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--------------------------------------------------------Airstream (Fundada en 1934 en Los Ángeles) es una empresa de diseño y fabricación de caravanas creada por Wally Byam. En 1929, Wally Byam se centró completamente en la fabricación de caravanas. Construyó una caravana con aluminio remachado y diseño aerodinámico que en 1934 bautizó como Airstream. El hecho de mantener el mismo diseño a través de los años, ha generado una parte estilística, que en sus principios ni se imaginaba. La parte formal sigue siendo la misma, ya que se busca una forma lo mas aerodinámica posible, que recuerda a los aviones. Influencia de el trabajo de Byam durante la segunda guerra en una fábrica de aviones. Ante todo este diseño es un diseño funcional. Usa materiales ligeros como el aluminio para su buen funcionamiento. Se valora su gran calidad y lo que representa, ya que Byam creó un producto que ha quedado como un símbolo americano. De esta manera sus productos son valorados por tener ese diseño de los 50-60 y nunca pasan de moda. --------------------------------------------------------Artek, muebles de diseño desde 1935 por Agustina | Lun, 13/04/2009 - 17:45 Artek es una empresa que ha diseñado y comercializado algunos de los muebles modernos más reconocidos durante todo el siglo XX. La empresa fundada en el año 1935 por cuatro diseñadores finlandeses liderados por Alvar Aalto se ha dedicado a la producción de muebles realizados principalmente en madera arqueada, manteniendo el compromiso con el diseño simple y de líneas netas. Todos los muebles de Artek funcionan como un gran conjunto que puede adaptarse a diversos tipos de ambientes, ya sean hogareños, de oficina, establecimientos educativos, hospitales u hoteles. La empresa dedica tiempo e inventiva para producir muebles que además de un buen diseño, sean durables. Alvar Aalto revolucionó la producción de muebles de madera al estudiar y crear nuevas técnicas que permitieran el arqueado de este material, generando objetos de líneas sinuosas y continuas. Muchos de los muebles de Artek utilizan esta técnica como base para su construcción. La Armchair 400 realizada con estructura de abedul arqueado o el sillón Aimo son claros ejemplos de la aplicación de las técnicas de plegado por vapor. El color natural de la madera no se pierde debajo del barniz transparente, y las suaves vetas se pueden divisar sin problemas. Las mesas también utilizan esta técnica en su estructura, la mesa doble de café 907C está formada por dos tablas que se unen a dos patas arqueadas por vapor. Los muebles de Artek están pensados para combinar lo mejor de dos mundos. La empresa busca humanizar el modernismo ofreciendo productos de diseño contemporáneo, pero utilizando un material cálido como la madera. Al mismo tiempo se fusionan la técnica moderna y la artesanía en su elaboración. La empresa comercializa sus productos a través de una amplia red de representantes, entre los que se incluyen los ubicados en Brasil, España, Portugal y Estados Unidos. ---------------------------------------------------------


Arne Jacobsen (11 de febrero de 1902 – 24 de marzo de 1971) fue un arquitecto y diseñador industrial danés. Nació en Copenhague y tras estudiar cuatro años en una escuela de construcción, entró en la Facultad de Arquitectura de la Real Academia de Bellas Artes.

Entre sus obras arquitectónicas más importantes están el St. Catherine's College en Oxford, el Hotel de la SAS en Copenhague, la sede del Banco Nacional de Dinamarca en Copenhague y la Embajada Real Danesa en Knightsbridge (Londres).

Muchos de los muebles diseñados por Jacobsen se han convertido en clásicos, entre ellos la silla Hormiga de 1951 y las sillas Cisne y Huevo diseñadas para el hotel SAS. Sin embargo, Jacobsen es conocido por la silla modelo 3107 de 1955, también llamada "Silla Número 7", de la que se vendieron más de 5 millones de copias. La número 7 es quizá, mejor conocida por ser usada en 1963 para esconder la desnudez de Christine Keeler en el retrato icónico de Lewis Morley.[1] Su otra contribución a la cultura popular en los medios son sus cubiertos de diseño, con cucharas para ambas manos, en la película 2001: A Space Odyssey, elegidas para el film por su diseño "futurístico". La clave del éxito de los objetos de Jacobsen se encuentra en su diseño elegante y esencial que le dan un atractivo externo.

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Jacobsen fue albañil por unos años. Comenzó su carrera de arquitectura estudiando en la Kongelige Danske Kunstakademi de Copenhague, donde se graduó en 1927. Luego fundó su propio estudio en Hellerup para trabajar en arquitectura e interiorismo de forma independiente. Sus influencias fueron Le Corbusier, Gunnar Asplund, y Ludwig Mies van der Rohe. Fue pionero del diseño moderno en Dinamarca, con su obra "La casa del futuro" diseñada junto con Fleming Lassen en 1929. Su mayor proyecto fue el edificio para la termianl aérea SAS y el Royal Hotel de Copenhague (1956-1960) en donde Jacobsen intervino en cada detalle como la tapicería y la iluminación. Por esos años, también incursionó en el diseño industrial, con objetos como las sillas Ant (1951-1952) y las Series 7 (1955) para Fritz Hansen. También diseñó las luminarias AJ (1955-1960) para Louis Poulsen, la colección de objetos metálicos Cylinda-Line para Stelton y cubertería para Georg Jensen. Durante la década de los 60s se dedicó a la docencia en la Skolen for Brugskunst de Copenhague y diseñó el St. Catherine's College de Oxford. --------------------------------------------------------•

Kartell es una compañía italiana que fabrica prodcutos de plástico. Fue fundada por Giulio Castelli en 1949. Castelli creía que: "El público está dispuesto a aceptar máquinas nuevas que desempeñen nuevas funciones, pero cuando se trata de objetos legendarios como una cuchara, una silla, etc., no es fácil que acepte que tenga otro aspecto. Si la gente tiene miedo a la novedad, ofrezcámosle algo aún más original". El primer producto de Kartell fue una innovadora baca portaesquís diseñada por Roberto Manhi. Después lanzó artículos domésticos diseñados por Gino Colombini. Desde exprimidores y recogedores hasta barreños para fregar los platos y bañeras para niños, Kartell transformaba los objetos en productos de plástico de polietileno innovadores. Pero realmente se destacó cuando lanzó al mercado la silla infantil No. 4999/5 diseñada por Marco Zanuso y Richard Sapper y la revulcioanria Modelo No. 4860 Universale de Joe Colombo, la primera silla de plástico para adultos moldeada en plástico. ---------------------------------------------------------

BREUER Nació en Hungría en 1902. Después del bachillerato, Breuer llega a la Academia de Artes Plásticas de Viena con una beca, pero que abandonará al cabo de pocas semanas. Tras unas prácticas en un estudio de arquitectura vienés, solicitó entrar a la Bauhaus de Weimar, en Alemania, cuándo Walter Gropius dirigía esta escuela. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles.


Allí, en 1925, recibe el encargo de crear el mobiliario del nuevo edificio de la Bauhaus en Dessau. Empieza a desarrollar su diseñó de la silla B3, la primera de tubo de acero en la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala. Ésta silla fue el diseño más ámpliamente reconocido de Breuer. Estaba inspirada en parte, por el tubo de acero curvado del manubrio en la bicicleta Adler que Breuer había adquirido recientemente. A pesar de la difundida creencia de que la había diseñado para el pintor Wassily Kandinsky, por entonces colega de Breuer en la escuela de Bauhaus, esto no fue así; Kandinsky admiró el diseño final de Breuer, y sólo cuando la terminó, Breuer hizo una copia adicional para que Kandinsky la usara en su casa. Cuando la silla fue re-lanzada al mercado en la década de los 60s, fue nombrada "Wassily" por un fabricante italiano. Continuó en la Bauhaus hasta 1928, año en que se estableció en Berlín para dedicarse a la arquitectura, donde recibió su primer encargo arquitectónico, un proyecto para la casa Harnischmacher (en Wiesbaden, 1932), una vivienda modular construida en hormigón con estructura de acero. También diseñó los almacenes de muebles Wohnbedarf de Zúrich. En 1930, la Deustcher Werkbund le encargó el diseño de interiores para la sección alemana de la exposición Société Artistes Décorateurs Fraçais. Desarrollo de los primeros muebles de aluminio, que a partir de 1934 serán fabricados en serie por la empresa suiza Embru. Con la llegada del partido nazi al poder, Breuer tuvo que exiliarse debido a su religión (judaísmo), primero en Inglaterra (1933) y más tarde en Estados Unidos (1937). Allí, junto con Gropius, impartió clases en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Harvard, además de continuar su carrera arquitectónica con proyectos como el de su propia casa en Lincoln, Massachusetts (1939), donde utilizó materiales autóctonos. Breuer disolvió su sociedad con Gropius en mayo de 1941 y más tarde, en 1945 realizó por cuenta propia el diseño de La Casa Geller I, la primera en usar el concepto de Breuer de la vivienda binuclear, caracterizada por tener en alas separadas y divididas por el hall de entrada, los dormitorios por un lado y la cocina/sala/comedor por el otro. En 1946 abrió un estudio en Nueva York, donde proyectó, junto con el italiano Pier Luigi Nervi y el francés Bernard Zehrfuss, el nuevo edificio de la Unesco en París. En 1956 fundó en Nueva York la Marcel Breuer Associates, y en aquella época adoptó el cemento como material de construcción, y con él un nuevo lenguaje arquitectónico, el brutalismo. Los edificios brutalistas están formados normalmente por geometrías angulares repetitivas, y a menudo permanecen las texturas de los moldes de madera que


se emplearon para dar forma al material, que normalmente es hormigón. Es así como en 1966 diseñó el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. En 1972 El Metropolitan Museum of Art honra a Breuer con una retrospectiva, es la primera que se ofrece allí a un arquitecto en vida. En 1976 Breuer se retira a causa de problemas de salud y finalmente acaba muriendo en Nueva York en el año 1981

Silla B3 --------------------------------------------------------CAFETERA BIALETTI: UBICACIÓN: (1919-1939) Italia, movimiento Art decó. INTRUDUCCION: cafetera moka Express. Fue en Milán donde surgió la idea de obtener el café con la fuerza del vapor bajo presión. En 1933 Bialetti inventó una cafetera capaz de producir café expreso en casa. Alfonso Bialetti fue un simple ingeniero el cual se hizo famoso con el diseño de una cafetera. Diseñada en 1933 el café a pasado a dar un estilo propio.


