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fotografÍA CINEMATOGRÁFIC A CATALINA ACUÑA AVILA EDGAR FERNANDO BARRERA


FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

TOMO uno


FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA

CATALINA ACUÑA AVILA EDGAR FERNANDO BARRERA


Derechos subsidiarios Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla Año de edición 2013 Fotografía Cinematográfica (tomo uno) Todos los derechos reservados. Diseñadores de cubierta: Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla

Corporación Universitaria Unitec 2006 - Copyright © - Todos lo derechos reservados - Calle 76 No 12 - 58 - PBX 7434343 - Bogotá - Colombia Institución Universitaria sujeta a la Inspección y Vigilancia del Ministerio de Educación Nacional (Art. 39, Decreto 1295 de 2010).

ISBN 958-04-2334-1 Impreso en Colombia. Printed in Colombia


A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades, y a quienes no porque con ello hemos demostrado que estaban errados.


“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.” Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense


INTRODUCCIÓN Como forma de arte y expresión de las películas, la fotografía cinematográfica siempre ha estado expuesta principalmente a las mayores criticas por parte de cineastas, criticos, y en general todos los receptores posibles, puesto que es la estética de la película, lo que se ve y lo que deja ver. sin embargo este tema usualmente ha sido nombrado y tomado como tema central de muchas conversaciones a lo largo del tiempo, pero muy poco se ha visto plasmado y expuesto al ojo publico de una manera similar pero diferente a la vez de lo que vemos en la mera proyección de la película.

Mediante un gran esfuerzo y dedicatoria se ha creado esta maravillosa coleecion de dos tomos enfocados totalmente a la fotografía cinematográfica, sus directores mas influyentes y sus peliculas mas importantes y taquilleras, claro esta, sin dejar pasar por desapercibido ningún rincón del mundo.

Con todo esto queremos que el publico se empape del mundo de la fotografía cinematográfica y sus secretos, formas y técnicas que lo conforman, de tal manera que no quede simplemente en algo de momento a la hora de ver la película. A la vez buscamos que que no solo quienes pretenden estudiar o quenes ya estan enfocados en temas similares a este, se interesen es esta coleccion, sino que todo el publico posible ya que estamos incluyendo pleiculas para todos los gustos y de todas las clases.


ÍNDICE PAG

CAPITULO UNO AMÉRICA

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CAPITULO DOS LATINOAMÉRICA

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AMERICA


MICHAEL CHAPMAN Nacido el 21 de noviembre 1935) es un cineasta estadounidense cuya prominencia se debe más a su trabajo innovador de los años 1970 y 1980. Comenzó su carrera como operador de cámara, distinguiéndose en Tiburón de Steven Spielberg. Como director de fotografía, se hizo famoso por sus dos colaboraciones con Martin Scorsese, Taxi Driver y Raging Bull. Chapman fue también director de fotografía para el remake de 1978 de La invasión de los ladrones de cuerpos.

El estilo de Chapman tiende hacia altos contrastes y el uso agresivo de colores fuertes. También es muy hábil para la creación de complejos movimientos de cámara rápida y la improvisación en el set. Este estilo se resume en las secuencias de boxeo en Raging Bull, en la que la cámara estaba atado a menudo a los actores a través de las plataformas improvisadas. Chapman también fue el director de fotografía principal en documental de Scorsese The Last Waltz.

Obtuvo dos nominaciones para los Oscar por su innovador trabajo con la cámara en el clásico de Scorsese de 1980, TORO SALVAJE y el popular thriller de Andrew Davis de 1993, EL FUGITIVO (por la que obtuvo también una nominación de la Sociedad Americana de Cinematógrafos).


Fotografía Cinematográfica

JAWS (1975)

Escena de la pelicula “Jaws”

Es una película estadounidense de terror, suspenso y aventuras estrenada en 1975. Dirigida por Steven Spielberg, se basa en la novela homónima del escritor Peter Benchley. La película cuenta cómo un enorme tiburón blanco devorador de hombres ataca a los bañistas en las playas de Amity Island, circunstancia que lleva al jefe de la policía local a emprender la caza del escualo en compañía de un biólogo marino y un cazatiburones profesional. El actor Roy Scheider interpreta al jefe de policía Martin Brody, Richard Dreyfuss al oceanógrafo Matt Hooper, Robert Shaw al cazatiburones Quint, Murray Hamilton al alcalde de Amity Island y Lorraine Gary a Ellen, esposa de Brody. Recibida en general con alabanzas de la crítica especializada, fue galardonada con numerosos premios a su banda sonora y montaje, y es citada a menudo entre las mejores películas de la historia. Tiburón fue la película más taquillera de la historia del cine hasta 1977.

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Momento de pánico en la playa de Amity Island

“Fue el segundo lugar de los mejores thrillers de todos los tiempos, sólo por detrás de Psicosis.”


Cápitulo Uno: América

TAXI DRIVER (1976) Es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo.

Jodie Foster como Iris "Easy" Steensma Robert De Niro como Travis Bickle en “Taxi driver”

“Robert De Niro trabajó un mes como taxista para poder interpretar el papel.” 14


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RAGING BULL (1980) Es una película de 1980 dirigida por Martin Scorsese, basada en el libro Raging Bull: My Story del boxeador Jake La Motta. Tiene a Robert De Niro como Jake LaMotta, un boxeador de peso mediano cuya rabia sadomasoquista, celos sexuales y brutal apetito excenden los límites del cuadrilátero y destruyen su relación con su esposa y su familia. Joe Pesci interpreta a Joey, el hermano y mánager de LaMotta que lo ayuda a luchar contra

sí mismo, y Cathy Moriarty interpreta a su esposa. La película tiene a Nicholas Colasanto, Theresa Saldana y Frank Vincent en papeles secundarios. Fue nominada a 8 premios Óscar y se alzó con dos: los premios al mejor montaje y mejor actor para Robert De Niro.

“Fue elegida en el puesto numero 4 de las 100 mejores películas por el American Film Institute.1”

Robert De Niro como “ake La Motta”. durante una de sus peleas.

1 El American Film Institute es una entidad cinematográfica estadounidense, independiente y sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar el material cinematográfico y rendir homenaje al mismo. La organización también preserva películas antiguas, en especial aquellas en riesgo de degradación del soporte fotográfico utilizado para la filmación y proyección de la película.

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Cápitulo Uno: América

Matt Damon como Jason Bourne/David Webb

The Bourne Supremacy es una película estadounidense de acción del año 2004 dirigida por Paul Greengrass y protagonizada por Matt Damon y Franka Potente. Es una película de acción estadounidense-alemana 2004 de espías basado libremente en la novela del mismo nombre de Robert Ludlum. La película fue dirigida por Paul Greengrass, con guión de Tony Gilroy. Universal Pictures lanzó la película a los cines de Es-

The Bourne Supremacy (2004)

tados Unidos el 23 de julio de 2004. Es el segundo en la serie de películas de Bourne. Va precedida de El caso Bourne (2002) y seguida por El ultimátum de Bourne (2007) y The Bourne Legacy (2012). El mito de Bourne recaudó $ 288,500,217. Comentarios en sitios críticos de Internet sugieren una disposición positiva general hacia la película.

Julia Stiles como Nicky Parsons

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Escena de la película “Space Jam”

Space Jam (1996) Space Jam (1996) es una película de la compañía Warner Bros, protagonizada por el jugador de baloncesto Michael Jordan y por los dibujos animados de la compañía, como Bugs Bunny y Pato Lucas. La historia se basa parcialmente en el contexto del primer retiro real de Jordan para incursionar en el béisbol. La película fue un éxito de taquilla; recaudó más de 80 millones de dólares tan sólo en Estados Unidos y 230 millones a nivel internacional. La película recibió críticas mixtas de los críticos de cine. Se le dío a la película una calificación de 35% basado en 49 opiniones. Todd McCarthy de Variety elogió la película por su humor. También elogió “las payasadas y acción de Jordan. The New York Times criticó la animación de la película, que más tarde pasó a decir que la película es un ”aficionado homenaje a los personajes de Looney Tunes”

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“Lola Bunny” personaje de “Looney Tunes”


LARRY FONG Nació en Los Ángeles, California. Su interés por la fotografía y el cine se despertó en su adolescencia rodando cortometrajes en Súper 8, así como proyectos de animación y de stop-motion2. Se graduó en la Universidad UCLA con un título en lingüística, y también en el Art Center College of Design de Pasadena, especializándose en cine y fotografía. Fong comenzó su carrera grabando anuncios y videos musicales, algunos de los cuales fueron ganadores de los premios MTV (REM, Van Halen y Goo Goo Dolls).

Rodó con J.J Abrams el episodio piloto de “Perdidos”, que obtuvo una nominación al premio ASC, y luego rodó varios episodios de la serie antes de irse a trabajar en “300”, a la que siguieron Watchmen” y “Sucker Punch”. Su fotografía es muy particular y se ha convertido en un elemento distintivo del cine de Snyder. Tiene sus seguidores y detractores, que la tachan de demasiado artificial, y de conseguir que los personajes parezcan figuras de cera.

Comenzó su carrera profesional haciendo videos musicales y obtuvo suficiente atención para dar lugar para filmar dos películas independientes y pilotos diferentes de televisión, anuncios y cortometrajes.

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El stop motion, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.


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oo (2007) 300 es una película estadounidense épica-de acción de 2007 dirigida por Zack Snyder. Es la adaptación cinematográfica de la serie limitada de cómics del mismo nombre de Frank Miller, la cual relata la Batalla de las Termópilas. Miller sirvió como productor ejecutivo y consultor. La película fue rodada en su mayoría con una técnica de súperposición de croma, para ayudar a reproducir las imágenes del cómic original. La trama describe la historia del Rey Espartano Leónidas (Gerard Butler) y sus 300 guerreros espartanos que pelearon a muerte contra el “DiosRey” Persa Jerjes (Rodrigo Santoro) y su armada de más de un millón de soldados.

Larry Fong obtiene imágenes de las que destaca su fortísima estilización, que huye radicalmente de cualquier atisbo de naturalismo en la puesta en escena de cara a representar con mayor fidelidad y expresividad la imaginería de la novela de Miller. Por ello, ni Fong ni Snyder llevan a cabo el menor intento de realizar una puesta en escena realista, sino que todos sus esfuerzos se centran en crear una atmósfera mucho más propia del cómic que adaptan o del cine de animación que de una película de acción real. No solo los colores (desaturados), el aspecto general de la fotografía (de altísimo contraste, abundante grano y negros profundos) y los fondos (digitales) crean una estética tan especial, sino que gran parte de la película está rodada a cámara lenta.

Michael Fassbender como “Stelios” en “300”.

“La postproducción en su totalidad tomó un año y fue manejada por diez compañías de efectos especiales”

La súperposición de croma es una técnica audiovisual utilizada ampliamente tanto en cine y televisión como en fotografía, que consiste en extraer un color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen, con la ayuda de un equipo especializado o un ordenador. Esto se hace cuando es demasiado costoso o inviable rodar al personaje en el escenario deseado, o para evitar el laborioso recorte del personaje fotograma a fotograma (rotoscopia). 3

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Cápitulo Uno: América

WATCHMEN

(2009)

La película recaudó 24.515.772 dólares en 3.611 salas de cine en su primer día, y más tarde terminó su primer fin de semana recaudando $ 55.214.334.

Superhéroes pelicula “watchmen”

Es una película estadounidense de acción-Ciencia Ficción de 2009 dirigida por Zack Snyder, y la adaptación fílmica de la serie limitada de cómics ganadora del Premio Hugo homónima, escrita y dibujada respectivamente por Alan Moore y Dave Gibbons. Es protagonizada por Jackie Earle Haley, Patrick Wilson, Malin Akerman, Billy Crudup, Jeffrey Dean Morgan, Matthew Goode, Stephen McHattie y Carla Gugino. Su historia transcurre en un 1985 alternativo y sigue a un grupo de ex vigilantes mientras la tensión entre los Estados Unidos y la Unión Soviética aumenta drásticamente. Comenzó a filmarse en Vancouver en septiembre de 2007 y su estreno fue el 6 de marzo de 2009. Al igual que con su película anterior, 300, Snyder se guio por el cómic para crear los storyboards4; sin embargo, esta vez decidió no utilizar croma para filmar la totalidad de la película. 4

Un storyboard es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse.

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Símbolo de watchmen


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SUCKER PUNCH (2011) La producción contó con un presupuesto de 82 millones de dólares

Ambientada en los años 50. Una chica es internada por su padrastro en una institución psiquiátrica para que le practiquen una lobotomía5. Mientras espera, su imaginación crea una realidad alternativa que podría salvarla de su dramática situación. cuyos sueños le ofrecen la mejor escapatoria para su realidad más oscura. A partir de ahí, la joven comienza a preparar su fuga, cuyo éxito depende del robo de cinco objetos. Pero sus increíbles aventuras difuminarán las fronteras entre lo real y lo imaginario, con consecuencias potencialmente trágicas.

Ejército en “sucker punch”

Vanessa Hudgens como blondie en “sucker punch”

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Es la incisión quirúrgica practicada en el lóbulo de un órgano o de una glándula

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TOM STERN Nació el 16 de diciembre de 1946. Es el director de la fotografía de las películas de Clint Eastwood desde Deuda de Sangre da una excelente lección de fotografía clásica, y demuestra un gran control de la iluminación. Sabe sacar mucho provecho de los claros y los oscuros, como se puede comprobar perfectamente en Million Dollar Baby. Fue nominado a los Óscar y el premio BAFTA6 a la Mejor Fotografía por su trabajo en el drama de Clint Eastwood “El intercambio”.

Stern, que colabora con Eastwood, desde hace mucho tiempo, ha sido el responsable de la fotografía de títulos aclamados por la crítica como “Invictus” y “Gran Torino”. También ha sido director de fotografía de los dramas de Eastwood ambientados en la II Guerra Mundial “Banderas de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima”; los oscarizados títulos “Million Dollar Baby” y “Mystic River”; y “Deuda de sangre”, que fue la primera película de Stern como director de fotografía.

Veterano de la industria desde hace tres décadas, Stern lleva más de veinte años colaborando con Eastwood, una asociación que se remonta a la época en que Stern fue electricista en títulos como “Aventurero de medianoche”, “Impacto súbito”, “En la cuerda floja”, “Jinete pálido” y “El sargento de hierro”.

Los Premios de Cine de la Academia Británica son unos galardones otorgados por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA). A menudo son citados como los equivalentes británicos a los Premios de la Academia Estadounidense. 2008, los premios fueron entregados en la Royal Opera House de Londres, y han tenido lugar desde el año 2000 en el Odeon Cinema, situado en Leicester Square. 6


Fotografía Cinematográfica

MILLION DOLlAR BABY (2004) Película ganadora de 4 premios Óscar y 2 Globo de Oro.

Es una película dramática estadounidense de 2004 dirigida por Clint Eastwood, quien también participó en la producción, compuso la banda sonora e interpretó uno de los papeles principales. Además de Eastwood, protagonizan la película Hilary Swank y Morgan Freeman. El guion, escrito por Paul Haggis, está basado en la novela Rope Burns: Stories From the Corner de F.X. Toole. Narra la historia de Frankie Dunn, un veterano entrenador de boxeo ya al final de su carrera, y sus esfuerzos por ayudar a una boxeadora a llegar hasta lo más alto, aunque entrenar a una mujer esté contra sus criterios.

Hilary Swank y Clint Eastwood en “Million Dollar Baby”

"Cualquiera puede perder una pelea, nadie puede perder una vez, tu volveras de esto, podrás ser campeón del mundo." Fragmento de Million Dollar Baby.

Hilary Swank como Maggie Fitzgerald en “Million Dollar Baby”

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Cápitulo Uno: América

letters from iwo jima (2006)

La película ha sido proclamada como mejor película de 2006.

Rodada íntegramente en japonés, la película ofrece la versión nipona de la batalla de Iwo Jima, el episodio más cruento de la guerra del Pacífico, en el que murieron más de 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. El objetivo de la batalla para los japoneses era conservar un islote insignificante, pero de gran valor estratégico, pues desde allí defendían la integridad de su territorio. El mismo año, Eastwood dirigió también ‘’Banderas de nuestros padres’’, que narra la misma batalla desde el punto de vista norteamericano. La versión japonesa muestra cómo el

general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe) organizó la resistencia a través de un sistema de túneles. Muchos críticos han alabado el film, considerándolo aún mejor que su también aclamado paralelo. Ha sido proclamada como mejor película de 2006 por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y la National Board of Review of Motion Pictures, y ha conseguido dos nominaciones a los Globos de Oro. Escena de la película “letters from iwo jima”.

