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Año 5 - número 025 - mayo/junio 2014

Revista gratuita on-line. No hay versión impresa.

Danza Danza Danza Danza Danza


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EN EN ESTE NÚMERO… Índice________________________________________________ 1 Editorial______________________________________________ 3 Reportaje gráfico: CND_ _________________________________ 4 Nipon-Koku Colaboraciones: Amelia Caravaca _________________________ 17 La danza contemporánea, sus precursores y sus técnicas. 1ª Parte Reportaje gráfico______________________________________ 24 Café-Teatro Scaena Desde dentro: Yolanda López Cota ________________________ 38 Con Helena Berrozpe y Francesc Bravo Colaboraciones: Sandra Carbajo Bueno _ ___________________ 44 “Danzad, danzad, o estaréis perdidos II” Reportaje: Sabela Mendoza Fernández_ ____________________ 48 TOM (Tiempo, Oscilación, Movimiento). Compañía de danza contemporánea y teatro físico. Colaboraciones: Sara Antequera_ _________________________ 56 La danza, la gran ausente en el manifiesto de la Plataforma en Defensa de la Cultura Colaboraciones: Mª José Tenorio__________________________ 62 ¿Qué es la creatividad? Reportaje gráfico______________________________________ 66 Danza en el Museo Reina Sofía Publicaciones_________________________________________ 75 El secreto deOfelia: teatro, tejidos, el cuerpo y la memoria


Aquí tienes el número 25 de EDANZA. Sin duda el fallecimiento de la Maestra María de Ávila ha sido la noticia más relevante en estos dos meses. Descanse en paz. Por lo demás lo más comentado en el mundillo de la danza ha sido el escándalo que se ha producido en el BNE. A pesar de haber sido silenciado por la prensa española, sin duda atendiendo a mandatos políticos. Menguante democracia en España. Invitamos a conocer estos hechos en http://www.eter.es/dn/actualidad/noticia.php?id=16778 y en http://www.eter.es/dn/actualidad/noticia.php?id=16806. Hechos sin duda muy lamentables que se explican por el bajo interés que la danza despierta en nuestros políticos En este número… Tres amplios reportajes gráficos: La CND con su Nipón-Koku, el Café-Teatro Scaena y Danza en el Museo Reina Sofía, llenan de imágenes este número de EDANZA. No son las únicas. Sabela Mendoza Fernández nos habla de la compañía TOM con un texto apoyado de imágenes de una representación de esta compañía Nuestra colaboradora habitual Yolanda López Cota en su sección “Desde dentro” nos presenta un interesante reportaje sobre danza improvisación con dos de los maestros de esta disciplina en nuestro país, Helena Berrozpe y Francesc Bravo. Amelia Caravaca sigue con su empeño en hacernos comprender la danza contemporánea, en esta ocasión comienza un recorrido por sus precursores. Sara Antequera nos hace pensar sobre la falta de respeto-interés que la danza merece en el mundo de la cultura en España al ser excluida del manifiesto de la Plataforma en Defensa de la Cultura. Y Sandra Carbajo continúa su trabajo, iniciado en el número anterior, sobre la importancia de la danza en el tratamiento de algunas enfermedades. La Danza Movimiento Terapia.

Edita: G.I.ETER Dirección: Carmen G. Alarcos Maquetación: Viviana de Donato, G.I.ETER. Web: G.I.ETER. Consejo de redacción: Viviana de Donato, Carmen G. Alarcos, Virginia G. Alarcos Colaboradores en este número: Sara Antequera, Amelia Caravaca, Sandra Carbajo Bueno, Viviana de Donato, Yolanda López Cota, Sabela Mendoza Fernández, Emilio Tenorio, María José Tenorio, David Vega Contacto: Carmen G. Alarcos (www.edanza.net/c) Publicidad: (www.edanza.net/p) Redacción: G.I.ETER Lozoya, 6 28015 - Madrid Esta publicación no comparte necesariamente la opinión de sus colaboradores. Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad de sus autores. Las imágenes y textos utilizados en esta publicación son propiedad intelectual de sus autores y a los efectos previstos en el art. 32.1, párrafo segundo, del TRLPI, se prohibe expresamente su reproducción, total o parcial, sin autorización previa por escrito.

Nuestra habitual sección sobre psicología para bailarines, firmada por M. José Tenorio, completa este número con una interesante pregunta ¿Qué es la creatividad? Próximamente…

Revista gratuita on-line. No hay versión impresa.

El próximo número, el 26, lo tendrás en red el mes de julio. Algunos ya han dado el paso y las nuevas colaboraciones son buena prueba de ello. Os recordamos que estudiaremos con mucho interés cualquier propuesta que queráis hacernos para colaborar con EDANZA. Estamos abiertos a difundir vuestras opiniones, conocimientos… Podéis contactar mediante el email revista@edanza.net Nuestra publicación no depende de ninguna asociación ni estamento público. Y no recibe ningún tipo de subvención ni ha sido creada para solicitarla. Como siempre, todo esto lo hacemos por y para la Danza. EDANZA TEAM

Año 5 - número 025 mayo/junio 2014 Portada: CND Nipon-Koku

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Nippon-Koku Estreno absoluto por la Compañía Nacional de Danza el 8 de febrero de 2014 en Matadero Madrid. Como Kieslowski hizo en los ochenta, La Veronal desde hace años se dispone a crear un decálogo donde cada pieza se sitúa o toma como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este NIPPON-KOKU, obra de creación original para la Compañía Nacional de Danza, se enmarcaría en ese decálogo general del grupo y supone la primera colaboración entre la CND y La Veronal. Siendo nosotros mismos, sin saberlo, responsables del devenir de los acontecimientos, sin constituirse como un trabajo documental, Nippon-Koku camina en torno a la idea de sociedad y autoridad para poner en duda lo que somos, dónde estamos y la naturaleza de nuestro comportamiento dentro del juego social del que, queriendo o sin querer, somos absolutamente cómplices. La Veronal está formada por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales -cine, literatura, música y fotografía, principalmente- que apuestan por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos glob.

Dirección: Marcos Morau&La Veronal Coreografía: Marcos Morau&La Veronal en colaboración con los bailarines de la CND Música: Luis Miguel Cobo Musicas Adicionales: *MÚSICAS ADICIONALES: “Ombra mai fu” de la Ópera Serse de Händel interpretada por Andreas Scholl. “Liebestraume” de Liszt “Kimigayo” de Hanayo “Boku wa, nai chi chi” de Los Panchos “The U.S Field Artillery March” de Felix Slaktin Kabuki: “Toheganse” - Hideo Osaka Ensemble / “Ninin Wank yû” - Ensemble Kineya/ “Sha kuhachi” - Japan Tradictional Music Asistente de coreografía: Lorena Nogal Dramaturgia: Pablo Gisbert Escenografía: Enric Planas Vestuario: David Delfín Iluminación: Albert Faura Asistencia artística: Roberto Fratini

Fotos: www.emiliotenorio.com


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La danza contemporánea, sus precursores y sus técnicas. 1ª Parte Amelia Caravaca Fotos www.emiliotenorio.com

