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ADA LORENA GUEVARA LEÓN


Rectoría General Itzcóatl Tonatiuh Bravo Padilla Vicerrectoría Ejecutiva Miguel Ángel Navarro Navarro Secretaría General José Alfredo Peña Ramos Dirección General del Sistema de Educación Media Superior Javier Espinoza de los Monteros Cárdenas Secretaría Académica del Sistema de Educación Media Superior Ernesto Herrera Cárdenas Secretaría Administrativa del Sistema de Educación Media Superior Adriana Lorena Fierros Lara Coordinación del Corporativo de Empresas Universitarias José Antonio Ibarra Cervantes Dirección de la Editorial Universitaria Sayri Karp Mitastein

Primera edición, 2018 Autora Ada Lorena Guevara León Asesora pedagógica Paulina Orozco Hernández Coordinación de la serie: Sofía Rodríguez Benítez Coordinación editorial: Sol Ortega Ruelas Cuidado editorial: Luis Rico Chávez, Juan Felipe Cobián Diagramación: J. Daniel Zamorano Hernández, Paola E. Vázquez Murillo Ilustración: Lucía López D.R. © 2018, Universidad de Guadalajara

Editorial Universitaria José Bonifacio Andrada 2679 Colonia Lomas de Guevara 44657 Guadalajara, Jalisco www.editorial.udg.mx 01 800 UDG LIBRO Impreso y hecho en México Printed and made in Mexico

Se prohíbe la reproducción, el registro o la transmisión parcial o total de esta obra por cualquier sistema de recuperación de información, sea mecánico, fotoquímico, electrónico, magnético, electroóptico, por fotocopia o cualquier otro, existente o por existir, sin el permiso por escrito del titular de los derechos correspondientes.


Índice

Presentación

7

Conoce tu libro

8

Propósitos formativos

10

Unidad de competencia 1. Cómo acercarse al arte

12

1.1 El arte, materia y objeto del conocimiento

14

1.2 Conceptos básicos: arte, cultura, estética

20

1.3 Clasificación de las artes

27

1.4 Elementos estructurales de las artes

33

1.5 Valores en el arte: axiología

37

ACTIVIDAD INTEGRADORA 1

43

Unidad de competencia 2. Relación arte-cultura y su proceso de valoración

48

2.1 Variedad artística cultural

50

2.2 Lenguaje y arte

53

2.3 Forma y contenido

57

2.4 El arte, expresión de emociones

63

2.5 El enfoque comunicativo en el arte

65

2.6 El proceso creativo

69

2.7 Relación artista-obra de arte-receptor

73

ACTIVIDAD INTEGRADORA 2

75


Unidad de competencia 3. El arte, lenguaje universal

76

3.1 La multiplicidad de contextos en la contemplación del arte

78

3.2 La función social del arte

84

3.3 Periodos en la historia del arte, reflejo de la historia del hombre 87 3.4 La obra artística como forma concreta de cultura

94

3.5 El artista y su representación del entorno

96

3.6 Las obras de arte como bienes culturales

99

ACTIVIDAD INTEGRADORA 3

102

Anexos 103 Periodos y corrientes en la historia del arte

104

Guía para visitar un museo

106

Análisis de obras de arte

107

Breve panorama de la plástica en Jalisco

113

Bibliografía 114


PRESENTACIÓN

Cuando ves una película en el cine, escuchas tu música favorita o asistes a una obra de teatro sueles decir: “¡Me gusta!”, “¡Increíble!” “¡Bravo!” o “¡La amo!” pero, ¿te has cuestionado por qué reaccionas así? El arte no sólo lo encontramos en los grandes museos o centros culturales, sino también en nuestras calles y plazas, y no nada más sirve como entretenimiento, ya que estimula las habilidades e incrementa el acervo cultural de quienes lo consumen. Es una construcción llena de significados que comunica, edifica e inspira. Apreciación del arte te propone una ruta para adentrarte en este fascinante mundo y comprende tres unidades de aprendizaje. En la unidad 1, “Cómo acercarse al arte”, conocerás conceptos como arte, axiología, cultura y estética, así como la clasificación de las artes y sus elementos estructurales. En la unidad 2, “Relación del arte-cultura y su proceso de valoración”, te familiarizarás con el lenguaje del arte. Sí, leíste bien: así como el amor tiene su propio lenguaje, el arte posee el suyo. Por último, en la unidad 3, “El arte, lenguaje universal”, reconocerás la función social del arte, el artista y cómo representa su entorno a la hora de crear, los periodos del arte en la historia y cómo las obras se vuelven patrimonio de la humanidad. Todas las secuencias didácticas son ricas en imágenes, información útil, ejercicios colaborativos, ejemplos y actividades de creación estética. Verás que al finalizar estas páginas sustentarás tu postura personal creando tu propio juicio y valorarás el arte como una manifestación de la belleza, emociones, ideas y sentido de identidad. ¡Comenzamos el viaje!

7


Conoce tu libro Apreciación del arte te ayudará a profundizar en la naturaleza del arte, a desarrollar tu potencial creativo y a disfrutar de manera reflexiva distintas disciplinas artísticas, por medio de ejercicios amenos, trabajos colaborativos, investigaciones y elaboración de obras con una finalidad estética.

Presentación de la unidad de competencia

Secuencia didáctica

Apertura

Primeros trazos

Desarrollo

Ideas a cuadro

Cierre

Taller de arte

Actividad integradora

1 PRESENTACIÓN DE LA UNIDAD

DE COMPETENCIA

Enuncia las competencias específicas que desarrollarás, así como los objetivos de aprendizaje de cada secuencia didáctica.

2 SECUENCIA DIDÁCTICA Contiene una sección inicial de inmersión al tema, otra de exposición de los conocimientos que debes adquirir y una más de ejercicios para detonar un aprendizaje significativo.

a Objetivo Especifica el propósito de aprendizaje de la secuencia didáctica.

b Primeros trazos Propone ejercicios sencillos y útiles para introducir el tema o activar saberes previos.

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c Ideas a cuadro Expone ideas esenciales sobre el tema central de cada secuencia didáctica.

d Taller de arte Plantea ejercicios de creatividad para reforzar tu aprendizaje sobre la apreciación artística.

3 ACTIVIDAD INTEGRADORA

Ubicada al final de cada unidad de competencia, te ayuda a aplicar de manera global los conocimientos que hayas obtenido en cada secuencia didáctica.

4 RECURSOS ADICIONALES LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

GENIO Y FIGURA Semblanzas de notables artistas locales, nacionales y extranjeros.

Información adicional para ahondar en el conocimiento del fenómeno artístico.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Recomendaciones de películas interesantes y entretenidas que giran en torno a alguna disciplina artística.

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PROPÓSITOS FORMATIVOS

OBJETIVO GENERAL • El alumno sustenta una postura personal, integrando informadamente diversos puntos de vista, utilizando su capacidad de juicio.

COMPETENCIAS GENÉRICAS Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en distintos géneros. • Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones. • Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de identidad. • Participa en prácticas relacionadas con el arte.

COMPETENCIAS DISCIPLINARES Básicas • Asume una posición personal (crítica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica), en la ética y en los valores frente a diversas manifestaciones del arte. • Analiza de manera reflexiva y crítica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural. • Desarrolla su potencial artístico, como una manifestación de su personalidad y arraigo de la identidad considerando elementos objetivos de apreciación artística. Extendidas • Difunde o recrea expresiones artísticas de un producto de la sensibilidad y el intelecto humano, con el propósito de preservar su identidad en un contexto universal. • Comparte expresiones artísticas para reconstruir su identidad en un contexto de diversidad cultural.

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COMPETENCIAS ESPECÍFICAS • Identifica las distintas manifestaciones artísticas para diversificar su gusto y su experiencia estética. • Distingue los diferentes elementos que componen la obra artística, así como su interacción en su aproximación al arte. • Reflexiona sobre las distintas manifestaciones artísticas para ampliar su gusto, así como experimentar creaciones artísticas diversas y culturales, incluyendo su contenido histórico.

CONOCIMIENTOS (SABERES TÉORICOS) • Conceptos fundamentales sobre el arte en general. • Diversidad de las disciplinas que constituyen el arte. • Elementos estructurales del arte.

HABILIDADES (SABERES PRÁCTICOS O PROCEDIMENTALES) • Relaciona la parte conceptual del arte con las distintas manifestaciones artísticas. • Describe y clasifica las diferentes manifestaciones artísticas. • Relata en forma precisa las características estructurales (internas y externas) de una obra de arte.

ACTITUDES (DISPOSICIÓN) Y VALORES (SABERES FORMATIVOS) • • • • • •

Respeta la diversidad cultural. Participa activamente en la realización de las actividades. Es responsable con la entrega de sus trabajos. Se comporta de manera respetuosa cuando presencia una creación artística. Equidad. Cordialidad en el trato con los demás.

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1

UNIDAD DE COMPETENCIA

CÓMO ACERCARSE AL ARTE COMPETENCIAS ESPECÍFICAS Identifica las distintas manifestaciones artísticas para diversificar su gusto y su experiencia estética.


OBJETIVOS DE APRENDIZAJE • Identificar el arte como materia y objeto de conocimiento. • Conocer los conceptos de arte, cultura y estética. • Acercarte a las diferentes disciplinas artísticas, sensibilizándote a todas sus expresiones.

• Conocer los instrumentos que dan pauta a un artista para materializar sus obras, conocidos como elementos estructurales del arte. • Analizar los valores y juicios en el arte: axiología.


1.1

El arte, materia y objeto de conocimiento

Primeros trazos Contesta las siguientes preguntas: 1. ¿Qué entiendes por arte?

2. ¿En dónde lo has observado?

3. ¿Has realizado actividades artísticas?

4. ¿Para qué crees que sirve el arte?

5. Menciona el nombre de pintores, escultores, músicos, fotógrafos y actores que conozcas.

6. ¿Crees que existe alguna relación entre las expresiones artísticas y otras unidades de aprendizaje (UA) como Comprensión de la ciencia, Descripción y comunicación o alguna otra? Explica por qué.

14

Identificarás el arte como materia y objeto de conocimiento.


1.1

EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

Ideas a cuadro ¿Alguna vez escuchaste hablar sobre la Torre Eiffel, La Mona Lisa, la Capilla Sixtina o el monumento a la Minerva? ¿Te has preguntado por qué fueron creadas estas obras? ¿En tu ciudad o comunidad has observado esculturas, murales o pinturas en las calles? ¿Has visitado algún museo? El arte, te habrás dado cuenta, es una expresión humana al alcance de todos. Cuando observamos una obra de arte que nos agrada solemos externar opiniones como las siguientes: “Me gusta”, “qué bonito”, “¡grandioso, maravilloso!”, pero, ¿te has preguntado por qué y has discutido al respecto? El arte no sólo se encuentra en los Miguel Ángel, La creación de museos, sino también en el entorno urbano; además de estimular habilidades, pro- Adán (detalle, 1511). Capilla mover, desarrollar e incrementar la cultura en general, se considera un tipo de cono- Sixtina, Ciudad del Vaticano. cimiento que enriquece a quienes lo disfrutan. Es una construcción llena de sentido. Si analizamos una obra artística podemos comprenderla, explicarla y aprehenderla a partir de ciertos significados, lo cual nos lleva a considerar al arte como un lenguaje. Los humanos nos diferenciamos de otras especies por el empleo del lenguaje, es decir, por la capacidad de representar nuestro entorno por medio de signos, lingüísticos o de otro tipo, como estudiarás en las unidades de aprendizaje del área de Comunicación. Descubrirás que el arte expresa información a través de mensajes plasmados en las obras. Entonces, el arte es un fenómeno analizable en términos comunicativos. En cada obra existe un código artístico dominante; dicho código se ubica en un periodo histórico, aunque en ocasiones los artistas innovan y, en su creación, generan un discurso estético nuevo que, de cualquier manera, es susceptible de análisis, a semejanza de los textos literarios. El arte cumple una función social que responde a ciertas demandas y necesidades de la sociedad y del periodo histórico en que surge. Una obra de arte no únicamente expresa cómo se sentía el artista en el momento de crearla, sino que comunica el contexto social de una comunidad o sociedad. Por esta razón, en otro momento conocerás más al respecto en las UA Raíces culturales e Identidad y filosofía de vida. El trabajo artístico no debe ser visto como un simple objeto decorativo, sino como la expresión de una sociedad. La función del arte ha variado a lo largo de la historia, como se explica a continuación: Función estética

Función ideológica

La obra de arte gira en torno a la belleza. Según el escritor y semiólogo Umberto Eco, en su libro Historia de la fealdad, a lo largo de los siglos filósofos y artistas han ido construyendo definiciones sobre lo bello. Gracias a sus reflexiones se han configurado las características de este concepto, aunque lo feo la mayoría simplemente lo describe como el opuesto de lo bello y pocos estudios centran su atención en la fealdad. ¿Quién establece o cómo se determina si una pieza musical es bella o una obra de teatro es verdaderamente artística? Los gustos influyen en este sentido en cada época histórica. La función estética de una obra de arte atiende a diversos ideales también vinculados con lo grotesco, lo feo, lo desproporcionado, etc.

Se transmiten las ideas y conceptos de un movimiento social, político o religioso a través de una obra de arte. Se perciben los pensamientos de un muralista o un escultor cívico en función del periodo histórico que le correspondió vivir.

Función educativa En la Edad Media, por ejemplo, la iglesia encargaba representaciones de la Biblia a los artistas, para adoctrinar a la población que no sabía leer.

15


1.1

EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

Función ornamental El arte se usa para transformar o decorar un espacio como en la arquitectura o en la llamada arquitectura del paisaje.

Función expresiva y recreativa Las manifestaciones artísticas han servido, a lo largo de la historia, como medio de expresión y comunicación de los sentimientos del hombre. Además, como lo descubrirás en tercer semestre en Recreación y aprovechamiento del tiempo libre, asistir a eventos culturales y artísticos es una de las mejores maneras de invertir tu tiempo libre. En la tercera unidad conocerás a profundidad las funciones del arte.

Función mágico-religiosa Se refiere al uso del arte ligado a rituales mágicos, como el de los huicholes con sus diseños de estambre y chaquiras, o las obras inspiradas en temas esotéricos, místicos y mágicos como las de la pintora Remedios Varo.

Función conmemorativa Tiene como propósito exaltar a personajes históricos o mostrar sus triunfos, como la estatua de Hidalgo que representa la abolición de la esclavitud en la Plaza de la Liberación del centro histórico de Guadalajara.

Observa que la arquitectura, la escultura o la pintura te ayudan a conocer sobre cuestiones políticas, económicas, filosóficas, históricas y de estilos de vida de las diferentes sociedades, temas que sin duda estudiarás más adelante en las UA de Ciudadanía mundial, Reflexión ética, Análisis económico, Democracia y soberanía nacional, entre otras.

Joaquín Arias, La Minerva (1956). Guadalajara, México. Es un monumento representativo de la capital del estado de Jalisco.

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GENIO Y FIGURA

Leonardo di ser Piero da Vinci dejó huella en diversos campos del arte y la ciencia. Genio polifacético, pintó el retrato más conocido del mundo: La Gioconda o Mona Lisa. Vivió durante el Renacimiento, época en la que el concepto del hombre adquiere una nueva dimensión. Otras obras conocidas suyas son La última cena, La virgen de las rocas, San Juan Bautista y La dama del armiño. Nació en Florencia (Italia) en 1452 y murió a los 67 años, en 1519, en Amboise (Francia). Se adelantó a su tiempo desarrollando ideas y proyectando diseños como el del helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Desarrolló múltiples habilidades: fue pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor y músico. Tocó la lira y el órgano de agua, diseñado por él mismo, junto con algunos otros instrumentos como el tambor mecánico y el órgano de papel. Para la creación de sus múltiples inventos utilizó matemáticas avanzadas, como las que verás en sexto semestre. Se le considera como el mayor artista de todos los tiempos.


1.1

EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA ¿Qué es un discurso estético? Hace referencia a un objeto estético, es decir, a una obra de arte. Mediante palabras, explicas el valor de dicha obra, sus formas, su composición, su época, su escuela, su género, la vida de su autor y su impacto social. Al realizar un análisis crítico y reflexivo de la obra desarrollas habilidades que posteriormente utilizarás en unidades como Análisis y argumento en tercer semestre.

Gustave Eiffel, Torre Eiffel (1889). París, Francia.

Leonardo da Vinci, La última cena (1495-1498). Convento de Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia.

Leonardo da Vinci, La Mona Lisa (1503-1519). Museo del Louvre, París, Francia. Esta obra es una de las más conocidas en todo el mundo.

17


1.1

EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

Frescos de Bonampak (detalle). Ubicados en la selva Lacandona de Chiapas, México, nos dan una idea de los usos y costumbres de la gente de esa época, como la ropa y el peinado.

Jacobo Gálvez, Teatro Degollado (1866). Guadalajara, México.

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EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

1.1

La sonrisa más enigmática del mundo Si volvemos ahora a contemplar La Mona Lisa, comprenderemos algo de su misteriosa apariencia. Vemos que Leonardo ha empleado los recursos del sfumato con deliberación extrema. Todo aquel que ha tratado de dibujar o bosquejar un rostro sabe que lo que nosotros llamamos su expresión reside principalmente en dos rasgos: la comisura de los labios y los extremos de los ojos. Precisamente son esas partes las que Leonardo dejó deliberadamente en lo incierto, haciendo que se fundan con sombras suaves. Por ese motivo nunca llegamos a saber con certeza cómo nos mira realmente La Mona Lisa. Su expresión siempre parece escapársenos. E. H. Gombrich, La historia del arte

Taller de arte 1. En parejas de aprendizaje anoten cinco ejemplos concretos en los que ciertas obras de arte han cumplido alguna función específica en la sociedad, en la escuela o en su vida personal.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA La representación artística consiste en desarrollar, mediante palabras, movimientos, música o imágenes, una idea. Ejemplo: una obra de teatro, una exposición de pintura, una sinfonía orquestal, una representación de danza, etc.

2. Expresa cuatro emociones diferentes (melancolía, burla, decepción, duda, alegría, etc.) con cuatro dibujos distintos. Usa tu creatividad para que cada dibujo sea lo menos convencional posible.

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1.2

Conceptos básicos: arte, cultura, estética

Primeros trazos 1. Reflexiona sobre los conceptos de arte, cultura y estética. Completa cada frase con lo primero que venga a tu mente: a) El arte es:

b) Las costumbres son rasgos culturales de:

c) La belleza es:

d) Mientras la estética es:

e) La cultura se refiere a:

20

Conocerás los conceptos de arte, cultura y estética.


CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

1.2

f) En mi ciudad o comunidad la cultura se expresa:

2. En grupo, guiados por el profesor, compartan en plenaria las oraciones anteriores y discútanlas.

Ideas a cuadro El concepto de arte Quién creó la primera obra de arte, cómo la plasmó y por qué, no se sabe con certeza. Hace 40 mil años, en todo el mundo, se comenzó a pintar en las paredes de las cuevas. Las pinturas se elaboraban mezclando rocas, tierra y pigmentos. En la oscuridad de las cavernas, a la luz del fuego, el hombre primitivo dibujaba a los animales que cazaba, como venados y bisontes. También formaban parte de las obras los instrumentos de caza y otros elementos. Desde entonces, el ser humano no ha dejado de crear arte. Su pintura, su música y sus danzas nos comunican cómo veían su mundo y lo que para ellos resultaba vital. Con el paso del tiempo, los artistas se hicieron más hábiles en el diseño de herramientas para tallar, brochas para pintar y pigmentos para dar color, utilizando huevo y aceites, además de crear instrumentos musicales con pieles y huesos de animales. El arte ha estado presente a lo largo de la historia de la humanidad. Varios siglos antes de Cristo los chinos comenzaron a construir la Gran Muralla, portentosa obra arquitectónica cuyo propósito era protegerlos de sus enemigos. En Europa, en la época medieval, los reyes y la nobleza encargaban, antes de morir, la construcción de su tumba, con espléndidos monumentos. Los reyes, quienes tenían a su disposición los mejores pintores, mandaban hacerse retratos con la finalidad de ostentar su poderío y de perpetuar su recuerdo. No sabemos mucho sobre los artistas que crearon estas obras, aunque con el paso del tiempo comenzó a registrarse información por medio de cartas y otros documentos. Uno de los primeros en recuperar datos al respecto fue el escritor y pintor italiano Giorgio Vasari, considerado uno de los primeros historiadores del arte, conocido por escribir biografías, anécdotas y curiosidades sobre los grandes artistas italianos del Renacimiento. En esta época, las iglesias se decoraban con grandes murales, cuadros y esculturas cuya intención era inspirar a la gente recreando historias de la Biblia. Los reyes y los nobles embellecían con grandes obras de arte sus castillos y mansiones. En los grandes salones, gustaban de un arte que endulzaba sus oídos e influía en su estado de ánimo: la música, interpretada con instrumentos como el laúd y la voz en vivo; gran parte de estas obras se componían especialmente para ellos.

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1.2

CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

Esta situación implicaba un mayor número de artistas para cumplir los caprichos de las cortes, por lo que muchos comenzaron a abrir talleres para enseñar su propio estilo; con el tiempo se desarrollaron academias de arte, teatro y música. Durante miles de años, artistas de todo el mundo han creado obras en catedrales, palacios y espacios urbanos: pinturas, esculturas, arte decorativo; piezas musicales, obras de teatro, poesía… Sus obras nos hablan de la época en que vivieron y su arte nos ayuda a revivir el pasado. El arte, en un sentido general, se define como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética y comunicativa. El arte es una expresión cultural, una actividad creativa que requiere innovación y originalidad; es dinámico porque se transforma y evoluciona constantemente y es una manifestación del espíritu del hombre porque nos permite conocer parte de nuestra historia. El término arte procede del latín ars, equivalente al término griego τέχνη (téchne, de donde proviene la palabra técnica). Diversos estudiosos han propuesto su definición, aunque no se ha llegado a un concepto único. Considera las siguientes expresiones de filósofos y artistas: “El arte es aquello que establece su propia regla”: Schiller; “el arte es el estilo”: Max Dvořák; “el arte es expresión de la sociedad”: John Ruskin; “el arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad”: Pablo Picasso.

El concepto de cultura Con frecuencia escuchamos o hablamos sobre cultura mexicana, italiana, hindú… Pero, ¿nos hemos puesto a pensar qué entendemos por cultura? La cultura se refiere a formas compartidas de pensar, creer, percibir y valorar. El concepto cultura tiene un significado muy amplio y múltiples sentidos. La cultura es un conjunto de formas y expresiones que caracterizan en una época específica a una sociedad e incluyen costumbres, creencias, prácticas comunes, reglas, normas, vestimenta, gustos, religión, rituales y maneras de ser de una comunidad o región. Sin duda, más de una vez habrás escuchado frases como las siguientes: “¡Qué persona tan inculta, no sabe quién fue Beethoven!”, “¡qué culto es mi maestro de arte!”, “mira qué culto es, habla inglés, alemán e italiano, lo adoro”. Estas expresiones muestran lo que normalmente las personas entienden por cultura, como una cualidad rara a la que sólo unos cuantos tienen acceso. Pero se trata de un concepto que ha evolucionado y ha adoptado diversas interpretaciones desde diferentes disciplinas. Desde un enfoque psicológico, la cultura es la configuración de todo lo aprendido y de los resultados de la conducta, cuyos elementos comparten y transmiten los miembros de una sociedad. Para Edward B. Tylor, “la cultura incluye el conocimiento, las creencias, el arte, la moral, el derecho, las costumbres y cualquier otro hábito y capacidades adquiridas por el hombre en cuanto miembro de la sociedad”. Maurice Duverger considera que “la cultura es un conjunto coordinado de maneras de actuar, de pensar y de sentir constituyendo los roles que definen los comportamientos esperados de una colectividad de personas”.

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LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Los procesos de interacción cultural dentro de la sociedad los estudiarás en cuarto semestre en las UA Raíces culturales, e Identidad y filosofía de vida, en quinto.


CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

1.2

El término cultura, que proviene del latín cultus, hace referencia al cultivo del espíritu humano y de las facultades intelectuales del hombre. También la cultura tiene lugares propios para expresarse y mostrarse como museos, teatros, escuelas, bibliotecas, centros culturales y artesanales, en muchos de los cuales las personas aprenden y se ejercitan para alcanzar un conocimiento determinado. Tiene un matiz cotidiano e incluso de carácter popular y adquiere un nivel superior si se requiere especialización; en cualquier caso, la cultura es inseparable de la sociedad y la vivimos todos los días.

El concepto de estética Deriva de las palabras griegas αἰδθητιχή (sensación, percepción) e ιχή (relativo a). En cada época histórica han existido posturas divergentes para evaluar lo que se considera como estético. Si observas fotos antiguas te darás cuenta de la manera en que cambia la moda, e incluso las diferencias en el tipo de modelo femenino, por ejemplo. La estética tiene por objeto de estudio la esencia y la percepción de la belleza, además de estudiar las razones y las emociones implicadas en lo que se considera bello, así como las diferentes formas del arte y sus cualidades vinculadas con lo feo y lo hermoso. La estética se relaciona estrechamente con el mundo artístico. El estudio de esta disciplina en la época moderna comenzó en el siglo XVIII, con el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten, quien establecía que debía interpretarse como “la ciencia de lo bello y la esencia del arte relacionado con la belleza y demás valores”. Pero muchos siglos atrás, en la antigua Grecia, filósofos como Platón y Aristóteles abordaron la cuestión de la estética en el arte. Así, el debate sobre el tema se remonta a esta época, con el nacimiento del discurso filosófico. Durante la Edad Media, cuando predominó el pensamiento cristiano, se extendió por toda Europa la idea de belleza ligada a Dios. Los artistas han lidiado siempre con el problema de crear una obra de buen gusto que, además, sea aceptada por la crítica. En el siglo XX se cuestionó mucho sobre las representaciones históricas referentes a lo bello, intentando presentar nuevas alternativas artísticas. Como puedes observar, con el paso del tiempo estas definiciones han sufrido cambios, se han ido afinando e integrándose a nuestra vida diaria. Tal es el caso de las fiestas patronales o aquellas actividades que forman parte de las tradiciones de una colonia o comunidad, que se pueden relacionar con el concepto de cultura. Por ejemplo, el carnaval de Venecia, en Italia, se festeja desde 1296, y durante el mismo la nobleza se disfrazaba para mezclarse con el pueblo. Ello derivó en que las máscaras venecianas se convirtieran en una tradición y se volvieran famosas en todo el mundo. Más notable aún es el hecho de que existan piezas musicales inspiradas en este tema (el carnaval de Venecia) de diversos compositores como Niccolò Paganini (1782-1840), Francisco Tarrega (1852-1909), Johann Kaspar Mertz (1806-1856) y Giulio Briccialdi (1818-1881).

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1.2

CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

La evolución del concepto de arte El arte es un concepto filosófico que se insinúa en el Renacimiento italiano, crece y se hace adulto durante la Revolución francesa y el imperio napoleónico, y absorbe todo cuanto quedaba de las artes en el periodo romántico y positivista. La unión, o mejor dicho, la fusión de las artes en un arte único y superior se encuentra en el origen del mismo de lo que llamamos "vanguardias". Uno de los primeros en plantearlo crudamente fue Wagner, para quien la obra de arte total era el resultado de la fusión de todas las artes. Félix de Azúa, Diccionario de las artes

Marcus Gheeraerts el Joven, Isabel de Inglaterra (detalle, 1592). National Portrait Gallery, Londres, Reino Unido.

Feria Internacional del Libro. Conocida como la FIL, es uno de los más importantes eventos culturales en Hispanoamérica. Se celebra cada año y su organización corre a cargo de la Universidad de Guadalajara.

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CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

1.2

Taller de arte 1. Una vez estudiados y discutidos los conceptos del apartado anterior (cultura, arte y estética), de manera individual explícalos con tus propias palabras en el siguiente cuadro.

Definiciones propias Arte

Cultura

Estética

2. Comparte con tus compañeros tus conceptos y, en grupo, elaboren un mapa mental creativo que conecte las definiciones anteriores, enriquecidas con ejemplos de su propia comunidad.

Mapa mental

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1.2

CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

3. Escucha en YouTube las piezas musicales inspiradas en el carnaval de Venecia y contesta las preguntas que se plantean a continuación: LA CREACIÓN BAJO LA LUPA En sus primeras acepciones, cultura designaba el cultivo de los campos. Niccolò Paganini

Francisco Tarrega

Johann Kaspar Mertz

a) ¿Cuál interpretación te gustó más? ¿Por qué?

b) ¿Con qué instrumento te identificas? ¿Por qué?

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Giulio Briccialdi


Clasificación de las artes

1.3

Primeros trazos Identifica conceptos relacionados con la clasificación de las artes. 1. Marca en la sopa de letras las palabras relacionadas con el mundo del arte. M

R

Y

H

J

I

T

I

P

M

T

U

F

U

I

E

R

R

O

I

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C

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Y

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X

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Ñ

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E

E

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M

V

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Y

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Z

B

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A

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O

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G

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L

A

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Y

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E

I

E

T

T

H

O

U

O

R

R

A

R

T

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S

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E

J

H

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M

S

E

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Z

U

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F

E

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C

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O

N

E

S

D

K

M

R

I

O

T

S

E

A

F

Te acercarás a las diferentes disciplinas artísticas, sensibilizándote a todas sus expresiones.

2. En clase discutan las palabras encontradas en la sopa de letras. ¿Qué significan? ¿Qué relevancia tienen dentro del contexto del arte y para ustedes en su vida diaria?

Ideas a cuadro Las artes se clasifican en temporales, espaciales, espaciotemporales o mixtas. Las artes mixtas combinan lo temporal con lo espacial, como el teatro, el cine y la ópera. Leemos en el blog “El Arte” en internet: “Las artes mixtas incluyen todas aquellas artes que combinan uno o más de los medios anteriores. Así, la ópera incluye música, palabras e imágenes visuales, aunque con predominio de la música. Las representaciones teatrales combinan el arte literario con la habilidad

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1.3

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

escénica y las imágenes visuales. En la danza predomina generalmente lo visual, mientras que la música sirve de acompañamiento. En el cine están presentes todos los elementos”. En la antigua Roma, las artes se diferenciaban y clasificaban según el sentido que activaban: como menores se designaban a las que se huelen, saborean o tocan, y superiores, a las que se ven y producen sonidos para escucharse. Los griegos, según su mitología, clasificaban las artes en relación con las musas, a quienes consideraban divinidades protectoras de una ciencia o arte determinados. Las musas han inspirado a los artistas e incluso han sido motivo de sus cuadros.

Terpsícope. Musa de la danza. Se le representa con una lira.

Talía. Protectora de la comedia y la poesía bucólica. Su nombre significa “la que florece”. Se le representa como una joven risueña coronada de hiedra, con la máscara cómica en una mano y en la otra un cayado de pastor.

Erato. Musa de la poesía amorosa. Se le representa con Cupido a sus pies. Inspiradora del mimetismo.

Polimnia. Inspira la poesía sacra. Se le relaciona también con la geometría.

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Calíope. Protectora de la poesía épica. Su nombre significa “la de la bella voz”.

Las nueve musas

Urania. Musa de la astronomía y la astrología.

Clío. Musa de la historia. En las representaciones clásicas aparece con un rollo de escritura en las manos. Según la tradición, introdujo en Grecia el alfabeto fenicio, antecedente de nuestro alfabeto.

Melpómene. Musa de la tragedia. Aparece representada con la máscara trágica y una maza o espada.

Euterpe. Inspira la poesía lírica y la música. Se representa con una flauta doble. Su nombre significa “la que entretiene o defiende”.


CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

1.3

Simón Vouet, Las musas Urania y Calíope (1634). Galería Nacional de Arte, Washington, EUA.

Eustache Le Sueur, Clío, Euterpe y Talía (1640-1645). Museo del Louvre, París, Francia.

29


1.3

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA En la ciudad de Guadalajara, en la colonia Lomas de Independencia, existen nueve calles nombradas en honor de las musas.

Euterpe (con flauta doble) en el frontispicio del Teatro Degollado. Guadalajara, México.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Literatura El joven Winston, de Richard Attenborough (1972).

Johannes Vermeer, Alegoría a la pintura (detalle, 1666). Museo Kunsthistorisches, Viena, Austria.

Joos de Momper, Helicón o Minerva visita a las Musas (1633). Royal Museum of Fine Arts, Bruselas, Bélgica.

30


1.3

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

No existe una definición exacta de cada una de las artes. Con el paso del tiempo han cambiado y se han agregado nuevas expresiones artísticas. Lee con atención las siguientes definiciones: Música

Pintura

Escultura

Teatro

Es el arte de combinar sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de melodía, armonía y ritmo.

Representación gráfica por medio de pigmentos mezclados para acompañar los trazos. Se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color, composición y dibujo.

Representación de figuras utilizando materiales como barro, piedra, madera, bronce, entre otros.

Forma parte de las artes escénicas relacionadas con la actuación. Consiste en la representación de historias ante un público utilizando escenografía, música, sonido, diálogos, maquillaje y vestuario.

Danza

Arquitectura

Cine

Fotografía

Artes mixtas

Se expresa a través del movimiento del cuerpo, usualmente acompañado con música, con fines de entretenimiento artístico o religioso.

Es el arte y la técnica de diseñar, proyectar y construir edificios, estructuras habitables y espacios públicos con valor estético.

Arte y técnica de proyectar fotogramas secuenciales a cierta velocidad para crear imágenes en movimiento.

Arte y técnica de obtener imágenes duraderas valiéndose de la acción de la luz sobre los objetos.

Incluyen elementos de diferentes expresiones artísticas.

La clasificación de las artes Que el cine no pertenezca al conjunto de las artes no es un desdoro. Muchas artes han ido y venido por el tobogán y los laberintos del quehacer humano; muchas han sucumbido. Es posible que todas hayan sucumbido. Pero entre las prácticas habituales, todavía hoy la clasificación aceptada popularmente es el que propuso Hegel: arquitectura, escultura, pintura, música y poesía (que recoge todas las artes de la palabra). Han desaparecido casi por completo las grandes artes medievales que dominaron durante un milenio: la orfebrería, los textiles, el esmalte, la tapicería, el vidrio, la alfarería, el mosaico. Y nadie se apena. Félix de Azúa, Diccionario de las artes

31


1.3

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

Taller de arte 1. ¿Cuál musa te inspira, a cuál te encomiendas? Dibuja la musa que crees pueda inspirarte para desarrollar alguna expresión artística. Usa tu creatividad.

2. ¿Por qué elegiste a esa musa?

3. Elige cinco artes de las mencionadas anteriormente. Después, explica por escrito de qué manera practicarlas o apreciarlas puede beneficiar tu desarrollo personal. Comparte tus opiniones en una plenaria guiada por el profesor.

32

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Bellas artes y artes aplicadas son expresiones del siglo XVIII que se usaron para distinguir las artes de los oficios, como los artesanales, industriales y decorativos, que anteponen su función práctica a la estética.


1.4

Elementos estructurales de las artes

Primeros trazos Observa la siguiente obra del pintor Vasili Vasilievich Kandinski. Describe las figuras que ves y los colores que utiliza el artista.

Conocerás los instrumentos que dan pauta a un artista para materializar sus obras, conocidos como elementos estructurales del arte.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Pintura La chica del arete de perla, de Peter Webber (2003).

Vasili Kandinski, En blanco II (1923). Colección Centro Pompidou, Museo Nacional de Arte Moderno, París, Francia.

1. ¿Qué líneas utilizó para crear su obra?

2. ¿Qué figuras geométricas identificas?

3. Menciona tres colores que te hayan llamado la atención.

33


1.4

ELEMENTOS ESTRUCTURALES DE LAS ARTES

Ideas a cuadro Los elementos estructurales de una obra de arte son los recursos de los cuales echa mano un artista para materializar sus obras. Mencionamos a continuación los elementos básicos de las artes plásticas: Línea

Color

La línea consiste en una sucesión de puntos que delimitan formas y contornos. Una línea cambia según su trazo, grosor o saturación, dependiendo de la presión aplicada o la superficie donde se dibuje. Podemos destacar las siguientes, junto con su significado o intención comunicativa más difundida: • Vertical. Elegancia, firmeza, elevación. • Horizontal. Estabilidad, calma, reposo. • Diagonal u oblicua. Inestabilidad, tensión, velocidad. • Ondulada. Movimiento, voluptuosidad, suavidad. • Espiral. Unidad, giro. • En zigzag. Peligro, dinamismo, ruptura. • Paralelas. Orden. • Perpendiculares. Estabilidad, equilibrio. • Convergentes. Perspectiva. • Radiales. Explosión, energía.

Según la física, el color es una impresión producida por un tono de luz dependiente de la longitud de onda. Es la percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales. En el arte, el color es un lenguaje y disponemos de la correspondiente teoría que consiste en un conjunto de reglas básicas relacionadas con la combinación de colores para conseguir el efecto deseado. Por ejemplo, el negro se obtiene combinando cian, magenta y amarillo; el blanco, mezclando rojo, verde y azul.

Textura La textura da forma y volumen a distintos tipos de creaciones artísticas plasmadas en un lienzo o papel. A través de diversas escalas podemos clasificar la textura como el relieve, las líneas, la forma en que se expresa la pintura, etc.

Escala Entendemos la escala como el tamaño que tendrá la obra.