DISEÑO: La forma octogonal, estructurada en tres partes, se inspira en el gusto déco, en boga en aquellos años. El metal de la cafetera, aluminio, era el único metal presente en Italia de forma significativa. Después de la II guerra, fue lanzada a gran escala, alcanzando ventas en 1954 por más de un millón de unidades. Este invento tubo tanto éxito por su utilidad ya que prevalece gran funcionalismo. El estilismo viene después , en el simple hecho de tomar café. El funcionamiento de esta cafetera que hasta los días de hoy se sigue utilizando es el siguiente: La parte inferior funciona como un boiler, donde en su parte inferior el agua alcanza su punto de ebullición, esta es empujada a la superficie por medio del vapor, la cual pasa por un filtro en la parte superior el cual contiene al café. El líquido aromático continúa subiendo hasta llenar el contenedor superior. CONCLUSION: el invento de esta cafetera en Italia tubo muchísimo éxito, de hecho hasta el dia de hoy aunque hayan producido y rediseñado las cafeteras mucha gente prefiere la cafetera de toda la vida, es decir, la cafetera Vialetti. --------------------------------------------------------CAMPARI: UBICACIÓN: (1919-1939), Italia y proviene del movimiento aerodinamismo. INTRODUCCION: Campari es una bebida alcohólica de grado medio, tonificante y refrescante, calificable como aperitivo, de característico color rojo y sabor amargo. La marca es propiedad de Grupo Campari. Sus orígenes se remontan a 1860 en Milán, concretamente en el Café Campari, donde Gaspare ofrecía a su clientela un aperitivo de su invención. Realizada a partir de extracto de alcachofa, su característico sabor surgía de la combinación de hasta 60 ingredientes distintos, incluyendo hierbas, especias, ralladuras de frutas y cortezas, entre las que sobresalen la quinina, el ruibarbo o la naranja amarga y la toronja. El color, según el mito, lo obtenían del caparazón de tortuga, aunque, al menos, a día de hoy, es la cochinilla el colorante que se emplea en los licores para obtener el color rojo. --------------------------------------------------------**Charles y Ray Eames**

Ubicación: (1940 – 1964) En 1940 presentan Eames y Sarinen el diseño de una silla totalmente novedoso la cual se convertiría en diseño de mobiliario moderno con la que ganaron un concurso de convocado por el Museo de Arte moderno de New Cork. Sus diseños pertenecen al movimiento diseño orgánico. Introducción: Charles Eames (1907 – 1978) fu un arquitecto, diseñador y director de cine norteamericano. Muchos de los diseños de los cuales se han convertido en clásicos los logro junto con su esposa Ray. Charles estudio arquitectura en la universidad de Washinton en San Luis. En unos años abandono la carrera para dedicarse a la


arquitectura en un estudio en su ciudad natal. Empezó trabajando en proyectos de viviendas residenciales. En 1938 retomó sus estudios de arquitectura y diseñó en la Academia de Arte de Cranbook. Se convirtió en maestro y dirigió el departamento de diseño industrial. Con su esposa Ray se traslado a los Ángeles donde residirían durante el resto de su vida. Fue a finales de los 40 cuando diseñaron y construyeron su casa mirando al Océano Pacifico esta se llamaría la casa Eames. La casa se construyó con trozos prefabricados de acero. Esta casa se considera como una obra maestra de la arquitectura moderna. Diseño: En este siglo se distinguen dos características en lo muebles muy importantes continuos y discontinuos Charles empezó realizando sillas discontinuas sin embargo su compañero Saaarien s dedica mas a buscar la continuidad. Eames trata de introducir equilibrio en las partes de una misma silla a diferencia del resto de los diseñadores racionalistas. Eames es considerado un icono del diseño orgánico. Charles y Ray fueron pioneros en el uso de nuevas técnicas como la fibra de vidrio o la resina plástica en la Fabrición de sillas. Dentro de sus diseño los más importantes fueron las sillas y dentro de estas la Long Chair. Los diseños de Charles están basados en el formalismo ya que busca la forma en el objeto y es lo primero que observamos. Aunque predomine el formalismo en sus diseño en algunos de sus diseños también destaca la funcionalidad la cual servia para construir la silla con las mínimas piezas posibles. El claro ejemplo de las discontinuidad es su silla más famosa la Long Chair que a partir de 1957 empieza a inaugurar una serie de butacas con reposapiés. Conclusión: Charles y Ray en mi opinión han sido grandes innovadores en el diseño de muebles destacando sobre todo en las sillas. La utilización de las líneas sinuosas en todos sus trabajos esta presente de principio a fin, pero en mi opinión Charles buscaba en un principio innovar con diseños mas modernos y después dentro de este estilo intenta buscar una mayor funcionalidad adaptando reposapiés, cojines y elementos que aumenta la funcionalidad a la hora del descanso de la persona. Sin embargo el diseño innovador no lo pierde, mantiene las curvas y formas abstractas del principio. Sarinen en cambio busca un diseño más continuo que este formado por una sola pieza pero de línea también sinuosa. Creo que charles como primera característica buscaba la forma y que conforme avanzo en el tiempo empezó a buscar la forma y la funcionalidad. También podemos observar en sus diseños un aire minimalista al encontrar las sillas en varias partes pero estas partes son una sola forma, por ejemplo en la silla ganadora del concurso de 1940 el respaldo, el asiento y los reposabrazos forma una única forma. Como connotación final anotar que todos sus trabajos resultan innovadores. --------------------------------------------------------Clipper es la marca de un tipo de mechero de gas, diseñado por Bryant and May. Es una de las marcas más importantes y conocidas de mecheros en el mundo entero. El primer Clipper fue creado en 1972. Hasta principio de los ochenta eran Clippers con regulador pero la empresa Clipper se dio cuenta de que ese modelo era demasiado bueno y duradero, y lo cambiaron por el Clipper a secas. Principalmente son de plástico y metálicos, pero los hay de todos los diseños y tamaños.


Es un diseño funcional que a lo largo del tiempo ha adquirido una parte estilística, puesto que se han convertido en objeto de colección, debido a la gran variedad de modelos, series, tamaños, etc. --------------------------------------------------------Coca-Cola ( botella) UBICACIÓN El envase de coca-cola final se desarrollo en el año 1915, en EE.UU, durante el periodo de los orígenes del diseño. Durante este período se consolidad la Revolución Industrial con la aparición de la maquinaria y la posibilidad de la fabricación de productos en serie. De esta forma nace la figura del “diseñador industrial”. A esta época pertenece el movimiento Art & Craft. INTRODUCIÓN El producto en sí, fue creado de forma accidental por un farmacéutico cuando buscaba la fórmula para un antídoto para la melancolía y los nervios. Tras su gran éxito mundial y sus grandes competidores, se busco una idea para reforzar de una vez por todas la marca en el mercado y diferenciarla de todos sus competidores: hacer un nuevo diseño de la botella de coca-cola que fuera reconocible a oscuras o por un invidente o incluso con un pequeño pedazo de cristal roto. Para ello se promovió un concurso para elaborar el diseño final, y tras muchas pruebas descartadas, fue “Earl Dean” ( un aprendiz del vidrio) quién tras un afortunado error elaboró el nuevo envase de coca-cola. DESCRIPCIÓN Se baso en la forma de la hoja del cacao ( confundiéndola con la hoja de coca) , retomo el diseño y estilizo su nuez, añadiendo una base de apoyo y unas rayas verticales con las que pretendía evocar la silueta del cuerpo de una mujer con un vestido vaporoso. Para elaborar este diseño del envase se tuvieron en cuenta las premisas: • Formalidad : Evocando la forma de la silueta de una mujer y sus curvas. Y porque su forma se adapta perfectamente a la forma de la mano. Además de que las rayas verticales que evocan a un vestido de mujer la diferencian de las demás. •

Estilo: La estética de este diseño alcanzó tanto éxito que ha generado un estilo propio, debido al gran valor semántico del que se ha dotado al diseño , su textura, color, forma, etc.

CONCLUSIONES Este diseño fue muy acertado y los resultados se vieron desde el primer momento. Se ha conseguido el propósito: diferenciarse de las demás. Entre un millón de envases vacíos, todos sabríamos cual es el de coca-cola, no sólo por sus curvas sino por el grosor de la textura de su vídrio. TANYA MARTINEZ GARCÍA ---------------------------------------------------------


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Domus revista

Con sede editorial en Milán y fundada en 1928 por el arquitecto y diseñador Gio Ponti, la revista Domus se mantiene hasta la fecha como una de las publicaciones de referencia internacional sobre arquitectura y diseño. Con más de setenta y cinco años de trayectoria, su vigencia sigue siendo incuestionable: Domus es uno de los medios donde los principales estudios de arquitectura y de diseño presentan y someten a opinión crítica sus nuevos proyectos; contempla reportajes de análisis riguroso acerca de temáticas enfocadas desde perspectivas muy alejadas de las aproximaciones planteadas por revistas obsesionadas por las tendencias de moda o aferradas al purismo académico. Una excepción. La preocupación por la dimensión visual de la revista se mantiene en perfecto equilibrio con la atención a la calidad de sus contenidos escritos, y ésta es una cualidad que desafortunadamente no puede atribuirse a todas las publicaciones estrella dedicadas a la arquitectura y al diseño, aunque es seguro que Domus ha constituido un referente a la hora de la creación de muchas de ellas. Alentado por el crítico de arte, Ponti creó Domus como un espacio donde exponer su propia perspectiva acerca del estilo de vida de su época. La revista comenzó siendo una publicación genéricamente dedicada a temas relativos al lifestyle, donde los reportajes sobre arquitectura y diseño se intercalaban con artículos sobre cocina, cuidado de mascotas o jardinería. Progresivamente, los contenidos de la revista fueron centrándose en la arquitectura, el diseño interior e industrial y las artes, transformándose en un medio en cuyas páginas se presentaba el trabajo de profesionales de trayectoria consolidada y se «descubrían» asimismo las propuestas de arquitectos y diseñadores tanto italianos como internacionales. Setenta y cinco años de edición ininterrumpida equivalen a afirmar que por las páginas de Domus ha discurrido, en tiempo real, la historia de la arquitectura, el diseño y el arte del siglo XX: el Art Decó, el desarrollo del Movimiento Moderno, pasando por el Funcionalismo, el Pop, la Post-Modernidad… han sido ilustrados y comentados en la revista desde una mirada absolutamente coetánea. --------------------------------------------------------**Eero Saarinen** Ubicación: (1940 – 1964) En 1937 en Estados Unidos empieza a realizar sus primeros diseños de muebles junto con sus socio en Estados Unidos. Eero pertenece como Charles al movimiento del diseño orgánico. En 1940 junto con Charles Eames ganan el concurso del Museo de Arte Moderno de New York con una silla totalmente innovadora. Diseño Orgánico. Introducción: Eero Saarinen (1910 – 1961) Al igual que charles estudio arquitectura. Su origen es finlandés pero tuvo que emigrar a Estados Unidos con sus padres el cual su padre Eliel Saarinen también era arquitecto. Eero recibió una beca para estudiar durante dos años n Europa y a su regreso ingresó como profesor en la Academia de Arte de CranBrook. En 1937 junto con su socio empezó a diseñar muebles que muchos de ellos fueron objeto de premios por el Museo de Arte moderno de New York. También realizo diseño de muebles para la empresa knoll los cuales muchos de ellos se convirtieron en clásicos. Le caracteriza sus diseños de línea curvadas, especialmente en las cubiertas de los edificios. Diseño: Mientras que Charles destacaba en muebles discontinuos Eero destacaba en la