Esta vez profundizaré un poquito más en la historia. Hablaré de sus personajes más destacados, de los anhelos y conflictos que les llevaron a ser quienes fueron. Escribiré algunos fragmentos de su trayectoria, retales de grandes vidas que son imposibles de sintetizar en unas líneas. Grandes genios, visionarios, tercos e imprudentes héroes sin los que hoy no podríamos disfrutar del privilegio de la libertad de la expresión natural, propia y única. Sin ellos, sin su valentía, perseverancia y necesidad de experimentación y aprendizaje no conoceríamos las cientos de técnicas que hoy permiten dar rienda suelta al alma de los bailarines. Así que bien merecen unas líneas, refrescaremos nuestra memoria y tal vez despejaremos algunas dudas sobre estos grandes personajes de la danza. Habréis oído hablar sin duda de Isadora Duncan o de Marta Graham, y pensaréis que tenéis muy claro quien era Laban. Pero a lo mejor existen lagunas en el hilo cronológico o simplemente desconocíais algunos detalles. La primera línea de pioneros que rompieron con las normas establecidas en la danza, habría que situarlas simultáneamente en Europa y Estados unidos. Nacieron casi en la misma década, y experimentaron a la vez su necesidad de libertad de movimiento. En Europa pasó en Alemania, y nombraré a Rudolf Laban (1879-1958) y Mary Wigman (18861973) como principales representantes, aunque la

17 situación socio-política de Alemania dificultaron el posterior desarrollo de la danza moderna Europa. En estados unidos destacaré a Isadora Duncan (1877-1927) y Ruth St. Denis (1879 -1968), que buscaban en la danza una mayor fuerza expresiva y comunicadora. Llegaron a fuentes de inspiración más antiguas y menos occidentales, como la antigua cultura griega, egipcia o asiática. Rompieron con los conceptos del ballet clásico para crear una nueva danza basada en la expresión orgánica y natural del cuerpo. A partir de 1930, surgió la segunda ola de bailarines modernos, Martha Graham (1894-1991) y Doris Humphry (1895-1958) como grandes representantes, donde se constituyeron las primeras técnicas de danza moderna con fuerte coherencia y estructura. Recurrieron a acciones naturales de movimiento para transformarlos en danza, como la respiración o el acto de caminar. El tercer periodo comenzó al término de la segunda guerra mundial. Lester Horton (1906 - 1953) José Limón (19081972) Merce Cunningham (1919 2009), Alwin Nikolais (1910-1993) Alvin Ailey (1931-1989) donde comenzaron a fusionar todo tipos de técnicas, tanto clásicas como modernas, inspirados en la gran diversidad de estilos de danzas del siglo XX. Para comentar este tercer periodo esperaremos al


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siguiente artículo, para dedicarnos un poco mejor a los padres de la danza moderna.

ciertos temas más conflictivos, como la muerte, la guerra o la desesperación.

Rudolf Laban (1879-1958) Austria.

Isadora Duncan (1877-1927) Estados Unidos Considerada la madre de la danza moderna.

Fue el precursor de la danza moderna alemana y en el origen del expresionismo alemán, creó un refinado sistema para registrar gráficamente el movimiento (la Notación Laban) y un método de exploración y análisis, que incluye el estudio del espacio en relación al cuerpo, la calidad energética del movimiento y la integración cuerpo-mente. Analizó e investigó los patrones de movimiento hasta el punto de llegar a desarrollar un método para describir y anotar movimiento. Estudió un amplio espectro de su sociedad, personas de todas las edades y profesiones, no sólo gimnastas o bailarines. Estudió el movimiento en torno a cuatro características. El Cuerpo, describiendo la estructura y las características físicas mientras se mueve. El Espacio, cómo se mueve el cuerpo en relación a las formas y direcciones del espacio El Esfuerzo: Llamado también Dinámica, referido a la intención o calidad del movimiento. La Forma, la forma externa y visible que adquiere el cuerpo mientras se mueve. Laban pensaba que si la música y el lenguaje podía escribirse, entonces sería posible transcribir el movimiento. El Análisis Laban provee un vocabulario sistemático para describir movimiento aplicable a la danza, los deportes, el teatro, la danza terapia, la psiquiatría, la antropología incluso la sociología. Mary Wigman (1886-1973) Alemania Después de sus estudios con Dalcroze y Laban, Wigman decide desarrollar al igual que los poetas y artistas expresionistas de su época, una experiencia de arte basada en la visión personal del creador. Siguiendo esta filosofía, Wigman empezó a crear sus piezas de danza donde se expresaba las percepciones y sentimientos del bailarín mediante un lenguaje orgánico y natural. Wigman pensaba que en la danza no existen movimientos feos ni grotescos, si no movimientos que nacen de un ritmo natural de las emociones. Veía la danza como una forma de expresión cuyos movimientos nacen de una base emocional. Creó así la danza expresionista. Este tipo de danza y Su filosofía ejercieron cierta influencia en la danza moderna americana, mediante la labor de algunas de sus discípulas como Hanya Holm. En sus coreografías que presentó en Europa y en Estados Unidos, Wigman no se centraba en contar una historia, prefería explorar mas profundamente

A los diez años abandonó la escuela para dedicarse a su pasión, la danza y a los diecisiete se dirigió a Nueva York, donde se incorporó a la compañía de Agustin Daly. Al actor y empresario no acabaron de convencerlo los experimentos e innovaciones de Isadora, por lo que abandonó la compañía dos años más tarde y partió con su familia hacia Inglaterra, en busca de nuevos conocimientos y posibilidades. Creía firmemente que la bailarina podía ser creativa y expresar lo que sentía. Rechazó las estructuras fijadas del ballet clásico. Para ella la danza debía liberar el cuerpo, no encorsetarlo, localizando el origen del movimiento en el plexo solar. Eligió ropas vaporosas y ligeras como reivindicación de la sensualidad del cuerpo de la mujer. Su mayor inspiración fueron la pasión, el arte griego y la naturaleza, decidió bailar descalza, sus pies en contacto con el suelo generaron movimientos naturales, orgánicos, fluidos y libres. Luchó contra todo tipo de obstáculos, fue ampliamente criticada pero aun así los éxitos comenzaron a llegar de forma inmediata. Dio una serie de recitales en Londres que despertaron el entusiasmo hacia su persona y, finalmente, triunfó. Ya alcanzada la fama, fundó varias escuelas de danza por Europa y se hizo cargo de diestras bailarinas como Martha Graham y Mary Wigham. Se convirtió en uno de los iconos del siglo XX. En su autobiografía, titulada Mi vida, escribió: “Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas...” Ruth St. Denis (1879 -1968) Ruth Saint Denis junto a su compatriota la bailarina Isadora Duncan está considerada como la fundadora del ballet moderno en Estados Unidos. Ruth se interesó mucho por las culturas orientales, en el drama y la danza de Japón, India y Egipto. Inspirada en la cultura y mitología de la India creó danzas que incorporaban elementos orientales a las occidentales. Se casó con el bailarín Ted Shawn (1891-1972) y fundaron la primera escuela de danza Denishawn, donde crearon variantes de muchos estilos de danzas, enriquecieron el vocabulario y ampliaron las posibilidades de movimiento. Esta escuela se convirtió en una de los primeras escuelas de danza moderna en Estados Unidos. Buscaba expresar las emociones y los conflictos humanos, pensaba que la danza era una expresión espiritual, donde se respetaba la individualidad y la experimentación del bailarín. Muchos bailarines famosos en la historia de la danza moderna, como Martha Graham y Doris Humphrey, estudiaron en esta escuela atraídos por su forma de ver la danza y al bailarín.