Escena de la película “letters from iwo jima”.

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Fotografía Cinematográfica

gran torino

(2008)

La pelicula recaudó 270 millones en taquilla una semana despues de su estreno

Clint Eastwood como Walt Kowalski

Gran Torino (2008) es una película dirigida, producida y protagonizada por Clint Eastwood. Con un elenco principalmente hmong, la película cuenta con la participación de dos hijos Eastwood: Kyle en la banda sonora y Scott con un pequeño papel. Aunque se estrenó el 12 de diciembre de 2008, en la mayoría del país se estrenó el 9 de enero de 2009. Gran Torino fue dirigida por Clint Eastwood y escrita por Nick Schenk. Fue producida por Village Roadshow Pictures, Magik Media Entertainment y Malpaso Productions, la compañía Warner Bros. se encargó de la distribución de la película. El guion original se inspiró en los suburbios de las afueras de Minneapolis, Minnesota, pero los cineastas decidieron producir Gran Torino, en el estado de Míchigan, siendo una de las primeras películas en aprovechar la nueva ley del estado sobre los paquetes de incentivos para las producciones cinematográficas.

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Poster de la película “Mystic River”


RON FRICKE Es un cineasta estadounidese, reconocido sobre todo por ser uno de los maestros en la dirección fotográfica, faceta que puede ser admirada en la primer película de la Trilogía qatsi: Koyaanisqatsi del director Godfrey Reggio. Sus primeras contribuciones como director las haría con Chronos (1985) y Sacred Site (1986). Sin embargo, sería hasta 1992 cuando alcanzaría gran fama con su película Baraka en la que utilizó una cámara de 70mm diseñada por él mismo. Samsara es su último filme.

Filmado en más de una veintena de países y con una película especial de 70 milímetros, “Baraka” trata de explicar la evolución del ser humano y su relación con la naturaleza de manera enteramente visual, dejando a un lado las palabras. Cada fotograma7 de esta película de culto es una perfecta y admirable fotografía.

Fricke escribe sobre su obra: Siento que mi trabajo ha evolucionado a través de Koyaanisqatsi, Chronos y Baraka. Tanto técnicamente y filosóficamente estoy dispuesto a ir más a fondo en mi tema favorito: la relación de la humanidad con lo eterno anuncios y cortometrajes.

Se denomina fotograma a cada una de las imágenes impresionadas químicamente en la tira de celuloide del cinematógrafo o bien en la película fotográfica. 7

Es considerado como un maestro de la fotografía de lapso de tiempo y gran formato cinematográfico.

Por extensión también se llama de ese modo a cada una de las imágenes individuales captadas por cámaras de video y registradas analógica o digitalmente.


Fotografía Cinematográfica

Escena de la película “Baraka”

BARAKA (1993) Al igual que Koyaanisqatsi (1983), este documental no tiene narrativa lineal ni personajes protagónicos, ya que su verdadero tema son los precarios equilibrios y flujos naturales de la Tierra. A través de imágenes realmente impresionantes (el filme se rodó originalmente en el casi olvidado formato de los 70 mm), Baraka se mueve de los entornos naturales más solitarios al corazón de urbes en Oriente, Europa y América. De hecho, su relación con Koyaanisqatsi es más que simplemente temática: su director fue fotógrafo y asistente del documental de 1983. Baraka es un documental sin narración o voz en off. Se explora temas a través de una recopilación caleidoscópica de eventos naturales, la vida, las actividades humanas y los fenómenos tecnológicos tomadas en 24 países en seis continentes a lo largo de un período de 14 meses.

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Escena de la película “Baraka”


Cápitulo Uno: América

SAMSARA (2011) Samsara es una película documental de 2011 no narrativa, dirigida por Ron Fricke y producido por Mark Magidson, quien también colaboró ​​ en Baraka (1992), una película de la misma línea. Samsara se rodó durante cuatro años en 25 países de todo el mundo. Se rodó en formato de 70 mm y la salida a formato digital. Para la película de 70 mm a resolución 4k increíblemente detallada para los teatros, cada cuadro de la negativa fue escaneada a una resolución de 8k

en la famosa BigFoot escáner de FotoKem (abajo). El archivo de datos digital resultante fue de más de 20 terabytes! A continuación, este archivo de gran tamaño se comprimió en 4k para crear el DCP final. Los realizadores ampliamente probado este método para confirmar los beneficios de sobremuestreo en el escaneo de película a digital. El resultado es una experiencia visual sin igual con extraordinarios niveles de detalle, claridad y viveza.

Escena de la película “Samsara”

Escena de la película “Samsara”

“La película se estrenó en el 2011 Toronto International Film Festival y recibió un lanzamiento limitado en agosto de 2012.” 28


Fotografía Cinematográfica

CHRONOS(1985) Chronos comparte su particular estilo con la película Koyaanisqatsi (1983), por la que Ron Fricke era el director de fotografía, así como sus últimas películas Sagrado Sitio y Baraka (1992). El tema de la película es “la celebración de la vida”, y no incluye los temas de la tecnología como el culpable de la sociedad o de la “vida fuera de equilibrio”, que estaban presentes en Koyaanisqatsi. Director de fotografía estadounidense describió la película como “un poema musical alabando la evolución del hombre occidental de El Cairo a Los Angeles”. La película fue producida por Films Cántico, una productora fundada por Fricke. La financiación de Chronos vino del capital inicial adquirida a través de la publicidad en torno a la producción de Koyaanisqatsi. Fricke diseñó y construyó una cámara de 65 mm de la película, que incluye un sistema de control de movimiento para los efectos especiales de la película. El director también se utiliza el sistema en sus películas posteriores. Chronos es de 42 minutos de duración y no tiene actores ni diálogo. La banda sonora se compone de una sola pieza continua por el compositor Michael Stearns. Filmada en docenas de lugares en los cinco continentes, la película se relaciona con el concepto del paso del tiempo a diferentes escalas-la mayor parte de la película recorre la historia de la civilización, desde la prehistoria a Egipto a Roma de la Antigüedad tardía a la subida de Europa Occidental en la Edad Media hasta el Renacimiento hasta la era moderna. Se centra en temas europeos, pero no exclusivamente. Otras escalas de tiempo incluyen el paso de las estaciones y el paso de la noche y el día, y las sombras que pasan del sol en una tarde de la aprobación de la gente en la calle. Estos temas se entremezclan con un significado simbólico.

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Escena de la película “Chronos”


WALLY PFISTER Es un director de fotografía ganador de un premio de la academia por su trabajo en Inception, actualmente trabaja en su primera película en la silla de director. Es conocido por trabajar habitualmente con el director Christopher Nolan, entre las que se incluyen Memento, Insomnia, Batman Begins, The Prestige, The Dark Knight, Inception, y The Dark Knight Rises. Pfister también es conocido por su trabajo con el director F. Gary Gray en la película The Italian Job y con Bennett Miller en Moneyball.

Pfister ha sido nominado para un Premio de la Academia a la Mejor Fotografía cuatro veces, cada vez por una película dirigida por Nolan. Ganó un premio de la Academia por su trabajo en Origen en los Premios de la Academia 83a. También ha sido nominado tres veces para el Premio de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía para el Logro Sobresaliente en Cinematografía en producciones teatrales, de Batman Begins, El Caballero Oscuro y Origen, ganadora de la última, en 2011.

Es miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía (ASC) desde 2002, y la Sociedad Británica de Directores de Fotografía (BSC) desde 2011. Después de terminar su carrera, Pfister encontró trabajo como Asistente de Producción en el canal televisivo WMDT-TV, en Salisbury, Maryland. Tiempo después tomaba prestada una cámara CP-16 con la que empieza a grabar pequeños cortos los fines de semana, incluyendo un ensayo visual sobre una Casa Victoriana; dice Pfister de esto: “Lo hice suave.


Fotografía Cinematográfica

Guy Pearce como Leonard Shelby

MEMENTO (2000) Memento se presenta como dos secuencias diferentes de escenas: una serie de negro y blanco que se muestran en orden cronológico, y una serie de secuencias de colores que se muestran en el orden inverso. Las dos secuencias de “satisfacer” al final de la película, la producción de una historia común. Está protagonizada por Guy Pearce como Leonard Shelby, un hombre con amnesia anterógrada, que menoscabe su capacidad de almacenar nuevos recuerdos explícitos, que ha desarrollado un sistema para el recogimiento con notas escritas a mano, tatuajes y fotos Polaroid. Durante los créditos iniciales, que retrata el final de la historia, se muestra que Leonard mata peluche (Joe Pantoliano). La película sugiere que este asesinato es la venganza por la violación y asesinato de su esposa (Jorja Fox), basado en la información proporcionada por Natalie (Carrie-Anne Moss).

La presentación de la película, se estructura con dos líneas de tiempo: una en color y una en negro y blanco. Las secuencias de color se alternan con secuencias de negro y blanco. Este último se ponen juntos en orden cronológico. Los colores, aunque se muestra hacia adelante (excepto el primero, que se muestra a la inversa) se ordenan en sentido inverso. Cronológicamente, las secuencias de negro y blanco son lo primero, las secuencias de colores vienen a continuación. Las secuencias de color incluyen una breve superposición para ayudar a pista a la audiencia en el hecho de que se presentan en el orden inverso. El propósito de la secuencia inversa fragmentada es forzar a la audiencia en una experiencia simpática de la capacidad defectuosa de Leonard para crear nuevos recuerdos a largo plazo, donde los eventos anteriores no se recuerdan, ya que el público tiene todavía.

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Cápitulo Uno: América

THE DARK KNIGHT (2008)

The Dark Knight es una película de superhéroes dirigida, producida y co-escrita por Christopher Nolan. Basado en el personaje de DC Comics Batman, la película es la segunda parte de la serie de películas de Batman de Nolan y una secuela de Batman Begins de 2005.

Christian Bale vuelve a interpretar el papel protagónico de Bruce Wayne / Batman, con un elenco de retorno de Michael Caine como Alfred Pennyworth, Gary Oldman como James Gordon, y Morgan Freeman como Lucius Fox. La película presenta el personaje de Harvey Dent (Aaron Eckhart), fiscal de distrito electo de Ciudad Gótica y el consorte del amigo de la infancia Rachel Dawes de Bruce Wayne (Maggie Gyllenhaal), que se une a Batman y la policía en la lucha contra la nueva amenaza creciente de un cerebro criminal llamada sí mismo “The Joker” (Heath Ledger). El rodaje tuvo lugar en Hong Kong, se utilizó formato IMAX cuyas cámaras tenían cargas de cortos que van desde 30 segundos y dos minutos y el costo de la acción de la película era mucho mayor que película estándar de 35 mm.

Christian Bale como Batman

Heath Ledger como The Joker

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Fotografía Cinematográfica

INCEPTION

(2010) Inception es una película de ciencia ficción escrita, producida y dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, Tom Hardy, Marion Cotillard, Cillian Murphy, Tom Berenger y Michael Caine.

Joseph Gordon-Levitt en “Inception”

La película fue rodada principalmente en el formato anamórfico en película de 35 mm8, con secuencias de teclas grabadas en 65 mm. Wally Pfister dio a cada ubicación y nivel de sueño una mirada distintiva. La fortaleza de la montaña parece estéril y fresco, los pasillos del hotel tienen tonos cálidos, y las escenas de la furgoneta es más neutral.

Logró tres premios BAFTA para el Mejor Diseño de Producción, Mejor Sonido y Mejores Efectos Especiales. También obtuvo nominaciones tanto en los Óscar, Globos de Oro y los Premios BAFTA, destacando en los tres premios las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Banda Sonora y Mejor Guion. Además, obtuvo el tercer lugar de taquilla en 2010 según la ABC.

Esto se hizo para facilitar el reconocimiento de la audiencia del La ubicación de la narrativa en gran medida durante la parte de corte transversal de la película. Nolan dijo que la película “trata de los niveles de la realidad y la percepción de la realidad que es algo que estoy muy interesado.

Elemento clave de la película 8 La película de 35 mm es el formato de negativo o película fotográfica más utilizado, tanto en cine como en fotografía, que se mantiene relativamente sin cambios desde su introducción en 1892 por William Dickson y Thomas Edison, que usaron material fotográfico proporcionado por George Eastman.

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GORDON WILLIS Nació en Queens, Nueva York; el 28 de mayo de 1931. Es conocido fundamentalmente por sus colaboraciones con los realizadores Woody Allen, Francis Ford Coppola y Alan J. Pakula. En la 82ª edición de los Premios Oscar, celebrada en 2009, obtuvo un Oscar Honorífico por el conjunto de su trayectoria cinematográfica. Su participación en la trilogía de “El padrino” (“The Godfather”, 1972) es ya un motivo más que suficiente para incluir a Gordon Willis entre los artistas más importantes del séptimo arte.

Y es que este neoyorquino es uno de los principales artífices de la revolución estética que sufrió el cine norteamericano en los años 70. Los contraluces, la tendencia a la subexposición1 y el absoluto domino de la fotografía en blanco y negro son algunos de los rasgos de su reconocible estilo. Un claro ejemplo de todo esto podemos encontrarlo en “Manhattan” (“Manhattan”, 1979), una de sus muchas colaboraciones con Woody Allen, en la que retrató magistralmente la vida en la legendaria ciudad de los rascacielos.

Según recuerdan quienes han trabajado con él, Willis es un tipo irritable, que en su afán perfeccionista sufría continuos ataques de ira, pero no paraba hasta que encontraba el encuadre y la iluminación ideal. No la mejor para su propio lucimiento, sino la que mejor expresaba lo que tenía que narrar el plano en cuestión.

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Es la exposición a la luz insuficiente de un material fotográfico. Puede deberse a la colocación incorrecta del mando de sensibilidades, a un cálculo incorrecto en situaciones difíciles de ilminación, a suciedad acumulada en el objetivo o a la no compensación de un filtro denso.


Fotografía Cinematográfica

MANHATTAN (1979) “Conoces a muchos genios. Deberías conocer gente tonta de vez en cuando. Podrías aprender algo.”

Manhattan es una película dirigida y protagonizada por Woody Allen, estrenada en 1979, considerada un clásico en la Historia del cine. Obtuvo dos nominaciones a los Óscar. La película describe la vida de Isaac Davis, un escritor de gags10 para televisión, que ha pasado los cuarenta y tras conocer dos fracasos matrimoniales, su última esposa publica un libro con los detalles de su vida sexual, mantiene una relación con una joven de diecisiete años llamada Tracy, pero se enamora de Mary Wilkie, amante de su mejor amigo Yale. Fue aclamada tanto por el público como por la crítica, posiblemente porque hasta cierto punto evocaba la cinta Annie Hall11 dado que es la historia de un romance conflictivo narrada con mucho ingenio. El guion de esta película, original de Woody Allen y Marshall Brickman, fue traducido al español por José Luis Guarner, publicado por Tusquets en 1981 y reeditado posteriormente El excelente trabajo del director de fotografía Gordon Willis se nota en los encuadres medidos, en los planos sostenidos, en el fuera de campo, en los claroscuros, incluso en esa neblina que envuelve la ciudad y que le confiere un aura entre mágica y mefítica. Secuencias como la del Planetarium, la del puente de Brooklyn o la del paseo en calesa nos brindan la oportunidad de contemplar la faceta más desconocida del director de ‘Match Point’.

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Escena de la Película Manhattan

10 En comedia, un gag o gag visual es algo que transmite su humor a través de imágenes, generalmente sin el uso de palabras Annie Hall conocida también en castellano como Dos extraños amantes (Hispanoamérica), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Óscar al mejor director en 1977.

