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Imaginary

Colección de retratos tipográficos

Controversia Tipográfica Andrea Innocent Leith O’ Malley nuevos trabajos

CONSEJOS PARA ILUSTRAR CON TU TABLETA SAMANTHA EVERTON

ENTREVISTA PAUL BLOW


Fotografia: www.wallbase.cc


Encuéntranos

DIRECTORIO PRESIDENTE: ROBERTO SANCHEZ FERNANDEZ rsfrobert.com EDITOR EN JEFE: VICENTE FERNANDEZ vicente@naturalis.com PUBLISHER: ANDREA ORTIZ RODRIGUEZ andi@imaginary.com DIRECCIÓN DE ARTE: JAIME CARRILLO SOLIS WWW.REVISTAMARVIN.COM DISEÑO GRAFICO: ANGELINA TORRES MORALES olmos@naturalis.com

Noviembre 2012

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WELCOME CARTA EDITORIAL

Es difícil de creer, pero ya es el primer cumpleaños de Imaginary. Ha sido un viaje increíble desarrollo de RSF y traerte lo mejor del arte + diseño + fotografía. Doy las gracias a todos por su apoyo durante este proyecto esperamos que disfrute del contenido que esta revista trae. Un nuevo proyecto siempre trae cambios y RSF en 2012 no será una excepción. Soy uno de los aficionados editores, Ritsu, que se está moviendo a nuevos retos. Les doy las gracias por la magnífica contribución que he hecho y les deseo lo mejor en sus nuevos proyectos.

RP Y PUBLICIDAD: OMAR PEREZ AGUILAR soyuit@imaginary.com

Para llenar el gran vacío que ha dejado trabajar con este proyecto solo, daré la bienvenida a un nuevo proyecto que, estoy seguro, he dado el 100% de empeño. También espero con interés un nuevo proyecto diferente. El contenido es general que se complementa con algunas de las características editoriales nuevas. Como siempre, nuestro objetivo seguirá siendo en hacerle llegar las fotografías más nuevo y lo mejor del arte + diseño + fotografía.

COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS: LUIS GONZALES GOMEZ wis@imaginary.com

Imaginary encontrará su nuevo hogar en Puebla si es bien recibida. Así que esperamos recibir todo el apoyo de ustedes queridos lectores.

ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES: GERARDO MORA ORTIZ GERARD@IMAGINARY.COM

Esta primera línea nos dará una gran respuesta en lo que te gusta y en lo que quieres ver más, así que por favor tómese el tiempo para hacernos saber sus pensamientos.

DISTRIBUCIÓN: JONATHAN JIMENEZ ZACARIAS jonhyme@imaginary.com

Ritsu Rohenval

COORDINACIÓN EDITORIAL Y CONTENIDO WEB: JIMENA ALARCON HERNANDEZ jime@naturalis.com

FOTOGRAFÍA: FERNANDA SOSA, GUADALUPE GUTIERREZ, ARMANDO AGUILAR foto@imaginay.com IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL INDEPENDENCIA. COL. CENTRO. PUEBLA, PUE. TEL.: (222) 3443 566

Editor y amante del diseño rsfrobert@hotmail.com

Imaginary 01 Fotografía e Ilustración Ideando más allá de la luz


Noviembre 2012

Índice

CONTENIDO IMAGINARY

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Controversia Tipográfica

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Samantha Everton

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Tipografía elemental

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Biografía Ritsu Rohen

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Entrevista Paul Blow

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Andrea Innocent

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Leith O’Malley

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La gran controversia tipográfica en la Web Max Kiesler logra analizar esta situación explicando por qué se llegó hasta aquí y qué se debe hacer a partir de ahora. ¿Siempre te has preguntado por qué muchas de las nuevas páginas web tienen tipografías gigantes con un gran contraste? ¿Será por los diseñadores web más viejos o quizás sea un grupo de jóvenes diseñadores que están intentando ir a la moda? Aunque en algunos casos pueda ser por una de estas razones, yo diría que los verdaderos culpables son los diseñadores que basan sus decisiones tipográficas en la investigación (esperanzadamente). Contrariamente a lo que se suele pensar, la mayoría de los diseñadores web bien educados se fijan en las investigaciones de legibilidad de HCI y de UI para determinar las soluciones tipográficas de un sitio web. Existe actualmente una tendencia en el diseño web de utilizar grandes tipografías con un alto contraste. Hay muchos blogs y otras páginas que debaten sobre las webs de próxima generación. Un comentario que se encuentra repetidamente es el de “¿realmente necesitas disminuir el tamaño de texto? ¿Qué pasa con las tipografías gigantes?” Yo tengo mis propias razones para usar tamaños grandes en los textos en mi blog y puesto que había muchos de esos comentarios (en mi web y en otros sitios) quise investigar y compartir algunos de los resultados de este tema. En muchos casos, creo que el uso reciente de enormes tipografías muy contrastadas es una reacción directa a las últimas tendencias tipográficas en diseño web. La moda de las tipografías pequeñas de bajo contraste empezó con la aparición del CSS al facilitar considerablemente el formateo del texto y conseguir una gran variedad de tratamientos tipográficos. Mientras que los diseñadores web habían utilizado siempre pequeñas tipografías de bajo contraste a modo estético, particularmente en páginas de arte, la moda explotó realmente al utilizar el CSS en los blogs (como por ejemplo Zeldman) y en otros sitios generados dinámicamente que usaban estas hojas de estilo en cascada. Este paradigma llegó a ser frecuente al mismo tiempo que los estándares web predicaban lo contrario: que las tipografías debían ser legibles y no de bajo contraste, o por lo menos ofrecer una alternativa en el CSS para una versión de alto contraste. Existen otras tendencias en los últimos años que han influenciado el cambio actual. En su artículo “Diseño 2.0: Minimalismo, Transparencia y Tú”, mi socio Emily

