también una manera de restringir la visión. De ponernos un límite. Nos gusta ver las estrellas precisamente porque tenemos que salir a mirarlas. Porque no están allí mientras dormimos. En la rutina de nuestras vidas, un techo es sinónimo de aburrimiento: uno se pasa la noche mirando su pálida superficie, entre vigilante y desesperado. Y la falta de techo es una metáfora de pobreza: las personas están a la intemperie, no pueden guarecerse del frío, no tienen cómo ‘taparse’. Un techo encarna lo más básico en la arquitectura, e implica también su final: es lo último que se construye en una edificación. Aunque los techos comenzaron como cobertura, han terminado siendo una especie de esperanza. En un mundo que se queda sin espacio, tener uno significa que puedes crecer hacia arriba. Pero el revés de esta esperanza es una ciudad comprimida por su alta densidad. Un retrató la vida de los habitantes de Hong Kong con imágenes tomadas desde sus techos. De arriba a abajo. Las fotografías también muestran los inmensos y escuálidos edificios de una ciudad repleta de gente. La crisis no necesita traducción: un lugar que crece hacia arriba para no morir de asfixia. Un techo determina nuestra intimidad y nos aleja de los peligros del mundo. Quizá por eso nunca sentimos que debamos decorar el que cubre nuestra casa. Sin saberlo, tenemos tan clara la función de un techo, que no necesitamos agregarle nada más: la sola idea de saber que está allí nos tranquiliza


THOMAS BALSLEY ASSOCIATES


UN ARCHIPIELAGO LLAMADO

Nueva York es un ejemplo de ciudad que prioriza los espacios públicos. Áreas verdes, muelles, malecones y zonas residenciales la han convertido en un verdadero espectáculo urbano que todos deben conocer. UN TEXTO DE DANIEL BARRENECHEA 9


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

N

/ P O STA L ES

ueva York es un espectáculo urbano que sorprende hasta al más apático turista. Perderse entre sus calles nos reduce a la simple condición de espectador: frente a nosotros, Nueva York es siempre protagonista. Pero a veces no somos

consciente de todos sus encantos. Esta ciudad —una serie de islas rodeadas de cientos de kilómetros de mar, ríos y bahías— se ha empeñado en plasmar, en su arquitectura, una estética de lo eficiente: aprovechar al máximo los espacios sin perder su atractivo ni su sentido de lo espectacular. Todos los gobiernos municipales han contribuido a crear áreas públicas en sus amplias zonas de la costa. En esta obsesión por la innovación, la gestión del alcalde Michael Bloomberg representó la época dorada de las obras públicas. Como un François Mitterrand americano —el presidente francés que más tiempo duró en el poder—, sus doce años de «Grand Travaux» dejó una nueva infraestructura del impacto: espacios públicos que, al mismo tiempo que sirven a la comunidad, la seducen. Estas obras son el resultado de una planificación y selección de proyectos arquitectónicos y paisajistas. Pero también se debe, en gran parte, al financiamiento público y privado, que administró la agencia New York City Design Development & Construction con su programa Design and Construction Excellence. A diferencia de otras ciudades del mundo, este programa promueve y prioriza la calidad de diseño como primer requisito para la licitación de obras cívico-públicas. Brooklyn, una de las zonas más extensas de Nueva York, tiene grandes ejemplos de estos espacios. Sus costas occidentales —con las mejores vistas hacia Wall Street e históricos puentes colgantes— son ahora un oasis de espacios colectivos que se llaman Brooklyn Bridge Park. En él hay parques, muelles, malecones, y zonas deportivas que integran y atraen a los ciudadanos, y generan comercio todos los meses del año. En Brooklyn Bridge Park uno puede ver una película al aire libre, tras el crepúsculo, con el histórico puente de Brooklyn y el puente de Manhattan como fondo de postal. También se puede disfrutar de un picnic familiar en compañía de casi dos mil personas que participan en esta nueva tradición urbana. Es aquí donde el arquitecto francés Jean Nouvel diseñó un pabellón de metal y vidrio que alberga el Jane’s Carousel, el histórico carrusel que deleita a todos los neoyorquinos. El estudio paisajista Michael Van Valkenburgh Associates diseñó el Brooklyn Bridge Park. Se intervino una franja de dos kilómetros de longitud, que, aunque estrecho, ofrece diversas áreas abiertas que invitan a grandes y chicos a participar en juegos infantiles, partidos de fútbol, manifestaciones urbanas y festivales culinarios. No ignora los espacios íntimos de menor escala, que invitan a la tertulia e introspección: algo difícil de conseguir en esta ciudad. Tiene un diseño de estilo modernista


23 THOMAS BALSLEY ASSOCIATES

THOMAS BALSLEY ASSOCIATES

THOMAS BALSLEY ASSOCIATES


FRANKLIN D. ROOSEVELT FOUR FREEDOMS PARK, LLC

aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

/POSTAL

En Brooklyn Bridge Park, uno puede ver una pelIcula al aire libre, tras el crepUsculo, con los dos puentes históricos de Nueva York como fondo de postal.

que no evade el patrimonio naviero industrial que caracterizó a Brooklyn de los siglos XVIII y XIX. Reseñas de este pasado están representados en diversidad de componentes: muebles, postes de iluminación, cercos decorativos, marquesinas y piezas escultóricas. En Queens, el condado más diverso en etnias de la región metropolitana, se encuentra Long Island City (LIC), otrora región industrial que ahora comparte su entorno con edificios residenciales, instituciones culturales y oficinas de profesionales creativos de toda índole. En LIC encontramos nuevas instituciones artístico-culturales, como el PS1 Museum (extensión permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York), el Isamu Noguchi Museum, el parque de esculturas Sócrates y nuevos circuitos de parques costeros que ofrecen una envidiable vista al Midtown de Manhattan. Estos nuevos espacios públicos se articulan como diseños alegóricos al pasado industrial marítimo de LIC, sin llegar a lo nostálgico o kitsch, sin un monumento a John Lennon o un parque dedicado al surfista. Hunters Point South y el Gantry Plaza State Park son dos recientes ejemplos de acertadas transformaciones de antiguos muelles industriales. Estas obras fueron diseñadas por el estudio Thomas Balsley Associates, firma de corte paisajista que comparte su obra con una serie de colaboradores que provienen de disciplinas como la arquitectura, el diseño gráfico e industrial, especialistas en iluminación, entre otros.


THOMAS BALSLEY ASSOCIATES

La más reciente intervención paisajista en la ciudad es

En la década del sesenta, el alcalde neoyorquino John

también la más simbólica e histórica, no solo por el tema que

Lindsay y el gobernador Nelson Rockefeller planificaron

la representa, sino también por la historia del arquitecto que la

convertir la estrecha península de Welfare Island —ubicada

diseñó: el célebre Louis I. Kahn, arquitecto norteamericano más

en el East River, frontera fluvial entre Manhattan y Queens—

importante en las décadas del sesenta y setenta. Sus obras fueron

en una nueva y dinámica zona residencial y reservar un área del

la respuesta norteamericana ante la influencia arquitectónica

complejo para construir un memorial dedicado al presidente

internacional y modernista de Le Corbusier. Entre sus proyectos

Franklin Delano Roosevelt (FDR). El anuncio formal se hizo en abril

más representativos se encuentran el Museo de Arte Kimbell, el

de 1972. Welfare Island sería bautizada como Roosevelt Island.

Instituto Biológico Salk y el edificio Parlamentario de Bangladesh en Dacca, íconos de la arquitectura mundial.

Pero el destino se encargaría de alterar todos los planes. Meses después del anuncio, el gobernador Rockefeller se convertiría en


THOMAS BALSLEY ASSOCIATES

candidato presidencial, Louis Kahn fallecería el 17 de marzo de

infraestructura dirigida a sus ciudadanos; la prosperidad durante

1974, y Nueva York ingresaría en la peor crisis financiera de su

años de las arcas fiscales municipales y la participación del sector

historia. El memorial dedicado a FDR tardaría treinta y ocho años

privado; y la selección de los mejores profesionales del diseño.

en iniciar obras. Pero gracias al trabajo de instituciones privadas,

En la actualidad, Lima goza de características similares. Pero

el colegio de arquitectos de NY (AIA) y el gobierno municipal,

todavía falta incluir en el proceso a diversos profesionales,

el proyecto se convirtió en una fidedigna interpretación del

que, con sus especialidades, pueden contribuir a generar una

diseño original del maestro Khan. Una señal más de que el

ciudad renovada y dedicada a sus usuarios. Hay un camino

buen diseño sobrevive al transcurso de los años.

que, aunque no es largo, debemos recorrer. Sea como fuere,

Estos logros en Nueva York tienen algunos matices a considerar: la visión de un alcalde de entregar a la ciudad nueva

estamos en una encrucijada: las decisiones a tomar impactarán irremediablemente en el modo de vida de esta ciudad 15


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/PERSONAJE

PETER ZUMTHOR: EL ARQUITECTO INCÓGNITO MÁS CELEBRADO Antes de aceptar un trabajo, el arquitecto suizo Peter Zumthor pone dos condiciones a sus clientes: que conozcan sus obras y que tengan tiempo para conversar. Zumthor es un obsesionado de la creación en conjunto: busca descubrir la idea de su diseño junto con el cliente.

UN TEXTO DE Michael Kimmelman urante un almuerzo en Los Ángeles con el actor Tobey Maguire y su esposa, Jennifer Meyer, Peter Zumthor estuvo arrogante, encantador y un poco reservado, como siempre. El arquitecto suizo estaba de visita en la ciudad para discutir un nuevo diseño para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, y Maguire y Meyer lo habían invitado a comer para persuadirlo de que les construyera una casa. Zumthor había evitado esta clase de encargos para los ricos y famosos por mucho tiempo, pero, ahora que tenía sesenta y siete años, se había puesto a pensar en que sería bueno ahorrar algo de dinero. Además, podía imaginarse dejando su huella en una ciudad en donde muchos otros arquitectos habían trabajado. Así que, cuando llegó el café, prometió darle un vistazo a la propiedad, pero le pidió a Maguire y Meyer que hicieran un tour en Europa para que vean sus obras y después lo visitaran en su estudio de Haldenstein, Suiza, para hablar de lo que habían visto. A partir de esto decidiría


felipe camus

LA CAPILLA DE SAN BENITO, Se encuentra en el pueblo de Sumvitg, Graubünden, fue diseñado en 1988. El modesto exterior con escala humana de la capilla, encierra la belleza y la simplicidad de la obra de Zumthor, mientras que el interior muestra su artesanía no paralela.


felipe camus


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/PERSONAJE

A partir de esto decidiría si podría diseñar su casa. «Nos iremos ya mismo», dijo Maguire, poniéndose un poco de pie, como si ya estuviera preparado para conducir al aeropuerto y subirse al primer vuelo a Zúrich. Peter Zumthor puede inspirar esa clase de reacción. Hace un par de años, cuando ganó el premio Pritzker, el Nobel de la arquitectura, la prensa lo declaró un «profeta». Zumthor me dijo no hace mucho tiempo que consideraba que el premio reflejaba «una nueva orientación, de regreso a la tierra, de regreso a lo verdadero, la arquitectura en el sentido tradicional de hacer cosas. Creo que

«Las posibilidades de encontrar la belleza son más grandes si no trabajas en la belleza», dice Zumthor sobre su propia filosofía. «La belleza en la arquitectura está motivada por la practicidad.»

esta conciencia está regresando». Tal vez. En cualquier caso, como diseñador de algunos de los edificios más sutiles y admirados del último cuarto de siglo, Zumthor no ha estado en realidad trabajando en el anonimato. Pero ha evitado la imagen pública de celebridad ostentosa, trotamundos y con vallas publicitarias en el horizonte

un jardín interior, desde el cual de vez en cuando se deja oír

urbano, diferenciándose —y, en su mente, poniéndose un poco por

música de Sonny Rollins o Iannis Xenakis. Annika Staudt, que

encima— de algunos de sus colegas más famosos. Sus obras, incluso

dirige el equipo de maquetas de Zumthor, recordaba, mientras

desde la perspectiva más superficial, se distinguen de las de Frank

conducíamos de Austria hacia el estudio una tarde, el pabellón

Gehry o Zaha Hadid o Jean Nouvel o Norman Foster, para empezar,

que Zumthor hizo para Suiza en la Expo 2000 en Hanover,

porque no son llamativas: a menudo no captan la atención a

Alemania, el cual Staudt conoció cuando era adolescente: «Fui

primera vista, concebidas de adentro para afuera, por lo general a lo

con mi escuela, y todo lo demás parecía falso, pero en su pabellón

largo de muchos meticulosos años. Además, debido a que Zumthor

podías sentir la madera de verdad, podías olerla y ver el acero en

dirige una pequeña oficina y no delega ni siquiera la decisión de la

el medio, y todo era muy misterioso pero real», dijo.

manija de una puerta, no ha tomado muchos proyectos, y muchos de los que ha terminado no son muy grandes. Como Peter Ruedi, un crítico suizo, escribió hace poco en

Un buen lugar para entender a lo que se refiere Annika Staudt es la capilla Bruder Klaus de Zumthor, al oeste de Alemania. Se alza desde una modesta cadena de montañas sobre

el NUEVO DIARIO de Zúrich los resultados podrían llevar a la

la aldea agrícola de Wachendorf. En el invierno, unos cuantos

gente al principio a confundir a Zumthor con «un ascético».

venados vienen a retozar en la nieve crujiente desde los bosques

Pero «él es lo opuesto», señaló Ruedi correctamente. Es «un

aledaños, olfatean y luego se retiran. La caminata cuesta arriba

esencialista de lo sensual».

desde el camino más cercano, a través de un campo vacío,

Cuando nos encontramos en su estudio, Zumthor se presentó

funciona como una cámara natural de descompresión antes del

media hora tarde, evidentemente un poco escéptico, como si

primer vistazo del edificio: un abrupto bloque de concreto con

quisiera que yo supiera que tenía muy poco interés en que se

una extraña puerta triangular en un lado.

escribiera sobre él, o al menos quisiera aparentar que así era.

Dentro, paredes a dos aguas llevan a una especie de cueva

«Normalmente los arquitectos prestan un servicio», comenzó,

o tipi con un óculo alto en forma de lágrima, abierto al cielo. Un

saltándose las formalidades usuales. «Implementan lo que otros

puñado de gente cabe cómodamente en el espacio, pero está

quieren. Eso no es lo que yo hago. Me gusta desarrollar la idea

hecho para una o dos personas. Bruder Klaus era un ermitaño.

del edificio junto con el cliente, en un proceso, de manera que, a

No hay ventanas; no hay electricidad o agua corriente. En donde

medida que avanzamos, nos volvemos más inteligentes».

habría un altar central, hay un charco poco profundo de agua,

Tobey Maguire y Jennifer Meyer no son los únicos a los que

formado por la lluvia y la nieve que caen por el óculo. Pequeñas

se les ha pedido que hagan la peregrinación a Haldenstein, una

portillas de vidrio de botella añaden puntos de luz, y las paredes

pequeña mancha en el mapa suizo. A veces se dice que Peter

ondulantes llevan las huellas de ciento doce píceas, taladas en la

Zumthor vive y trabaja allí porque es un ermitaño. Pero vive y

granja de los clientes de Zumthor y luego quemadas con lentitud,

trabaja allí porque puede hacerlo. Su estudio está dividido entre

dejando rastros ennegrecidos en el concreto grueso.

un par de edificios, uno de madera, el otro un lugar de retiro casi

«Un pequeño lugar para estar en silencio» es como Zumthor

monástico de vidrio y concreto, en una terraza baja sobre el río Rin

me describió la capilla. Durante los pocos solitarios minutos

al pie de una gran pendiente, con vista a unas bonitas montañas

que pasé dentro de ella, parecía el lugar más tranquilo y secreto

de picos nevados. Sus socios trabajan en un silencio extasiado

de la tierra. «El sueño de los arquitectos, sobre todo los que

y un poco cabizbajo, Zumthor meditando en el lado opuesto de

odian sus propias vidas, es hacer sólo unas cuantas cosas pero


seier+seier


felipe camus

aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

/PERSONAJE

perfectamente, cada cosa un hito, para que los arquitectos los

según él, y cómo trabajar con las manos. Zumthor asistió a una

envidien», ha dicho Rodulf Sagmeister, el curador del famoso

escuela suiza para las artes aplicadas, inspirada en la Bauhaus,

Museo de Arte de Bregenz, Austria, diseñado por Zumthor. «Él es el

con profesores de la Bauhaus, de quienes aprendió «todos

símbolo de lo que la arquitectura aún puede ser, es decir, un trabajo

los fundamentos de diseño, la destreza de dibujar y mirar, de

por amor al arte, y de cómo trabajar con una docena de asistentes

mezclar colores, los espacios en blanco y los espacios negativos;

de alrededor del mundo, no con enormes equipos de gente, sino

forma, línea y superficie». Luego estudió diseño industrial en

socios que se quedan por años y trabajan en una oficina silenciosa

Nueva York en el Instituto Pratt, pero nunca obtuvo un título

construida alrededor de un jardín. Él escucha lo que quieres.

de arquitectura, lo que ahora parece ser motivo de orgullo. Le

Quiere saber si los clientes tienen tiempo, si están dispuestos a

encanta quejarse de que los jóvenes arquitectos han llegado

pasar por el proceso de descubrimiento. Los inversionistas no están

a depender de las computadoras, y «no saben cómo están

interesados en esta clase de cosas. Necesitan un programa. Están

construidas las cosas» y han «perdido el sentido de la escala». Su

comprando una especie de producto. Eso no es lo que obtienen con

estudio es famoso por producir las maquetas más extravagantes

Peter. Y no es lo que él quiere de un cliente».

de cera, plomo, aluminio y arcilla, a veces hasta algunas de

Peter Zumthor y yo partimos de Haldenstein para ver su

escala real, instaladas para que los clientes puedan caminar por

obra más famosa, un spa de propiedad municipal conectado a

ellas y Zumthor pueda ver cómo un diseño resiste el paso de los

un hotel en la aldea montañesa de Vals. De manera gradual, y

meses o años. «Todos hablan demasiado hoy en día», se quejaba

con cautela, mientras conducíamos, me contó un poco de su

en el auto. «Mies van der Rohe y Le Corbusier vinieron de una

historia. Nacido en una gran familia católica en las afueras de

tradición en la que los arquitectos aún sabían cómo se hacían

Basilea, había sido criado para seguir los pasos de su padre como

las cosas, cómo hacer las cosas bien. Deberíamos obligar a las

maestro ebanista. Recordaba a su padre, no del todo sin cariño,

universidades a capacitar carpinteros y ebanistas y curtidores.

como un rigorista que le enseñó «cómo ser exigente e inflexible»,

Ahora todos los arquitectos quieren ser filósofos o artistas».