Doris Humphrey (1895-1958) Estados Unidos, Al contrario que el resto de su generación, Doris Humphrey tuvo una amplia y fuerte educación dancística desde muy niña. Proveniente de una familia de músicos, basó su formación artística en la danza clásica pero 1.918 entra en la Compañía de Ruth St. Denis. Durante 10 años como bailarina principal.

Martha Graham (1894-1991) Martha Graham se formó en la escuela de danza Denishawn de Los Ángeles, donde tuvo como profesores a Ted Shawn y Ruth Saint Denis. En 1923 se trasladó a Nueva York e intervino en diversas producciones de Broadway entre otra cosas. En 1926 fundó su propia compañía y empezó a preparar sus propias coreografías.

uno de los aspectos básicos de esta técnica es la caída y recuperación como eje de trabajo. Investigó el cuerpo y la lucha contra la gravedad, entre el equilibrio y el desequilibrio, lo que representaban para ella el instinto de supervivencia y la muerte.

Desde el principio Martha Graham rehuyó la exuberancia de las producciones de Denishawn y prefirió la sencillez tanto en el vestuario como en la escenografía; su peculiar línea de danza, de movimientos severos y angulosos, causó al principio rechazo, pero su fuerte expresividad le dio pronto adeptos incondicionales. A la vez que creaba sus coreografías, desarrolló su propia técnica con la que formó a sus bailarines.

Basó sus más de 100 obras de danza en la complejidad de las relaciones humanas en el hombre y la mujer, sus luchas, sus aspiraciones. El suyo es un constante mensaje de esperanza , solidaridad y armonía social en el que todos unen sus esfuerzos hacia un mundo mejor.

Si en el ballet clásico uno de los propósitos básicos era ocultar el esfuerzo, ella lo hacía visible porque “es parte de la vida” . De esta forma, todo el abanico de sentimientos quedaba representado: odio, amargura o éxtasis eran transmitidos con un solo gesto.

Aquellos que han bailado o conocen sus coreografías coinciden en cómo todas ellas revelan una sensibilidad musical extraordinaria, especialmente en lo que respecta a la calidad rítmica.

Graham quiso alejarse de la fluidez y cualidades aéreas del ballet. Quería expresar las emociones humanas más fuertes, liberarlas, observando cómo el dolor y el sufrimiento se manifiestan en el cuerpo

Mas tarde crea una escuela y una compañía propia junto a su partenaire Charles Weidman,

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humano. Para ello uso el torso como eje central en la expresión de las emociones. Utilizo los principios de la contracción y relajación muscular. Las contracciones se inician en la pelvis. Este movimiento viaja por toda la espina dorsal, desde la pelvis hasta el cuello y la cabeza. La relajación o “release” en la técnica Graham es la otra cara de la contracción. Todas las contracciones y la relajación en la técnica Graham se coordinan con la respiración. La parte abdominal funciona como una fuente de energía, la pelvis como lugar de inicio para todo, usa las fuerzas encontradas, las espirales y el trabajo en el suelo es también muy importante. La compañía de baile Martha Graham es la compañía de baile más antigua en Estados Unidos “Lo que busco de un bailarín es su avidez, su voracidad por la vida....una memoria de sangre, en el sentido de que pueda extraer de su vida más de lo que realmente ha vivido. Tiene que haber voluntad por explorar sentimientos desconocidos y atreverse a sentirlos. Esto puede parecer aterrador pero hay que hacerlo porque no existe otra opción”. Martha Graham (1894-1991) Erick Hawkins (1909-1994) EEUU La Grecia clásica fue una de sus mayores influencias en su trabajo como también los nativos americanos y el Zen. Estudió la danza expresionista alemana, bailó en el American ballet y conoció a Marta Graham en 1938 cuando ella lo convocó como artista invitado. Fue el primer hombre que ingresó en su compañía e interpretó los papeles principales con Marta Graham. Cuando abandono la compañía de Graham en 1951, formó su propio grupo y comenzó a desarrollar su propio estilo. Su técnica evitaba la artificialidad del ballet y la tensión característica del movimiento de Marta Graham. En lugar de esto resaltaba la necesidad de libertad y fluidez en el movimiento. El creía que el arte debía llevar al público a la iluminación, al Zen. La búsqueda de la armonía y la belleza fueron las principales motivaciones de sus coreografías.

Muchas de sus obras celebraban la belleza del cuerpo humano desnudo, la sensualidad e incluso el erotismo. Sostenía que había que “permitir al cuerpo moverse por si mismo” sin tensión. Su intención fue dar al bailarín un entrenamiento que no causara lesiones, incorporó en su técnica conocimientos como la kinesiología y disciplinas espirituales del oriente.

Amelia Caravaca Estudio de Danza Amelia Caravaca www.estudiodedanzaameliacaravaca.es

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“Hago mis fotos de danza porque me gusta y para ayudar a los bailarines difundiendo su trabajo a través de las publicaciones que hace años creé a tal fin: el portal de danza ETER.COM y esta revista, EDANZA. Nunca las regalo. Nunca las regalo por respeto al trabajo de los fotógrafos que intentan vivir vendiendo sus obras y, porqué no decirlo, tambien por respeto a mi trabajo. Si te gusta una foto mía no la desprecies/deprecies pidiéndome que te la regale porque nunca lo voy a hacer. Y si no te gusta tanto como para darle un valor ¿de qué estamos hablando? Siempre estoy dispuesto a hacer y publicar fotos de un espectáculo cuando me lo piden. Pero pido respeto para mi trabajo.”

Emilio Tenorio


CafĂŠ-Teatro Scaena

Texto y fotos: Emilio Tenorio


Scaena, primer y único Conservatorio Profesional de danza privado de Madrid y Escuela Superior de Arte Dramático-Teatro Musical, cuenta con un excelente elenco de profesores. Esto se refleja en el increíble crecimiento artístico de sus alumnos. Yo, privilegiado con la amistad del centro, lo voy constatando cada vez que soy invitado a sus “Cafés teatro”. Me gusta comprobar como alumnos que hace un par de años, recién llegados a Scaena, salían airosos de sus primeros retos del escenario, hoy suben a escena dominando las tablas con seguridad. Ya no me extraña ver a menudo los nombres de antiguos alumnos en los elencos de musicales o series de televisión. Y voy acostumbrándome a ver que, siendo todavía alumnos, también son contratados para intervenciones puntuales en series televisivas o en pequeños musicales que triunfan y giran por toda España. Por algo será. El hecho de que este Centro cuente en sus instalaciones con un escenario dotado profesionalmente y que los alumnos puedan utilizarlo para montar piezas de danza, teatro, canto, teatro musical… independientemente del curso en el que están, da alas a la creación y cada vez que me acerco a Scaena veo mejores trabajos. Los “Cafés teatro”, espectáculos creados por los alumnos que se programan periódicamente, dan la oportunidad de presentarse ante un público amable pero crítico, formado por los parientes de los que participan en escena. En esta ocasión el hilo que ha articulado la obra ha sido un supuesto casting cuyo jurado ha ido dando paso a las diferentes piezas, con momentos teatrales muy divertidos entre pieza y pieza. Quiero en esta ocasión mencionar a Yanira Vallejo Blázquez, que ha intervenido en la obra a pesar de estar convaleciente y con una pierna escayolada. Una profesional, sin duda, con una bonita voz y grandes dotes de interpretación de la que espero mucho en el futuro. Felicito a Carmen Roche y a su equipo docente por el excelente trabajo que hacen por la escena desde la calle Coslada de Madrid.


