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CATHERINE MANOUKIAN S T E FA N

S O LYO M

S TA AT S K A P E L L E

W E I M A R


EDWARD

(1857-1934)

VIOLINKONZERT h-MOLL · IN B MINOR, OP. 61 01 I. ALLEGRO 18:27 02 II. ANDANTE 11:38 03 III. ALLEGRO MOLTO 19:12 04

SALUT D’AMOUR, OP. 12 05

OFFERTOIRE, OP.11

03:02

04:59

CATHERINE MANOUKIAN Violine · violin STAATSKAPELLE WEIMAR STEFAN SOLYOM

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Anmerkungen von Catherine und Stefan Bei dieser Aufnahme des Violinkonzerts von Elgar handelt es sich um eine Live-Aufnahme: Was man hier hört, wurde im Rahmen eines Konzerts am 26. Juni 2011 produziert. Unsere Entscheidung einen Konzertmitschnitt statt einer Studioaufnahme einzuspielen, rührt von dem Wunsch her, die öfters geäußerten Bedenken in Bezug auf dieses Violinkonzert zu thematisieren. Man hört, das Konzert sei »zu lang« und laufe daher Gefahr an Energie und musikalischer Einheit zu verlieren. Unserer Ansicht nach rührt diese »Schwachstelle« nicht von der Länge des Stückes her, sondern eher von einem sehr starken und notwendigen Bedürfnis nach unaufhörlichen Energiefluss. Doch Studioaufnahmen sind notorisch problematisch: der Luxus von Wiederholungsaufnahmen, die Bearbeitungsmöglichkeiten und die Abwe4

senheit der Aufmerksamkeit eines Publikums haben die Tendenz, die Art von Energiefluss, der in einem Konzert gegeben ist, lahmzulegen. Wir wollten diesen Aspekt beibehalten, und so schien uns die Aufnahme aus Konzertmitschnitten die natürlichste Lösung. Live-Aufnahmen bringen natürlich ihre eigenen Herausforderungen mit sich, da es sich hier um ein Medium handelt, das im Grunde mit sich selbst in Konflikt steht. Ein Konzert wird nur einmal gehört. Somit sind »kleine Makel« eher verzeihlich, da man ein Konzert der Erfahrung und nicht der Perfektion bis ins letzte Detail wegen hört. Eine Konzertübertragung im Radio wird ebenfalls nur einmal gehört (oder zumindest nicht absichtlich mehr als einmal, da der Zuhörer sich nicht aussucht, was im Radio gespielt wird) und gleicht somit eher einem Konzert als einer Aufnahme. Hingegen wird eine CD vom Kunden gekauft, besessen und kontrolliert und kann daher angehört werden, wann auch immer er möchte. Daher steht die Vollkommenheit im Detail mittlerweile fast im Zentrum der Erwartung bei CDs – einerseits aufgrund eines Lernprozesses und andererseits, weil das (Über-)Bearbeiten ein fester Bestandteil unserer Aufnahmekultur ist. Trotzdem kann man während einer Live-Aufnahme nicht auf Nummer sicher gehen, da

der Sinn der Sache, nämlich die Erhaltung der Begeisterung und der Energie der Konzerterfahrung, sonst verloren gehen würde. In unserem Fall wurde diese inhärente Herausforderung der Live-Aufnahme noch durch die Tatsache erschwert, dass das Elgar-Konzert keinem der Beteiligten besonders entgegenkommt: Es ist sowohl ein Hindernis-Parcours als auch ein Marathonlauf, und es bedarf enormer Konzentration und Energie, um Wirkung zu erzielen. Angesichts dieser heiklen Aufgabe sind wir besonders stolz darauf, was diejenigen, die bei dieser Aufnahme mitwirkten, zustande gebracht haben und sind dankbar für die daraus entstandene lohnende Erfahrung. In

der Erinnerung eines jeden Künstlers gibt es eine Handvoll Konzerte, die herausragen, weil sie über die übliche Verpflichtung hinausgehen und gelegentlich an etwas nahezu Metaphysisches heranreichen und dem Künstler/der Künstlerin die eigentlichen Beweggründe für einen Auftritt vor Augen führen. Das Konzert, aus dem die vorliegende Aufnahme entstand, ragt auf diese Art und Weise für uns heraus. Wir hoffen, dass sich die immense Freude, mit der die vorliegende CD entstand, auf Sie, das erweiterte Publikum dieses unvergesslichen Abends, übertragen wird. Catherine Manoukian und Stefan Solyom 5


