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¡ESTO SE SE MUEVE! ¡ESTO MUEVE!

«Eppur si muove» Galileo Galilei 1 | Signe


¡ESTO SE MUEVE!

«Eppur si muove» Galileo Galilei


STAFF EDICIÓN: Escola d’Art i Superior de Disseny d’Alcoi. PORTADA: Gráficas Crisval y Créame Lenticular 3D. DIRECCÓN Y COORDINACIÓN: Rafa Calbo Such y Maria Castelló Andrés. DISEÑO, MAQUETACIÓN Y RECOPILACIÓN DE CONTENIDOS: Andreu Cuenca Vañó, Esmeralda Rodríguez Jiménez, Olga Valdés Olmedo, Paco Soler Micó, Sonia Rama Valero y Vanessa Jaijo Muñoz. Diseñada usando las tipos: ITC Officina Sans Std, ITC Officina Serif Std y Decima Mono Pro e impreso sobre papel Color Copy 100g/m2. AGRADECIMIENTOS: Especial agradecimiento a Román Guillem, director de Créame Lenticular 3D por formar parte de este proyecto y elaborar desinteresadamente la lenticular de nuestra portada Signe nº4. En Créame son especialistas en impresión lenticular. Podéis encontrarlos en Ibi, en C/ Madrid, 9 y en www.lenticular3d.es y www.vasoslenticulares.com. A David Ulibarri, licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y ligado al museo Guggenheim de Bilbao desde sus comienzos, por la aportación de sus ilustraciones a esta edición. A la imprenta Gráficas Crisval de Ibi por cedernos sus instalaciones para la realización de la portada.

Edición limitada de 500 ejemplares. C/Barranc de Na Lloba, S/N 03801 Alcoi, Alacant. www.easdalcoi.es

© de los textos: los autores © de las imágenes: los autores © de la edición: EASDAlcoi IMPRESIÓN Y ENCUADERNACIÓN: Reprografía EASDAlcoi, bajo la dirección de Juan Carbonell. Se ha citado la procedencia de todas las imágenes e ilustraciones que aparecen en esta revista.


Sumario_

Entrevistas Vicent Martí Vañó

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Reportajes • I feria Food Trucks • Cañas & Tipos • Mide, Alcoi • Enric Solbes • Fiesta Blanca. Raúl Notario y Jamal Khamaich • Impresión Lenticular

• Diego Vainesman • Flora Cuevas. Remei Espí • Júlia, Nuvolàstic • Jose Bravo • Pablo Llorens. Juan de la Cruz • Ana Esteban

20 36 40 62 102 124

10 30 54 98 140 152

Agenda • Blanc festival. Magda Arques • Ilustrafic. Águeda Alvarruíz • Festival de les arts

28 60 90

Artículos • Processing. Magda Arques • Els llibres ahir, hui i demà. Gonçal López-Pampló • Renovem Repro • Lettering & Rock’n’Roll. Diego Sintas • Crowdfunding, algo más que financiación. Toni Gisbert • Recordando a Saul. Amparo Peñaranda • El toque inteligente del diseño y la ilustración. María Penalva • Comic Sans forever and ever. Modesto Valero • El llenguatge paramétric en el disseny gráfic. Rafael Calbo • Jornades Expliquem 2016. Maria Castelló

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Internacional • El viaje. Antonio Fernández • Alumnos por el mundo. The Dulk • Un proyecto sobre significación y re-significación. Gustavo Morant

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El descanso del guerrero

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Vicent Martí Vañó_ DIRECTOR EASDAlcoi

És una satisfacció participar en la presentació de la quarta edició de la revista SIGNE, un projecte de recerca i comunicació editorial de la nostra escola, iniciat ja fa quatre cursos sota la direcció i coordinació de Rafa Calbo i Maria Castelló, i constituït per equips d’alumnes que cursen esta activitat com a matèria optativa. L’equip de SIGNE, es nodria, al principi, d’alumnes de l’especialitat de Disseny Gràfic, però a partir de la propera edició, l’equip de redacció serà més transversal, estenentse a les altres especialitats de l’Escola. Al llarg d’este temps, la revista ha anat consolidant-se any rere any, no només pel que fa a la solidesa teòrica dels articles de recerca de l’actualitat

del disseny en tots els seus gèneres, especialitats i suports tecnològics, sinó també per la qualitat dels dissenyadors i gabinets que s’han implicat en este experiment editorial amb els seus articles o sent entrevistats pels equips de redacció de la revista. Les reflexions d’estos i les imatges de la seua producció creativa, són un exemple clar del nivell actual de la disciplina del disseny que la revista SIGNE, s’ha encarregat d’escollir, recollir i acostar-nos. Però a banda d’esta tasca de recerca de l’actualitat contemporània en l’espai de la creació i del pensament del disseny; la nostra revista té una funció fonamental per l’Escola, la de altaveu i expositor de les activitats que ací es generen.


El ritme i diversitat de treball que es desenvolupa cada dia en l’Escola d’Art i Superior de Disseny d’Alcoi, s’estén més enllà de la pròpia funció docent basada en la formació de futurs professionals creatius capacitats per prendre decisions estètiques, funcionals, i semàntiques al capdavant dels gabinets de disseny de les empreses, o amb la capacitat de crear les seues pròpies mini empreses, start-up o assumir l’activitat de dissenyadors independents freelance... Els nostres departaments d’especialitat treballen en convenis de col·laboració amb empreses, participen en premis i concursos tant a nivell de les comarques com a nivell nacional, realitzen desfilades de Moda en concursos d’alt nivell; s’organitzen ponències, masterclass i workshops amb personalitats de primer nivell en les diferents especialitats del disseny; organitzem exposicions de la nostra oferta formativa i dels projectes dels alumnes, treballem en potenciar la difusió del nostre projecte amb la pròpia producció de vídeos promocionals d’alta

qualitat i amb la millora constant de la imatge gràfica i la renovació i ampliació de continguts de la web i plataformes socials Des dels diferents departaments d’especialitat els professors i alumnes treballen cada dia amb l’objectiu de millorar la qualitat de la tasca docent, el que passa per la renovació i ampliació dels camps de competències tècniques i conceptuals dels seus àmbits disciplinars i fent seguiment de recerca constant de la evolució dels avanços, innovacions i tendències en els sectors del disseny propi. Eixe és el quefer diari dels equips docents dels departaments de Disseny d’Interiors, de Moda, Producte, de Disseny Gràfic o d’Il·lustració posar tots els mitjans pedagògics i tècnics per assolir l’objectiu de millorar cada dia en el difícil, complex i competitiu món de l’ensenyament del disseny. Però no sols l’esforç de treball investigador es centra en les noves tendències i llenguatges contemporanis.


El taller de Mecana-Sans baix l’influx apassionat de Xelo Garrigós i Jordi Sempere lluiten per la recuperació de les eines i tècniques tradicionals de la impremta i la cal·ligrafia, donant als alumnes la solidesa i profunditat necessària als procediments tecnològics digitals actuals del disseny gràfic... Així mateix, les professores/s de l’especialitat d’Il·lustració exploren cada dia la projecció creativa que els recursos artístics personalitzats poden aportar a la renovació i innovació del disseny contemporani. Què podem dir de les nostres companyes/s de la especialitat d’Animació, l’última adquisició a la nostra oferta docent, una disciplina de màxim nivell d’experimentació on les últimes tecnologies informàtiques d’animació en 2D o 3D s’uneixen als mètodes tradicionals com el stop-motion o la rotoscòpia. Però seria injust per la meua banda no citar a tots i cadascú dels professors i professores a totes les especialitats i alumnes. Tota esta ingent activitat diària,ha fet possible el fenomen de l’EASDAlcoi: una Escola de Disseny que malgrat les greus dificultats de ser Alcoi una ciutat mitjana que no es capital de província, i amb un dèficit important de mitjans de transport

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públic; s’ha esdevingut en una escola referent tant a nivell del País Valencià com nacional. Sense l’esforç il·lusionat i impagable de tants professors i alumnes, esta realitat no haguera estat possible. Per tot això, vull deixar ací constància del meu agraïment i de l’Escola com a institució a tots ells. El període de 4 anys des que va començar el projecte de la revista SIGNE, coincideix amb el periple que ha viscut la direcció actual de l’Escola que jo encapçale, un període que ara conclourà el 30 de juny sent substituït per un nou equip d’alta qualificació que mantindrà el nostre projecte per la senda que hem dut fins ara i el projectarà envers nous objectius. Ha estat un esforç il·lusionant esta experiència i un veritable orgull per mi i per tot el meu equip. Torne a centrar tota la il·lusió i l’esforç en la docència, activitat que duc a terme des de l’any 1988 en este centre, aleshores una escola molt petita, familiar i entranyable; actualment un centre d’alt nivell de formació i creació exemplar i admirat pel nostre entorn social i professional. Sols tinc que agraïment al destí per haver tingut la sort de formar part d’este projecte col·lectiu.