centro de danza KAREN TAFT

desde 1949

Danza Clásica Contemporáneo Jazz - Hip Hop Contact-Improvisación Ballet y Jazz para Niños Tap o Claqué Estiramientos y Pilates Interpretación, Yoga Bailes de Salón Talleres etc.

c/Libertad 15,  28004  Madrid   Tlfs:  915  228  440/915  222  087   Fax:  915  310  005   #are'ta)E#are'ta)"c+,   Dirección: Jaime Segura Administración: Encarna Moreno Profesorado: Olga Escobar, Rebeca Ortega, Natalia Burgos, Urielle Perona, Barry Burgess, Francesc Bravo, Cristiane Boullosa, Jaime Urciuoli, Bárbara Fritsche, Yolanda Molina, Begoña Jiménez, Carlos H. Alves

!!!"#are'ta)"c+,


Con Helena Berrozpe y Francesc Bravo 38

Texto: Yolanda López Cota Fotos: www.emiliotenorio.com Esta vez os contaré lo que hemos visto Desde Dentro de un ensayo en el Centro de Danza Karen Taft con Helena Berrozpe y Francesc Bravo que hace poco representaron “Dos Solos Solo y lo demás Improvisado” en la sala Nave 73. Dirigen las compañías La Clá, Helena, y Rayo Malayo, Francesc, juntos crean algo mágico. Con Helena y la compañía La Clá hicimos un Desde Dentro hace algunos meses y sigue tan encantadora como aquella vez. Dos grandes figuras de la danza contemporánea que juntos crean vida y movimiento. Gracias a Francesc y a Helena por aceptarme como una más. Hicimos primero un calentamiento que fue todo un placer para el cuerpo y para la mente y a continuación una improvisación que disfruté tanto participando de ella como viendo a Helena y a Francesc en acción. Se veía la danza en estado puro, movimiento, fluidez, naturalidad, expresivi-


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dad, belleza… Salí de allí con energías renovadas y con ganas de más.

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El Contact Improvisación es una técnica de danza en la cual se explora el movimiento a través de la improvisación a partir de puntos de contacto físico. Esta técnica surge en los años 70 en Estados Unidos, cuando Steve Paxton guía la primera performance conocida como Contact Improvisación, se llamó Magnesium, tomando elementos tanto de la danza moderna como de otras disciplinas, como por ejemplo el Tai chi. Los bailarines se concentraban en la percepción interna del movimiento y en el contacto con el otro, rompiendo así con las formas y rutinas definidas. Este tipo de danza se basa en jugar con las leyes del movimiento de Newton y en comunicarse a través del contacto. Les deseo lo mejor tanto en sus proyectos juntos como en los que tienen por separado, y de nuevo muchas gracias a los dos por su simpatía y al Centro de Danza Karen Taft por dejarnos hacer este reportaje.


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“Danzad, danzad, o estaréis perdidos II” Sandra Carbajo Bueno/Madrid ¿Cómo surgió?

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La Danza Movimiento Terapia surgió en EEUU en los años 40. Marian Chace, bailarina contemporánea y coreógrafa estadounidense comenzó a interesarse por aquellos alumnos que acudían a bailar únicamente por afición sin tener un objetivo profesional. Chace observaba sus movimientos y adecuaba sus enseñanzas a las necesidades individuales, además de focalizar las clases en la integración del cuerpo y sus movimientos, consiguiendo así una armonía personal. Su modo de desarrollar las clases se difundió de tal manera que en 1942, el hospital psiquiátrico St Elizabeth Hospital de Washington D.C, una gran institución federal donde acudían numerosos veteranos de guerra, la invitó a impartir en el centro su método de enseñanza. De esta forma nació la DMT como terapia grupal. Marian Chace estructuró una serie de elementos creando una nueva intervención terapéutica en pacientes esquizofrénicos y psicóticos antes de la invención de los medicamentos psicotrópicos. Estos elementos establecieron las bases de la DMT dando lugar al nacimiento de la American Dance Therapy Association (Asociación Americana de Danzaterapia) en 1966 de la que Chace fue su primera presidenta.

bailarina y mimo suiza que recurrió a las exploraciones creativas y al juego natural, y las bailarinas Blanche Evan, Liljan Espenak, Alma Hawkins, Irmgard Bartenieff, Norma Canner y Elizabeth Polk las cuales también aportaron nuevas ideas y formas de actuar en diferentes marcos y con poblaciones diversas. Todo ello provocó que la disciplina psicoterapéutica de la DMT se extendiera por hospitales e instituciones psiquiátricas, prácticas privadas, cárceles, centros educativos, etc. obteniendo de esta forma, el reconocimiento de la profesión a todos los niveles. No obstante, esta disciplina nunca hubiera surgido si Freud no hubiese propuesto su estructura psíquica. El descubrimiento del inconsciente, la interacción entre la psique y las emociones, la conexión cuerpo-mente y el crecimiento de la psicoterapia como forma de tratamiento permitieron que los bailarines y sobre todo, las bailarinas, observaran el movimiento humano desde un prisma diferente. Éstas cuestionaron el valor de la danza sobre el cuerpo y entendieron el movimiento como un modo de exploración a nivel interno.

Marian Chace introdujo el cuerpo y el movimiento creando un nuevo método terapéutico

Otras figuras importantes que ayudaron a configurar esta disciplina fueron la bailarina estadounidense Mary Starks Whitehouse la cual se basó en el concepto de ‘imaginación activa’ y en el movimiento espontáneo de sus pacientes. Trudi Schoop,

Asimismo el nacimiento de la danza contemporánea a principios del siglo XX logró abandonar el virtuosismo de la danza clásica en la cual primaba la belleza exterior, dejando paso a una forma de danzar radicalmente distinta. El bailarín podía expresar sus emociones, sus pensamientos más profundos, su mundo íntimo. Ya no primaba cuánto levantaba éste la pierna o la representación de un personaje ajeno. El bailarín contemporáneo se representaba


a sí mismo, bailaba descalzo y disfrutaba de una total libertad creadora. El contemporáneo supuso la aparición de una danza personal donde el bailarín exploraba su cuerpo sin prejuicios ni límites. “Es ese descubrimiento de que la danza podía servir como conexión al mundo interno, lo que favoreció al surgimiento de la Danza Movimiento Terapia”, explica Marta Soria. Marta Soria Frisch, catalana de nacimiento es ingeniera técnico industrial, danza movimiento terapeuta desde hace 10 años y miembro registrado de la Asociación Danza Movimiento Terapia Española (ADMTE). Actualmente trabaja como danzaterapeuta en sesiones privadas e imparte talleres de crecimiento personal. Marta descubrió la danza a los siete años y desde entonces no ha parado de bailar. En 2001, formó una compañía de contemporáneo, Léucade donde ella bailaba y coreografiaba. Sin embargo, en 2010 abandonó la compañía para centrarse en la Danza Movimiento Terapia. El baile ha sido un punto vital en la vida de Marta. “La danza en mi vida ha sido súper importante. Me ha ayudado mucho a solucionar problemas, a sentirme mejor, a darme más energía. Por ello, siempre he estado compaginando mi trabajo de ingeniera con la danza”, afirma la danzaterapeuta. Aparte de su pasión por el baile, Marta tiene una profunda vocación de apoyo hacia los demás e interés por la salud mental. “Hubo un momento en mi vida que también buscaba hacer algo relacionado con la danza y el poder ayudar a las personas”, expresa. Esa necesidad se vio solventada en el año 2002 cuando descubrió que la Universidad de Barcelona ofertaba un máster en Danza Movimiento Terapia. Realizó el curso introductorio y la entrevista con la directora para finalmente, ser aceptada en el posgrado.