continuidad de sus muebles donde prácticamente el objeto entero podía construirse en una sola pieza. Eero y Charles se les puede considerar los padres del diseño de muebles modernos. La plasticidad de la forma de la silla amplia y acogedora contrasta con las patas finas inclinadas y hacia fuera para mejorar la estabilidad. Saarien , enfatizando la plasticidad de sus muebles, diseñará para Knoll una serie caracterizada por la continuidad y el monolitismo. En 1957 Sarinen diseña para Knoll la serie Tulip, donde la unidad y la continuidad será lo mas importante de todo el proyecto. Los materiales usados son la fibra de vidrio y la resina al igual que Charles y las partes mas importantes en aluminio. La líneas recorren toda la figura del objeto sin para en ningún momento lo que provoca a las figuras una gran continuidad. Estas líneas acogen todo el objeto y resultan sinuosas y fluyentes. La continuidad de los diseños de Saarien crea un concepto nuevo. Sus diseños entra en el apartado formalista ya que en un nivel aun mas alto que Charles por que una sola forma da la figura al objeto. Conclusión: La silla de 1940 la cual fue ganadora de un concurso mediante el diseño de Charles y Saarinen podemos observar la Lara influencia de cada uno de ellos. Los dos mantiene la línea sinuosa pero la parte superior parece mas adecuada de los diseños de Eero la cual esta formada por una sola pieza que mediante las curvas y pliegues forma la figura deseada, mientras que las patas como elemento dispensable y que contrasta con lo demás parece mas del estilo de Charles el cual buscaba la discontinuidad. Al crear el objeto deseado mediante una sola forma que recorra la línea en todo su volumen se crea una sensación interesante en la que el espectador cree ver una forma orgánica no creada por el hombre. Esta característica es la más representativa y califica al objeto de moderno. --------------------------------------------------------PIONEROS DEL DISEÑO METRO LONDON El Metro de Londres es una red de transporte público ferroviaria eléctrica que funciona tanto por encima como por debajo de tierra en toda el área del Gran Londres. Es el sistema de transporte de este tipo más antiguo del mundo. Fue inaugurado en 1863 sobre un solo recorrido en el que se desplazaron 9 millones de viajeros en el primer año de funcionamiento. En 1916 se comenzó a unificar todos los sistemas de transporte público. En esta época, London Trasportation no tenía una unidad coherente, y las infraestructuras eran obsoletas. Su vicepresidente, Frank Pick pone en marcha un radical programa de renovación. Pick conserva el logotipo circular y la tipografía de los nombres de las estaciones, obra de Edward Johnston. Johnston diseñó la fuente tipográfica "sans-serif" en 1916. Se caracteriza por la combinación de una gran técnica caligráfica y una nueva sensibilidad tipográfica que rompió con los precedentes sin remate victorianos. Aplicó rigurosamente el clasicismo formal a las letras anticipándose en varios años a la simplicidad geométrica de los años 20. Harry Beck diseña el nuevo mapa del metro, reordenando la planimetría mediante el uso de diagonales y ampliando la escala del área central para añadir claridad. Se


caracterizaba por una disposición esquemática no geográfica que se basaba en los diagramas de circuitos y en el uso de un código de colores para las líneas. Se acompaña la renovación de estructuras anticuadas con un proyecto de comunicación mediante una campaña de carteles de gran calidad con el objetivo de captar nuevos clientes. Man Ray fue uno de los numerosos artistas que colaboraron con el London Trasportation. El legado artístico incluye el empleo desde los años 20 de reconocidos diseñadores gráficos, ilustradores y artistas para sus propios pósteres publicitarios. Entre los diseñadores que hicieron trabajos para el Metro de Londres en los años 20 y 30 se cuentan Man Ray, Edward McKnight Kauffer y Fougasse. En los últimos años el metro ha fomentado trabajos de importantes artistas, incluyendo a R. B. Kitaj, John Bellany y Howard Hodgkin. En arquitectura, Leslie Green estableció un estilo propio para las nuevas estaciones construidas en la primera década del siglo XX. En los años 20 y 30, Charles Holden diseñó una serie de estaciones con estilo modernista y art-decó por las cuales se ha hecho famoso el Metro de Londres. El diseño de Holden para el edificio de las oficinas centrales del Metro de Londres incluía esculturas de Jacob Epstein, Eric Gill y Henry Moore. --------------------------------------------------------Ubicación: (1815-1918) Detroit. EEUU. Movimiento Deutscher Werkbund. Introducción: Henry Ford Litogot (30 de julio de 1863 – 7 de abril de 1947) fue el fundador de la compañía Ford Motor Company y padre de las cadenas de producción modernas utilizadas para la producción en masa. La introducción del Ford T en el mercado automovilístico revolucionó el transporte y la industria en Estados Unidos. Fue un inventor prolífico que obtuvo 161 patentes registradas en ese país. Como único propietario de la compañía Ford, se convirtió en una de las personas más conocidas y más ricas del mundo. A él se le atribuye el fordismo, sistema que se desarrolló entre fines de los años treinta y principios de los setenta y que creó mediante la fabricación de un gran número de automóviles de bajo coste mediante la producción en cadena. Este sistema llevaba aparejada la utilización de maquinaria especializada y un número elevado de trabajadores en plantilla con salarios elevados. Si bien Ford tenía una educación bastante pobre, tenía una visión global, con el consumismo como llave de la paz. Su intenso compromiso de reducción de costes llevó a una gran cantidad de inventos técnicos y de negocio, incluyendo un sistema de franquicias que estableció un concesionario en cada ciudad de EE. UU. y Canadá y en las principales ciudades de seis continentes. Ford modelo T: El Ford T aparecido en 1908 poseía gran cantidad de innovaciones como la posición del volante ya situado a la izquierda, algo que copiarian la mayoría de las otras compañías automovilísticas. El motor y la transmisión iban cerrados y la suspensión funcionaba mediante dos muelles semi-elípticos. La misión de Ford era fabricar automóviles sencillos y de precio bajo destinados al consumo masivo de la familia americana de clase media, ya que hasta entonces el público que podía acceder al consumo de éstos automóviles era muy limitado.


La táctica utilizada por Ford fue la de una publicidad masiva en Detroit, asegurándose de la aparición de anuncios sobre su nuevo producto en cada periódico. Los concesionarios locales repartidos por Estados Unidos permitieron que el automóvil estuviese disponible en cada ciudad. Ford también se preocupó de instaurar una publicidad masiva en Detroit, asegurándose que en cada periódico apareciesen historias y anuncios sobre su nuevo producto. Su sistema de concesionarios locales permitió que el automóvil estuviese disponible en cada ciudad de EE.UU. Las ventas sobrepasaron los 250.000 vehículos en 1914. LOGO: El óvalo de Ford es uno de los iconos corporativos más conocidos globalmente. El logotipo data de los inicios de la empresa cuando el asistente de ingeniero de Henry Ford creó una versión estilizada pero de gran legibilidad de "Ford Motor Company". En 1903 es ideado el primer logotipo que comenzaría a utilizarse en los comunicados de prensa. El Modelo A portaba este logotipo pero bordeado con un toque modernista especial. 1906 es el año en que el primer logotipo Ford es modificado totalmente, apareciendo el denominado logotipo con alas. Este logotipo precisó más elaboración en sus letras, alargando los trazos finales en la "F" y "D". Este "logotipo con alas" fue empleado en todos los vehículos Ford hasta el año 1910, año en el que fue revisado de nuevo para darle una nueva forma, que acabaría siendo la que todavía esta en uso hoy en día. 1907: Nace el primer óvalo. El óvalo se utilizaba para publicitar Ford como el "sello de la fiabilidad y la economía". En 1911 se idea el óvalo definitivo, surgido de la combinación del logotipo y el óvalo.Este logotipo siguió utilizandose en los vehículos Ford y en los comunicados de prensa hasta finales de los años 20 del siglo pasado. 1912:"The Universal Car". Durante un periodo corto de tiempo Ford decidió abandonar el óvalo cambiando su diseño por un triángulo alado en sus automóviles. La intención de Ford al modificar el logotipo anterior por el triángulo con alas era simbolizar velocidad, estabilidad, y ligereza. Sin embargo este logotipo fue retirado en un periodo muy corto de tiempo. Desde 1976 se estableció el óvalo de Ford azul y plata que ha sido el emblema identificativo de todos los vehículos Ford, reconocible a nivel mundial para todos los productos y automóviles de la empresa. --------------------------------------------------------Biografía: Gerrit Rietveld (24 de junio de 1888 en Utrecht – 26 de junio de 1964), fue un arquitecto y diseñador holandés. En 1911, Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En 1918 diseñó la Silla Roja y Azul, influenciado por el movimiento De Stijl, al que entró a formar parte en 1919, el mismo año en que se graduó. En 1924 proyectó la Casa Rietveld Schröder, en Utrecht, su obra más importante. Rietveld rompió con el movimiento De Stijl en 1928 y se unió al Nieuwe Zakelijkheid. Ese mismo año se adhirió al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM). En 1934 diseñó la silla Zig-Zag y comenzó el proyecto del Museo van Gogh en Ámsterdam. Arquitecto y diseñador de muebles holandés, cuya obra estuvo asociada a la corriente neoplasticista. Entre sus primeros diseños destaca la Roodblauwe stoel (silla roja y azul, 1918), construida mediante planchas de madera pintadas en estos dos colores y montadas sobre un bastidor de listones negros de extremos amarillos. La estructura de


este sillón es el equivalente tridimensional de las composiciones pictóricas de Piet Mondrian, el artista más relevante del movimento de Stijl. La casa Schröder en Utrecht (Holanda, 1924) es la obra arquitectónica más importante de su carrera. Construida en acero, ladrillo y vidrio, es una composición asimétrica de planos horizontales y verticales que consigue al mismo tiempo el ideal de las relaciones equilibradas y puras preconizadas por Mondrian y dos de los objetivos fundamentales de la arquitectura moderna, la planta libre y la separación formal entre estructura y cerramientos. Los últimos proyectos de Rietveld para viviendas y edificios públicos continuaron la estética de Stijl hasta la década de los años cincuenta.