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Cápitulo Uno: América

Harrison Ford y Brad Pitt como Tom O’Meara y Rory Devaney / Francis Austin McGuire

The Devil’s Own es una película estadounidense de 1997, dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada por Harrison Ford y Brad Pitt en los papeles principales. Esta película narra la historia de un irlandés perteneciente al IRA, quien es enviado a Nueva York con la finalidad de comprar armamento en forma ilegal. Para disminuir sospechas sobre su paradero, cambia su identidad y se hospeda en el hogar de un policía neoyorkino de origen irlandés, quien igno-

THE DEVIL'S OWN (1997)

ra sobre la verdadera identidad de su huésped. Destaca una soberbia fotografía a cargo del excelente Gordon Willis, bien acompañada por la partitura de música celta de James Horner. Ambas se pueden apreciar en la espectacular secuencia inicial que tiene lugar en Irlanda, con la que arranca el film. Fue la última película dirigida por Alan J. Pakula, fallecido en un accidente automovilístico el 19 de noviembre de 1998.

Brad Pitt como Rory Devaney / Francis Austin McGuire

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Fotografía Cinematográfica

Jane Fonda como Bree Daniels

Alan J. Pakula rueda un thriller muy sórdido, aunque vistoso visualmente, que impactó al comienzo de los 70. El film recoge todo un océano de miserias humanas.

KLUTE (1971) Klute es una película dramática 1971 dirigida y producida por Alan J. Pakula, escrito por Andy y Dave Lewis, y protagonizada por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi y Roy Scheider. Cuenta la historia de una prostituta que ayuda a un detective para resolver el caso de una persona desaparecida. Klute fue la primera entrega de lo informal llegó a ser conocido como “trilogía de la paranoia” de Pakula. Las otras dos películas de la trilogía son El último testigo (1974) y Todos los hombres del presidente (1976). La película incluye un cameo de Warhol12 superestrellas actriz Candy Darling, y otro de All in the Family coprotagonista Jean Stapleton. La música fue compuesta por Michael Small.

Jane Fonda ganó el Oscar por su composición de una prostituta, aunque el trabajo de Donald Sutherland no le va a la zaga. Según la actriz, “me dediqué a construir una manera distinta de construir una prostituta: dura, indignada, pero no del todo insensible; y fue cuando acudí a mi recuerdo de las prostitutas parisinas que había conocido con Roger Vadim”. Rodando el film en uno de sus momentos más azarosos, Fonda dijo en sus memorias, en un rapto infrecuente de sinceridad en el mundo de la farándula, que “veo el paralelismo entre la que yo era entonces y el personaje de Bree, una mujer que prefería la prostitución a la intimidad de una relación verdadera”. De Sutherland comentó que “se portaba como un caballero de los de antes”.

Comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. 12

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STEFAN CZAPSKY Stefan Czapsky es un cineasta estadounidense de origen ucraniano que se crió en Cleveland Ohio y se trasladó a Nueva York para asistir al programa de cine de posgrado de la Universidad de Columbia. Llegó a dominar el arte de la fotografía, trabajando como ayudante de cámara, capataz y jefe grip antes de lanzar su carrera como director de fotografía. Stefan ha rodado numerosas películas premiadas, anuncios y vídeos musicales. Él trae confianza y claridad a cada uno de sus proyectos y actualmente reside en la ciudad de Nueva York.

Czapsky se abrió camino hasta las filas para convertirse en un galardonado director de fotografía después de los créditos acumulando como ayudante de cámara, gaffer, grip, y jefe de electricistas. Estos primeros trabajos abarcan proyectos tan diversos como el culto thriller de Larry Cohen “Demon / Demon” (1976), de John Sayles período de drama adolescente “Baby, eres tú” (1983), y de Bertrand Tavernier “’Round Midnight” (1986 ). Primeras colaboraciones con cineastas tan reputados llevaron a tareas cada vez más alto perfil.

El primer crédito de Czapsky como director de fotografía fue un Bruce oscura Dern-protagonizada por una crisis de la mediana edad (“On the Edge”, 1985), pero su segundo, “The Thin Blue Line”, fue un crimen considerado ampliamente aclamado y (relativamente) docudrama de bicho raro documentalista Errol Morris. El trabajo de Czapsky aquí fue muy seguro, haber hecho la transición sin problemas entre el sencillo cantidad de la entrevista y las recreaciones de ensueño de la escena del crimen tomadas desde diversos ángulos ya diferentes velocidades.


Fotografía Cinematográfica

EDWARD SCISSORHANDS (1990) Una mujer mayor cuenta a sus nietos una historia. Ellos piensan que se trata de un cuento, pero en realidad está basado en una historia real. Un inventor vivía en un castillo en la cima de una colina y había creado un ser vivo llamado Eduardo. Era un joven atractivo, pero tenía un grave defecto, en lugar de manos tenía unas tijeras de metal. Tras la muerte de su creador, Eduardo se queda solo en el castillo, hasta que una vendedora a domicilio se lo lleva a su casa a vivir con su familia. Se trata de una especie de versión moderna de Frankenstein, de Mary Shelley, pues un extrafalario inventor da vida a un ser sensible y bondadoso, que en lugar de dedos tiene tijeras, lo que conducirá su vida hasta la tragedia. Escena de Edward Scissorhands

Johnny Depp como Edward Scissorhands

“Hay todo tipo de tijeras. Inclusive hubo una vez un hombre que tenía tijeras por manos.” 39


Cápitulo Uno: América

Mara Wilson como Matilda Wormwood

MATILDA (1996) Matilda (Mara Wilson) es una extraordinaria niña, de una inteligencia prodigiosa. Desgraciadamente, sus padres, Harry y Zinnia Wormwood (Danny DeVito y Rhea Perlman) no se dan cuenta de este hecho. Están demasiado acupados en sus pequeños quehaceres cotidianos e ignoran que su pequeña hija está completamente enamorada de los libros y la cultura, y de que tiene inmensos deseos de aprender cosas nuevas. Cuando los Wormwood conceden por fin a su hija el deseo de ir al colegio, la envían a una inhóspita escuela-prisión donde todos sus alumnos viven atemorizados bajo el látigo de una horrible directora, Agatha Truncbull (Pam Ferris).

Familia Wormwood en Matilda

Deliciosa comedia familiar que ofrece algunas magníficas dosis de valores familiares, como el cariño y la generosidad.

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Danny DeVito demuestra que además de ser un gran actor es un fantástico y original realizador.


Fotografía Cinematográfica

EdWood (1994)

Ed Wood es una película estadounidense cómica-biográfica de 1994 dirigida por Tim Burton, que narra la vida del famoso director de cine bizarro y de culto Ed Wood. Fue escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski y está basada en la biografía escrita por Rudolph Grey. La historia nos muestra a un joven Ed Wood con enormes problemas para encontrar financiación para sus películas. Ayudado por un grupo de excéntricos pero leales personajes, en especial del actor húngaro Béla Lugosi, Wood verá cumplido su sueño de dirigir películas de cine. Fue rodada en blanco y negro por decisión personal de Burton, ya que Béla Lugosi había hecho pocas películas en color, además de estar popularmente asociado a los films que rodó en blanco y negro, y Burton deseaba que siguiera siendo así. 41

Johnny Depp como Ed Wood


Cápitulo Uno: América

Jennifer Carpenter como Emily Rose

The Exorcism of Emily Rose

(2005)

El exorcismo de Emily Rose (2005) es una película de terror dirigida por Scott Derrickson y protagonizada por Tom Wilkinson, Laura Linney y Jennifer Carpenter. Inspirada en la verdadera historia de Anneliese Michel, el guion fue escrito por el propio director y Paul Harris Boardman y consiguió recaudar 144 216 468 dólares en todo el mundo. Que el film trate temas de fondo con rigor no está reñido con la comercialidad, como ocurría en El exorcista, de William Friedkin. Las secuencias de terror, con el diablo sugerido o manifiesto, están bien resueltas, y buscan el realismo, la credibilidad. A ello ayuda el trabajo de Jennifer Carpenter, convincente

Escena clave de la película

Emily Rose, que no requiere excesos de maquillaje y efectos especiales. Se trata de un gran trabajo de dirección que logra muy bien su objetivo. La película ofrece escenas muy intensas que atrapan al espectador y logran asustar.

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Fotografía Cinematográfica

ED WOOD

(2007)

Ed Wood es una película estadounidense cómica-biográfica de 1994 dirigida por Tim Burton, que narra la vida del famoso director de cine bizarro y de culto Ed Wood. Fue escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski y está basada en la biografía escrita por Rudolph Grey. La historia nos muestra a un joven Ed Wood con enormes problemas para encontrar financiación para sus películas. Ayudado por un grupo de excéntricos pero leales personajes, en especial del actor húngaro Béla Lugosi, Wood verá cumplido su sueño de dirigir películas de cine. Fue rodada en blanco y negro por decisión personal de Burton, ya que Béla Lugosi había hecho pocas películas en color, además de estar popularmente asociado a los films que rodó en blanco y negro, y Burton deseaba que siguiera siendo así. La historia narra la vida del director Ed Wood en los años en los que empezó a rodar sus primeros largometrajes, recogiendo los rodajes de sus películas Glen o Glenda, La novia del monstruo y la obra cumbre del director, Plan 9 from Outer Space. Burton rinde con esta película un homenaje al cine de terror y ciencia ficción de clase B, además de desarrollar, entre otras cosas, una visión bastante realista del Hollywood de los años 1950, a través de la figura de Lugosi, ya en decadencia y con problemas de heroína debido a su ocaso cinematográfico. Tuvo una baja recepción en la taquilla estadounidense. Aunque para la crítica, esta es, junto con Edward Scissorhands y Big Fish, posiblemente una de las mejores obras del realizador, debido a su creatividad, su estilización y los diferentes temas que se tratan en ella.

Martin Landau como Bela Lugosi: Rick Baker

“¿La peor película que ha visto? Bueno, la próxima será mejor.”

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henry bumstead (17 marzo 1915 hasta 24 mayo 2006) fue un estadounidense de cine director de arte y diseñador de producción .

En una carrera que se extendió por más de cincuenta y cinco años, ganó dos premios de la Academia : el primero para Matar a un ruiseñor , y la segunda para The Sting . Además, fue nominado a Alfred Hitchcock 's Vertigo y Clint Eastwood 's Unforgiven . Bumstead nació en Ontario, California , y tras su graduación de la Universidad del Sur de California , se unió a Paramount Pictures en 1948.Aprendió el oficio de Hans Dreier , con quien trabajó en varias películas que comienzan con Saigón .

Después del retiro de Dreier en 1951 trabajó con Hal Pereira , a quien Paramount había contratado para reemplazar Dreier.

En 1961, Paramount Bumstead dejó para unirse a Universal Studios , donde formó una estrecha colaboración con Alexander Golitzen13 .

Durante estos primeros años, Bumstead trabajó en numerosas películas, incluyendo My Friend Irma , My Friend Irma Goes West , y Los puentes de Toko-Ri .

Mientras que en Universal, estableció relaciones conGeorge Roy Hill y Clint Eastwood , que se inició en Slaughterhouse-Five y High Plains Drifter respectivamente. Luego pasó a trabajar con los dos hombres en numerosas películas.

Sin embargo, su gran oportunidad llegó en 1956 cuando trabajó con Pereira en Alfred Hitchcock remake de 's de El hombre que sabía demasiado . Luego pasó a trabajar en otras tres películas de Hitchcock: Vértigo , Topacio y Family Plot .

13 Supervisó dirección de arte por más de 300 películas, Fue nominado para un Premio de la Academia por su trabajo en Sundown (1941), Noches de Arabia (1942), The Climax (1944), Flower Drum Song (1961), que tocan de Mink (1962), Gambito (1966), totalmente moderno Millie (1967), Sweet Charity (1969), Aeropuerto (1970), y Terremoto (1974).


Fotografía Cinematográfica

vertigo (1956) Una de las peliculas mas polemicas del maestro del suspenso Alfred Hitchcock

Escena de “Vertigo” deAlfred Hitchcock

Es una película de suspense, cine negro y melodrama dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958. Un detective retirado aquejado de acrofobia o vértigo es contratado por un viejo amigo para que vigile discretamente su esposa quien dice estar poseída por un espíritu. Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana, nominada a dos premios Óscar. En 1996 se presentó una versión restaurada de la cinta. El 2 de agosto de 2012 la Película fue elegida, tras una evaluación de 10 años, como la mejor película de todos los tiempos, desplazando a Ciudadano Kane de Orson Welles(1). Aclamado director cinematografico considerado uno de los mejores directores de la historia

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James Stuart En Vertigo

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Cápitulo Uno: América

mystic river (2003)

fue uno de las primeras grandes victorias del actor, productor y director Clint Eastwood

Es una película estadounidense de 2003, dirigida por Clint Eastwood. Tuvo una amplia aclamación de la crítica y fue nominada para 6 premios Oscar de los que obtuvo dos: al mejor actor (Sean Penn) y al mejor actor secundario (Tim Robbins). La película esta basada en la novela del mismo nombre de Dennis Lehane. Eastwood nos muestra a unos personajes poseídos por sus demonios interiores, al borde del absoluto abismo. Dave, al que da vida un soberbio Tim Robbins, todavía está traumatizado por lo que sucedió en el pasado, y en algunos momentos incluso se ve como poseído por una maldición. Tal vez por eso ahí está ese malévolo detalle de Eastwood colocando al personaje ante la televisión en plena madrugada viendo “Vampiros de John Carpenter”, mostrándonos a Dave como ese vampiro que ve que nunca podrá librarse de esa maldición, por mucho que lo intente y que está condenado a seguir prisionero del pasado. Imagen De Mystic River dirigida Por Clint Eastwood

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Fotografía Cinematográfica

Robert DeNiro como Max Cady

CAPE FEAR (1991)

Es una película estadounidense de suspenso estrenada en 1991. Es dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis y Joe Don Baker, con apariciones de Robert Mitchum y Gregory Peck. Está basada en la novela de 1957 The Executioners, de John D. MacDonald, y es un remake del filme homónimo de 1962.

Escena de Cape Fear

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Who's Afraid of Virginia Woolf?

Richard Sylbert Simplemente uno de los grandes directores del cine a blanco y negro del siglo xx

(16 abril 1928 hasta 23 marzo 2002) fue un premio de la Academia ganador de un diseñador de producción y director de arte , sobre todo para las películas . Primeros años

Sylbert comenzó su carrera en los primeros días de la televisión , el diseño de las producciones de Hamlet (1953) y Ricardo II(1954) para el Hallmark Hall of Fame .

Nacido en Brooklyn, Nueva York , hijo de Samuel y Lily (Lazell) Sylbert, Sylbert luchó en la guerra de Corea y asistió a la Escuela de Arte Tyleren la Universidad de Temple en Elkins Park, Pensilvania .

Crédito Sylbert primera película fue Patterns (1956), una adaptación cinematográfica de un Emmy Award -winning adaptación para televisión por Rod Serling .

Luego pasó a diseñar Baby Doll Su abuelo, Ribac, fue un perio- ,Un rostro en la multitud , Piel de dista en su país natal, Rumania serpiente , Murder, Inc. , Esplenantes de emigrar a losEstados dor en la hierba , Walk on the Wild Side , Largo viaje hacia la Unidos . noche , El mensajero del miedo

, El prestamista , Lilith , ¿Quién es teme a Virginia Woolf? , El graduado , La semilla del diablo , Catch-22 , Conocimiento carnal , Chinatown , champú , Rojos , Frances , The Cotton Club , Tequila Sunrise , Dick Tracy , La hoguera de las vanidades , Atrapado por su pasado , Mulholland Falls , Mi El mejor amigo La boda , y atrapado . Trabajó en múltiples ocasiones con los directores Roman Polanski , Elia Kazan, Mike Nichols , y Warren Beatty Robert Evans Sylbert nombrado su sucesor cuando renunció a su cargo de jefe de producción en Paramount Pictures en 1975.


Fotografía Cinematográfica

Who's Afraid of Virginia Woolf? (1996)

Elizabeth Taylor como Martha

Es una película estadounidense de 1966, dirigida por Mike Nichols, basada en la obra teatral del mismo título de Edward Albee14. Ganó cinco Oscar y fue nominada a otros ocho. Richard Burton y Elizabeth Taylor actuaron los roles principales, George Segal y Sandy Dennis en los roles secundarios. De gran éxito de público en el momento de su estreno, lanzó a la fama a un joven realizador que en 1967 reeditaría el éxito de crítica y público con otro clásico, El Graduado15. Esta obra, además de ser la primera que dirigió Mike Nichols (después sería director de El Gra-

duado y Closer, entre otras), fue la primera que significo un acercamiento más real y confidencial entre el cine y la sociedad al permitirse usar por vez primera un lenguaje considerado demasiado “fuerte” por la censura, que sin embargo son palabras que la gente usaba ya comúnmente, pero que no se habían oído nunca en el cine.