Zumthor conducía por el espectacular paisaje. «Mi primer trabajo verdadero», señaló, «fue en este cantón, evaluando tipos tradicionales de edificios y asentamientos, catalogando los antiguos sistemas económicos, el sistema de cortijos, estudiando cada vieja casa, por dentro y por fuera. Intenté descubrir por qué las cosas aquí se ven de esa manera, lo que las hace bellas, estéticas. Para mí como arquitecto resultó ser un asunto de vencer al Modernismo arquitectónico, en el que todo tenía que ser nuevo y nada debía tener historia. La Bauhaus me parece ahora muy limitada en ese aspecto, y este trabajo de evaluación me ayudó a superar esa limitación». Llegamos al spa en Vals, donde la esposa de Zumthor, Annalisa, nos dio el encuentro en el bar del hotel. Incrustado en la ladera de la montaña como un laberinto de volúmenes elevados y exquisitamente proporcionados, con paredes pesadas hechas a la medida de losas de piedra local finamente cortadas y encajadas como un rompecabezas, el spa le aporta una gravedad sacramental al baño ordinario durante el tiempo de esparcimiento. «Vals no se trata de un objeto externo», Zumthor quiso dejar en claro. «No se trata de piscinas y toboganes y artilugios. Se trata de lo que sucede adentro, el baño, enfocado hacia lo ritual, como en el Oriente. Se trata de agua y piedra y luz y sonido y sombra. La gente de Vals decía que era elitista, que nuestro plan fracasaría. El antiguo gerente del hotel hasta renunció, y el experto en márketing que la aldea contrató dijo que teníamos los días contados, que el pueblo tendría que estar loco para seguir a un arquitecto. Pero algunos hombres locales dijeron: ‘No, intentaremos esto’. Se habían emocionado tanto desarrollando el

Un famoso curador ha dicho sobre Zumthor: «Es el símbolo de lo que la arquitectura aún puede ser: un trabajo por amor al arte. Él escucha lo que quieres. Quiere saber si los clientes tienen tiempo, si están dispuestos a pasar por el proceso de descubrimiento.»

plan que su convicción era genuina. Habían comenzado a sentirse parte de lo que estábamos haciendo, y convencieron a otras personas, y por fin al resto de la comunidad». Un empresario local bebía a sorbos una cerveza, escuchando. «Ahora es nuestro monte Cervino», dijo. «Creo que las posibilidades de encontrar la belleza son mayores si no trabajas en eso directamente», Zumthor ha dicho al describir su filosofía. «La belleza en la arquitectura está motivada por la practicidad. Esto es lo que aprendes estudiando los viejos paisajes urbanos de los granjeros suizos. Si haces lo que deberías, al final hay algo, que tal vez no puedes explicar, pero si tienes suerte, tiene que ver con la vida». Meses después, Zumthor me dijo que había aceptado tomar el proyecto de la casa para Tobey Maguire y Jennifer Meyer. Maguire había solicitado una cancha de básquetbol, dijo Zumthor. Imaginaba jardines en su lugar, una Alhambra en Hollywood. Yo no dije nada, sabiendo quién ganaría esa discusión. Que este arquitecto tan suizo estuviera construyendo no sólo la casa de una estrella de cine sino también reconsiderando un importante espacio público para esta ciudad tan esencialmente estadounidense podría parecer extraño. Pero Los Ángeles, como 23


Tim Brown Architecture

Zumthor, ha cultivado su propia interpretación idiosincrática del

confundiendo, volviéndome débil. Quiero la sensación de libertad

Modernismo, impregnada del escenario: en paisaje, clima, luz solar,

informal. Quiero sentir que estoy afuera. Quiero una aldea, pero

espacio. Zumthor está, a decir verdad, extrañamente a gusto allí.

con un nivel superior, un nivel inferior». Dibujaba y dibujaba.

Así es sin duda como se veía, en camisa blanca de cuello alto, chaqueta suelta de lino marrón y pantalones negros holgados, al llegar al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles una mañana

«Pero debe darme una sensación de paz. Ahora siento que sólo será correcto si las colecciones tienen hogares de verdad». Al día siguiente repitió más o menos la misma charla ante

para hacer una lluvia de ideas. Con un bloc de dibujo grande

Terry Semel, co-presidente del consejo administrativo del museo y

abierto, lápiz en mano, Zumthor se puso de pie en una sala de

ex presidente de Warner Brothers y Yahoo.

conferencias frente a un grupo de empleados, incluyendo a

Esa noche, Zumthor me dijo: «Los funcionarios de museos

Michael Govan, el director del museo. «Están invitados a decirme

siempre aseguran que tienen la mejor colección de esto o de

que estoy loco o lo que sea», comenzó, garabateando distraídamente

aquello, y por supuesto que siempre tienen razón. Y lo que me

en el bloc. «Comienzo con la colección, que es la base del museo.

preguntan es: ‘¿Cómo se verá?’ Entonces tengo que regresar y

Pienso en colecciones separadas, poniéndolas en pisos diferentes, y

hablar de contenido, de uso, de cómo funciona un lugar, y les digo

luego tengo esta terrible sensación, como si estuviera en una tienda

que necesito tiempo antes de llegar a su pregunta».

por departamentos, con zapatos y camisas. Entonces dibujo un

Pensándolo mejor, decidió que las reuniones habían ido bien y

bosque. Y en el bosque encuentro joyas. Tengo que ir aquí, allá, para

eran el comienzo de un proyecto largo y complicado, que para él era

conseguirlas. Pienso en estas joyas como partes de la colección, con

el placer de la arquitectura. Su mente volvió a la idea de galerías en

sus propios pabellones, y esto me da una nueva sensación».

las copas de los árboles. «Creo en el valor espiritual del arte, siempre

Imaginen los pabellones como árboles metafóricos, prosiguió: «sus volúmenes arriba en las ramas, arriba en el aire. Entonces necesito un sistema de rampas. Tal vez hay un sistema de pasarelas». Dibujaba más rápido. «Ahora tenemos la sensación opuesta a una tienda por departamentos. Pero me estoy

y cuando no sea exclusivo», dijo. «Es lo mismo con la arquitectura». «Tiene que ver con la elevación», añadió. «Todos pueden ascender, después de todo» Este texto se publicó en 2011 en la revista THE NEW YORK TIMES. Traducción de Jimena Talavera.


Ámsterdam: La ciudad universal UN TEXTO de Augusto Ortiz de Zevallos DIBUJOS DEL AUTOR

El plano de la ciudad es una media telaraña, que ha ido tejiéndose sabiamente y palmo a palmo, de adentro hacia afuera, desde hace unos ochocientos años. El nombre ya lo dice: el Dam del Amstel. Amstel-Dam, Ámsterdam. El dique —o plataforma— Dam se puso para cruzar el río Amstel en su desembocadura, al acercarse al Mar del Norte, en un brazo navegable de mar. Era una ubicación estratégica porque permitía sumar esa función de puerto a atar caminos y tierras interiores y asentar así una ciudad sostenible. Un lugar estratégico. Que debía defenderse del mar. Eso era Ámsterdam. Eso es. No por nada los Países Bajos, Nederland, se llaman así. Creo que el municipio actual está cuatro metros debajo y el aeropuerto Schipol todavía más abajo. Para que pudiese haber allí un asentamiento, el dique Dam debía protegerlo. Allí donde hoy uno se baja del tren, en una estación pintoresca de aspecto neogótico y romántico y donde uno puede ver una fauna planetaria de turistas, se llegaba en barco desde el mar. Y ese brazo de océano traía y trae aún aguas calmadas a la vez que genera orillas, desde las cuales pueden defenderse de eventuales invasores o enemigos. Y por allí se llega a un cuerpo de agua artificialmente creado, contenido por el Dam, lo que explica también el nombre de la plaza principal, allí muy cerca. Y la mitad del nombre de la ciudad. En ese mismo e histórico cuerpo de agua, hoy apacible, están algunas de las barcazas chatas que ofrecen un paseo por los canales, indispensable si se quiere entender Ámsterdam. Abundan allí los fantasmas, de muchos siglos, primero de simples pescadores, después de navegantes, descubridores y corsarios, generadores de hallazgos y riquezas, siempre navegantes hábiles y cada vez mejores comerciantes. Allí estuvieron antes todos los barcos en todas las épocas. Allí se organizaron todas las expediciones, incluso aquella que fundó Nueva York, cuyo nombre original fue Nueva Ámsterdam. Y que por cierto no se parece nada a York —nombre comprado por los ingleses— y sí mucho a Ámsterdam. En cuerpo y espíritu. Ese espacio de agua era el puerto, y por eso hoy están al lado el célebre barrio rojo, y los bares cerveceros y de ginebra. Incluidas las iglesias. Al lado de una de ellas se ha instalado, además, un bonito monumento a la trabajadora sexual. Está a pie, casi sin base, en su barrio. Y también allí, al lado, se montan todas las semanas el mercado de los quesos. Ese es el centro de la telaraña, el origen de Ámsterdam: su carácter marinero,


su viejo espíritu plural y tolerante, y su propensión a algunos excesos. La canción de Jacques Brel («dans le port d’Amsterdam») le rinde tributo. Tierra adentro, a unos cuantos metros, la ciudad empieza más bien a formalizarse. Lo portuario cedió su lugar o, si se quiere, sumó más respetabilidad a ese origen marinero y aventurero. Almacenes, banca, la iglesia nueva o Neue Kerke y una gran plaza, llamada Dam, donde hay un hermosísimo palacio municipal mal llamado hoy «Palacio real», y cuya arquitectura responde admirablemente a ritualizar las funciones municipales, que allí se ejercieron. Ese palacio nació como el ayuntamiento y cada una de esas tareas municipales está recogida en salas a su medida y en pinturas alegóricas, tanto bíblicas como mitológicas. El escritorio del burgomaestre, en vez de tener dimensiones palaciegas, las tiene austeras, lo que le recuerda que es un servidor de la ciudad. Y así el juez de paz, el tesorero, la aduana, todos. El mejor de todos los espacios del palacio es el espacio de todos: un enorme lobby, en cuyo piso está dibujado un mapamundi. Eso que había que descubrir. Ámsterdam quería ser universal, se lo propuso y lo consiguió. Tecnológicamente no fue fácil. Esta es una ciudad hecha de forma colectiva: con las manos, haciendo canales, fabricando suelos para edificar, ganando espacio al mar y tejiendo una trama de canales para hilvanar la ciudad y permitirle mallar su crecimiento y su historia, siempre centrífuga y centrípeta. Con esa telaraña admirable que vincula todo. Y convirtiendo al viento en fuerza y al agua en vías, canales o grachts. La historia de la ciudad tiene muchas etapas. Cualquier museo de la ciudad podría explicarlo muy bien. Esta historia pasa de épocas de aventuras a épocas de consolidación y múltiples oficios en los que destacan la alfarería y el comercio. Y lleva a otras de liderazgo mundial en navegación, o de cierta opulencia y poder, pero sin exhibicionismo. No existe —digamos— la huachafería inglesa rimbombante. El museo de la ciudad, el mejor que conozco, revela también épocas de gran sobriedad en su espíritu ciudadano, ese que hace hoy que las bicicletas o los tranvías sean los que manden en la ciudad y que el espacio público esté abierto a todos los encuentros, a ejercer ciudadanía, disfrutar de la ciudad. No fue siempre así. Ámsterdam sufrió el ataque de los nazis. Con una importante población judía, y con un gran sentido de lo colectivo, fue sometida, aunque luego se libró de los bombardeos que casi hicieron desaparecer a Rotterdam. Renació después recuperando el espacio público, primero con un hermoso programa de juegos infantiles, perfilado por el notable arquitecto Aldo van Eyck. Este señor hizo que la calle sea de nuevo de todos.


Hay también en esta telaraña creciente -el notable Ámsterdam de los museos y la ilustración- el barrio de gran cultura, que suma música, danza, pintura y artes en general, habiendo además adentro de la ciudad vieja también el tonificante Ámsterdam universitario. Ese espíritu renovado y plural, aunque formando siempre un gran tejido coherente, esa hermosa telaraña, ha generado una alta calidad y pertinencia de su arquitectura. La Bolsa, diseñada por el arquitecto holandés Hendrik Petrus Berlage, es uno de los edificios más nobles y sobrios. La arquitectura de vivienda de principios de siglo XX, para su extensísima clase media es quizá la mejor y más digna que nunca se haya hecho. El ladrillo, usualmente negro o rojo, y con el que a veces se ha hecho joyería y tapicería fina, distingue a Ámsterdam, de quien Londres se ha copiado a veces. El Georgian le debe mucho, empezando por la sobriedad, a veces ausente en la arquitectura inglesa, cuyo otro referente obvio fue Palladio, a quien copiaron hasta el cansancio. Hasta hoy existe en Ámsterdam una arquitectura y un urbanismo altamente calificados y que siempre se renueva en proyectos que no pocas veces comienzan ganando terreno al agua para fabricar barrios y piezas de ciudad. Porque Ámsterdam guarda y cuida bien su tejido y entonces la centralidad ya está donde está. Así que solamente hay sitio al fondo, en los bordes de la telaraña. Y entonces, según el uso, puede tener sentido fabricar suelo. Islas, en el agua. Para estar cerca. Y eso se hace y se hace bien. Que la arquitectura debe hacer ciudad es algo que allí se sabe, se hace y se practica. Me aventuro a decir que Ámsterdam es la más urbana de las ciudades. Toda obra se suma a un tejido, se sabe parte de un conjunto. Y quiere serlo. Esa telaraña es plural y generosa. Suma, incorpora, invita. Ámsterdam es la más cosmopolita, la más tolerante, la más abierta, la más culta, la más inclusiva, la menos pedante, la menos autosuficiente, creo, de las ciudades europeas. En donde la reina paseaba en bicicleta. En donde los domingos de sol de verano son una fiesta pública, en donde cada uno tiene su chalana o su bici. En donde todo es de todos. Aunque la crisis de los últimos años malogra ese espíritu abierto y permita que algunos políticos lo nieguen y traten de usufructuar esa ola reciente anti inmigratoria, que se parece demasiado al fascismo para no preocuparse. Ya se cobró hace años una víctima notable, nada menos que en un pariente joven de Van Gogh. Que aquellos que no entienden dónde están, pierdan y que lo hagan en algo que rima. Que se vayan a esos diptongos. Que Amsterdam siga siendo Amsterdam.