Contorno Toda figura que se representa con una forma plana y cerrada.

Valor Llamamos valor a la escala de grados de luminosidad existentes entre el blanco y negro. Va de la mano con el concepto de claroscuro, relativo a los contrastes entre luces y sombras de una obra. Los pintores flamencos e italianos en el siglo XVI desarrollaron el claroscuro como recurso para dar sensación de volumen. La pintora italiana Artemisia Gentileschi (1593-1653) perfeccionó la técnica del claroscuro creando escenas con alto contraste, en su mayoría oscuras con puntos focales luminosos, lo cual le granjeó el reconocimiento de sus contemporáneos por la atmósfera de dramatismo total lograda en sus lienzos.

Así como hay significados en las líneas y los colores empleados en las pinturas, en la música los significados se expresan a través de la tonalidad y el compás.Así por ejemplo, Jean-Philippe Rameau, compositor, clavecinista y teórico musical francés de la época barroca, asoció algunas tonalidades con emociones y significados, como el do mayor para provocar un estado de ánimo de regocijo o avivado, y el do menor, de ternura y lamentación. De la misma forma, los llamados modos griegos y las escalas modales estaban asociados a los estados de ánimo. Actualmente, el uso de melodía, ritmo y armonía tiene su propio significado en la obra musical.

34

GENIO Y FIGURA

Vasili Kandinski (18661944) nació en Rusia. Fue famoso en su época por inventar el arte abstracto, su gran amor por la música y por enseñar y escribir sobre arte. Realizó cuadros y esculturas que no parecen objetos reconocibles. Los elementos principales en su obra fueron el color, la forma, la línea y la composición. Tomó clases de piano y violonchelo, lo cual sin duda derivó hacia una influencia muy marcada de los elementos musicales en su pintura, como el ritmo. Algunas de sus pinturas han sido expuestas en el famoso Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París.


ELEMENTOS ESTRUCTURALES DE LAS ARTES

1.4

Líneas

Vertical

Horizontal

Paralelas

Diagonal u oblicua

Ondulada

Perpendiculares

Espiral

Convergentes

Zigzag

Radiales

Figuras geométricas

Círculo

Rectángulo

Óvalo

Hexágono

Vasili Kandinski, Improvisación 19 (1911). Städttische Galerie im Lenbachhaus, Munich, Alemania.

Cuadrado

Estrella

La firma de Kandinski incluye diversas líneas.

35


1.4

ELEMENTOS ESTRUCTURALES DE LAS ARTES

Taller de arte 1. Elabora un dibujo empleando los elementos estructurales de las artes plásticas, o bien crea una canción o una propuesta de movimiento y ritmo a partir de algo que te inspire.

2. Una vez terminado tu dibujo, o propuesta, integren equipos de cinco estudiantes y muestren su trabajo; dialoguen con el fin de identificar los elementos artísticos presentes en sus creaciones.

36

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Existen obras musicales inspiradas en obras pictóricas. Cuadros de una exposición es una famosa suite de piezas compuesta por Modest Músorgski (1839-1881) en 1874. Músorgski escribió la obra para piano, aunque ha sido más conocida por la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) hizo de ella en 1922. Músorgski compuso esta obra inspirado por la exposición póstuma de pinturas y escritos de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873). A manera de homenaje, el compositor quiso “dibujar en música” algunos de los cuadros expuestos.


1.5

Valores en el arte: axiología

Primeros trazos 1. En equipo, mediante una lluvia de ideas, discutan sobre lo que consideren como valores en el arte. Anoten sus comentarios aquí.

Analizarás los valores y juicios en el arte: axiología.

2. Ahora, en grupo expongan los resultados de la actividad anterior y reflexionen sobre los valores del arte. ¿Qué coincidencias y qué diferencias encuentran?

Ideas a cuadro El vocablo axiología proviene del griego άξιος, “valioso”, y λόγος, “tratado”. Considerada como la filosofía de los valores, es la rama de la filosofía que estudia la naturaleza de los valores y juicios valorativos. En el arte se vincula con la estética, el género y hasta con el precio de una obra. En este sentido, consideremos el detalle de que hay cuadros que se han llegado a vender en millones de dólares, principalmente por la firma del autor, su época, la técnica y la escuela. ¿Qué criterios se siguen para valorar una obra de arte? Consideremos los siguientes: ▶▶ Autor. Por lo general, los artistas firman sus obras. En caso contrario, se debe investigar quién es el autor o especificar a qué época o escuela pertenece. En la danza, consideramos el nombre del coreógrafo; en música, el del compositor, y en las obras arquitectónicas, el del arquitecto que realizó el diseño. ▶▶ Historia. Considera las siguientes interrogantes: ¿De dónde proviene la obra? ¿A qué época pertenece? ¿Ha estado en algún edificio histórico? ▶▶ Rareza. ¿Cuántas obras idénticas o del mismo autor existen? Las obras únicas tienen más valor que aquellas de las que existen copias. ▶▶ Conservación. El estado en que se encuentre la pieza es muy importante. Las obras deterioradas por el tiempo pierden su valor. En música, los instrumentos originales de la época son considerados obras de arte, como una vihuela renacentista, una viola de gamba, un violín barroco, una guitarra romántica, etc. ▶▶ Demanda. El público, los especialistas, las galerías y los museos solicitarán o procurarán con mayor interés una obra mientras mayor reputación tenga el autor.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Danza El último bailarín de Mao, de Bruce Beresford (2009).

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1.5

VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

▶▶ Materiales y dimensiones. El tamaño de la obra influye en su precio, sobre todo en arquitectura, donde además habrá que considerar la importancia social y el reconocimiento del arquitecto.

¿Qué es un crítico?

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Música Mi nombre es Bach, de Dominique de Rivaz (2003).

No se debe confundir al crítico ni con el sabio ni con el profesor. El sabio es aquel que trata de conocer la razón de ser y el fundamento de las cosas en general y del mismo ser en particular. En el terreno del arte busca, por ejemplo, cuáles son las causas profundas de una actividad humana tan distinta de todas las demás. Quiere averiguar, incluso, si de verdad es tan distinta. Las obras de arte son, para el sabio, signos de un jeroglífico del tamaño del universo; y los productos artísticos, palabras de una narración cuyo comienzo se sitúa en las cavernas y cuyo final posiblemente se situé en el mismo lugar. El crítico es un individuo de especie distinta. Hasta hace relativamente pocos años sólo se conocían dos tipos de críticos, el de toros y el de teatro. Luego se han multiplicado y en la actualidad hay críticos de libros (casi todos dedicados obsesivamente a la novela), de cine, de televisión, de fútbol, de alta costura, de gastronomía, de conciertos y de todo lo imaginable. En un periódico de Madrid hay incluso un crítico de misas. Félix de Azúa, Diccionario de las artes

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Pintura La dama de oro, de Simon Curtis (2015).

Sandro Botticelli, Simonetta Vespucci (1476-1480). Gemäldegalerie, Berlín, Alemania.

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1.5

VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El crítico de arte es una figura primordial en el mundo del arte, pues su labor consiste en realizar una valoración estética sobre las obras de arte, los artistas y las exposiciones.

Louis Michel van Loo, Denis Diderot (1767). Museo del Louvre, París, Francia.

Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer (1907). Neue Galerie, Nueva York, EUA.

GENIO Y FIGURA

Edgar Bundy, Antonio Stradivari (1893). Colección privada.

A continuación te presentamos algunas semblanzas de artistas jaliscienses notables. Puedes encontrar obras suyas en diferentes puntos de Guadalajara y otras localidades del estado de Jalisco; admirarlas, visitarlas o leerlas (según sea el caso) será una buena oportunidad para identificar los elementos estructurales de las artes.

Antonio Stradivari (1644-1737) es el creador de los violines más famosos del mundo, conocidos como Stradivarius. Estos instrumentos se consideran verdaderas obras de arte, muy apreciados por coleccionistas de antigüedades y tocados por reconocidos intérpretes de talla internacional.

39


1.5

VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

Gabriel Flores (1930-1933). Fue muralista, dibujante y pintor. Hoy en día su obra está más presente que nunca, ya que se anticipa el caos por el cual atraviesan las grandes urbes del país. Nació en Guadalajara, Jalisco.

Gerardo Murillo (1875-1964). Nacido en Guadalajara, siempre firmó con el seudónimo de Doctor Atl (“agua” en náhuatl). Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Dedicó gran parte de su obra a la representación de los volcanes Popocatépetl e Iztaccíhuatl desde diferentes locaciones de la ciudad de México. Participó también en diversas disciplinas: historia, crítica de arte, política, caricatura y literatura.

40

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Los grupos humanos son portadores de tradiciones artísticas y expresiones concretas referentes a la experiencia cultural de un grupo reconocido por su identidad.


VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

1.5

Luis Barragán (1902-1988). Nació en Guadalajara. Fue uno de los arquitectos más renombrados en el país por su estilo moderno que enlazó lo mexicano con la arquitectura mediterránea. En 1980 obtuvo el Premio Pritzker, el de mayor prestigio internacional, considerado como el Nobel de arquitectura.

Juan José Arreola (1918-2001) fue escritor, académico, actor, traductor y editor. Nació en Zapotlán el Grande, conocido hoy como Ciudad Guzmán. Fue considerado como uno de los impulsores más importantes del cuento fantástico. Entre algunas de sus obras se encuentran Varia invención (1949), Confabulario (1952), Palíndroma (1971), Bestiario (1972), cuentos; y La feria (1963), novela.

A Juan Rulfo (1917-1986) sus padres lo bautizaron con el nombre de Juan Nepomuceno Carlos Pérez Rulfo Vizcaíno. Nació en Sayula, Jalisco. Fue escritor, guionista y fotógrafo. Es autor del libro de cuentos El Llano en llamas y de la novela Pedro Páramo, considerada por los expertos como una obra maestra de la literatura universal, traducida a muchos idiomas.

La obra de María Izquierdo (1902-1955) se caracteriza por el uso de intensos colores y temáticas que incluyen autorretratos, paisajes y naturaleza con tintes de surrealismo. Nació en San Juan de los Lagos, Jalisco. Su primera exposición se presentó en el Art Center de la ciudad de Nueva York.

41


1.5

VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

Taller de arte 1. Investiga en internet sobre una pintura o una escultura; una obra de teatro, una pieza musical o un ballet; y una película o una fotografía. Después contesta lo que se te pide. ▶ Título: ▶ Autor o director: ▶ Fecha de creación: ▶ Historia, rareza: ▶ Dimensiones o duración: ▶ Técnica y materiales: ▶ Valor artístico: ▶ Interpretación: ▶ Opinión: 2. Investiga sobre artistas (pintores, arquitectos, músicos o escritores) representativos del estado de Jalisco y comenten en grupo en qué reside el valor artístico de su obra.

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LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El Retrato de Adele BlochBauer I, conocido como La dama de oro, del artista Gustav Klimt, realizado en 1907, se vendió en 125 mil dólares.


Actividad integradora 1 1. Observa la siguiente ilustración, investiga y completa.

Johannes Vermeer, La joven de la perla (1667). Galería Real de Pinturas Mauritshuis, La Haya, Países Bajos.

▶ Autor:

▶ Colores empleados:

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ACTIVIDAD INTEGRADORA 1

▶ Año de creación:

▶ ¿Quién es la chica que aparece en el cuadro?

▶ ¿Cuántas obras pintó su autor?

▶ ¿Qué te dice la imagen?

▶ Describe los elementos estructurales de la pintura.

▶ ¿Qué valores artísticos encuentras en ella? Explícalos.

▶ ¿A qué crees que se deba la fama de este cuadro?

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ACTIVIDAD INTEGRADORA 1

2. Algunas piezas de obra se han convertido en un misterio, tales como partituras de obras maestras musicales, esculturas, dibujos, edificios monumentales, incluidas cintas de películas. Investiga alguna obra de arte que por alguna razón te atraiga o te interese y después completa lo que se te pide. ▶ Descripción de la obra (elementos estructurales):

▶ Año de creación:

▶ Ciudad y país donde se encuentra:

▶ ¿Existe alguna leyenda sobre quién la elaboró? Anótala.

▶ ¿Por qué crees que se le considera una obra artística?

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ACTIVIDAD INTEGRADORA 1

Heteroevaluación Sí

Parcialmente

No

Parcialmente

No

Entendió las diversas funciones que ha tenido el arte. Participó en clase en conjunto con el profesor para concluir el tema. Comprendió los conceptos de arte, cultura y estética. Participó en clase en conjunto con sus compañeros para concluir cada tema. Respetó las opiones de sus compañeros. Asimiló los aprendizajes sobre axiología en el arte. Comprendió que el arte permite la comunicación entre individuos y desarrolló un sentido de identidad. Asume una posición crítica y respetuosa sobre las diversas manifestaciones del arte. Reconoce el arte como parte del patrimonio cultural.

Autoevaluación

Mi actitud facilitó el trabajo en equipo. Escuché y respeté las opiniones de los demás. Tengo claros los aprendizajes de esta unidad de competencia. Escuché y respeté las opiniones de los demás. Mis aportaciones fueron valiosas para mis compañeros. Tengo claros los aprendizajes de esta unidad sobre la axiología en el arte. Realicé los ejercicios que se me asignaron en las actividades de aprendizaje. Entendí que el arte representa un acto comunicativo.

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ACTIVIDAD INTEGRADORA 1

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2 UNIDAD DE COMPETENCIA

RELACIÓN ARTE-CULTURA Y SU PROCESO DE VALORACIÓN COMPETENCIAS ESPECÍFICAS Distingue los diferentes elementos que componen la obra artística, así como su interacción en su aproximación al arte.


OBJETIVOS DE APRENDIZAJE • Conocer las diversas variedades artísticas y culturales provenientes de tradiciones y herencias. • Analizar el lenguaje en el arte. • Conocer la forma y el contenido del arte.

• Adentrarte en las emociones que expresan las diferentes disciplinas artísticas, tales como música, pintura, escultura, teatro, danza, arquitectura, cine, fotografía y artes mixtas. • Analizar las diversas formas en que el arte comunica. • Conocer los procesos creativos del arte. • Identificar la relación del artista, la obra de arte y su proceso creativo.


2.1

Variedad artística y cultural

Primeros trazos Interroga a uno de tus compañeros sobre las expresiones artísticas que conozca, a las que haya asistido o que haya observado en su ciudad o comunidad y registra su respuesta.

Conocerás las diversas variedades artísticas y culturales provenientes de tradiciones y herencias.

GENIO Y FIGURA

Ideas a cuadro La variedad artística y cultural se refiere a una expresión en la cual distintas manifestaciones culturales propias de herencias y tradiciones específicas conviven armónicamente haciendo su aporte a una región definida. En el pasado muchas ciudades y pueblos mantenían su cultura aislada, con el fin de preservar tradiciones y expresiones artísticas que definían su identidad. El arte se encontraba en las calles. Griegos y romanos embellecían sus espacios públicos con esculturas. Durante su expansión, el Imperio Romano conquistaba países y se apropiaba de sus representaciones artísticas.Asediaban constantemente a los griegos, saqueando esculturas monumentales y bellas representaciones de la figura humana para engalanar calles y templos de sus ciudades. Orgullosos de sus atracos, justificaban su conducta en su gusto por lo estético. En la Edad Media, los reyes acumularon objetos que combinaban riqueza y rareza. En el Renacimiento surgió un profundo interés por la cultura griega y romana. Las piezas de arte se conservaban en un studiolo, espacio alejado de la corte donde además de estudiar, los privilegiados podían contemplar a su gusto estos tesoros. El arte se hizo público con la Revolución Francesa (1789) ampliando los acervos, en ocasiones despojando a los nobles de sus riquezas artísticas. Se abrieron los primeros museos públicos como el Louvre, en París; el British Museum, en

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Jorge Ibargüengoitia nació en Guanajuato en 1928 y falleció en Mejorada del Campo, España, en 1983, en un accidente de aviación. Escritor y periodista mexicano, considerado uno de los más agudos e irónicos de la literatura hispanoamericana y un crítico mordaz de la realidad social y política de su país. Su obra abarca novelas (Dos crímenes, Estas ruinas que ves, Las muertas), cuentos (La ley de Herodes), piezas teatrales, artículos periodísticos (Autopsias rápidas, Instrucciones para vivir en México) y relatos infantiles (Piezas y cuentos para niños).


2.1

VARIEDAD ARTÍSTICA Y CULTURAL

Londres; el Museo del Prado, en Madrid, entre otros. Surgieron colecciones privadas que mostraban el esplendor del arte clásico, las cuales con el tiempo dieron un giro subrayando cuestiones como la identidad nacional; algunos incluso instalaron salas dedicadas a la historia del arte, haciendo énfasis en lo primitivo. La música en la Edad Media era interpretada en las calles por juglares y trovadores. En el Renacimiento, en las cortes se escuchaban pequeños grupos de cámara, llamados así porque la música se interpretaba en pequeños salones o habitaciones a las que se les conocía como cámaras. La evolución en la música llevó, en 1597, a la composición de la obra Dafne, de Jacopo Peri, la primera considerada como ópera. Fue escrita bajo la inspiración de un círculo de literatos humanistas florentinos, conocidos como la Camerata de Bardi o Camerata Florentina. Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica. Las artes tienen el potencial de mejorar la calidad de vida de personas y comunidades, impulsan el desarrollo emocional e intelectual de quienes encuentran en las expresiones artísticas un lenguaje para comprender el mundo y conectarse con otros. Si recuerdas el concepto de cultura estudiado en la unidad anterior, sabrás que todos somos sujetos de cultura: compartimos ideas, experiencias, tradiciones y prácticas que definen nuestra identidad. Los grupos sociales o comunidades viven experiencias diferentes según su entorno y su historia. Además, otorgan distintos significados a cada aspecto de la vida. Diversidad cultural significa que existen muchas formas diferentes de organizar las experiencias vitales, ninguna mejor que otra, todas son valiosas. En cuanto a las artes, lo que se considera artístico varía según la cultura. Lo que entendemos como diversidad cultural está influido por las características específicas de un determinado lugar, derivado de experiencias, valores, historia, desarrollo tecnológico, etc. Este concepto tiene que ver con el contexto social de una etapa particular; también la infraestructura propicia la variedad; por ejemplo, en las grandes ciudades se cuenta con museos, escuelas de arte, casas de la cultura, galerías, arte urbano, por mencionar algunas manifestaciones y espacios culturales.

El Ballet Folclórico de la Universidad de Guadalajara, por más de cuatro décadas, ha mostrado su arte en los escenarios y ha puesto en alto el nombre de México por todo el orbe.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Ópera (del italiano opera, “obra musical”) designa, desde comienzos del siglo XVII, un género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. La ópera (de la voz latina opus, “obra”, “labor”) combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.