Il¡lustració: David Ulibarri


ON THE

Imagen: Les arts

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ROAD


I FERIA FOOD TRUCKS_ Los Food Trucks comida gourmet sobre ruedas, llegaron a España. Son una auténtica institución en Estados Unidos, donde protagonizan festivales gastronómicos. Concebidos para vender comida en cualquier calle, a cualquier hora y en cualquier lugar, los food trucks están revolucionando el panorama gastronómico nacional con una nueva carta de productos gourmet que cuida tanto el origen de los ingredientes (habitualmente ecológicos), como su calidad y presentación.

que permita el desarrollo de la cultura gastronómica callejera y de calidad.

Sin embargo, la legislación española prohibe la venta ambulante de comida preparada en la calle en la totalidad del territorio nacional. Aquí termina el ideal de los food trucks: recorrer España repartiendo comida, por lo que los propietarios de estos vehículos se ven obligados a moverse por eventos, ferias, mercadillos o festivales. Por ello, existen asociaciones como #StreetFoodMadrid que luchan por una reforma legislativa

Nuestros paladares saborearon cada uno de las delicias preparadas en la plaza Al-Azraq, donde quedaron instalados los diferentes puestos ambulantes.

El Street Food Market Alacant es el primer festival de food trucks que se celebra en la provincia, el 26 y 27 de septiembre inició el tour en Alcoy para hacernos disfrutar durante ese fin de semana.

Una vez en el ambiente entrevistamos a los propietarios de las diferentes furgonetas. Todas con diseños totalmente diferentes, generaban un ambiente multicolorido que invitaba a quedarse y disfrutar de comida y ambiente diferente.

Imágenes, texto y entrevistas: Staff Signe.

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Sweetland es una Food Truck con un servicio enfocado a los postres, granizados y cafés. (•)

La IZAKAYA INQUIETA especializada en comida japonesa, es lo que se denomina una Food Van. (•)

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Los Food Trucks ofrecéis un concepto gastronómico diferente, aunáis diseño, gastronomía, carretera... Una cosa está clara, sóis emprendedores que os movéis por festivales, ferias y eventos donde se concentra mucha gente. ¿Sóis conscientes del papel que juega el diseño en vuestro éxito? (•) Sí, por supuesto. Si os vais dando una vuelta por aquí, veréis que cada uno tenemos nuestro diseño propio, completamente establecido y nos conocemos muchas veces ya solo en la distancia por los colores que vamos marcando. (•) Por supuesto, yo como cliente busco siempre sitios que tengan una estética cuidada porque me gusta relajarme y apreciar los detalles. Por lo que gran parte de la inversión a sido en la parte estética. Creemos que llama la atención y a la gente le gusta, incluso se hacen fotos porque les resulta un lugar diferente y único.

¿Os habéis involucrado en la imagen de vuestra furgoneta, es decir, teníais claro lo que queríais contar y cómo, o habéis delegado esta tarea en profesionales del diseño, para que transmitan vuestra identidad? (•) Absolutamente todo lo que vemos en la caravana es diseñado por mí, luego la realización obviamente la hicieron los expertos, que son los que saben, pero las ideas las pusimos nosotros. (•) Todo surgió por parte nuestra, hemos estado siete meses realizando los planos de la caravana, pensando el diseño, etc. Hemos delegado el trabajo en profesionales que nos han asesorado, pero teníamos muy clara la idea para nuestra food truck.

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Cuidáis el producto, comida gourmet rápida y para llevar, cuidáis el diseño de vuestra imagen, ¿también tenéis en cuenta el diseño de los envases? (•) Sí, todo va como si dijéramos en una línea común a lo que es el diseño tanto del espacio como de la gastronomía que ofrecemos en él. Nosotros nos centramos en gastronomía japonesa

En estos tiempos que corren hay que hacer volar la imaginación para conseguir trabajo ... y automáticamente desechamos según que tipo de packaging porque es más industrial. Buscábamos algo más “rústico” con influencias asiáticas. Todo bien cuidado, de principio a fin. (•) A los envases les ponemos nuestro sello para que quede más artesanal. Los gofres por ejemplo se sirven en un envase alargado, y va en un palo por lo que es más fácil de comer y resulta más bonito. Está todo muy cuidado. Estáis siempre rodando, ¿podéis decirnos si creéis que el diseño en general está más presente en festivales de música y eventos culturales? (•) La verdad que ahora está muy de moda el tema de las Food Trucks en festivales de música y mercadillos en general. 14 | Signe

(•) Sí, cada vez más. Si te das una vuelta por aquí verás que no hay ninguna igual, cada una tiene sus detalles, cada vez la gente se preocupa más de la imagen que quiere transmitir. ¿De dónde surge esta revolución del diseño gastronómico? ¿Qué os hizo encauzaros en este proyecto? ¿Quién o qué ha sido vuestra fuente de inspiración? (•) Aquí en España excepto tres o cuatro pioneros de hace cuatro y cinco años, el movimiento tiene un año justo de antigüedad. Empezó en el mes de septiembre del año pasado en Barcelona. De ahí se exportó a Madrid, y de ahí ha sido un bombazo que ha pegado en todo el país. ¿A nosotros quién nos inspira? bueno nosotros nos hemos metido por vocación e incluso también por necesidad, obviamente. En estos


tiempos que corren hay que hacer volar la imaginación para conseguir trabajo, y la forma es dárnoslo nosotros mismos. Nuestra fuente de inspiración somos nosotros mismos, no hay un camino a seguir, lo estamos inventando todos. (•) Nosotros eramos informáticos, pero nos empezamos a aficionar, no sabíamos cocinar pero nos encanta el dulce (risas), entonces probamos a hacer cosas dulces y parecía que a la gente le gustaba, hasta que un día nos planteamos abrir una cafetería, pero salía muy caro. Entonces a mi compañera se le ocurrió montarlo en una caravana y así nos ahorramos costes de alquiler y demás. En un principio lo vi una locura, pero comenzamos a investigar y al final aquí estamos. Es difícil, pero por lo menos no dependemos de nadie.

¿Percibís que tenéis más ventas gracias a una imagen cuidada?¿El diseño habla por vuestro producto? (•) Sí, yo creo que sí. Bueno si os fijáis en la IZAKAYA INQUIETA, es un Food truck que tiene mucha personalidad, con sus colores, con todo. Entonces hay gente que ya te conoce de lejos, y te viene a ver porque te conoce. (•) Sí, hay mucha gente que no sabe lo que somos, porque no tenemos carteles donde pongan lo que ofrecemos, pero entonces se acercan ya que les resulta atractiva y comienzan a interesarse por lo que ofreces. ¿Consideráis que la gente se está adaptando a este tipo de movimiento gastronómico? ¿Tenéis un tipo determinado de clientela? (•) Bueno, en estos momentos está muy de moda, es un boom y es un éxito, con lo cual casi todo el mundo, casi todos los promotores de eventos, tengan un marcado diseño o no tengan ninguno, se quieren subir a este carro. Y todo el mundo quiere empujar del Food Truck. Entonces bueno, el diseño ya digo, cada uno nos marcamos el nuestro. Los organizadores marcan el diseño de evento que quieren, nosotros marcamos el nuestro, tanto de nuestra gastronomía como de nuestro espacio.