aunque también se hallan en el de la psicología, el deporte, la actividad física o la enseñanza. Wengrower manifiesta además que el danza movimiento terapeuta debe ser dúctil y perceptivo con los pequeños detalles, capaz de improvisar, responder y saber cuáles pueden ser las diferentes vivencias en una experiencia kinética (movimiento del cuerpo humano en su sentido más amplio: emocional, mental y energético). Por tanto, “la DMT engloba tres principios básicos. 1) La concepción del ser humano como unidad indisoluble “cuerpo-mente”. 2) El potencial terapéutico del proceso creativo por medio de la danza y el movimiento, y 3) el trabajo que se realiza dentro del marco de una relación terapéutica”, concluye Hilda Wengrower. Es importante aclarar que el dmt no enseña ni transmite sino que acompaña y propone. Marta Soria explica que el dmt es un acompañante del proceso creativo en el cual la persona puede utilizar el cuerpo para conocerse mejor, para conectar con su inconsciente, para expresar determinadas emociones o pensamientos que quizá con palabras no puede expresar. El terapeuta se encuentra allí para guiarle en ese proceso de autoconocimiento. Éste debe ser capaz de tolerar la incertidumbre que produce la incomprensión ya que según Freud, “las más complejas actividades de pensamiento pueden producirse sin que la conciencia tome parte de ellas”. La dmt y analista jungiana Joan Chodorow explica que por este motivo, la Danza Movimiento Terapia está estrechamente relacionada con la imaginación y las experiencias interactivas, así como con la dinámica de la proyección de la “sombra” o el inconsciente. Es decir, la DMT está ligada tanto a la imaginación empática, aquel mundo de fantasía que todos tenemos con respecto a los demás, como a la imaginación autoreflexiva, el famoso “conócete a ti mismo” del Oráculo de Delfos.

El danzaterapeuta es un acompañante en ese proceso de autoconocimiento

Este máster que ahora oferta la Universidad Autónoma de Barcelona, consiste en dos años de estudio en los que se combina el aprendizaje teórico con la práctica a un nivel vivencial. “Cuando digo vivencial, me refiero a que no sólo miras en los libros la teoría psicológica sino que experimentas en tu propio cuerpo los ejercicios para luego hacer las prácticas con población”, aclara Marta. El danza movimiento terapeuta El dmt (danza movimiento terapeuta) es un profesional completo con amplias y variadas competencias que abarcan desde conocimientos en psicología y psicoterapia hasta lo que la danzaterapeuta Hilda Wengrower denomina “lenguajes movimiento”: diversas formas y estilos de danza, técnicas corporales, una muy buena conciencia de sus movimientos y manejo del cuerpo. Debido a esto, la mayor parte de los dmt proceden del mundo de la danza

Por este motivo, algo que todos los dmt han de seguir es su análisis personal, su psicoterapia y la supervisión de los casos clínicos. “Eso es fundamental porque si no te puedes encontrar abrumado por una situación en la que ni siquiera sabes por dónde seguir. Necesitas que alguien desde fuera te facilite otra visión”, admite Rosa Mª Rodríguez. En ocasiones, el paciente puede remover emociones al terapeuta pero gracias a su análisis personal y la experiencia adquirida a lo largo de su vida profesional, éste es capaz de utilizar las emociones para empatizar con el otro colocándose en una posición donde el psicoterapeuta sea el acompañante, la ayuda.

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TOM (Tiempo, Oscilación, Movimiento). Compañía de danza contemporánea y teatro físico. Sabela Mendoza Fernández Fotos: Emilio Tenorio

Hace varios años que tengo la suerte de formar parte de una escuela de danza, el Estudio de Danza Amelia Caravaca, en la que se hace mucho más que recibir clases. Digo que formo parte porque es así como lo siento, como un lugar familiar en el que todos los alumnos y alumnas somos una pieza más de un mismo proyecto, de una forma de entender y vivir la danza. ¿Cuál? Pues aquella forma que le hace feliz a cada uno. Ni más ni menos.. Además, la escuela funciona como espacio de creación, contando con la Compañía TOM de danza contemporánea como compañía residente en la escuela. “Muestras Nuestras” en el Ateneo de Madrid El Estudio de Danza Amelia Caravaca es un espacio bastante reciente en Madrid, pero que va dejando huella. O al menos eso es lo que sentimos los y las que estamos dentro del Estudio: que nos deja huella. La sorpresa me la llevé el el viernes 21 de marzo , cuando fui a ver “Muestras nuestras” de la Cía TOM, al encontrarme con una propuesta que reflexiona sobre la huella que las clases dejan también sobre las maestras. Amelia Caravaca y Alejandra Illmer forman un dúo de trabajo y creación en el Estudio de Danza Amelia Caravaca, las dos enseñan danza contemporánea y a lo largo del año

crean y experimentan en las clases. El proceso de enseñanza y aprendizaje es en gran parte proceso creativo, en el que profesoras y alumnos se influyen mutuamente. Sacar al escenario todo este trabajo de aula es una apuesta diferente y generosa: dos creadoras reconocen la importancia del diálogo con los alumnos en su trabajo coreográfico. Y es que todos los maestros, antes de maestros, han sido alumnos. Y casi todos los coreógrafos, además de creadores, son al tiempo profesores. Olvidar esa fase es tanto como perder una parte de la biografía, es como no contar toda la historia, y sin embargo parece que debiera dar vergüenza reconocerla (no solemos encontrar ningún reflejo en los escenarios). “Existen muestras críticas, muestras liberadoras y catárticas, también muestras disciplinadas, formalidades y excentricidades clásicas, muestras digeribles y picaditas… Queja y reivindicación de lo que entendemos por danza: forma de arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo como una forma de expresión… y ya.” (Cía TOM) “Muestras nuestras” es una sucesión de piezas coreográficas de distintos estilos por los que van transitando las dos intérpretes, que nos pasean desde

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el contemporáneo y el contact hasta un arranque por bulerías, con los correspondientes cambios de música y de vestuario, amenizados por un par de diálogos a modo de reflexión o de declaración de intenciones, que conectan a las bailarinas con el público y ayudan en la transición de un estilo a otro, en el acompañamiento de la historia que nos están contando (la historia de sus muestras). Algunos de esos cambios de ritmo van acompañados de proyecciones (incluida una “desconexión” con la escuela que da voz a los alumnos y alumnas). Podría parecer un festival de fin de curso protagonizado por las profesoras de una escuela, pero no lo es. Podría parecer un muestrario de estilos, pero tampoco. Cada muestra es un capítulo y al salir de allí sentimos que hemos asistido a una narración completa. Es más bien un decálogo de impulsos creativos, de todos aquellos trocitos de la realidad que arrastran a bailar y a crear una pieza: un estilo de ánimo, una música, un instinto, un sentido tan básico como el olfato, una amistad, una admiración, un enfado con un alumno, un ritmo, una idea, una rabia o una alegría. Todo impulso nos puede llevar a bailar y si lo escuchamos de verdad, la danza que resulta de él será siempre diferente. Cuando la danza se siente como forma de vida, puede haber tantas “muestras nuestras” como momentos y estados de ánimo. Hay momentos de interpretación, momentos de soledad y momentos de compañía. Hay seriedad y respeto por la profesión, pero también hay crítica, sátira y una mirada de humor hacia la rigidez en la enseñanza, hacia los esquemas fijos, hacia el narcisismo y la adulación por el maestro. Pero sobre todo hay ganas de pasárselo bien. De bailar y ya. Porque hay que reconocerlo: ¿a quién no le gusta “bailar y ya”? ¿no es en esos momentos de “bailar y ya” cuando sentimos la danza más propia? ¿y por qué no le vamos