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Controversia Tipográfica Chang escribe sobre un cambio lejos del diseño recargado y a favor de la simplicidad, la utilidad y el minimalismo. En el artículo de Jakob Nielsen “Los diez mayores errores del diseño web de 2005” indica que “las malas tipografías ganaron la encuesta por mayoría absoluta, consiguiendo casi el doble de votos que el error número 2. Casi dos tercios de los votantes se quejaron por los tamaños de letra pequeños o fijos; cerca de la mitad se quejó por el bajo contraste entre el texto y el fondo”. Aunque no siempre estoy de acuerdo con todo lo que el señor Nielsen dice sobre el diseño web, sus estudios tienen en cuenta a un gran número de usuarios. Personalmente, en este caso no podría estar más de acuerdo con sus resultados. Muchas veces cuando estoy en mi ordenador portátil tengo que desactivar las hojas de estilo para leer el contenido. Del estudio de Jakob se deduce que para la mayoría de los navegantes de internet la legibilidad y los textos pequeños no son compatibles. En 2000, Michael Bernard y Melissa Mills de la Usability Research Laboratory en la Universidad del Estado de Witchita hicieron un estudio titulado “Así pues, qué tamaño y tipografía utilizaría en mi página web” incluyendo tamaños de varios puntos, tipos de letra y tipografías suavizadas y sin suavizar. El tamaño más popular fue de 12 puntos, sin embargo, hay que tener en cuenta que el estudio fue realizado en 2000 cuando la resolución de pantalla más popular era de 800 a×600. Según OneStat.com, la resolución actual más popular es de 1024×768 que cuenta con el 57,38% de usuarios. El siguiente es solamente del 18,23%. Yo diría que si el tamaño de letra preferido en 2000 era de 12 puntos, el mejor tamaño actual fuera por lo menos de 14 o sino 1em ó 16 puntos. Esto es así porque los otros 20% de los usuarios en la estadística de OneStat.com estaban en resoluciones mayores a 1024×768. La tendencia de la web 2.0 del texto de 16 puntos ya tiene una base. Para las resoluciones de pantalla de 800×600 que abarcan casi el 20% del mercado, los diseñadores deben prever y ofrecer un modo fácil a los visitantes de cambiar el tamaño de letra. Zeldman y Nielsen han sido autores de un método que cambia la hoja de estilo. No todo el mundo que navega por internet sabe reducir el tamaño de texto de su navegador y esta es la mejor manera de asegurar la legibilidad de cada visitante. Se deben utilizar siempre porcentajes o ems como medida tipográfica de modo que el texto se puede redimensionar y adaptar al navegador si fuera necesario. Como conclusión, las tipografías de un mayor contraste pueden aumentar la legibilidad, utilidad y el rango de edad de los visitantes de tu sitio web. Si se utilizan letras gran-


Controversia Tipográfica

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des es una buena idea el incluir un estilo alternativo para diferentes resoluciones. Tengo que admitir que soy culpable por no hacer esto mismo en mi web por lo que pronto instalaré un sistema para corregirlo. La tipografía es una herramienta de comunicación. Debe ser comunicación en su forma más intensa. El énfasis debe recaer en la claridad absoluta dado que es lo que diferencia el carácter de nuestra escritura del de las formas pictográficas de la antigüedad. Nuestra relación intelectual con el mundo es exacta al individuo (por ejemplo, esta relación exacta al individuo está en una fase de transición hacia una orientación exacta a la comunidad). Esto se opone a la modalidad de comunicación antigua, que era amorfa al individuo y luego amorfa a la colectividad. Prioridad resultante: claridad inequívoca en todas las composiciones tipográficas. Legibilidad; la comunicación nunca puede ser obstaculizada por una estética a priori. Nunca es posible forzar las letras para que entren en un marco preconcebido, tal como un cuadrado demasiado perfecto. Es seguro predecir que esta creciente documentación a través de la fotografía dará lugar, en un futuro cercano, al reemplazo de la literatura por la película. Los indicios de tal desarrollo se notan ya en el aumento del uso del teléfono, que hace obsoletas las cartas. No es válida la objeción de que la producción de películas requiere un aparato demasiado complejo y costoso. Pronto hacer películas será tan simple y accesible como lo es ahora imprimir libros. Un cambio igualmente decisivo en la imagen tipográfica se dará en la producción de afiches no bien la fotografía reemplace a la pintura en ese campo. El afiche eficaz debe causar un impacto inmediato en todos los receptores psicológicos. Por medio del uso experimentado de la cámara y de las técnicas fotográficas, tales como el retoque, la obstrucción, la superposición, la distorsión, la ampliación, etc., conjuntamente con la línea tipográfica liberada, puede aumentarse inmensamente la efectividad de los afiches.

¿Quien invento la web? A lo largo de la historia de Internet, conjunto descentralizado de redes de comunicación interconectadas según Wikipedia cuyo nacimiento se fija en 1969 con la llegada de ARPANET. Ha habido fechas especialmente importantes para su desarrollo siendo una de ellas el 6 de agosto de 1991, momento en el que Tim Berners-Lee lanzó el primer sitio web público de la red que aún hoy se puede visitar, no es el original ya que no existen respaldos de él, se trata de una captura del sitio .

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Samantha Everton

A BORRAR MITOS

Captura acuática

Everton Childhood Fears She-who-dreams

Nocturne

de obras de arte magníficas fotografías de edición limitada por multi-galardonado Samantha Everton. Era una rara oportunidad de ver al artista con sede en Melbourne es Muñecas Vintage aclamados por la crítica y la serie infantil Los temores. La exposición fue un preludio de su próximo nuevo órgano de trabajo.