Dramaturgo estadounidense, introdujo en buena parte a los EE. UU. en las nuevas tendencias dramáticas europeas de la segunda mitad del Siglo XX. 14

Es una película basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor. 15

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Cápitulo Uno: América

CHINATOWN (1974)

Walsh: Forget it, Jake. It’s Chinatown Roman Polanski

Es una película de 1974 dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. Ganó el Oscar a Mejor guion original y fue candidata a 10 premios más. A pesar de elegir para este proyecto un género que había llegado a su época dorada durante los años cuarenta, Polanski tuvo la inteligencia de no abordarlo desde la fácil imitación a las obras maestras que todos recor-

damos, sino desde un planteamiento cinematográfico moderno; «Yo no veía en Chinatown una obra “retro” o una imitación consciente de las películas clásicas en blanco y negro, sino una película sobre los años treinta, vistos a través del ojo de la cámara de los setenta». Este es uno de los grandes aciertos de la película, que, gracias a este planteamiento, al empleo del color o la dirección tan

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personal de Polanski, se hace más cercana y realista, sin perder los caracteres propios del género negro. La narración es muy medida, Polanski sólo nos cuenta lo necesario en cada momento, es muy preciso en su trabajo de dirección.

Faye Dunaway Como Evelyn Cross Mulwray


Fotografía Cinematográfica Benjamin: Mrs. Robinson, you're trying to seduce me... Aren't you? Mike Nichols

THE GRADUATE (1967)

Katharine Ross como Elaine

Dustin Hoffman como Benjamin

El graduado (The graduate) es una película basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor.

Nichols, para poner de manifiesto una serie de temas como la incomunicación, el desaliento y la confusión. Estamos ante la crítica de una sociedad podrida por la hipocresía e incapaz de avanzar.

Benjamin, Dustin Hoffman, un chico que encarna las características de una nueva generación de jóvenes americanos (rebeldía, búsqueda de nuevos valores, liberación sexual, etc.). Sin embargo, Benjamin vive la contradicción de las pautas de comportamiento que sus padres le imponen.

Este film contiene dos paradojas. La primera de ellas es que cada vez que hay momentos de comedia, la amargura que desprende es mayor. A medida que los diálogos son más agudos y ácidos, la pesadumbre se hace aún más presente. Por ejemplo, los momentos dónde Benjamin actúa de “bufón” para el resto de personajes, ponen de manifiesto lo vacío de la sociedad en la que vive el chico.

Por otro lado, tenemos a la Señora Robinson, Anne Bancroft, un personaje que deja en evidencia las debilidades de la familia tradicional americana, desde el alcoholismo social pasando por la infidelidad y el materialismo. La relación que se establece entre estos dos personajes, más allá del escándalo, es utilizada por

La segunda paradoja corresponde a la edad. Cuando se rodó, Dustin Hoffman tenía 30 años, Katharine Ross tenía 27 y Anne Bancroft, 36. Obviamente, no se correspondían con las edades de sus personajes.

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CAPITULO UNO:AMÉRICA

Escena inicial de “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola

Dean Tavoularis Nacido el 18 de mayo 1932,es un griego diseñador de producción cuyo trabajo apareció en taquilla numerosos éxitos como El Padrino películas, Apocalypse Now , de trabajo El mayor robo del siglo , One from the Heart y Bonnie y Clyde . En 1967, Arthur Penn llamó para hacerse cargo de la dirección artística de Bonnie y Clyde . Tres años más tarde, Penn llamó una vez más a diseñar Pequeño gran hombre . Pero estaba trabajando con Francis Ford Coppola en 1972 en El Padrino que marcó la pauta creativa de su carrera. El Padrino II y La Conversación , en 1974, consolidó su colabo-

ración, y abrió el camino para lo que iba a ser su reto creativo conjunto : Apocalypse Now , la película para la que creó un reino Tavoularis selva pesadilla, inspirada en Angkor Wat . También fue en el rodaje de Apocalypse Now donde conoció a su futura esposa, la actriz francesa Aurore Clément . (Papel de Clément fue editado finalmente fuera del corte final de la película, y sólo restaurada en el Apocalypse Now Redux versión en 2001. Desde 1967 hasta 2001, trabajó en más de treinta películas y aterrizó cinco premios de la

Academia nominaciones, una de las que ganó por El Padrino II . Para la versión 1982 One from the Heart recreó tanto en el "Strip" de Las Vegas y el Aeropuerto Internacional McCarran en los estudios de sonido de Zoetrope Studios .

“Aunque Dean Tavoularis sea de padres griegos es un Norteamericano nacido en Massachusets.”


Fotografía Cinematográfica

APOCALYPSE NOW (1979)

Ha sido hasta ahora una de las peliculas mas realistas sobre un conflicto armado

Conocida mundialmente como Apocalypse Now, (Apocalipsis ahora en América Latina) es una película bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 1979. El guion está basado en El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness), una novela de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX, aunque trasladando la acción a la invasión estadounidense de Vietnam. Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto

Marlon Brando en “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola

(Robert Duvall), al mejor guion adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año.

se convirtió en un verdadero infierno. De hecho cuando F.Coppola la presentó en Cannes comentó: «Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietnam16, esto es Vietnam».

En 2001 Coppola presentó, también en el Festival de Cannes, un nuevo montaje de la película, ampliada hasta las tres horas y media de duración, con el nombre de Apocalypse Now Redux.

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Fue un conflicto bélico que enfrentó entre 1964 y 1975 a Vietnam del Sur, apoyada por Estados Unidos, contra Vietnam del Norte, apoyada por la Unión Soviética, en el contexto general de la Guerra Fría.

El rodaje de esta película en las Islas Filipinas

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Cápitulo Uno: América

THE GODFATHER

(1972)

“Don Corleone: I'm going to make him an offer he can't refuse.” Francis Ford Coppola

Es una película estadounidense de 1972 dirigida por Francis Ford Coppola. El filme fue producido por Albert S. Ruddy, de la compañía productora Paramount Pictures. Está basada en la novela del mismo nombre, de Mario Puzo17, quien adaptó el guion junto a Coppola y Robert Towne sin ser acreditado. El film narra la vida de Vito Corleone, jefe de una de las cinco "familias" que ejercen el mando de la Cosa Nostra en la ciudad de Nueva York en los años 40. Representa la experiencia de los inmigrantes (en su caso italianos) a los Estados Unidos y al mismo tiempo expone las contradicciones del "sueño americano". Contó con un reparto encabezado por Marlon Brando, quien interpreta a Don Vito; Al Pacino, James Caan y John Cazale en el papel de los hijos de Don Vito: Michael, Sonny y Fredo, respectivamente; Robert Duvall, como Tom Hagen, el hijo adoptivo de Corleone y abogado (con la tarea de consigliere) de la familia; y Diane Keaton, como Kay Adams, la novia de Michael.

Marlon Brando como Vito Corleone en “The Godfather”

fue un escritor estadounidense de origen italiano conocido como el literato de la mafia, especialmente por su obra maestra El padrino (1969). 17

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Fotografía Cinematográfica

Johnny Depp en “The Ninth Gate” de Roman Polanski

THE NINTH GATE (1999) Es una película de 1999, dirigida por Roman Polański y realizada en coproducción por compañías de España, Francia y Estados Unidos. Protagonizada por Johnny Depp, Frank Langella, Lena Olin, Emmanuelle Seigner, Barbara Jefford y Jack Taylor. La película está basada en la novela El club Dumas de Arturo Pérez-Reverte. Ganadora del premio Premios del Cine Europeo (1999): Roman Polanski al Mejor lanzamiento mundial de un film europeo. Su estreno mundial tuvo lugar en San Sebastián (España) el 20 de agosto de 1999, poco antes de la inauguración de la 47 edición Festival Internacional de Cine de San Sebastián18 1999. Es un certamen cinematográfico de la máxima categoría (A) acreditada por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF). Se celebra anualmente a finales del mes de septiembre, en la ciudad vasca de San Sebastián (España). Su primera edición arrancó el 21 de septiembre de 1953. 18

Escena de The Ninth Gate

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Mel Gibson en Braveheart

John toll En 1978 trabajó en su primera película, Norma Rae , como operador de cámara . Ganó back-toback premios de la Academia a la Mejor Cinematografía en 1994 y 1995, por las películas Legends of the Fall y Braveheart . También fue nominado para un Premio de la Academia por su trabajo en La delgada línea roja y ganó una Mención de Honor en el 49o Festival Internacional de Cine de Berlín .

También fue nominado para un Premio Primetime Emmy para el piloto de Breaking Bad .

de béisbol - en este caso un gigante "pájaro" - como una estrella en un comercial.

Él era el director de fotografía en 1987 por un disparo de televisión Ben-Gay béisbol de temática comercial nacional en Anaheim Stadium en el sur de California, escrito y co-dirigido por Peter Hoffman, director creativo de la agencia de Nueva York publicidad Ally & Gargano.

Este director de fotografía, o cinematógrafo -traducción literal de la palabra inglesa que denomina esta profesión, cinematographer-, comenzó a trabajar en 1971 y desde tonces tiene en su currículum películas como las mencionadas Leyendas de pasión, Braveheart y La delgada línea roja, pero también cuenta con Casi famosos.

Fue el primer comercial para utilizar mascota humana un equipo


Fotografía Cinematográfica

THE THIN RED LINE (1998)

‘Crudas realidades de guerras sin sentido’

James Caviezel en “The Thin Red Line”

La delgada línea roja (título original en inglés: The Thin Red Line) es una película estadounidense del género bélico dirigida por Terrence Malick; se estrenó en 1998 y fue presentada mundialmente en el 49º Festival Internacional de Cine de Berlín19 (febrero de 1999). La película narra la historia de las tropas militares estadounidenses en la Batalla de Guadalcanal en la Segunda Guerra Mundial. Su guion es una adaptación de la novela del mismo nombre de James Jones, previamente adaptada en el guion de la película de 1964.

El reparto coral lo forman un considerable número de reconocidos actores: Sean Penn, Adrien Brody, James Caviezel20, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta, Randall Duk Kim y John Savage. 19

Es un prestigioso festival de cine internacional que se celebra en la ciudad de Berlín, Alemania. Jim Caviezel aparete de haber protagonizado esta pelicula es mundialmente reconocido por haber interpretado a Jesus en la polemica pelicula de Mel Gibson “ The Passion Of Christ 20

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Cápitulo Uno: América

Kate Hudson como Penny Lane en ‘Almost Famous’

almost famous (2000)

Es una película del año 2000 escrita y dirigida por Cameron Crowe, mostrando la historia ficticia de William (Patrick Fugit), un reportero adolescente que se empeña en escribir sobre el mundo de la música desde dentro. Gracias a un encargo de la revista Rolling Stone podrá seguir la gira del grupo Stillwater, lo que le dará también la ocasión de enamorarse de una preciosa groupie de la banda, Penny Lane (Kate Hudson). El film es semi-autobiográfico, ya que Crowe sí escribió para la revista Rolling Stone siendo adolescente.

La película se basa en las experiencias de viajar con bandas de rock como The Allman Brothers Band, Led Zeppelin, The Eagles. En un artículo de “Rolling Stone”, él habla acerca de como perdió su virginidad, se enamoró y conoció a sus héroes, experiencias que reflejó en William, el personaje principal de la película. Aunque los personajes son ficticios, el parecido físico entre el actor Billy Crudup y el guitarrista de The Allman Brothers Band, Dickey Betts es asombroso (basta con ver cualquier grabación de la banda de esa época), lo que confirma el hecho de que en la banda de rock sureño fue

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en la que más se insipiró Cameron Crowe a la hora de escribir el guion. A pesar de ello, las referencias a Led Zeppelin21 son numerosísimas (incluyendo la escena en la que el protagonista se tira del tejado de la casa a la piscina, que popularmente se le atribuye a Robert Plant). “Casi Famosos” es una de esas raras películas con personajes precisos y creíbles, que tiene el beneficio de haber encontrado a los actores perfectos para representarlos. 21

Led Zeppelin fue un grupo británico de rock, considerado uno de los más importantes de ese género y uno de los más populares durante la década de los setenta.


Fotografía Cinematográfica

Elenco de Tropic Thunder

Tropic Thunder (2008)

Tropic Thunder (también conocida como Tropic Thunder, una guerra muy perra o Una guerra de película) es una película de comedia que parodia el Cine bélico. Es una producción de Hollywood filmada en 2008, dirigida por Ben Stiller y escrita por Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen. La película es protagonizada por Ben Stiller, Jack Black y Robert Downey Jr., quienes encarnan a un grupo de actores en declive que filman una película sobre la Guerra de Vietnam.

Robert Downey Junior como Kirk Lazarus

El director muere al pisar una mina y el escritor de la película decide abandonarlos en la mitad de la selva, obligándolos a escapar de ahí por sus propios medios.

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Robert Richardson (Hyannis, 27 de agosto de 1955) es un director de fotografía estadounidense, colaborador habitual de Quentin Tarantino, Oliver Stone y Martin Scorsese. Obtuvo tres premios Óscar por su trabajo en JFK (1992), de Stone, El aviador (2004), de Scorsese, y Hugo (2011), también de Scorsese.

También se desempeñó como director de fotografía en documentales y docudramas de televisión tales como Disney Channel, BBC y PBS, donde realizó La Línea del Frente: El Salvador. Su trabajo en El Salvador despertó el interés de Oliver Stone, quien lo contrató para rodar Salvador (1986).

Richardson nació en Hyannis, Massachusetts. Se graduó de la Escuela de Diseño de Rhode Island en Cine, Animación y Video. En 1984, trabajó como operador de cámara y segundo fotógrafo en películas como Repo Man, Making the grade y Pesadilla en Elm Street, de Wes Craven.

El debut de Oliver Stone como director fue también el debut de Richarson como director de fotografía. El mismo año, filmaron Platoon, ganadora del Óscar a la mejor película y nominada al Óscar a la mejor fotografía. En 1987, Richardson volvió a reunirse con Stone en Wall Street. En 1989, obtuvo su segunda nominación al Oscar mejor fotogra-

fía con Nacido el cuatro de julio. En 1991, ganó el primero de sus Premios de la Academia por Mejor Fotografía por JFK de Stone. En 1992, trabajó como director de fotografía de Rob Reiner en Algunos hombres buenos. Con Casino (1995), comenzó su relación de trabajo con Martin Scorsese, con quien filmó, entre otras, El aviador y Hugo, con las que obtuvo su segundo y tercer Oscar. Muy reconocido es su trabajo con Quentin Tarantino, con quien filmó Kill Bill e Inglourious Basterds. Actualmente, el director está nominado por Django Unchained al Oscar a la Mejor Fotografía, también de Tarantino.


Fotografía Cinematográfica

Inglourious basterds (2009)

´Quentin Tarantino afirmo en una entrevista que Inglorious Basterds era su Obra Maestra´

Inglourious basterds es una película de 2009 escrita y dirigida por Quentin Tarantino y protagonizada por Brad Pitt. Titulada Malditos bastardos en España y Bastardos sin gloria en Latinoamérica, la película es una ficción ucrónica sobre la Alemania nazi. El estilo recuerda al spaghetti western y al cine bélico italiano de los años sesenta. Christoph Waltz, que interpretó al Standartenführer Hans Landa, recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes, el premio al Mejor actor de reparto del Sindicato de Actores, el Globo de oro y Oscar en la misma categoría. Dos historias convergen. Una sigue a un grupo de soldados, cuya misión es matar nazis con la participación de una miembro de la resistencia alemana, en cuyo cine va a reunirse la cúpula nazi en el estreno de una película. La otra historia sigue a una joven judía que busca venganza por la muerte de su familia en manos de los nazis. Brad Pitt Como Lt. Aldo Raine

Eli Rott Como Sgt. Donowitz

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Cápitulo Uno: América

A Nightmare on Elm Street (1984)

llones y salvó con ello a su productora (New Line) de la quiebra. Su enorme rentabilidad se tradujo en una larga franquicia de secuelas igualmente taquilleras, que encumbraron a Freddy Krueger como un símbolo de la década. A diferencia de las subsecuentes entregas, que potenciaban el humor negro del personaje, en ésta Krueger sin perder la vena humorística.