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Aeropuerto Internacional de Kutaisi Georgia

La ciudad de Kutaisi, en Georgia, necesitaba de un gran lobby de bienvenida: un aeropuerto. UNStudio humanizó la experiencia previa al viaje conjugando tradición, iluminación y sostenibilidad. TEXTO Y fotos de UNSTUDIO

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n los últimos años, Georgia ha tenido un considerable desarrollo económico y social, y debido a esto, una serie de cambios se están generando. Entre ellos, está el cambio de sede del Parlamento: desde la capital, Tiflis, a la ciudad de Kutaisi, hogar de una

gran población estudiantil a causa de la existencia de una de las universidades más grandes del país. Luego de que la fuerte exportación industrial a Rusia acabó, la ciudad sufrió un periodo de dificultad económica. El gobierno de Georgia, entonces, decidió participar activamente en la regeneración de Kutaisi, no tan solo al cambiar la sede del Parlamento, sino también construyendo un nuevo aeropuerto internacional, uno que además permita a la ciudad acceder a la creciente cantidad de turistas que recientemente han ido descubriendo a esta joven nación en el Cáucaso. El gobierno de Georgia quiso reducir de forma deliberada los costos de los vuelos a la región para poder hacer más accesible el ingreso de los turistas, así como de los estudiantes a la Universidad de Kutaisi. El aeropuerto de esta ciudad está diseñado para recibir vuelos internacionales y diplomáticos, así como vuelos nacionales de los estudiantes universitarios y los políticos del país. El diseño de UNStudio para este nuevo aeropuerto comprende el desarrollo del aeropuerto en su totalidad, incluidos un nuevo formato de la pista de aterrizaje, el plan


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maestro para el paisajismo, el terminal, las oficinas, una estación meteorológica, la torre de control de tráfico aéreo, así como el futuro desarrollo del mismo aeropuerto. Las regulaciones fueron estrictas y comprendieron estándares europeos según lo establecido por el gobierno del país. El diseño para el nuevo aeropuerto incorpora tanto el paisaje histórico de Georgia como su arquitectura. Aquí los edificios públicos y las viviendas usan sus lobbies de ingreso como vitrinas para mostrar su propia identidad. En el proyecto del Aeropuerto Internacional de Kutaisi, UNStudio asimila este concepto con el objetivo de manifestar la joven y dinámica democracia de Georgia junto con su desarrollo vertiginoso como un punto de tránsito en la región. La nación de Georgia está ubicada en un cruce de caminos que asimismo representa un cruce de culturas que tienen una tradición de viajeros a través del Cáucaso o llegando desde el Mar Negro. El aeropuerto está diseñado, en este sentido, para funcionar como un vestíbulo de la ciudad, un gesto de bienvenida al visitante. La arquitectura del terminal comprende una entrada en la que una clara disposición estructural crea un volumen protector y abarcador. Tanto el detalle de la esquina exterior —que funciona como un punto de tránsito y de reconocimiento— como la denominada estructura sombrilla dentro del edificio del terminal —que sirve de rotonda para los flujos de pasajeros— son los dos focos arquitectónicos centrales en torno a los que se organizan todas las funciones del aeropuerto. La sombrilla garantiza vistas desde la plaza del terminal a la plataforma así como al Cáucaso en el horizonte y viceversa. El punto central de la sombrilla es un patio exterior que sirve de salida de pasajeros. Por otro lado, el diseño del nuevo aeropuerto incorpora una serie de elementos sostenibles. La estructura previa de un edificio de oficinas fue reusada. Una fuente de agua in situ provee la base para reducir consumo de energía. Un sistema de ventilación híbrido y de baja presión estará integrado a la estructura principal. Destaca, asimismo, el sistema de recolección de aguas ubicado debajo de la superficie del terminal. El Aeropuerto Internacional de Kutasai será pronto un eje central de toda Europa, con proyecciones de recibir hasta un millón de pasajeros entre 2014 y 2015

Arriba. La sala de espera del terminal ofrece la calidez necesaria de un lobby de ingreso. Abajo. izquierda: La estructura sombrilla es el punto focal del aeropuerto. Esta ofrece una vista panorámica del Cáucaso. Abajo, derecha: El espacio alrededor de esta estructura permite el tránsito fluido de los pasajeros.


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Aeropuerto Internacional Suvarnabhumi Tailandia

El Aeropuerto Internacional de Suvarnabhumi representa la sinergia entre la arquitectura y la ingeniería. Mediante el trabajo interdisciplinar, se logró un cubo de vidrio de bajo consumo energético. TEXTO DE JAHN Architecture fotos de Rainer Viertlbock

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l Aeropuerto Internacional Suvarnabhumi fue construido en un campo a veinticuatro kilómetros al este de Bangkok, la capital de Tailandia y la ciudad más poblada de este reino. La primera fase podrá acoger a cuarenta y cinco millones de pasajeros

al año aproximadamente, pero la capacidad máxima del proyecto, luego de la fase expansiva, será de ciento veinte millones de pasajeros anualmente. El plan maestro utiliza un concepto de terminal/ embarcadero que hace hincapié en la circulación de pasajeros más que en la circulación de las aeronaves. Un gran techo conformado por una estructura reticular colocada sobre el complejo de edificios agrupados de acuerdo a su función unifica la localidad y presenta la imagen arquitectónica como si perteneciera al paisaje. Diseñada para poder ser ampliada, esta estructura en forma de reja cumple una función trascendental: otorga sombra a los pabellones debajo de ella, pues reflecta la luz solar directa, lo que reduce las cargas mecánicas. Los espacios exteriores entre edificios están también bajo la sombra por el techo reticular y son importantes para el concepto en general. En lugar de simplemente ser áreas vacías reservadas para futuras expansiones, son patios con jardines, útiles para los peatones y para los pasajeros en el terminal, que funciona como 35


recreación visual. Obras de arte y artesanía, así como elementos arquitectónicos, son colocadas en estos jardines, con lo que se une un complejo del terminal con las tradiciones culturales de Tailandia. El planeamiento del Aeropuerto Internacional Suvarnabhumi es una obra maestra producto del trabajo interdisciplinar entre arquitectos e ingenieros. La complejidad y el tamaño del aeropuerto requirieron nuevas soluciones que necesitaban de ambas disciplinas. El objetivo fue crear un edificio de bajo consumo energético, así como diseñar un complejo que estuviera equipado con tecnología de vanguardia, y se cumplió a cabalidad con resultados más que convincentes. Debido a las condiciones climáticas de Bangkok, se tuvo que desarrollar un concepto innovador para evitar el sobreúso de cargas de enfriamiento en la explanada del edificio. En general el pabellón fue dividido en zonas no acondicionadas en los niveles superiores y zonas mecánicamente refrigeradas en los niveles bajos. De esta manera se redujo drásticamente el total de la demanda de aire acondicionado, utilizándose únicamente en los sitios que lo requerían. Por otro lado, la capa interior del edificio central de este aeropuerto tiene un tejido abierto de modo que el ruido de la explanada interior puede entrar en el espacio intersticial entre las dos capas. A través de la absorción, el sistema de cubiertas reducirá el ruido de las pistas de aterrizaje cercanas en aproximadamente treinta decibeles. Tan solo la intensa cooperación del equipo interdisciplinario a cargo del diseño del Aeropuerto Internacional Suvarnabhumi hizo posible el desarrollo de un concepto integral para su sede. Se redujeron los medios de la estructura, así como el consumo de energía del edificio al mínimo, con lo que se optimizó la temperatura y la sensación visual para comodidad del pasajero

Arriba. La vista desde el interior es privilegiada debido a que el terminal es, básicamente, un cubo de vidrio. Abajo, izquierda. Estas estructuras metálicas coordinan funcionalidad y preocupación por la estética del terminal. Abajo, derecha. El planeamiento urbanístico del proyecto considera las fases expansivas, para que el impacto en la ciudad de Bangkok, en el horizonte, sea el mínimo. 37


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Aeropuerto Internacional Bao’an CHINA

El estudio Fuksas ideó un aeropuerto minimalista en la ciudad de Shenzhen, que sorprende por su monumentalidad y la precisión de su planeamiento urbanístico. TEXTO Y fotos de FUKSAS

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l Aeropuerto Internacional Bao’an, ubicado en la ciudad subprovincial de Shenzhen, Guangdong, China, ha abierto sus puertas y opera desde el 28 de noviembre del año pasado y se convierte así en el cuarto aeropuerto más grande de China, siguiendo

a los de Beijing, Shanghái y Guangzhou. El primer aeropuerto diseñado por los renombrados arquitectos Massimiliano and Doriana Fuksas se convertirá, sin duda, en un monumento icónico que acelerará el desarrollo económico de Shenzhen, una de las ciudades con mayor índice de crecimiento en el mundo. El proyecto, elegido como ganador de un concurso internacional, ha marcado un hito debido a su rapidez en las etapas de diseño y construcción, que tomaron tres años para ser concluidas. Actualmente existen más de cuarenta ciudades con más de un millón de habitantes a tres horas y media de vuelo de Shenzhen. Esta ciudad subprovincial se vuelve, entonces, una excelente locación para conformar un eje regional debido además a su ubicación: se encuentra en el extremo sur de la parte continental de China y en el margen derecho del Río de las Perlas. De esta manera, aquellos pasajeros de ciudades vecinas podrán viajar a Shenzhen como una escala con conexión a otros destinos del mundo o a otras ciudades asiáticas. El terminal de este aeropuerto, el edificio individual más grande jamás construido hasta la fecha en Shenzhen, además de


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utilizar tecnología de vanguardia, cuenta con significante espacio para locales comerciales. Este pabellón aumentará la capacidad del aeropuerto en cincuenta y ocho por ciento, lo que permitirá que hasta 45 millones de pasajeros atraviesen sus puertas. El monumental edificio utiliza el lenguaje escultórico. En este sentido, evoca la figura de una mantarraya que, a través de una serie de variaciones, se transforma en un ave, para celebrar la emoción y la fantasía de un viaje. El elemento simbólico del proyecto es la impactante doble ‘piel’, tanto externa como interna, con motivos de panal, que envuelve el pabellón. A un kilómetro y medio de distancia, estructuras de metal y vidrio, que repiten la forma de panal, y de hasta ochenta metros de altura enfatizan en la fachada, que permiten que la luz natural se filtre e ilumine el lobby. En el interior, el terminal se caracteriza por sus distintivas columnas cónicas de color blanco, que se levantan hasta el techo en una altura singular, y que emula el efecto de las catedrales. El punto focal del diseño es la explanada situada en la intersección del edificio. Consta de tres niveles —salidas, llegadas y servicios— que se conectan verticalmente con el objetivo de crear vacíos de altura completa, lo que permite que la luz natural se filtre desde el nivel más alto al más bajo. En el primer piso, la plaza del terminal permite acceder a las áreas de equipaje, arribo y llegada, así como a cafés, restaurantes, oficinas y centros de negocios. El estudio Fuksas ha creado un interior tan impactante y elegante como el exterior. El concepto espacial se basa en la fluidez, y combina dos ideas diferentes: la de movimiento y la de pausa. Considerando como vital la experiencia humana de estos ambientes, el estudio Fuksas se centró en los tiempos de procesamiento, las distancias, la facilidad de orientación, el aforo y la disponibilidad de servicios. Las características más resaltante del diseño del interior incluyen ‘árboles’ blancos —estilizados al borde del minimalismo, que funcionan como válvulas de aire acondicionado—, así como islas de check-in, puertas y áreas de verificación de pasaportes con acabados de acero inoxidable, que reflejan los patrones de panal de la superficie del techo. El panal es el leitmotiv del aeropuerto y se observa en diferentes aspectos del exterior e interior, así como en variedad de escalas: desde los locales comerciales hasta las más pequeñas marcas tridimensionales en papel tapiz. El diseño del Terminal 3 por parte del estudio Fuksas es de importancia gravitacional para el futuro de la ciudad de

Arriba. Los ‘árboles’ blancos del terminal son válvulas de aire acondicionado. Abajo, derecha. Al bajar las escaleras, se encuentra el área comercial, que incluye cafés, restaurantes, así como oficinas y centros de negocios. Abajo, izquierda. El diseño del estudio Fuksas utiliza la pulcritud del blanco y el acero inoxidable para reforzar su monumentalidad.


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Shenzhen como un destino turístico y de negocios en auge. Este proyecto llevará un sinnúmero de beneficios a la región entera. El estudio Fuksas está involucrado en dos fases futuras de extensión del aeropuerto, proyectadas a terminarse en 2025 y 2035, respectivamente. El proyecto para el Aeropuerto Internacional Bao’an de Shenzhen ofrecerá servicios de transporte de clase mundial. La segunda fase de este proyecto comprende la construcción de una explanada con tecnología de punta, con el objetivo de agregar más puertas, así como conectar un terminal satélite que estará conectado con estaciones de tren. En 2035 la tercera y última fase consistirá en ampliar el ala oeste del aeropuerto, del terminal satélite —que requerirá de la construcción de más explanadas— y del terminal principal. El material constructivo principal será el vidrio, que se utilizará tanto en la fachada como en el techo, con el objetivo de que el proyecto general tenga continuidad en el aspecto técnico. En general el estudio Fuksas persigue la perfección no solo en términos estéticos sino también en el aspecto constructivo. De esta manera se consigue aplicar la arquitectura y el diseño a los últimos avances en la ingeniería. Diseñado para lograr la máxima flexibilidad para enfrentar la impredecible naturaleza de la industria de la aviación, el proyecto del Aeropuerto Internacional Bao’an de Shenzhen resuelve los complejos problemas del viaje aéreo moderno combinando claridad espacial con altos estándares de servicio.

Sobre el estudio Fuksas El estudio Fuksas, dirigido por Massimiliano y Doriana Fuksas, es un despacho internacional de arquitectura con oficinas en Roma, París y Shenzhen conformado por alrededor de 170 profesionales, incluidos arquitectos, diseñadores, modelistas, paisajistas y diseñadores gráficos. Con proyectos construidos en Europa, Asia y Norteamérica, el estudio Fuksas se caracteriza por un enfoque innovador, así como interdisciplinario al emplear habilidades y experiencias consolidadas durante más de tres décadas a través del diseño de planes maestros, oficinas, edificios residenciales, infraestructura, centros culturales, centros de ocio, hoteles, centros comerciales, edificios públicos. Además, el despacho se desarrolla también en el diseño de interiores y de productos. Cada etapa de cada uno de los proyectos, desde la formulación del concepto, pasando por el planeamiento, hasta la construcción es llevada a cabo mediante la comunicación continua con el cliente

Izquierda. La “piel” con motivos de panal, hecha con acero y vidrio, envuelve completamente la estructura del terminal. Derecha. El estudio Fuksas demuestra que la funcionalidad puede expresarse en una estética minimalista y una estructura impactante.


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«Etiqueta Negra es un éxito editorial gracias a sus autores excepcionales, a una edición extenuante hasta la perfección y a la convicción de que no ha llegado el fin de la prensa escrita. Sólo depende de lo que en ella se escribe»


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¿La revista más bella del mundo? La hacen en el Perú —La RepubbLica, Italia. Abril, 2013—


UN LUGAR PARA LA MEMORIA Un recorrido con el joven arquitecto Jean Pierre Crousse que diseñó el Lugar de la Memoria, un museo creado para recordar los años de conflicto interno en el Perú. UN TEXTO DE ALBERTO RINCON effio fotos del archivo de jean pierre crousse

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l sistema del Lugar de la Memoria es el mismo que el del Guggenheim de Nueva York, con un recorrido a través de una rampa con salas inclinadas. El Lugar de la Memoria, construido sobre un terreno de 7,573.32 m2 está ubicado en la Bajada San Martín

con dirección al Circuito de Playas, en el distrito de Miraflores. No tendrá aire acondicionado y los visitantes minusválidos no necesitarán usar el ascensor para movilizarse por todo el espacio. Como el edificio tenía que ser austero, no hay articulación en los detaalles, y todo el inmobiliario es de color blanco, y el concreto natural. El recinto tiene una sola ventana. Se utilizaron materiales originarios del sitio, como el canto rodado integrado al paisaje con su conformación de farallones y quebradas, y elementos constitutivos, como la vegetación oriunda de carrizales. Un edificio compacto donde el suelo está a veinticinco metros con pilotes que lo apoyan. Siendo compacto, se utilizó la menor cantidad de pilotes integrándolos al cerro y al buen suelo. El material de cerramiento del edificio —paneles prefabricados en hormigón armado con cantos rodados— geometriza la materia del acantilado para convertirlo en un farallón artificial. «El edificio no podía simbolizar nada que fuese el conflicto porque la arquitectura lo que hace es dignificar al ser humano y no hacerlo sufrir. Este edificio no iba a trabajar 47


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/ P R OY ECTO S

con la memoria de los hechos, sino del lugar. Trabajando en la Costa Verde hay que seguir la misma lógica de los farallones y quebradas. Era como el último farallón que empieza en Chorrillos y termina acá. El último elemento de un sistema territorial», dice el arquitecto Jean Pierre Crousse. El edificio adquiere una dimensión territorial al formar parte de un sistema topológico de más de diez kilómetros de longitud, que parte desde el lugar del proyecto hasta el Morro Solar en el sur. El terreno es nivelado en andenes para formar un vasto espacio llamado Explanada de la Reconciliación. «Lo que hemos hecho es con las mismas estrategias de los antiguos peruanos, ¿cómo trabajas en un suelo en pendiente? Con andenes. En base a estos, tenemos acceso directo a todos los elementos: auditorio, cafetería, exposiciones, que son independientes», señala Crousse. El ingreso inicia a nivel de la Explanada de la reconciliación y de la Brecha o Quebrada. El recorrido se hace por medio de una rampa ascendente, accesible a las personas discapacitadas. La bajada peatonal entra a la quebrada aprovechando esa distancia para preparar al visitante a ver la muestra y lo aleja de lo cotidiano: ya no estás en Lima. El ingreso peatonal al edificio —la mayoría de los visitantes se desplazará en transporte público— se realiza recorriendo una falla o quebrada creada entre este y el farallón natural. El corte del cielo es el mismo que tiene en las antiguas bajadas de la Costa Verde —Isaac Rabin y De los Baños— y también reproduce los valles de la yunga, típicos del recorrido de la sierra a la costa, donde hay estos valles estrechos por atravesar. Algo así como volver a transitar por un lugar que es de la Costa Verde, pero también es de los Andes. La responsabilidad con el medio ambiente fue asumida a través de dispositivos arquitectónicos para obtener el confort acústico y visual, así como para lograr la mayor eficiencia en el consumo de agua y energía. El recorrido termina en el Lugar del Congojo, y culmina con el (re)descubrimiento del horizonte y la bahía de Lima, para luego proseguir hacia la ciudad, en caso de los peatones, o bajar en ascensor al parqueo, para las personas que vinieron en vehículos privados. «Saliendo de aquí puedes contar tu propia historia. En los tubos de la salida —focos de luz—, se pueden amarrar fotografías personales. La intención no era convertirlo en el termómetro de la memoria. Debe ser un espacio de interpelación para los que terminaron el recorrido», concluye el arquitecto Crousse. El último farallón de la Costa Verde respira y recuerda lo ocurrido en el Perú hace veinte años. El pasado será reconstruido por cada visitante de acuerdo a sus experiencias. Recordar, olvidar o perdonar será en este lugar un viaje enriquecido con un espacio ideal. La memoria está garantizada. La arquitectura ha hecho lo propio


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/ E LO G I O

Cruel Amarilli, que con me has enseñado, ¡ay de Amarilli, más pálida y que el blanco jazmín, pero más sorda y más que el sordo áspid. Puesto que al hablar te moriré en silencio .