... estamos abiertos a cualquier tipo de posibilidad. Signe | 15


(•) De momento tenemos un lugar fijo en San Pedro del Pinatar (Murcia), donde tenemos clientes que aún no están muy puestos en este mundo y nos confunden con churrerías (risas), pero luego en los eventos de este tipo y cuando hablas con la gente cercana, amigos y familiares, que al principio decían ¿eso que és, una cafetería, una cucherría?. Pero ahora con los programas de televisión como por ejemplo de Cocineros al volante, la gente dice «¡Ah sí, como el de la tele!» y por lo menos ya los clientes te sitúan. Cada vez son más los que conocen las Food Trucks. Debido a la legislación española no podéis trabajar a pie de calle ordinariamente, por lo que trabajáis en eventos cerrados tales como festivales de música y mercadillos de diseño entre otros. ¿Habéis considerado moveros por las diferentes escuelas de diseño? (•) Nosotros estamos casi exclusivamente centrados en mercados gastronómicos. El tipo de producto que tenemos no es un producto para masas, no es un producto para según qué espacios, entonces nos centramos en espacios de carácter gastronómico. Francamente, es algo tan nuevo que nunca sabes a

dónde puedes llegar, y dónde está el click que te hace triunfar o estrellarte. Y de momento vamos probando todos los palos que se nos van surgiendo. En algunos nos estrellamos, y aprendemos, y en otros nos va de maravilla como aquí. (•) Solemos trabajar en mercadillos, en un festival de diseño que hubo en las Cigarreras, pero nosotros en San Pedro del Pinatar (Murcia) hemos hablado con el ayuntamiento y nos ha dado un parque durante seis meses a modo de prueba. La verdad que allí te dan la posibilidad de montar un puesto en una caravana con el objetivo de que en tres o cuatro años te montes un puesto fijo. Entonces ahora mismo nosotros tenemos legalmente la posibilidad de estar fijos pero limitados por el tiempo, hasta que nosotros veamos si montamos algo fijo o no. En el resto del país todavía no lo permiten, únicamente en ferias gastronómicas como esta, o como complemento a otra fiesta, como festivales de música. Sí, en realidad llevamos un mes que nos hemos parado, no paran de llamarnos. Sí estamos abiertos a cualquier tipo de posibilidad. ¿Utilizáis productos biodegradables en vuestros envases, publicidad, etc.? (•) Todo es natural, compostable y biodegradable. (•) Sí, de hecho nosotros nos preocupamos por el medio ambiente. Al estar en la calle no nos gusta tirar productos pláticos, por lo que todos los envases son biodegradables y compostables.

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Il¡lustració: David Ulibarri


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Processing_ MAGDA ARQUES, PROFESSORA DE MITJANS INFORMÀTICS EN L’EASDAlcoi Entre el desconcert i l´allau. float x=0; String textenmoviment=«La relació que existix entre pensar el moviment, la creació i la representació per a mi el més sorprenent és pensar allò que vas a veure i que mai apareix. Les possibilitats que mai arriben. Les possibilitats que es plantegen i que mai havies imagina’t. Entre el desconcert i l’allau. Pensar la imatge més enllà del resultat final. En possibilitas, combinacions i estructures que potser mai podràs tornar a treure ni trobar. No obstant això el moviment més que una representació és un anhel. Allò que passa i mai torna, una reproducció que mai torna a ser igual. Parlar de moviment és un estat en si mateix.»; void setup(){ size(1,1); println(textenmoviment); } void draw(){ background(100); x=x+1; text(x,20,20); }

Imagen: Magda Arques.

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Diego Vainesman_ El inicio de las jornadas Expliquem corrió a cargo de Diego Vainesman, que nos visitó el pasado 21 de octubre de 2015 con la ponencia Logos, identidades y el genio de la República de Florencia. En ella ofreció una visión transgresora e integrante de la creatividad y el nacimiento de logotipos e identidades corporativas, además de una serie de conexiones históricas imaginadas y reales con Leonardo Da Vinci. Resultó ser una charla instructiva, amena y con dosis de buen humor. Para aquellos que no lo conozcan, Diego Vainesman es un prestigioso diseñador y director de arte. Natural de Argentina, se graduó en la Parsons School of Design de Nueva York, y actualmente trabaja junto Pamela Prichett en el estudio 40N47 ubicado en la misma ciudad. Entre sus clientes se encuentran empresas de la talla de Canon, IBM, Luxury Collection Hotels, Pfizer… además de organizaciones sin ánimo de lucro como la Congregación B’nai Jeshurun y PS 158.

Imparte charlas y talleres sobre diseño y branding por Europa y Sudamérica. Fue presidente y enlace del Type Directors Club* del que es miembro desde 1991. Diseñó el anuario Tipography 25, y además fue corresponsal en Nueva York de la revista TipoGráfica*. También se dedicó a la docencia en el Pratt Institute y en la Parsons School of Design, de la que fue alumno. Su trabajo engloba muchos ámbitos del diseño gráfico como: Identidad corporativa, señalética, diseño editorial y audiovisual…

Type Directors Club* Organización internacional fundada en el año 1946, que reúne a famosos tipógrafos para promover la excelencia tipográfica y todo lo relacionado con ella mediante charlas, conferencias y seminarios. Más información en www.tdc.org

Texto: Andreu Cuenca. Entrevista: STAFF Signe. Imágenes: EASDAlcoi y Camisetas Nuvj® Human Brand.

TipoGráfica* Revista fundada en 1897 por Rubén Fontana, que fue una auténtica referencia en América del Sur hasta su cierre en 2007. Se trataban principalmente contenidos de diseño gráfico y tipografía.

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Imรกgenes de algunos momentos de la conferencia.

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Tras la charla, el equipo de Signe se reunió con Diego para realizar una entrevista. Aquí os la dejamos: En los inicios de su carrera su trabajo fue polivalente ¿qué fue lo que le llevó a elegir el camino del diseño gráfico? Emigré a EE. UU en el año 1982, cuando aún estaba el régimen militar en Argentina, justo antes de las Malvinas. La carrera de diseño gráfico empezó en la universidad pública en el año 1987. En los años anteriores el aspecto creativo estaba muy venido abajo y era muy difícil entrar en las universidades públicas para poder aprender. Cuando empecé a recibir clases, no sabía que era realmente lo que estaba estudiando, ya que en un primer momento había millones de materias a través de las cuales teníamos que formar nuestro propio camino. En mi caso terminé haciendo diseño corporativo y

tipografía. Aunque parezca extraño, al principio los odiaba, y por eso siempre les digo a mis estudiantes que no hagan caso de su primera impresión y que sigan con la carrera que han elegido para realmente ver dónde van terminar. ¿Qué es para usted el branding? El branding no es un logotipo ni una identidad corporativa, más bien puede definirse como el sentimiento que tiene un conjunto de personas hacia una marca o producto. No considero branding el hecho de que una persona concreta exprese que odie o admire una determinada marca, para mí pasa a serlo cuando existe un grupo homogéneo de gente con la misma sensación hacia ella. Es algo más de acá (se toca el pecho), que de otra cosa. Signe | 23


«Un diseñador que hacía identidades corporativas hace muchos años estaba también haciendo branding, lo que ha pasado es que la palabra se ha puesto de moda»

¿Y cómo cree que se está adaptando en la actualidad? Se está adaptando de forma excepcional, porque hoy en día hay muchos diseñadores excepcionales. Aunque la realidad es la siguiente: branding es una palabra para vender, o sea, un diseñador que hacía identidades corporativas hace muchos años estaba haciendo branding también, lo que ha pasado es que la palabra se ha puesto de moda. Cuando un profesor te dice: «Haz un logotipo y ponlo en tal lado, ahora ponlo en una animación, ahora en un sillón, ahora en un camello...» (ríe), vos como estudiante también estás haciendo 24 | Signe

branding y adaptándolo. ¿Sabes a que equivale la palabra branding? Si realizo una propuesta para que me hagan el logotipo, alguien hipotéticamente me cobrará 5.000 dólares. Si ya me hacen el logotipo «para aplicaciones de branding, bla, bla, bla...« me cobrará 20.000 dólares. Están los que hacen relaciones públicas y marketing para hablarte de ciertas cosas, pero en cuanto al producto, como diseñador se sigue haciendo lo mismo. ¿Solamente cambia la forma en la que lo enseñamos o donde lo aplicamos? ¿Cambia con respecto a qué?