Note from Catherine and Stefan The enclosed recording of the Elgar Violin Concerto is live: what you’re about to hear was produced in concert on June 26, 2011. Our decision to record this way, rather than in a studio, was motivated by a desire to address a common complaint about this particular concerto, that it’s somehow “too long” and thus at risk of losing energy and musical integrity as it goes on. Our view is that this apparent “flaw” stems not from its length, but, rather, from an unusually pronounced need for a continual push for momentum. But studio recordings are notoriously problematic in this exact way: the luxury of retakes, overediting, and the absence of an audience’s attention all have a tendency to halt the kind of momentum that’s a given in concert. What we wanted was to preserve this aspect, so making the recording out of a concert seemed like the most natural solution. Recording live does, of course, present its own unique challenge, because it’s essentially a medium in conflict with itself. A concert is heard just once. As a result, a lot more by way of “small imperfections” is forgiven, because you go to hear concerts for the experience, and not for the note for note 6

perfection. A radio broadcast of a concert is also heard just once (or at least not intentionally more than once, since the listener does not pick what’s played on radio), and this makes it more similar in kind to a concert than a recording. A CD, however, is bought, possessed, and controlled by the consumer, and can therefore be listened to whenever the consumer likes. As a result, note for note perfection has become an almost focal expectation of CDs—in part because of a learning curve and in part because (over-) editing is a fact of our recording culture. But you cannot “play it safe” during a live recording either, because then the whole point of the exercise, namely a preservation of the excitement and energy of the concert experience, will be totally lost. In our case, this inherent challenge of live recording was amplified by the fact that the Elgar Concerto is not a kind piece to any of its participants: it’s an obstacle course as well as a marathon, and it takes tremendous concentration and energy to make it work at all. In light of the delicacy of the task at hand, we are doubly proud of what everyone involved in this recording has achieved and grateful for what turned out to be a uniquely rewarding experience for all of us. In every performer’s memory there are a

Weimarhalle

handful of concerts that stand out, because they’re the ones that go beyond day-to-day duty, occasionally touching on something almost transcendental, and reminding that performer why he/she chose to perform in the first place. The concert that became this recording very much stands out for us in this

way. We hope that some of the immense enjoyment we derived from making this product will have made its way to you, the extended audience of this memorable evening. Catherine Manoukian and Stefan Solyom 7


CATHERINE MANOUKIAN Die Violinistin Catherine Manoukian ist für ihre angeborene Musikalität und für ihre einfallsreichen künstlerischen Fähigkeiten gepriesen worden. Ihr ungewöhnliches Interesse an Philosophie und Musik führte zu einer Karriere mit internationalen Auftritten und zahlreichen Aufnahmeprojekten. Catherine Manoukian konzertierte mit vielen bedeutenden nordamerikanischen und internationalen Sinfonieorchestern in Toronto, Boston, Calgary, Vancouver, Tokio, Osaka, Yerevan, Istanbul, Norrköping und Helsingborg. Sie hat unter anderem mit den Dirigenten Mario Bernardi, Jukka-Pekka Saraste, Keith Lockhart, Roy Goodman, Peter Oundjian, Tomomi Nishimoto und Seikyo Kim zusammengearbeitet. Bisher sind fünf CDs von ihr erschienen: Elegies and Rhapsodies (1998), Chopin on Violin (1999), bestehend aus Violintranskriptionen von Chopin-Werken, Lyricism (2002), eine Sammlung von Zugaben und Catherine Manoukian, Violin (2006), mit dem 1. Violinkonzert von Schostakowitsch und dem Violinkonzert von Chatschaturjan, aufgenommen mit der armenischen Philharmonie, sowie den Es-Dur-Sonaten von Franck und Strauss mit der Pianistin Xiayin Wang (2010). 8

Vater Violine zu lernen, hatte ihren ersten Bühnenauftritt im Alter von vier Jahren und beendete ihre Violinenausbildung bei Dorothy DeLay in New York. Sie lebt zurzeit in Deutschland und Schweden. In ihren schriftlich festgehaltenen Gedanken und Eindrücken über Musik und andere Themen, die man auf der gefragten Webseite www.sequenza21. com nachlesen kann, erkennt man ihre natürliche schriftstellerische Begabung.