Madrigal perteneciente al quinto libro de madrigales de Claudio Monteverdi, basado en un poema de Gian Battista Guarini.


tu propio nombre mĂ­!, a amar amargamente. mĂĄs bella fiera y mĂĄs fugaz ofendo,

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/ E LO G I O

ELOGIO AL AMARILLO U N T E X TO D E J O S É A L E J A N D R O C A STA Ñ O

D

e negro, cualquiera puede ser un buen

La teoría cromática emparenta al amarillo con la

mentiroso, un embaucador eficiente. De negro

alegría, la inteligencia y la energía. En el diseño de interiores

van los jugadores de póker y también los magos.

se lo recomienda para resaltar zonas de baja iluminación, pero

De negro se casan los novios desengañados que,

se aconseja evitarlo en los cuartos de los niños porque se cree

sin embargo, prometen fidelidad delante de un

que aviva el llanto. Ningún otro color es más notorio y por

sujeto que, cuando sale a la calle, también viste

eso con él se resaltan los botones de último recurso en los

de negro. Si el negro es el color del artificio, ¿el amarillo

paneles de trenes, submarinos y naves espaciales. Hasta las

lo es de la franqueza? Un refrán del siglo XIX advierte que

cajas negras de los aviones son amarillas.

el hombre y la mujer que se visten de amarillo se atienen

En la China antigua, el color del sol era privilegio del

a su belleza. En Medellín, una fiscal que lleva procesos

emperador, dueño él del mundo y sus riquezas. Los barrios

contra narcotraficantes cree que aquello todavía es ley.

tradicionales de Beijing, algunos con cientos de años de

Si por ella fuera, los acusados subirían al estrado de los

antigüedad, todavía se conservan grises, con techos y paredes

interrogatorios con ropas de ese color para responder a sus

del color del humo. En la Ciudad Prohibida, el barrio de los

preguntas, ojalá en una habitación resplandeciente, con

emperadores ahora convertido en postal turística, se alzan

la luz de la calle en sus rostros, sin sombras de duda. La

edificios de tejas amarillas, paredes doradas, en su interior

fiscal, de apellido Rojas y gafas con monturas de carey, cree

dragones del color del ámbar que no dejan de sonreír.

que vestido de amarillo uno está completamente solo. Ella recuerda a una mujer que limpiaba las culpas a

En los días más visitados es difícil lograr una foto de algún rincón de la enorme explanada sin que aparezca un codo,

su hijo, un hombre acusado de apuñalar a su esposa. Fue

una mano, el rostro de un intruso en tus recuerdos. Los guías

en un calabozo de la cárcel de Bellavista, una de las más

avanzan entre la multitud con banderitas distintivas, los grupos

hacinadas de América Latina, con celdas para dos mil

de turistas detrás suyo, perplejos, hechos nudo. Nadie, excepto

quinientos presos y ocupada por casi ocho mil. Era una

los súbditos más cercanos al emperador, podía vestirse de

anciana vestida toda de amarillo que le frotaba el pecho

colores, y en todo caso jamás con alguna prenda amarilla, ni

con aceite mientras murmuraba oraciones. La fiscal Rojas

un listón, ni una pluma encima. Mejor que solo matarte como

recuerda que después le puso un pañuelo del mismo color

gesto de rotunda autoridad era obligarte a vivir descolorido.

de su ropa en la cabeza y que el hombre comenzó a llorar

Allá, en un mercado de cachivaches en las afueras de Beijing,

inconsolable. Fue a mediodía de un martes trece, justo a

compré dos colibríes de hojalata, el pico bermejo, las plumas

la hora en que el mundo anda sin sombras. Si toda madre

pintadas a mano, lo único que necesitabas escondido en tu bolsillo

quiere a su hijo libre de las tinieblas, ponerle un pañuelo

para perder la cabeza en la china imperial. Hasta la gente del

amarillo en la cabeza es solo una manera de intentarlo.

común tenía prohibido sembrar flores en sus casas para evitar que

Regina Once, ex congresista y candidata a la

los pájaros, también propiedad del emperador, los visitaran. Una tarde

Presidencia de Colombia, predica el amarillo como

colgué esos pajaritos del techo, sobre las camas de mis hijas, Laura

expresión de lo divino. Ella, que es profeta de su propia

y María Alejandra, y les conté la historia del amarillo como un

secta llamada Saurología y es dueña de una fábrica de

obsequio lejano. Si todo padre quiere a sus hijas libres de la

helados con poderes curativos, dice que los asesinos nunca

mala fortuna, colgar colibríes de latón sobre sus cabezas es solo

visten de amarillo y recuerda que las camisas de Nelson

otra manera de intentarlo. Ahora un patito gigante es celebridad

Mandela, por ejemplo, solían ser del color de un día sin

en el lago del Palacio de Verano, también en Beijing.

nubes. Mientras los soldados se ensombrecen para ir a la

Se trata de la famosa escultura del artista holandés

guerra, los monjes del Tíbet, que no matan ni una mosca,

Florentijn Hofman que durante seis años ha recorrido ciudades

usan el amarillo como hábito.

de todo el mundo: Sídney, Osaka, Sao Paulo, Ámsterdam, Nueva


York. Al parecer, en ningún otro lugar provocó tanto alborozo

juró el hombre, habían encontrado su fortuna allí mismo,

como en la capital China, donde le han hecho reproducciones

de pronto, alcanzados por un rayo de la providencia.

que ya flotan en lagos y ríos. El país de las imitaciones parece

En un país cuya moneada se llama sol, la esperanza es

rendido al enorme muñeco de hule, de más de dieciséis metros

una terquedad más allá de cualquier duda, de toda

de altura e inflado con aire, amarillo por fuera y por dentro.

encrucijada, de ninguna oportunidad. En Sídney, en abril

Solo en Hong Kong se calcula que lo fotografiaron

de 2013, un coleccionista privado pagó 500 mil dólares

ocho millones de personas durante los días en que navegó

por un ejemplar acuñado en la Casa Nacional de Moneda

las aguas del Puerto Victoria, sembrado de rascacielos

del Perú, lo que cuesta un auto de película, un Ferrari 458

y los buques más grandes de los mares. «El bendito

Spider, por ejemplo, en su inusual versión amarilla.

pato no conoce fronteras, no discrimina a nadie ni tiene

Pero así como el color del sol puede representar la

connotaciones políticas. Es simpático, es de goma y tiene

resurrección, también puede matarte.

propiedades curativas, pues ayuda a aliviar las tensiones

La fiebre amarilla, la más ardorosa de cuantas puedes

del mundo», ha dicho Hofman con la alegría de un niño

contraer en el Perú, provoca treinta y cinco mil muertes

mientras chapotea en su bañera. Justo en Hong Kong, algo

cada año alrededor del mundo, la misma cantidad de

mordió al pato y tuvo que ser retirado del agua para inflarlo

hinchas que se necesitan para atiborrar el estadio del

de nuevo. Tres días después, cuando reapareció con su gesto

Alianza Lima un domingo de campeonato. Sin embargo no

risueño, la gente los aplaudió y lo vitoreó desde las orillas.

es el peor de los colores para enfermarse. La peste negra

Ninguna de las esculturas agigantadas de Hofman, entre

provoca más difuntos, y el dengue rojo, el vómito azul, el

las que están un mono en sandalias, un moscardón muerto,

escalofrío verde. De entre todos los colores en el arcoíris de

un pingüino rosa, un sapo fiestero y un cerdo que él mismo

las plagas, el amarillo sigue siendo compasivo.

bautizó Lamentable, ha provocado la avalancha mediática

En mi caso sería el color preferido para una bandera

del patito de hule. Tampoco ninguno de sus trabajos previos

contra el abuso de los rudos, estandarte de ninguna guerra

le ha suscitado pedidos para visitar ciudades tan diversas y

en serio, a diferencia del rojo, del negro, del azul, hasta del

distantes. Pero quizá todo sea culpa del amarillo, que es el

púrpura. Cuando al fin me pude ir de viaje por el mundo

color de la prosperidad.

compré un morral amarillo, ruidoso en su propósito,

Durante mi primera visita al Perú, en mitad de una

repelente, contrario a esa lógica militar que camufla y

escala aérea de siete horas, caminé desde el aeropuerto

blinda. En un mundo cada vez más miedoso, cercado de

hasta el Rímac, ese río sin corriente, de lodazales estancados

colores amenazantes, de alarmas que se encienden con el

y montañas de piedras. Me fui tras un perro de pelos ensortijados,

roce de una hoja, el amarillo todavía es advertencia, juego,

la cola larga sobre sí mismo, señalándole el espinazo. Él miraba

y en vez de asustar a veces te puede hacer reír.

para atrás cada tanto, como asegurándose de que sí fuera

En Colombia, ese país de mafiosos de telenovela, se

detrás suyo, ambos a contra corriente de los carros por

venden millones de prendas de ropa interior para usar la

la avenida Elmer Faucett. Allí en el río, a lo lejos, vi a un

noche del año nuevo porque, se supone, atrae la buena suerte.

hombre buscando algo en las aguas hediondas. Resultó que

El mandato popular ordena que la gente use aquello al revés

eran monedas de la época colonial, acuñadas en la fábrica

para revertir lo malo y encausar lo bueno. Yo prefería ponerles

de dinero metálico más célebre del mundo hispánico, para

semillas de naranja en los bolsillos a mis hijas, y de girasoles

cuya construcción se levantó un molino que giraba con las

y de uvas amarillas. Creía entonces que un puñado de eso

aguas del Rímac, en pleno siglo XVIII vivo y caudaloso.

era como un jardín, la promesa de un huerto con azahares y

Una pieza de oro en aquella colada de desperdicios era una pretensión imposible, pero fácil de ver. Ya otros antes,

colibríes. También tratándose de colores, cada quien es libre de imaginar la vida como se lo permitan sus propios delirios 53


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ I N STA L A C I Ó N

JUEGO DE

PERS PEC TIVAS FOS, un colectivo de diseñadores de interiores y directores de arte, convirtió la fachada de un restaurante madrilense en un verdadero espectáculo visual. UN TEXTO DE CARLOS FRANCO FOTOS deL COLECTIVO FOS

E

n Barrio de las Letras, a pocos pasos del Metro Antón Martín y de la calle Huertas, en Madrid, se encuentra el Rayen, un pintoresco restaurante vegetariano cuya fachada es el centro de atención de niños, jóvenes y adultos. Algunas personas se detienen frente a ella

para tomarle fotografías. ¿Qué es lo que les llama tanto la atención? Ni ellos mismos pueden describirlo bien. Solo saben que ven una luz amarilla que recubre casi toda la entrada del Rayen. Algo como una pintura que simula la luz de un foco. Algo como una cinta que aparenta ser una pintura. Algo extraño a la vista, pero que hipnotiza. Se trata de una «instalación efímera» que ha sido montada por el grupo FOS, un colectivo interdisciplinario conformado por diseñadores, directores de arte e interioristas españoles. «La instalación partió de la oportunidad de participar en DecorAcción, un evento que se realiza en Madrid una vez al año y que permite realizar una intervención efímera


55


1

3


en el Barrio de las Letras durante unos días», cuenta Piquer Susana, diseñadora y una de las fundadoras del proyecto. «Antes de definir el lugar en el que íbamos a trabajar, ya teníamos muchos proyectos en mente con varias líneas de acción abiertas. La idea de volúmenes monocolor sobresalía frente al resto, y una vez establecido el local, poco a poco fuimos desarrollando el montaje que mejor se adaptaba al espacio y al cliente. Así nace esta intervención en la fachada del restaurante Rayen», añade. En un principio, el proyecto contenía más elementos, pero Piquer Susana, Karpatsi Eleni y Julio Calvo, creadores de singular diseño, se dieron cuenta de que no era necesario incluir más objetos para generar el efecto que esperaban. Les fascinó —dice Susana— el aire minimalista que desprendía el montaje. El diseño incluye cuatro piñas dispersas en el piso de la entrada del local, muebles de jardín, una lámpara y doscientos cincuenta metros de cinta amarilla. Las piñas, el único elemento natural, funcionan como una suerte de guiño a la identidad del restaurante. «Con el uso de la cinta adhesiva pretendíamos picar la curiosidad del espectador, ya que desde el photo-point parecía que la fachada estuviera pintada, hecho que por normativa municipal era completamente inviable, y hasta que no se acercaban no veían que era cinta. Incluso nos preguntaban si habíamos pegado la cinta y pintado encima», recuerda Susana. Y añade: «Cuando contábamos el proceso, la gente se sorprendía. Conseguimos el efecto que pretendíamos lograr, y a gran escala. Estamos realmente 2

muy contentos con el resultado y la reacción de la gente»

4

1. La fachada del restaurante vegano Rayen está recubierta por doscientos metros de cinta amarilla para dar la sensación de luz. 2. Ni los niños que pasean por el lugar pueden resistirse al novedoso diseño del colectivo FOS. 3. Rayen estuvo ‘iluminado’ durante cuatro días. 4. Muchas personas se detienen para tomar fotos a la fachada del restaurante. 5. En el montaje también se usaron piñas, muebles de jardín y una lámpara.

5


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/DUPLA

DUENO DE APARTAMENTO HISTÓRICO BUSCA arquitecto que lo entienda

UN TEXTO DE Carlos Fuller FOTOS de LUIGI PESANTES

El diseñador gráfico Luis Pesantes tenía un apartamento que quería remodelar. Antes que contratar a un arquitecto, prefirió asociarse con uno, Sergio Guzmán. El resultado: una casa exactamente como se lo imaginó. ¿Es posible que un arquitecto y su cliente se lleven tan bien?