LA SILLA ROJA Y AZUL

La silla Roja y Azul es uno de los diseños pioneros del movimiento moderno a escala mundial. El genio holandés, Gerrit Rietveld la diseñó en 1918 teniendo en cuenta las enseñanzas del movimiento De Stilj buscando la expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Para ello descompuso las formas en planos simples, en el caso de la silla Rojo y Azul observamos el uso de lineas horizontales y verticales pintadas en negro y grandes rectángulos que sirven de respaldar y asiento. No se trata de una silla confortable, lo que la hace más pieza decorativa que funcional, sin embargo es y será siempre una silla inconformista, con un espíritu renovador y rompedor que hoy, casi 90 años después aún conserva. Desde 1973 la firma italiana Cassina posee los derechos de producción, el precio de la silla es de unos 1700 €.


De Stijl fue un movimiento de arquitectura, pintura y diseño industrial creada en Holanda en 1917. Para obtener una vista global de la estética propugnada por De Stijl, baste decir que Mondrian es uno de sus máximos exponentes: si recordáis alguna de sus obras, ya podéis imaginar a que vamos a enfrentarnos.

De Stijl significa El Estilo. El movimiento fue organizado y fundado por el pintor y arquitecto Theo van Doesburg, que fue considerado un artista naturalista hasta que asentó los principios de De Stijl. Van Doesburg lo explicaba así: “Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y solo quedará el estilo” De esta frase nació el nombre del movimiento, al que pronto se unieron otros artistas como el mencionado Mondrian o Bart van der Leck. Sus principios plásticos promovían una total renovación estética del entorno humano, reemplazandolo por elementos de formas puras y esenciales. Con ello pretendian obtener una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. Comenzó, por tanto, un proyecto de esquematización de todo cuanto nos rodea, a fin de descomponerlo en formas puras que sirvieran para captar la esencia de la naturaleza. En mi opinión, tanto trataron de simplificar que se quedaron sin contenido. Comenzaron componiendo con triangulos, círculos, esferas; algunos elementos tenían profundidad aún en el lienzo a través de sombras. Sin embargo, pronto De Stijl consideró que solo eran esenciales las líneas, los planos y los rectángulos (cubos en arquitectura). Rápidamente comenzaron a surgir problemas teóricos entre los miembros, del estilo de si


las líneas compositivas debían ser sólo horizontales y verticales (Mondrian), o si las diagonales mantenían el mismo espíritu puro que buscaban (van Doesburg). En 1924, el movimiento de Stijl se disolvía, pero no sin antes haber propuesto una serie de teorías que influirían definitivamente en las escuelas y movimientos posteriores y contemporaneas. En pintura, Mondrian denominaría al resultado Neoplasticismo. Aunque la mayor parte de las obras que se produjeron fueron pictóricas, también hubo seguidores que aplicaron El Estilo a la arquitectura y el diseño de mobiliario e interiores. Los diseños se caracterizan por la limpieza de sus formas, numerosos ángulos rectos y colores primarios. Desgraciadamente, se encontraban tan maniatados por los principios estéticos del movimiento que la producción fue muy escasa. Uno de los mejores ejemplos es la “silla roja y azul” del arquitecto y diseñador Gerrit Rietveld, el más prolífico en la producción y diseño de mobiliario, y del que a continuación se muestran algunos diseños de sillas.

--------------------------------------------------------JOSEF HOFFMANN UBICACIÓN: (1870-1956) ALEMANIA, AUSTRIA, SUIZA. MOVIMIENTO ESTÉTICO. INTRODUCCIÓN: Fue discípulo de O. Wagner y participó, junto con J.M. Olbrich y otros arquitectos, en la creación del movimiento vanguardista de la Secesión (1897). Su obra se caracteriza por el cuidadoso trato de las superficies conseguido a través de decoraciones geométricas; destaca el palacio Stoclet de Bruselas por su calculada elegancia de estilo (1905-1911). Sus primeros estudios relacionados con el arte decorativo los realiza en la hoy República Checa. Posteriormente, en Austria estudia 3 años y se integra a la asociación de diseñadores académicos en Viena, donde fue profesor durante 37 años. Aun en formación, Hoffmann recorre Europa y continua la evolución de su estilo en Inglaterra. Alterna con profesionales destacados del movimiento modernizador británico y recibe buena influencia del escocés Charles Rennie Mackintosh. En 1903, junto a otros especialistas, Josef Hoffmann funda en Viena, una empresa dedicada al desarrollo del diseño decorativo y artes relacionadas, donde logra situar el arte fino y las aplicaciones que lo conforman, a un nivel de importancia similar, destacando la individualidad no sólo del diseñador sino que también del artista que lleva a cabo la obra. Hoffmann adopta una estructura de composición clásica, pero reduce al mínimo toda forma de decoración y abandona las reminiscencias historicistas por un lenguaje de geometría pureza: cuadrados, rectángulos, rombos y cubos, con un predominante contraste entre el blanco y el negro. SITZMASCHINE (MÁQUINA PARA SENTARSE) Esta poltrona fue uno de los más importantes pro- yectos del diseñador inglés, destacándose por su estructura compuesta por un armazón de madera flexada cuadrangular, un marco relleno por piezas de madera laminada dispuestas en forma geométrica, las formas semicirculares de la sección trasera que resaltan el aspecto constructivo del objeto y las es- feras funcionales y decorativas–un típico detalle de Hoffmann− incluidas para equilibrar los elementos curvos y rectangulares y estabilizar la silla en los bordes de la estructura. ADOLF LOOS UBICACIÓN: (1870-1933) ALEMANIA, AUSTRIA, SUIZA. MOVIMIENTO ESTÉTICO. INTRODUCCIÓN: Arquitecto austriaco, uno de los pioneros del movimiento moderno en la arquitectura. Recibió la influencia racionalista de la escuela de Chicago y reaccionó contra


la superficialidad del estilo Art Nouveau, de moda en su época. Su fuerte crítica quedó plasmada en el conocido ensayo Ornamento y delito (1908) y en la Casa Steiner (Viena, 1910), un edificio cúbico liso, despojado de todo adorno, que fue una de las primeras viviendas construidas en hormigón armado. Las ideas radicales de Loos tuvieron una importante influencia entre los arquitectos vanguardistas de la siguiente generación, sobre todo en Austria y Alemania. Su arquitectura es funcional, tiene en cuenta las calidades de los nuevos materiales (sacó su “Teoría del revestimiento”). Para Loos, la arquitectura es distinta de las artes aplicadas, es la madre de todas ellas, y solo incluye en estas últimas a los cementerios y a los monumentos conmemorativos. El resto de las tipologías arquitectónicas deberán ser funcionales, eliminando el ornamento. Él mismo financió una revista: «Das Andere” («lo Otro”),en la que exponía sus ideas. Introdujo un nuevo concepto en sus obras, el »Raumplan«. El concepto del Raumplan consiste en que Loos adjudicaba a cada una de las habitaciones, a cada uno de los espacios, una importancia distinta. Afirmaba que un dormitorio, por ejemplo, no tiene la misma importancia que una sala de estar, que es un espacio de representación. De la importancia de las habitaciones dependía su tamaño o la altura del techo. Loos situó los cuartos a lo largo de un eje imaginario en la casa como si rodaran en una espiral. Cada habitación correspondía a los fines a los que debía servir. Así, la sala de estar, donde tienen lugar las actividades sociales, es un inmenso y precioso espacio. Al contrario, el dormitorio de los niños pertenece a la parte privada de la casa, y por lo tanto no necesita unos techos de dos metros. CASA STEINER Para Loos el exterior es la parte pública de la casa y es la razón de las superficies desnudas de las paredes, lisas, sin adornos. El interior es el lado privado y refleja el gusto personal del propietario. Es un edificio radicalmente desordenado, con una composición de los huecos simétrica en la fachada del jardín, cuyos volúmenes se articulan mediante dos cuerpos salientes que delimitan una pared central. En cuanto al interior, Loos funda el proyecto en un principio de economía y de proporción, que parte de la consideración de que los espacios de planta grande requieren una altura mayor que los locales contiguos con dimensiones pequeñas. No es posible cubrir con un solo techo espacios de alturas diferentes. Así, Loos encaja los ambientes uno sobre otro con distintas cotas en vertical, cada volumen tiene las dimensiones justas para satisfacer su propia función, hasta que el conjunto de los espacios internos encuentran su conclusión bajo un techo plano unitario. Lleva a cabo de esta manera una economía espacial notable. La simetría, la carencia total de ornamentación y los volúmenes netos definen la propuesta. Una arquitectura basada en la economía y en el rigor de la propuesta funcional. El aporte significativo se encuentra en el interior, en donde el carácter de los locales se destaca a través de las diversas alturas. Se obliga a un ensamblaje preciso de volúmenes y a la propuesta de un espacio racional El dormer (gran ventana) en la parte delantera es la encargada de llevar luz al taller del pintor, que se encuentra en el primer nivel. Como algunos críticos han señalado, la casa refleja el “clasicismo casado con la domesticidad anglosajona en la búsqueda de la continuidad territorial” La vivencia clave americana descrita por Loos al dirigir la mirada a un baúl de mesa liso, sin adorno, en relación con la teoría de la carencia de ornamentos de los objetos de uso (también la casa es un objeto de uso) tuvo también sus consecuencias en la construcción de casas.