CATHERINE MANOUKIAN

Catherine Manoukian hat mehrere akademische Grade in Geschichte und Philosophie an der Universität Toronto erworben. Ein zusätzliches Interesse an philosophischer Ästhetik schlug die Brücke zwischen diesen akademischen Projekten und Catherines musikalischer Laufbahn. Sie begann bei ihrem

Violinist Catherine Manoukian has been praised for her innate musicality and imaginative artistry. Her unique interest in philosophy and music has led to a career filled with international engagements and numerous recording projects. Ms. Manoukian has been a guest with many major North American and international symphonies including those in Toronto, Boston, Calgary, Vancouver, Tokyo, Osaka, Yerevan, Istanbul, Norrköping and Helsingborg. Among others, she has collaborated

with conductors Mario Bernardi, Jukka-Pekka Saraste, Keith Lockhart, Roy Goodman, Peter Oundjian, Tomomi Nishimoto, and Seikyo Kim. To date, she has released five CDs: Elegies and Rhapsodies (1998), Chopin on Violin (1999), consisting of transcriptions for violin of works by Chopin, Lyricism (2002), a collection of encores, and Catherine Manoukian, Violin (2006), featuring the Shostakovich A minor and Khatchaturian Violin Concertos, recorded with the Armenian Philharmonic, and a pairing of the Franck and Strauss E-flat major sonatas, with pianist Xiayin Wang (2010). Ms. Manoukian holds multiple degrees, including undergraduate and postgraduate degrees in history and philosophy from the University of Toronto. A secondary interest in philosophical aesthetics created the bridge between these academic ventures and Catherine’s musical career. She began violin studies with her father, made her first stage appearance at age four, and completed her violinistic training with Dorothy DeLay in New York. Ms. Manoukian currently resides in Germany and Sweden. A naturally gifted writer, her thoughts and impressions on music and other topics are featured on the popular website www.sequenza21.com. 9


STEFAN SOLYOM Stefan Solyom hat sich über seine längst etablierte Position im Musikleben seiner schwedischen Heimat hinaus in rasantem Tempo auch einen internationalen Ruf erworben. Seine Auftritte an der Oper und in Konzertsälen werden für ihre lyrische Wärme und die große Überzeugungskraft gepriesen, und sein direktes, harmonisches Verhältnis zu den Orchestermusikern begeistert sowohl die Kritiker als auch das Publikum und die Musiker selbst. Als Leif Segerstams und Jorma Panulas Schüler – zwei der angesehensten und schillerndsten Dirigierlehrer der Welt – fiel Stefan Solyom als Preisträger des internationalen Sibelius-DirigierWettbewerbs im Jahre 2000 auf. Stefan Solyom wurde 2009 Generalmusikdirektor des Deutschen Nationaltheaters in Weimar und Chefdirigent der Staatskapelle Weimar. In seinen ersten beiden Spielzeiten dirigierte er Sinfoniekonzerte mit der Staatskapelle, neue Produktionen von Eugen Onegin, Die Hochzeit des Figaro und Christian Josts Angst, sowie die Wiederaufnahmen von Rigoletto und Tosca. Er übernahm außerdem eine Neuproduktion von Tristan und Isolde, die von den Kritikern gefeiert wurde. Stefan Solyom ist erster Gastdirigent des Norrköping Sinfonieorchesters, und von 10

2006 bis 2009 war er Regelmäßiger Gastdirigent des BBC Scotish Synphony Orchestras, eine Position, die eigens für ihn eingeführt wurde. Er hat enge Beziehungen zur Königlichen Philharmonie Stockholm, zum Göteborger Sinfonieorchester, zum Lahti Sinfonieorchester, zum Frankfurter Radiosinfonieorchester, zum MDR Leipzig und zur Deutschen Kammerphilharmonie Bremen aufgebaut. Maestro Solyom feiert weiterhin Erfolge an der Oper. Seit seinem Debüt 1999 an der Königlichen Schwedischen Nationaloper dirigierte er unter anderem Tosca (Opéra National de Paris), Romeo et Juliette, Faust, Le Villi (Frankfurter Oper), Die Fledermaus, Der Barbier von Sevilla (Komische Oper Berlin), Die Zauberflöte, Hoffmanns Erzählungen, Falstaff, Il Trovatore (Königliche Schwedische Nationaloper), The Rake’s Progress und Ades’ Powder Her Face (Musikfest Bremen).