´Fue una de las primeras actuaciones del reconocido actor Johnny Depp´

Robert Englund en A Nightmare On Elm Street

A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en la calle del infierno en Mèxico y Latinoamérica, Pesadilla en Elm Street en España, Pesadilla en lo profundo de la noche en Argentina y Pesadilla sin fin en Colombia) es una película de terror estadounidense de 1984 distribuida por New Line Cinema, dirigida por Wes Craven22 y protagonizada por Heather Langenkamp, John Saxon y Johnny Depp, en lo que fue el primer papel cinematográfico del entonces novel actor.

Se trata de la primera aparición en cine del paradigmático psicópata del cine de terror adolescente de los años 1980, Freddy Krueger, interpretado por Robert Englund, quien dio vida al personaje en otras siete secuelas más y una teleserie. La película fue un éxito de crítica, revitalizando el género "slasher"23, muy desgastado en la época, y uno de los sleeper hits de 1984. Recaudó casi 26 millones de dólares en taquilla con un coste de producción inferior a dos mi-

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Wes Craven es uno de los exponentes mas destacados del cine de terror. 22

El cine slasher o simplemente slasher es un subgénero del cine de terror y el cine de explotación. Su principal característica es la presencia de un psicópata que asesina brutalmente a adolescentes y jóvenes que se encuentran fuera de la supervisión de algún adulto. 23


Fotografía Cinematográfica

Platoon (1986)

Platoon (conocida como Pelotón en Hispanoamérica) es una película bélica de 1986, ambientada en Vietnam. Fue dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Tom Berenger, Willem Dafoe y Charlie Sheen. Es la primera de la trilogía de películas sobre la guerra de Vietnam de Oliver Stone, seguida por Nacido el 4 de julio (1989) y El cielo y la tierra (1993). Oliver Stone participó en la guerra de Vietnam, y tras su regreso comenzó a escribir el guion para Platoon, quizás para contrastar la visión de la guerra de Vietnam retratada en Los boinas verdes (The Green Berets) de John Wayne. Charlie Sheen En Platoon

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DEAN CUNDEY 12 de marzo 1946 (67 años) Alhambra, California Ocupación Director de fotografía Dean Raymond Cundey , (nacido el 12 de marzo 1946) es un cinematógrafo americáno Cundey nació en Alhambra, California , Estados Unidos . Cuando era niño, solía construir conjuntos de modelos, lo que sugiere un interés por el cine desde muy temprana edad. Cundey ya tenía varias películas de bajo presupuesto en su haber cuando conoció a Debra Colina , quien en 1978 lo contrató para trabajar en la de Halloween , una película que co-escribió con el director John Carpenter . Además de su considerable habilidad como director de fotografía y director de fotografía , también tenía la ventaja de ser

dueño de la mayor parte de su propio equipo de envasado en una furgoneta grande, conocido por Debra Hill como la "película van". El trabajo de Cundey sobre de Halloween ha sido citado por muchos fans como uno de sus mejores como director de fotografía. Además de sus capacidades de iluminación, sobre todo en la famosa escena del pasillo donde la cara oculta de Michael Myers se revela poco a poco a través de una luz azul al lado de la máscara, fue uno de Los primeros directores de fotografía para hacer uso de un invento reciente llamado steadicam.

El panaglide permite al operador de cámara "desgaste" de la cámara y obtener vacunas que se consideraban demasiado difícil o incluso imposible anteriormente. En Halloween de la panaglide fue utilizado como un punto de vista de referencia para Michael Myers, lo que permite a la audiencia a ver lo que él vio. Cundey iría a trabajar con Carpenter y la colina de nuevo en las películas The Fog , Rescate en Nueva York , La Cosa , Halloween II y Halloween III: Season of the Witch . También volvería a trabajar con Carpenter, por última vez en el 1986 gran presupuesto de ciencia ficción / comedia de aventuras Golpe en la pequeña China .


Fotografía Cinematográfica

Back to the Future (1985) Back to the Future (conocida como Regreso al futuro en España y como Volver al futuro en Hispanoamérica; también abreviada como BTTF, por sus siglas en inglés) es una película de ciencia ficción y comedia de 1985 dirigida y escrita por Robert Zemeckis —Bob Gale también fungió como guionista—, producida por Steven Spielberg y protagonizada por Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson y Crispin Glover. La trama relata las aventuras de Marty McFly, un adolescente que es enviado accidentalmente de vuelta en el tiempo de 1985, su época, a 1955. Tras alterar los sucesos ocurridos en 1955, específicamente aquellos en los que sus padres se conocieron y enamoraron, Marty debe intentar reunir a sus padres de nuevo para asegurar su propia existencia. Zemeckis y Gale escribieron el guion una vez que este último reflexionó sobre la posibilidad de haberse hecho amigo de su padre si ambos hubiesen asistido a la misma escuela.Varios estudios rechazaron el libreto hasta que la producción Romancing the Stone (1984), dirigida por Zemeckis, alcanzó el éxito en taquilla. Tras esto, Universal Pictures dio luz verde al proyecto, fungiendo Spielberg como productor ejecutivo. Al principio, se invitó al cantante canadiense Corey Hart para que realizara las audiciones correspondientes para el rol estelar de McFly, pero rechazó la propuesta;de forma similar, Eric Stoltz participó en las pruebas de selección para el mismo papel, justo cuando Michael J. Fox se hallaba ocupado en la producción de la serie televisiva Family Ties.

Michael J. Fox y Christopher Lloyd

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Cápitulo Uno: América

Who Framed Roger Rabbit? (1988) ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es una película estadounidense de 1988, dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Bob Hoskins. Producida por Touchstone Pictures y Amblin Entertainment, la película combina a personajes reales con dibujos animados y para ello se invirtieron 70 millones de dólares. Es una de las más caras de la historia, pero sus ingresos fueron 150 millones de dólares en taquilla. Además, fue uno de los últimos trabajos de los actores de voz Mel Blanc y Mae Questel. Las secuencias de acción real fueron dirigidas por Robert Zemeckis y filmadas sobre todo en los estudios de cine de Borehamwood en Hertfordshire, Inglaterra. Las secuencias animadas fueron dirigidas por Richard Williams y producidas en su estudio de la animación de Londres. La película fue interpretada por Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Joanna Cassidy y la voz de Charles Fleischer. El guion fue adaptado por los guionistas Jeffrey Prize y Peter S. Seaman a partir de la novela de 1981 Who Censored Roger Rabbit? de Gary Wolf.

Kathleen Turner como Jessica Rabitt

¨Who Framed Roger Rabbit? ha sido una de las peliculas mas costosas de la historia debido al tamaño de su producción¨

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Fotografía Cinematográfica

Garfield (2004)

¨Garfield sorprendió al público con su realismo en materia de animación¨

Garfield: la película es una producción cinematográfica del año 2004, que presenta una aventura de Garfield, un gato que apareció primero en caricaturas. Todos los personajes son reales menos Garfield, que estaba hecho por ordenador. Las animaciones de los demás gatos como Nermal, un amigo de Garfield, también están hechas por ordenador. La historia trata de que la veterinaria Liz Wilson (Jennifer Love Hewitt) le cede a su novio Jon Arbuckle (Breckin Meyer) un perro llamado Odie (Voz por Gregg Berger) para que lo cuide. Garfield (Voz por Bill Murray)no está contento con que un perro entre en sus dominios, lo que le causa bastantes celos cuando John muestra más atención al perro que a él.

Más adelante, Odie es secuestrado por el magnate televisivo Happy Chapman (Stephen Tobolowsky) y Garfield se siente mal por lo sucedido y decide levantarse del sofá e ir a salvar a Odie y junto con Jon y Liz, vencer a Chapman Otros actores fueron Evan Arnold, Mark Christopher Lawrence y Daamen J. Krall y la voz de Garfield estuvo a cargo de Bill Murray. La película principalmente estuvo dirigida al público infantil, pero tanto en Estados Unidos como en España tuvo unas críticas bastante pobres. En España se criticó sobre todo el doblaje del gato, realizado por el imitador Carlos Latre.

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Escena de In Cold Blood

Conrad Hall Lafcadio Conrad Hall, ASC (21 junio 1926 a 6 enero 2003) fue un director de fotografía de Papeete , Tahití , Polinesia Francesa . El nombre de los escritores Joseph Conrad y Lafcadio Hearn , fue más conocido por fotografiar películas como A sangre fría , La leyenda del indomable , Butch Cassidy y Sundance Kid , American Beauty y Camino a la perdición . Por su trabajo obtuvo varios premios, entre ellos tres premios Oscar y BAFTA . En 2003, Hall se consideró uno de los diez cineastas más influyentes de la historia en una encuesta de los miembros de la Cofradía Internacional de Directores de Fotografía.

Nacido en Papeete , Tahití , Polinesia Francesa , Hall fue el hijo del escritor James Norman Sala y Sarah (Lala) Winchester Hall, quien formó parte polinesio .

Ayuntamiento recibió tres premios de la Academia a la Mejor Fotografía por Butch Cassidy y el Sundance Kid (1969), American Beauty (1999) y Camino a la perdición (2002) (los dos últimos Salón asistió a la Universidad dirigidos por el amigo de Sam del Sur de California , con la in- Mendes , quien dedicó Camino tención de estudiar periodismo a la perdición a Hall) . La brecha , pero se desvió en lugar de la de treinta años entre sus dos priuniversidad escuela de cine , meros Oscars es un récord para donde se graduó en 1949. este premio. Él trabajó en documentales, en la televisión ( The Outer Limits ) y películas menores (incluyendo el clásico de culto Incubus ), y como un operador de cámara de estudio antes de subir al director de fotografía en películas de grandes estudios a mediados de la década de 1960.

Además, Hall fue nominado para Morituri (1965), Los profesionales (1966), A sangre fría (1967), El día de la langosta (1975), Tequila Sunrise (1988), En busca de Bobby Fischer (1993) y A Civil Acción (1998). Otros créditos incluyen novio de mi mujer (1967), La leyenda del indomable (1967), Marathon Man (1976) y Love Affair (1994).


Fotografía Cinematográfica

Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969)

Robert Redford como Sundance

Butch Cassidy and the Sundance Kid (titulada en España Dos hombres y un destino) es una película estadounidense de 1969, dirigida por George Roy Hill. Protagonizada por Paul Newman, Robert Redford y Katharine Ross en los papeles principales. Galardonada con 4 premios Oscar 1970, 9 premios BAFTA24 1971, 1 premio Globo de Oro 1970, 1 premio Grammy 1970, 5 premios Laurel de Oro 1970, 1 premio Writers Guild of America 1970 y 1 premio ASCAP 1988. La canción Raindrops Keep Fallin' on My Head compuesta por Burt Bacharach con letra de Hal David, ganó el premio Oscar y el premio ASCAP.

Paul Newman como Butch Cassidy

Preservada desde 2003 en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser considerada "culturalmente, históricamente, o estéticamente significativa". Cuenta la historia de los famosos asaltantes de banco estadounidenses Butch Cassidy y su compinche The Sundance Kid. 24

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Premios de Cine de la Academia Británica


Cápitulo Uno: América

AMERICAN BEAUTY (1999)

Mena Suvari como Angela Hayes

La película se enfoca alrededor de la familia Burnham, compuesta por tres personas: Lester (Kevin Spacey), su esposa Carolyn (Annette Bening), y su hija adolescente Jane (Thora Birch), quienes se relacionan con otros personajes, incluidos sus vecinos, la familia Fitts.

American Beauty es una película dramática de 1999 que explora los temas del amor, la libertad, la belleza, la liberación personal, el existencialismo, la búsqueda de la felicidad y la familia contra la situación general de los barrios residenciales norteamericanos. La película supuso el debut en la pantalla del guionista Alan Ball, fue dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Kevin Spacey y Annette Bening.

La película trata temas como la importancia puesta por las sociedades occidentales modernas en la apariencia y el éxito económico, y cómo estos menoscaban las relaciones interpersonales, deformándolas y generando, muchas veces, una necesidad de escapar.

Los cuatro fueron nominados a los Premios Óscar.

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Fotografía Cinematográfica

road to perdition (2002)

Camino a la perdición (Road to Perdition en la versión original) es una película dramática norteamericana de 2002, dirigida por Sam Mendes, y protagonizada por Tom Hanks, Jude Law, Paul Newman y Daniel Craig. La película está basada en la novela gráfica The road to perdition escrita por Max Allan Collins e ilustrada por Richard Piers Rayner.La novela gráfica, a su vez, estaba basada en el manga Lone Wolf and Cub de Kazuo Koike. Fue ganadora del Oscar a la mejor fotografía. Hay que aclarar que la traducción española del título original es algo inexacta, pues Perdition en la película es el nombre de una localidad. La traducción exacta debería respetar dicho nombre, por lo que sería Rumbo a Perdition, aunque así sería menos evidente el significado sugerido en inglés.

Cuando Max Allan Collins escribió la novela gráfica Camino a la perdición , su agente literario vio potencial en la historia como una adaptación de la película y se lo mostró a un agente de la película. En 1999, la novela había llegado a Dean Zanuck, que era el vicepresidente del desarrollo de la empresa propiedad de su padre, el productor Richard D. Zanuck . La novela fue enviado a la mayor Zanuck en Marruecos, que estaba allí produciendo Reglas de compromiso (2000). Los Zanuck coincidieron en perspectiva de la historia y la enviaron al director y productor Steven Spielberg . Poco después, Spielberg creó el proyecto en su estudio DreamWorks , aunque él no siguió la dirección de la película debido a su completa pizarra.

Tom Hanks como Michael Sullivan

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Michael Fassbender en Shame

sean bobbitt Sean Bobbitt, BSC es un británico nacido en Texas cinematógrafo . Fue nominado para un premio BAFTA en 2004, ganó un BIFA en 2008, y fue nominado para un Emmy en 2008. También ganó el Carlo Di Palma fotografía europea de la concesión del año en el Europeo Premios del Cine en 2012. Las películas que ha trabajado incluyen Wonderland , The Killer Inside Me , United 93 , Histeria y Africa United . En 2008 Bobbitt trabajó con el artista que se convirtió en director Steve McQueen en la película británica Hunger , una película contundente acerca de la huelga

de hambre de Irlanda del Norte, Bobby Sands. Con esta película Bobbitt, McQueen, editor Joe Walker y el actor Michael Fassbender formaron un galardonado equipo de colaboración que se han ido a hacer otras dos películas, Shame y 12 años de un esclavo . Bobbitt ganó un BIFA en 2008 por su trabajo sobre el hambre .

El rodaje de 12 años un esclavo envuelto a finales de 2012.

También en 2012, Bobbitt ha completado el rodaje de The Place Beyond the Pines , protagonizada por Ryan Gosling , Bradley Cooper , Eva Mendes y Ray Liotta , un filme protagonizado por Saoirse Ronan , Gemma Arterton y Jonny Lee Miller llamada Bizancio , y llegó a la conclusión Fue nominado nuevamente en de cinco años de trabajo de Mi2011 para Shame , protagoniza- chael Winterbottom teatro-cine da por la nominada al Oscar Ca- todos los días . A principios de rey Mulligan junto Fassbender. 2013 se ha completado el trabaEn 2012 ganó el Bobbitt Carlo jo en Oldboy , el Spike Lee diDi Palma fotografía Europeo del rigida remake americano de la Año en los Premios del Cine Eu- película de Corea del Sur 2003 ropeo por su trabajo en Shame . Oldboy .


Fotografía Cinematográfica

HUNGER (2008)

Michael Fassbender como Bobby Sands

El hambre es un 2008 drama Británico histórico dirigida por Steve McQueen y protagonizada por Michael Fassbender , Liam Cunningham y Liam McMahon , sobre la huelga de hambre de Irlanda 1981 . Fue escrita por Enda Walsh y McQueen. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes 2008 gana la prestigiosa Cámara de Oro premio para los cineastas primerizos. Se llegó a ganar el Premio Sydney Film en el Festival de Cine de Sydney , el Gran Premio de Bélgica Sindicato de Críticos de Cine , la mejor imagen de los Evening Standard British Film Awards y recibió dos premios BAFTA nominaciones, ganando uno. La película también fue nominada para ocho premios en los 2009 IFTA , ganando seis en el evento. La película está protagonizada por Fassbender como Bobby Sands , el Ejército Republicano Irlandés Provisional (IRA) voluntario y MP que dirigió la segunda huelga de hambre IRA y participó en

Liam Cunningham como Father Dom

la protesta no lavado (dirigido por Brendan "The Dark" Hughes ) en la que los presos republicanos intentaron recuperar condición política cuando fue revocada por el gobierno británico en 1976. Se dramatiza los acontecimientos en la prisión de Maze en el período previo a la huelga. de hambre y la muerte de Sands.