GENIO Y FIGURA

Ignacio López Tarso (nombre de pila: Ignacio López López) nació el 15 de enero de 1925, en la Ciudad de México. Actor de teatro, cine y televisión. Se inició en el teatro clásico, en especial con obras de los españoles Lope de Vega y Calderón de la Barca. López Tarso se considera como uno de los mejores lectores orales de México. Algunas de sus películas son Moctezuma II (1954), basada en una obra de Sergio Magaña; El amor de los cuatro coroneles (1955), de Peter Ustinov y Las brujas de Salem (1955), de Arthur Miller.

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2.1

VARIEDAD ARTÍSTICA Y CULTURAL

Taller de arte Integren un equipo de cinco estudiantes para elaborar un periódico mural sobre tradiciones artísticas o expresiones de su localidad. Se sugiere incluir las diversas disciplinas artísticas: danza, pintura, escultura, música, teatro, fotografía, etc. Para su elaboración apéguense a las siguientes recomendaciones: a) Definir el tema. b) Asignar actividades a desarrollar por cada integrante del equipo. c) Buscar y conseguir el material necesario. d) Seleccionar el material. e) Planificar, organizar y elaborar el periódico. Pueden utilizar el siguiente material documental: enciclopedias, libros y revistas de divulgación y especializados, periódicos, entrevistas con especialistas. Para el periódico, busquen suficientes imágenes gráficas; además, papel continuo, cartulinas, tijeras, pegamento, lápices, rotuladores y pinturas, es decir, todo lo que requieran para realizar un trabajo de calidad.

52


2.2

Lenguaje y arte

Primeros trazos 1. En equipos de cinco integrantes, mediante lluvia de ideas, expliquen lo que entienden sobre el lenguaje en el arte.

Analizarás el lenguaje en el arte. LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

2. Individualmente, elabora un dibujo que permita a tus compañeros identificar tu estado de ánimo en este momento.

Fresco proviene de la palabra italiana affresco. Es una pintura realizada sobre una superficie cubierta de dos capas de mortero de cal, la primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua; y la segunda (intonaco) formada por polvos de mármol, cal apagada y agua, sobre la cual se aplican los pigmentos.

GENIO Y FIGURA

Luis Fernando de Tavira Noriega nació en la Ciudad de México el 1 de septiembre de 1948. Dramaturgo, director de teatro, ensayista y pedagogo mexicano, ha puesto más de sesenta obras en escena y ha escrito trece obras teatrales. Es cofundador del Centro Universitario de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México.

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2.2

LENGUAJE Y ARTE

Ideas a cuadro ¿Alguna vez has intentado desarrollar alguna expresión artística? ¿De qué elementos echaste mano para expresarte? ¿Has intentado dibujar o crear una obra artística? ¿Cómo tratas de comunicar tus ideas y sentimientos? El lenguaje artístico es aquel que utiliza un medio específico para expresar y representar ideas o sentimientos con un sentido estético. El arte está formado por un conjunto de códigos que configuran un mensaje con el fin de transmitir información, ideas, sentimientos, emociones, como protesta ante algún hecho social, o para crear atmósferas o representar sucesos o historias, entre muchas otras formas de expresión. En el proceso artístico se comunica, se transmite información, un contenido o mensaje. Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente visual y se combinan a través de elementos que representan a la imagen; en dibujo y pintura, formas, colores y espacios; en escultura y arquitectura, volumen. Cada género desarrolla su propio sistema formal de signos. El lenguaje de la música se expresa a través de sonidos y silencios; al combinar los elementos compositivos e interpretativos se gestan propuestas artísticas en los diferentes géneros y estilos musicales. Los músicos deben desarrollar la habilidad para escuchar y reconocer los diferentes sonidos, timbres, volúmenes, ritmos, además de interpretar las partituras para crear su propuesta artística. Durante la etapa formativa de cualquier artista se parte del conocimiento de los modelos establecidos y de los estilos consolidados, analizándose las obras ya conocidas para crear a partir del genio de los grandes maestros; con ello (en teoría, al menos) se dispone de herramientas para elaborar propuestas creativas e innovadoras. En la danza existen diferentes símbolos para entender una coreografía y su representación puede ser gráfica. Una de las más famosas es la notación de la representación coreográfica de LABAN. ▶▶ Comunicación. La transmisión de un contenido. ▶▶ Contenido. Relativo a la información que se transmite. ▶▶ Transmisión. El acto de enviar o entregar un mensaje. ▶▶ Mensaje. La forma como se presenta el contenido. ▶▶ Lenguaje. En su sentido general, es el método de construir e interpretar mensajes. En un sentido más específico, es el método de crear mensajes verbales; no obstante, las artes se expresar a través de lenguajes no verbales, por ejemplo a través de la expresión corporal en danza, teatro o cinematografía, de lenguajes sonoros o lenguajes referentes a la forma y color, o bien del soporte empleado en el caso de las artes plásticas.

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GENIO Y FIGURA

José Clemente Orozco nació el 23 de noviembre de 1883. Cuando tenía dos años su familia se mudó de Zapotlán a Guadalajara y después a la Ciudad de México. Muy cerca de su casa se ubicaba la imprenta de José Guadalupe Posada, un hombre dedicado al grabado, la ilustración y la caricatura, conocido por sus dibujos de calaveras, como La Catrina, y escenas de crítica sociopolítica. El contacto con su obra y con su trabajo artístico lo llevó a interesarse por la pintura. Sus primeros trabajos retrataban la vida indígena de México. Después se interesó por la pintura mural. A los 16 años sufrió un accidente con pólvora mientras preparaba juegos pirotécnicos, por lo que su mano izquierda tuvo que ser amputada. Su primera exposición individual se montó en la librería Biblos de la Ciudad de México, en 1916. Al año siguiente viajó a Nueva York y San Francisco, pintando carteles y murales. De 1935 a 1939 realizó tres grandes obras murales en Guadalajara: en Palacio de Gobierno, en el Hospicio Cabañas y en el Paraninfo de la Universidad.


2.2

LENGUAJE Y ARTE

GENIO Y FIGURA

Diego Rivera, El hombre controlador del universo (1934). Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

La riqueza del legado de un jalisciense universal Escribir a principios de la segunda década del siglo XXI sobre José Clemente Orozco no deja de ser un dilema. Si se revisa la fortuna crítica y amplia bibliografía que su persona y su obra han generado, las consideraciones actuales podrían tender a ser repetitivas y, por lo tanto, hasta los posibles errores que existen corren riesgo de reiterarse. El título de la exposición curada en el Instituto Cultural Cabañas: “José Clemente Orozco. Pintura y verdad” (2009) no está referida en forma alguna a la existencia de una verdad única, que tendrá carácter de acción, sino a lo que el pintor consideraba verdadero respecto a la pintura. Conviene recordar que bautizó como La verdad a una sus más peculiares series de dibujos, y el título, como buena parte de lo que realizó a lo largo de su vida, es enigmático, y los enigmas invitan a las interpretaciones. En el caso de Orozco, estas no son sólo numerosas, sino que suelen ser a veces poco congruentes entre sí. Lo que puede admitirse como cierto es que las obras de Orozco transmiten mensajes que, como los de Fernando Pessoa, son de carácter multívoco.

Diego Rivera (1886-1957) nació en Guanajuato. Gran parte de su trayectoria artística la dedicó a pintar murales en edificios públicos de la Ciudad de México. Su obra fue conocida por comunicar contenidos sociales del México contemporáneo.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Una orquesta sinfónica se integra por las siguientes familias de instrumentos: de cuerda, de viento (aliento madera y aliento metal) y percusiones.

Teresa del Conde, Ensayos sobre el arte mexicano del siglo XX

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2.2

LENGUAJE Y ARTE

Taller de arte

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El muralismo mexicano fue un movimiento artístico iniciado a principios del siglo XX, impulsado por un grupo de pintores después de la Revolución. El mural se transformó en un medio utilizado para educar y politizar al pueblo de México. En sus trazos encontramos costumbres, geografía, la fisonomía del indio y su vestimenta, entre otros rasgos. Sus principales representantes fueron Diego Rivera, Gerardo Murillo, conocido como el Dr. Atl, David Alfaro Siqueiros, Gabriel Flores, José Clemente Orozco, Aurora Reyes y Roberto Montenegro, entre otros.

José Clemente Orozco, Hombre en llamas (1938). Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, México.

Observa la imagen de arriba y comenta en clase con tus compañeros y tu profesor: ▶ ¿Qué figuras identificas?

▶ ¿Qué colores predominan en la obra?

▶ ¿Hay movimiento, profundidad?

▶ ¿Qué te comunica la obra de Orozco?

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2.3

Forma y contenido

Primeros trazos Contesta las siguientes preguntas: ▶ ¿Qué crees que sea un símbolo?

Conocerás la forma y el contenido del arte.

▶ En las reproducciones de la unidad 1, ¿qué símbolos identificas? Descríbelos y explica su significado.

▶ ¿Qué instrumentos musicales conoces? Menciona algunos y describe su sonido característico.

Ideas a cuadro En una obra de arte existen elementos básicos en su contenido: el tema y la idea. El tema refleja lo que se quiere expresar, la idea expone el contexto del autor y la obra a partir de un ideal estético. El contenido de una pieza artística está formado por una realidad estética y por su entorno social. En música el tema es una idea musical formada por uno o más motivos; esta idea musical te ayuda a reconocer cualquier melodía. Cada motivo que conforma el tema es una breve figura melódica o rítmica, de diseño característico, que aparece una y otra vez en una composición y por tanto le da identidad y carácter a la pieza musical. Un claro ejemplo es la idea musical con la que inicia la Quinta sinfonía de Beethoven. En el arte identificamos una gramática pictórica, la cual nos permite identificar las claves para su mejor comprensión y disfrute. El pintor plasma sus creaciones en un gran número de superficies llamadas soportes. Mientras en la antigüedad se pintaba en las paredes de las rocas, se ha utilizado también el papel, la madera, el cuero, el metal, el marfil y, más comúnmente, el lienzo. Aunque en diferentes etapas de la historia del arte los creadores prefieren formatos específicos, se mantienen dos estándares: el retrato vertical y el paisaje horizontal.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Música The Doors, de Oliver Stone (1991).

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2.3

FORMA Y CONTENIDO

La composición es otro elemento fundamental. Según algunos autores clásicos, se trata de una fórmula matemática que hace que los elementos de una obra artística presenten un aspecto perfecto hablando en términos estéticos. En la música la composición se rige por elementos matemáticos y reglas de escritura, según su estilo. En muchas expresiones artísticas como la danza, la pintura, la escultura y la arquitectura encontrarás una íntima relación con las matemáticas. El estilo y la técnica tienen que ver con el contenido y el formato; si se combinan el estilo y la técnica se crea lo que conocemos como el sello de un artista. En las pinturas existen elementos tales como el signo y los símbolos; por ejemplo, en la Edad Media, las flores tenían un significado especial en los cuadros; la flor de lis era un símbolo de la realeza francesa. El Diccionario de la Real Academia Española señala que el símbolo remite a una representación sensorial perceptible de una realidad en virtud de rasgos asociados y socialmente aceptados por una comunidad. El símbolo sirve para representar ciertos contenidos y posee formas concretas como figuras o signos, es decir, cualquier cosa determina alguna otra a la cual se le asocia para dar un sentido de interpretación.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Escultura La pasión de Camille Claudel, de Bruno Nuytten (1988).

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

Jan van Eyck, El matrimonio Arnolfini (detalle, 1434). Galería Nacional de Londres, Reino Unido.

El matrimonio Arnolfini Son casi las seis de la tarde, Jeanne Chennany se mira al espejo. Acomoda el blanco velo de fino encaje que cubre su cabello, su vestido es de un verde profundo, es bultoso y le cubre hasta los pies, pero logra sujetar lo ampón con sus manos a la altura del vientre, las mangas son de color azul. Sus manos temblorosas delatan lo nerviosa que está. No puede sudar porque arruinaría el tocado de su cabello que parece dos croissants alrededor de su cabeza, pero semejan más dos cuernos bajo un fino encaje. Había instantes que Jeanne olvidaba quién era, que provenía de una adinerada familia italiana establecida en París. Brujas tenía un clima que le caía bien, al menos

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• El cuadro fue pintado en 1434. • Van Eyck fue el inventor de la pintura al óleo. • Los artistas de esa época preparaban sus propios pigmentos, obtenidos en su mayoría de plantas o minerales. • Las plantas se molían y se les agregaba huevo, así se formaba una pasta que secaba pronto sobre la tela del lienzo.


FORMA Y CONTENIDO

2.3

sus extraordinarios paisajes y canales la hacían olvidar de vez en cuando un viejo romance que tuvo con un aprendiz de artista. De repente dos toquidos sutiles la regresan al presente. Escucha una voz imperativa: —La aguardan en la sala de las visitas, vaya ya, milady. En la sala yace Giovanni Arnolfini, mercader italiano, conocido por pertenecer a la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, y por su ostentosidad. Tiene las cejas depiladas y una mirada serena. Pocas veces ha vestido para tal ocasión, la tela de su traje es lujosa y cara, el púrpura de su capa lo hace ver como un hombre interesante y de clase. Un sombrero negro cubre su calvicie. La ventana está abierta y deja ver el fresco árbol de cerezos, los tapices de los muebles son de color rojo. Al fondo, en una pared, hay un espejo con los doce misterios de Cristo. No quiere ni verse, él transmite tanta paz que espera sentado en el elegante mueble. En la escena de la habitación resalta la cama en color rojo, de una tela tan aterciopelada que pasar una noche ahí no garantiza despertar. Esa cama ostentosa la adquirió un par de semanas antes para decorar su nueva casa y será imprescindible para el gran acontecimiento que se suscitará. Es el día de su boda con Jeanne. Con serenidad, la espera a ella y a los dos testigos. Atrás de la puerta de la habitación se escuchan los pasos de unos suecos, es Jeanne abriendo la puerta. —Luces divina. Digna de que nos inmortalicen en un cuadro. —¿Una pintura? Preferiría que no… —Recuerda que tus padres no pueden asistir a nuestra unión, además seré uno de los hombres más influyentes y poderosos de Brujas. Quiero mostrar mi cercanía con el duque a través de un cuadro pintado por uno de los mejores retratistas, que pronto llegará. La pareja está parada en el cuarto. De pronto, un sirviente anuncia la presencia de los testigos: son el sacerdote y Jan van Eyck, el pintor neerlandés más renombrado de Italia, conocido por aplicar la perspectiva matemática en sus obras y por extraer el pigmento de las flores para dar color a sus cuadros, de donde surgió la técnica del óleo. —Bienvenidos, los estamos esperando. Jan van Eyck lleva consigo su caballete y, en unas cajas, brochas y pinturas. En las claras pupilas de Jeanne comienzan a proyectarse cientos de imágenes, cientos de recuerdos. Quiere llamarlo por su nombre, no puede creer que su ex prometido, el ayudante de un taller de arte, sea ahora un gran maestro. El sacerdote les indica que se pongan de pie para comenzar. Menciona uno por uno los compromisos del matrimonio. Jeanne no puede soltar de entre sus manos el sobrante de su vestido. Los anillos son entregados y la ceremonia consumada. Van Eyck saca su caballete, les pide que se den la mano en señal de unión; el mercader lo ve con recelo ya que cada vez que su esposa mira al pintor sus mejillas se enrojecen. La mano del artista se paraliza. Le llegan recuerdos de Jeanne, sobre todo de cuando su familia lo despreció por no tener fama ni fortuna. La puerta queda abierta y un pequeño perro atraviesa la habitación: —Besti, ven acá —dice el mercader—, tú también estarás en el cuadro. Pasan un par de horas. Cansados los posantes, Van Eyck piensa que lo terminará en el hostal, y lo cubre con una tela para que nadie pueda verlo. El sacerdote sale contento con unas monedas de oro entre sus manos, mientras Van Eyck se retira con la mirada perdida en el pasado.

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2.3

FORMA Y CONTENIDO

A la semana siguiente, el pintor toca a la casa del mercader, quien lo recibe gustoso y con honores, como el gran artista que es. —Maestro, ¿qué lo trae por aquí? —Estoy a punto de terminar su encargo, sólo me hacen falta algunos detalles: la profundidad de las telas de sus muebles, ese rojo tan intenso, su espejo y demás objetos… Quisiera volverlos a ver. —Sí, claro. Pase, maestro, mi esposa le atenderá, yo salgo de urgencia con el duque. Esta es su casa. Llama a Jeanne, y esta lo pasa a la habitación. Con voz quebradiza le dice al pintor: —Estoy orgullosa, te has convertido en uno de los pintores más renombrados, toda Europa habla de ti. —Es una lástima que no te tocó compartir todo esto conmigo. —Tú sabes que mis padres lo impidieron. —Nunca llegaste a la cita para huir juntos. —No, no lo hice, pero en este momento me voy contigo. Todo esto es tan falso: el rosario en la pared, una sola vela prendida del candelabro, el color de mi vestido… Giovanni sólo espera que le dé un heredero. Todos los días está borracho y en los prostíbulos. Llévame contigo a Italia. —Será una locura. Es que tú no sabes nada de mí, yo me… En fin, el mundo está loco. Los dos se abrazan y huyen al hostal. Jeanne no empaca nada y se va sólo con la ropa con la que está vestida, lo único de valor que carga es el anillo de matrimonio. Van Eyck sale porque tiene que recoger un pago de otro encargo que había realizado en Brujas. Sola en la habitación, Jeanne piensa en sus padres, en lo mucho que defraudará a su familia, serán la burla de París. Sin pensarlo, regresa a su casa, pasa por la habitación donde fue la ceremonia, se acuesta en la cama y cierra los ojos porque no quiere saber nada del mundo. Van Eyck regresa a Florencia. Su esposa le pregunta cómo la pasó en Brujas. —Estuve a punto de volverme loco —le contestó. Al paso de un mes, una carroza venida de Italia lleva el tan ansiado cuadro a casa del mercader. Frente a su esposa le quita la tela que lo cubre. Todo es perfecto: sus rostros, los trajes, los colores de sus muebles, la perspectiva del cuarto, el piso de madera, incluso el pelo de Besti. En el espejo de la pared aparece la leyenda “Jan van Eyck estuvo aquí”. Alrededor del espejo puso figuras pequeñas, que representan el momento que conoció a Jeanne y cuando lo abandonó en el hostal. La elegante habitación en tonos rojos está ahora llena de recuerdos para Jeanne. Pasa el tiempo y la pareja no engendra al heredero. El mercader la culpa todos los días de ser una mujer estéril. Un día, ahogada en la depresión, casi a la seis de la tarde y con una sola vela prendida, Jeanne entra al cuarto, se acuesta sobre el fino terciopelo rojo de la cama y cierra sus ojos, que jamás volvieron a abrirse. Dos años después el mercader se volvió a casar y tampoco pudo tener hijos. El cuadro se lo regaló al duque, ya que la obra valía veinte veces más que cuando Jan lo pintó. Él no sólo dejó plasmada una frase para inmortalizar su reencuentro con Jeanne, dejó una huella que perduraría por siglos. El mercader no se deshizo del cuadro por el recuerdo de su esposa, sino porque él no se parecía mucho al personaje del cuadro. Van Eyck había plasmado su propia boda: la de él y Jeanne. Ada Lorena Guevara

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LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El arte, como vehículo de comunicación, es un medio de expresión emocional. Si observas detenidamente los rostros de los personajes que aparecen en obras artísticas, descubrirás expresiones en sus ojos, en su sonrisa e incluso en la posición de su cuerpo. La pintura, a través de colores, texturas y trazos, puede transportarnos a un momento especial de nuestra vida, a evocar recuerdos, a sugerirnos emociones de tranquilidad, inquietud, tristeza o alegría.