DIVIÉRTETE CON ESTILO

SAMANTHA OFRECE UNA NUEVA GAMA DE FOTOGRAFÍAS ARTÍSTICAS. POR RITSU ROHENVAL

MUÑECAS VINTAGE

Photographer Samantha water 1991

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Dieciocho meses de trabajo, la serie 2009 Muñecas Vintage se encuentra en los sueños de un mundo entre sombras y la vigilia. Cuenta con un elenco de cinco chicas elaboradamente ataviados sí mismos entretenido en una casa abandonada, Everton se esforzó bastante extraordinarias en la obtención de los niños exactamente correctas, utilería, vestuario y la casa de las imágenes. Con el tiempo se encontró con un edificio listo para su demolición, sorprendentemente, al final de su calle suburbana y fue capaz de establecer meticulosamente sobre la creación de los decorados para su rodaje con papel pintado y pintura estratégicamente.

Samantha Everton acredita a su infancia inusual como un papel decisivo en el fomento de una mente creativa. Al crecer con un hermano biológico y tres hermanos adoptados de Asia, se pasaba horas prospectando para las piedras preciosas en virtud de los amplios cielos azules de remotos pueblos mineros en el centro de Queensland. El suyo era un mundo de colores saturados, “Nuestra casa en el medio de la nada. En todas partes el trigo crecía tan alto donde solíamos correr.

LOS REINOS MÁS OSCUROS DE LA ADOLESCENCIA Más sobrio y silencioso, el anterior 2007 Niñez serie explora los temores de los reinos más oscuros de la adolescencia. “Esta serie es acerca de estar en una edad en la que son muy conscientes de su entorno y lo diferente que eres de otras personas”, dice el Everton. “Se trata de querer encajar los miedos infantiles son universales, y el miedo al abandono y el temor de no pertenecer aparece ambivalente incluso extraño.

TODAS LAS FOTOS: Paul Blow

“Debajo del piso de la vivienda relativamente poco aseado que llamamos nuestra conciencia son insospechadas cuevas de Aladino. Allá abajo, no sólo joyas, sino también peligroso genios cumplir -. Las facultades psicológicas inconvenientes o resistencia que no hemos pensado o se atrevió a integrar en nuestras vidas, mi vida“ Samantha Everton, evidentemente, ha llegado como un fotógrafo de bellas artes de haber sido seleccionado como el único juez de la 2011 Premio Moran fotográfica. En noviembre de 2010 presentó por primera vez en Queensland. Una selección


Fotografías irrepetibles

NOVEDADES Las imágenes captan una serie de adultos con temas surrealistas momentos expresados ​​ desde la perspectiva fantástica de un niño, desde las épocas de un tiempo pasado a las diferencias culturales, raciales y sociales. Las imágenes dan la realidad física a la fantasía de un niño de la edad adulta y la discusión. En esta serie he querido presentar la perspectiva de un niño sobre temas de adultos, especialmente las razas y culturas, muchas de las cuales se produjo debido al descubrimiento personal de mi propia crianza en una familia multicultural.

La combinación nada casual de los elementos da sorpresas muy agradables

De la simplicidad también nace el amor

MI HISTORIA

Imágenes de adultos con temas surrealistas

Concepto niño-adulto

Everton trabaja principalmente como director en sus lanzamientos de foto, crear producciones teatrales en frente de la cámara y luego fotografiarlos. Pero nada sucede por casualidad aquí. Es de importancia crucial que se controla cada aspecto en la materialización de su concepto inicial - todo el camino a través de la impresión de la imagen fotográfica con tintas pigmentadas sobre papel de trapo de calidad de archivo y de la formulación final. Fiel al realismo de su trabajo, Everton captura las imágenes en una película tradicional con una cámara de formato medio: “Es muy importante para mí que el espectador cree en la imagen, por lo tanto, todo lo que ves, desde la chica volando a través del aire a la

árbol brotando a través del piso, estaba allí y le disparó a puerta cerrada. Everton se resiste a explicar el contenido narrativo y el simbolismo subyacente en las obras, prefiriendo que el espectador responder desde una perspectiva personal. “Mis imágenes son una instantánea, a mediados de momento, no empezar o terminar”, dice ella. “Te deja a su propia imaginación, a sacar sus propias conclusiones”.- Siempre he estado artística, sino, me ha tomado mucho tiempo para encontrar mi medio. Yo no era una de esas personas que se le dio una cámara a una edad temprana. Solía ​​pintar, dibujar, coser, cocinar y diseñar pasteles elaborados. Mi primera carrera fue la peluquería y yo lo pasamos muy bien creando peinados extraños y maravillosos. Fui a través de esta transición fantástico donde combiné mis ganas de crear con los inicios de mi interés por la fotografía.

Los reinos mas oscuros de la adolescencia

Imágenes que dicen lo que tu mente quiera

Septiembre Harper’s BAZAAR 137

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por Roberto Sánchez Fernández

TIPOGRAFÍA

El autorretrato es aquella técnica de plasmar con la tipografía una imagen, en este caso, que te represente. Este método de combinación tipográfica con sombras a logrado captar la atención de muchos diseñadores, entre ellos, mexicanos y de origen extranjero. El autor realiza un análisis profundo entre los pro y contras que conlleva al uso de estas imágenes artísticas, si es correcto utilizar este tipo de arte utilizando como herramienta a la tipografía, también mostraremos una recopilación de imágenes de distintos autores, las cuales mostraremos a continuación. Autores:

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Vic198x Dylanroscover Dencii Stacy Benson Maxdoming Goblina


Tipografía Elemental

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Autor: Roberto Sánchez Fernández

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Self Portrait Vic198x

Mahatma Gandhi Dencii

Burdened Barrack Obama Dylanroscover

Self Portrait Saluum

Trent Reznor of Nine Maxdoming

Self Potrait Stacy Benson

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Screaming Goblina

Mos Def a.k.a Dante DilsJ


Tipografía Elemental

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La finalidad de toda composición gráfica es transmitir un mensaje concreto. Para ello, el diseñador se vale de dos herramientas principales: las imágenes y los textos compuestos. Las imágenes aportan un aspecto visual muy importante a toda composición. Estos con capaces de transmitir por sí solos un mensaje de forma adecuada. Sin embargo, el medio de transmisión de ideas por excelencia es la palabra escrita. La esencia del buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de la palabra escrita, combinada a menudo con dibujos o con fotografías. Además de su componente significativo, cada letra de una palabra es por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la composición final. Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una composición gráfica es muy importante y más si es un autorretrato.