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Cápitulo Uno: América

Shame (titulada como Shame: Deseos culpables o Shame: Sin reservas en algunos países hispanohablantes) es una película británica estrenada en 2011. Dirigida por Steve McQueen sobre un guion propio y de Abi Morgan, la cinta está protagonizada por Michael Fassbender y Carey Mulligan.

shame

La película narra la historia de Brandon Sullivan (Michael Fassbender), un hombre de unos 30 años que vive y trabaja en Nueva York. Brandon sufre de adicción sexual, se pasa buscando todo tipo de aventuras sexuales: ve películas pornográficas en la computadora, contrata prostitutas, busca mujeres en los bares o contacta mujeres en el metro,

(2011)

"Shame contiene la verdad sin pestañear. Éste es un gran acto de filmación y de actuación. No creo que sea capaz de volver a verla". Robert Ebert

incluso termina por entrar a un establecimiento de encuentros homosexuales. De repente, su hermana (Carey Mulligan) aparece en su apartamento, que sin solución para sus problemas de pareja, está recurriendo a él una vez más. Él decide, con la presencia de ella en su vida, romper con todo: tira a la basura toda su pornografía, e intenta iniciar una relación de pareja comprometida con una mujer de su oficina (Nicole Beharie). Peter Travers de Rolling Stone expresó: “Shame es demasiado devastadora y brutal como para resultar reconfortante. Pero Fassbender y Mulligan son dinamita y McQueen un provocador nato”.

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Fotografía Cinematográfica

The Place Beyond the Pines (2010)

The Place Beyond the Pines es una película a estrenar dirigida por Derek Cianfrance, escrita por cianfrance, Ben Coccio, y Darius Marder. La película reúne a Cianfance y Ryan Gosling, con quién trabajó en Blue Valentine (2010). También es protagonizada por Bradley Cooper25, Rose Byrne y Eva Mendes. Cuenta la historia sobre un conductor de motos que hace acrobacias (Gosling) que considera cometer un crimen para mantener a su esposa e hijo, un acto que lo coloca en una colisión con un policía convertido en político (Cooper).

Bradley Cooper fue nominado al Oscar en el 2012 por su protagónico en Silver Lining Playbook 25

Ryan Gosling como Luke

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CALEB DESCHANEL Joseph Caleb Deschanel, nació 21 de septiembre de 1944.

Fue a Severn School para la secundaria.

Es un director de fotografía y director de cine y televisión estadounidense. Ha sido nominado para el premios de la Academia a la Mejor Cinematografía cinco veces.

Asistió a Johns Hopkins University de 1962 a 1966, donde conoció a Walter Murch, con el que puso en escena acontecimientos, incluyendo una memorable en la que Murch simplemente se sentó y comió una manzana para una audiencia.

Deschanel nació en Filadelfia, Pensilvania, el hijo de Anna Ward (nacida Orr) y Paul Jules Deschanel. Su padre era francés, de Oullins, Ródano, y su madre era estadounidense.1 Deschanel fue criado en la religión de su madre cuáquera.

Murch se graduó un año antes que él y alentó a Deschanel que lo siguiera a la Universidad del Sur de California School of Cinematic Arts, donde se graduó en 1968.

Durante este tiempo, era un miembro de un grupo de estudiantes de cine llamado The Dirty Dozen, un grupo que atrajo la atención del sistema de Hollywood. Después de su graduación, asistió a la AFI Conservatory y se graduó con una Maestría en Bellas Artes en 1969.


Fotografía Cinematográfica

The Passion of the Christ (2004)

jim Caviezel como Jesus De Nazareth.

Acierta Gibson al dar con el elemento aglutinador del film: Cristo ha venido al mundo movido por el amor, para redimirlo del pecado; y acepta para ello, voluntariamente, su pasión y muerte. Tiene una misión que cumplir, con un sentido; y esos sufrimientos terribles no son un fracaso: liberan, y llevan a la resurrección. A partir de ahí, puede centrarse en la narración de las últimas 12 horas de Jesús, desde que acude con sus discípulos al huerto de Getsemaní, hasta su muerte en la cruz.

El film resulta duro, muy duro. En ese sentido, la película discurre en la misma línea que otros títulos recientes, que tratan temas importantes, descritos sin falsos pudores, como Salvar al soldado Ryan (el horror de la guerra), La lista de Schindler (el holocausto), Te doy mis ojos (la violencia doméstica), Traffic (la drogadicción y el narcotráfico. Desde que Jesús es prendido en el huerto de los olivos, es sometido a todo tipo de vejaciones. Y el guión de Gibson y Benedict Fitzgerald, no hurta los detalles que describe el evangelio: insultos, empujones, bofetadas, salivazos.

Una narración que se basa sobre todo en los evangelios, seguidos con fidelidad, aunque también toma elementos de revelaciones privadas a dos monjas: la beata alemana Anna Katharina Emmerich, y la venerable española María de Ágreda.

Le obligan a colocarse vestiduras ridículas, le desnudan, le azotan salvajemente, le coronan de espinas... Una increíble sesión de tortura, mostrada con realismo, pero sin regodeo. raramente pensamos en lo que eso significa”, comenta Gibson.

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Cápitulo Uno: América

the patriot

(2000)

jor fotografía y a la mejor banda. En la segunda se emplearon más de 600 extras, que hacen el ruido de varios millares. Una grúa de más de 20 metros permitió realizar barridos espectaculares con la cámara. Las imágenes están bien apoyadas por la partitura de John Williams. Los extras fueron instruidos en el manejo de las armas de fuego y dispositivos de yesca, buscando a toda costa el máximo rigor histórico posible.

Mel Gibson en “The Patriot”

El Patriota es una película bélica del año 20001 dirigida por Roland Emmerich, escrita por Robert Rodat y protagonizada por Mel Gibson y Heath Ledger. Fue producida por Mutual Film Company y distribuida por Columbia Pictures. En su mayoría la película tiene lugar en Carolina del Sur (donde fue enteramente rodada)

y representa la historia de un estadounidense arrastrado a la Revolución estadounidense cuando su familia es amenazada. El protagonista, Benjamin Martin, está aproximadamente inspirado en el oficial del ejército continental Francis Marion y otras figuras de la Revolución estadounidense. El patriota estuvo nominada a tres Premios Óscar: al mejor sonido, a la me-

La película fue filmada en su totalidad en Carolina del Sur, incluida CharlestonRock Hill y Lowrys así como el cercano Fort Lawn. Otras escenas fueron filmadas en Mansfield Plantation, una plantación de arroz antes de la guerra en Georgetown, Middleton Place en Charleston, Carolina del Sur, en el Patio Cisterna en el campus de la universidad de Charleston, y Hightower Hall y Homestead Casa en Brattonsville, Carolina del Sur, McConnells.

Heat Ledger en “The Patriot”

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Fotografía Cinematográfica

Freddie Highmore y cerdonio

THE SPIDERWICK CHRONICLES (2008)

Simpática película familiar de aventuras de corte fantástico, producida por el matrimonio Frank Marshall-Kathleen Kennedy, que adapta una novela de Tony DiTerlizzi y Holly Black. En el equipo de guionistas destaca el nombre de John Sayles, algo que sin duda es garantía de cohesión en el libreto. Además maneja la cámara alguien que también ha demostrado maña en las historias familiares: Mark Waters, que dirigió muy efectivamente Ponte en mi lugar, y que cuenta con un operador del calibre de Caleb Deschanel, que insufla un increíble realismo a las escenas con criaturas fantásticas, recurriendo por ejemplo al cambio de foco, o en las escenas en que se usa un anteojo mágico. Acierta Waters al utilizar como elemento estructurador del film la idea de que afrontar los problemas del mundo fantástico sirve de perfecto entrenamiento para abordar las dificultades del

mundo real, lo que se observa especialmente en el clímax. La imaginativa trama discurre fluidamente, conviviendo los momentos mágicos, muy entretenidos, con los conflictos filiales y fraternales, bien perfilados, e interpretados por un maravilloso reparto, donde destaca el excelente actor infantil Freddie Highmore, desdoblado en los dos hermanos gemelos, de caracteres distintos, bien atrapados. A él se suman una ya adolescente Sarah Bolger (una de las niñas de En América), y un buen plantel de actores reales (Mary-Louise Parker, Joan Plowright, David Strathairn) y de voces para personajes generados por ordenador (en la versión original Nick Nolte y los graciosetes Seth Rogen y Martin Short, para el villano Mulgarath, o las aliadas criaturas Cerdonio y Dedadele).

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MITCHELL AMUNDSEN Nació en San Francisco, California, Estados Unidos el 30 de mayo de 1958. Ha trabajado con Michael Bay desde el año 1996 en La roca, hasta la última, Transformers. Recientemente se ha ocupado de la fotografía del documental en 3-D Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert. Trabajó en Transporter 2, de Luc Besson, con Jason Statham y Alessandro Gassman. Más recientemente ha participado en el documental de Martin Scorsese

acerca de los Rolling Stones, Shine a Light, como uno de los directores de fotografía encargados de filmar a la banda en directo durante la gira “A Bigger Bang”. Lleva 15 años en la profesión. Ha rodado numerosas películas para cine y televisión, anuncios y vídeos como operador de cámara. Como director de fotografía de la segunda unidad, tiene en su haber Misión imposible III; Bajo cero/Eight Below; Dos chalados y muchas curvas; La búsqueda/

National Treasure; El mito de Bourne; Seabiscuit, más allá de la leyenda; Dos policías rebeldes II; Piratas del Caribe: la maldición de la perla negra, y Pearl Harbor, entre otras.


Fotografía Cinematográfica

TRANSFORMERS (2007) es una película dirigida por Michael Bay y producida por Steven Spielberg basada en una marca de juguetes de Hasbro y en un conjunto de series de animación japonesas del mismo nombre. El guion estuvo al cargo de Roberto Orci y Alex Kurtzman. Protagonizada por Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Tyrese Gibson y Peter Cullen. Antagonizada por Hugo Weaving y Charlie Adler. El film estuvo nominado a tres premios Oscar: mejores efectos especiales, efectos de sonido y sonido. En Estados Unidos se estrenó el 4 de julio de 2007. Steven Spielberg, como otros productores tenían la misma idea de llevar a los Transformers al cine, como el antiguo ejecutivo de estudio Lorenzo DiBonaventura, así como el jefe de operaciones de Hasbro, Brian Goldner entre otros. Cuando todo estuvo dicho y hecho, la fuerza creativa detrás de la cinta conformó una especie de equipo de ensueño de la producción hollywoodense. Spielberg es de hecho el productor ejecutivo de la cinta. En el 2008 la Sociedad de Efectos Visuales otorgo a Transformers cuatro galardones: “Mejores efectos visuales”, “Mejor secuencia de efectos visuales” a la batalla entre Optimus Prime y Bonecrusher, “Mejores miniaturas” y “Mejor composición”. Broadcast Music Inc otorgo un galardón al compositor Steve Jablonsky por su banda sonora. Entertainment Weekly nombro a Bumblebee como el cuarto personaje favorito generado por computadora, mientras The Times listo a Optimus Prime como el treintavo mejor robot de una película, citando su frescura y peligrosidad.

Starscream, de los decepticon

“A nivel mundial, la cinta fue la película más taquillera del 2007. Esta recaudo 709.7 millones de dolares, lo que la convierte en la segunda película más taquillera de Michael Bay”

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Cápitulo Uno: América

Johnny Depp como el capitan Jack Sparrow

Con una historia ficticia en torno a la maldición aludida en el título, el productor Jerry Bruckheimer ha conseguido romper otra que presuntamente ocurre en la vida real. Por desgracia para los amantes del cine clásico, ninguna película de piratas ha sido rentable desde hace décadas, incluidas algunas que habrían merecido una mejor acogida por parte del público, especialmente la ingeniosa y desmitificadora Piratas, de Roman Polanski.

Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (2003)

Significativo fue el fracaso de La isla de las cabezas cortadas, que con todos sus defectos, era un digno espectáculo que tendría que haber obtenido una mayor recaudación. Al contrario, estos nuevos filibusteros se han hecho al abordaje con las arcas de las taquillas de cine este verano, y presumiblemente obtendrán un buen botín en su desembarco en vídeo.

Escena clave de la película

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Fotografía Cinematográfica Para lograr los mejores resultados se contrató al director Michael Bay, un auténtico especialista en películas de acción de gran presupuesto, artífice de éxitos como Armageddon o La Roca. El guión corre a cargo del reputado Randall Wallace y narra la historia de Rafe (Ben Affleck) y Danny (Josh Hartnett), dos amigos de la infancia que aprendieron a volar en aviones fumigadores y que pasado el tiempo entran a formar parte del cuerpo de pilotos del Ejército del Aire de los Estados Unidos. La película es una demostración del poderío cinematográfico de Hollywood. Las escenas bélicas son de una verosimilitud soberbia. Hay planos a un tiempo espectaculares y terribles, como el del portaviones hundiéndose con una agónica carga humana en su interior. Ben Affleck en “Pearl Harbor”

PEARL HARBOR (2001)

Escena clave de la película

“La victoria pertenece a las personas con fe.”

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JOHN SCHWARTZMAN Nació el 18 de octubre de 1960 en Los Angeles, California. Es un cineasta americano de numerosas películas. Fue candidato a un Premio de la Academia por Seabiscuit: Más Allá de la Leyenda y obtuvo premios de la Sociedad Norteamericana de Fotografía por Seabiscuit: Más Allá de la Leyenda y Pearl Harbor. Schwartzman se inició en el oficio como aprendiz de Vittorio Storaro en Tucker, un Hombre y su Sueño, película dirigida por su tío, Francis Ford Coppola.

Él es el hijo de Jack Schwartzman y su hijastro de Talia Shire, sino que también es Roberto y Jason Schwartzman medio hermano. Él es mejor conocido por sus colaboraciones con el director Michael Bay. Schwartzman se graduó de la Universidad de la Escuela de Artes Cinematográficas de California del Sur en 1985. Schwartzman se refiere: “¿Qué se hizo muy evidente para mí fue que Super 35 no es sólo un proceso óptico que hace que el grano más evidente, el grano también es más grande porque se agranda tanto durante la proyección. usted está consiguien-

do deshuesada en ambos extremos. La belleza de anamórfico es que no hay un proceso óptico intermedio. Si te gustan los diarios, usted va a amar a su copia de distribución. El negativo más grande también le da un mayor detalle de las sombras y una mayor libertad, por lo que a pesar de que yo estaba filmando paradas profundas en ‘alcance, sentí que estaba usando [relativamente] menos luz para obtener más imágenes. “


Fotografía Cinematográfica

Mary Stuart Masterson, Johnny Depp y Aidan Quinn

BENNY(1993) & JOON Benny & Joon es una película de comedia romántica de 1993 publicado por Metro-Goldwyn-Mayer acerca de cómo dos individuos excéntricos, Sam (Johnny Depp) y Juniper “Joon” (Mary Stuart Masterson), se encuentran y se enamoran. La película es quizás mejor conocido por rutinas de comedia física humorísticas de Depp (que se basan en el cine mudo Buster Keaton cómics, Charlie Chaplin y Harold Lloyd) y de la popularización, en los Estados Unidos, la canción “I’m gona be”(500 Miles ) de The Proclaimers. La película fue rodada íntegramente en Spokane, Washington.ght para obtener más imágenes “. A pesar de su “historia comercialmente improbable”, la película se convirtió en un “éxito durmiente”, evidencias del resurgimiento de las películas fecha “después de una década dominada por las películas de acción”. En las dos primeras semanas de un lanzamiento limitado, Benny y Joon recaudó $ 8 millones en la taquilla EE.UU. Su taquilla estiró $ 23,2 millones.