a rendir homenaje a esto y sacarlo al escenario, sin más ambiciones? He visto “Muestras nuestras” como un homenaje-protesta-celebración de la enseñanza y el aprendizaje de la danza, de los dos lados que intercambian, el profesor y el alumno, y de un proceso que en realidad nunca termina, porque siempre seguimos aprendiendo. Está hecho con la generosidad del profesor que disfruta de enseñar a los otros sin dirigir, sino compartiendo para ver qué sale. “Muestras nuestras” es una de las primeras creaciones de la Cía TOM, que ya se había estrenado en el Teatro Pradillo en marzo de 2013, pasando después por el VIII festival internacional de Danza Contemporánea y Artes del Movimiento de Ciudad Real. En el Ateneo de Madrid, TOM presentó el mismo programa con alguna novedad, como los solos de Antonio Jiménez y Haizam Abdalla, nuevos integrantes de la Cía que se suman a Amelia Caracava, Alejandra Illmer (coreografía) y a Sergio Urcelay (música) con la participación también de Pepe Rodríguez. TOM prepara ahora su próxima pieza, sacando jugo a todos esos ratos libres entre clase y clase del estudio. Atentos a la creación que se cocina en las escuelas, es la que más ingredientes tiene. Con motivo del estreno de “Muestras Nuestras” en el Ateneo de Madrid, charlo con una de las directoras y fundadora de TOM, Alejandra Illmer, que nos cuenta más detalles de TOM, su nacimiento y su proyecto. Sobre la Compañía “La compañía da danza contemporánea y teatro físico TOM nace en el año 2010 con Alejandra Illmer y Llanos de Miguel como directoras y coreógrafas, con la idea de crear una compañía que no solo baile sino que fusione otras técnicas como el teatro o


la música. Así comienza la historia TOM, creando el primer espectáculo “Esferas”. Ese mismo año la compañía TOM da un vuelco a su concepto escénico e integra a Amelia Caravaca como bailarina y a Sergio Urcelay como músico, con los que crean su primera pieza en conjunto ,“Muestras Nuestras”, pieza de danza contemporánea y teatro. La compañía se caracteriza por fusionar distintas ramas de la danza contemporánea como el contact improvisación, partnering, hip-hop, oriental…, además del encuentro con el teatro y la música. Desde entonces ha comenzado una historia de amistad profesional mezclando las técnicas de danza y teatro dentro de un contexto visual, con la intención de generar un espectáculo fusión y creativo dentro del arte escénico. Utilizamos un lenguaje de comunicación claro y apto para todos, no creamos textos listos para digerir, trabajamos el concepto desde la raíz y lo mostramos tal y como se nos antoja. Nos gusta indagar en la construcción de personajes con verdad y sobre todo que entren en el espectador, que se incrusten en su alma mientras dure la función. Actualmente la dirección, coreografía y composición musical de la compañía TOM está compuesta por Alejandra Illmer, Amelia Caravaca y Sergio Ur-

celay. Que junto con Antonio Jiménez (Bailarín), Haizam Abdalla (bailarín), Pepe Rodríguez (Músico), Nuria López (Regidora), conforman TOM.” Por qué “TOM”, Tiempo – Oscilación – Movimiento “Necesitaba un nombre que fuese corto, pero que golpeara, que fuera seco, que quedara…Un nombre con el que me identificara. Después de darle vueltas con Llanos, pensé en TOM porque no paraba de pensar en siglas que tuviesen importancia para mí como el tiempo en la danza, en la música y en la vida. La oscilación la llevo siempre a la música y el movimiento como la escencia de la danza. Ahora es importante destacar que esas definiciones se han refinado, puntualizado. En palabras de Sergio Urcelay, TOM se define así: Tiempo: es una variable… Oscilación: es la variación en el tiempo de un movimiento Movimiento: es una variable en el tiempo Básicamente la vida…” Sabela Mendoza Fernández www.acuerpodebaile.com

TOM “Muestras nuestras” Viernes 21 de marzo y sábado 22 de marzo, 20,30 h.
 Ateneo de Madrid Duración aprox.: 40 minutos

 Sergio Urcelay, Alejandra Illmer, Amelia Caravaca, Antonio Jiménez, Haizam Abdalla y Pepe Rodríguez

Alejandra Illmer es bailarina de Danza Contemporánea y actriz, especializada en Danza Contact Improvisación y teatro físico. Se forma en la Escuela de Teatro Físico de Gustavo Meza y estudia Danza Contemporánea en diferentes centros de Chile y España, con Marcela Escobar, Anne Morin, Carmen Werner, Cristian Espejo, Iñaki Azpillaga... Nombrada como mejor dúo y mejor dirección con la obra “Animación Suspendida” y su vídeo-danza fue seleccionado por Chile para representar a su país en el FIVD UARCIS en Shangai. Actualmente trabaja en varios proyectos artísticos en Madrid, como la cía TOM o el proyecto “Danza a dos metros”, que también desarrolla junto a Amelia Caravaca (proyectos de encuentros con la danza destinados a la difusión y educación, que desde octubre de 2012 se presenta al público en el Estudio de Danza Amelia Caravaca). Bailarina y coreógrafa, Amelia Caravaca es Directora y docente del Estudio de Danza Amelia Caravaca. Licenciada en Biología por la Universidad Autónoma de Madrid, Especialidad Biología Ambiental, es también Guía del Real Jardín Botánico de Madrid. (CSIC), faceta que compagina con su trabajo como Directora de su propio estudio e Danza. Durante sus años de formación, estudia diversos estilos de Danza, especializándose en la Danza Contemporánea y con un interés especial por los estilos orientales, formando parte de la Cía de Danza Fusión Oriental Patricia Passo (2007-2010). En 2013, colabora también como bailarina solista en un proyecto de videoarte de Laura y Sira Cabrera, seleccionado en festivales de arte contemporáneo. www.estudiodedanzaameliacaravaca.es


La danza, la gran ausente en el manifiesto de la Plataforma en Defensa de la Cultura Texto:Sara Antequera Fotos: Emilio Tenorio