Loos lucha contra toda forma de decoración para llevar a la práctica una economía definida como de naturaleza estética y una aversión social al derroche. BRUNO MUNARI UBICACIÓN: (1907-1998) ITALIA. DISEÑO RADICAL. INTRODUCCIÓN: Estudio en el instituto Tecnico de Napoles en 1924. Con apenas 30 años fundó junto a Gillo Dorfles, Atanasio Soldati y Gianni Monnet el llamado MAC (Movimiento para el Arte Concreto) con el objetivo de desarrollar la pintura y la escultura abstractas, desvinculadas completamente del mundo circundante. De esa época gloriosa son las famosas "pinturas negativas-positivas" de 1950. Munari las explicaba señalando: "El color se mueve en el espacio óptico entre la tela y el espectador, así el fondo se vuelve forma, y la forma, fondo". En esos años realiza los experimentos con la luz polarizada. Un filtro Polaroid permite desmontar la luz y extraer los colores purísimos, gracias a las materias transparentes con estructura polarizante. Otra de sus creaciones más famosas, los tenedores habladores, fue realizada en 1958. Se trata de un curioso tenedor plegado como una mano sorprendida en el gesto de indicar algo. "El arte es búsqueda continua", explicaba Munari, "asimilación de las experiencias pasadas, acumulación de experiencias nuevas, en la forma, en el contenido, en la materia, en la técnica, en los medios". Acostumbrado a las críticas de los más pacatos, Munari advertía: "El mayor obstáculo para comprender una obra de arte es querer entenderla". Sus máquinas inútiles traducen a la perfección esta convicción suya. Se trata de formas geométricas simples, de madera, metal, de cartón, unidas con hilos que se mueven al menor movimiento del aire convirtiéndose en algo cambiante ante los ojos del espectador. Munari se mofaba a su modo de los vicios de nuestra época, como la velocidad, la productividad, la utilidad. Valores que no le convencían. Ayer, el creador Gean Michele Folon le recordó con afecto como el maestro de la simplicidad.Entre sus obras más originales figuran las llamadas esculturas de viaje. La idea del autor al realizarlas era que estas pequeñas piezas debían incorporarse a la maleta para ser colocadas en las anónimas habitaciones de hotel, dándole al viajero una sensación de calor personal en la estancia. En 1953 uno de sus juguetes gana el Compás de Oro, una especie de Nobel del diseño. En esa etapa se consolida su fama de creador, pero Munari no dejó de progresar en su búsqueda de respuestas artísticas hasta el final de su vida. En su libro El arte como oficio -publicado en España por Gustavo Gili- explica cuál es el secreto de lo maravilloso: si la forma de un objeto es bella el mérito está en la exactitud de los componentes, porque lo bello es lo justo. --------------------------------------------------------Joe colombo Diseña objetos que acompañan momentos y comportamientos diversos: silla para mesa, sillón para descanso, lámpara para lectura. Su intención es complementar los tiempos y lugares de una hipotética casa contemporánea. Minikitchen. 1963 Para una pequeña vivienda. Colombo imagina una cocina contenida en las dimensiones mínimas de una caja. Colombo propone un nuevo concepto de cocina: en un cubo de tan sólo medio metro, recogía todas las funciones indispensables: conservación, cocción, preparación de comida para seis personas.


Lámpara Spider. 1966 Sistema de iluminación basado en un solo cuerpo luminoso, que se puede montar en varios soportes: mesa, pared, techo.. Diseñada para leer, se trata de una lámpara de pantalla metálica modelada alrededor de un foco de luz concentrada. Interior experimental. Colonia. 1970 Tras colaborar con Verter Panton en 1966. Colombo diseña para el salón del mueble de cocina este espacio articulado en tres bloques-contenedores para la zona de día, de noche y de cocina. Crea un microcosmos de plástico en que desaparece la diferencia entre equipamiento y mobiliario Raymondo Loewy Desarrolló todos los campos del proyecto: autom.viles, trenes, diseño gráfico, interiores, envases… Su colaboración con el coche Studerbaker, iniciada en 1943, representa un capítulo del desarrollo del coche moderno en Estados Unidos. Fue asesor de Coca Cola, introdujo el color rojo como color corporativo y diseño refrigeradores y surtidores En 1940 diseñó el paquete de cigarrillos Lucky Strike, elevándolo a la categoría de símbolo de la forma de vida americana. El diseño tiene una gran expresividad, gracias al logotipo en letras Geométricas inscrito en círculos, predominando el rojo sobre fondo blanco y a la reducción de elementos ornamentales. Los textos se inscriben en los laterales

Raymond Loewy


UBICACIÓN: 1919-1939 . EEUU . Movimiento: Art decó INTRODUCCIÓN: fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Desarrolló todos los campos del proyecto: automóviles, trenes, diseño gráfico, interiores, envases… Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos Coldspot o el Studebaker Avanti. Fue asesor de Coca Cola, introdujo el color rojo como color corporativo y diseño refrigeradores y surtidores. LOGOTIPO LUCKY STRIKE: En 1940 diseñó el paquete de cigarrillos Lucky Strike, elevándolo a la categoría de símbolo de la forma de vida americana. En un principio la cajetilla era de color verde oscuro y Raymond Loewy lo cambió a blanco. En una famosa campaña publicitaria que utiliza el lema de "Lucky Strike Verde ha ido a la guerra", la empresa alegó que el cambio se produjo por una importante escasez de un ingrediente clave para la generación de la tinta verde. El diseño tiene una gran expresividad, gracias al logotipo en letras Geométricas inscrito en círculos, predominando el rojo sobre fondo blanco y a la reducción de elementos ornamentales. Los textos se inscriben en los laterales. CONCLUSIONES: La marca Lucky Strike duplicó sus ventas con un simple rediseño del paquete siendo la primera marca que colocó su logotipo en ambos lados del pack. Desde entonces y hasta la actualidad la marca ha mantenido el logotipo, mejorando el diseño de su packaging. Lucky Strike se transformó en un icono de originalidad.

Joe Colombo UBICACIÓN: 1965-1984 . Italia . Movimiento: Pop INTRODUCCIÓN: fue un diseñador industrial italiano. Escultor, diseñador, creador y decorador de ambientes, comenzó su carrera en el arte como pintor y escultor expresionista de estilo abstracto. su dedicación al diseño de muebles y conjuntos unitarios para crear ambientes cómodos y funcionales.


Colombo diseña todo tipo de artículos para dormitorio y salón que le permiten hacer realidad su filosofía futurista. Comenzó experimentando con nuevos materiales, como plástico reforzado y con novedosas técnicas de construcción y métodos de fabricación. MINIKITCHEN: Para una pequeña vivienda. Colombo imagina una cocina contenida en las dimensiones mínimas de una caja. Propone un nuevo concepto de cocina: en un cubo de tan sólo medio metro, (75x75x90) recogía todas las funciones indispensables: conservación, cocción, preparación de comida para seis personas. Fue construida en madera y metal. CONCLUSIONES: La minikitchen fue una revolución debido al pequeño espacio que ocupaba y la realización de amplias funciones. Esta mini-cocina es ahora fabricada por la empresa Corian ®, e incluye las siguientes funciones: mesada, mini-nevera, cajones, compartimientos de almacenamiento, cajonespara los cubiertos, tomas de corriente para los pequeños electrodomésticos, y tabla de cortar. --------------------------------------------------------KODAK Ubicación:(1815-1918) La compañía tiene su sede en la población de Rochester, en el estado de Nueva York, Estados Unidos. Introducción: Eastman Kodak Company es una compañía multinacional dedicada al diseño, producción y comercialización de equipamiento fotográfico. La actual empresa tiene su antecedente en la Eastman Dry Plate Company fundada por el inventor George Eastman y el hombre de negocios Henry Strong en 1881. La elección de la palabra Kodak como nombre de la compañía parece tener su justificación en motivos puramente comerciales, ya que resulta de fácil pronunciación en todos los idomas. George Eastman habló siempre de que había tomado esta palabra del lenguaje de los niños pequeños, también hay una segunda hipotesis que dice que eran las dos sílabas, dos sonidos de su primera cámara. Productos: Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de papel en el año 1888, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento, así como el lanzamiento en el mismo año de la cámara Kodak 100 Vista, que utilizaba carretes de 100 fotos circulares y para cuya campaña de promoción se acuñó la frase "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto". Posteriormente, lanzó el carrete de celuloide que terminó por emplear una protección que permitía su extracción y colocación bajo la luz solar. Otras cámaras famosas fueron la Kodak Brownie y la Kodak Instamatic. Además de sus cámaras la Kodak ha venido siendo una de las grandes suministradoras de película fotográfica para los sectores aficionados y profesionales. En la actualidad, tras un período de crisis económica, ha decidido reorientar su negocio hacia la fotografía digital, lo que ha generado dudas acerca de si mantendrá la producción de cámaras tradicionales, película fotográfica y demás productos. Después de perder una batalla por la patente de la fotografía instantánea con la Polaroid, Kodak abandonó el mercado de las cámaras instantáneas en el año 1986.


--------------------------------------------------------LE CORBUSIER Nació en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Edouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a París donde adoptó el seudónimo Le Corbusier, variación humorística (ya que evoca a la palabra cuervo) del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música. En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds, en Suiza. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte, la Villa Fallet. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevan su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en el registro posterior de sus obras. Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación viajó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde se estima que puede haber coincidido con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaron ahí en esa época. Visitó también Estados Unidos, donde se familiarizó con la obra de Frank Lloyd Wright, que por aquel entonces comenzaba a ser apreciada en Europa. El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía, Turquía, Grecia e Italia y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París. En 1922 Le Corbusier abrió un despacho de arquitectura con su primo Pierre Jeanneret, con el cual mantuvo su asociación hasta 1940. Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales. Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, es su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine (Ciudad Contemporánea).1 En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar: «Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río», aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, más aún el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas. La única obra de Le Corbusier en la Argentina es la Casa Curutchet, una vivienda unifamiliar construída en la ciudad de La Plata, capital de la Provincia de Buenos Aires, entre los años 1949 y 1953. xc Le Corbusier fue un trabajador incansable. Realizó innumerables proyectos, de los cuales nunca llegaron a realizarse, pero que marcaron a generaciones posteriores de arquitectos. Difundió también sus ideas urbanas a través del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) uno de cuyos documento es la Carta de Atenas. Sin embargo, fue únicamente en Chandigarh, India, donde pudo hacerlas realidad.


El 27 de agosto de 1965, desobedeciendo las indicaciones de su médico, Le Corbusier fue a nadar mientras pasaba sus vacaciones en su cabaña en Roquebrune-Cap-Martin, en el Mediterráneo francés. Fue encontrado muerto por unos pescadores, presumiblemente de un ataque al corazón.

Contribuciones teóricas a la arquitectura Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)2 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra. Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general. La machine à habiter Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo la componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios. En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad; el racionalismo. L´Esprit Nouveau A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto con Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional: L'Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el significado de conciencia, razón, inteligencia). Los cinco puntos de una nueva arquitectura [editar] En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras): Los «pilotis»: para que la vivienda no se hunda en el suelo, y (por el contrario) quede suspendida sobre él, de forma tal que el jardín «pase» por debajo. La terraza-jardín: que permite mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón, y convierte el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento.