Erik Spiekermann Steve Butabi

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De este planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la ciencia o arte de la tipografía. El termino tipografía se emplea para designar al estudio, diseño y clasificación de los tipos (letras) y las fuentes (familias de letras con características comunes), así como al diseño de caracteres unificados por propiedades visuales uniformes. Lo que se puede hacer con tipografías no tiene límites visibles; es sólo cuestión de proponérselo. Esta vez observamos que para pintar o esculpir un retrato, creando un efecto desordenado sobre una imagen para agregarle el movimiento propio de las palabras no es tan fácil y lo podemos notar en esta colección. www.anibaldesigns.com

Thom Yorke Tbwachiat

Self Portrait EclecticPhoenix

Morgan Freeman Straye-Close

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Ritsu Rohen

DISEÑO GRÁFICO

LA ELECCIÓN TIPOGRAFICA PUESTA EN PRIMER PLANO Texto por ROBERTO SÁNCHEZ FERNÁNDEZ

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Ritsu Rohen

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R

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ecordar que la semana pasada me dejaron esta tarea, me puso a pensar en como tenia que ir estructurado el contenido de mi doble pagina. Lo primero que imagine fueron retículas, algo un tanto extraño imaginar a primer instancia el proceso inicial del trabajo, que por lo regular en la mayoría de trabajos siempre conceptualizo lo que seria un trabajo final. Pienso que es algo bueno, pues, el interés de querer hacer todo el proceso me dice mucho en gran parte sobre lo que me llama, y no, la atención en este ámbito. Gustos y preferencias de la carrera. Estoy en el 5º cuatrimestre de la licenciatura de Diseño Gráfico, aun me falta mucho por recorrer y aprender, pero con lo poco que he recorrido me basta para decir gustosamente que Diseño Gráfico es lo mío. Me he topado con personas, y me integro, que no saben ¿Qué carrera escoger? o ¿Cómo hacerlo?. Pase por esa etapa y al principio titubeaba mentalmente sobre la elección que hice al escoger la carrera de Diseño Gráfico pero una vez dentro del mundo del Diseño mi panorama cambio rotundamente, pues era mucho mas de lo que esperaba, algo realmente único porque a pesar de que abarca distintas materias, todas tienen como finalidad al estudio de la imagen. Dentro de la carrera se encuentra la materia de Tipografía, una de mis materias favoritas de la carrera. La materia tiene como función analizar, crear, mejorar, interpretar, estilizar, comunicar, entre muchas otras cosas mas. Una materia muy compleja que a su ves es interesante porque le da personalidad y un toque particular y único a cualquier composición que quieras y a veces un poco tediosa porque no solo es el contenido, también la auto-representación de la tipografía para un mensaje efectivo.

Actualmente estoy tomando una materia que va de la mano con tipografía: Diseño Editorial. Otra materia que a mi parecer es una muy compleja, aunque puede parecer muy sencilla, todo se debe de complementar con la tipografía e imágenes y eso es algo que la hace aun más interesante, pues, no solo hablamos de tipos, también se involucran las imágenes, elementos, estructuración y acomodo tanto tipográfico como de formas y columnas en la misma composición. Quiero continuar con esta travesía en sentido figurado que conlleva a buenas y también malas experiencias en el ámbito de la carera que tanto me gusta. Espero seguir como hasta ahora y no tropezar mi formación de Diseñador.

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Paul Blow es un ilustrador escocés nacido en 1969 que reside desde muy joven en Dorset, Inglaterra. Graduado de la Escuela de Arte Maidstone y con una maestría en Ilustración Narrativa por parte de la Universidad de Brighton, ha logrado consolidarse dentro del campo artístico gracias a su elaborada propuesta visual. El trabajo de Blow reflexiona sobre el comportamiento de la sociedad a partir de la mitad del siglo XX, en el que los nuevos procesos económicos y sociales imponen un nuevo orden –irónicamente- caótico. Sus personajes son seres que representan la hipocresía, la resignación, el aislamiento y la tiranía.

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Paul Blow

Las ilustraciones juegan con la ambivalencia del optimismo cromático y la negatividad de la humanidad. Los colores utilizados son atractivos y sin romper las reglas, resaltan la decadencia existente en sus historias que no son más que el reflejo de un mundo cada vez más ajeno a lo existente y van mas allá de lo que cualquier persona podría imaginar. Los diarios The Guardian y The Independent, así como las revistas Time y Business Week, son algunos de los clientes relamente representativos de Paul Blow, quien se encarga de darle el toque final a los artículos con su característico estilo plástico de alto contenido político.


Por: Roberto Sánchez Fernández

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PAUL BLOW

Podría hablarnos de su auto y su fondo (calificaciones, experiencia, etc.).

¿Cuándo empezó su interés por la ilustración? ¿Es algo que siempre quisiste?

Mi nombre es Paul Blow y este nombre no esta relacionado con cualquiera de los dos lo pintores abstractos británicos Sandra Blow o la editora de moda Isabella Blow quién lamentablemente falleció a principios de este año. Cuando era niño el nombre Blow fue una maldición, pero ahora porque es tan diferente que se destaca de la muchedumbre - que funciona realmente bien gráficamente lo que ayuda a crear una especie de marca.