STEFAN SOLYOM Stefan Solyom has rapidly acquired an international reputation to complement his firmly established status in the musical life of his native Sweden. His appearances in the

opera house and on the concert platform have drawn praise for their lyrical warmth and strong conviction, and the immediacy of his rapport and engagement with orchestral players has delighted critics, audiences and musicians alike. A pupil of Leif Segerstam and Jorma Panula – two of the world’s most revered and colourful conducting teachers – Stefan caught the world’s attention as a prize-winner at the 2000 International Sibelius Conducting Competition. Stefan Solyom was appointed General Music Director of the Deutsches Nationaltheater and Staatskapelle Weimar in 2009. In his first two seasons, alongside a full programme of subscription concerts with the Staatskapelle, he has conducted new productions of Eugene Onegin, Le Nozze di Figaro and Christian Jost’s Angst as well as revivals of Rigoletto and Tosca. Stefan also took on a new production of Tristan und Isolde to critical acclaim. Stefan Solyom is Principal Guest Conductor of Norrköpings Symfoniorkester and from 2006-2009 held the post of Associate Guest Conductor of the BBC Scottish Symphony Orchestra, a role especially created for him. He has forged strong relationships with the Royal Stockholm Philharmonic, the Gothenburg, Lahti and Frankfurt Radio Sym-

phony Orchestras, MDR Leipzig and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Maestro Solyom continues to flourish in the opera house. After making his debut with the Royal Swedish Opera in 1999, he conducted a wide range of repertoire including Tosca (Paris Opera), Romeo et Juliette, Faust, Le Villi (Frankfurt Opera), Die Fledermaus, Barber of Seville (Komische Oper Berlin), Die Zauberflöte, Tales of Hoffman, Falstaff, Il Trovatore (Royal Swedish Opera) and The Rake’s Progress and Ades’ Powder Her Face (Bremen Music Festival). 11


STAATSKAPELLE WEIMAR

STAATSKAPELLE WEIMAR Die Staatskapelle Weimar, 1491 gegründet, ist eines der traditionsreichsten Orchester der Welt, mit dessen Namen zahlreiche bedeutende Musiker und Werke der Musikgeschichte eng verbunden sind. Unter anderem war es Franz Liszt, der dem Orchester als Hofkapellmeister mit Uraufführungen zahlreicher zeitgenössischer Werke, darunter Wagners Lohengrin (1850), zu internationalem Renommee verhalf. Richard Strauss bekleidete diese Position von 1889 bis 1894 und leitete dort u.a. die Uraufführungen seines Guntram sowie Humperdincks Hänsel und Gretel. Auch seine Orchesterwerke Don Juan, Macbeth und Tod und Verklärung erlebten durch die Weimarer Hofkapelle ihre Uraufführung. 1919 wurde das Orchester in »Weimarische Staatskapelle« umbenannt. Nach dem Einschnitt des 2. Weltkriegs war es der Dirigent Hermann Abendroth, der es zu beachtlicher Größe und Qualität zurückführte und zu einem der führenden deutschen Klangkörper heranwachsen ließ. Nach 1990 auf nahezu 100 Musiker verstärkt, setzt die Staatskapelle Weimar auch heute auf die Kombination der bewussten Pflege ihrer großen Traditionen mit inno12

vativen Aspekten und einem ständig erweiterten Repertoire und zählt renommierte Solisten und Dirigenten ersten Ranges zu ihren regelmäßigen Gästen. Diverse CD-Einspielungen spiegeln eindrucksvoll das vielfältige Repertoire des Orchesters von Mozart über Liszt, Wagner, Strauss und Furtwängler bis in die Moderne. Auch international ist die Staatskapelle Weimar als erstklassiges Konzertorchester gefragt und gastierte u.a. in Spanien, Italien, Österreich bei den Dresdner Musikfestspielen, beim Prager Herbst sowie in den großen Konzertsälen Deutschlands. Neben ihrer umfangreichen Konzerttätigkeit garantiert die Staatskapelle auf höchstem Niveau auch die Fortführung der großen spätromantischen Operntradition in Weimar. Seit Beginn der Spielzeit 2009/10 ist der schwedische Dirigent Stefan Solyom Generalmusikdirektor und Chefdirigent des Deutschen Nationaltheaters und der Staatskapelle Weimar.