FORMA Y CONTENIDO

2.3

Taller de arte LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Los arquitectos mexicanos más reconocidos son Pedro Ramírez Vázquez, quien edificó gran parte de los monumentos más representativos de la Ciudad de México; Luis Barragán, el único mexicano ganador del premio Pritzker (1980), que reconoce a los mejores arquitectos del mundo; Juan O’Gorman, quien realizó la casa estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo, y el museo Anahuacalli; y Ricardo Legorreta, quien estudió en la UNAM.

John Everett Millais, Ofelia (1852). Tate Gallery, Londres, Reino Unido.

1. Observa la imagen Ofelia y, junto con un compañero, contesten las siguientes preguntas y coméntenlas en grupo. ▶ ¿Qué observan en el cuadro?

▶ ¿A qué época los remite el cuadro?

▶ ¿Por qué la chica está en el agua?

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2.3

FORMA Y CONTENIDO

▶ ¿Qué símbolos identifican en la pintura?

▶ ¿Qué colores predominan?

▶ ¿Cuántos personajes aparecen en el cuadro?

2. Ahora investiguen el nombre del autor de este cuadro y escriban a qué obra literaria hace referencia. Anoten además algunas semejanzas y algunas diferencias entre el personaje literario y el de la pintura. 3. Por último, elijan alguna obra gráfica o musical. Después de mirarla o escucharla atentamente, escriban un breve cuento (de entre una y dos cuartillas) inspirado en la obra. Redacten un texto que se relacione con la pintura, la escultura o la pieza musical de la misma forma que se vincula el relato “El matrimonio Arnolfini” con el cuadro del mismo título.

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2.4

El arte, expresión de emociones

Primeros trazos

Te adentrarás en las diferentes emociones que expresan las diferentes disciplinas artísticas, tales como la música, pintura, escultura, teatro, danza, arquitectura, cine, fotografía y artes mixtas. GENIO Y FIGURA

Edvard Much, El grito (detalle, 1893). Galería Nacional de Oslo, Noruega.

1. ¿Qué emociones, sensaciones o sentimientos te transmite la imagen?

2. ¿A qué lugar te transporta?

3. ¿Qué otras obras te recuerda (musicales, cinematográficas, arquitectónicas, etc.)?

Edvard Munch (18631944) fue un pintor y grabador noruego. Se le considera iniciador del expresionismo. Sobre su obra El grito escribió: “Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza, un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en una barandilla, preso de una fatiga mortal. Lenguas de fuego como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza”.

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2.4

EL ARTE, EXPRESIÓN DE EMOCIONES

Ideas a cuadro ¿Alguna vez leer un poema, ver una película o escuchar una canción o pieza musical te ha hecho sentirte alegre, triste, melancólico? Si te preguntáramos por el tipo de música que escuchas, sin duda responderás que ello depende de tu estado de ánimo. Las emociones nos atrapan a diario y podemos expresarlas por medio de música, poesía, baile, escultura, pintura o arquitectura. Cuando deambulas por la ciudad, ¿has observado algún edificio que te haya transmitido emociones? La arquitectura trabaja formas, espacios, materiales, estructuras, y es capaz de transmitir emociones de tranquilidad, dinamismo o aventura, entre otras.

Taller de arte En equipos designados por tu profesor realizarán un sociodrama en el cual representarán el cuadro El grito de Edvard Munch o cualquier obra de las que han visto en este libro. Pueden disfrazarse, agregar diálogos, sonidos, baile o mímica. ¿Cómo llevarlo a cabo? Incluyan varios personajes en la representación. Los personajes deberán ejecutar acciones, emplear expresiones verbales y transmitir sentimientos. Todos los integrantes deben involucrarse en el proyecto. La representación se realizará ante el grupo.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Romeo y Julieta, de William Shakespeare, es la dramática historia del amor prohibido entre jóvenes de familias rivales, Romeo Montesco y Julieta Capuleto. A pesar del intenso amor de los enamorados, la desdicha siempre estuvo presente.

GENIO Y FIGURA

Frida Kahlo (19071954), pintora mexicana nacida en Coyoacán, en la Ciudad de México. Su vida estuvo marcada por la poliomielitis y después por sufrir un accidente, que la llevó a permanecer por largos periodos en cama y a someterse a 32 operaciones quirúrgicas. Su obra pictórica gira en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de más de doscientos cuadros, principalmente autorretratos. Su arte es reconocido a nivel internacional. “Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco”, afirmó en algún momento.

Frida Kahlo, Las dos Fridas (1939). Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

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2.5

El enfoque comunicativo en el arte

Primeros trazos

Analizarás las diversas formas en que el arte comunica.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Pintura El poder del arte (documental), de Simon Schama (2006).

Jean Delville, Orfeo muerto (1893). Museo de Bellas Artes, Bruselas, Bélgica.

1. Observa la reproducción de Orfeo muerto, de Jean Delville. Contesta: ▶ ¿Qué te comunica la obra? LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

▶ ¿Qué objetos encuentras?

El concepto del teatro es muy amplio. Cualquier grupo de personas que desarrollan un espectáculo en un tiempo y un espacio determinados forman un espectáculo teatral. Su base es literaria, un guion o argumento escrito por un dramaturgo. El 27 de marzo es el Día Mundial del Teatro.

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2.5

EL ENFOQUE COMUNICATIVO EN EL ARTE

2. Busca en YouTube las obras El barbero de Sevilla y La Cenicienta, del compositor italiano Gioachino Rossini, y contesta: ▶ ¿Qué sentimientos despierta en ti la música?

▶ ¿De qué tratan las historias?

▶ ¿Qué instrumentos musicales identificas?

Ideas a cuadro La comunicación en el arte se establece entre el artista, su obra y el espectador, quien recibe el mensaje. De esta comunicación se desprenden los siguientes elementos: Emisor

Receptor

El emisor del mensaje es el artista, ya que en su obra expresa sentimientos, emociones, juicios y valoraciones sobre sus experiencias y su entorno, en consonancia con sus vivencias personales, artísticas y su concepción y percepción del mundo.

En el receptor del mensaje culmina el proceso comunicativo; al espectador le corresponde el papel de interpretar la información que se desprende de la obra. Al comprender el mensaje, el receptor decodifica (“traduce”) la información artística y establece la comunicación con la obra y con lo que representa. Este proceso dependerá de la capacidad y educación estética del espectador.

Canal de comunicación Para dar a conocer su mensaje, el artista se vale de medios o elementos expresivos que domina de forma consciente o inconsciente, y los plasma en su obra, convertida en un canal de comunicación.

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MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Música August Rush. Escucha tu destino, de Kirsten Sheridan (2007).


2.5

EL ENFOQUE COMUNICATIVO EN EL ARTE

Para transmitir sus mensajes, muchos artistas se valen de símbolos, metáforas o alegorías. Metáfora

Alegoría

El mundo del arte es un mundo lleno de metáforas, por medio de las cuales se describen aspectos espirituales que nos deleitan. Se emplea también en la literatura para expresar estados de ánimo como dolor, amor, pasión, desesperanza, etc. También en la pintura el artista utiliza las metáforas para plasmar sentimientos en sus cuadros. La metáfora es la aplicación de una expresión sobre una idea o un objeto el cual no explica directamente, con la intención de sugerir una comparación y facilitar su comprensión.

Figura literaria o tema artístico que representa una idea valiéndose de figuras humanas, animales u objetos reconocibles por el espectador. Una obra alegórica (puede ser literaria, pictórica, escultórica, etc.) parte de una pregunta relacionada con algún concepto abstracto: ¿qué son la esperanza, el amor, la igualdad, la paz, la fe, la justicia? Por medio de los recursos que le proporciona su medio de expresión, plasma en el papel, el lienzo o el mármol sus ideas. En el último concepto mencionado en la pregunta previa (justicia) se presenta una mujer con los ojos vendados, con una balanza en una mano y una espada en la otra, alegoría muy recurrente en el arte desde la antigüedad.

El mito de Orfeo

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El simbolismo fue uno de los movimientos literarios más importantes de finales del siglo XIX, que se originó en Francia y Bélgica. Para el simbolista el mundo es un misterio por descifrar. El sistema de símbolos que utiliza una pintura representa un concepto, una creencia o un suceso. Este sistema funciona a base de asociar ideas. Algunos de los poetas más representativos de este movimiento fueron Charles Baudelaire (1821-1867), el Conde de Lautréamont (1846-1870) y Stéphane Mallarmé (1842-1898).

Orfeo muerto es una de las obras más importantes de Jean Delville. Según la mitología griega, Orfeo fue un músico y cantante de Tracia, hijo de la musa Calíope y del rey Eagro (otras versiones lo hacen hijo de Apolo). Su música, de una calidad insuperable, poseía la virtud de calmar a las bestias e incluso a cualquier monstruo, de apaciguar las tempestades y hasta de hacer llorar a las piedras. Los hombres acudían ante el hechizo de su lira para dar reposo a su alma. Por su música conquistó a Eurídice, a quien profesaba un intenso amor. Sin embargo, la fatalidad la arrancó de sus brazos y descendió al inframundo para solicitar al mismo Hades que le permitiera regresar a la vida. Las notas de su instrumento le permitieron franquear la entrada a ese lugar de muertos, pues su temible custodio, el can Cerbero, monstruo de tres cabezas, sucumbió como manso corderillo a su música. Hades, a ruegos de su esposa Perséfone, conmovida por el arte de Orfeo, concedió la libertad de Eurídice, a condición de que él caminase delante de ella y no mirase atrás hasta que los rayos de sol bañasen a su mujer. Durante el largo y desesperante trayecto Orfeo, que escuchaba los pasos a sus espaldas, se esforzó por mantener la vista al frente, pero cuando lograron por fin salir del inframundo no soportó la tensión y volvió la cabeza para verificar que su amada lo seguía, pero como aún mantenía un pie en la región de los muertos, Eurídice se desvaneció en el aire para siempre. La obra de Jean Delville no muestra este episodio de la mitología griega, sino la muerte del protagonista. Su lira fue arrastrada por el mar, llevada por las musas al cielo, donde se convirtió en una constelación.

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2.5

EL ENFOQUE COMUNICATIVO EN EL ARTE

GENIO Y FIGURA

Odilon Redon (1840-1916) dijo de sí mismo: “Mi originalidad consiste en poner la lógica de lo visible al servicio de lo invisible”. Fue un pintor simbolista, nacido en Burdeos, Francia. Estudió escultura, grabado y litografía. Su obra da rienda suelta a la fantasía mezclando mitos con la ciencia y animales imaginarios con maquinaria de la revolución industrial. Se le considera como un precursor del surrealismo.

Odilon Redon, El cíclope (1898). Museo Kröller-Müller Museum, Otterlo, Países Bajos.

Taller de arte En parejas de aprendizaje busquen tres obras simbolistas: una literaria, una plástica y una musical. Discutan qué simboliza cada una, anoten sus conclusiones y compártanlas en plenaria.

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MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Música La vida en rosa, de Oliver Dahan (2007).


2.6

El proceso creativo

Primeros trazos Elabora el retrato de un compañero; proporciona los datos que se te piden y contesta las preguntas.

Conocerás los procesos creativos para crear arte. LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El proceso creativo es el acto más importante de la obra. Implica una carga emocional impresionante en la que el artista involucra los lugares que conoce, recuerdos familiares, música e incluso olores, todo lo que su mente va acumulando de sus experiencias para dar vida a sus emociones y transmitir aquello que le interesa comunicar.

▶ Firma del artista: ▶ Nombre de la obra: ▶ Año:

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2.6

EL PROCESO CREATIVO

▶ ¿Qué pasó por tu mente a la hora de dibujar?

▶ ¿En qué ideas te basaste para elaborar el retrato?

▶ ¿Qué elementos añadiste para caracterizar a tu compañero?

Ideas a cuadro ¿Cómo nace un artista? ¿De dónde surgen las ideas, los temas, las figuras y las personas? Seguramente te lo has preguntado cuando lees una novela o un poema, cuando escuchas música o ves una pintura que te llama la atención. El proceso creativo implica una dinámica relacionada con el contexto social del creador de la obra. Por el ritmo de vida tan apresurado que llevamos no se dispone de tiempo para pensar en ciertas cuestiones, por lo que en ocasiones la vida se vuelve una rutina; para crear una obra, el artista debe dar rienda suelta a su imaginación, creatividad y sensibilidad. La creación, como proceso, se desarrolla en distintas etapas. En el momento de gestar una idea, pensar en los estereotipos establecidos por la sociedad puede limitar la labor de creación. El proceso creativo no dura un día o dos; se han dado casos de artistas que tardaron años en finalizar una obra. En ocasiones, una vez terminada se pueden cambiar diversos elementos hasta que el artista queda satisfecho con su trabajo. Para crear, el artista se apoya en técnicas y disciplinas artísticas. Etapas del proceso artístico:

El artista echa mano de sus experiencias, emociones, su relación con los demás y con su entorno.

La obra, como parte de una representación, llega al receptor, quien interpretará el mensaje del artista. 1

Define lo que quiere plasmar en la obra. 2

Etapas del proceso creativo

Elabora bocetos, borradores, maquetas, ideas musicales, propuestas de movimiento escénico, libretos de teatro, primeras fotografías, etc.

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3

5

4

Realización de la obra final, la cual puede ir cambiando sobre la marcha o tardar años, hasta que el artista queda satisfecho con su trabajo.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA La observación de una pieza de arte te permite conocer sus características e interpretar las emociones, sentimientos, experiencias y otros elementos que quiso comunicar el artista.


2.6

EL PROCESO CREATIVO

Escultura y pintura: dos formas de vivir el arte A diferencia de la pintura, la escultura carece de punto de vista; el espectador puede tomar la posición que le plazca y aun mirar la escultura desde un balcón. Eso quiere decir que el escultor, a diferencia del pintor, no debe controlar el resultado de su mirada. Incluso un efecto de luz, escribe el siempre perspicaz Baudelaire, puede añadir o quitar matices a la escultura. El escultor no es tan dueño del resultado de su trabajo como el pintor, pero los escultores modernos han tratado de imponer su punto de vista como si fueran pintores. De hecho, tal ha sido una de sus reivindicaciones de la escultura del siglo XX, lo que se ha convertido en un verdadero problema. Si no recuerdo mal, fue Rothko (o alguien del círculo neoyorquino) quien dijo que la escultura es aquello con lo que tropiezas cuando vas reculando en busca del punto de vista adecuado para ver una pintura. Félix de Azúa, Diccionario de las artes

Taller de arte 1. Observa la obra titulada La edad madura, de la escultora Camille Claudel, y contesta:

GENIO Y FIGURA

Camille Claudel (18641943) nació en Francia; desde niña elaboraba figuras de barro y fue una de las primeras mujeres en Europa en destacar como escultora. Ingresó a la Académie Colarossi, una de las pocas escuelas que aceptaban mujeres en esa época. Fue la primera mujer que expuso en el Salón de la Société des Artistes Français, recibiendo críticas muy favorables. Su trabajo y creatividad influyeron en la obra del famoso escultor Auguste Rodin.

Camille Claudel, La edad madura (1893-1913). Museo de Orsay, París, Francia.

▶ ¿Qué emociones crees que motivaron a la autora para realizar su escultura?

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2.6

EL PROCESO CREATIVO

▶ ¿Qué te transmite la escultura?

2. Investiga sobre el proceso de creación de alguna obra de arte famosa, registra tus hallazgos y conviértelos en una breve crónica. Al terminar compara tu texto con el de un compañero y discutan sus conclusiones sobre el camino que recorren los artistas desde la idea inicial hasta la difusión de su trabajo.

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2.7

Relación artista-obra de arte-receptor

Primeros trazos 1. Identifica en qué momento emotivo te encuentras. 2. Dibuja un paisaje que exprese tal emoción y anota abajo qué deseas transmitir al público.

Identificarás la relación del artista, la obra de arte y su proceso creativo.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El impresionismo fue un movimiento artístico que, inicialmente, fue recibido con hostilidad. El nombre impresionismo fue designado, de manera despectiva, por el crítico Louis Leroy al observar un cuadro de Claude Monet. La intención al colgarles esa etiqueta era demostrar que los representantes de esa corriente no seguían las reglas del arte del momento y que la impresión que captaban no le otorgaba a la obra el valor artístico exigido por los cánones de moda. Para los impresionistas, una observación atenta de la naturaleza no nos muestra objetos particulares con colores específicos, sino que percibimos una mezcla de tonos que se combinan en nuestros ojos. Abandonaron la idea del trabajo en un estudio y decidieron dar sus pinceladas al aire libre. Con el tiempo, sus obras alcanzaron enorme fama y en la actualidad se venden a precios exorbitantes.

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2.7

RELACIÓN ARTISTA-OBRA DE ARTE-RECEPTOR

Ideas a cuadro Ya conocimos los momentos del proceso creativo, y descubrimos que la etapa final es la presentación o exposición de la obra, que corresponde al proceso de percepción o lectura del mensaje, el cual depende de la capacidad y educación del espectador, que puede ser: ▶▶ Espectador común. Codifica las obras de arte y habla de placer estético, aunque no cuente con un conocimiento profundo al respecto. ▶▶ Espectador creativo-activo. A partir de su apreciación es capaz de crear una obra. ▶▶ Espectador profesional. Aquel que es objetivo en la percepción del arte, con conocimientos especiales sobre estética, historia del arte y otras cuestiones relacionadas con el arte, la vida y la obra de los artistas.

Literatura Wilde, de Brian Gilbert (1997).