pensando en si voy a diseñar un logotipo para impresión; para ser animado, para el Ipad, para la web o para un video. Nos adaptamos Si eres un diseñador real sí, pero si diseñas un logo en Photoshop con un tamaño de 5 pixeles, no lo vas a poder disectar y te quedarás sin elementos. ¿Qué papel juega un diseñador en la actualidad, en una sociedad en movimiento? Un papel muy importante, o sea, todo es diseño y se aplica de distintas maneras. La pregunta no sé exactamente a qué se refiere, pero estamos sentados en una silla que hizo un diseñador industrial, y si no hay un diseñador industrial estoy sentado en algo en lo que dentro de 5 minutos me va a doler la espalda.

Con respecto a presentar una marca ante la sociedad. Hace años veíamos las marcas impresas o en el merchandising, y hoy podemos interactuar con ellas en la web, en aplicaciones… Es lo mismo, lo único que ha evolucionado todo tecnológicamente. Uno como diseñador sabe que, al diseñar una marca, ésta va a estar expuesta en muchas aplicaciones. Hoy en día en las universidades y las escuelas de diseño, los profesores ya saben dónde van a aparecer. Se extendió el número de aplicaciones de un logo digamos. Personalmente, cuando diseño, ya estoy

En referencia a la responsabilidad social. ¡Ah bueno! Hay un aspecto muy importante en cuanto a responsabilidad social, y es que uno tiene que diseñar para la gente, para el cliente, esto es un arte comercial ¿correcto? si eres mi cliente y yo te diseño algo y tu vuelves y me dices que ponga una pizza en el medio del diseño, yo te voy a discutir para no hacerlo, pero finalmente me estás pagando, entonces ¿hasta qué punto uno determina? Lo que yo les enseño a mis estudiantes es que cada trabajo puede ir a dos lugares distintos, a tu cuenta de City Bank o al Signe | 25


Museo de Arte Moderno. Es un péndulo, cuanto más cercano estés al Museo de Arte Moderno menos dinero te van a pagar, en la mayoría de los casos, y cuando el cliente te pide poner la pizza en el diseño, más alejado del Museo estarás. Lo que un diseñador debe tener claro, es que hay luchar por que el diseño sea bueno y explicarlo de la mejor manera, pero hay un momento en que el cliente te está pagando y si quieres que lo siga haciendo, le tienes que hacer caso y olvidarte de la cuestión estética. En materia social hay también otra cuestión importante. Cuando salí de la universidad trabajaba en una agencia de publicidad y vino una empresa de cigarrillos ofreciéndome trabajo y mucho dinero. Les dije que no. ¿Por una cuestión moral? Sí, porque no quiero envenenar a la gente. También puede haber una cuestión política por la cual no lo quieras hacer, o que no vas a hacer algo para bebidas porque tienes hijos y no quieres contribuir a que tomen vino. ¿Usted cree que Leonardo Da Vinci fue el primer diseñador, tal y como entendemos esta profesión actualmente? Yo creo que sí, aunque debe haber habido otros. Al que inventó la rueda nadie lo conoce ¿correcto? (ríe). Cuando observamos todas las invenciones que creó Da Vinci, vemos una persona renacentista, la cual todos toman como un eje. A partir de ahí he basado la charla. 26 | Signe

«Hay un momento en que el cliente te está pagando y si quieres que lo siga haciendo, le tienes que hacer caso y olvidarte de la cuestión estética.» ¿Cree que la globalización beneficia o perjudica a la creatividad? Ambas cosas. Nos beneficia porque nos ayuda a ver un mundo en el cuál todos formamos parte, y por otro lado, nos perjudica porque nos hace perder el sentimiento local y la identidad. Es así de simple. Como director del Type Directors Club ¿Cómo cree que han afectado los dispositivos electrónicos a las características formales y funcionales de la tipografía? Yo creo que no nos han afectado y que es una creación paralela. O sea, toda la gente que diseña las tipografías para impresión, sigue haciéndolo de la misma manera. Ahora lo que hay es una cuestión tecnológica en la cual el diseñador se tiene que adaptar y darse cuenta hay un campo más grande, o sea, que hay mucha gente que está diseñando tipografías. Quizás el porcentaje haya variado enormemente, pero la ejecución y la forma de diseñar sigue siendo la misma.


Il¡lustració: David Ulibarri


C N A L UN B

TIRANT A GRIS 28 | Signe


Entre dos mons_ MAGDA ARQUES, PROFESSORA DE MITJANS INFORMÀTICS EN L’EASDAlcoi Es nota que estem de canvis i moviments, em referisc no únicament a la tendència i la moda que això és un moviment constant sinó al moment social i polític que ens trobem. Aquest any al Blanc hem pogut veure com alternen els punts de vista i com aquests es veuen afectats per les tendències i les modes. Estar i contar les coses es tan important com què i com es fan. El Blanc és una espècie de festival, entorn a conferències en diferents formats. Conferències, Varietés, Amics del Blanc i MasterClass. El què més abunda és el format Conferència on es dedica un temps de vora una hora per contar i ensenyar. Han hagut vàries maneres d’aproximarse al disseny de diferents formes des de les Varietés a on David Casacuberta ha creat una reflexió a partir dels conceptes de la multitasca, la inmediatesa front el pensar en l’ara. La proximació a viure l’ara més ara a partir de formular paradigmes il·lògics per desprendre’s de la realitat, utilitzant el format koan. A l’igual que el varieté de Eulàlia París que va crear un vincle amb les lògies maçòniques, el disseny gràfic i l’entorn de Vilanova i la Geltrú.

Per un altra banda les conferències es van moure des de allò heroic de la mà de Pla-Narbona un il·lustrador (entés des de el punt de vista del s.XVIII) de 83 anys acompanyat de la seua filla que l’ajudava a posar en ordre i no despistar-se massa d’allò relatiu al que havia de fer referència i per un altre costat el Josep Mir, que va recaure amb un format d’entrevista molt elogiadora i de mirar-se el melic. El treball de dissenyadors Finlandesos Kokoroi & Moi and TsTo, on van mostrat els seus treballs. Altres conferències a resaltar són, per una banda, la del tipògraf Joan Carles Casasín, que es va moure amb rotunditat. Va començar contant com cobrava i establia els contractes de treball. Partir de la realitat sempre posa els peus a terra. Tot seguit va explicar la seua experiència laboral i vital i va deixar entreveure com els canvis socials i polítics li han anat afectant passant i tot per una crítica al sistema educatiu vingut de Bolonia. Així que obrint d’aquesta manera la seua conferència no va deixar indiferent a ningú. Un treball el de Casasín sempre en procés i en creació constant obert a propostes i suggerències però sempre buscant el millor per al client sense deixar de caure en les tendències perquè si.

Il·lustració: Laura Ochando.

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SALUD & BUENA

LETRA

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Cañas & Tipos_ Algo se está cocinando en Valencia y Signe mete la nariz en el puchero. Inquietud tipográfica compartida y ganas de pasarlo bien son los ingredientes del Cañas & Tipos. Encuentros informales y tipografía funcional más allá de las modas. En 2013, un grupo de chavales se reunía en las terrazas y bares de Valencia para hablar del mundo de la letra en cualquiera de sus formas. Fuera del Congreso Nacional de Tipografía que celebra Valencia cada dos años y de las escuelas de arte, Joan Quirós, Rafa Jordán y Julio Fuentes sentían la necesidad de debatir y compartir su pasión por la tipografía y caligrafía. A través de las redes sociales, animaron a todo el que estuviese interesado a participar en estos encuentros informales, aunque las primeras convocatorias no tuvieron mucho éxito. Joan Quirós nos cuenta que pasados unos meses descubre en Behance el portfolio de Jordi Sempere. Le gusta su trabajo y el hecho de que sea profesor de la EASDAlcoi. La proximidad geográfica puede favorecer la toma de contacto, así que decide invitarlo a unirse al Cañas & Tipos con la intención de que aporte su visión y conocimiento a estas reuniones con el fin de enriquecerlas. Jordi quedó encantado de su primer encuentro y fue a partir de entonces cuando fueron creciendo en número de asistentes.