La planta libre: aprovechando las virtudes del hormigón, que hace innecesarios los muros portantes. De esta forma, se mejora el aprovechamiento funcional y de superficies útiles, liberando a la planta de condicionantes estructurales. La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior. La fachada libre: complementario del punto interior, los pilares se retrasan respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural. Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada ( con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos. El Modulor Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre. Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m), lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con el mismo nombre del Modulor. Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a los Estados Unidos. Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado estilo internacional, junto a Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos. Su afán creador queda expresado en Le Poème de l'Angle Droit (El poema del ángulo derecho —ángulo recto—); especialmente en Fusión: Asentado en demasiadas causas mediatas asentado junto a nuestras vidas y los otros están allí y por todas partes están los: «¡No!» Y siempre más contra que por No condenar pues a aquél que quiere asumir su parte en los riesgos de la vida. Dejad que se fusionen los metales tolerad las alquimias que por lo demás os dejan libres de castigo Es por la puerta de las pupilas abiertas por donde las miradas cruzadas han podido conducir al acto fulminante de comunión: «El ensanchamiento de los grandes silencios»... La mar vuelve a descender


a lo más bajo de la marea para poder subir de nuevo a tiempo. Un tiempo nuevo se ha abierto una etapa un plazo un relevo Así no nos quedaremos sentados junto a nuestras vidas. Influencia en la arquitectura moderna Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes, tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas. Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier. Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut. Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui, en Brasil Oscar Niemeyer, en la Argentina Antonio Bonet, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza. Obras y proyectos. Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes, tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas. Si bien para muchas figuras del pensamiento arquitectónico contemporáneo, la modernidad es un movimiento obsoleto, y por lo tanto las obras y premisas de su arquitectura no deben continuarse, hay un grupo importante de arquitectos (llamados neomodernos o simplemente modernos) que continúan haciendo arquitectura en el espíritu de Le Corbusier. Introdujo la proporción áurea en muchas de sus obras, por ejemplo se puede apreciar en el módulo de la Capilla de Notre Dame du Haut. Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue su seguidor Mario Pani Darqui, en Brasil Oscar Niemeyer, en la Argentina Antonio Bonet, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa. En España, Francisco Javier Sáenz de Oiza. Multitud de edificios de apartamentos, de ministerios, capillas, conventos, iglesias, museos y galerías, villas, El Pabellón Nestlé, en Suiza, París, Berlín, Bordeaux, Boulogne, Amberes, Marsella, Rio de Janeiro, Tokio, Harvard, La Plata, Zurich, entre otros.


LA CHAISE LONGE (EL SILLÓN LARGO) Pocos muebles sobrepasan la prueba del tiempo y la tiranía de la moda y se proclaman como iconos del diseño industrial y pocos diseñadores tienen el privilegio de ser los autores de un objeto del deseo como este. No sabemos si son sus formas sinuosas, su alta estética, su sencillez o todo a la vez, pero este omnipresente objeto en todas las publicaciones de interiorismo hecho puro deseo, es más un símbolo que una silla. Sólo el hecho de imaginar llegar a casa despúes de un pesado día de trabajo y verse sentado en ella hace considerar pagar todo lo que cuesta. Creada por el arquitecto suizo Le Corbusier, padre del Movimiento Moderno en la mitad del pasado siglo, es el precursor de gran parte de la estética actual. Con esta chaise longue que diseñó para Cassina junto con Charlotte Perrieand y Piere Jeanneret y que pertenece a una amplia colección de muebles, demostró que el lujo y la funcionalidad eran dos factores que podían ir unidos aunque en aquel momento los muebles se diseñaron con la intención de llegar a un público muy amplio. La estructura es de acero cromado y el cuerpo del asiento se presenta tapizado en piel de potro o cuero. El propio Le Corbusier la definió como una "auténtica máquina de descansar" y contó que para su diseño había pensado en la figura del cow-boy que fuma su pipa, sentado con los pies en alto, apoyados al borde la chimenea.


--------------------------------------------------------MOTOROLA HISTORIA En 1928 Paul Galvin y su hermano Joseph adquieren el negocio del eliminador de baterías, por quiebra de la Stewart Battery Co., y crean la Galvin Manufacturing Corporation con solo cinco empleados y un patrimonio de U$S 565 en efectivo, U$S 750 en herramientas y un diseño para el primer producto de la Compañía: un eliminador de batería. Este permite a las radios domésticas de batería operar con la corriente eléctrica ordinaria del hogar. Al hacerse obsoletos los radios operadas por baterías, ocurre lo mismo con el eliminador. ¿Cuál fue el camino que realizó aquella Compañía para transformarse en la que en 1999 facturó 33,1 mil millones de dólares y hoy cuenta con miles de empleados en diversos países del mundo? En 1930, dos años después de su fundación, la Compañía desarrolló la primera radio para autos que fue comercializada exitosamente. Paul Galvin equipó su auto con el nuevo modelo de radio justo a tiempo para una convención de fabricantes de radios. Al no poder conseguir una cabina en el show, junto con su esposa Lilian hicieron la demostración del equipo en una playa de estacionamiento. Paul inventó la palabra Motorola, que unía el término "motor" con el sufijo "ola", para sugerir la idea de sonido en movimiento. En 1936 Paul Galvin regresó a los Estados Unidos después de un viaje en Europa, convencido de que pronto se produciría un conflicto militar inevitable y de enormes proporciones. Su predicción se hizo realidad al estallar la Segunda Guerra Mundial en


1939. Al año siguiente Motorola produjo el radio Handie-Talkie AM, que comenzó a ser utilizado por el ejército de los estados Unidos. Al terminar el conflicto bélico, la Compañía había fabricado más de 100.000 de estas unidades. En 1969 Motorola estuvo presente en la misión lunar Apolo XI. Gracias a los equipos producidos por nuestra Compañía el mundo pudo ver al Astronauta Neil Amstrong cuando pisaba la superficie de la luna y lo oyó decir aquellas famosas palabras: " Un pequeño paso para el hombre, un salto gigante para la humanidad". Desde entonces, la NASA ha recurrido de forma constante a Motorola para transmitir fielmente sus misiones espaciales. A fines de los ´60, Motorola comenzó a trabajar en el desarrollo de la tecnología celular. Después de quince años de trabajo y tras una inversión de U$S 150 millones, la Compañía creó el radioteléfono DynaTAC. Fueron necesarios diez años de procedimientos de regulación para que el Gobierno de los Estados Unidos garantizara a Motorola una licencia celular. Recién en 1984 se introduce el primer teléfono comercial. Luego de 70 años de existencia, nuestra Compañía sigue prosperando ininterrumpidamente porque sus líderes saben renovarse y adaptarse a los cambios, actuando siempre con la honestidad, integridad y ética, base de la Cultura Motorola. Nuestras Creencias Clave: el Respeto Constante por la Gente y la Integridad Absoluta, son los valores que fundamentan toda la labor de la Gente de Motorola. MOTOROLA CRONOLOGÍA Legado de innovación: cronología de la historia de Motorola, 1928-2007 Desde 1928, el compromiso de Motorola ha sido la innovación en las comunicaciones y la electrónica. Nuestra empresa ha superado numerosos retos a lo largo de sus más de 75 años de historia. Fuimos pioneros en cuanto a las comunicaciones móviles en los años 30 gracias a las radios para automóviles y a las redes de seguridad pública. Fabricamos el equipo que nos brindó las primeras palabras desde la luna en 1969. Encabezamos la revolución de las comunicaciones con el primer teléfono móvil comercial en 1983 y el primer estándar técnico de televisión de alta definición completamente digital (HDTV) en 1990. Hoy en día, como líder global del sector, nuestro liderazgo como empresa innovadora sigue determinando el futuro de la marca Motorola. Consulte a continuación los momentos destacados de la historia de Motorola. 1928: FUNDACIÓN DE LA EMPRESA El 25 de septiembre de 1928, Paul V. Galvin y su hermano, Joseph, constituyeron la empresa fundadora de Motorola, la Galvin Manufacturing Corporation, en Chicago. 1928: ELIMINADOR DE BATERÍA El primer producto de Galvin Manufacturing Corporation en 1928 fue un eliminador de baterías. El dispositivo permitía a las radios de batería operar con la corriente eléctrica estándar de la casa. 1936: RECEPTOR DE RADIO POLICE CRUISER En 1936, la Galvin Manufacturing Corporation presentó el receptor de radio denominado Police Cruiser (patrulla de la policía) de Motorola, una radio de una frecuencia diseñada para recibir transmisiones de la policía. El cliente ajustaba esta resistente radio en una única frecuencia que él mismo especificaba. 1940: RADIO HANDIE-TALKIE SCR536


En 1940, los ingenieros de la Galvin Manufacturing Corporation (más adelante Motorola) desarrollaron la radio de doble vía portátil AM Handie-Talkie SCR536. Esta radio portátil se convirtió en un icono de los frentes de batalla de la Segunda Guerra Mundial.1941: primer sistema de radio comercial de doble vía FM de Motorola En 1941, la Galvin Manufacturing Corporation presentó la primera línea comercial de sistemas y equipamiento de radio de doble vía para automóviles FM de Motorola. El primer sistema FM de Motorola se instaló en Filadelfia, Pensilvania, EE. UU. 1943: PRIMERA OFERTA DE ACCIONES AL PÚBLICO DE MOTOROLA Galvin Manufacturing Corporation vendió la primera acción de Motorola al público en 1943 a un precio de 8,50 dólares la acción. 1943: PRIMERA RADIO DE DOBLE VÍA PORTÁTIL FM DEL MUNDO En 1943, la Galvin Manufacturing Corporation (más adelante Motorola) creó la primera radio de doble vía portátil FM del mundo, el modelo tipo mochila SCR300, para el U.S. Army Signal Corps (cuerpo de comunicaciones del ejército de los Estados Unidos). Con un peso de 15,9 kilogramos, la radio "walkie-talkie" tenía un alcance de 16 a 32 kilómetros. 1946: RADIOTELÉFONO PARA AUTOMÓVILES El 2 de octubre de 1946, el equipo de comunicaciones de Motorola hizo las primeras llamadas en el nuevo servicio de radioteléfono para automóviles de la empresa Illinois Bell Telephone Company en Chicago 1947: CAMBIO DEL NOMBRE DE LA EMPRESA En 1947, la Galvin Manufacturing Corporation se convirtió en Motorola, Inc 1947: PRIMERA TV DE MOTOROLA La primera televisión de Motorola, el modelo Golden View de 1947, era asequible y popular. Más de 100.000 unidades vendidas en un año. 1955: PRIMER TRANSISTOR COMERCIAL DE GRAN POTENCIA El primer transistor comercial de gran potencia del mundo fue el transistor de germanio de Motorola que se lanzó en 1955. También fue el primer semiconductor fabricado en serie de Motorola. 1955: LOGOTIPO DE MOTOROLA DE LA "M" ESTILIZADA" En junio de 1955 Motorola presentó un nuevo logotipo de marca, la insignia estilizada "M", o "emsignia." Un dirigente de la empresa afirmó que los dos ambiciosos picos en triángulo que se arquean para formar una abstracta “M” representan el punto de vista de liderazgo continuo de la empresa. 1956: ROBERT W. GALVIN, PRESIDENTE Robert W. Galvin, hijo del fundador de la empresa Paul V. Galvin, se convirtió en Presidente de Motorola, Inc. en 1956. 1958: RADIO DE DOBLE VÍA PARA AUTOMÓVILES MOTRAC En 1958, Motorola presentó la radio Motrac, la primera radio de doble vía para automóviles del mundo con una fuente de alimentación y receptor completamente transistorizados. Su bajo uso de energía permitía a la radio realizar la transmisión sin tener en funcionamiento el motor del automóvil