Founded in 1491, the Staatskapelle Weimar is one of the oldest and most illustrious orchestras in the world, and has a long history of close associations with some of music history’s best known individuals and works. Under Franz Liszt, who served as Hofkapellmeister, numerous contemporary pieces received their world premieres, among them Lohengrin (1850), which helped make Wagner an international success. Richard Strauss held the position between 1889 and 1894, and lead the world premieres of his own Guntram and Humperdinck’s Hansel and Gretel, as well as of his orchestral works Don Juan, Macbeth and Death and Transfiguration. In 1919 the orchestra was renamed the “Weimarian State Orchestra.” Following the calamitous events of World War II, the conductor Hermann Abendroth rebuilt the Staatskapelle Weimar to its former grandeur and quality, making it one of Germany’s leading orchestras. After 1990 the orchestra was expanded to almost 100 musicians. Since then, the Staatskapelle Weimar continues to cultivate its great traditions, while combining them with innovative aspects, a constantly expanding repertoire and regular guest per-

formances by world-class soloists and conductors. Its recordings on CD impressively reflect the orchestra’s diverse repertoire which includes works by Liszt, Wagner, Strauss, Furtwängler and numerous contemporary composers. The Staatskapelle Weimar is internationally renowned as a first-class concert orchestra and has guest performed in Spain, Italy and Austria, at the Dresden Music Festival, Prague Autumn and in major concert halls in Germany. In addition to its extensive concert activities, the Staatskapelle Weimar continues the great opera traditions of the late Romantic period in Weimar. In the 2009-2010 season, Swedish conductor Stefan Solyom became general music director and head conductor of the Deutsches Nationaltheater and Staatskapelle Weimar.

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ELGAR · Violinkonzert h-Moll, op. 61 Man kann sich Elgars Genugtuung vorstellen, als er in das vornehme Londoner Herrenhaus Severn House zog – dies war die Erfüllung seines großen Wunsches, die bescheidene Klasse zu überwinden, die ihm durch sein handwerkliches Erbe beschieden schien. Nach Jahren der Armut und provinzieller Unbekanntheit im ländlichen Worcestershire war er zu einer sehr berühmten Figur in der Londoner Musik- und Gesellschaftsszene geworden. Fritz Kreislers triumphales Debüt von Elgars Violinkonzert zwei Jahre zuvor, am 10. November 1910 in der Queen’s Hall in London, hatte zweifelsohne seine Position als Großbritanniens führender Komponist seiner Zeit bekräftigt. Das Violinkonzert ist ein beachtliches Werk, das es verdiente hatte, mit dem musikalischen und technischen Kaliber eines der berühmtesten Violinisten der Zeit gespielt zu werden. Kreisler, dem das Violinkonzert gewidmet war, interessierte sich sehr für das Stück und beriet Elgar in einigen kritischen Fragen zum Arrangement. Eugène Ysaÿe, ein gleichermaßen namhafter Geiger seiner Zeit, gehörte zu jenen, die die Entwicklungen ebenfalls mit Aufmerksamkeit verfolgten (und vielleicht eine mögliche Premiere des 14

Violinkonzerts für sich selbst erhofften). Das Violinkonzert war eines von Elgars letzten Werken, das die Anerkennung der Kritik fand. Der nicht enden wollende Applaus, der Kreislers Debüt des ersten Satzes folgte, war ein frühes Indiz dafür, dass das Violinkonzert einen hohen Rang im Geigenrepertoire einnehmen würde. Im Vergleich zu den zeitgenössischen Konzerten von Sibelius und Glasunow wird Elgars Werk als monumental angesehen, nicht nur aufgrund seiner Länge, sondern auch aufgrund der anhaltenden Intensität und des technischen und emotionalen Anspruchs an den Solisten. Darüber hinaus erinnert das romantische Feingefühl der lyrischen Melodien und die üppige und expansive Orchestrierung an Brahms und Beethoven – ein Stil, der unter Elgars Nachfolgern, die sich von der Romantik distanzierten, um eine neue Ästhetik des zwanzigsten Jahrhunderts zu definieren, aus der Mode kam. Es wurde viel über die enigmatische, spanische Inschrift »Aquí está encerrada el alma de...« (»Hierin ist umfangen die Seele von...«) in der Vorbemerkung zum Konzert spekuliert. Elgar hatte eine Vielzahl sozialer und musikalischer Partner, deren Einfluss zwangsläufig seine Musik beeinflusste. Seine Schüler mutmaßten, verschiedene