Se unieron Xelo Garrigós, profesora de tipografía de la EASDAlcoi, sus alumnos Daniela Beltrán, Jordi Vicens y Laura Sánchez y por último, Juanjez López y Pablo Bosch. Con ellos firmaron el Pacto de Xátiva y empezaron a dar forma a lo que más tarde se convertiría en un evento a tener en cuenta por los que sienten pasión por la letra.

Joan, Rafa y Julio sentían la necesidad de debatir y compartir su pasión por la tipografía y caligrafía. En agosto de 2014, Cañas & Tipos crea un grupo en Facebook y dan la oportunidad de ojear contenidos a los interesados. Esto va viento en popa y desde el taller de Mecana Sans en Alcoi se crea el manifiesto de Cañas & Tipos, Signe | 31


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Ésto va viento en popa y desde el taller de Mecana Sans en Alcoi se crea el manifiesto de Caùas & Tipos, donde evidencian tanto el interÊs por la letra desde un punto de vista funcional, como la propuesta de compartir y debatir en un ambiente informal.

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donde evidencian tanto el interés por la letra desde un punto de vista funcional, como la propuesta de compartir y debatir en un ambiente informal con buen humor. Este grupo de gente ha conseguido en poco tiempo y fuera del ámbito académico, marcar en el calendario días donde presentar nuevas tipografías, exponer nuevos proyectos, compartir bibliografía o intereses relacionados. Han creado una plataforma abierta a recibir a cualquiera que se interese por la tipografía o caligrafía más allá de las modas. Al cierre de este artículo, el último encuentro de Cañas & Tipos se celebró en noviembre de 2015 en la Câpsula, espacio coworking dirigido por Pablo Bosch. Un éxito de asistencia donde Rafael Jordán presentó su nueva tipografía Dídac, Carme Almenar su proyecto La forma visual de las matemáticas, un estudio sobre la didáctica matemática no especializada. Joan Quirós, Rafa Jordán y Jordi Sempere presentaron bibliografía relacionada con la caligrafía y la tipografía. Libros como La historia de la escritura de Ewan Clayton o Varia conmesuración… de Juan de Arphe. Por último, Xelo Garrigós, representante de Mecana Sans, mostró a los asistentes el libro recopilatorio de trabajos realizados en los talleres de la Familia Plómez, joya elaborada en el Segundo Encuentro de Impresores Tipográficos, celebrado en Madrid en julio del 2015. La obra, con tirada de 20 unidades impresas mediante tipografía tradicional recogía los insultos, improperios y otras veleidades habituales en nuestro día a día. 34 | Signe

Texto: Esmeralda Rodríguez. Imágenes: Jordi Sempere.


Más tarde vinieron las cañas, también presentes e importantes en este intercambio de inquietudes tipográficas y pasión ardiente de papel y tinta. Señores, quedan ustedes invitados a las próximas convocatorias. Salud y buena letra. Signe | 35


Flora Cuevas_ REMEI ESPÍ, PROFESORA DE MEDIOS AUDIOVISUALES EN LA EASDAlcoi Flora Cuevas, diseñadora de vestuario en miniatura, creativa y enamorada de su trabajo, ha vestido personajes de animación en stop-motion para Conflictivos Producciones y Basque Films entre otras productoras. Ha creado el vestuario para el largometraje Pos Eso (Sam, 2014) y Vicenta (Sam, 2010), para el corto El Criptozologo (Vicente Mallols, 2015), para la serie de TV Clay Kids, y para otras muchas producciones. Es especialista en el diseño de vestuario aunque también se dedica al diseño y creación de todo el atrezzo textil: sábanas, cortinas, alfombras, tapizados, etc. ¿Empezaste a vestir actrices y actores de stop-motion por casualidad? La verdad es que sí, conocí a un director de stop-motion y su trabajo e hice una prueba y ya me quede en este mundo. Además de vestuario he desarrollado labores de producción, pero hacer la ropa es realmente lo que más me gusta. Texto: Remei Espí. Imágenes: Esther García y Organización Animac.

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Perfeccionista AmableCreativa MujerIngeniosa AtentaEmbarazada DiseĂąadora Signe | 37


Si el diseño me viene dado busco las telas acordes a este, eligiendo las que den menos problemas y fabrico el vestuario y los posibles duplicados. Durante el rodaje, limpio y reparo alguna prenda y cambio el vestuario de los personajes que lo requieren. Has cambiado la psicología por este oficio, ¿qué te aporta este mundo? Un trabajo hasta el momento con algo de continuidad y la posibilidad de viajar y conocer gente muy interesante. Te gustaba coser, pero vestir a muñecos de plastilina es diferente. ¿Dónde o cómo has aprendido?

¿Qué te gusta de este trabajo y de lo que le rodea? El trabajo en equipo y la pasión que todos ponen en cada pieza. Es impresionante descubrir cómo cada personaje, prenda u objeto que aparece en la película existe de verdad y se pueda tocar. ¿Nos puedes explicar brevemente en que consiste tu arte? En un equipo pequeño empiezo trabajando desde el guión, para hacer un listado de los personajes, tanto principales como secundarios, además de los cambios de vestuario por escena. 38 | Signe

Empecé probando y poco a poco fui descubriendo las particularidades del stop-motion. Como la ropa ha de permitir que el personaje se mueva sin llegar a romperse y sin quedar demasiado suelta. Conocía la técnica pero has de adaptarla. A veces los deadline no permiten realizar ningún cambio. Los fallos que cometes en un personaje en los primeros proyectos, al elaborar una prenda o incluso al elegir una tela los vas superando con el siguiente personaje. Al trabajar en equipo has de evitar poner problemas a la persona que va detrás, en este caso el animador. Por lo que en ocasiones es muy productivo hablar con ellos para ver cómo funciona el vestuario o los problemas que ellos puedan prever al animar. ¿Tienes referentes? La verdad es que no conozco de memoria los nombres de las personas que realizan este trabajo en grandes producciones, y


en ocasiones me sorprende comprobar que son un equipo muy grande. Pero me gusta ver los documentales o extras de las películas de stop-motion, aunque tristemente siempre son sólo un par de minutos en el making off o uno o dos dibujos en los libros del arte. ¿Cómo es una persona que se dedica a hacer lo que tú haces? ¿Cómo es Flora Cuevas? Soy muy autoexigente, que no lo vea el ojo no quiere decir que no lo pueda ver la cámara. Mi trabajo es un paso más en todo el proceso de creación, pero para mí es uno de los más importanes. ¿Qué te emociona? Ver el personaje en movimiento, en contacto con su ropa que le hace parecer real aunque sea un muñeco de plastilina.

muy interesante. Cuando me comprometo con algo lo hago al 100% pero ya estaba embarazada y tenía miedo de poder tener cualquier problema y no poder coser y dejar el trabajo a medias. Por lo que ahora me he dado un pequeño descanso, aunque siempre sigo cosiendo o arreglando algún pantalón o tapizando algún sillón sin plazo de entrega. ¿Cómo se ve desde dentro el sector de la animación en Valencia? La verdad es que no he parado de trabajar en Valencia y existe una gran tradición en el stop-motion. No sé si esto cambiará y al igual que los personajes estánd dejando de ser de plastilina también sus ropas pasarán a ser de látex. Gracias por tu amabilidad. Felicidades por tu futura maternidad.