Para ser honesto en la escuela en los años ochenta a mediados de la orientación profesional fue inútil dado ilustración ni siquiera se mencionó, no tenía ni idea de lo que yo quería hacer. Yo disfruto de dibujo del arte y técnica - ahora obviamente no aconsejo carreras, sugeriría ir y convertirse en un artista me refiero a lo que encontrar de carrera es eso. Y llevar a mi interés por el dibujo técnico significaría convertirse en un dibujante, lo que significaría obtener una “A” de nivel en matemáticas, que estaba pensando que eso simplemente no iba a suceder. Así que me fui a la Universidad de Arte y descubrió allí a través de una gran tutor Breedon Nell, de repente ilustradores que se ganaban la vida fuera de lo que se nos enseñaban y estaban bien, y se sentía bastante bien.

Vivo y trabajo en Dorset cerca de la costa, pero fue a la universidad en Maldstone, Kent y Sussex Brighton En ganando un BA (Hons) y luego una maestría. Cuando era adolescente me juré nunca volver a Dorset como lo vi un lugar sofocante y provincial para ser y no un lugar para crecer - sin embargo, la belleza y la gente son los mejores del mundo por lo que parece el único lugar para vivir en el momento y levantar con mi familia. Creo que mi estilo es una extensión de mi personalidad como dibujar o pintar una línea sólo alguna vez, eso suele ser algo único para mí Y luego, una forma de trabajo o de “estilo” que vendrá, que seguirá generando ideas bastantes buenas porque me ha funcionado.

Basta con vivir una vida rica y variada. El mundo alrededor alimenta mi alma y un interés en formas nuevas y desafiantes de la vida y el pensamiento siempre estará en el centro de lo que hago. En mis ilustraciones hay una clara influencia del cómic, con toques pop que adquiere por la utilización de diversos colores. Algo a destacar sobre estas es su sutil crítica social.

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Paul Blow

PAUL BLOW

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l trabajo de Blow está sembrado de un humor sutil y negro que en ocasiones utiliza para retratar el contexto político mundial. Colaborador habitual de publicaciones como The Times, The Independent Magazine, The Guardian o New York Magazine entre otras, también tiene entre sus clientes diversas marcas comerciales. Dedica parte de su tiempo a dar conferencias en escuelas de arte por todo el Reino Unido y ha expuesto su trabajo en galerías de diferentes lugares de Europa y América. Se le considera un grande, sus ilustraciones han tenido exposición internacional y ha ganado infinidad de premios de ilustración. En realidad es un veterano, un personaje importante en la ilustración. Entre sus clientes encontramos periódicos de referencia de prensa escrita anglosajona y americana cómo The Guardian, The Independent, The Times, Los angeles times, Businessweek, Financial Times entre otros.

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Tiene un estilo plano, tanto en el tratamiento de los colores como en la profundidad de sus dibujos. Sus dibujos pueden parecer recortes de papel, la profundidad la logra con mínimas sombras y suaves texturas, algo muy minimalista. Usa una paleta de color muy personal. Crea gamas en bloque. En la mayoría de las ilustraciones trabaja con dos colores, blanco, negro y gris. La dominante presencia de la mancha de color se contrasta con unas líneas contundentes y expresivas del contorno creando un entorno gráfico “simple”. Su temática más recurrente es la de las relaciones personales y va teñida de una sutil crítica social. “La idea es la reina en la ilustración, el contenido sobre el estilo es la única manera de crear la longevidad en este negocio. La percepción de “estilos” y las modas por su propia naturaleza van y vienen, pero la idea creativa es intemporal”.


Paul Blow

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PAUL BLOW

THE DESIGNERS

RITSU ROHENVAL

¿Cuál ha sido el trabajo más emocionante que ha trabajado hasta la fecha? Hice algunos trabajos para una empresa de diseño que estaban poniendo juntos un branding conjunto; campaña embalaje de publicidad para una moto pequeña empresa ética y ropa de skate con sede en Gales llamado Howies. No tenían dinero, sino porque me gustaba la compañía y creían en lo que estaban tratando de lograr Acepté trabajar con ellos - y luego a mi sorpresa algunos de mis ilustradores favoritos también están trabajando en ello - Paul Davis, Jeff Fisher, Marión Deuchars, Billie Jean, Graham Carter, Richard May. Se nos pidió que personalizar viejos armarios golpeados cada uno a un tema eitherToxic algodón o la piscicultura, etc Nos hizo cargo de este estudio de

diseño de la llenó de estos armarios y acaba de tener una gran diversión ensuciarse con pintura - todo está filmado por la web y beber abundante de cerveza. Una galería quería exhibir todos los armarios y de repente Paul Smith les quería en su tienda en Londres al igual que Selfridges y que han sido publicada en revistas y lo que los armarios han viajado por todo el país con un gran tiempo. No tengo ni idea de dónde está ahora - pero estoy seguro de que está siendo cuidado y no ser convertido en leña.

¿Qué desafíos ha enfrentado en su carrera? Probablemente el reto al que se enfrentan todos los ilustradores cada semana - esperando ese maldito teléfono para que suene con una comisión. Gracias a

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Paul Blow

PAUL BLOW

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tan sólo pudiera hacer las paces. Esto fue una revelación para mí, nunca había tenido la confianza para hacer esto, pero encontró que, si bien se trataba de un desafío que abrió mi forma de pensar y me presentó con todo tipo de posibilidades, pude crear mi propio Paul Blow mundo de la ilustración.

¿Qué consejo le darías al que empieza? Si te aburres o frustrado con lo que está creando desafiarse a sí mismo y hacer el cambio.