motivische Ideen stünden metaphorisch für vergangene Geliebte, denen Elgar den schuldigen Tribut zollen wolle. In einer eher vorsichtigen Interpretation behauptete jedoch der renommierte schottische Musikwissenschaftler und Bach-Spezialist Charles Samford Terry – ein getreuer Vertrauter, der bestens mit der Entstehung des Konzerts vertraut war – es sei Elgars Seele selbst, die in dem Werk umfangen sei. Was auch immer die Lösung dieses Rätsels sei, das Konzert wird als autobiographisches Werk mit aufrichtigen Details, die in den unvergesslichen Nobilmente- und Windröschen-Themen symbolisiert werden, angesehen. Das Konzert beginnt mit einem dramatischen Orchestervorspiel, das die Rastlosigkeit und die Ruhe der Themen, die sich im Verlauf des Konzerts miteinander verweben, vorausahnen lässt. Die Violine setzt mit einer feierlichen und würdevollen Formulierung des Nobilmente-Themas ein. Als gelte es, die Endgültigkeit, die durch diese einleitende Aussage evoziert wird, zu leugnen, kommt die melodische Linie erneut zum Vorschein und geht von einem Rezitativ in eine Cantabile-Stimme über. Es folgen komplizierte Passagen von Triolenrhythmen und chromatischen Sequenzen im spielerischen Wechsel mit dem Orchester. Im Kontrast zum wehmü-

tigen Nachsinnen des Windröschen-Themas geht der Satz zu funkelnden Passagen virtuoser Fingerakrobatik über, die mit außerordentlicher Bogenfinesse gepaart wird. Der Satz endet kühn, wobei sich der Solist in einer Folge aufblühender Notensequenzen über das Orchester erhebt und schließlich zu einem brillanten und feierlichen Schluss kommt. Der zweite Satz beginnt mit einer außerordentlich lyrischen und bezaubernden Melodie im Orchester, die vom zurückhaltenden, jedoch eleganten Einsatz des Solisten fortgesponnen wird. Auf Allargando-Passagen, die durch breite, betonte Sequenzen gekennzeichnet sind, folgt eine fallende Reihe von Tönen und eine Rückkehr zum Tempo in Passagen, die auf eine Art und Weise zu- und abnehmen, die an unerwiderte Gefühle denken lässt. Ein orchestrales Zwischenspiel mit gedämpften Instrumenten erzeugt eine ätherische Stimmung, die Illusionen pastoraler Szenen inmitten der sehnsüchtigen Melodien in Violine evoziert. Nachdem der Solist nicht loslassen zu wollen scheint, schließt der Satz, und der Solist unterliegt schließlich mit äußerster Intensität während der letzten melodischen Passagen. Der dritte Satz ist eine Musik des Jubels. Er beginnt mit einer lebhaften Einführung 15


einer Serie von Triolensequenzen, die in eine dramatische Darstellung von Doppelgriff-Sequenzen über die Saiten ausbrechen. Diese Bravour-Darstellung geht nahtlos in eine düsterere Stimmung aufsteigender melodischer Phrasen über, die von üppiger Orchestrierung begleitet werden. Der Höhepunkt dieses Satzes ist durch eine feierliche und sehnsüchtige Kadenz gekennzeichnet, die mit einer kurzen Erinnerung an das Windröschen-Thema beginnt, während die Tremolobegleitung in den Streichern eine Unterströmung von Erregung und Spannung erzeugt. Eine letzte Erinnerung an das Nobilmente-Thema schließt mit einer Pause, bevor der Solist in eine atemberaubende Schau rasender Passagen ausbricht, die ihren Höhepunkt in einem ungestümen und triumphierenden Finale erreichen.