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Johnny Depp y Mary Stuart Masterson


Cápitulo Uno: América

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FotografĂ­a CinematogrĂĄfica

latinoamerica 87


rodrigo prieto Rodrigo Prieto es un director de fotografía mexicano, nacido en noviembre de 1965 en México, D. F., México Su abuelo fue gobernador de la Ciudad de México y líder de la Cámara de Diputados, pero fue perseguido tiempo después por el presidente de la república por diferencias políticas. Su abuelo escapó con su familia a Texas y después hacia Los Ángeles. Ahí, el padre de Prieto pasaría la mayor parte de su niñez y estudiaría Ingeniería Aeronáutica en Nueva York, donde conoció y se casó con la madre de Prieto.

Ellos regresaron a México, donde nació Rodrigo. Prieto se ha convertido en un respetable cinefotógrafo, trabajando con directores tan importantes como Spike Lee en La hora 25 y Curtis Hanson en 8 Mile. En 2002, filmó Frida, una película sobre la pintora mexicana Frida Kahlo, con Salma Hayek en el protagónico y en la producción. En 2003, cooperó con Oliver Stone en dos documentales: Comandante, sobre Fidel Castro, y Persona Non Grata, sobre

Yasir Arafat. También con Stone filmó la épica-histórica Alexander, sobre la vida de Alejandro Magno. Prieto también ha trabajado con Alejandro González Iñárritu, también mexicano, en las aclamadas Amores Perros, 21 gramos, Babel y Biutiful. El 25 de mayo de 2008, comenzó el rodaje de la última película de Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos, en la Isla de Lanzarote, la cual ofrece a Prieto, colores y texturas muy cercanos y estimulantes para su fotografía.


Fotografía Cinematográfica

amores perros (2000) ¨Primer film del aclamado director mexicano Alejandro Gonzalez Iñárritu¨

Gael Garcia Bernal como Octavio

Amores perros es el primer largometraje del director mexicano Alejandro González Iñárritu. Junto con 21 gramos y Babel forma la Trilogía de la muerte y catapultó internacionalmente la carrera de su protagonista, el actor Gael García Bernal. Las tres películas están basadas en varias subnarraciones que comparten un mismo incidente. Algunas veces fue nombrada la "Pulp Fiction mexicana". La película ganó once premios Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, entre ellos los de mejor película, mejor director, mejor actor y mejor actor de cuadro. También recibió un BAFTA, el premio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, como "mejor película en lengua no inglesa" y el premio de la crítica en el Festival de Cannes. Escena de Amores Perros

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Cápitulo Dos: Latinoamérica

Biutiful (2010)

¨En esta ocasión

el cine no es diversión¨ Jose Manuel Jimenez

Biutiful es una película dirigida, coescrita y producida por el director mexicano Alejandro González Iñárritu y ambientada en la ciudad de Barcelona con la colaboración de Nicolás Giacobone y producida por Cha Cha Cha Films. Cuenta, además, con el respaldo de Televisión Española y de Televisió de Catalunya. La película compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2010, en el que Javier Bardem ganó el premio a la mejor interpretación masculina. Se estrenó en Cannes el 17 de mayo de 2010. El 14 de diciembre de 2010 recibió la nominación al Globo de Oro como Mejor Película en Lengua Extranjera y el 25 de enero de 2011 fue nominada en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa en los premios Óscar. Hanna Bouchaib como Ana

Javier Bardem como Uxbal

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Fotografía Cinematográfica

argo

(2013)

Argo es una película de suspense estadounidense del año 20122 dirigida por Ben Affleck, ganadora del Óscar a la Mejor Película en la edición de los Óscar número 85, celebrados el 24 de febrero de 2013. Es una dramatización de la participación del exagente de la CIA Tony Mendez en el histórico rescate de seis diplomáticos de los Estados Unidos, durante los primeros meses de la Crisis de los rehenes en Irán. La película es protagonizada por Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin y John Goodman. Fue estrenada en las salas estadounidenses el 12 de octubre de 2012. La película fue coproducida por George Clooney y Grant Heslov, quien previamente había colaborado en la aclamada película Buenas noches, y buena suerte.

Ben Affleck como Tony Mendez

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emmanuel lubeski Emmanuel Lubezki (nacido en la Ciudad de México en 1964), en el seno de una familia judía, se dedica al cine como fotógrafo, productor y director. Es apodado el Chivo. Estudió historia y cinematografía en la UNAM, éste último en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. En México, recibió el premio Ariel por su trabajo en la película Como agua para chocolate. Los dos años siguientes continuó ganando el Ariel, por su trabajo en las películas Miroslava y Ámbar. Ha sido nominado para ganar el premio Oscar en cinco

ocasiones, por su trabajo como Director de Fotografía A Little princess, Sleepy Hollow, The new world, "Children of Men" y The tree of life. Lubezki ha trabajado con directores como Tim Burton, Michael Mann, Terrence Malick y Alfonso Cuarón.

Lubezki también ha trabajado con una variedad de importantes directores , incluyendo Mike Nichols ( The Birdcage , 1996 ), Tim Burton ( Sleepy Hollow , 1999 ), Michael Mann ( Ali , 2001 ), Terrence Malick ( The New World , 2005 , El árbol de la Vida , 2011 ). Martin Scorsese ( Shine a Light , 2007 , como operador de cámara bajo la supervisión del director de fotografía Robert Richardson ) y los hermanos Coen (Burn After Reading, 2008 ).

Adicionalmente, ha ganado premios en Japón (Tokio International Film Festival, por Como agua para chocolate, en 1992), Cuba (Premio Coral por Miroslava) y el Reino Unido (BSFC por Sleepy Hollow en 1999). Vive en Ha sido nominado a cinco preEstados Unidos desde 1995. mios de la Academia .


Fotografía Cinematográfica

y tu mama tambien

(2001)

¨En México la película fue catalogada por su contenido como "Sólo para adultos". Un grupo de jóvenes protestaron desnudándose en la puerta de un cine que proyectaba la película, para que les dejasen verla, finalmente fue catalogada con clasificación "B" (adolescentes y adultos).¨

Escena de Y Tu Mamá También

Y tu mamá también es una película mexicana dirigida por Alfonso Cuarón y estrenada en el año 2001. Es protagonizada por los mexicanos Gael García Bernal, Diego Luna y la española Maribel Verdú. Se presentó en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Venencia, donde obtuvo el galardón al mejor guion y Diego Luna y Gael García Bernal recibieron el premio Marcelo Mastroianni a los mejores actores revelación. También logró una nominación al Premio Óscar al Mejor guion original. Ha sido una película de gran éxito, siendo ya un icono dentro del nuevo cine mexicano.

Y tu mamá también fue bien recibido por los críticos en su lanzamiento original. La película fue calificada por Rotten Tomatoes26 reportando 91% de críticos entregando a la películas reseñas positivas, basados en una muestra de 126. En Metacritic, que asigna una calificación normal sobre 100 basado en reseñas de críticas de la corriente principal, la película ha recibido una puntuación regular de 88, basado en 35 reseñas. mismo’.

Es un sitio web dedicado a la revisión, información y noticias de películas. 26

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Cápitulo Dos: Latinoamérica

children of men (2006)

la cinta diciendo: “es una obra de arte que merece un espacio aparte, por su belleza tan nerviosa como furiosa”. Mientras, Anthony Lane de The New Yorker añadió: “es una película que necesitas ver, pero no es una película que muestra lo que te gustaría ver”. Está basada en el libro The Children of Men de la escritora británica P. D. James. Sin embargo, en la novela los hechos suceden seis años antes que en la película. ¨Los títulos tanto del libro como de la película provienen del salmo 90 versículo 3, que en inglés dice: Thou turnest man to destruction; and sayest, Return, ye children of men.¨

Children of Men, conocida en castellano como Niños del hombre o Hijos de los hombres (según el país) es una película del director mexicano Alfonso Cuarón estrenada en el año 2006 y Clive Owen como Theo Faron basada en la novela The Children of Men de P. D. James. hace creer todo lo que ves en su obra”. El filme posee un 93% de aceptación en Rotten Tomatoes, ba- Roger Ebert del Chicago Sun Tisado en 208 comentarios. mes la nombró una de las mejores películas del año y dijo soEn Metacritic, la aprobación es bre ella: “aprendemos que de la del 84%, sobre 38 comentarios. única cosa de la que debemos Peter Travers de Rolling Sto- tener miedo en el futuro es del ne nombró a la película como el pasado. segundo mejor filme de la déca- De nuestro propio pasado. De da (por detrás de There Will Be nosotros mismos”. Blood) y expresó: “Alfonso Cuarón tiene un regalo que sólo los Lisa Schwarzbaum de Entertaingrandes realizadores poseen: te ment Weekly también elogió a

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Clare-Hpre Ashitey como Kee


Fotografía Cinematográfica

The tree of life (2011)

El árbol de la vida es una película estadounidense de género dramático, dirigida por Terrence Malick y protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain. Se estrenó en cines de Estados Unidos el 27 de mayo de 2011 y en España el 16 de septiembre del mismo año. La película obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2011. Se trata de una compleja creación cinematográfica que se aleja de los convencionalismos hollywoodienses y de los modelos más comerciales.

Brad Pitt como Mr O´Brien

No sigue las pautas tradicionales de la narración y el singular punto de vista del autor, del cual surge la reflexión de la película, no fue bien recibido por una parte de la crítica por su carga religiosa. Con esto, la reacción del público fue muy dispar, pues los amantes de la filmografía de Malick ensalzaron la película como una verdadera obra de arte, mientras muchos otros la criticaron duramente.

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cesar charlone César Charlone (19 de abril de 1958, Montevideo) es un director de fotografía uruguayo que también se desempeñó como director y guionista en el episodio «A Coroa do Imperador» (2002) de la serie de televisión Ciudad de Hombres y en la película El baño del Papa (2007). Actualmente reside en Brasil, donde comenzó su carrera filmando comerciales y docu-

mentales, además de en Suecia. Charlone filmó las películas Palace II, Ciudad de Dios, El jardinero fiel y Blindness de Fernando Meirelles. Fue nominado a un Oscar por su trabajo en Ciudad de Dios. Lleva más de 15 años trabajando en largometrajes27 y anuncios publicitarios con el director Fernando Meirelles. Nacido en Uruguay, estudió en la Escuela Superior

de Cinematografía de Sao Paulo y empezó a encargarse de la fotografía de anuncios y documentales en Brasil y en Suecia. Escribió y dirigió un episodio de la popular serie televisiva brasileña “Ciudad de hombres”. Película de duración igual o superior a sesenta minutos. 27


Fotografía Cinematográfica

cidade de deus (2003)

Escena de Cidade de Deus

La película se enfoca en la guerra entre Zé Pequeño y Mané Galinha, desarrollada en una favela de Río de Janeiro llamada «Ciudad de Dios». La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Muchos de los actores, fueron residentes de favelas, como por ejemplo Vidigal en la misma Cidade de Deus. El film es contado de una forma no-lineal, utilizando diferentes técnicas de edición y tomas de cámaras. Douglas Silva como Zé Pequeño

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Cápitulo Dos: Latinoamérica

the constant gardener (2005)

El jardinero fiel es una película británica de 2005, dirigida por Fernando Meirelles y protagonizada por Ralph Fiennes y Rachel Weisz. Está basada en la novela homónima de John Le Carré, que a su vez está basada unos ensayos ilegales llevados a cabo en niños nigerianos por empresas farmacéuticas en 1996. En el sitio web agregador de cine, Rotten Tomatoes informó que el 83% de los 181 críticos de la muestra dio la película de críticas positivas y que tiene una valoración media de 7,6 sobre 10. Sin embargo, Michael Atkinson de The Village Voice criticaron la película como “una mezcolanza cannonballing de hackear los recortes, impresionista primeros planos y swelter tropical”. Ty Burr de The Boston Globe dijo la película disminuye “la urgencia real de la West humanitaria desconectarse de África Si se envía audiencias casa para iniciar sesión en el sitio web de Amnistía Internacional. Rachel Weisz como Tessa Quayle

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Ralph Fiennes como Justin Quayle


Fotografía Cinematográfica

blindness (2008)

Blindness, conocida en español como Ceguera o A ciegas, es una película de género dramático y suspense con connotaciones alegóricas de ciencia ficción. Es una adaptación de la novela de 1995 titulada Ensayo sobre la ceguera del Premio Nobel portugués José Saramago. El guion de la película fue escrito por Don Mckellar, la dirección estuvo a cargo de Fernando Meirelles y contó con la participación estelar de los actores estadounidenses Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover, el mexicano Gael García Bernal, entre otros.

Julianne Moore como Esposa del Doctor

En un principio, Saramago rehusó a vender los derechos para una adaptación cinematográfica, debido a que tenía temor de que cayera en las manos equivocadas.1 Sin embargo, Meirelles logró adquirir los derechos con la condición de que la película se desarrollase en una ciudad irreconocible. De esta manera, el director eligió la ciudad de São Paulo como el principal telón de fondo para Blindness, a pesar de que varias escenas también fueron rodadas en Toronto, Canadá y Montevideo, Uruguay. Todos los personajes a excepción de Julianne Moore, fueron entrenados para simular la ceguera. Meirelles también estilizó el filme para reflejar la falta de punto de vista que los personajes experimentan. El preestreno de Blindness fue el 14 de mayo de 2008 en el Festival Internacional de Cine de Cannes y su estreno comercial limitado para los Estados Unidos fue el 3 de octubre de 2008.

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Mark Ruffalo como Doctor


fELIX MONTI Reconocido director de fotografía, responsable de películas -entre otras- como El secreto de sus ojos, Igualita a mí, La niña santa, La historia oficial, El exilio de Gardel, Gringo viejo, Momentos robados, La peste, Yo la peor de todas, El mural

Es tan vasta e importante la trayectoria de Félix Monti que resulta difícil darle forma a un currículo. La gente del cine lo conoce por "El Chango Monti", como persona y como artista, un "iluminado".

En Teatro en el rubro de diseño de iluminación participó:

Monti tiene el privilegio de haber sido el responsable de la fotografía de La historia oficial y El secreto de sus ojos, las dos únicas películas argentinas ganadoras del Oscar. No es poco.

Yo soy mi propia mujer, Déjala sangrar, La cenicienta, Il trovatore, El ultimo réquiem para un chino, La ciudad ausente

Pero su trayectoria va mucho más allá de su participación con Luis Puenzo (de quien es amigo desde la adolescencia) y con Juan José Campanella: también trabajó a las órdenes de otros grandes cineastas, como Fernando “Pino” Solanas, María Luisa Bemberg, Juan José Jusid, Héctor Olivera y Lucrecia Martel, entre otros.

¨Felix Monti tiene el honor de haber dirigido las dos unicas peliculas argentinas premiadas por la academia¨


Fotografía Cinematográfica

la niña santa (2004)

La niña santa ( español : La niña santa) es una película argentina 2004 dirigida por Lucrecia Martel . La imagen era la producción ejecutiva de Pedro Almodóvar , Agustín Almodóvar y Esther García. Fue producido por Lita Stantic . La película cuenta con Mercedes Morán , María Alche, Carlos Belloso, Alejandro Urdapilleta, Julieta Zylberberg, entre otros. El guión de la película fue escrito por la directora Lucrecia Martel. La imagen aunque no exactamente autobiográfica se basa en los recuerdos de Martel. Martel dijo: “La película no es estrictamente autobiográfica, pero lo que he puesto en él es mi experiencia personal en la vida, mis recuerdos. Cuando yo estaba en mi adolescencia, yo era una persona muy religiosa. Pensé que tenía una relación especial con Dios, o cualquier cosa que estaba allí Ahora,

Maria Alche como Amalia

yo no creo en milagros, pero sí creo en la emoción que se siente frente a un milagro -. la emoción de algo inesperado reveló a ti “. Como parte de la forma en que se utiliza la cámara de la película tiene algunos tiros establecimiento o inyecciones de transición porque hace que el caso se separa físicamente un espacio en su momento en la película.

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Cápitulo Dos: Latinoamérica

el secreto

de sus ojos (2004)

El secreto de sus ojos es una película argentina de drama-suspenso de 2009 dirigida por Juan José Campanella y basada en la novela La pregunta de sus ojos de Eduardo Sacheri, quien escribió el guion junto a Campanella. Es protagonizada por Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Javier Godino y Pablo Rago. El film, una coproducción realizada con capital local y de España, logró ser la película argentina más exitosa del año 2009 y una de las más taquilleras de la historia del cine de su país, con más de dos millones y medio de espectadores. En el 2010 se convirtió en la segunda película argentina en ganar el Óscar a la mejor película extranjera, después de La historia oficial.