¿Qué proyectos tienes entre manos? El último trabajo que realicé fue un encargo personal para la feria ARCO, Signe | 39


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Júlia és l’últim projecte musical d’Estela Tormo, coneguda fins ara per liderar la banda post-rock Tursun Gül. Aquesta alcoiana de cul inquiet també és dj i punxa sota el nom de Domestika. El novembre passat, de 2015, el disc Júlia va obtindre el guardó al millor disseny de maqueta en els VIII premis Ovidi Montllor, uns premis atorgats anualment des de l’any 2006 pel col·lectiu Ovidi Montllor als artistes valencians que publiquen música en valencià. Anem a conèixer Estela Tormo i la gent que l’acompanya en aquest projecte, entre ells Sofia Hernández, alumna de l’Escola d’Art d’Alcoi i responsable del disseny de la maqueta de Júlia.

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Hola Estela, pareix que aquest disc vos està donant alguna que altra alegria. Conta’ns què hi ha darrere de Júlia. ¿Com naix i què l’envolta? Júlia és un projecte que naix entre els anys 2011 i 2012 d’una forma totalment casual, podríemdir-ho així. En principi es tractava d’una iniciativa totalment personal i no tenia cap intencionalitat més que la d’anar composant i fent música partint de les facilitats que em donaven noves tecnologies relacionades amb la música en aquell moment com podia ser simplement un iPad. Porte molts anys formant part de diversos projectes musicals i en aquell moment estava com ‘desocupada’, necessitava fer alguna cosa. Totes aquelles primeres cançons giraven al voltant d’una mateixa temàtica, basada en la novel·la de Manuel de Pedrolo El mecanoscrit del segon origen, la qual em va marcar molt durant la meua joventut. Poc a poc vaig anar bolcant tot aquell material en Internet en forma de ‘maqueta’ sota el nom El mecanoscrit. La història va prendre un gir important quan d’alguna manera (no sabem com) la maqueta va resultar nominada als Premis Ovidi Montllor de 2012 en la categoria de Millor Maqueta, i a la fi ens emportarem el premi. Aleshores em vaig donar compte que potser aquell primer esbòs de projecte no era tan estrany i que podia donar de sí. També van començar a sorgir propostes de concerts i és quan vaig decidir demanar ajuda a altres persones perquè m’acompanyaren en aquest inici. En El Mecanoscrit feu un homenatge a Manuel de Pedrolo, autor de El

mecanoscrit del segon origen però aquesta no és l’única referència a la literatura catalana que està present en el disc. Quins referents t’han acompanyat en aquest projecte reblit de matisos? Efectivament no és l’única referència a la literatura que fem en aquest projecte. De fet, el mateix nom del grup és una clara referència a la novel·la d’Isabel Clara Simó, Júlia. Buscava un nom femení, que resultés d’una sonoritat especial i que significara alguna cosa. I estem parlant de Júlia, una novel·la que parla de les dones en un moment especialment significatiu per al nostre poble com va ser la revolució industrial de finals del segle XIX. Dones lluitadores, pioneres i que tenien totes les dificultats possibles al seu davant. Afortunadament hui en dia hem avançat en molts aspectes, però la lluita de les dones continua, som invisibles encara en molts fronts, com pot ser la música o l’art en general, i nosaltres aquesta lluita la tenim molt present i seguirà sent un referent en tots els sentits. Sou conscients de la importància de crear una imatge que embolique el que l’artista busca transmetre i així ho heu demostrat comptant amb Sofia Hernández per a la creació de la maqueta. Heu reforçat la imatge projectant en els concerts les textures que formen part de la portada. Pots explicar-nos alguna cosa sobre aquestes textures en moviment? Des que va començar a treballar-se la idea del disc sabíem que era molt important donar-li pes i força a tot el tema de la imatge. Per això, vam decidir Signe | 43


recórrer a gent professional. Nosaltres tenim algunes nocions d’imatge però a nivell molt bàsic, no ens veiem capaços de plasmar totes les sonoritats del disc en un format físic. En aquell moment no coneixíem personalment a Sofía però seguíem alguns dels seus treballs via xarxes socials. Quan li vam explicar tot el que significava per a nosaltres el disc, des del seu nom, les seues cançons i significats o fins i tot quins materials ens agradaria emprar, li vam donar total via lliure perquè ens fera les seues propostes. La idea de combinar allò digital amb allò més orgànic ja la teníem en ment. De fet, també la música de juga amb això, amb la part més electrònica i digital i també amb allò més acústic. Però nosaltres no teníem coneixement de tècniques com ara el Processing per a formar textures i ens va encantar. Quan vàrem vore els primers esbossos, amb aquella textura de ‘núvols’ fets amb codi, sabíem que anàvem pel bon camí. Una vegada que teníem la imatge del disc, la resta va vindre un poc pas a pas. I la veritat és que vestir els directes amb eixa textura ‘animada’, li dóna tot un significat, és com un tot complet, un fil conductor que ens acompanya. Finalment, hem de dir que gaudírem molt de la vostra visita a l’escola. Teniu un directe autèntic, mescla de bon cantautor i so electrònic. Per on aneu a moure-vos els propers mesos? Volem seguir gaudint de l’atmosfera màgica i onírica que embolica Júlia. Moltes gràcies! La veritat és que nosaltres també ho vam passar genial a l’escola. D’alguna forma teníem un 44 | Signe

La idea de combinar allò digital amb allò més orgànic la teníem en ment [...] deute pendent amb vosaltres. Cal dir que part del procés de disseny del disc, físicament també, es va forjar a l’Escola. Vam passar algunes hores al taller de Mecana i tant la gent que va al taller com els mestres ens van acollir d’allò més bé. Així és que era de justícia passar per allí un dia i mostrar-vos com havia quedat tot. De fet, quan vam anar a l’EASDAlcoi portàvem encara molt poc temps presentant el format amb el qual fem ara els directes, el duet. Era un dels primers concerts que féiem en format duo i vam quedar molt contentes. Vau ser un bon banc de proves, també de les visuals que les vam estrenar eixe dia! Tenim algunes coses tancades per als pròxims mesos, principalment a València. Ara, vos convidem a vindre el pròxim 17 de setembre al Teatre Principal d’Alcoi, una cita imprescindible. Serà un dels últims concerts que fem presentant Nuvolàstic abans d’entrar a estudi a gravar el nou disc. I a més, a casa! Heu de vindre tots i totes. Gràcies per tot, vos desitgem molta sort. Moltes gràcies a vosaltres per tot. Potser ens tornem a creuar en algun moment.


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Hola Sofía, en primer lloc, felicitar-te pel premi Ovidi Montllor al disseny de maqueta pel disc de Júlia. Coneixies el treball d’Estela Tormo abans de treballar en la imatge del disc? La veritat és que no coneixia massa el seu treball, vaig arribar a escoltar la maqueta amb la que va guanyar el Premi Ovidi Montllor, però la coneixia més per les seues sessions de punxadiscos com a Domèstika DJ que com a Júlia. Textures fetes amb Processing, cartró, tipus de plom i letterpress. Aquesta mescla és tan explosiva com els temes reblits de matisos de Júlia. En què et vas inspirar per a desenvolupar aquest projecte? Podríem dir que em vaig inspirar en elles i en els conceptes de la seua música que feien des de la intimitat de sa casa, les metàfores de les lletres i les textures de la seua música lligat a dos elements que elles volien que estigueren presents: un núvol, pel concepte de nuvolàstic que dóna nom al disc, i el triangle invertit com un símbol d’empoderament feminista. Sumant-ho tot vaig obtener un batut d’idees que em van ajudar a la conceptualització del disseny, on les tècniques per a desenvolupar-lo formen part del discurs i ajuden a entendre la seua música. Alguns processos del disseny es van dur a terme en el taller tipogràfic de l’escola Mecana Sans. Explica’ns com va ser l’elaboració d’aquesta peça d’artesania. La producció del disseny va ser tota una aventura que quasi pareixia una gimcana 46 | Signe