1963: PRIMER TUBO DE RAYOS CATÓDICOS PARA TELEVISIÓN EN COLOR RECTANGULAR DEL MUNDO. En 1963, Motorola presentó el primer tubo de rayos catódicos para televisión en color rectangular del mundo. El tubo, desarrollado en una empresa conjunta con National Video Corporation, se convirtió enseguida en el estándar del sector. 1969: PRIMERAS PALABRAS DESDE LA LUNA Un transpondedor de radio de Motorola transmitió las primeras palabras desde la luna a la Tierra en julio de 1969. El transpondedor instalado a bordo del módulo lunar Apollo 11 transmitía la telemetría, la localización, las comunicaciones de voz, así como las señales de televisión entre la Tierra y la luna. 1973: PROTOTIPO DEL SISTEMA MÓVIL DYNATAC En 1973, Motorola exhibió un diseño prototipo para el sistema móvil de radioteléfono DynaTAC (DYNamic Adaptive Total Area Coverage, cobertura de área total adaptable dinámica). Un dispositivo de bajo consumo resultó ser un elemento fundamental del sistema. 1983: PRIMER TELÉFONO MÓVIL COMERCIAL DEL MUNDO El primer teléfono móvil disponible comercialmente del mundo, el teléfono DynaTAC de Motorola, recibió la aprobación de la U.S. Federal Communications Commission (Comisión de comunicaciones federales de los Estados Unidos) en 1983. Los usuarios pudieron adquirir el teléfono de 794 gramos en 1984. 1986: PROCESO DE CALIDAD SIX SIGM Motorola inventó el proceso de mejora de la calidad Six Sigma en 1986. Six Sigma proporcionaba un idioma común mundial para medir la calidad y se convirtió en un estándar global. 1990: PRIMER ESTÁNDAR TÉCNICO HDTV En 1990, una filial de Motorola, conocida como General Instrument Corporation, propuso el primer estándar técnico de televisión de alta definición completamente digital (HDTV). 1991: PRIMER SISTEMA MÓVIL GSM Motorola exhibió los primeros prototipos de sistema móvil digital y de teléfonos que usaban el estándar GSM (Global System for Mobile Communications, sistema global para comunicaciones móviles) en Hanover, Alemania, en 1991.! 1994: RADIO DIGITAL IDEN En 1994, Motorola presentó la radio digital iDEN, el primer sistema de radio digital comercial del mundo que combinaba buscapersonas, comunicaciones de datos y móviles, así como envío de voz en una red y dispositivo de radio únicos. 1995: PRIMER BUSCAPERSONAS DE DOBLE VÍA DEL MUNDO En 1995, Motorola presentó el primer buscapersonas de doble vía del mundo, el buscapersonas personal con mensajería de doble vía Tango. Permitió a los usuarios recibir mensajes de texto y correo, así como responder con una respuesta estándar. También se podía conectar a un ordenador para descargar los mensajes largos. 1996: TELÉFONO PORTÁTIL STARTAC El teléfono móvil portátil StarTAC de Motorola era el más ligero y pequeño del mundo


cuando se presentó en 1996. Pesaba solamente 88 gramos. 1999: DISPOSITIVO IDEN I1000PLUS Presentado en 1999, el dispositivo iDEN i1000plus de Motorola fue el primero en combinar la telefonía digital, radio de doble vía, buscapersonas alfanumérico, microexplorador de Internet, correo electrónico, fax y mensajería de doble vía. 2000: PRIMER SISTEMA MÓVIL GPRS DEL MUNDO. En junio de 2000, Motorola y Cisco Systems, Inc. comercializaron la primera red móvil GPRS (General Packet Radio Service) a BT Cellnet en el Reino Unido. El sistema también utilizó el primer teléfono móvil GPRS, el modelo Timeport P7389i de Motorola. 2000: SISTEMA DE DATOS INALÁMBRICOS DE MISIÓN CRÍTICA En 2000 Motorola probó el primer sistema mundial de datos de alta velocidad de 700 MHz de banda ancha para usuarios de la Seguridad Pública, permitiendo las soluciones de misión crítica avanzadas. Los servicios de Policía, Emergencia 2004: TELÉFONO MÓVIL MOTOROLA V3 En 2004 Motorola presentó el teléfono móvil RAZR V3, un teléfono cuatribanda, de acabado metálico y ultrafino. El ligerísimo teléfono de 13,9 mm utilizó aluminio de grado aeronáutico para conseguir varias innovaciones en ingeniería y diseño entre las que se incluía un teclado de níquel plateado. 2005: RED DE RADIO DE BANDA ANCHA MOTOMESH Motorola y Symbol Technologies, Inc. se fusionaron en 2007 con el objeto de ofrecer productos y sistemas para las soluciones de movilidad para empresas, incluidos los equipos móviles resistentes, la captura avanzada de datos y la identificación de radio frecuencia (RFID). 2006: SMARTPHONE MOTOROLA MING Motorola y Symbol Technologies, Inc. se fusionaron en 2007 con el objeto de ofrecer productos y sistemas para las soluciones de movilidad para empresas, incluidos los equipos móviles resistentes, la captura avanzada de datos y la identificación de radio frecuencia (RFID). 2007: PREMIO BEST CORPORATE CITIZEN Motorola ocupó el puesto número cuatro en la lista America's 100 Best Corporate Citizens de la revista CRO, por su actuación en áreas como la gestión, el medio ambiente, la comunidad y el empleo. En 2007 fue el segundo año consecutivo que Motorola conseguía el cuarto puesto de la lista y la cuarta vez que Motorola aparecía entre los 10 primeros. 2007: PREMIO BEST CORPORATE CITIZEN Motorola ocupó el puesto número cuatro en la lista America's 100 Best Corporate Citizens de la revista CRO, por su actuación en áreas como la gestión, el medio ambiente, la comunidad y el empleo. En 2007 fue el segundo año consecutivo que Motorola conseguía el cuarto puesto de la lista y la cuarta vez que Motorola aparecía entre los 10 primeros. 2008: GREGORY Q. BROWN, DIRECTOR GENERAL El 1 de enero de 2008, Gregory Q. Brown fue nombrado Director General de Motorola, Inc. ---------------------------------------------------------


Ubicación: (1940-1964) Italia. Movimiento aerodinamismo. Introducción: La empresa fue fundada en 1908 en Ivrea, cerca de Turín, por Camillo Olivetti, como fábrica de máquinas de escribir. Su primera planta extranjera abrió las puertas en 1930. En 1948 lanza la calculadora eléctrica Divisumma. Olivetti produjo el primer ordenador de Italia, el Elea 9003, en 1959. En 1964 la empresa vende su división de electrónica a la empresa estadounidense General Electric, aunque continuó fabricando productos informáticos. El 20 de octubre de 1908 Camillo Olivetti funda en Ivrea la Ing. C. Olivetti & C.S.p.A., «primera fábrica de máquinas de escribir» italiana. Los empleados son 20, y la estructura productiva consiste en un taller de 500 metros que representa en los primeros años una producción de 20 máquinas a la semana. La primer máquina de escribir es la M1, presentada en 1911 en la Exposición Universal de Turín. En los años sucesivos, la empresa crece rápidamente ampliando y diversificando la oferta y desarrollando la presencia comercial en Europa y en el mundo. Se lanzan nuevos modelos de máquinas de escribir (entre ellos los primeros portátiles), y luego télex, calculadoras, muebles y equipamiento para la oficina. También, se desarrolla la línea de máquinas de escribir y calculadoras eléctricas. Ingresa, por otra parte, en el campo de las máquinas y control numérico. Olivetti M1: Marca el comienzo de la producción industrial de máquinas de escribir en Italia, y es la base de la empresa Olivetti. El teclado tiene 42 teclas que pueden escribir 84 caracteres.Un total de alrededor de 6000 máquinas fueron fabricadas hasta 1920. En estas máquinas, los dos primeros dígitos del número de serie indican el año de fabricación. (primer cartel publicitario). --------------------------------------------------------Philippe Starck “Juicy Salif” UBICACIÓN Su famoso exprimidor de limones se fabricó en el año 1990, en París. Está englobado dentro del famoso movimiento “posmodernismo” ,donde nace el “ diseño funcional”. El posmodernismo no se basa en ningún estilo en concreto, en este movimiento todo tiene cabida; se apropia de lo hecho y lo rediseña. Está basado en el nuevo funcionalismo. INTRODUCIÓN Su diseño es elaborado por Philippe Starck, diseñador industrial mundialmente conocido por la funcionalidad de sus diseños y su estética. Busca diseñar objetos que integren las pasiones, deseos y una percepción global de nuestro medio ambiente y del mundo. No sólo se dedica al diseño de objetos cotidianos y urbanos sino además, al diseño de interiores y exteriores, arquitecturas, etc. El diseño del Juicy Salif lo realizó en un primer boceto en una servilleta mientras comía y tras haber exprimido un limón con la mano. Este diseño fue elaborado para la empresa “Alessi Diseño” quien se encargo de comercializarlo en el mercado. Este exprimidor pretendía funcionar como “icono doméstico” y se convirtió en uno de los más controversiales del siglo 20 además de ser uno de los iconos del diseño de los noventa. DESCRIPCIÓN


Sus dimensiones son mayores que uno convencional ,su material es de aluminio pulido y su peso es mayor que el de cualquier exprimidor del mercado. Las premisas que se han tenido en cuenta son: • Formalidad: Esta inspirado en la forma de los insectos. Llama la atención su esbeltez y su cuidada forma. • Estilística: Tiene una gran carga estética dejando a un lado la funcionalidad y la práctica .Este objeto debido a su gran éxito ha creado un estilo propio e innovador, por su color , su textura y su valor semántico Este diseño carece por completo de funcionalidad por tratarse de un objeto que pesa mucho, no es práctico, es caro, desperdicias zumo, no cuela las pepitas, etc. Y aun así tuvo un gran éxito porque potencio la premisa estilística. CONCLUSIONES Es un diseño muy acertado porque pese a no ser nada funcional consiguió lo que el autor quería “ ser un icono domestico” y de ahí su gran éxito, ya que desde un principio Philippe Starck no buscaba la funcionalidad sino el estilo.

--------------------------------------------------------MINI UBICACIÓN: (1940-1964) Inglaterra, Irlanda. Movimiento de la posguerra. INTRODUCCION: Diseñado como proyecto ADO15 (Austin Drawing Office project number 15, "Proyecto número 15 de la Oficina de Diseño de Austin"), el Mini surgió de la escasez de combustible. En 1956, como consecuencia de la Crisis de Suez, que redujo el suministro de petróleo, el Reino Unido sufrió la reintroducción del racionamiento de gasolina. Las ventas de grandes vehículos cayeron, y hubo un gran incremento en el mercado de los automóviles utilitarios, que eran en su mayoría de origen alemán. Como consecuencia se realizó la producción de este automóvil de bajo costo pequeño creado por la British Motor Company y sus empresas sucesoras. Su distribución ahorradora de espacio con tracción delantera influyó sobre una generación de fabricantes de automóviles. Mini: El Mini resultó ser una verdadera revolución automovilística en su tiempo, y además muy popular, por su tamaño, versatilidad y prestaciones. Los colores y el diseño lo hicieron mantenerse inmunes a las modas automotrices por varios años y en la actualidad obtiene gran valor estético.