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

El epicentro del arte Uno de los aspectos más propiamente filosóficos en el entorno de las artes concierne a la obra de arte; ese objeto, esa cosa material y sólida que garantiza la posibilidad misma de las artes, o incluso del arte, y cuya existencia documental es anterior a la del artista, ya que hay obras de arte anónimas, colectivas o incluso espontáneas, pero no puede haber artistas sin obra. Una proposición sencilla sería la de que sabemos que hay artes porque hay obras de arte. ¿Cómo, si no, sabríamos que hay artes? Las obras, los objetos físicos, son nuestro lugar de encuentro y de acuerdo primero y originario. El artista viene después. Felix de Azúa, Diccionario de las artes

Taller de arte Comunica tus sentimientos o alguna experiencia valiéndote de los siguientes medios: una canción, una representación con movimientos, un modelo en plastilina u otro material moldeable, una maqueta. A continuación, escribe lo que pretendes comunicar, las ideas que quieres transmitir. Muestra el dibujo, canción, tu modelo o maqueta o la expresión dancística a un compañero y pregúntale qué mensaje le comunicó tu propuesta artística. Escribe su respuesta y discutan en plenaria: ¿Qué vuelve artística una obra? ¿Su significado es único o múltiple? ¿De qué depende la interpretación?

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MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS

Las cámaras de los celulares tienen sus referentes en las cajas oscuras. Uno de los primeros fotógrafos fue Joseph-Nicéphore Niépce en 1826, quien utilizó una cámara hecha de madera. La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un orificio muy pequeño en una de la paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orificio proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta; la imagen resultaba invertida y borrosa.


Actividad integradora 2 Formen un equipo con cinco compañeros. Realizarán la técnica artística del collage, que consiste en ensamblar diversos elementos y materiales, como periódicos, fotografías, revistas y objetos de uso cotidiano. Se dice que el pintor Pablo Picasso fue el inventor de esta técnica. Pueden montar su collage en una cartulina, tela o cartón; recolecten recortes de revistas, periódicos, telas, botones, etcétera, cualquier objeto de uso cotidiano. Su collage tendrá que representar todas las artes: fotografía, danza, pintura, escultura, música, teatro. Expongan en clase la razón para elegir esas imágenes. Pueden valerse de los materiales que quieran (cartulina, un cartón); agreguen objetos: madera, flores, productos reciclados, etc. Presenten a su profesor y compañeros su creación y comenten lo que quisieron expresar.

Heteroevaluación Sí

Parcialmente

No

Entendió las diversas expresiones artísticas y culturales. Comprendió que todas las disciplinas artísticas tienen un lenguaje y que a la vez transmiten sentimientos. Asimiló el concepto de símbolo. Comprendió que cualquier disciplina artística tiene procesos creativos. Participó en clase en conjunto con el profesor para concluir el tema. Realizó sus tareas en casa. Trabajó durante la clase.

Autoevaluación Sí

Parcialmente

No

Mi actitud facilitó el trabajo en equipo. Escuché y respeté las opiniones de los demás. Mis aportaciones fueron valiosas para mis compañeros. Tengo claros los aprendizajes de esta unidad sobre la comunicación en el arte. Realicé los ejercicios que se me asignaron en las actividades de aprendizaje. Entendí que el arte es un proceso comunicativo.

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3 UNIDAD DE COMPETENCIA

EL ARTE, LENGUAJE UNIVERSAL COMPETENCIAS ESPECÍFICAS Reflexiona sobre las distintas manifestaciones artísticas para ampliar su gusto, así como experimentar creaciones artísticas diversas y culturales, incluyendo su contenido histórico.


OBJETIVOS DE APRENDIZAJE • Acercarte a la multiplicidad de contextos en lo referente a la contemplación del arte. • Conocer las diferentes funciones del arte.

• Conocer cómo el artista representa su entorno. • Identificar los diferentes periodos en la historia del arte. • Conocer que las obras de arte forman parte de los bienes culturales de un país.


3.1

La multiplicidad de contextos en la contemplación del arte

Primeros trazos Contesta las siguientes preguntas: 1. ¿Alguna vez has visitado un museo o una galería?

2. ¿Has visto obras de arte en la calle?

3. ¿Qué es lo que te llama la atención de una obra de arte?

Te acercarás a la multiplicidad de contextos en lo referente a la contemplación del arte. MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Cine El pianista, de Roman Polanski (2002).

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

4. ¿Alguna vez has asistido al concierto de una orquesta sinfónica?

5. ¿Has asistido a alguna presentación de ballet?

6. ¿Qué obras arquitectónicas de tu ciudad o comunidad conoces?

Ideas a cuadro ¿Alguna vez has entrado a un museo, a una galería o has visto una obra de arte en la calle, o en internet alguna pintura o un concierto que te llamaron la atención? ¿Te atraparon los colores o sus sonidos? ¿La textura, sus figuras? Si has asistido a un espectáculo de danza o teatro, ¿te parecieron interesantes los diálogos, los movimientos corporales, el guion, las expresiones faciales, el lenguaje corporal, el tono de voz, el vestuario, la escenografía? Para apreciar una obra artística se requiere, en primer lugar, contemplarla, percibirla. El profesor Manuel Belda, de la Pontificia Universidad de la Santa Cruz, de Roma, explica:

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La palabra museo proviene del latín museum. Este espacio puede ser público o privado e incluir salas con exposiciones permanentes o temporales.


3.1

LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

El término contemplación proviene del vocablo latino contemplatio, que deriva de contemplum, una plataforma situada delante de los templos paganos, desde la cual los servidores del culto escrutaban el firmamento para conocer los designios de los dioses. De contemplum procede asimismo el término latino contemplari: ‘mirar lejos’. El sustantivo contemplatio, que expresa el resultado de la acción del verbo contemplari, fue utilizado por los primeros escritores cristianos latinos para traducir la palabra griega theoria, ‘contemplación’, ya existente en la filosofía de la Grecia clásica. Un término castellano relacionado con theoria es el sustantivo ‘teatro’, lugar donde se contempla una representación dramática.Así pues, estos términos significan la acción y el resultado de mirar algo con atención y admiración, por ejemplo, un espectáculo interesante.

Después de este proceso de percepción (contemplación), que podríamos considerar como la apropiación por parte del espectador de la obra de arte, y más allá de una opinión o punto de vista (“me gusta/me desagrada esta obra”), se requiere profundizar en la propuesta del artista. Una manera de comprender la intención o propósito, que nos permitiría emitir juicios más adecuados y objetivos, consiste en identificar elementos presentes en otras obras.

GENIO Y FIGURA

Ernesto García de León nació en Jáltipan, Veracruz, el 10 de julio de 1952. Fundó, junto con otros músicos latinoamericanos, el Premio de Musicología Casa de las Américas de La Habana, Cuba. Ha participado como intérprete y compositor en festivales nacionales e internacionales. Ha escrito más de 60 obras y su discografía incluye más de 30 discos compactos que recogen música de su autoría.

David Alfaro Siqueiros, El pueblo a la universidad, la universidad al pueblo. Por una cultura nacional neohumanista de profundidad universal (1952-1956). Junto a la torre de Rectoría de la UNAM, Ciudad de México.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

Museo de las Artes (Musa) de la Universidad de Guadalajara.

El Museo del Prado se encuentra en Madrid, España, y es considerado uno de los más importantes del mundo por su valiosa colección de arte de maestros europeos de los siglos XVI al XIX.

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3.1

LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

Centro Cultural Universitario. Es un proyecto de la Universidad de Guadalajara, ubicado al norte de la ciudad.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

El museo y su situación actual Un museo es una institución central en la configuración del mundo contemporáneo occidental. Concebido como lugar de cultura y centro cívico, refleja los ideales de democratización y sistematización, pero al mismo tiempo recoge una tradición mucho más antigua: la de la creación de significados a partir de la disposición de objetos en un espacio sublimador. Después de sucesivas crisis y refundaciones, en las últimas décadas el museo ha conocido una situación paradójica: tan cuestionado como reivindicado, ha ganado un nuevo protagonismo justamente cuando sus límites y posibilidades se hacen cada vez más difíciles de definir. María Dolores Jiménez-Blanco, Una historia del museo en nueve conceptos

Taller de arte 1. Visitar un museo es una experiencia agradable, y sin duda querrás regresar y conocer otros museos de la ciudad o del mundo. Escuchar en vivo a un cuarteto de cuerdas, a una orquesta sinfónica, ver en el escenario a un grupo profesional de danza o de teatro son experiencias que transforman tus concepciones sobre el arte. En esta actividad asistirás a un museo, una galería o la casa de la cultura de tu localidad, o bien a un concierto o a una representación de danza o teatro. Observarás las obras artísticas en exhibición, pondrás atención a la ejecución musical, dancística o teatral. Organícense para desarrollar la actividad. Luego de realizarla, comenten sus observaciones en clase.

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El Museo de las Artes (Musa) está ubicado en Guadalajara, Jalisco. En el inmueble, de un estilo renacentista francés, se exhibe la obra de artistas con reconocimiento internacional.


3.1

LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

Y si vives en alguna comunidad donde el acceso a estos sitios te resulta complicado, te presentamos algunos vínculos para que realices un recorrido virtual a través de internet. De cualquier manera, tómate algo de tiempo para observar los videos sugeridos, porque también los comentarán en clase. Antes de hacer tu visita al museo revisa en anexos la guía sobre cómo visitar un museo. Te sugerimos algunos enlances sobre danza: LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Carmen de Bizet

Danza butoh japonesa

Patricia Velázquez y Norman Barrios

Danza georgiana

Lago de los cisnes

Ballet Folclórico de Rafael Zamarripa

Ubicado en el corazón de Zapopan, el Centro Cultural Constitución alberga la Orquesta de Cámara y la Orquesta Sinfónica Juvenil y el coro, también ofrece talleres de danza y música además de conciertos y presentaciones de las diferentes manifestaciones artísticas en su auditorio. Anteriormente el edificio fue un mercado.

Echa un vistazo también a estos vínculos de museos:

Museo Frida Kahlo

Museo del Prado

Museo del Louvre

2. Responde las siguientes preguntas y coméntalas con tus compañeros y el profesor. Redacta un texto sobre tus impresiones de la obra o la representación artística. a) ¿Cuál fue tu primera impresión al ingresar al museo, a la galería, a la casa de la cultura? ¿Y al comienzo del espectáculo dancístico o teatral?

b) ¿Había alguna exposición permanente o temporal? ¿De qué artistas?

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3.1

LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

c) Describe las obras que te llamaron la atención.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Danza El cisne negro, de Darren Aronofsky (2010).

d) ¿Qué figuras, colores, texturas identificas? ¿Qué te transmiten?

e) ¿Qué sensaciones o experiencias te despertaron las representaciones escénicas?

f) ¿Qué representa la danza butoh?

g) ¿Qué creadores escénicos representaron la danza?

h) ¿Qué te llamó la atención del ballet?

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LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El Centro Cultural Universitario, con una arquitectura de primer mundo, crea un espacio de intercambio, un nuevo sentido de comunidad e identidad que hacía falta en la zona metropolitana. El Centro Cultural Universitario es un proyecto de la Universidad de Guadalajara. En sus edificios se integran la cultura, el entretenimiento y el comercio en un distrito urbano, haciendo de un estilo de vida una obra de arte. Sus instalaciones albergan la biblioteca Juan José Arreola. Se encuentra ubicado en Zapopan, Jalisco.


LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

3.1

i) ¿Qué tipos de movimientos percibiste en la danza georgiana?

j) ¿Por qué crees que el ballet conocido como El lago de los cisnes es tan famoso?

k) ¿Qué opinas del vestuario de la danza renacentista? ¿Qué movimientos caracterizan a este tipo de representación?

l) ¿Qué danzas del Renacimiento se bailaban?

83


3.2

La función social del arte

Primeros trazos 1. Completa cada frase con lo primero que venga a tu mente: ▶ El arte es...

Conocerás las diferentes funciones del arte.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

▶ El arte sirve para...

▶ La función social del arte es...

2. Elige tres palabras que consideres que describen la función o “utilidad” social del arte. 3. En el aula, con la guía del profesor, compartan las palabras elegidas y anótenlas en el pizarrón en un diagrama solar.

Ideas a cuadro En una fiesta, la música cumple la función de entretener a los asistentes. Algunos estudiantes, cuando tratan de concentrarse o relajarse escuchan a los grandes maestros de la música clásica: Mozart, Beethoven, Bach, Vivaldi. Como estudiaste en la primera unidad, el arte cumple una función social que responde a las necesidades de su época. Una obra de arte no expresa únicamente el estado de ánimo del artista al momento de crearla, sino que comunica algo más: el contexto social de una sociedad. En la época de la Grecia antigua, las obras de arte giraban en torno al concepto de belleza, ya que la estética en ese momento se asociaba al ideal de belleza, equilibrio y perfección. La iglesia, en el Renacimiento italiano, patrocinó a diversos artistas por medio del mecenazgo para que crearan magníficas obras de arte que se integraban a la decoración de edificios religiosos, las cuales cumplían la función de adoctrinar a la población analfabeta. En México muralistas como José Clemente Orozco, Aurora Reyes, Gabriel Flores, Diego Rivera, a través de sus pinturas murales plasmaron sus pensamientos políticos y sociales.

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En Guadalajara existen diversos monumentos que cumplen una función conmemorativa, como la Rotonda de los Jaliscienses Ilustres. Ubicada en el corazón del centro histórico de la capital jalisciense, en ella descansan los restos de hombres y mujeres ilustres de la entidad.


3.2

LA FUNCIÓN SOCIAL DEL ARTE

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA

Vicente Mendiola, Rotonda de los Jaliscienses Ilustres (1952). Guadalajara, México.

El friso (altorrelieve) ubicado en la parte posterior del teatro Degollado cumple una función conmemorativa. La obra representa la fundación de Guadalajara (1542) e incluye a los personajes que participaron en el acto: Cristóbal de Oñate, doña Beatriz Hernández y un grupo de españoles. Su autor fue el escultor tapatío Rafael Zamarripa.

Rafael Zamarripa, Friso de los fundadores (1952). Guadalajara, México.

¿Para qué sirve el arte? Se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes, desde la edad temprana, cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética muy sólida en su vida de adulto. Hay que tener presente que las bellas artes están vinculadas internamente a los sentidos y que estas nos nutren para una vida plena y para disfrutar lo que hacemos, en cualquiera de sus expresiones: música, pintura, escultura, literatura, etc. El lenguaje del arte expresa algunas veces más a través de sonidos, colores, formas e imágenes, que las mismas palabras. Nos identificamos a nosotros mismos por alguna de las expresiones del arte, ya que nuestra percepción de este es lo que nosotros somos. Aprendemos sobre el pasado, el presente y el futuro cuando apreciamos el arte. Las artes nos enseñan las diferentes realidades culturales a través de generaciones, y mientras más las conocemos, somos más capaces de cambiar nuestra comprensión del mundo con nuestras emociones en el momento. Practicar o apreciar el arte es relajante. Las personas que se encuentran en depresión pueden utilizar la apreciación de las obras artísticas para cambiar su estado de ánimo. Cuando en una sociedad

se difunde y se apoya el arte entre los ciudadanos hay menos posibilidad de que estos se inclinen por la delincuencia o la vagancia, ya que sensibiliza a las personas y a los pueblos. Una obra de arte indaga en su entorno y muestra la información que ha recopilado a través de la expresión del artista. Asimismo, son un testimonio muy importante de las épocas que se han vivido. Por eso, surgen las diferentes corrientes o vanguardias desde el renacimiento pasando por el manierismo, el barroco, el impresionismo, el surrealismo, el expresionismo, el dadaísmo, el arte abstracto, etc. Hay obras que se vuelven emblemáticas por la época y el momento, como el cuadro Guernica, de Pablo Picasso (1937). En este, el pintor quiso enseñarle al mundo el dolor y dramatismo que se vivió durante la Guerra Civil Española y que experimentó la población de Guernica. Asimismo, el grafiti que surge en los años 60 es una expresión artística, a veces humorística o crítica, que se escribe o dibuja en muros públicos de los espacios urbanos. Mayra Núñez, en El Sol de Cuautla (texto editado)

85


3.2

LA FUNCIÓN SOCIAL DEL ARTE

Taller de arte En el siguiente cuadro anoten cinco problemas sociales que identifiquen en su entorno. En la segunda columna expliquen de qué manera la práctica o apreaciación de un arte específico puede ayudar a combatirlo. Socialicen sus opiniones en plenaria.

Problema social

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¿Cómo puede solucionarlo el arte?

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El cine, cinematógrafo o cinematografía es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida para crear imágenes en movimiento. La palabra cine designa también a las salas en las que se proyectan las películas. La historia del cine comenzó en 1895 con los hermanos Lumière, quienes proyectaron públicamente la salida de los obreros de una fábrica francesa en Lyon, la llegada de un tren y un barco saliendo de un puerto. El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino en toda Europa y América del Norte. El cine actual se clasifica en diversos géneros: • Comercial. • De autor. • Independiente. • Animación. • Documental. • Experimental. • Ambiental.


3.3

Periodos en la historia del arte, reflejo de la historia del hombre

Primeros trazos 1. En equipo y empleando la técnica de lluvia de ideas, discutan sobre la importancia de estudiar los diferentes periodos de la historia del arte.

2. Integren en grupo el resultado de la discusión anterior y anoten las conclusiones correspondientes.

Identificarás las obras artísticas como una forma concreta de cultura.

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El inicio del arte se remonta a los orígenes de la humanidad. Para su mejor comprensión, se ha clasificado en periodos o etapas. Te sugerimos revisar la tabla sobre esta clasificación que aparece en la sección de Anexos.

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3.3

PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

imaginación expresión

es

estética

El arte

palabras formas

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS

por medio de colores sonidos

Pintura La mejor oferta, de Giuseppe Tornatore (2013).

Obras artísticas involucran

habilidad técnica

se suelen agrupar en

expresión del hombre

bellas artes

artes aplicadas

literatura

artesanía

música artes gráficas danza pintura

diseño industrial

escultura cerámica arquitectura cine

textilería

A partir del siglo XX esta diferenciación desaparece y se aplica el concepto global de arte tanto a unas como a otras.

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PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

Arte en la prehistoria

3.3

Paleolítico Neolítico

Mesopotamia Arte en las antiguas civilizaciones

Egipto Persia

Arte en las culturas clásicas

Grecia Roma

Arte paleocristiano

GENIO Y FIGURA

Arte bizantino

Arte en el tiempo

Arte medieval

Arte islámico Arte romántico Arte gótico

Renacimiento

Arte en la edad moderna

Manierismo Barroco Neoclásico

Romanticismo Realismo Arte en la edad contemporánea

Impresionismo Simbolismo Siglo xx

Francisco Toledo (1946), artista plástico, nació en Oaxaca, México. A lo largo de su trayectoria ha alcanzado renombre internacional y ha expuesto en Francia, Estados Unidos y Japón. Uno de sus medios de expresión es la cerámica, como la urna con forma de gato en la que reposan las cenizas del escritor Carlos Monsiváis. Su obra resulta controvertida al no ser particularmente agradable a la vista y emplear como modelos iguanas, sapos o murciélagos.