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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

N

/DUPLA

o hay manera de no verlo. Es el edificio que inicia la avenida José Pardo. El que da la cara al óvalo de Miraflores, al Parque Kennedy; la torre que se eleva justo sobre el McDonald’s. Miles de limeños cruzan la avenida Pardo todos los días y tienen su imagen en la cabeza por eso: por

ser el edificio que se alza sobre aquella sucursal de comida rápida. O porque justo en su base se encuentra el Cine El Pacífico. De hecho, el edificio tiene un nombre y es justamente ese: El Pacífico. Así se le bautizó por el año 1957, cuando se inauguró como la obra del arquitecto Fernando de Osma. Un año después, ya ilustraba la portada de la histórica revista El Arquitecto Peruano. Por lo distinto, por lo alto, por la céntrica ubicación. En el corazón de Miraflores; ahí donde se unen las avenidas Arequipa, Diagonal, Larco, Ricardo Palma y Pardo. Veintiún apartamentos; de dos a tres dormitorios cada uno, con sala/comedor y cocina. A mediados de 2012, el diseñador gráfico Luis Pesantes compró uno de esos apartamentos: el número 502. El día que se lo vendieron, el propietario viajaba a Francia y estaba tan apurado que se lo dejó con todo. Con sillones e incluso con un comedor familiar. El apartamento lucía tan tradicional como su historia. Con secciones divididas por paredes, un ambiente para la cocina, otro distinto para la sala y el comedor. Hoy, mientras Luis Pesantes muestra su nueva casa, no se topa con una sola división. Camina con libertad entre el escritorio con su Mac, el PlayStation de su hijo y la cocina con la olla repleta de arroz chaufa. Junto a él está Sergio Guzmán, su socio, el arquitecto que aceptó asociarse con él para remodelar su apartamento. —Somos como esposos— bromea Guzmán. Luego cuenta que tenían una amiga en común. También cuenta que este es el primer proyecto en el que han trabajado en colaboración con sus respectivas agencias. Pero que no es

Que Sergio Guzmán y Luis Pesantes franquearan más de

el único ni será el último. Sucede mucho que en los trabajos

quinientos kilómetros de distancia y se conocieran fue producto

creativos exista un choque de egos: un arquitecto que quiere

de los mismos intereses. Como diseñador, a Pesantes siempre le

imponer su idea, un cliente que quiere demostrar quién es

había rondado la idea de realizar un proyecto con contenedores

el que paga. Nada de eso ocurre acá. Esta no fue una relación

o recipientes de carga. Tenía la intención de utilizarlos como un

arquitecto/cliente. Este apartamento histórico cambió de cara en

espacio para algo. Alguna vez, Pesantes se lo contó a una amiga,

complicidad. Como dos amigos a los que, en verdad, les interesa

quien le respondió que ya se habían hecho antes. Fue en 2008. Méctamo había desarrollado un prototipo de

hacer algo juntos.

laboratorio móvil para un proyecto promovido por la Universidad

*

Cayetano Heredia, el MIT de Boston y el Imperial College de Londres. La idea era que este contenedor móvil pudiese ser

Méctamo: La agencia de arquitectura y diseño industrial de la que Sergio Guzmán es director. Xtudio: La agencia de diseño gráfico y consultoría de imagen de la que Luis Pesantes es director.

trasladado alrededor del país para tratar la tuberculosis. Fue entonces que Pesantes supo de Sergio Guzmán. Eventualmente los presentaron y conocieron sus respectivos trabajos. Luis Pesantes se pasa la vida entre Lima y Trujillo. Cuando

Méctamo tiene su sede en Lima.

decidió comprar el apartamento del edificio El Pacífico tenía dos

Xtudio en Trujillo.

cosas en mente. La primero era tener un lugar en Lima para su hijo


y, eventualmente, para él mismo. La segundo era que tanto su

la luz de las altas ventanas. A la espalda de los muebles hay

hijo —Luigi, oficio: fotógrafo— como él tuviesen un lugar donde

un televisor y el Play Station de Luigi Pesantes. Sin ninguna

pudieran trabajar en sus respectivas profesiones. Dos directrices:

puerta de por medio, uno puede llegar caminando hasta la

familia y trabajo. Y para hacerlo no pensó en contratar a un

lavadora y secadora o hasta la cocina. Aquí, en la cocina, es

arquitecto. Pensó en asociarse con alguien que lo entendiese. Pensó

donde ahora conversan:

en el hombre de los contenedores: Sergio Guzmán. Porque había cierta empatía, cierta manera de ver las cosas. Resolvieron realizar ese primer proyecto bajo una sola firma: Xtudio/Méctamo. El resultado es este: al abrir la puerta principal uno se topa

Pesantes: Teníamos la idea de crear un lugar en el que se pudiese ver televisión y, a pocos metros, poder pensar. Guzmán: Eso responde a la manera en que Luis quería vivir y a la tarea de encontrar las capacidades reales del espacio.

con una especie de llanura bajo techo. Un gran espacio sin

Para ello desmontamos todas las paredes y empezamos

divisiones. No se entiende si es una sala, un comedor, un estudio,

desde cero, entendiendo que en cincuenta o sesenta años

una cocina o una lavandería: es todo al mismo tiempo y es

las formas de vida han cambiado muchísimo. Fuimos

nada. El usuario se encarga de definir lo que allí se hará. Muy

recomponiendo las separaciones entre los ambientes

cerca de la puerta está el escritorio con la Mac de Pesantes y,

tomando en cuenta las necesidades reales de Luis y Luigi, y

a pocos metros, una pared blanca donde su hijo puede montar

fuimos descartando las separaciones que no eran necesarias.

y desmontar su estudio. Al guardar el equipo fotográfico ese

Casi todas en realidad. Con el ejercicio quedaron expuestas las

mismo espacio se transforma en un área social, con muebles y

texturas originales de la obra. 61


Pesantes: Y no solo eso. Para mí era muy importante poder

El resultado los dejó satisfechos a ambos y los llevó a trabajar en

ver la cocina. Se lo conté a Sergio. Vengo de una familia grande

un segundo proyecto, también asociando a sus dos agencias.

de provincia y la cocina ha sido el lugar donde siempre hemos

Se trata de un bar de vinos llamado Bartolomé, en Trujillo. Realizar

estado. Era como la tiendita de la casa. De alguna manera quería

ambos proyectos implicó que se viesen todos los días de la semana.

que eso estuviese también presente. Poder ver la olla y el chaufa

Y cuando no podían, se conectaban al Skype. Hoy están juntos, uno

preparándose.

al lado del otro, observando el apartamento del edificio El Pacífico.

Esto lo dice Pesantes mostrando el interior de la olla de

Guzmán: Me ha pasado muchas veces que no he coincidido

arroz chaufa de su cocina. Luego pasa al baño para mostrar a

con mis clientes. Con Lucho ha sido lo contrario. Todo ha

Guzmán las cortinas que logró conseguir a través de internet.

madurado sanamente, hemos conversado, hemos seguido

Son transparentes y de silicona, como las de un carnicero.

conversando y generalmente hemos coincidido.

El día de su primera reunión para lanzar ideas hablaron

Pesantes: Y todo parte por tener una misma forma de ver las

de aquellas cortinas y los demás materiales que utilizarían.

cosas. Recuerdo la primera vez que fui a la agencia de Sergio,

Coincidieron en el fierro, la madera y el tipo de mayólicas.

en Lima. Yo aún no lo conocía mucho. Pero apenas entré,

Decidieron aprovechar las ventanas que van del piso hasta el techo

me sorprendió, era igualito a mi estudio en Trujillo. Hasta le

y en otros lujos que venían con el departamento. Mostrar todo el

tomé una foto a escondidas y se la mandé a la gente con la

sistema eléctrico a través de tubos expuestos que recorrieran la

que trabajo allá. Desde ahí partió todo. Ese tipo de cosas no

casa. Iban juntos a comprar los materiales al centro de Lima.

pasan por casualidad 63


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ ES PA C I O FAV O R I TO

UNA CASA UNARQUITECTO TRES ARTISTAS UN PROPIETARIO [con buen gusto] ``````] ]

un TEXTO DE Walter VAsquez López FOTOS de Sorrentino y Salinero / Phoss

En la conjunción de arquitectura, diseño de interiores y el trabajo con artistas, se puede encontrar la fórmula perfecta para lograr un espacio que, sin dejar de ser una casa, se transforma en algo parecido a una galería de arte.


65


U

na casa es el templo de nuestro mundo interior.

Se decora una casa para evitar el aburrimiento o para

El diez de diciembre de 2013, el empresario Jorge

causar una buena impresión en las personas que la visitan.

Quiroz Starke me abrió la puerta de su templo

Pero Jorge Quiroz lo hace para decir algo. O para sacar lo que

en La Molina, un distrito acomodado de Lima, y

tiene dentro y compartirlo. Estas esculturas y los cuadros de

me mostró el mundo de ficción en el que lo ha

las paredes podrían ser una manera de materializar aquello

convertido. Después de pasar varios años estudiando

que tanto le merodea la cabeza. Estar sentado en la sala,

el bachillerato y una maestría de finanzas en Estados Unidos, Quiroz

como lo estaba yo, era casi lo mismo que estar en su mente.

volvió al Perú para conseguir un empleo y tener una familia. Hoy,

Conocer su mente. Perderse en su mundo. La sala es el lugar

aunque esté casado y tenga dos hijos, su familia es mucho más

de la casa donde se concentra, en mayor medida, este mundo

numerosa: desde hace cuatro años, unos personajes gordos del

de fábula. Pero Quiroz no puede hacerlo solo. Cada tanto se

tamaño de una marioneta habitan los rincones de la casa como

reúne con Marcelo Wong para conversar de sus obsesiones

inmutables guardianes de sus vidas. Mientras los niños juegan en

y, de la mano del artista peruano, crear estas obras que no

la sala o en el inmenso jardín, estos hombres en diminuto, junto

rompen con la armonía de la casa. Al contrario: la potencian.

con Quiroz y su esposa, son los únicos testigos privilegiados de su

Los lienzos combinan con los muebles y las esculturas de los

crecimiento. Desde la fachada, a través de una ventana, se puede

hombrecitos gordos calzan perfecto con el ambiente en el

ver una escultura del artista Marcelo Wong en una repisa a la altura

que están. Por ejemplo, en la cocina hay un pequeño chef que

del techo: un pescador y, a su lado, otro hombre zambulléndose en un

sirve un corazón en una bandeja. Esta escultura de alguien

mar imaginario. Pero en esta casa no solo hay hombrecitos hechos con

que cocina amor podría ser una representación de Karina de

resina de vidrio, sino también hay peces y corazones por todas partes. En

Quiroz, la esposa de Jorge, que es chef, y es la que aporta la

menos de cinco años, Jorge Quiroz ha revestido el interior de su casa

cuota de cariño y dulzura. Todos participan en esta gran obra

como un cuento fantástico para expresarse a sí mismo.

de arte que es la casa de Quiroz. Al final, el resultado son


muñecos y cuadros —que ilustran a estos mismos muñecos

Para lograr este efecto de unidad, se decidió que el eje

en medio de estrellas, corazones y peces— con un poco del

central sería lo lúdico. Los pescadores, nadadores, estrellas y

talento de todos. «Se establece no solo una comunicación

aves que se ubican en todas partes hacen que al caminar por

entre nosotros (los miembros de la familia) y el artista, sino

la casa uno sienta una atmósfera ligera, de bienestar. Casi

también un diálogo entre este y la obra», dice Quiroz acerca

como estar albergado en un mundo que nos fascina y al mismo

de cómo se ha trabajado esta suerte de proyecto en conjunto

tiempo nos hace sentir seguros. Para poder causar este

y en privado.

efecto, se ha prestado atención al más mínimo detalle: tanto

No solo Marcelo Wong se ha apoderado de la casa para

en la sala como en la cocina y el comedor, destacan unas

traducir el mundo de Quiroz, sino también han intervenido el

repisas triangulares diseñadas por Nicolás Wong, así como

artista Aldo Shiroma e Isabelle Decenciere. Quien diseñó la casa

los gorditos cocineros de su hermano en pintura y escultura,

fue Nicolás Wong, hermano de Marcelo. Todo aquí está pensado en

ubicados estratégicamente para que acompañen a todo aquel

conjunto para hablar en un solo idioma: el lenguaje del arte. Aunque

que entra al espacio. Al subir por la escalera, dos esculturas

Quiroz siempre ha tenido una inquietud artística, fue el azar lo que

talladas en madera por Aldo Shiroma cuelgan del techo. Este

desencadenó esta historia de muñecos gordos. Un día, en un evento

lugar no había sido imaginado así. En un principio se planeó

social, conoció a los hermanos Wong. Así empezó todo, como sin

colocar unas esculturas de aviones, pero estas interrumpían al

querer. En un inicio la idea era decorar las habitaciones de los

caminar y limitaban la libertad necesaria para sentirte a gusto

niños —Andrea, de diez años, y Matías, de ocho—, pero poco a poco

en tu casa. Ese, evidentemente, no era el efecto que buscaban. Se

se fue extendiendo al resto de la casa. Pronto Aldo Shiroma, quien

reformuló el proyecto, y ahora se puede ver un uso maestro de la

colabora con ellos hasta ahora, se unió al proyecto, y lo mismo hizo

interrelación de la escultura con su espacio.

después Isabelle Decenciere. «Nos llevamos tan bien que sin darnos cuenta ya habíamos decorado la casa entera», recuerda Quiroz. Cuando conoció a los hermanos Wong, ellos aún trabajaban

«Con Shiroma hay una colaboración más activa. Conversamos mucho, y a medida que avanza la idea, la bocetea», cuenta Quiroz. Esta colaboración se hace mucho más evidente

juntos en una oficina, y sus conversaciones solían terminar

en su estudio, y es posible que se deba a que Shiroma trabaja

en una larga discusión en la que las ideas fluían de forma

solo una pieza a la vez. Diseñado como una extensión de

espontánea. Esta relación de amistad condujo a la realización de

su oficina, predomina aquí, a diferencia del resto de las

obras con un mayor conocimiento de su finalidad y su relación con

habitaciones de la casa, el trabajo de este artista, pero va más

la familia por parte de los artistas.

allá de una simple colección de obras. El diseño busca darle una

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Se decora una casa para evitar el aburrimiento o causar una buena impresión en las personas que la visitan. Pero Jorge Quiroz lo hace para decir algo. O para sacar lo que tiene dentro y compartirlo.

función específica a las esculturas: por ejemplo, un oso polar que sostiene los auriculares de la computadora. Además de las obras de Aldo Shiroma, predominan las formas geométricas que emplea la compañía danesa Bang & Olufsen, especialista en diseñar reproductores de audio y video. La elegancia y atemporalidad de estos artefactos se consigue mediante el uso de formas geométricas elementales de colores primarios, llegando casi al minimalismo. Como todo en la casa, se pretende encontrar en estas obras una funcionalidad específica: sus parlantes cuentan con tecnología inalámbrica, brindan sonido de gran calidad y hasta pueden sincronizarse con productos Apple. Es por esta búsqueda permanente de mejoras en el diseño y en la calidad de sus productos que Bang & Olufsen es una de las marcas favoritas de Jorge Quiroz. A través de un vestíbulo en el que se observan productos comprados en Dinamarca —país al que Quiroz viaja


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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ ES PA C I O FAV O R I TO

continuamente por trabajo—, llegamos a las habitaciones de sus hijos. Para la decoración se respetó el concepto propuesto por

de la tina, acompañante ideal para tomar un baño relajante. La voluntad de ver el diseño de interiores como producto de

cada uno de ellos. Les dijeron algo así como ‘hijos, diseñen

la colaboración entre artistas se traslada también al jardín, que

su propio cuarto’. Isabelle Decenciere, con su particular

parece en sí mismo un gran cuadro. El paisaje es este: un inmenso

estilo que linda con la ilustración, continúa la estética

campo con árboles y un bloque celeste, la piscina, que se ve

lúdica con una pintura de Spiderman en el cuarto de Matías

interrumpida por una gota roja que resalta a la vista. El personaje,

y dos retratos de emperatrices en la habitación de Andrea. La

una vez más, es un gordo de Marcelo Wong, que en este caso

decoración de estos dormitorios fue algo especial. En realidad el

sostiene un corazón en lo alto. En los días de verano, mientras la

proyecto comenzó con estos espacios. La idea era decorar para que

familia se baña en la piscina, este hombre obeso parece observarlos,

sus hijos se sientan cómodos y puedan descansar tranquilos: un

como un integrante más de la diversión entre padres e hijos.

lugar adornado para tener dulces sueños. En el cuarto de Quiroz y su esposa los ventanales crean

La casa de Quiroz nos demuestra que la sinergia entre artistas y clientes, a través de una comunicación continua, puede dar como

un ambiente cálido, que permite el ingreso de luz –un motivo

resultado una gran obra que expresa la personalidad de cada

recurrente en toda la casa–, así como por los tonos intensos en

uno de los miembros de la familia. Esta casa es un manifiesto

los detalles. Esta calidez de hogar la refuerza una escultura de

creado en conjunto. Una historia de la imaginación familiar. A

Marcelo Wong en el baño principal que otorga el toque recreativo, al

Jorge Quiroz siempre le interesaron las historias. Pero en vez de

representar a uno de sus gorditos sostenido de una escalera encima

escribirlas, ha preferido contarlas en las paredes de su casa


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P E R S O N A J ES

LA diseñadora QUE HACE ALFOMBRAS como obras de arte La diseñadora y empresaria textil Nani Marquina hace alfombras que son dignas de colgarse en una pared. En su paso por Lima conversamos con ella.

UNA ENTREVISTA DE LIZZY CANTU

C

uando era niña, Nani Marquina quería ser como su padre. En aquella época franquista las otras chicas de su colegio en Barcelona querían ser enfermeras, médicos, ingenieros. Ella no. La hija de Rafael Marquina —un arquitecto que inventó

un juego de aceitera y vinagrera que no goteaban y que todavía hoy se usa por toda España— quería ser diseñadora. En aquella época gris el diseño era todo industrial: «Lo que funciona se vuelve hermoso», diría Rafael Marquina en una entrevista a El País. A Nani Marquina le encantaba ver a su padre volver del trabajo con vasos que no necesitaban pero que eran diferentes a todos los demás. Con el tiempo, aquella niña de ojos curiosos se convertiría en una pionera de las alfombras de diseño contemporáneo. Hoy ha lanzado colecciones en colaboración con los diseñadores Eduardo Chillida —alfombras en beige y negro intenso que traducen y amplían los trazos del artista—, Óscar Tusquets —una pieza redonda en marrón y beige que imita a la luna— y con Milton Glaser, el legendario diseñador gráfico del logo I

NY. Una paradoja: en 1974, cuando tenía

veintiún años y estaba recién casada, la futura empresaria descubrió que tenía asma. Su médico ordenó que sacara la moqueta de lana verde que cubría todo su apartamento. Su padre ofreció regalar a la joven pareja la instalación del parquet. Trece años después empezó a diseñar y fabricar alfombras ciento por ciento lana neozelandesa. «Cuando la gente me pregunta, ‘¿por qué alfombras?’ yo digo que es


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A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P E R S O N A J ES

como para llevar la contradicción al límite», responde y da un sorbo a una copa de champán la presidenta de la Asociación de Diseñadores Profesionales durante la presentación de su marca en Lima Modern, en San Isidro. Viste un saco de terciopelo, blusa suelta de gasa, pantalón pitillo —todo en negro— y unos Oxford exquisitos que parecen hechos de acero inoxidable. Al cuello una bufanda a cuadros de colores que recuerda una de sus alfombras más queridas y que aún hoy conserva en el catálogo. Una alfombra de diseño es en sí misma una contradicción: un objeto hermoso hecho para pisarse. En el desierto, donde aparecieron por primera vez, las alfombras son casas en sí mismas: delimitan el espacio, aportan calor y refugio en medio de la aridez. Nani Marquina es una arquitecta de objetos de lujo respaldados por la etiqueta Care & Fair, una iniciativa europea para proteger el comercio justo de alfombras fabricadas en países en desarrollo. La diseñadora pasa diez días de cada mes viajando por todo el mundo buscando inspiración y materiales, promoviendo su marca y supervisando la producción. En noviembre de 2013 llegó por primera vez a Lima y conversamos con ella.