on el marge d’error de cada pas era molt elevat. A més a més, comptàvem també en el factor econòmic així que tot estava pensat per a reduir costos en cada pas sense perdre els conceptes i el missatge. La primera aventura va ser anar a la fàbrica de cartó. Vam flipar de veure com convertien brossa en plaques de cartó, que després anàvem a convertir-lo en l’envoltori del disc. Eixes plaques de cartó les vam portar al Sr. Vilaplana, un home major amb un taller prou peculiar que es dedica a fer gofrats, petits troquels i impressions. A Vilaplana li vam encarregar el troquel del cartó que va fer en molta cura i preocupació perquè no entenia molt bé que anàvem a fer en ells. Després amb els cartons troquelats ens vam fer amb dos segells de polímer amb textures diferents que vam estampar sobre els cartons un per un durant un cap de setmana intensiu. Ja amb les textures estampades van anar al taller de Mecana Sans per a imprimir els textos de la portada i contraportada. Una vegada fetes les impressions en la Minerva vam fer una crida a les nostres amigues per a què ens ajudaren a pegar els cartons amb pistoles de cola termofusible, numerar els CD’s, doblar els follets de dins i col·locar el confeti i les fundes de plàstic. Realment vam crear un taller de manufactura. Enhorabona pel treball i gràcies per compartir-ho amb nosaltres. Sort en futurs projectes! A vosaltres! Sort amb la revista! :-)

Texto y entrevistas: Esmeralda Rodríguez. Imágenes: Sofía Hernández y Ana Agraz.


[...] metàfores de les lletres i les textures de la seua música lligat a dos elements que elles volien que estigueren presents: un núvol, pel concepte de nuvolàstic i el triangle invertit com un símbol d’empoderament feminista.

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Els llibres ahir, hui i demà_ GONÇAL LÓPEZ-PAMPLÓ, DIRECTOR LITERARI D’EDICIONS BROMERA @gpamplo Com altres iniciatives culturals d’aquell moment, Edicions Bromera va nàixer l’any 1986 amb la voluntat d’oferir lectures adequades per a les aules valencianes, que aleshores incorporaven, per fi, el valencià com a llengua vehicular i llengua d’estudi, gràcies al desplegament de l’Estatut d’Autonomia aprovat en 1982. A poc a poc, el catàleg es va ampliant amb l’objectiu de proporcionar llibres en valencià per a tots els públics; calia anar més lluny de l’escola i consolidar una massa crítica de lectors també adults. Al cap de trenta anys, el projecte iniciat per Josep Gregori a Alzira ha donat lloc a una de les editorials més importants del panorama valencià, a més de ser una de les editorials independents consolidades en tot el nostre àmbit lingüístic. Milers i milers d’estudiants han accedit a la lectura en valencià de la mà de col·leccions com ara «El Micalet Galàctic» o «Espurna», cosa que ens permet parlar d’una autèntica «generació Bromera», de la qual, modestament, em sent part, ja que jo mateix vaig llegir alguns d’aquests títols quan anava a Imágenes: Edicions Bromera.

Josep Gregori, editor d’Edicions Bromera

l’escola i a l’institut. A banda, gràcies a col·leccions com L’Eclèctica, s’han publicat novel·les originals d’autors com ara Manuel Baixauli, Anna Moner, Joanjo Garcia, Francesc Bodí, Víctor Labrado, Andreu Martín, Urbà Lozano, Ferran Torrent, Isabel-Clara Simó, Joan Olivares, Francesc Gisbert, Vicent Borràs, Àngels Moreno, Silvestre Vilaplana i molts altres, escriptors que han trobat en Bromera un espai per al seu desenvolupament artístic i professional. Alhora, la col·lecció ha esdevingut una referència pel que fa a la traducció d’obres estrangeres: Pierre Lemaitre, Marlon James, Margaret Atwood, John Banville, Salman Rushdie, Signe | 49


Herta Müller, Dario Fo, Andrea Camilleri, Erri de Luca o Frank McCourt són algunes de les veus que Bromera ha traduït a la nostra llengua. En l’àmbit de la literatura per a adults, doncs, hem intentat oferir un ventall ampli, raonat i atractiu, també en poesia, assaig i teatre, gèneres més minoritaris per als quals, tanmateix, Bromera manté col·leccions estables des de fa bona cosa d’anys. L’aposta per un catàleg generalista, obert i adreçat a un públic divers és conseqüència de la convicció que la societat valenciana necessita disposar de llibres amb aquestes característiques per a seguir creixent i millorant. Edicions Bromera, des d’Alzira, aspira així a ser una editorial normal, com tantes altres n’hi ha a Milà, Londres, Barcelona, Nova York, París o Buenos Aires. Una editorial normal en valencià, que dóna treball a unes quantes desenes de persones de manera directa i a un bon grapat de professionals que hi col·laboren 50 | Signe

constantment, des d’impremtes fins a correctors o il·lustradors. En aquest sentit, Bromera ha estat un revulsiu permanent per al món cultural valencià i ha apostat a tota hora pels nostres creadors, també en l’aspecte gràfic. Cal recordar, ací, la figura de l’alcoià Enric Solbes, qui va contribuir de manera decisiva al disseny de nombroses cobertes i col·leccions de l’editorial i, en conjunt, a tota la seua imatge corporativa.

Coberta de Rondalles Valencianes ilustrada y diseñada per Enric Solbes.


Des d’aquesta normalitat, Edicions Bromera ha hagut de fer front als mateixos reptes que té per davant tot el sector del llibre. La crisi econòmica global i l’impacte de les transformacions tecnològiques, amb els consegüents canvis en els hàbits de consum cultural suposen els desafiaments més notables. La internacionalització (per mitjà de segells en castellà com Algar i la presència en fires internacionals com Bolonya i Guadalajara) suposa una resposta clara, però no és l’única. També s’ha d’esmentar la voluntat d’oferir complements digitals en l’àmbit del llibre de text, una altra de les àrees de treball que han caracteritzat la tasca de l’editorial durant els darrers quinze anys. En canvi, l’anomenat llibre electrònic (o ebook) no representa ara com ara una eixida assumible.

Edicions Bromera a les fires internacionals de llibres.

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En companyia d’Angle i Cossetània, Bromera participà en la creació d’Edi.cat, un portal de distribució de llibres digitals que, finalment, van abandonar. No hi havia –no hi ha encara– una massa crítica de lectors que compren i lligen els llibres en suport digital, com a mínim no en català. El pes de la pirateria, com també la pressió dels grans best-sellers internacionals, fan difícilment assumible per a una editorial mitjana una aposta clara per l’ebook. Si això sumem un iva del 21% (davant del 4% en els llibres en paper) i una cultura de la gratuïtat cada vegada més estesa, ens adonarem de les dificultats que representa aquest escenari. Ara bé, el pas del llibre en paper al llibre electrònic no sembla tan ràpid ni tan automàtic com alguns auguraven. No s’ha donat encara un fenomen semblant al que es va produir en l’àmbit de la música o del cinema domèstic, per exemple. Potser és qüestió de temps. Però més que 52 | Signe

preguntar-nos com seran els llibres del futur, ens hem de demanar com serà la lectura. Al meu parer, sempre hi haurà lectors en paper, que demanaran llibres ben editats i bells, perquè la lectura negre sobre blanc, pàgina rere pàgina, aporta una qualitat i una experiència intel·lectual impossible de trobar en altres formats. Al mateix temps, hi haurà una part de lectors que compaginaran, com ja ho fan, la lectura de llibres convencionals amb llibres digitals. Però sobretot hi haurà noves formes de lectura, en tauletes i mòbils, que tindran molt a veure amb una comunicació interactiva, ràpida i audiovisual que ens situa molt lluny del llibre com l’havíem entés des de Gutenberg. Siga com siga, Edicions Bromera seguirà apostant per la paraula, lliure i valenta, capaç de trasbalsar-nos i transformar-nos, per la paraula que ens salva i ens impulsa a escriure un futur millor. Per la literatura, en última instància, que ens arrela a la terra i ens fa universals alhora.