¿Cómo comienza el proceso creativo? Respiro hondo y me quedo mirando la página en blanco hasta que obligo a cabo las ideas o mis ojos comienzan sangrado - lo que ocurra primero. A veces escribir muchas palabras, una especie de juego de

RITSU ROHENVAL

Dios estoy a reservar la mayor parte del tiempo. Sin embargo, a mitad de camino a través de mi carrera me fui por un agujero negro creativo. Había dejado de hacer cualquier trabajo figurativo y sólo estaba interesado en los objetos - pinturas realistas de simples objetos minimalistas se sientan en grandes campos de color muy chic. Este lugar fue un campo de especialización estrecha el único trabajo que estaba haciendo era de revistas Alimentos y estaba compitiendo con los fotógrafos para capturar las delicias de la alta cocina - pronto se hizo muy aburrido pero puso una cantidad agradable de -1 peso me refiero No podía dejar que se desperdicie una vez ¿Si lo pintó iba a hacerlo?. De todos modos yo estaba tan aburrido que de alguna manera recuperar mi creencia en algún aspecto del trabajo en sentido figurado y se encontró que no tenía que depender de referencia fotográfica


Paul Blow

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PAUL BLOW

asociación de palabras. Pero para ser honesto, sólo dibujar. Es lo mejor estoy en y me parece que hacer una imagen tras otra, lleva a que toda idea importante genere otra idea. El creativo es el rey en la ilustración, contuve sobre el estilo es la única manera de crear la longevidad en este negocio. La percepción de “estilos” y la moda por su propia naturaleza van y vienen, pero la idea creativa es eterno

¿Alguna vez tiene bajones creativos? Es que los ojos de todo el sangrado cosa que es la llamada de cali - me tomo un descanso del estudio e ir creciendo algunas verduras o andar a campo traviesa en bicicleta y se cubren de mierda de vaca o de ir y sentarse en la playa con los amigos y tomar un buen tiempo duro mirar el cuadro más grande y entonces un nuevo reto por lo general toma la forma.

¿Qué te gusta como profesor de arte? Yo enseño tanto a nivel de grado y lo que se llama Fundación de un año donde los estudiantes son introducidos a todos los aspectos del mundo creativo ya sea fotografía o escultura grabado. Estoy a menudo el primer punto de contacto para los estudiantes que abandonan la escuela y preguntándose qué demonios puede hacer - no quiero ser un buen artista y no tienen las matemáticas es ser un dibujante - pero yo dudo mucho que eso sea cierto y cool. Pero es que la creencia de que estoy dando vuelta a un sistema que cambió mi vida y espero poder inspirar a los estudiantes a creer que ellos también pueden hacer una carrera en una industria creativa. No creo que lo que lo que hago sea un arte puramente visual pero me divierto mucho haciéndolo. www.paulblow.com

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Andrea Innocent

ANDREA INNOCENT

Andrea tiene una gran obsesión creativa con Japón, “Cuando estoy trabajando en las piezas para una exposición que encuentro en mi mente comienzo a vagar en mi pequeño mundo y es ahí cuando me doy cuenta que tecnica emplear” Por: Roberto Sánchez Fernández Crecí en Melbourne, Australia y empece a dibujar tan pronto como pudo agarrar un lápiz. Mis padres eran muy buenos en la alimentación de mi imaginación ávida y también me proporcionaron un montón de libros de imágenes excelentes y dulces otro ojo para alimentar a mi pequeño cerebro. Seguí garabateando todo el camino a través de la escuela secundaria y aunque yo también estaba dispuesta a convertirme en un veterinario, mis notas en Arte, humanidades eran muy altas y en matemáticas y ciencias mi puntaje era bajo y así me gradué y fui aceptada en un Bachelor of Arts en Diseño de Moda en RMIT. Hice una pequeña empresa con un amigo mío, creando uno de los diseños textiles y ropa. Después de cinco años,

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ambos optaron por volver a estudiar en vez de estar en la empresa, entré en una Maestría en Diseño Multimedia en la Universidad de Monash y me centre en la animación, dentro de las dos semanas de la graduación Recogí mi vida aquí, en Melbourne, tenía mis muelas del juicio y me dirigí a Japón, que había sido un sueño mío desde hace algún tiempo. Japón es el lugar donde volví a dibujar, en este lugar me inspire mucho para poder realizar imágenes y comencé a trabajar en todos los story boards de animación pero el trabajo fue muy condensado (debido a la falta de tiempo y recursos) en las imágenes que crean ahora ... Yo lo denomino “mis obras una animaciones de cuadros.


Andrea Innocent ¿Que fue lo primero que despertó su interés en Japón? Usted menciona en su sitio web que usted vivió allí durante tres años aproximadamente. No pude localizar cualquier punto exacto de tiempo o hacer referencia a cualquier cosa que comenzó mi obsesión por Japón. Yo recuerdo haber tenido un montón de amigos asiáticos que crecían junto a mi, un amigo de la escuela primaria en particular utilizado para recibir los paquetes de la familia en Hong Kong que se llenaron de juguetes japoneses, el manga y el anime (o copias de los mismos). Solíamos pasar el rato y ver los videos después de la escuela, yo estaba paralizado por el Dr. especial un anime ‘ Slump “que era sobre una chica robot que se llama” Arare Chan “, los sucesos extraños, el estilo de dibujo dinámico y de humor aseo excesivo habría sido la tarjeta de sorteo no sospecho. Cuando vivió en Japón vine a entender Japón en un nivel mucho más profundo, me encontré con la “imagen dibujada ‘tuvo una apreciación mucho más profunda. Me encontré con aprender el idioma y sumergirme en la cultura empezó a girar y girar mi cerebro en nueva y formas maravillosas. Todo lo que yo había soñado en lo más recóndito de mi mente empezó a burbujear a la superficie y solo tengo que ponerlo en el papel. Ahora trato de visitarlo por lo menos dos veces al año, después de todo lo que es un artista sin su musa. Todavía tengo un montón de amigos que viven en Japón y mantenemos contacto a través de sitios como Facebook y un sitio de redes sociales llamado japonesa Mixi. También me leen regularmente en blogs y yo leo sobre cultura japonesa y los periódicos japoneses en algunas paginas webs (claro, toda esta información en Inglés).