¿Qué debería ser una alfombra contemporánea? Debe aportar algo que hasta ese momento no se estaba haciendo, y no solo con el dibujo. Nosotros lo hemos hecho con las texturas. Hasta ahora no se habían hecho texturas, y nosotros, a través de nuestro trabajo, nuestro diseño, aportamos la textura.

Es una suerte de contradicción, pisar algo tan lindo. Las cosas son para usarlas. Hay muchos tipos de casas, pero hay aspiradores. Hay gente que dice: «Hombre, pero si son tan bonitas, mejor hay que ponerlas en la pared». Pero sobre todo son alfombras que están pensadas para estar en el suelo.

Si están diseñadas para ser utilizadas, debe ser muy importante no solo el diseño, el color, la textura, sino también que perduren en el tiempo. Para nosotros las alfombras son algo que se regala de padres a hijos, con valor de artesanía. Pero queda un poco desfasado con lo que nosotros llamamos el diseño contemporáneo o el estilo de las casa contemporáneas que no pueden ser eternas, porque hay tendencias que acaban diciendo que algo ya no funciona, estamos en este mundo del consumo que habríamos que planteárnoslo todo. Dentro de diez años, quince años, vas a decir: «Bueno, esto no es lo que quería. Hay otras tendencias, esto ya no es lo que quiero para mi casa». Nuestras alfombras sí, pueden perdurar, pero también tienen una carga muy contemporánea. Nosotros tenemos alfombras que tienen veintitantos años.


Para nosotros las alfombras son algo que se regala de padres a hijos, con valor de artesanía. Hay gente que dice: «Hombre, pero si son tan bonitas, mejor hay que ponerlas en la pared». Pero sobre todo son alfombras que están pensadas para estar en el suelo

¿De las que se hacían en la primera época? Sí. En mi despacho, en mi equipo me dicen: «¿Por qué no volvemos a editar alfombras de aquel momento?» Bueno, porque el diseñador siempre tiene ideas nuevas, por qué vamos a ir a buscar ideas de hace años.

Con las alfombras empezaron en los ochenta En 1986, 1987. Al principio las hacíamos todas en España con un sistema mecánico, muy industrial. Teníamos muchas dificultades a nivel de diseño y estaba la limitación de los colores, no se podían utilizar relieves, no se podía innovar. Tenía que ser simplemente con el dibujo. Entonces esto nos llevó a buscar artesanía y por casualidad fue la India. A partir de aquel momento empezamos a hacer un trabajo distinto, utilizando diferentes alturas de pelo, volumen, pero siempre con piezas que se colocaban en el telar a medida que se iba tejiendo, texturas.

¿Esta innovación es algo que habían pensado en hacer o fue a raíz de observar los métodos en la India? Yo creo que nunca tienes una idea de lo que quieres hasta que lo haces. El diseñador debe estar muy abierto. Yo nunca tuve una idea preconcebida, pero sí sabía que había una situación de límite. El diseño —que es la innovación, que es transformar— había llegado a un punto en que aquello era imposible. Sabes que tiene que hacer algo más y ves lo telares y tu cabeza empieza a pensar algo más, cómo puedes aplicar cosas a algo que tradicionalmente toda la vida se ha hecho de una manera, cómo puedes incidir en esta transformación con una idea. Es recuperar lo que existe para transformarlo, no hay una idea anterior, sino simplemente de una manera intuitiva, cuando se teje, esto que le llaman inspiración.

A veces la inspiración es un accidente Más que de accidentes, me gusta hablar de observación; es una intuición, una fase de la ideas. 75


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P E R S O N A J ES

Hay una tendencia ahora de que el diseño sea sustentable y en muchos casos es solo un asunto de marketing. ¿Cuál es el caso de ustedes? Siempre hemos trabajado con materiales naturales. Además tenemos una alfombra hecha con un material reciclado. Yo siempre aclaro que con ella no solucionamos nada, pero es como un mensaje que incluso una alfombra se puede hacer con material reciclado. Está hecho con cámaras de aire de bicicleta que se cortan y se convierten en un ovillo de hilo grueso y duro. Es totalmente reciclado. Y hemos hecho una colección con esto.

Debemos tener cosas que equilibren el exceso de tecnología que utilizamos. Es importante procurar rodearse de productos muy naturales. La tecnología está bien pero hay que balancear con otro tipo de fibras y tejidos.

¿De dónde viene esta idea? Es un ejemplo de la típica idea de ‘hagamos un material en las alfombras que no sea el tradicional, que no sea la lana’.

cerca de la frontera, porque ahí los artesanos afganos hacen

Buscamos e investigamos materiales y al final elegimos caucho.

mejores alfombras. Creo que esta manera de encontrar sitios es lo que nos ha diferenciado. En Europa ahora son muchas las

¿Cuál es el equilibrio entre la elegancia y la innovación del diseño y el cuidado del medio ambiente?

empresas que se dedican a hacer alfombras y ninguna produce en

Debemos tener cosas que equilibren el exceso de tecnología

tres o cuatro años, y nos alojamos en casa del proveedor porque

que utilizamos. Llegas a casa y ves el televisor, en la cocina el

en el hotel que nos habíamos alojado había habido un atentado.

Pakistán. Estuve antes de lo de las Torres Gemelas y he vuelto hace

microondas. Por eso es importante procurar rodearse también de productos muy naturales. La tecnología está muy bien pero hay que conseguir un balance con otro tipo de fibras y tejidos.

¿Más allá de lo obvio cuál ha sido la principal dificultad de trabajar en India, Bangladesh, Nepal? Nosotros exigimos calidad: se trata de un producto artesanal pero todo lo que está en el catálogo tiene que ser igual porque eso es lo que busca el cliente. Cada alfombra tiene su medida, tiene su rigor. Entonces conversamos con los artesanos sobre lo que nosotros entendemos por calidad: no es solo que sea gruesa, sino que cada pieza se apegue al diseño. Si se trata, por ejemplo, de un color crudo no es igual que tire a rosa o que tire a marrón.

¿Cómo se aseguran de transmitir eso?

¿Cuánto tiempo estuvieron ahí? Estuvimos una semana, visitando, viendo cómo se hacía, porque nos gusta tocar las cosas, saber quién lo hace, cómo lo hace. Forma parte de nuestro trabajo y creo que es importante que lo conozcamos.

¿Cómo fue su primer viaje a la India en los ochenta? Nosotros vamos con los artesanos y llevamos nuestros diseños. En la India son productores textiles mundiales que tienen una mentalidad de artesanía de trabajar con las manos, pero que tienen organizaciones, estructura para exportar. También era una cuestión de adaptabilidad. Pedimos prototipos de prueba, y hay gente que no quiere. En India entienden, tienen la paciencia para entender lo que quiere un cliente y luchar por él.

En este momento tenemos un proyecto en el que una persona de nuestra empresa se va a mudar ahí durante un año para enseñarles, transmitirles lo importante que es esta perfección en cada pieza.

¿Cuánto personal conforma el equipo?

¿A qué obedece venir a Sudamérica, y a l Perú en particular? He aprovechado el viaje con la Cámara de Comercio a los premios IWEC [International Women’s Entrepreneurial Challenge] para mujeres emprendedoras. Esta es la quinta

Somos pocos, veinticinco. La mayoría en Barcelona pero en Nueva York

edición y este año se celebraba aquí en Lima. Y yo me decía

hay dos personas y uno en India. Ya no tenemos fábrica. Escogemos cada

‘esto tiene que ser los premios, Machu Picchu y venir a ver’

proveedor, cada fabricante, cada artesano, según el producto.

porque aunque me encanta viajar, nunca había estado en el Perú ni en Machu Picchu, y para mí era como un sitio mágico desde

Pakistán no es un sitio fácil. ¿Cómo sortean la coyuntura, la situación de violencia?

muy jovencita. Tenía muchas ganas de visitarlo. Como viajo y

El artesano que trabaja con nosotros en Pakistán no habla inglés

interesado mucho la manera de tejer y el respeto por las cosas de

sino urdu. Es difícil pero es el éxito de nuestro trabajo.

la tierra, el uso de plantas al teñir. Para nosotros el color es muy

En Pakistán he estado tres veces y dos en la zona más conflictiva,

importante. Además estamos abriendo mercado aquí en el Perú

trabajo mucho, no tengo tanto tiempo de visitar. En Cusco me ha


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/DUPLA

UNAPAREJA DEARTISTAS QUESEINSPIRA EN LO ANCESTRAL TEXTO Y FOTOS DE ARCHIVO. ESTRELLA JIBAJA Y COQUE ANDRADE FOTO RETRATO de Sorrentino y Salinero / Phoss

Coque Andrade y Estrella Jibaja, una dupla de diseñadores industriales, reinterpreta nuestra cultura en productos específicos: una mesa que imita una zona arqueológica, un portarretrato en forma de huaco, un estante que simula una apacheta. Su proyecto pretende combinar la estética de un objeto con su funcionalidad, al mismo tiempo que busca darle una mirada nueva y universal a nuestra herencia cultural.


79


aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

APACHETA Contexto.

La palabra ‘apacheta’—que proviene del

quechua— se refiere a un montículo de piedras sobrepuestas,

peculiar geografía andina, convirtiendo así a la Apacheta en un monumento personal, un hito propio, inamovible, místico.

colocadas una sobre otra, en forma cónica ascendente. Esta costumbre ancestral cumple la función de ser una ofrenda,

Experiencia.

En los viajes por el Perú quizá hayamos visto

ya sea a la Pachamama, a los Apus o a otras divinidades

una o varias apachetas sin darnos cuenta, o quizá no les hayamos

que forman parte de la cosmovisión andina. Son los

prestado atención por falta de conocimiento sobre las costumbres

viajeros quienes las ofrecen, buscando estar en armonía

andinas. Fue nuestra fascinación por lo nacional y las caminatas

con el entorno o como buen augurio para el camino aún

por algunas zonas del país, que nos llevó a cruzarnos con las

por recorrer. Las apachetas son emplazadas casi siempre

apachetas. Entonces tuvimos la necesidad de realizar la ofrenda,

en las zonas intrincadas o difíciles de los caminos de nuestra

hacienun cúmulo de nuestras propias expectativas de la vida.


Proceso y Concepto.

Conocer la apacheta nos

inspiró para utilizar este concepto en nuestra propia casa. Partiendo de la idea de «dejar una piedra en el camino», como buen augurio para nuestro viaje, era importante trasladarlo a nuestro hogar, de tenerlo en nuestro departamento, y convertir el espacio en un santuario personal. Es así como surge la idea de representar este monumento como un estante, de varios niveles ascendentes y en sobreposición, como piedras con vida propia que contienen nuestras pertenencias, que ordenan nuestros objetos personales.

IZQUIERDA (*) Fotografías de apachetas encontradas en un camino inca, en la ciudad del Cusco, que sirvió como primera fuente de inspiración y referencia visual. (**) Serie de bocetos y esquemas del proceso de desarrollo del producto. Para lograr el mejor modo de representar la apacheta, se prueban diferentes opciones de composición y conformación de la piezas. DERECHA Producto final: Estante Apacheta, versión en blanco. 81


aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

HUACO-Retrato Contexto.

La cultura Moche —que se ubicó en la costa

Experiencia.

En nuestra formación como artistas hemos

norte del Perú— fue una cultura preincaica de maestros alfareros

tenido la suerte de pasar largas horas en el Museo Larco (Rafael

que desarrollaron los huaco-retratos. Son vasijas ceremoniales, de

Larco Hoyle), que tiene una excelente y amplia colección de

tipo escultórico y estilo realista. Se buscaba representar a la figura

huacos de esta cultura. El realismo de sus rostros es realmente

humana, con retrato de rostros, y en algunos casos a personajes

sorprendente y lleva a preguntarte cómo sería un huaco, en la

antropomorfos y religiosos. Este tipo de piezas presentan diferentes

actualidad, que pueda representarme. Un rostro con esas formas

formas exteriores, según sus fases de evolución a lo largo del tiempo;

disímiles que posea tus rasgos y tu expresión.

las hay como cántaro, vaso y botellas con asa estribo o gollete y asa puente. El cuerpo con base plana es el espacio donde se ubica la representación escultórica del personaje retratado.

Proceso y Concepto.

Partiendo de esta idea, se

desarrolló un producto que sea una versión simplificada y actual


del huaco-retrato. Se reinterpretaron las siluetas características de las piezas moche y se ubicó en la parte central un espacio para poder colocar una fotografía. Como parte del proceso, partimos también del concepto de los retratos que tenemos en casa. Nos gusta tener un lugar especial, una especie de altar para colocar allí las fotografías de nuestros seres queridos, de nuestras familias. Al igual que los moche, tenemos una fascinación y una devoción especial por los rostros. Es nuestra forma de hacerles un culto especial, distinto. A un estilo que, si bien no es propio, sentimos que nos pertenece porque forma parte de muestra historia.

IZQUIERDA ((*) Fotografía de un Huaco Retrato de la cultura Mochica. (**) Dibujos del proceso de diseño de los portarretratos. Se exploran diversas formas y opciones, además de medidas exactas y simetría del objeto. (***) Grupo de prototipos de la serie de los portarretratos. DERECHA Objeto final: los portarretratos moche, colección de colores. 83


aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

Mesas MORAY Contexto.

Moray es un bello espacio arqueológico, ubicado

(Tahuantinsuyo). Para algunos es considerado el primer laboratorio

cerca al poblado de Maras, a unos treinta y ocho kilómetros de la

agrícola desarrollado por los incas y considerado una muestra más

ciudad del Cusco. Son varios grupos de composiciones de andenes,

del inigualable legado cultural que tenemos como peruanos.

perfectamente construidos en forma de anillos y secciones de círculos concéntricos, a manera de amplios anfiteatros. Se cree que su principal

Experiencia.

Visitar Moray y caminar por sus impresionantes

función era, a través de sus diversos niveles y graderías, lograr las

andenes y terrazas nos cautivó: de inmediato quisimos desarrollar

condiciones climáticas idóneas para poder explorar, experimentar

un producto inspirado en él y que, al mismo tiempo, lo represente.

y entender los diferentes microclimas representado en sus niveles, y

Su grandeza y la sensación de ser un extenso espacio distribuido

poderlos utilizar como modelo para calcular así las producciones anuales

y repartido con geométrica precisión fue estímulo suficiente para

derivadas de sus cultivos en las diversas partes del Imperio Incaico

incluirlo en el proyecto como concepto a desarrollar.


Proceso y Concepto.

Decidimos hacer un grupo de tres

mesas (nesting tables) que acentuaran la importancia del conjunto, una composición partida para representar los diferentes niveles y graderías, con ritmos constantes y repetidos, mostrando así la belleza de la geometría circular. Las superficies de vidrio, integradas como áreas de apoyo, combinan la obvia necesidad de funcionalidad con la experiencia de contemplar esta ruina en diminuto. Parte del concepto es reproducir la sensación de estar frente a una mini maqueta topográfica ubicada en medio de tu sala, que forme parte de tu casa. Un pedazo del Perú en algún rincón del lugar que habitas.