Offertoire (Andante Religioso), op. 11 (1893) und Salut d’Amour, op. 12 (1888) Offertoire op. 11, das 1893 unter dem Pseudonym Gustav Francke geschrieben wurde, ist ein feierliches, religiöses Werk, doch mit seiner tanzähnlichen Qualität erinnert es eher an eine nächtliche Serenade. In der frühen Phase seiner Karriere nahm Elgar eine 16

Reihe von Pseudonymen an, die kontinentaleuropäischen Namen nachgebildet waren. Diese allgemein verbreitete Sitte war ein Mittel, um sein Werk attraktiver zu machen und die klischeehaften Bedenken britischer Musik gegenüber zu zerstreuen. Die Tantiemen der Veröffentlichung seiner Salonstücke halfen dabei, eine Periode des intensiven Studiums durchzustehen, mit Hilfe dessen er sich seinen unverwechselbaren kompositorischen und erzählerischen Stil aneignen konnte. Während dieser Zeit wurde er außerdem von seiner hingebungsvollen Frau Alice unterstützt, die fest daran glaubte, dass sein Talent als Komponist sie in die obere Gesellschaftsschicht führen würde. Salut d’Amour op. 12, ein Solostück, das Elgar Alice zur Verlobung schenkte und ihr widmete, wird weithin als Elgars größter kommerzieller Erfolg angesehen. Es ist nicht nur ein Standardwerk im Violinensolorepertoire, sondern wurde auch für andere Soloinstrumente, für Stimme und für Kammer- und Orchesterensembles bearbeitet. Das Stück hatte auch als Tanz Erfolg, nachdem es von der gefeierten englischen Primaballerina Dame Margot Fonteyn choreographiert wurde. Der spielerische und charmante Charakter des Stückes und die Verlockung in seiner melodischen Klarheit beschwören ohne

weiteres die emotionale Qualität junger Liebe herauf. Als Inbegriff Elgarscher Musik bezaubert das Stück das Publikum weiterhin aufgrund seiner auffälligen und zeitlosen Schlichtheit. Tara Vongpaisal

ELGAR · Violin Concerto in B minor, Op.61 One could imagine Elgar’s satisfaction upon taking occupancy of the grand and stately London manor, Severn House—a feat that marked the pinnacle of his ambition to overcome the modest class destined by his artisan heritage. After years of poverty and provincial obscurity in rural Worcestershire, he had by then become a much celebrated figure in London’s musical and social scene. Fritz Kreisler’s triumphant debut performance of Elgar’s violin concerto, just two years prior on November 10, 1910 at Queen’s Hall, London, had no doubt reinforced his status as Britain’s leading composer of the time. The concerto was a venerable work worthy of the musical and technical calibre of one of the most celebrated violinists of the day. Kreisler, to whom the concerto was dedicated, took great interest in the concerto

and advised Elgar on some critical arrangements. Among those who also followed the developments with attentiveness (and perhaps with anticipation for a possible premiere of the concerto himself) was Eugene Ysaÿe, an equally distinguished violinist of the day. The concerto was one of Elgar’s last major works to gain critical acclaim. Unrelenting applause following Kreisler’s debut of the first movement gave early indication that the concerto would hold a distinguished place in the violin repertoire. In comparison to contemporaneous concerti by Sibelius and Glazunov, the concerto is considered a monumental work not only for its lengthy duration, but also for the sustained intensity, technical, and emotive vigour it demands from its soloist. Further, the romantic sensibilities in the lyricism of the melodies and the lush and expansive orchestration is reminiscent of Brahms and Beethoven—a style which fell out of fashion with Elgar’s successors who departed from romanticism in an attempt to define a new 20th century aesthetic. Much has been speculated about the enigmatic Spanish inscription “Aquí está encerrada el alma de ...” (“Herein is enshrined the soul of ...”) in the preface of the concerto. Elgar had cultivated a host of social and 17