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3.3

PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

Ideas a cuadro A continuación te presentamos un glosario sobre los diferentes movimientos artísticos desarrollados a lo largo de la historia de la humanidad. 1

Arte primitivo

2

Conjunto de expresiones artísticas previas a la invención de la escritura, por ejemplo pinturas rupestres y objetos de cerámica.

4

Arte precolombino

7

Arte románico

Manierismo

Arte paleocristiano

Se desarrolló desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros.

8

Estilo artístico predominante en Europa durante los siglos xi, XII y parte del XIII. Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que desarrolló un lenguaje específico aplicado a todas las manifestaciones artísticas.

10

Se originó en la edad antigua. Su historia crea una gran división en la historia del arte, estudiando e interpretando más las obras artísticas.

5

Se designa así a las esculturas, arquitectura, cerámica, textiles y pinturas realizadas en el continente americano durante el periodo precolombino.

Arte antiguo

Arte gótico

Cubrió un amplio periodo. Surgió en el norte de Francia y se expandió por Europa. El gótico elevó su arquitectura: se caracterizó por catedrales llenas de altura y luz.

11

Rococó

Este estilo artístico predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento en Italia hasta 1580. Se caracterizó por resaltar la figura humana en formas alargadas; se pretendía imitar a Miguel Ángel.

Este movimiento artístico nació en Francia entre 1730 y 1760. Se caracterizó por abordar temas galantes, amorosos, de la vida diaria y de las relaciones humanas; reflejó un tono refinado y exótico.

13

14

Neoclasicismo

Movimiento cultural, estético e intelectual desarrollado en el siglo XVIII inspirado en los patrones estéticos del arte clásico.

15

Romanticismo

Surgió a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el neoclasicismo.

Art nouveau

Corriente de renovación artística de finales del siglo XIX. Representa un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

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3

Arte clásico

Conjunto de conceptos culturales de la civilización occidental que identifican lo clásico como arte grecorromano.

6

Arte bizantino

Continuación del arte paleocristiano. Se utilizaba el mosaico para crear las imágenes.

9

Renacimiento

Amplio movimiento cultural que se desarrolló en Europa occidental durante los siglos XV y XVI. La ciudad de Florencia, Italia, fue el lugar de nacimiento de esta corriente que se extendió por toda Europa.

12

Barroco

Representó una nueva forma de concebir el arte, surgido a partir de diversos contextos históricos y culturales; se manifestó principalmente en Europa occidental. Abarcó el siglo XVII y comienzos del XVIII. En música sus máximos exponentes fueron Bach, Weiss, Händel, Vivaldi, Telemann, entre otros.


3.3

PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

16

Impresionismo

17

Fauvismo

Movimiento que se caracterizó por pintar la luz en el momento y al aire libre. Se desarrolló durante la segunda mitad del siglo XIX.

Este movimiento pictórico se originó en Francia (1904-1908). Se caracterizó por un tratamiento exagerado del color.

19

20

Dadaísmo

Surgió en Europa y pasó después a Estados Unidos tras la Primera Guerra Mundial. Su fundador fue Hugo Ball. En poesía, el dadaísmo se caracteriza por una sucesión de palabras, letras y sonidos cuya lógica no resulta del todo comprensible, aunque se perciben fuertes tonos relacionados con la muerte, lo fantasioso y la negación.

22 Expresionismo abstracto En las obras de este movimiento artístico no existe la figura. Surgió después de la Segunda Guerra Mundial, en los Estados Unidos.

Movimiento iniciado en México a principios del siglo XX, propuesto por un grupo de intelectuales y pintores mexicanos después de la Revolución Mexicana. Sus obras reproducen hechos sociales.

23

Op art

Es también conocido como optical art, en alusión a las ilusiones ópticas que representa.

26

Pop art

Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular captadas de los medios de comunicación: anuncios publicitarios, actores de cine y objetos culturales.

25 24

Muralismo

Posmodernidad

18

Cubismo

Movimiento considerado como la ruptura definitiva de la pintura tradicional; se desarrolló entre 1907 y 1914. En los cuadros cubistas desapareció la perspectiva. Trató las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, líneas y superficies. Fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, entre otros.

21

Surrealismo

Movimiento artístico proveniente de la Francia de los años veinte del siglo XX. Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Se designa así a los movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, con ciertos tintes de oposición a la era moderna.

Arte contemporáneo

Es el que se realiza en nuestra época. Existe un gran número de propuestas dentro del arte contemporáneo, como el arte conceptual o ciertos experimentos que han sido criticados internacionalmente, lo que ha abierto la polémica sobre si tales manifestaciones se pueden considerar o no como arte.

GENIO Y FIGURA

Claude Monet (1840-1926). Pintor francés considerado uno de los creadores del impresionismo.

Claude Monet, Nenúfares (detalle, 1905). Museo de Bellas Artes, Boston, EUA.

91


3.3

PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

GENIO Y FIGURA

Artemisia Gentileschi (1593-1639) nació en Roma. Sus obras representaron el movimiento barroco de la época con efectos teatrales, inspiradas en el pintor Caravaggio.

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Artemisia Gentileschi, Autorretrato (1615-1617). Wadsworth Atheneum, Hartford, EUA.

Pintura Mr. Turner, de Mike Leigh (2014).

GENIO Y FIGURA

William Turner, El puerto de Dieppe (1825-1826). The Frick Collection, Nueva York, EUA.

92

William Turner (18511775) nació en Londres. Se especializó en paisajes realizados con acuarela. Su trabajo se caracterizó por la luz. Representó el movimiento artístico romántico y ahora se considera como un vanguardista.


PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

La manipulación en el mundo del arte Duchamp fabuló la leyenda del urinario para autopromocionarse descaradamente como el iniciador del arte moderno. La evidencia es tan contundente que todos los museos del mundo que poseen una de las “copias” de este plagio están rehaciendo las cédulas y lo presentan como “Una apropiación de Duchamp a partir del original de la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven”. El MoMA de Nueva York se negó a cambiar la cédula y sin argumentos mantiene el mito oficial que lo canoniza como artista [...] La verdadera obra de Duchamp fue explotar y manipular la estupidez crédula de una élite pretenciosa y sin ideas.

3.3

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Música Amadeus, de Milos Forman (1984).

Avelina Lésper, “Duchamp, el gran estafador”

Taller de arte 1. Integrados en pareja, averigüen y discutan sobre la propuesta de Marcel Duchamp (1887-1968), abanderado del movimiento pop (aunque también tuvo periodos cubistas y ready-made); coméntenla con sus compañeros y su profesor. Algunas de sus producciones son La caja verde, Desnudo descendiendo la escalera, La fuente, El gran vidrio. Dialoguen si consideran estas piezas arte o no, y por qué razones. Mencionen además por lo menos un ejemplo de arte contemporáneo semejante al estilo de Duchamp. 2. Elaboren una maqueta a partir de dibujos, escultura o representación arquitectónica, sobre tres movimientos artísticos, y preséntenla ante el grupo. Para elaborarla, puedes utilizar plastilina, un lienzo, acrílico… Tu imaginación no tiene límites.

Marcel Duchamp, La fuente (1917) y Rueda de bicicleta (1913/1917/1951).

93


3.4

La obra artística como forma concreta de cultura

Primeros trazos Forma un círculo con tus compañeros. El maestro realizará una lista en el pizarrón de las diferentes disciplinas artísticas. A continuación, mencionen el nombre de algún músico, pintor, bailarín, arquitecto o fotógrafo que conozcan o que hayan analizado en este libro. Escriban los nombres que mencionaron en la lista que realizó tu profesor en una hoja en blanco.

Conocerás cómo el artista representa su entorno.

Ideas a cuadro Las obras de arte forman parte de la cultura y de nuestro entorno; pueden explicarse a través de contextos sociales, históricos, económicos y políticos. Según Juan Acha, las artes proponen prácticas y valores que inciden en la sensibilidad de los individuos y en la necesidad de la estética. La cultura se encuentra en constante transformación y renovación de los valores artísticos, los cuales se cuestionan y nunca se consideran como norma establecida, pues los rasgos del arte son el cambio y la innovación. La idea de arte, como estudiamos en la unidad previa, está ligada con la comunicación de sentimientos, experiencias e ideas. Las obras de arte definen nuestra cultura social e integran nuestro patrimonio y nuestra herencia histórica.

GENIO Y FIGURA

Enrique Carbajal (1947), conocido como Sebastián, es un artista mexicano especializado en la escultura monumental. Los Arcos del Milenio, ubicados en la capital de Jalisco, son un ejemplo representativo de su obra.

Sebastián, Arcos del Milenio (1999). Guadalajara, México.

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3.4

LA OBRA ARTÍSTICA COMO FORMA CONCRETA DE CULTURA

GENIO Y FIGURA

Karlskirche, Viena. En esta ciudad austrica vivió Beethoven.

Taller de arte De manera individual y en grupo escuchen música de diferentes periodos artísticos, desde el Renacimiento hasta la época actual. Procuren distinguir qué instrumentos musicales se ejecutan y discutan cuáles son las principales diferencias entre la música de cada periodo histórico.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Es considerado como uno de los compositores más importantes de la historia de la música. Las obras que compuso han influido en la evolución posterior de este arte. La Novena sinfonía es una famosa y magistral pieza.

GENIO Y FIGURA

Alberto Durero, Melancolía I (detalle, 1514). Galería Nacional de Arte de Karlsruhe, Alemania.

Alberto Durero (14711528) fue el artista alemán más renombrado del Renacimiento. Sus pinturas, grabados y escritos sobre arte inspiraron a múltiples artistas y revistieron una vital importancia para el desarrollo futuro de las artes gráficas.

95


3.5

El artista y su representación del entorno

Primeros trazos Crea un dibujo que represente tu entorno (comunidad, familia, naturaleza, etc.) de la manera más creativa que puedas.

Identificarás los diferentes periodos en la historia del arte. LA CREACIÓN BAJO LA LUPA Durante la Época del Cine de Oro mexicano (comprendida entre 1936 y 1959) la industria fílmica mexicana alcanzó la mejor calidad de producción, teniendo gran aceptación y éxito a nivel internacional. Las películas que se produjeron en esa época aún se siguen proyectando en canales de televisión y servicios de streaming.

GENIO Y FIGURA

Vigée-Le Brun (1775-1842) fue la pintora con más prestigio en la Francia del siglo XVIII. Realizó muchos retratos de la aristocracia y la nobleza. Fue invitada a Versalles por la reina María Antonieta, a quien pintó en más de treinta ocasiones.

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3.5

EL ARTISTA Y SU REPRESENTACIÓN DEL ENTORNO

Ideas a cuadro El entorno influye en la obra del artista plástico: su época, la familia, los amigos de la infancia; su obra se expresará de manera diferente si vive en un ambiente urbano o rural; todas sus interacciones con el mundo social y natural se ven reflejadas en su trabajo.

Vincent van Gogh, La noche estrellada (1888). Museum of Modern Art, Nueva York, EUA.

GENIO Y FIGURA

Vincent van Gogh (18531890) nació en Países Bajos. Desde pequeño comenzó a dibujar. Cuando tenía 22 años creó la obra Los comedores de patatas. Su paleta se componía de tonos sombríos y oscuros. Después comenzó a pintar con colores vivos, lo más característico de su obra. Su hermano menor Theo, marchante de arte, le enviaba dinero cada mes. Le gustaba trabajar por la noche con una lámpara de gas. Pintó alrededor de 900 cuadros y mil 600 dibujos, algunos se encuentran entre los más famosos del arte moderno. En toda su vida sólo vendió una obra.

GENIO Y FIGURA

Tina Modotti, Mujer de Tehuantepec (detalle, 1929).

Tina Modotti (1896-1942) fue una fotógrafa italiana que vivió en México. Activista y luchadora social, plasmó la cotidianidad indígena y retrató a artistas de la época.

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3.5

EL ARTISTA Y SU REPRESENTACIÓN DEL ENTORNO

GENIO Y FIGURA

Tlacotalpan, Veracruz, cuna de Agustín Lara y Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.

Agustín Lara (1897-1970) fue un compositor y pianista mexicano que gozó de gran fama durante la llamada Época de Oro del cine en México. Su obra no sólo fue conocida en el país, sino también en España, Italia y Japón. Algunas de sus canciones son “Solamente una vez”, “Noche de ronda” y “María Bonita”.

GENIO Y FIGURA

Henri Cartier-Bresson, Hyères, France (1932).

Taller de arte La fotografía plasma las emociones de un instante. Investiga sobre la historia de la fotografía. Busca un lugar que te inspire, toma fotografías con tu celular o con otro dispositivo y compártelas con tus compañeros. Después, en plenaria, explica lo que representan.

98

Henri Cartier-Bresson (1908-2004) fue un célebre fotógrafo francés, considerado por la crítica como el padre del fotorreportaje. Retrató importantes personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse y Fidel Castro, entre otros.


3.6

Las obras de arte como bienes culturales

Primeros trazos Contesta las siguientes preguntas de acuerdo con tus conocimientos. ▶ ¿Qué entiendes por patrimonio cultural?

Conocerás que las obras de arte forman parte de los bienes culturales de un país.

▶ ¿Conoces alguna obra que esté registrada como Patrimonio Cultural de la Humanidad?

Ideas a cuadro Con este tema llegamos al final del curso, en el cual has estudiado sobre las diversas manifestaciones del arte, has entendido la importancia de las manifestaciones culturales y has evaluado la producción artística del mundo, del país y de tu comunidad. Además, ya posees un nivel adecuado de apreciación del arte. Las obras de arte, como bienes culturales, están protegidas en todo el mundo. El patrimonio cultural se refiere a bienes que constituyen la herencia de la humanidad o de una comunidad, forman parte de una tradición y refuerzan los vínculos de identidad. Sobre el cuidado del patrimonio cultural, contamos con testimonios que subrayan su importancia. Por ejemplo, Johann J. Winckelmann fue considerado como el fundador de la historia del arte y de la arqueología, estudió la estética del ideal griego y se dedicó al rescate de esculturas y pinturas griegas. Tu comunidad se caracteriza por rasgos peculiares que perfilan su identidad, como la lengua, las relaciones sociales, ritos, ceremonias, valores y creencias. Los bienes culturales se definen de la siguiente manera, de acuerdo con el gobierno de Jalisco, según lo expresa a través de la Secretaría de Cultura del Estado:

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA La conservación y restauración de bienes culturales es considerada una actividad profesional dedicada a preservar las manifestaciones culturales y artísticas, en especial la pintura, la escultura y la arquitectura, con el objetivo de conservarlas para las futuras generaciones, respetando su legado histórico.

99


3.6

LAS OBRAS DE ARTE COMO BIENES CULTURALES

Patrimonio cultural tangible o material Se compone de los bienes muebles e inmuebles elaborados por las sociedades de nuestro pasado.

Patrimonio arquitectónico

Patrimonio arqueológico

Son los monumentos, edificios y construcciones que representan nuestra memoria física y nuestra evolución o involución social.

Lo constituyen los elementos de valor producidos por culturas previas a la invasión de los españoles al ahora continente americano. También cuentan restos humanos, flora, fauna, fósiles y restos paleontológicos.

Patrimonio natural Se conforma por el conjunto de bienes y riquezas naturales, o ambientales, que la sociedad ha heredado de sus antecesores. Incluye también monumentos naturales constituidos por formaciones físicas y biológicas, hábitat de especies animal y vegetal endémicas o en peligro de extinción, así como lugares delimitados por su valor excepcional desde el punto de vista de la ciencia, de la conservación o de la belleza natural.

Saberes, tradiciones y creencias

Celebraciones y conocimientos

Conjunto de conocimientos y modos de hacer enraizados en la vida cotidiana de las comunidades. Formas de ser y de pensar que se han transmitido oralmente o a través de un proceso de recreación colectiva, desde actividades concretas comunitarias hasta leyendas, dichos, historias y creencias.

En las celebraciones podemos incluir los rituales de música, danza, teatro y otras expresiones similares como las festividades tradicionales cívicas, populares y religiosas. Asimismo, conocimientos y prácticas se manifiestan de diferentes maneras, como por ejemplo a través de la herbolaria, la gastronomía y los oficios artesanales.

Patrimonio cultural intangible e inmaterial Constituye el patrimonio intelectual y el sentido que hace única a una comunidad, como las tradiciones, la gastronomía, la herbolaria, la literatura, las teorías científicas y filosóficas, la religión, los ritos y la música, así como los patrones de comportamiento que se expresan en las técnicas, la historia oral, la música y la danza.

Lugares simbólicos

Patrimonio artístico e histórico Son las pinturas, esculturas o producciones artísticas que nos hablan de otras épocas. También piezas que nos sirven para evocar, recordar y explicar otros momentos de nuestra historia (audios, películas u objetos de uso diario, por ejemplo).

Se trata de mercados, ferias, santuarios, plazas y demás espacios donde tienen lugar prácticas sociales únicas.

Taller de arte Investiga en internet sobre cuatro monumentos históricos, obras arquitectónicas, piezas musicales o pinturas que se consideren patrimonio cultural de la humanidad y dibújalos. Agrega un dibujo y la ficha técnica de cada obra. Consulta en las siguientes fuentes:

Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

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El patrimonio cultural de México

Secretaría de Patrimonio Cultura. Patrimonio de la Humanidad Material e Inmaterial en México


LAS OBRAS DE ARTE COMO BIENES CULTURALES

Obra 1

Obra 2

3.6

LA CREACIÓN BAJO LA LUPA El Instituto Cultural Cabañas, por su arquitectura y los murales de José Clemente Orozco que resguarda, uno de los más grandes muralistas de México, en 1997 fue declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO.

Obra 3

Obra 4

MIRA, DISFRUTA Y APRENDE MÁS Literatura El editor de libros, de Michael Grandage (2016).

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Actividad integradora 3 En esta actividad tendrán que escoger alguna de las disciplinas artísticas, producir una obra y representarla. Puede ser una canción del género que más les guste, una pintura, una escultura, una obra de teatro, un corto de cine o bailar una coreografía. Tendrán que presentar su obra en el salón ante tu profesor y sus compañeros. Al finalizar la representación de todos los equipos, discutan los siguientes aspectos: 1. Contesta: ▶▶ ¿Qué te comunica cada obra? ▶▶ Describe alguna de las representaciones. ▶▶ ¿Qué función cumplen las obras presentadas? Explícalo. ▶▶ ¿Cuáles crees que fueron las emociones que querían transmitir? 2. Escoge la obra artística que más te haya gustado, contesta las preguntas en casa y entrega por escrito las respuestas al profesor.

Heteroevaluación Sí

Parcialmente

No

Parcialmente

No

Reconoció las diversas funciones del arte a lo largo de la historia. Entendió cómo el artista representa su entorno. Comprendió los diferentes periodos del arte. Entendió que algunas de las obras artísticas forman parte del patrimonio de la humanidad. Emitió juicios críticos sobre las diferentes disciplinas artísticas.