IZQUIERDA (*) Fotografías del sitio arqueológico de Moray, en diferentes meses del año. (**) Prototipos y pruebas de materiales como parte de la revisión del producto diseñado. DERECHA Fotografía del set de tres mesas Moray en blanco. Al ser «nesting tables» encajan una debajo de la otra, logrando ahorrar espacio. 85


UNA ESCALERA CON UNA SOLA MISIÓN: SALVARTE LA VIDA

MARCO DE ENTRADA

PANTALLA QUE IMPIDE LA VISIBILIDAD HACIA EL VACÍO

ENTRADA

CABALLETE DE BASE

CORREAS DE SOSTÉN

TELA DE DESLIZAMIENTO

UN TEXTO DE EDUARDO VIVANCO

H

CAPA PROTECTORA EXTERNA

oy Lima parece un bosque de edificios. El concepto de ciudad moderna ha traído consigo la construcción

CÁPSULA DE SALIDA

de edificios altos, muchos de los cuales han sido hechos con los parámetros exigidos de acuerdo a REATAS O ASAS

la normativa. Pero no es el caso de todos. Existen

edificios en esta ciudad que han vulnerado las normas básicas de seguridad para construir y habitar un espacio. Uno de los mayores problemas de las construcciones antirreglamentarias, entre las que se encuentran los

SALIDA

COLCHÓN DE GOMA ESPUMA

edificios antiguos y aquellos que se ubican en el centro histórico, es que nunca se construyen con dos escaleras.

la vida en un incendio es la «MANGA DE DESCENSO». Una

Siempre con una. La escalera ausente en casi todos los edificios

opción válida para salvar vidas humanas, que entre sus

modernos es la llamada ‘a prueba de humos’, creada para

innumerables ventajas también se queda permanentemente

evitar victimas mortales por asfixia en casos de incendio.

instalada y guardada para su utilización. Está hecha de material

Este tipo de escaleras deben ser continuas del primer

poliéster anti inflamable, reduce el tiempo de evacuación, ya que

nivel hasta el último, con un vestíbulo previo y ventilado,

a través de ella pueden descender ocho personas en el lapso

protegido con muros y puertas cortafuego con una resistencia

de dos minutos: cuatro veces más de la cantidad de personas que

al fuego de dos horas. La escalera a prueba de humo permite

son evacuadas en una escalera convencional. En estas escaleras

que se eliminen los gases calientes, evitando su propagación

tradicionales una persona sola requiere un promedio de ocho minutos

hacia la caja de escaleras de la edificación existente.

para evacuar una edificación de dieciséis pisos, evitando así

Ante la carencia de estas escaleras en casi todos los edificios de Lima, debido a su alto costo y el espacio funcional que ocupan, nos preguntamos: ¿Qué pasaría si estuviéramos en

posibles colisiones en escaleras de emergencia por la desesperación de alcanzar la calle y el extenuante proceso de bajada. Por su diseño, la pantalla que cubre su entrada impide la

el piso dieciséis de un edificio en llamas? ¿Cómo evacuaríamos

visibilidad hacia abajo, evitando el miedo a la altura y, además,

de allí, sabiendo que la escalera telescópica más alta de los

en su interior cuenta con una tela de deslizamiento, en forma

bomberos alcanza los diez pisos?

de espiral, que va en el sentido anti horario para una bajada

En un incendio bajar las escaleras se convierte en algo

segura y controlada, evitando de esta forma que se lastimen

casi imposible: el «efecto chimenea», que es cuando el humo

durante su descenso, evacuando simultáneamente niños,

y los gases se desplazan por los conductos, puede ahogarnos

adultos y personas embarazadas. La Manga de Descenso es la

en tan solo unos minutos. Por ello, existe una nueva opción de

única escalera que nunca podrá elevarnos, pero cuyos objetivos

escalera de emergencia. La alternativa que podría salvarnos

son más altos: salvarnos la vida


#1

A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P R OY ECTO

PROYECTO P.E.E.L. Imagina un lugar con esculturas que parecen grandes juguetes y que conforman entre si un espacio lleno posibilidades. Un conjunto de formas y volUmenes que podemos mirar, tocar, recorrer y que incluso nos permiten protegernos bajo o dentro de ellas. UN TEXTO de Aldo shiroma DIBUJOS DEL AUTOR Cuando era niño, había un parque con columpios y toboganes donde podía pasar muchas horas —la verdad solo eran unos minutos, pero en mi recuerdo parecían horas—, también recuerdo que solía pasar las tardes jugando tranquilo en la calle, dibujando en el suelo con una tiza, entre trompos y canicas, en un reino construido con cajas de cartón y cinta adhesiva. Años más tarde, el parque de juegos se transformó en un mercado, los pequeños jardines aledaños que aún subsistían fueron cercados por rejas y arbustos. Con la aparición del mercado aumentó el tráfico vehicular, crecieron los edificios y al mismo tiempo fueron desapareciendo los niños en las calles, las personas conocidas y los juegos de antaño. Hoy las grandes ciudades crecen desmesuradamente, se desbordan por su periferia y también crecen hacia el cielo. Derribando pequeñas casas y elevando miles de torres — que intentan dar cabida al mayor número de personas en el menor espacio posible— y van asfixiando lentamente las escasas áreas verdes entre el concreto y el asfalto. La sobrepoblación tiende a generar situaciones de inseguridad, riesgo y conflicto. Ante ello el individuo busca desconectarse de los demás y termina por asumir al «espacio público» como un conjunto de corredores y pasillos por donde debe discurrir rápidamente para llegar —a salvo— a determinados sitios. En su espacio privado, se encierra bajo cuatro llaves. Desde ahí observa y «vive» el mundo a través de las pantallas del televisor o de la computadora1. Hasta el día siguiente cuando tenga que salir de su refugio y «enfrentar» —en vez de vivir— la realidad cotidiana. Nuevamente con su paso acelerado, recorriendo las arterias de este organismo de concreto, acero y vidrio que respira, vive y crece llamado ciudad.

Como en la serie animada The Jetsons (1963, Hanna–Barbera) donde la ciudad idealizada y futurista presentaba una serie de edificios singulares conectados por tubos transparentes para trasladarse por la ciudad sin «pisarla».

1

87


#2

A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P R OY ECTO

Las esculturas de P.E.E.L. ofrecen la oportunidad de relacionarse con ellas mAs allA de la simple función visual. Dejar de ser un objeto para mirar y convertirlo en una experiencia. Dejar de ser espectadores para ser protagonistas.

Esculturas de lo lUdico La intención con esta propuesta era crear un espacio singular a través de un conjunto de esculturas concebidas como una gran estructura lúdica, que invitara a las personas a dejar de lado su condición de «espectadores», permitiéndoles acercarse, recorrer sus formas, tocar las diferentes texturas y promover la exploración y el juego. Se incluye en las esculturas algunos elementos clásicos como columpios, toboganes y otros aparatos para desarrollar al máximo la capacidad del entorno de juego. También se deja zonas libres que sirvan como puntos de

P.E.E.L.-Mislata

reunión y hasta para protegerse del sol o la lluvia.

Este proyecto se desarrolló para responder a las

Si bien este tipo de proyectos públicos se exponen a

características y necesidades de una zona residual en la

los actos vandálicos que van desde las pintas e inscripciones

periferia de la ciudad de Valencia, en España, que pertenece

hasta agresiones más violentas como fracturas y hurtos. Es un

al ayuntamiento de Mislata.Dicho espacio se encontraba

riesgo que se puede asumir en el desarrollo de una relación más

en deterioro y abandono. A la espalda de una vieja fábrica

horizontal entre las personas y el espacio.

de papel, frente a dos escuelas públicas y rodeadas por múltiples conjuntos habitacionales con la población

Breve descripción de los elementos

laboralmente activa trabajando en otras ciudades . El

Para el diseño de este proyecto empleé las formas de

2

objetivo fue presentar una propuesta estética/funcional para

animales fantásticos, seres imaginarios e híbridos con

recuperar esta zona y potenciarla como espacio lúdico y eje

grandes dimensiones, llamativos colores y texturas que

para el desarrollo de otras actividades sociales.

inviten a recorrer los diferentes espacios.

La ciudad dormitorio: «La vivienda urbana contemporánea adquiere el sentido de un contenedor que aloja durante unas pocas horas diarias a la persona y guarda por un tiempo prolongado sus objetos y pertenencias. Se convierte así en un depósito con funciones habitables.» Saldarriaga, Alberto. En: La arquitectura como experiencia. Bogotá, Villegas Editores, 2002, p. 80.

2


#3

A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

/ P R OY ECTO

Entre las piezas que conforman el proyecto diseñé dos animales de grandes dimensiones que funcionaban como

Después del análisis del proyecto y de conversarlo con

grandes cúpulas, bajo los cuales podía uno protegerse de

las personas que vivían en los alrededores o que frecuentaban

la lluvia o el sol. Lugares con asientos y mesas ancladas al

la zona —sobre todo los inquilinos de los edificios colindantes

suelo. Las mesas eran a la vez tableros de ajedrez, damas y/o

y de los alumnos de las escuelas públicas— lo que se podía

tres en raya. Uno de los animales protectores era un oso

resumir como necesidad principal era recuperar un espacio que

hormiguero azul.

antes fue parte de su vida cotidiana. Un lugar para reunirse y

En estas zonas de descanso propuse juegos tradicionales

relacionarse fuera de sus casas. Comprendí la importancia que

sobre el suelo como la rayuela y espacios circulares para los

tienen estos espacios para generar interrelaciones sociales,

trompos y las canicas.

salvaguardar esa parte lúdica y expresiva que le permite a un

Otra de las esculturas era un dinosaurio, en su interior habría un salón de juegos, bajo la panza colgarían los

pueblo poseer realmente su ciudad, vivirla y experimentarla. Comprendí, además, que las esculturas podían ser

columpios y la cola sería a la vez el tobogán, al cual se podría

las herramientas para crear una pausa, un respiro y un

acceder a través de las escaleras en las patas delanteras.

lugar que articule los verdaderos e importantes actores del

También incluí otra zona donde las formas están pensadas para actividades propias de los adolescentes como fosas y rampas para skate y rollers. Todos estos elementos estaban conectados con caminos y dispuestos en plataformas de diferentes alturas, con rampas

3

Un objeto es una experiencia

espacio público: las personas —con sus juegos, tradiciones y recuerdos— y el espacio de todos. Las esculturas, cuando descienden de sus altos pedestales, dejan sus rejas de metal y se ponen al alcance de las personas al ras del suelo —para conversar, discutir,

e incluyendo otros elementos propios del mobiliario urbano

cuestionar e incluso estorbar 3—. Ofrecen la oportunidad

necesario para este tipo de espacios —como bancas, cestos de

de relacionarse con ellas más allá de la simple función

basura, alumbrado y servicios— diseñados de tal forma que

visual. Se abre la posibilidad de disfrutarlas de otra forma,

fueran parte del mismo lenguaje estético.

incluyendo a aquellos que no pueden ver o que no pueden

Krauss, Rosalind. «Sculpture in the Expanded Field». Reproducido en español en: La originalidad de la Vanguardia y otros mitos modernos. Madrid: Alianza, 1996.p. 59-74.

89


#4

aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

/PROYECTO

trepar la base de mármol. Dejar de ser un objeto para

jugar nuestros hijos, donde se reúnan nuestros padres y

mirar y convertirse en una experiencia 4. Dejar de ser

abuelos, donde la calle vuelva a ser nuestra. Este proyecto

espectadores para ser protagonistas.

remarca la utilidad de las esculturas para darle un nuevo

Volver a casa Con las ciudades ocurre que ninguna es igual a la otra, ni siquiera es igual a sí misma en el transcurso del

sentido al espacio, pero solo serán contenedores de las relaciones y acuerdos que las personas construyan previamente. Quizás ese sea —en pequeña escala— el camino: recuperar la calle, la ciudad, nuestro lugar

tiempo. Pasa lo mismo con sus habitantes —su realidad, sus sueños y necesidades—. Sin embargo tenemos carencias similares, problemas comunes y nos dejamos arrastrar por los mismos errores. P.E.E.L podría aplicarse en Lima si es que logramos encontrar, más que un espacio para reconfigurar, un grupo humano dispuesto a comprender el espacio público como un lugar para todos, y ponerse de acuerdo para construir juntos un lugar donde convivir y aprender, donde puedan

4

Más información del proyecto en el blog:

www.proyecto-peel.blogspot.com

Maderuelo, J. «La crisis del monumento. Superar la imposibilidad monumental». En: La pérdida del pedestal. Madrid, Círculo de Bellas Artes, 1994. p. 49.


IAL

EDITOR


aRQUITECTURA, INTERIORISMO, DISENO Y ARTE

/PERSONAJES


MIPAPÁ NOSTENÍA PROHIBIDO” aburrirnos en casa U N A E N T R E V I STA D E J O S É A L E J A N D R O C A STA Ñ O FOTOS de Sorrentino y Salinero / Phoss

Mateo(LiEbana((Lima-1973))estudió

arquitectura, fue socio fundador de la firma Vicca Verde, laboratorio creativo, empresa responsable de numerosos proyectos de arquitectura dentro y fuera del país, a la cual renunció para dedicarse por completo a la pintura. Es considerado uno de los sucesos más recientes de las artes en el Perú. Vendedor prodigioso de sus cuadros, dice que el carbón es su gran arma. Admite que puede pintar hasta doce lienzos a la vez. Un buen día los decoradores del hotel Westin le encomendaron hacer dos pinturas para su hall, y la historia de su ascenso y de sus cotizados lienzos

se echó a andar. Corre tabla desde los siete años, es padre de dos hijos. Su hermano Joaquin LiEbana (Lima-1975)) estudió en la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde obtuvo el Primer Premio a la crítica en Escultura en 2001. En 2003 viajó a Escocia para adelantar sus estudios de Maestría en Bellas Artes en la Heriot Watt University/ECA Edinburgh, College of Art. Ha obtenido el premio a la Escultura Urbana para espacios públicos Peter & Adriana Hobart, de la Universidad Ricardo Palma; el Premio Unesco; el Luis Hochschild Plaut CADE y el del IV Salón de Escultura ICPNA, entre otros galardones. Ha presentado diversas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país, a propósito de las cuales se lo considera el escultor más importante de la última década en el Perú.

93


A R Q U I T ECT U R A , I N T E R I O R I S M O , D I S E Ñ O Y A R T E

E

/ P E R S O N A J ES

l otro día, viendo las narices idénticas de una mujer

Como si el vecino que alquiló una casa para consultorio médico

y su hija, pensaba en la huella anatómica de los

de pronto una tarde la convierte en restaurante...

padres, el trazo que nos heredan. Imaginaba que

Mateo: ¡Exacto! Yo estudié arquitectura, esa era mi

no solo se transmiten semejanzas sino también,

profesión. Y ahí trabajé diez años, en una oficina con toda

a veces, cualidades. Un padre le puede heredar

la formalidad del caso, con horario establecido y maneras

a su hijo las orejas, por ejemplo, y con ellas quizá una

de cartón. Acá venía Joaquín a veces pero me veía siempre tan

manera especial de escuchar. Los niños con oído absoluto,

ocupado y serio que se iba enseguida. Nada de lo mío tenía que

esa destreza que les permite identificar una nota por su

ver con lo que él hacía. Yo lo veía a él todo el día haciendo sus

nombre sin la ayuda de otra referencia sonora, son ejemplo

huevadas, sucio de pintura, contento, yendo al ritmo de su labor

de eso. Están los que heredan una garganta, o una nariz, o

creativa. Un día, sin aviso previo, mandé todo al carajo y di el

una boca con su lengua. Tal vez en el mundo ideal los hijos

gran salto: me entregué a la pintura como única tarea. Fue en

deberían recibir la anatomía más destacable del padre o de

noviembre de 2011 y renuncié por completo a mi carrera, a

la madre. No deja de ser una pifia que, por ejemplo, un chef

mi empleo. Comencé esta aventura.

genial le herede a su única hija el color de los ojos, eso como mayor semejanza. Pero ocurre que el hijo de un futbolista talentoso consigue del padre su mismo timbre de voz, más nada. En el caso de ustedes, de narices tan desiguales, el uno pintor y el otro escultor, hijos de un coleccionista de arte

¿Y Joaquín qué dijo?, ¿cómo se tomó eso de que su hermano el arquitecto rompiera el trazo así de brusco, así de incierto, que cambiara la maqueta con un chasquido de dedos y pasara de una

popular, ¿cuál fue la herencia?

casa oficina a una casa taller?

Mateo: Mi papá nos tenía prohibido aburrirnos en casa. Eran los

Joaquín: Él hizo lo que le dio la gana, que es lo único que

años de los apagones por culpa de los atentados terroristas de

importa en realidad en la vida, hacer lo que uno quiere, lo

Sendero Luminoso. Años de miedo, de oscuridad, de sombras,

que uno ama. Fue un gesto muy valiente y muy honesto de su

ruido de sirenas. Nosotros pintábamos, y lo oíamos a él

parte. Pero no fue de un día para otro. Mateo ya venía dando

contarnos cosas, jugábamos. El arte era nuestro pasatiempo. Yo

pasitos en esa dirección, y cuando anunció que se dedicaría a

aprecio mucho eso de mi padre, esa obsesión, esa sensibilidad

la pintura de manera definitiva ya había vendido un par de

que nos fue alimentando desde chicos.

cuadros, algunas pinturas. Me imagino que todo eso lo fue

Joaquín: Fíjate que yo no recuerdo que mi papá nos dijera

llenando de motivos y de razones. Un día saltó al vacío y no

eso de que estaba prohibido aburrirse. Pero sí recuerdo

ha dejado de caer.

su obsesión por el dibujo, la pintura. Él era comprador de

de la casa! Mi madre también terminó pintando, de manera que

Pero entonces en este caso se cae para arriba, en una gravedad de luna. Parece fácil decir que el corazón decida cuando el estómago tiene seguro lo suyo. Supongo que en su caso, a los treinta y seis años de edad, uno no se hace un lunático de la pintura así nomás.

ella también tenía esa sensibilidad. Y en la familia había tíos

Mateo: No, claro que no. Yo siempre pinté, pero era un

y tías que pintaban. Nosotros venimos de ese mundo. Es una

pasatiempo, no un trabajo. Y sí es verdad que hay un vértigo,

herencia de dedos que pintan.

y que todo resultó ser una apuesta. Yo tengo dos hijos y una

muebles antiguos y nos llevaba en sus viajes, parecíamos gitanos con todo ese arrume de cosas que iba recogiendo en pueblos, en casas. Y cada mueble tenía una historia. El arte no se hereda pero sí la pasión. ¡Y él no ha sido el único artista

No será tan usual que dos hermanos artistas tengan su taller

esposa, y los gastos normales de cualquier persona. De manera que nada ha sido fácil. Renuncié a mi trabajo, y eso sí suponía un

uno al lado del otro, en casas contiguas. Es cosa del azar o eso

riesgo grande. La gente me decía, ¿te vas a dedicar a la pintura y

es evidencia de los caminos cruzados de ambos.

a nada más?, ¡estás loco! Y no, no lo estaba. Loco estaba antes,

Joaquín: Yo me la he pasado tirando martillo toda la vida.

tan loco que dormía medicado, ansioso, estresado, molesto, sin

Haciendo ruido, ruidos. Siempre pensé que iba a ser pintor,

tiempo para la vida, siempre de terno y sin tiempo.

porque dibujaba, dibujaba desde chico. Mi hermano era mi enseguida, en vez de taller, tenía su estudio, un lugar de

De manera que perder la cordura ha sido lo más lúcido que usted ha hecho...

lo más formal y serio. Él venía con su terno, escrupuloso y

Mateo: Tal cual. Desde entonces hago lo que quiero. Pinto,

aburrido, y hacía sus cosas, cosas muy serias. Después fue

leo, vivo, juego, corro mi tabla, no me medico nunca más.

que un día se convirtió en mi vecino artista.