Braun GmbH UBICACIÓN: (1940-1964) Alemania, Suiza, Austria. Diseño radical. INTRODUCCIÓN: Braun GmbH es una compañía alemana de productos de consumo fundada en los mediados de los años cincuenta, el departamento de diseño de la compañía comenzó a producir productos del hogar con diseños innovadores de radios, proyectores de diapositivas, equipos de audio, y otros, que son iconos de la producción industrial moderna de siglo XX, y son hoy estimados como artículos para coleccionistas. En 1955 la empresa comienza una colaboración con la escuela Ulm; fue nombrado representante del proyecto Hans Gugelor. Al enfrentarse al proyecto, Gugelor reordena sus elementos principales (asas, cuadrantes, botones, grafica) y los incluye en volúmenes de geometría limpia, libre de curvas y redondeces excesivas de clara inspiración decó. Colabora con Dieter Rams estableciendo un claro límite entre lo interior y lo exterior. Braun: Conocida por sus productos de diseño funcional y estético, nos inspira sencillez y pureza. Utiliza un estilo basado en las formas sencillas, geometricas elementales, graficas racionales y superficies lisas.


Boli Bic UBICACIÓN: (1940-1964) Francia. Diseño radical. INTRODUCCIÓN: Bic es una compañía francesa con sede en Clichy. Fundada en 1945, es conocida por hacer productos desechables de bajo coste incluyendo encendedores, bolígrafos, y maquinillas de afeitar. BIC fue fundada en Francia por Marcel Bich & Edouard Buffard, en 1945. los dos compraron una fábrica y empezaron a vender partes de lápices. En diciembre de 1950, Michael Bich introdujo su propio bolígrafo, y lo llamó BIC. Un barato y al mismo tiempo fiable bolígrafo fue introducido en todo el mundo. Se trata de una microesfera de carburo tungsteno fijada solidamente en un soporte de latón, todo lo demás –soporte, cuerpo y capuchón- de plástico. Boli Bic: Su gran éxito es básicamente funcional, ya que supuso una revolución en la escritura al evitar manchurrones. Proporciona una escritura ágil y rápida, pudiendo escribir hasta casi tres mil metros de palabras. Escribir nunca fue tan fácil.


--------------------------------------------------------TETRA PACK. UBICACIÓN: (1940-1964), Escandinavia. INTRODUCCION: Ruben Rausing fundó la primera empresa sueca de packaging. 1943 comenzó a estudiar la creación de un nuevo envase de leche que redujera al mínimo el embalage y optimizara la higiene del producto. El problema se solucionó con la optimización de un sistema que aunaba papel y plástico y sellaba herméticamente los envases. En 1951 Rausing y Wallenberg fundaron AB Tetra Pack Earl Tupper desarrolla el polietileno de excelente calidad, pulido, translúcido y flexible. Para lograr un envase tetrapack se le asocian 2 procesos; el sistema de tratamiento térmico UHT (ultra high temperatura) y el sistema de envasado aséptico, todo esto se comienza a gestar en suecia a comienzos de la década del 50 gracias al invento del doctor RUBEN RAUSING. Las innovaciones de Tetra Pak se desarrollan en el área de envase aséptico para líquidos que, cuando son combinados con un Procesamiento de Ultra-Alta Temperatura (UAT o UHT para las siglas en inglés Ultra High Temperature), permitiendo que los alimentos líquidos puedan ser envasados y guardados bajo condiciones de temperatura ambiente por más de un año. Esto permite que la mercancía perecedera pueda ser guardada y distribuida en grandes distancias sin la necesidad de infraestructura de cadena de frío. CONCLUSIONES: pienso que con la invención del tetra pack el comercio y la vida di un paso mas por su funcionalidad. Tambien pienso que cada vez se esta innovando mas los objetos para hacer de ellos un estilo propio y lanzarlos al mercado mas novedosos y estilisticos. --------------------------------------------------------Verner Panton es considerado uno de los diseñadores de interiores y muebles mas importantes de Dinamarca en el siglo XX. Era un ingeniero de estructuras que se fue a Copenhague a estudiar arquitectura. Creó un gran cantidad de productos de los cuales algunos se convirtieron en una parte importante de la historia del diseño de mobiliario. Sus diseños son funcionales porque cumplen su función como muebles, pero predomina principalmente su parte formal y estilística.


Se basa en las formas curvadas, y esto le produce un estilo muy de los 60, creando ambientes con interiores radicales y psicodélicos. Crea diseños innovadores y futurísticos con una gran variedad de materiales, especialmente plásticos con colores vibrantes. Uno de sus diseños más conocidos es las silla Panton, que se ha convertido en uno de los iconos del diseño de mobiliario moderno. Pero no solo por su aspecto, sino por lo que supuso la concepción de una silla fabricada de una sola pieza, y con un único material. --------------------------------------------------------**Verter Panton** Ubicación: (1940 – 1964) (1965 – 1984) Escandinavia. Diseño organico / Pop Introducción: (1926 – 1998) Fue un diseñador industrial danés considerado como uno de los más influyentes del diseño de mobiliario de fines del siglo XX. Durante su carrera ha creado una variedad de diseños innovadores y futuristas, especialmente construidos en plástico y con colores brillantes. La mayoría de sus diseños más conocidos continúan en producción. La predilección de Verner Panton por los colores intensos y las formas geométricas queda patente en su vasta obra como diseñador textil. Las composiciones espaciales de Panton son reconocidas por fusionar suelos, paredes y techos, así como muebles, lámparas, tejidos y paneles de esmalte o plástico para formar una unidad espacial tan perfecta como indivisible. Verner asistió a la Escuela Técnica de Odense y luego estudió arquitectura en la Real Academia de Bellas Artes de Copenhague (Det Kongelige Danske Kunstakademi) donde se recibió en 1951. En los primeros años de su carrera, entre 1950 y 1952 trabajÛ en el estudio de arquitectura de Arne Jacobsen, otro diseñador y arquitecto danÈs. En 1955 abrió su propio estudio de arquitectura y diseño. Se hizo famoso con sus muebles basados en formas geométricas fabricados por la empresa Plus-linje. A fines de la década de 1950 sus diseños de sillas, sin patas y respaldo discernible, se hicieron cada vez más poco convencionales. Panton Chair: La silla Panton es una de las piezas más relevantes del diseño moderno. Pero no solo por su aspecto, sino por lo que supuso la concepción de una silla fabricada de una sola pieza, y con un único material. Esta silla fue diseñada por Verter Panton en 1960, apenas 6 años más tarde la silla comenzó a fabricarse en serie. Esta fabricación la llevó a cabo Vitra, que a día de hoy continúa haciéndolo. Su única variación se encuentra en los materiales utilizados en su elaboración. Inicialmente se fabricaba en una mezcla de plástico y fibra de vidrio. Hoy en día, hay dos versiones de la silla Panton: Panton Classic que Vitra elabora en una espuma dura con superficie barnizada y Panton Chair Standard realizada íntegramente en plástico y por tanto más económica. La fabricación de esta silla causó furor, tanto que a día de hoy continúa siendo icono de modernidad. Está expuesta en el Museo  de Arte Moderno de New York. Conclusión: Sin duda ninguna el diseño de Panton a sido uno de los más logrados en cuanto a muebles de hogar y mas en concreto las sillas. Su única forma de adaptarse a una silueta cumpliendo la función de una silla, crea un aire moderno y retro a la vez lo


cual produce que nunca quede fuera de moda. Sus formas al ser tan curvas y fluyentes resulta un diseño bastante dinámico y futurista. Podemos observar la clara influencia de la psicodelia de los años 60 en los colores de la Panton Chair y también en otros diseños de Verer lo que resultan muy llamativos y surrealistas. La silla es totalmente adaptable a casi todos los ambientes, podemos encontrarla en ambientes de estilo retro, por sus pronunciadas curvas, que nos recuerdan a los años de su procedencia. Los 60. En mi opinión la creación de esta silla es totalmente un logro ya que ha conseguido crear un objeto intemporal lo cual resulta extremadamente complicado.

--------------------------------------------------------PIONEROS DEL DISEÑO VOLKSWAGEN Volkswagen es un fabricante de automóviles con sede en Wolfsburg, Alemania. Forma parte del Grupo Volkswagen, el mayor fabricante de automóviles de Europa y segundo a nivel mundial. Historia El nombre Volkswagen se debe a que en los años 1930 surgió en Alemania el proyecto de construir un automóvil que fuese sólido, económico, familiar y accesible para un gran número de personas. Cuando Adolf Hitler se alza con el poder en 1933, decide poner en marcha un plan de fomento de la industria del automóvil, con el objetivo de relanzar sus fábricas y hacerlas más competitivas frente a las inglesas y las francesas. De este modo se lanza un concurso a los empresarios para la concesión de la fabricación del denominado 'automóvil del pueblo'. Ferdinand Porsche fue el encargado de llevar a cabo el proyecto cuyo fin era construir un vehículo sencillo y barato que pudiese estar al alcance de la mayoría de los alemanes Porsche desarrolló su proyecto en clave racionalista, un gran volumen útil, racionalización de los componentes y distribución y motor trasero. La forma curvada del capó, con los faros empotrados, se introdujo como elemento aerodinámico eficiente. El vehiculo se comercializó acabada la II Guerra Mundial, en 1948. Tuvo un gran éxito, especialmente en Estados Unidos. Desde los años cincuenta Aunque sus primeros pasos comenzaron antes de la Segunda Guerra Mundial, no fue hasta los años cincuenta cuando el Escarabajo se convierte en un vehículo de gran aceptación social tanto en Europa como América. En 1978 el Escarabajo dejó de fabricarse en Alemania al bajar la demanda en la mayoría de los países, ya que habían aparecido en el mercado mundial automóviles equivalentes, pero de diseño y tecnología mucho más actuales. Volkswagen no se quedó atrás en la evolución de los automóviles y presentó en 1974 el modelo Golf, que de inmediato tuvo un gran éxito.


Wolfsburg es actualmente sede principal del Grupo Volkswagen. El escudo de armas de la ciudad, fue diseñado por un dibujante apellidado Kern. Lo componían la figura del tradicional castillo de dos torres y puerta levadiza con un estilizado lobo en las almenas. En su vértice unas líneas onduladas simbolizaban el Mittellandkanal.

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