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¿Cuáles son las similitudes y diferencias que ves entre la cultura australiana y japonesa? Hmm, esta es una pregunta difícil. Hay muchas diferencias, pero en los tres años que viví allí me encontré con que observar las diferencias sólo sirvió para alejarme de la sociedad y tender a dar mi pensamiento de una tendencia más negativa. Lo que veo con Japón y lo que tengo de estar allí es que es una manera de verlo, esto me permite ver a Japón donde quiera que vaya. El ejemplo concreto que sólo puedo dar es que los japoneses son excelentes para la toma de imágenes y aspectos de otras culturas y crear nuevos híbridos . La capacidad de refinar y recombinar es integral en su diseño, podría ser que todo está despojado a lo esencial y luego reformado y nacer de nuevo. Por lo tanto, lo que estoy tratando de decir, es que me tomo una historia, imagen o evento y lo recombino desde mi punto de vista y más en mi propio arte que estoy tratando de retirar para plasmarla. ¿Tiene un trabajo que difiera del trabajo artístico al cual se dedica? Hago un montón de otras cosas, y aunque esto puede ser frustrante a veces me parece que me mantiene conectado a tierra. Cuando estoy trabajando en las piezas para una exposición que encuentro mi mente comienza a vagar en mi pequeño mundo y se separan de la realidad que me rodea. Yo termine el trabajo de arte y diseño gráfico, así como internado historia y vender mi propia línea de papelería y bienes y esto me mantiene ocupado y relativamente cobrado arriba. Incluso si pudiera darme el lujo de crear sólo el arte.

LOS JAPONESES ME INSPIRAN A CREAR COSAS NUEVAS Y ME ENCANTA SU ESTILO

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¿Cuáles han sido algunos de los mayores retos de su carrera hasta el momento? En primer lugar estoy constantemente desafiada por ir de la idea a la obra final. Tengo unas ganas enormes de perfeccionar constantemente mis habilidades de dibujo, encontrar el tiempo para hacer esto y hacer mi contabilidad, marketing, facturas, exposiciones y en general todos los trámites freelance día y malabares de trabajos ocasionales y la duda de mi misma inevitable ha sido un desafío constante. Creo que el mayor reto aunque en realidad estaba admitiendo a mí misma que nunca estaría verdaderamente contenta a menos que yo estuviera haciendo arte sobre una base diaria, para dar el salto al empleo por cuenta propia y auto-promoción. Ha sido un camino largo y ventoso de trabajos ocasionales, realmente siento si sigues postergando por razones como “no tengo suficiente dinero” o “No soy lo suficientemente bueno todavía”, entonces nunca lo harás, es por eso que debes ser optimista.

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Andrea Innocent


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¿De dónde provienen las ideas? La mayor parte del tiempo estoy en medio de algo bastante banal cuando una imagen me viene a la mente. Si la imagen se queda el tiempo suficiente y tengo un buen presentimiento sobre lo que lo anote rápidamente, por lo general con las notas, algunos de ellos me da un impulso real a trabajar en seguida, otros toman más tiempo para elaborar cerveza. Algunos artistas nombrar sus musas ‘o los describen como criaturas, como los monos, etc No tengo ni idea de lo que se parece a la mía, pero a veces se siente como un niño pequeño que me sigue alrededor y de vez en cuando me golpea en el hombro y me susurra una idea en mi oído, algo parecido a un pequeño angelito, digo angelito porque no hay un pequeño demonio diciéndome cosas negativas, aunque seria muy divertido que existiera esta posibilidad, pero vuelvo a lo mismo, no tengo muy definida la manera en la cual las ideas fluyen, ni siquiera una fuente alberga en el interior de mi cabeza, solo se que una vez que me tengo solo una idea para plasmarla al papel, me basta para conseguir una obra personal. ¿Alguna vez tiene bajones creativos? Si es así, ¿cómo logras salir de ellos? Sí, pero es más una frustración que no puedo conseguir la imagen para ver la manera en que yo también lo quiero, o el mensaje que estoy tratando de transmitir no es clara. Yo suelo ir a dar un paseo, tomar un café con los amigos o simplemente alejarse de él por un tiempo. Me parece una buena noche de sueño también ayuda. Para las grandes depresiones creativas voy a comprar un billete a Japón y comienzo a empacar, una vez allí, todo cambia, con tan solo ver el paisaje, a las personas, mi mente se despeja y estar presente en Japón, me ayuda mucho porque es un lugar que me motiva y espero que me siga motivando, es un poco extraño pero me agrada ver la jerarquía de los escalones y el camino interminable que debo recorrer, no se porque pero en Japón las escaleras las veo diferentes. Japón hasta ahora si me ha ayudado bastante, estoy muy agradecida por haber conocido un lugar tan hermoso como Japón. www.otoshimono.org