Amo los domingos por la tarde y me encantan los lunes,

vecino, pero entonces no era pintor sino arquitecto, y ahí


Joaquín Liébana: «Mi hermano vecino, pero entonces no era arquitecto, y ahí enseguida, taller, tenía su estudio, un más formal y serio. Él venía escrupuloso y aburrido»

era mi pintor sino en vez de lugar de lo con su terno,

jugar con mis hijos, o llevarlos al colegio, o traerlos a pintar

los ocho años sí parecía la de un niño, pero sus dibujos no. Ahora pienso si es más fácil vivir siendo pintor, si acaso se puede vivir de la escultura, ¿no es esa una piedra muy dura?

conmigo. ¿Loco? Loco estaba antes.

Joaquín: La escultura es un exceso, así es. Un lujo en cierto

duermo tranquilo, voy a mi ritmo, vengo a mi oficina, que ahora es mi taller, y de ahí salgo cuando quiero, para ir a

sentido para quien la compra. Es más fácil comprar un

Y sobre qué pinta...

cuadro. Un cuadro además es una necesidad. Una pared

Mateo: Yo pinto lo que sueño, lo que veo en la calle. Hay

vacía reclama un cuadro, en cambio un espacio vacío no

monstruos en mis cuadros, y animales. A veces el trazo

pide una escultura. Pero yo vivo de eso, de nada más.

me sale muy rápido, cuadros que tengo en la punta de la

Mateo: Ahora él se está haciendo una tabla, su propia tabla

lengua. A veces todo se tarda y puedo pasar meses tratando

de surf. Y le ha puesto tanto interés, tanto trabajo y tanta

de terminar una pintura. ¿De qué depende eso? Ni idea. La

imaginación, que yo le digo que es otra pieza de escultura.

labor creativa no es arquitectura de edificios.

Y esculpir, ¿se parece a escupir?

Navegar olas sobre su propia escultura, el arte como pieza de flotación...

Joaquín: La escultura, claro, es volumen. Pero el proceso

Joaquín: Eso suena interesante. Nosotros dos hemos corrido

creativo es similar al de pintar. Un parto, un grito, un gesto.

tabla desde chiquitos, toda la vida. Y yo siempre voy a la playa.

O un silencio. Yo, a diferencia de Mateo, que viene de otro

Hace unos años encargué una tabla pero me estafaron y decidí

camino académico, sí soy escultor de profesión. Estudié en la

desquitarme haciéndome una a medida. Compré la madera

Universidad Católica y me gradué en 2001, después me fui a

más liviana que pude conseguir, y le he dado forma por partes,

Escocia para hacer una maestría en la Edinburgh College of

también la he ahuecado para que no pese tanto. Ahora la estoy

Art. Una cosa ahí medio inútil, medio interesante.

pegando con silicona automotriz, y dentro de los huecos le voy

Mateo: Claro, es que algunos de sus profesores lo miran por

a inyectar gas, de esa manera se hará más liviana y mejorará

encima del hombro por ser un artista del tercer mundo,

la flotabilidad, como los neumáticos de los carros. Espero que

donde se supone que hacemos artesanía y no arte. Pero

esté lista para fines de enero. Todavía hay que forrarla y darle

después él fue el único que vendió su obra, el único entre

forma. Me gusta mucho como está quedando.

sus compañeros de la maestría. discusiones, pero nada, pues, que me marcara. Escocia, por

Y cómo es la relación con su casa estudio. ¿Vive y esculpe acá todo el tiempo?

otro lado, es un lugar precioso, una estampa de película

Joaquín: Mi casa es mi taller, pero no siempre duermo acá. Antes

y nada más. Bellísima y aburridora, y hablan ese inglés

perforaba las láminas de metal en plena calle. Me alquilaban

ilegible que le cuesta entender incluso a los ingleses. Yo

una máquina cortadora por horas para hacer los calados en

jamás lo hablé, por más licor que tomé. De allá me vine

hierro, entonces parecía un loco, cortando, botando chispas en la

rápido. Te matan el frío y la uniformidad.

calle, la gente mirando, yo haciendo aquello a la carrera para ganar

Joaquín: En realidad sí tuve algunos desencuentros, algunas

tiempo y que el alquiler de la máquina valiera la pena. Ya no. Ahora

Estuve viendo y la pared de su cuarto tiene esos dibujos suyos de niño, dibujos complejos de figuras geométricas. Vi que su firma a

tengo mi propia cortadora, de manera que paso mucho de mi tiempo acá, trabajando. 97


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/ P E R S O N A J ES

Mateo Lievana: «Yo pinto lo que sueño, lo que veo en la calle. Hay monstruos en mis cuadros, y animales. A veces el trazo me sale muy rápido. A veces todo se tarda y puedo pasar meses tratando de terminar una pintura. ¿De qué depende eso? Ni idea. La labor creativa no es arquitectura de edificios.»


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/ P E R S O N A J ES

Joaquín Liébana: «Yo quiero vivir, necesito vivir, terminar mi tabla, correrla en muchas playas. No la pienso pintar, más bien dejarla así, color madera. Después de trabajarla tanto, de pulirla, taparla con una capa de pintura sería una tontería. De manera que en cinco años me veo más flaco, más sano, quizás igual de contento»

Veo acá piezas que no parecen suyas, Joaquín. Hay carteles y anuncios publicitarios, esa pieza sobre el tarot y los signos, por ejemplo. ¿Qué hace acá con todo lo demás? ¿Su ascendente zodiacal también le impone una cierta vocación de recuperador de objetos perdidos? ¿una especie de reparador de cachivaches? Joaquín: Me gusta encontrar ciertas cosas, y cuando las veo por ahí las compro, entonces las traigo y las expongo con todo lo demás. Si miras bien, la casa es un museo, pero no solo sobre mis trabajos, también sobre el trabajo de otros. Me parece que de eso se trata. No es solo lo que eres capaz de valorar de tu propia creación, también cuenta lo que eres capaz de apreciar en los demás. Acá a la casa viene gente casi todos los días, vienen a mirar, a antojarse. Mateo y yo hemos pensado en unir las dos casas y proponer un circuito que incluya sus pinturas y mis esculturas. Vamos a ver si eso es posible el próximo año.

El relato más común dice que la creación artística supone un drama, un cierto dolor; atravesar, si no un mar de penurias, al menos sí un río de vicisitudes. Lograr que los califiquen de artistas importantes y reconocidos, ¿les han costado dolor, lágrimas esos famosos cortes de oreja desesperados? Joaquín: No lo sé. Si fue así no me di cuenta. Sí creo que hay una apuesta que exige tiempo y horas de vuelo, terquedad y ambición. Pero la verdad es que yo me la he pasado muy bien y no cambio lo que he vivido acá en Barranco por ninguna otra cosa. Acá en mi barrio tengo mi circuito vital, desde mi restaurante para comerme el menú del día hasta los talleres de confianza para terminar de hacer mis piezas. Soy feliz. No me quejo. Mateo: Lo más difícil que viví fue todo lo previo a mi experiencia como pintor a tiempo completo. Lo de ahora es la frutilla del postre. Ello no quiere decir que no viva en una exigencia diaria, de constante vértigo. Antes yo iba a donde el psicólogo, ahora mi terapista es mi trabajo de todos los días.


¿Es verdad que a veces es tanto el festejo por una obra, tanto el drama vital de su consecución, que cuesta ponerle un precio y venderla?

Mateo: Es inevitable quedarse con piezas que, por alguna razón, están tan cosidas a uno. Dejarlas ir es simplemente imposible. Son piezas sin precio, y por eso su valor.

Joaquín: Yo sí tengo esa cosa un poco visceral con ciertas

entonces, y tengo una mano, un puño cerrado que hice a los

El arte, como cualquier otro oficio, tiene esta cosa de la rivalidad, de la cola más larga, el rostro más fotogénico, el nombre más mentado, la fama más extendida. Entonces a veces el vientecillo de la fama aviva esas llamas de la envidia, el carbón donde se cuecen las malas lenguas. ¿Ustedes dos, hermanos célebres y celebrados, han tenido que lidiar con eso?

catorce años y que se perdió un día, hace mucho tiempo. Una

Joaquín: Yo me mantengo al marguen de esas hogueras todo

vez, hace poco, lo volví a encontrar botado en la esquina,

lo más que puedo. Sí expongo, claro, pero por ejemplo nunca he

en esta misma calle, en la base de un árbol. Acá lo tengo,

sido invitado a una bienal, a una cosa de esas. No sé cómo es. Y

adentro de ese sagrario de madera. Jamás lo vendería.

tampoco ando midiendo mi nombre con el de nadie más.

piezas. Y aunque vivo de mi trabajo, de las esculturas que logro vender, sí es verdad que a veces no puedo soltar ciertas cosas, dejarlas ir. Entonces me las quedo. Mi primera pieza de escultura la hice a los dieciséis años, de un árbol de mora. Son tres rostros que no han dejado de mirarme desde

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Una vida así siempre es desgraciada.

trabajosa, de mucho desgaste. De mucha pena. Años antes

Mateo: El actual auge económico del país no es solo bueno

ella se hizo una operación para reducirse el estómago, y

para los restaurantes, por ejemplo, para lo bancos y las

rebajó como sesenta kilos, casi hasta extinguirse. Era una

empresas importadoras. Lo es también para los artistas, los

cosita de nada. Pero entonces pagó un precio alto, porque todo

pintores y escultores, que ahora vendemos más y estamos

su gusto por la comida lo trasladó a un gusto por el licor. Y eso

vinculados a un mercado de arte que en otras épocas era

la fue matando, viste. El cuerpo compensa, no es verdad que

impensable. La verdad es que un envidioso no suele vender

uno deje de ser. Te reducen el estómago pero no te reducen

bien ni cuadros, ni comida, ni nada.

todo lo demás, y el cuerpo queda expuesto a la misma hambre, a la misma incertidumbre. Ahora yo duermo en su

Su madre murió hace pocas semanas, una mujer que también pintó, que les habrá heredado sus dedos y su talento, esa huella. ¿Ayuda ser un artista cuando se lidia con una pérdida semejante?

casa, acompaño a mi padre, duermo en su cama, en la cama

Joaquín: Pues descansó ella y descansamos nosotros. Mi

Mateo: Al final la vida de mi madre ya no era una vida.

madre murió de cirrosis, una muerte lenta y muy dura, muy

Demasiado dolor, demasiado sufrimiento. Todos los días

donde murió ella, donde luchó contra su enfermedad. No es un gesto de artista, es uno apenas de hijo.


Mateo Liébana: «Eran los años de los apagones por culpa de los atentados terroristas de Sendero Luminoso. Años de miedo, de oscuridad, de sombras, ruido de sirenas. Nosotros pintábamos, y lo oíamos a él contarnos cosas, jugábamos. El arte era nuestro pasatiempo. Yo aprecio mucho eso de mi padre, esa obsesión, esa sensibilidad que nos fue alimentando desde chicos»

una incertidumbre distinta. Las enfermedades son así; el cáncer, una cirrosis, se llevan la vida y el resto: la salud de los sanos, los ahorros, los objetos, la casa, los recuerdos, las noches, los días. Ahora mi padre está mejor, más libre, más liviano. El dolor es muy grande, pero el descanso al fin también. Yo vine y me encerré acá unos días. Pinté y pinté. Veremos qué sale de eso.

Ahora te pagan por la verdad que admitas sobre tu propia vida, y resulta que exponer la propia ruindad en vivo y en directo te puede hacer rico. ¿Dónde se ven en cinco años, en diez? Pueden mentir, si les parece. Respecto de los sueños, por suerte, no hay detector de mentiras posible. Joaquín: La verdad es que yo tengo un problema de sobrepeso. No le presté demasiada atención hasta ahora, tras la muerte de mi madre. Resulta que el hígado graso te mata, es verdad, y comienzas a irte sin darte cuenta. Yo quiero vivir, necesito vivir, terminar mi tabla, correrla en muchas playas. No la pienso pintar, más bien dejarla así, color madera. Después de trabajarla tanto, de pulirla, taparla con una capa de pintura sería una tontería. De manera que en cinco años me veo más flaco, más sano, quizás igual de contento, lo mismo de trabajador que ahora, pero más ligero. Comiendo mejor, por ejemplo. Yo antes cocinaba mucho, se me fue media vida cocinando, después se me fue media vida comiendo. En cinco años espero haber encontrado el punto de equilibrio. Mateo: Yo me veo con mis hijos más grandes, dedicado a lo mismo, haciendo esto mismo: pintando. La vida es un ratico, lo demás son excusas. En cinco años me veo igual, sin excusas, disfrutando los domingos en la tarde, amando los lunes, sin nadie que me llame a trabajar. Yendo y viniendo a mi modo, a mi ritmo. Oliendo a pintura. Sonriendo. 103


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la invocación de un azar impecable U N T E X TO D E J O R G E V I L L A C O R TA C H ÁV E Z FOTOS de EDI HIROSE

Juan Salas Carreño, por la vía de lo neoconceptual, se atribuye licencia para matar el arte con dispositivos que prístinamente reproducen el efecto fascinante propio de la obra artística.

Reintroduce en la discusión actual la cuestión de la desmaterialización del arte, pero no busca llegar a una conclusión sino que la replantea como un asunto de horizonte movible. Revoca la estrategia complaciente, antiexperimental, que restringe la producción de un artista contemporáneo a artículos cuya materialidad los hace digeribles en una galería comercial.


/Juan Salas Carreño, con su exposición ‘Indeterminaciones’ (Revolver galería), genera un contrapunto a su obra ganadora de la última edición del concurso Pasaporte Para un Artista de la Embajada de Francia.


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/Limadura de acero junto a un dispositivo de registro da vida a una presencia seudoorgánica.

Las prácticas conceptuales en el Perú han sido durante cuarenta años el terreno menos frecuentado por los artistas visuales locales. Pese a constituir un número exiguo, los que hoy han optado por orientar su trabajo en esa dirección han resultado ser una presencia significativa en nuestro medio. Entre ellos se halla Juan Salas Carreño (Cusco, 1982), quien desde su primera presentación en la escena limeña en 2003, antes de egresar de la especialidad de Grabado de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, evidenció que su proceso de construcción de obra partía de una aproximación a datos concretos como número y medida de las cosas, a la vez que intentaba una definición y comprensión del ambiente constituido en el espacio del arte local, usando la fotografía como herramienta de observación y recolección de datos que permite dar sentido histórico al presente.


/Un disco duro de computadora nos plantea incansablemente una pregunta hacia la nada.

En el horizonte neoconceptual, la obra se construye a partir de una ejecución material íntimamente aliada a un pensamiento que se ha radicalizado en sus circunstancias físicas. En nuestro contexto, las obras de apariencia neoconceptual parecen existir sin que en ellas se patenticen líneas o, mejor dicho, vectores de pensamiento reflexivo. Este discurre por canales muy diversos que pueden ser analíticos o asociativo-críticos –como los experimentos de Teresa Burga-; o poético-concretos –como ocurre con la obra de Eielson-; o literal-enfáticos –como en el caso de la obra del hoy oculto Iván Esquivel-, que son deudores del arte conceptual de los sesemta. Es a través de estos vectores de pensamiento que se produce una paridad entre estructura mental y realización, que deja traslucir una singular amalgama de idea y materia. 107


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/ E L A R T I STA

/A la sombra del sol, instalación presentada en el Concurso Pasaporte para un Artista, en la cual la Piedra de los Doce Ángulos cobra una presencia intrigante, poniendo en duda certezas acerca de nuestro ensalzado pasado incaico.

Juan Salas ha desarrollado recientemente en sus proyectos versiones libres de lo que en arte conceptual se conoce como crítica institucional –el precedente del LiMac de Sandra Gamarra se inscribe relativamente en ella también-, en aproximaciones que resultan nuevas entre nosotros y que abarcan desde una mirada antropológica de públicos en el ámbito cultural hasta la escritura de una historia que aguarda ser escrita aún: aquella del arte último. La construcción de íconos nacionales para ser absorbidos por un consumo internacional -como el turismo que se concentra en el Cusco- alimenta otra de las vertientes exploradas por este joven artista en la actualidad


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