musical associates whose influence inevitably influenced his music. Scholars preferred to speculate that various motivic ideas were metaphorical of past loves that Elgar wished to pay tribute to. In a rather prudent interpretation, however, renowned Scottish musicologist and Bach scholar, Charles Sanford Terry—a trusted confidante who was intimately familiar with the makings of the concerto—claimed that it was in fact Elgar’s own soul that was enshrined in the work. Whatever the attribution of this riddle, the concerto is regarded as an autobiographical work with candid details symbolized in the memorable nobilmente and Windflower themes. The concerto begins with a dramatic orchestral prelude that foreshadows the restlessness and tranquillity of themes that intertwine throughout the concerto. The violin enters with a solemn and dignified statement of the nobilmente theme. As if to deny the finality evoked by this opening statement, the melodic line emerges anew progressing from a recitative to cantabile voice. Intricate passagework of triplet rhythms and chromatic sequences follows in a playful exchange with the orchestra. In contrast to wistful musings of the Windflower theme, the movement transitions to glittering passages of dexterous finger work coupled with utmost finesse of the 18

bow. The movement is drawn to a bold conclusion with the soloist rising above the orchestra in a succession of flourishing note progressions to cap a brilliant and stately conclusion. The second movement begins with an exquisitely lyrical and enchanting melody in the orchestra—attributes that are emulated by the soloist’s own demure yet graceful entrance. Allargando passages marked by broad accented sequences are followed by a tumbling series of notes and a return to tempo in passages that wax and wane in a manner that is reminiscent of unrequited emotions. An orchestral interlude with muted instruments gives an ethereal quality that evokes illusions of pastoral scenes amidst the yearning melodies in the violin. As if reluctant to let go, the movement concludes with the soloist finally succumbing with painstaking intensity in the final melodic statements. The third movement is one of jubilation. It begins with a spirited introduction of running triplet sequences that break into a dramatic display of double-stop sequences across strings. This display of bravura transitions seamlessly into a darker mood of soaring melodic phrases accompanied by rich orchestration. The climax of the movement is marked by a solemn and haunting cadenza

Bei den Proben Rehearsing

that begins with a brief recall of the Windflower theme while tremolo accompaniment in the strings creates an undercurrent of thrill and suspense. A final recall of the nobilmente theme brings pause before the soloist breaks into a stunning display of racing passages that culminate into a brash and triumphant finale.

Offertoire (Andante Religioso), Op. 11 (1893) & Salut d’Amour, Op. 12 (1888) Written in 1893 under the nom de plume, Gustav Francke, Offertoire Op. 11 is a solemn religious offering, but is seemingly reminiscent of a nocturnal serenade in its dancelike quality. In the early phase of his career, Elgar adopted a number of pseudonyms fashioned after continental European names. A common practice at the time, this was a means to gain broader appeal for his work and to dispel the stereotyped ambivalence towards British music. The royalties from the publication of his salon pieces helped to sus-

tain a period of intense study that allowed him to cultivate his distinctive compositional and narrative style. During this time, he was also supported by his devoted wife, Alice, who maintained a steadfast belief that his talent as a composer would propel them into the upper ranks of society. Salut d’Amour Op. 12, a recital piece inscribed and gifted to Alice on the occasion of their engagement, is widely considered to be Elgar’s greatest commercial success. It is not only a standard in the violin recital repertoire, but it has also been arranged widely for other solo instruments, voice, and for chamber and orchestral ensembles. The piece also enjoyed cross-over success in dance, where it was famously choreographed for the celebrated English prima ballerina Dame Margot Fonteyn. The playful and charming character of the piece and the allure in its melodic clarity readily evokes the visceral quality of young love. Quintessentially Elgar, it continues to delight audiences for its striking and timeless simplicity. Tara Vongpaisal 19


Violin Concerto recorded on June 26, 2011 at the Weimarhalle, Weimar, Germany. Salut d’Amour and Offertoire recorded on June 17, 2011 at the Hochschule für Musik Franz Liszt, Weimar, Germany. Producer and editor: Christopher Alder Balance engineer, Tracks 1-3: Christian Fischer · Tracks 4 and 5: Joachim Müller Mix and mastering: Stephan Flock Photos: J Henry Fair · Design: Sylvia Nickerson · Notes: Tara Vongpaisal  &  2013 Edel Germany GmbH

Special thanks to Caroline Tuschell, for her outstanding physiotherapy work, and also to Susann Leine and Nils Kretschmer, for their invaluable assistance.

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www.catherinemanoukian.com · www.facebook.com/CatherineManoukianViolin · @ManoukianViolin www.stefansolyom.com · www.nationaltheater-weimar.de


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