El pasado sábado 9 de marzo, la Plataforma en Defensa de la Cultura organizó un acto para reivindicar la dignificación de la cultura y su accesibilidad por parte de todos los ciudadanos. Durante más de tres horas, pudimos recorrer el tramo que separa Recoletos de la plaza de Cibeles, disfrutando de una pequeña muestra de las diferentes expresiones artísticas y como colofón, asistir a la interpretación en directo de “El coro de los esclavos” de la Ópera Nabucco (de Giuseppe Verdi), frente a la Puerta de Alcalá. La Plataforma, formada por más de 90 asociaciones culturales y ciudadanas, nació el pasado mes de noviembre de 2013, con la finalidad de ofrecer un espacio de reflexión y acción al conjunto de la ciudadanía y los diferentes agentes culturales, en respuesta a la necesidad de atender al sector de la cultura, cada vez más desprotegido en nuestro país. Así, con el lema “Cultura somos todos”, la organización del acto, que congregó a miles de personas, contó con la colaboración de artistas de diferentes ámbitos culturales, profesionales técnicos, voluntarios, miembros de la Plataforma y, por supuesto, la propia ciudadanía. Entre sus reivindicaciones encontramos la reducción del IVA cultural; la no privatización de los espacios culturales de uso público; la accesibilidad y calidad de la cultura dirigida al conjunto de la ciudadanía; frenar la constante pérdida del patrimonio histórico y cultural y, el reconocimiento de los representantes de los diferentes ámbitos culturales como interlocutores en el desarrollo y la elaboración de las leyes que afecten directamente a este sector. Tres horas donde pudimos disfrutar de una pequeña representación de sectores culturales como: el arte circense; el teatro; la literatura, a través de la lectura de poemas de diferentes autores; la música, a través de diversos estilos y de la mano de artistas como Kiko Veneno o Manuel Clavijo –éste último cada vez más reconocido en la escena musical madrileña- o la danza, que nos dejó una cadena de baile donde entre otros, encontramos dos Premios Nacionales muy comprometidas con el sector de la danza: Teresa Nieto y Mónica Runde. El acto final tuvo lugar sobre un escenario situado frente a la Puerta de Alcalá, donde pudimos escuchar a la portavoz de la Plataforma, Alicia Torija, afirmando que “sólo la cultura da libertad y proporciona pensamiento crítico y capacidad de

reflexionar sobre uno mismo”. Posteriormente se leyó el manifiesto de la Plataforma de la mano del cantante Miguel Ríos, la soprano Pilar Jurado y de dos niños, estos últimos en representación del futuro de la cultura. Sin embargo, los momentos más especiales los protagonizaron los músicos y los cantantes, interpretando “Todos somos música” y, el esperado “Va pensiero” de Verdi. La interpretación corrió a cargo de una Orquesta formada por músicos de diferentes agrupaciones y dirigida por el Director Miguel Sanz; mientras, en los coros encontramos a ciudadanos anónimos y también a profesionales dirigidos por Antonio Pallarés. Sólo remarcar que, a pesar de la gran calidad de las actuaciones, el elenco de artistas no se correspondió con lo expuesto en la web de la Plataforma, que había anunciado la actuación de la Orquesta Sinfónica y el coro de Ciudad Real, dirigidos por Luis Cobos y con un acompañamiento de 1.200 voces. El punto más dramático del acto, sin embargo, lo encontramos en el contenido del propio manifiesto de la Plataforma (http://endefensadelacultura.org/category/manifiesto/), que sólo nombra el teatro, la música y las artes plásticas y visuales, dejándose en el camino otras disciplinas del ámbito cultural como la danza, las artes circenses, la literatura, la fotografía, la arquitectura, etc. Centrándonos en la danza, parece que seguimos ante una disciplina olvidada y poco valorada en este país, que sigue viendo como grandes bailarines, coreógrafos y directores deben emigrar para buscar un futuro mejor. Además, nos consta que la

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información tampoco llegó a todas las academias privadas de danza de la Comunidad de Madrid, algo que hubiese favorecido a una mayor asistencia al acto. No obstante, tras la publicación del artículo en el portal ETER.COM, la Plataforma se pronunció y dejó claro que, a pesar de la poca ayuda que están recibiendo, ellos seguirán adelante con un proyecto que busca representar a todos los sectores de la cultura; aunque para ello, insisten en la necesidad de colaboración de todas las partes implicadas. Es de agradecer que surjan estos movimientos para salvaguardar la cultura en nuestro país y, en concreto, esta plataforma supone una esperanza para un sector cada vez más castigado. Esperemos que se vayan subsanando todos estos defectos de fondo y forma y nos concienciemos de la importancia de la cultura en nuestra sociedad; un reto que requiere de la colaboración entre los diferentes agentes culturales, la ciudadanía y las instituciones con poder sobre las normas y leyes que afectan al sector cultural español.


¿QUÉ ES LA CREATIVIDAD? Mª José Tenorio

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La palabra creatividad es uno de esos conceptos que todos conocemos, pero que son difíciles de definir y sobre los que no existe un consenso en la literatura académica. Aunque hoy en día goza de muy buena prensa y es una palabra que se toma en sentido positivo, no siempre ha sido así. En la Edad Media era una noción blasfema y en el siglo XIX no era un término popular. Es a partir del siglo XX cuando la palabra comienza a aplicarse progresivamente en el sentido del infinitivo CREAR, del latín creare: ‘producir algo de la nada’, haciendo alusión a la ‘facultad de crear’ o la ‘capacidad de creación’ del ser humano. La creatividad es la habilidad de hacer comparaciones y analogías; de yuxtaponer elementos o ideas que por lo común no van juntas; de detectar patrones escondidos, conexiones en las cosas. Esto es así porque, desde un punto de vista evolucionista, los humanos sentimos cierta ambivalencia hacia los cambios. Por una parte los apreciamos porque ello nos ha permitido adaptarnos de forma espectacular a todos los entornos en los que hemos vivido y, por otra, mostramos ciertas resistencias porque siempre vienen asociados a incertidumbre, inestabilidad, desorden y dificultan la predicción y el control del entorno. Es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por la originalidad, el espíritu de adaptación y el cuidado de la realización concreta. Este proceso puede ser breve, como una improvisación musical o muy largo como los años que precisó Darwin para crear su teoría de la evolución. La verdadera creatividad ha de cumplir al menos tres condiciones: 1) Implica una idea o respuesta nueva o estadísticamente muy infrecuente. 2) La idea debe adaptarse a la realidad: solucionar un problema o alcanzar una meta. 3) Es preciso que esta idea sea evaluada y desarrolla hasta su aplicación final.” MacKinnon (1960) ¿CÓMO SURGE LA CREATIVIDAD? Cada uno de los dos hemisferios cerebrales es responsable de una forma diferente de pensamiento. La diferencia de competencias entre los dos hemisferios cerebrales parece ser exclusiva del ser humano.

La mayoría de las personas muestra una preferencia marcarcada por utilizar uno de los dos hemisferios. Algunas, sin embargo, utilizan ambos. Ambos se complementan, una vez que tenemos la idea brillante, ncesitamos las habilidades lógicas y analíticas del heisferio izquierdo para llevarla a cabo. PENSAMIENTO CONVERGENTE Y DIVERGENTE Al hablar sobre creatividad, debemos tener en cuenta distintos tipos de pensamiento. Guilford, en 1951, clasificó el pensamiento productivo en dos clases: convergente y divergente. El pensamiento convergente se mueve buscando una respuesta determinada o convencional., y encuentra una única solución a los problemas que, por lo general suelen ser conocidos. Otros autores lo llaman lógico, convencional, racional o vertical. El pensamiento divergente en cambio se mueve en varias direcciones en busca de la mejor solución para resolver problemas a los que siempre enfrenta como nuevos. Y para los que no tiene patrones de resolución, pudiéndose así dar una vasta cantidad de resoluciones apropiadas más que una única correcta. Ese tipo de pensamiento tiende más al concepto de creatividad y ha sido llamado por De Bono pensamiento lateral.