Autoevaluación

Mi actitud facilitó el trabajo en equipo. Escuché y respeté las opiniones de los demás. Tengo claros los aprendizajes de las competencias vistas en las unidades. Mis aportaciones fueron valiosas para mis compañeros. Realicé los trabajos en casa. Realicé los ejercicios que se me asignaron en las activiades de aprendizaje. Entendí que el arte tiene un lenguaje universal.

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ANEXOS


Periodos y corrientes en la historia del arte

Prehistoria

• Arte paleolítico (40000-10000 a. C.) • Arte mesolítico (10000-4000 a. C.) • Arte neolítico (4000-2000 a. C.)

Edad Antigua

• Arte egipcio (5300-30 a. C.) • Arte mesopotámico (4000-539 a. C.) • Arte minoico (3000-1400 a. C.) • Arte micénico (1500-1100 a. C.) • Arte griego (1000-320 a. C.) • Arte etrusco (800-100 a. C.) • Arte romano (400 a. C.-476 d. C.)

Edad Media

Edad Moderna

Edad Contemporánea

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• Arte paleocristiano (s. I-IV) • Arte visigodo (415-711) • Arte bizantino (330-1453) • Arte mozárabe (711-s. XI) • Arte carolingio (780-900) • Arte otoniano (950-1050) • Arte románico (s. XI-XIII) • Arte gótico (s. XII-XVI) • Arte mudéjar (s. XII-XVI) • Renacimiento (s. XV-XVI) • Manierismo (1530-1600) • Barroco (1600-1750) • Rococó (1720-1740) • Escuela Kano (s. XV-XIX) • Neoclasicismo (1730-1820) • Romanticismo (finales del s. XVIII-mediados del XIX) • Realismo (s. XIX) • Naturalismo (s. XIX) • Impresionismo (mediados del s. XIX) • Kitsch (s. XIX) • Simbolismo (finales del s. XIX) • Neoimpresionismo (finales del s. XIX) • Posimpresionismo (finales del s. XIX y principios del XX) • Art nouveau/modernismo (finales del s. XIX y principios del XX) • Muralismo mexicano (primeras décadas del s. XX)


ANEXOS: PERIODOS Y CORRIENTES EN LA HISTORIA DEL ARTE

Edad Contemporánea

• Arte naif (desde finales del s. XIX) • Pintura metafísica (1911-1920) • Art decó (1920-1950) • Arte cinético (cuarta década del s. XX) • Rayonismo/cubismo abstracto (a partir de 1911) • Orfismo (1912-1913) • Constructivismo (1914-1930) • Suprematismo (1915-1925) • Dadaísmo (1916-1924) • Neoplasticismo (1917-1944) • Nueva objetividad (1920-1933) • Surrealismo (1924-1966) • Racionalismo (1925-1940) • Antropofagia (1928) • Regionalismo (1930-1940) • Realismo fantástico (1940) • Tachismo (1940-1960) • Expresionismo abstracto (1944-1964) • Arte marginal/art brut (a partir de 1945) • Informalismo (1946-1960) • Espacialismo (1947-1968) • Pop art (a partir de 1950) • Happening (a partir de 1957) • Minimalismo (a partir de 1960) • Nuevo realismo (1960-1970) • Hiperrealismo (a partir de 1960) • Land art (a partir de 1960) • Abstracción lírica (1960-1970) • Arte conceptual (a partir de 1961) • Nueva abstracción/abstracción pospictórica (a partir de 1964) • Op art (a partir de 1964) • Body art (a partir de 1967) • Arte povera (a partir de 1967)

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Guía para visitar un museo

1

2

Lleva zapatos cómodos y tu celular con mucho espacio de memoria para que tomes fotos.

6

Algunos museos cobran por la entrada, otros son gratuitos; infórmate al respecto.

7

Sigue la ruta de comienzo.

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Observa con detenimiento las obras. Aplica lo aprendido en este libro; observa su tamaño, textura, colores, material; piensa en lo que te comunica, lee la ficha técnica, la cual informa sobre el autor, el año, el título de la obra y la técnica empleada.

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3

Mantén tu celular en silencio.

8

Guarda silencio.

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Cuando veas una escultura tienes que apreciarla desde diferentes puntos de vista. Camina alrededor de ella. Considera que al darle la vuelta cambia su aspecto. Una escultura es una obra tridimensional. Observa y analiza su altura, anchura y profundidad.

No toques ninguna de las obras expuestas.

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Pregúntate: ¿de qué está hecha la escultura? Imagínate si estuviera hecha de un material diferente. Si la piedra fuera madera y la madera acero, ¿cómo cambiaría la pieza?

4

5

Guarda tu mochila, bolsa o abrigo en el área destinada para este propósito.

Toma un mapa o folleto en el que se informe sobre las salas o las obras expuestas.

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10

Lee los cartelones informativos para saber si puedes tomar fotografías.

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Observa los materiales que puedes encontrar: mármol, madera, acero, barro, concha, yeso, soga, rocas.

No uses flash.

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Después de la visita platica con familiares, amigos y compañeros del grupo sobre lo que viste y tu apreciación sobre las piezas de arte.


Análisis de obras de arte

El Bosco, imaginación desbordada

El Bosco, El jardín de las delicias (1505). Museo del Prado, Madrid, España.

Creación, lujuria y seres inimaginables se entremezclan en tres tablillas articuladas conocidas como El jardín de las delicias. Su verdadero nombre se desconoce. Anteriormente le llamaron “La variedad del mundo” y después “Las fresas”.El tríptico era el formato favorito de los reyes y tenía la función de plasmar temas religiosos. ¿Qué orilló a un artista del medievo a pintar un cuadro que salía de la época? El creador de esta obra, que incita a lo prohibido, fue el pintor holandés Jheronimus Bosch (1450-1516), en español “El Bosco”. La obra se divide en tres partes. En el primer acercamiento, el espectador ve a Dios con Adán y Eva, después el paraíso carnal y por último los horrores del infierno. En esta primera interpretación encontramos la creación, el pecado y el purgatorio, pero una inicial interpretación no descubre el mundo lleno de simbolismos que se encuentran en el cuadro; quizás El Bosco conocía bien el tema central del cuadro que representa orgías, diversión y placeres desmedidos. ¿Fue una obra por encargo? ¿Dónde se colgó el tríptico por primera vez? Se sabe que lo adquirió el rey español Felipe II, colocándolo en su dormitorio del

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ANEXOS: ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

Escorial.Actualmente se encuentra en Madrid en el Museo del Prado, en donde se presentó la videoinstalación de la obra y ahora presentan el documental El jardín de los sueños dirigido por José Luis López Linares, en el cual curadores, músicos, escritores y restauradores nos hablan de la simbología del cuadro. El jardín de las delicias tiene muchos matices aún por descubrir. En este documental un grupo de profesionales proyectan el cuadro con luz infrarroja permitiendo visualizar las capas de carbón escondidas debajo de los pigmentos de pintura, con lo cual se muestran algunos dibujos los cuales cambió “El Bosco”. Se observa que a Dios lo había dibujado con una gran barba y mirando hacia Adán; además, entre sus animales místicos había esbozado una especie de salamandra con una pareja adentro y un libro. Estas investigaciones hacen aún más enigmático el cuadro. Poco se sabe sobre la vida de “El Bosco”, quien perteneció a una familia de pintores. Contrajo matrimonio con una mujer noble, misma que le permitió dedicarse a la pintura de tiempo completo y quien perteneció a una orden secreta: La Hermandad de Nuestra Dama. Sus obras fueron cotizadas. Fue un hombre que se adelantó a su época con paisajes prohibidos y figuras inquietantes en las que proyectó los deseos y temores humanos.

Correggio, entre la luz y la oscuridad

Antonio Correggio, Ío y Zeus (detalle, 1531). Museo de Historia del Arte, Viena, Austria.

Zeus, el padre de todos los dioses y de los hombres, baja del Olimpo en forma de nube; se pierde entre la neblina y la oscuridad de la noche. En el jardín, bajo un manto blanco, aguarda iluminada y radiante la doncella Ío, hija de Ínaco y sacerdotista de Hera. Un reflejo de luz lo delata dejando ver su rostro desvanecido y su brazo enganchado sobre la espalda de Ío, la mortal que luce un cuerpo desnudo iluminado, como si tuviera velas a su alrededor.

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ANEXOS: ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

Esta obra fue creada por el pintor italiano del Renacimiento Antonio Allegri da Correggio en 1531; la nombró: Ío y Zeus. Representa el momento erótico de la unión carnal entre Ío y Zeus. Correggio fue considerado durante muchas generaciones como el más progresista y osado innovador de su época. En sus lienzos irradia torrentes de luz mediante trazos en sanguina. El cuerpo desnudo bañado por el sol de Ío se encuentra colocado en forma de serpentinata, un concepto tradicional en el arte que designa la línea o figura en que aparece una forma, en este caso en “S”; sus caderas están hacia delante en lateral, así como los hombros y cabeza, que producen un desplazamiento del centro de gravedad hacia un lado (otro ejemplo de serpentinata lo apreciamos en la escultura de la Venus de Milo). Esta técnica de Correggio la imitaron los pintores del barroco. En la escena se ven hojas de árboles y un jarrón. En el lado de la esquina inferior derecha se asoma la cabeza de un ciervo tomando agua del río; la imagen alude al hecho de que el padre de Ío era un dios fluvial. Durante la sensual entrega entre Ío y Zeus fueron sorprendidos por Hera, que vigilaba a su marido. El dios, para salvar a su amada joven, la convirtió en una ternera blanca. Hera exigió a su esposo que se la entregase y ordenó al gigante de cien ojos Argos Panoptes que la vigilara, teniendo la bella mortal un fatal destino. Durante el Renacimiento los grandes reformadores florentinos dejaron de preocuparse por el color de las obras, lo cual no quiere decir que sus obras no hayan tenido un color impactante y profundo, sino que fueron muy pocos los que consideraron el color como un medio para conjugar las figuras y formas de un cuadro; apostaron por la búsqueda de nuevos enfoques, como la perspectiva y la composición. Este momento lo aprovechó Correggio para desarrollar su impactante trabajo; Leonardo y Rafael ya habían muerto cuando pintó sus obras más importantes. Tenía total conocimiento del modo de trabajar la luz y las sombras de Leonardo, logrando efectos nuevos que dejaron huella en las escuelas de pintura. El milagro de la luz que rasga la oscuridad caracteriza la obra de este gran pintor, además se le reconoce por pintar los techos y cúpulas de las iglesias, tratando de producir en los fieles el efecto de que el cielo existe y que se abre para que sus miradas entren en la gloria celestial. Con su creatividad deja a un lado la preocupación por el dibujo y el color, enfocándose en las leyes ocultas del arte y dejando un legado perdurable para las escuelas de arte.

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ANEXOS: ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

Pieter Brueghel, observación e ingenio

Pieter Brueghel el Viejo, Los proverbios flamencos (1558). Gemäldegalerie, Berlín, Alemania.

Brueghel fue el primer pintor que plasmó sobre lienzo la vida cotidiana en aquella época. Se sabe muy poco sobre este artista flamenco, ya que no hay relatos escritos sobre él. Estuvo en Italia, como otros artistas nórdicos. Vivió y trabajó en Amberes y Bruselas, en donde realizó la mayoría de sus cuadros a partir de 1560. Hacia 1520, todos los seguidores del arte, en las ciudades italianas, parecían estar de acuerdo en que habían alcanzado su máximo esplendor. Se sentía un clima obsesivo por superar a los grandes maestros clásicos (Miguel Ángel, Rafael, Ticiano, Leonardo da Vinci) y llevaban consigo la frase: “el alumno supera al maestro”. Muchos artistas jóvenes se sintieron con el permiso de asombrar al público con sus propias invenciones; su discurso fue crear figuras estilizadas perfectas, pero la perfección no siempre resulta interesante. Con la llegada del protestantismo se prohibieron las imágenes religiosas.Algunos artistas comenzaron también a centrarse en el retrato, tales como Hans Holbein el Joven y Nicholas Hilliard. Sólo existió una región protestante en Europa en la que el arte sobrevivió a la crisis de la Reforma: los Países Bajos. Aquí los artistas encontraron la posibilidad de pintar otras cosas que no fueran retratos, se enfocaron en temas sobre los cuales las iglesias protestantes no pondrían objeción. Esta circunstancia permite la creativa e ingeniosa obra de Brueghel: paisaje, naturaleza y observación de la vida cotidiana. El cuadro Los proverbios flamencos, se sitúan en una plaza pública (donde se desarrollaba la vida social, celebraciones, misas, linchamientos, etc.). Cada mujer y hombre se ocupa de sus actividades, que giran en torno a proverbios, una frase de origen popular repetida tradicionalmente en forma invariable, expresando un pensamiento moral, conseja o enseñanza. Resalta la imagen de un hombre que “golpea su cabeza contra un muro de ladrillos” (intenta conseguir lo imposible, darse contra el muro). Mientras en el río

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ANEXOS: ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

“el pez grande se come al chico” (los poderosos abusan del débil), y así cada personaje representa una enseñanza. La vida está llena de proverbios, los cuales en su mayoría han sido olvidados, en ese tiempo fueron muy populares. Sus pinturas tratan temas como el absurdo, debilidades y locuras humanas. Fue el primer artista occidental que rompió las reglas de pintar, creando paisajes, destacando escenas familiares y de gente del campo. Siempre llevaba consigo lienzo y lápices para captar las escenas. Descubrió un nuevo dominio para las generaciones flamencas y dejó un legado a los artistas de todas las generaciones. Sus dos hijos, Pieter Brueghel el Joven y Jan Brueghel el Viejo, fueron pintores, aunque ninguno discípulo de su padre, quien falleció cuando ambos eran niños. Su formación artística estuvo a cargo de Karel van Mander y se dedicaron a reproducir su obra. Algunos proverbios utilizados: ▶ Pescar detrás de la red (perder oportunidades). ▶ Mantener la vista fija en la vela (estar alerta). ▶ No soportar ver el sol brillando bajo el agua (estar celoso del éxito del vecino).

Alberto Durero, hasta el juicio final

Alberto Durero, Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1498).

El cielo se abre para dar paso a cuatro caballeros. Uno de ellos lleva un arco y se dispone a conquistar; otro, con una gran espada, desencadenará la destrucción; un tercero lleva colgando una balanza que se tambalea por el aire: representa la crisis económica; por último la muerte, que persigue a los desprotegidos humanos con un tridente puntiagudo, sintiéndose con la fuerza de Poseidón para rematar con esta arma a quien encuentre a su paso. Cabalga en un desnutrido caballo, lo siguen caras monstruosas que representan el infierno; trae consigo el hambre y la pestilencia al mundo entero.

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ANEXOS: ANÁLISIS DE OBRAS DE ARTE

Ningún artista se había atrevido a plasmar las terribles visiones de los horrores del juicio final, el Apocalipsis de San Juan: Los cuatro jinetes del Apocalipsis es obra del artista alemán más renombrado del Renacimiento: Alberto Durero (1471-1528). Sus pinturas, escritos sobre arte y grabados, inspiraron a múltiples artistas y tuvieron vital importancia para el futuro del arte. Durero fue hijo de un destacado orfebre proveniente de Hungría establecido en la floreciente ciudad de Nuremberg. Desde niño sus dibujos sorprendían. Ingresó en el taller más importante de retablos e ilustraciones de grabados de madera perteneciente al maestro nuremburgués Michael Wolgemur. Cuando concluyó sus enseñanzas en el taller, siguió la costumbre de los artesanos medievales y anduvo de un lado a otro para ampliar su conocimiento y perspectivas. Se estableció en su ciudad natal para casarse y abrir su propio taller. Una de sus primeras magníficas obras fueron la serie de grabados en madera para ilustrar el Apocalipsis de San Juan, teniendo un éxito extraordinario. Su imaginación hizo que la población de esa época se interesara por temas bíblicos; muchos esperaban que estas profecías se cumplieran en el transcurso de sus vidas. El gran maestro Durero demostró ser un artista fantástico y visionario, un verdadero virtuoso del gótico creador de monumentales pórticos y catedrales, quien no contento con esto, centró su mirada y desató su pincel en la naturaleza, y en sus lienzos la plasmó con tanta fidelidad y nitidez que le hicieron extender aún más su fama. Uno de sus admiradores y mecenas fue el emperador Maximiliano, quien le aseguró numerosos proyectos ambiciosos. En una de sus visitas a los Países Bajos fue recibido como un señor con los mejores cortejos. En su época fue considerado como un hombre misterioso y poseedor de grandes conocimientos.

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Breve panorama de la plástica en Jalisco La plástica de Jalisco siempre ha destacado en la historia del arte mexicano. Artistas como Gerardo Murillo Dr. Alt, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Raúl Anguiano, Jesús Guerrero Galván y Juan Soriano, entre otros, figuran en el muralismo y en la Escuela Mexicana de Pintura. Su arte definió la pintura actual en el occidente de México. Siglo XX Los cincuenta

Los sesenta

Algunos pintores proponen que regrese el muralismo y exponen su rechazo a la pintura abstracta. En Guadalajara se establecen los extrajeros Tomas Coffeen, Mathias Goeritz y Richar Lapan, quienes introdujeron corrientes europeas de moda.

La tendencia del arte roza los límites de la abstracción sin dejar de ser figurativa. Estos artistas se encuentran en el movimiento de la ruptura que acaba con el muralismo y los temas sociales. Algunos de sus representantes son Javier Arévalo, Héctor Navarro, Gustavo Aranguren, entre otros.

Los setenta Surgieron artistas como Alejandro Colunga, Ramiro Torreblanca, Luis Valsoto, Jorge Alzaga, quienes retoman la figura sustentada en los mitos tradicionales de la cultura y leyendas cotidianas.

Los ochenta Recuperan la forma del dibujo en sus formas más puras; la figura se recupera de nuevo. Algunos de sus principales exponentes son Javier Campos Cabello, Martha Pacheco, Salvador Rodríguez, Irma Naranjo y Jesús Rodríguez, entre otros. Fueron egresados de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara.

Los noventa

Año 2000

Se incursionó en una búsqueda en la reflexión conceptual y la crítica social.

El ambiente pictórico refleja a la figura como principal elemento y el hiperrealismo. Destacan artistas como Sergio Garval, Rita Vega, Carlos Larracilla, Enrique Monraz, Ignacio Guerrero y Samuel Meléndrez, entre otros.

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BIBLIOGRAFÍA

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Apreciación del arte se terminó de imprimir en febrero de 2018 en los talleres de Coloristas y Asociados S.A. de C.V. Calzada de los Héroes 315, Zona Centro 37000, León, Guanajuato

Apreciacion del arte  

Libro de texto apegado al programa del Bachillerato General por Competencias de la Universidad de Guadalajara

Apreciacion del arte  

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