Soledad Villamil como Irene Menéndez-Hastings

Ricardp Darín como Benjamin Esposito

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rodrigo lalinde Rodrigo Lalinde va acumulando como director de fotografía una cantidad de méritos que no sólo lo hacen a él digno de homenajes -los cuales intenta impedir, ruborizado-, sino a sus películas merecedoras de ser vistas, disfrutadas, estudiadas, recordadas. Valga este homenaje que el Festival quiere hacerle como mínimo acto de justicia a uno de los hombres fundamentales de la actual cinematografía colombiana. Charlas, conferencias y encuentros con los amigos y con los espectadores, amén de cuatro largometrajes, constituyen el menú "Lalinde" de nuestro certamen.

Rodrigo Lalinde ha sido el compañero de cine más entusiasta, más generoso y más creativo que han tenido los directores colombianos desde 1985, cuando hizo su primera dirección de fotografía. Con un padre músico y un hermano pintor (su papá, ya fallecido, es el secreto mejor guardado porque escribió más de 300 canciones inéditas de música colombiana), la primera vez que lo vi fue como sonidista en 1981, acompañando a Sergio Cabrera en la realización de tres cortometrajes sobre la Bienal de Arte de Medellín.

Luego conocí su tesis de grado, Cachipay, rodada en 16 mm blanco y negro, y a pesar de que no he retenido el argumento ni su destino final, recuerdo algunas imágenes y algunos encuadres concebidos desde un punto de vista hermoso y original. Este “expresionismo casual” se mezcla con la escena, y cuando ambos, que estaban tan alejados, milagrosamente se acercan, se enciende durante unos segundos una chispa poética, y lo que era casual se transforma en destino irremediable.


Cápitulo Dos: Latinoamérica

rodrigo d no futuro (1988)

¨Esta fue la pelicula que catapultó al actor Ramiro Meneses¨ Ecena de Rodrigo D No Futuro

Rodrigo "D" No futuro es una película colombiana dirigida por el cineasta antioqueño Víctor Gaviria y protagonizada por Ramiro Meneses. Fue rodada en Medellín en 1990. El reparto que se uso en la película fueron jovenes sacados de la calle, ninguno de ellos era actor. Asi mismo la película aborda un tema de caracter sociocultural en el cual Medellin estaba recibiendo una nueva cultura, el Punk tenia menos de 5 años en la ciudad y no era muy bien recibido por la sociedad. La mayoria del reparto de ésta murio antes del estreno de la película.

Actores Naturales contratados por Victor Gaviria

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La película aborda una problemática particular en la ciudad de Medellín así como una época de crisis urbana por el resultado del desplazamiento a causa de la violencia rural. La película llamó la atención por las actuaciones naturales, y por la subcultura forjada con base en la violencia, la música y las drogas.


Fotografía Cinematográfica

la vendedora de rosas (1998) La Vendedora de Rosas es una película colombiana dirigida por el cineasta antioqueño Víctor Gaviria y protagonizada por Lady Tabares. Se basa tanto en el cuento La Vendedora de Cerillas (o The little match girl en inglés) de Hans Christian Andersen como en la vida de Mónica Rodríguez. La película se estrenó en 1998. El cineasta Víctor Gavíria se ha caracterizado por utilizar cierto tono documental para narrar los hechos en sus películas, razón por la cual sólo emplea en sus filmes “actores naturales” cuyas vivencias sean similares a las de sus personajes. En la película se usa un lenguaje callejero característico de los estratos más bajos de Medellín, y muestra la cruda realidad de los niños de la calle sin censura alguna. La vendedora de rosas generó sin lugar a dudas diversas críticas en Colombia. Escena de La Vendedora de Rosas

Lady Tabares como Mónica

Gran parte del reparto actoral de la película ha falle cido o se encuentra privado de la libertad. El caso de Giovanni Quiroz (“El Zarco”) es uno de los más notables por su protagonismo en la cinta, pues fue asesinado a balazos en Medellín de una forma muy similar a la ocurrida con su personaje, y aproximadamente un año y medio luego de su estreno. Su cuerpo acribillado fue encontrado cerca de un río, en circunstancias nunca esclarecidas por las autoridades. Se le había prometido un curso de actuación en España y oportunidades de trabajo para abandonar la delincuencia, sueños que no se pudieron realizar por una decisión propia de Quiroz. La protagonista Lady Tabares fue detenida y condenada a 26 años de cárcel por delito de robo y homicidio de un conductor de taxi de 44 años de la ciudad de Medellín, en complicidad con su entonces pareja, Edison Castañeda.

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GABRIEL FIGUEROA Nacio en Ciudad de México el 24 de abril de 1907 y murío el 27 de abril de 1997. Fue un cinefotógrafo y director de fotografía mexicano. Figura importante de la época de oro del cine mexicano. Sus primeros trabajos fueron como fotógrafo en películas como Revolución de Miguel Contreras Torres. Además de trabajar con directores mexicanos, Figueroa trabajó también para Hollywood, colaborando con directores de la talla de John Ford y John Huston.

En 1950 realizó la fotografía de Los olvidados, de Luis Buñuel. Algunos de sus trabajos más recientes fueron El corazón de la noche, Héroe desconocido y México 2000. Fue candidato al Premio Óscar a la mejor fotografía por La noche de la iguana en 1964. Fue co-fundador junto con Mario Moreno “Cantinflas” y Jorge Negrete del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana.

Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1971. Su filmografía cuenta con 210 títulos en los cuales se desempeñó como director de fotografía o coodirigiendo. Los trabajos fílmicos son desde largometrajes hasta documentales.


Fotografía Cinematográfica

Ava Gardner y Richard Burton.

Night of iguana (1964) La noche de la iguana es una película estadounidense de 1964 dirigida por John Huston, basada en la obra teatral del mismo título de Tennessee Williams. Protagonizada por Richard Burton, Deborah Kerr y Ava Gardner en los papeles principales, ganó un Premio Óscar al mejor diseño de vestuario (Dorothy Jeakins), y fue nominada a la Mejor actriz de reparto (Grayson Hall), a la Mejor dirección artística (Stephen Grimes) y a la Mejor fotografía (Gabriel Figueroa). El rodaje atrajo mucha atención de la prensa, que perseguían a las estrellas por los platós para conseguir información y fotos de la reciente pareja Elizabeth Taylor y Richard Burton. Fue filmada en 1963 en Puerto Vallarta, Jal., México, y sus alrededores (Playa Mismaloya). Adaptación de un drama de Tennessee Williams. Un pastor protestante, expulsado de su iglesia,

Ava Gardner como Maxine Faulk

trabaja en México como guía turístico, dirigiendo expediciones formadas sobre todo por americanas maduras. En una de ellas, es víctima de los intentos de seducción de una sensual jovencita, lo que le granjea la animadversión de las demás mujeres. Finalmente, el grupo llega a un hotel regentado por una vieja amiga suya.

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Cápitulo Dos: Latinoamérica Los olvidados es una película mexicana de 1950 escrita y dirigida por Luis Buñuel, que obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y que ha sido nombrada Memoria del Mundo por la Unesco. Los olvidados cuenta una historia trágica y realista sobre la vida de unos niños en un barrio marginal de la Ciudad de México. Esta película es la obra más relevante desde que Buñuel comenzó su etapa mexicana. Tras el éxito comercial que le proporcionó El gran Calavera, el productor Óscar Dancigers le propuso que dirigiese una nueva película sobre los niños pobres de México.

La película se sitúa en la línea del neorrealismo italiano, al que Buñuel aporta su toque surrealista como se puede observar en la secuencia del sueño de Pedro, la obsesión por las gallinas o el huevo lanzado hacia la cámara. Los olvidados, junto a Metrópolis de Fritz Lang, toda la cinematografía de los hermanos Lumière y El Mago de Oz de Victor Fleming son las únicas piezas del séptimo arte que han recibido la consideración de Memoria del Mundo.

LOS OLVIDADOS

Escena “Los Olvidados”

(1950)

Escena “Los Olvidados”

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Fotografía Cinematográfica Bugambilia es una película mexicana de 1945 dirigida por Emilio Fernández y protagonizada por Dolores del Río y Pedro Armendáriz, basada en una historia de Rodolfo Usigli.

Vuelve a contar con su pareja protagonista preferida, formada por Dolores del Río y Pedro Armendáriz, con quien había rodado títulos como María Candelaria, una de sus grandes obras maestras.

Es Un melodrama de época planteado con una Pero la relación con la estrella femenina fue cuidadosa composición formal dentro de la discu- nefasta durante el rodaje, por lo que ella amenatible estética fotográfica de Gabriel Figueroa. zaba en todo momento con abandonar la producción. La narración consigue contener los excesos inherentes a una historia de perfiles bastante insensatos, dentro de unos límites tolerablemente aceptables pero algo fríos. Fue Lujoso drama romántico de Emilio Fernández que tuvo un alto presupuesto en comparación con sus cintas anteriores.

BUGAMBILIA (1945)

Dolores del Río como Amalia de los Robles

“El vestuario de Dolores sería diseñado, una vez más, por el modisto hollywoodense Royer, responsable de los elegantes modelos lucidos por la estrella en Las abandonadas (1944) .”

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Fotografía Cinematográfica

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Fotografía Cinematográfica

apendice Una parte muy importante de la creación cinematográfica es la dirección ya que de alli se parte y se direcciona para que el cortometraje mediometraje o largometraje resulte de la manera mas estetica posible según la idea del director. En cinema, esta claro cualquiera que sea la película, reviste suma importancia el primer paso que no es otro que poner unos criterios básicos, unas pautas que orienten la imaginación creativa del realizador. Por tanto dos observaciones preliminares Qué se quiere filmar? ¿Para quienes esta pensada la película? La realidad que queremos filmar tiene que adoptar un lenguaje cinematográfico, por tanto buscaremos la mejor transposición de esa realidad en un lenguaje que sea entendido para quienes va dirigida. Es necesario por tanto delimitar el espacio y el tiempo de la obra audiovisual. En el apartado del espacio debemos incluir: encuadre por planos, posición de la cámara con respecto al sujeto, movimientos de la cámara (travelling, panorámica) y definición y perspectiva de la imagen. En el apartado del tiempo cinematográfico dispondremos de: modificaciones de origen mecánico y las modificaciones de tipo psicológico.

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Fotografía Cinematográfica

Llega el momento por fin de dar estructura o forma a un libro o guión. Esa ordenación es lo que finalmente decide cómo inciden en el espectador, los elementos seleccionados. A titulo de ejemplo y con el objeto de clarificar más el sentido de lo que es una estructura narrativa, podemos enumerar las etapas del proceso de construcción: Recapitular los objetivos de la película Pasar revista a todos los hechos que deben mostrarse, escenas, personajes, y situaciones Proceder a distintos ensayos de ordenamiento del material resultante Controlar la estructura de manera que el desarrollo de cada uno de los elementos componentes tenga su propio desarrollo lógico. Manejar los contrastes y las expectativas, es decir mantener el interés Otra manera de clasificar y ordenar la obra visual y que puede ser utilizada por nosotros es la que hace referencia a los géneros literarios. Básicamente se clasifican en tres categorías. Duración, según el contenido podemos cambiar la duración, por tanto podemos clasificar desde un corto publicitario de breves segundos a un gran largometraje o una serie larga de televisión. Contenido, que admite dos lecturas la realización de ficción y el documental.

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Fotografía Cinematográfica

anexo Grandes Películas del siglo XX Conoce todo acerca de las grandes obras cinematográficas del siglo XX y de sus autores.

Psycho de Alfred Hitchcock

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A Space Odyssey de Stanley Kubrick


Fotografía Cinematográfica

Pulp Fiction de Quentin Tarantino

E.T de Steven Spielberg

Taxi Driver de Martin Scorsese

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Conoce sobre esta y muchas obras cinematográficas escribiendo a cinesigloxx@hotmail.com


Fotografía Cinematográfica

glosario

Director de Fotografía Es la persona responsable de la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; generalmente para la realización de películas, videos musicales, series televisivas, así como trabajos publicitarios documentales y películas industriales.

Actuación

Eléctricos

Es el proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado.

Colocan los elementos de iluminación como y donde dice el jefe de eléctricos o gaffer.

Foto fija

Realiza fotografías con varios propósitos como son el registro documental del rodaje o fines publicitarios.

Atenas

Fotografía

Es la capital de Grecia y actualmente la ciudad más grande del país. La población del municipio de Atenas es de 655.780 (en 2011), pero su área metropolitana es mucho mayor y comprende una población de 3,8 millones (en 2011). Es el centro principal de la vida económica, cultural y política griega.

Es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.1 Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz.

Boceto También llamado esbozo o borrador, es un dibujo realizado de forma esquemática y sin preocuparse de los detalles o terminaciones para representar ideas, lugares, personas u objetos.

Gaffer Jefe de eléctricos. Lleva a cabo técnicamente la iluminación con su equipo de electricistas; iluminación que es diseñada por el DOP.

Imagen Es una representación visual, que manifiesta la apariencia visual de un objeto real o imaginario.

Cinematografía Es la creación de imágenes en movimiento. Puede envolver el uso de la película o las imágenes digitales, normalmente con una cámara de vídeo. Está muy relacionado con el arte de la fotografía.

Creación Tiene lugar en la cabeza de la persona, y luego se materializa en el mundo real, adoptando la forma de música, pintura, escultura, obra literaria, obra teatral, obra cinematográfica, cómic, composicion sonora, composicion audiovisual, obra arquitectónica, danza o composición digital.

Iluminación Consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS.

Jefe de maquinistas Coordina a los maquinistas que llevan el travelling, grúa, charriot, etc.

Luz Radiación electromagnética que puede ser percibida por el ojo humano.

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Fotografía Cinematográfica Modelo de color RGB

Serie de televisión

No define por sí mismo lo que significa exactamente rojo, verde o azul, por lo que los mismos valores RGB pueden mostrar colores notablemente diferentes en diferentes dispositivos que usen este modelo de color.

Es una obra audiovisual que se difunde en emisiones televisivas sucesivas, manteniendo cada una de ellas una unidad argumental en sí misma y con continuidad, al menos temática, entre los diferentes episodios que la integran.

Meritorio de cámara

Textura

Hace labores de apoyo al equipo de cámara.

Es una agregación que se perciben como variaciones o irregularidades en una superficie continua.

Maquinistas Son los encargados de manipular dollys, grúas y otros soportes de cámara.

Video musical

Operador de cámara

Es un cortometraje realizado principalmente para su difusión en video, televisión y a través de portales en internet, que ofrece una representación visual de una canción.

Opera la cámara y compone el plano. Óptica En la Edad Antigua se conocía la propagación rectilínea de la luz, la reflexión y refracción. Dos filósofos y matemáticos griegos escribieron tratados sobre óptica: Empédocles y Euclides.

Película Es una obra de arte cinematográfica, la cual narra de una manera audiovisual, una historia o un hecho.

Percepción visual Es la interpretación o discriminación de los estímulos externos visuales relacionados con el conocimiento previo y el estado emocional del individuo.

Sala de proyección Es un espacio aconcidionado para la exhibición de películas compuesto por lo general de una pantalla de proyección y un patio de butacas.

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Fotografía Cinematográfica

BIBLIOGRAFIA César Charlone | Películas, biografía y filmografía - Yahoo! Cine España

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Fotografía Cinematográfica

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Fotografía Cinematográfica

Este libro se terminó de imprimir en el mes de Mayo de 2013 en los talleres de Impresiones S.A, Dia de fallecimiento del Director y Guionista belga Jacques Feyder .

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Cápitulo Uno: América

LA F OTOGRAFÍA C INEMATOGRÁFICA Se r efiere a que cada t oma esta relacionada con l os conceptos que es manejan en la fotografía tradicional, encuadre perspectiva, enfoque, ángulos, luz, composición, color, etc, cuando veas una película y te agrade una toma, digamos de un paisaje esta puede ser analizada d e manera como se analizaría una fotografía con los conceptos que te acabo de mencionar. Para p rofundizar m as e n ello l o mejor es que l a persona tenga unas nociones básicas e n foto, pero de m anera simple te puedo decir es que en ello consiste, por eso un director de fotografía es importantísimo ya que el lucimiento de l os encuadres e n la p elícula dependera en gran medida de él, aunque el director de arte seguro también tiene que tener algún tipo de este conocimiento.

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Fotografia Cinematografica Tomo 1  
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