PERFIL DE PERSONALIDAD CREATIVA La persona creativa está alerta a lo nuevo. Las personas creativas no están hechas de materiales especiales. Todos estamos hechos de lo mismo y todos tenemos un gran potencial creativo. La creatividad es una cuestión de grado. La creatividad es extravagante e impredecible. El sistema educativo, aunque se supone que tiene que fomentar la creatividad, en realidad la evita. Potencia el desarrollo del hemisferio izquierdo (pensamiento lógico, análisis, precisión) El sistema educativo escolar de Occidente favorece al niño de inteligencia no creativa (el convergente) en detrimento del niño creativo. El niño creativo puede tener una personalidad no del todo “deseable”; es fácil que resulte tímido, reservado, poco inclinado a creer en todo momento en la palabra del profesor, prefiriendo seguir sus propias inclinaciones antes que atenerse a las limitaciones del programa de estudios. Los estudios realizados bajo el enfoque de los rasgos suelen coincidir en que las personas que juzgamos como creativas tienen algunas características comunes. Entre los rasgos que se les atribuyen destacan los siguientes: cierta tendencia al riesgo, inconformismo, gusto por la soledad y por el establecimiento de reglas nuevas, independencia de juicio y tolerancia a la ambigüedad


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Otra de las características de una persona creativa es la capacidad de hacer combinaciones y crear síntesis originales, la capacidad de asociar y tomar ideas de un lugar y de otro FASES DE LA CREATIVIDAD Basándose en Poincaré (1913) y en Graham Wallas (1926), muchos autores (Mihaly Csikszentmihalyi, Saturnino De La Torre, James Webb Young...) se han referido a un posible proceso de creación que podemos reflejar en 6 fases. 1. Preparación Contempla tanto la selección e identificación del objetivo creativo sobre el que vamos a trabajar como la recopilación de documentación e información relacionada con él. 2. Generación Es la inmersión en el objetivo creativo. Es el largo y complejo trabajo de manipular, experimentar, generar ideas y buscar alternativas sobre el tema que nos ocupa de forma consciente. 3. Incubación Un posible periodo de “descanso ficticio” en el que, aunque no se esté trabajando de forma consciente en el objetivo creativo, se está dando otro tipo de elaboración no consciente que nos puede llevar a la idea buscada. El problema es interiorizado en el hemisferio derecho y parece que nada pasa externamente. Generalmente ocurre con aquellos proyectos con los que tenemos una gran motivación o implicación emocional (lo que Robert Olton llama “preocupación creadora”). Es algo así como dejar que el inconsciente digiera el objetivo mientras descansamos (escuchar música,


ir al teatro, quedar con amigos... preferiblemente distracciones estimulantes de la imaginación y las emociones). Muchas veces basta con ir al servicio y volver. Policastro, añade una fase intermedia que llama “vislumbre”. 4. Iluminación El instante de la inspiración, cuando aparece la idea luminosa. Cuando la idea creativa salta del procesamiento interior al consciente. Quizá la idea genial parece surgir en el momento menos pensado, frecuentemente en el transcurso de actividades que nos ocupan poca capacidad de atención con lo que se libera “espacio” para que emerjan las elaboraciones no conscientes. Se suele hablar de las tres ”b” para referirse a estas actividades, en inglés “bus”, “bed” y “bath”. También se llama a esta fase momento “Eureka” o “Ajá” en el que se da un “insight” (nueva configuración con significado superior a la suma de las partes) y un “afecto positivo” (satisfacción o euforia). La emotividad del “Ajá” es tan poderosa que en ocasiones hace olvidar el proceso que ha llevado a esta intuición y permite fantasear con atribuciones mágicas para explicar lo que nos ha ocurrido (musas, visitas de dioses...). 5. Evaluación La fase decisiva en la que valoramos y verificamos si esa inspiración es valiosa o no. Matizamos la idea para que se pueda llevar a la

práctica y le damos la configuración final. Sometemos nuestra creación a las leyes lógicas para comprobar su validez y que cumple los objetivos que habíamos establecido. Hay que comentar la idea y realizar con ella todo tipo de pruebas de validación, comentarios y juicios críticos de personas competentes en la materia. En caso de que la idea no sea válida, se considerará como una fase intermedia de incubación con reintegración al proceso. 6. Elaboración La fase de desarrollo, comunicación y aplicación práctica de la idea. Es frecuentemente largo y muchas veces arduo. Una parte importante es la difusión y socialización de la creación. ¡Ojo! No siempre tienen porqué darse estos pasos ni por este orden. Desde esta perspectiva, el producto creativo es resultado de un gran trabajo previo y posterior a la “iluminación”, lo que ofrece una alternativa a las explicaciones basadas en las musas e inspiraciones divinas o mágicas. Como decía Edison “La creatividad es un 1% de inspiración y un 99% de transpiración”

Mª José Tenorio Directora de “Psico-Aid Apoyo psicológico” www.psico-aid.com

Ofrecemos a los bailarines herramientas psicológicas concretas que pueden aplicar fácilmente en su vida diaria y específicamente a su carrera artística. Evaluación y mejora de la autoestima.

PSICO-AID Apoyo Psicológico www.psico-aid.com

Superar problemas específicos, como el miedo escénico, bloqueos creativos, ansiedad ante las audiciones, exámenes, etc.… Desarrollo de la capacidad de auto-motivación, de plantear metas realistas y de mantener la concentración necesaria para conseguirlas

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LucĂ­a Bernardo, La casa de la posibilidad


Danza en el Museo Reina Sofía Fotos: Emilio Tenorio Influenciados por la exposición del Museo: Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización, los alumnos del Conservatorio Superior de Danza Maria de Ávila, presentaron en el Museo Reina Sofía, el pasado 15 de febrero, con sus nuevas propuestas coreográficas, una nueva mirada a los años ochenta y noventa.

Programa Luz Arcas, Sin sudor sin lágrimas. 10’ Una investigación en la iconografía del dolor como vehículo de seducción. Lucía Bernardo, La casa de la posibilidad. 10’ Pieza escénica para 13 voces de bailarines y coreógrafos de los años 80 y un cuerpo. Javier Sánchez, Buscando. 4’ Buscar nuevos caminos a veces implica revisitar viejos senderos. Una mirada a los coreógrafos de los 80, desde la música de vanguardia de los 60 y la energía del siglo XXI. Irene Vázquez, Estados ingrávidos. 10’ La belleza de la feminidad escondida detrás del horror. Una realidad a explorar a través de la historia, siempre vinculada al cuerpo. Edoardo Alves. Through your Limits. 5’ Me pareció que en medio de toda la libertad que el mundo empezaba a probar todavía había una parte en la cual la expresión humana y artística todavía estaba limitada por algunos movimientos y/o ideologías.

Irene Vázquez, Estados ingrávidos

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Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos


Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos

Irene Vázquez, Estados ingrávidos


Javier Sรกnchez, Buscando


Irene Vรกzquez, Estados ingrรกvidos


Eduardo Alves. Through your Limits Irene Vรกzquez, Estados ingrรกvidos

Irene Vรกzquez, Estados ingrรกvidos


Luz Arcas, Sin sudor sin lรกgrimas

Luz Arcas, Sin sudor sin lรกgrimas


El secreto de Ofelia: teatro, tejidos, el cuerpo y la memoria Marifé Santiago Bolaños Marifé Santiago Bolaños nos conduce en un fascinante recorrido por el universo ritual femenino bajo el halo misterioso del Teatro como camino de autoconocimiento. El flamenco y María Pagés: de Sevilla a la India, Nélida Piñón y la memoria del cuerpo, son algunos de los títulos ensayísticos del libro. Ediciones Cumbre Páginas: 320pa blanda Formato: 14x22 cm www.edicionescumbres.com

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