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Por: Ritsu Rohenval

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Es un viaje muy frustrante, pero no lo cambiaría por nada en el mundo. Me gusta pensar que mi trabajo honesto y original en su intención, con un gusto por la línea y la expresión figurativa. Para mí, la creación de arte es realmente acerca de la libre expresión y la verdad ... es importante para mí, para producir algo relevante y auténtico para mí ... algo que nace de la inspiración y luego impulsado por una pasión para crear algo único y original. Se trata también de la comunicación. Simplemente estoy tratando de articular y expresarme a través de las metáforas del color, el tono y la textura de la superficie utilizando un subtexto de la pintura, pinceladas, collage y su fabricacion. Marco conseguir la satisfacción tanto del acto de dibujar o ver algo materializarse en una hoja de papel delante de mí. Hay algo mágico en este acto que me atrae de nuevo una y otra vez en cada aplicacion. Supongo que al igual que un músico, la creación de arte de alguna manera puede transportar a otro mundo, y por mi parte, esto se ha convertido en un ritual muy adictivo, pero gratificante. Tengo curiosidad por saber dónde nos llevará esto. Los primeros trabajos de Leith en Adelaide incluyó contribuciones independientes ilustración para diversas revistas, antes de trasladarse a Whyalla a finales de los años 80. Él fue rápidamente adquirido para proporcionar dibujos regulares City Times Acero y más tarde se convirtió en la caricaturista editorial para las noticias de Whyalla. Leith O’Malley nació con un lápiz en la mano en la ciudad de Adelaide Hills Mount Barker, Australia Meridional. Su pasión por el dibujo llegó a una edad muy temprana, siendo influenciado por el estilo ilustrativo y el trabajo de dibujos animados estadounidense “de la revista Mad”, y más tarde por el notable dibujante australiano periódico Rigby Paul, Michael Leunig y americano poster artista Rick Griffin.

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Leith O’Malley


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Leith hecho la transición desde la línea de cepillar principios de los noventa después de los talleres con Blake y Premio Wynne ganadores Australian War Artist “George Gittoes”. Poco después de Leith co-fundador de la “Red Dust Grupo de Arte Contemporáneo” exhibiendo obras de arte a lo largo de galerías regionales y metropolitanas. Desde este momento Leith ha seguido pintando y exponiendo su obra, la celebración de una serie de encargos para obras de arte y ser invitado a participar en varias giras, exposiciones colectivas e individuales. La capacidad de trabajar en muchos medios: digitales ha permitido a Leith para que su trabajo sea visto por un público mucho más amplio, y aún así disfrutar de la opción de vivir en el país que ella a escogido y no acogido. Los clientes que han utilizado la obra gráfica Leith han incluido la productora Guenette (Los Angeles), la revista Le’Mag (Francia), BHP (Australia), Tokyo Electron (Texas) y la Guardia Costera de los Estados Unidos. La capacidad de Leith para utilizar las herramientas de medios tradicionales y digitales ha abierto ventanas nuevas de oportunidad para él, y también se dan a visitantes de todo el mundo la oportunidad de descubrir una nueva creativo sur de Australia.

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Leith O’Malley ¿Dónde se ubican en este momento? Estoy con sede en una zona regional de Australia del Sur, en la ciudad de Whyalla. Es un poco aislado de los círculos artísticos metropolitanos pero algo así como que ... estar aislado Quiero decir, sin distracciones .. sin influencias. Justo después de mi propio camino, mi propio sentido del lugar por así decirlo. Yo no diría que el ambiente informa sobre el trabajo actual que estoy haciendo, al menos yo no lo creo, pero sin duda con las anteriores plantaciones Red Dust Girl con la que estaba tratando de expresar o celebrar tal vez ese aislamiento.

¿Tiene un momento del día en que te sientes más creativo? Realmente no puedo apagar. Tiendo a pensar sobre el arte y las ideas para pinturas o dibujos en todo el día, no importa lo que estoy haciendo. Voy a anotar las cosas o hacer un dibujo en miniatura o dos en mi cuaderno de dibujo pero sí gran parte de mi pintura en la noche. Tengo un edificio bastante cómodo estudio bien iluminado y la mayor parte de lo que hago es para la exposición que el resultado es muy parecido al aspecto bajo iluminación de la galería normal. También hay algo de pintura en la noche con la música que inspira para la compañía es una parte importante de mi paleta.

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Al comenzar un nuevo trabajo, ¿cómo decides con qué medio te vas basar para trabajar?

Hay un gran lazo entre su arte y su amor por la música, el jazz en particular. ¿Puede explicar por qué?

Algunos temas o el contenido de una imagen podría determinar que medio utilizo, pero a menudo es sólo una cosa intuitiva. Yo suelo comenzar con un dibujo de carbón y dependiendo de lo que dice, decidir sobre la conveniencia de añadir color o no. Estoy trabajando principalmente en dibujos a carboncillo últimamente junto con grandes pinturas de aceite .. En que son los medios que tienden a favorecer. El lienzo es muy táctil e inmediato, y la pintura en aceite me ofrece la mayor potencia o impacto para el tipo de trabajo que estoy haciendo, aunque también mezclo diferentes medios de vez en cuando. La mayor parte de mi trabajo se inicia con una breve reseña que elaboro más sobre lienzo o papel en base totalmente rígida. Esta creación del arte es todo un viaje solitario. Es una sensación muy agradable tener gente de todas las clases sociales apreciar lo que te gusta hacer y es bastante surrealista cuando se trata de personas procedentes del otro lado del mundo.

Claro, Al igual que el arte, la música es muy subjetiva. Lo que mi experiencia es con una pista en particular no puede ser el mismo que otros personas y reconozco eso. Al igual que una obra de arte apela a algunos y no a otros. Es lo mismo con la música. Ciertamente veo un montón de correlaciones entre la música y el arte y que me excita mí. El Jazz, por supuesto, no es el único género de la música que escucho, pero no hay que reconocer el hecho que influyó en mi obra desde el principio. No de una manera abstracta como la mayoría de los artistas podrían interpretar, pero emocionalmente más. Si puede perseverar y realmente escuchar a la gente como Coltrane, Miles, Monkand Charlie Parker por ejemplo, es una experiencia realmente gratificante y que yo personalmente encuentro inspirador. Estos son tiempos emocionantes para la música aunque yo soy de los que habitan en el pasado www.leithomalley.com

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