Il¡lustració: David Ulibarri


Mide,Alcoi_ El MIDE, Muestra de Ilustración, Diseño y Edición nace en Alcoi en junio de 2015, con dos convocatorias a sus espaldas, la muestra reúne artistas, artesanos, diseñadores e ilustradores con ganas de exhibir productos originales, reivindicando el placer de los regalos con personalidad, un lugar donde se puede sentir y saborear parte de la esencia de una cultura.

Lo primero que destacamos es su vocación exhibicionista, en palabras de su organizadora «su misión es mostrar todo el arte que nos rodea ademas de dar la oportunidad a nuestros jóvenes y no tan jóvenes de enseñar sus creaciones a un público real y no virtual.»

«Volvamos a nuestras raíces y al regalo sentido con el corazón, que no duele en el bolsillo»

Texto y entrevista: Vanessa Jaijo. Ilustración: Mario Domínguez Soler. Imágenes: Manu Maldonado “Camisetas Nuvj® Human Brand” y Mario Domínguez Soler.

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Este año anuncian que el Mide se transforma en Mini-Mides mensuales que se celebran cada primer domingo en la Plaça de Dins en Alcoi, donde cada certamen cuenta con una temática específica, dando el pistoletazo de salida con el lema Regala Arte por San Valentín y apostando por que cada MiniMide tenga un lema semejante recurriendo a las celebraciones del mes en curso.


Imágenes: Manu Maldonado “Camisetas Nuvj® Human Brand”.

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Vamos a conocer a su organizadora María Penalva: Como ideaste este festival de arte y creatividad que da salida a un notable número de artistas que tenemos en la ciudad y en los alrededores. ¿De dónde nace la idea de la Muestra? La idea nace de mi experiencia personal asistiendo a Mercados de Diseño en Barcelona o Alicante con mi marca Alissia. Me planteé porque en Alcoi no tenemos ninguno, ya que me encontraba artistas de Alcoi en todos los rincones de España. Y dicho y hecho. Lo propuse en el Ayuntamiento y me dijeron que sí. Y ahí nació el primer Mide. Reivindicáis el arte en la calle apostando por la ilustración, diseño, escultura y la edición en un mismo espacio con una gran abanico de productos ¿Qué se encuentran los visitantes y curiosos que se acercan a vuestros stands? Pues ante todo se sorprenden. Es fácil escuchar comentarios del tipo «no me esperaba tanta calidad» y cosas semejantes. Creo que se asocia la idea de la paraeta con otra clase de mercadillos más tradicionales, sin embargo la Paraeta es el futuro del Arte, o al menos como yo lo entiendo. Damos cabida a toda clase de productos, siempre que destaquen por su originalidad: desde el fanzineo, a la ilustración, el diseño de producto, moda, o joyería. Es decir todo el Arte aplicado al Producto y no hecho en serie. Además de vez en cuando acogemos a artistas que presentan su obra: escultura, pintura... etc. Vendemos originalidad, creación y diseño alternativo. Si no tienes dinero para abrir tu propia tienda o estas empezando, la única forma de acercarte al gran público de forma personal y no virtual, es mediante un stand y participando en eventos como el Mide. No pienso que nadie se haga rico con estos eventos, pero si te das a conocer, haces contactos y ganas dinero suficiente para seguir trabajando en tus proyectos. Además conoces a gente como tú, compartes ideas, proyectos futuros, colaboraciones. El Mide tiene mucho que ver con una asociación, con un grupo Signe | 57


de amigos, con colegueo y con alegría y disfrute del Arte. Y eso se transmite a la gente que viene a vernos.

No hay que olvidar que Alcoi tiene una gran tradición artística y creo que ha agradecido la posibilidad de recuperar la compra de Arte a precios adecuados.

Dais cabida a muchas especialidades dentro del mundo del arte. ¿Como animáis a los artistas para que forme parte de la muestra? ¿Como se pueden poner en contacto?

Debido a la crisis, la sociedad ha bloqueado determinados gastos que tienen que ver con la estética, es decir poco funcionales. Con el Mide damos la oportunidad a todo el mundo para invertir en deleite artístico, desde Ilustraciones, a joyas, ropa, libros únicos...etc.

El Mide se creó a través del Facebook y seguimos utilizando esta red social como principal medio de comunicación. Incluso tenemos un grupo oficial dónde se promocionan los artistas participantes del Mide. Para participar en el Mide sólo hay que escribir al mail midealcoi@ gmail.com. No tenemos censura, no cobramos nada y sólo hace falta un mínimo de calidad. Yo aconsejo a todo el mundo que se pase por la page de face y mire lo que hacemos y como lo hacemos y si le gusta lo que ve, que se anime. www.facebook.com/groups/midealcoi/ Damos fe que la muestra se está consolidando con cada edición ¿Pensabais que tendrías una acogida tan grande en esta pequeña ciudad? Contábamos con ello, ya que la mayoría de los participantes son de Alcoi. Aunque siempre hay gente de toda la comunidad, y en los grandes Mides, de toda España.

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Y creo que la gente nos lo agradece. A veces, más que vender, te satisface mucho ver que tu producto gusta. El oficio del artista, sea cual sea su rama, es muy solitario. ¿Cuales son vuestras expectativas, pensáis expandiros o celebrar algún evento fuera de Alcoi? Los montaraces nos bajamos a la costa Mides en la playa, jijiji. Es una buena forma de darnos a conocer en un ambiente más lúdico y relajado. El público costero es completamente diferente al de la montaña.


Imágenes: Mario Domínguez Soler.

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Ilustrafic_ ÁGUEDA ALVARRUÍZ, PROFESORA DE DIBUJO EN LA EASDAlcoi

A principios de octubre se celebró en Valencia la segunda edición del Congreso Internacional de Ilustración, Arte y Cultura Visual, Ilustrafic; afianzando así el interés y el protagonismo que la ilustración está teniendo en estos últimos años. Años en los que podemos ver cómo va aumentando su presencia en la calle, librerías, bares, tiendas, publicidad y medios audiovisuales.

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La ilustración reivindica su espacio dentro del diseño; los conceptos y las claves comunicativas en el proyecto gráfico ya no son suficientes, se busca también que los recursos propios de la creación formal, sean un valor destacable como estrategia diferencial en sí misma. Y así se abordó en la primera edición de Ilustrafic titulada Fuera de página. En esta segunda edición fueron 4 los temas elegidos: Work in progress que hace referencia a las diversas etapas del proceso de producción y cómo desencadenan o dan lugar a obras creativas; New memory como manifiesto de una disolución de fronteras entre las disciplinas que utilizan la expresión visual; Thinking about que alude al proceso de análisis indispensable para alcanzar un conocimiento profundo con sus posteriores conclusiones; y por último, Moving illustration el área que nos remite a los dispositivos y tecnologías actuales. En definitiva, un punto de encuentro entre profesionales, estudiantes, docentes del diseño y, por supuesto, también libreros y editoriales. Espacio ideal para tratar, como se hizo en la mesa redonda, la problemática que acarrean las grandes empresas editoriales y las distribuidoras en España; poniendo de manifiesto, una vez más, la importancia de la autoedición, las pequeñas editoriales, las librerías independientes y los festivales y mercados de autoedición. Porque esto es lo que se está cociendo hoy en día.

Imágenes: Organización Ilustrafic.

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Jose Bravo_ Jose Bravo vive en Valencia desde hace unos años y es en esta ciudad donde se ha convertido en poco tiempo en un referente para la fotografía. Psicoterapeuta de profesión y fotógrafo de vocación, decidió un buen día aunar ambas disciplinas y desnudarse. Su forma de trabajar es espontánea, busca captar la esencia del momento cuando pulsa el botón. Bravo retrata instantes especiales en escenarios cotidianos y nos invita a imaginar la historia que se esconde detrás de la imagen. Vamos a conocer a alguien que se atrevió un buen día a cambiar las reglas del juego. Jose, háblanos un poco sobre tus dos pasiones, la psicoterapia gestalt y la fotografía. ¿Cómo nace esta historia y qué aporta la primera a la fotografía? Digamos por resumir que la primera vez que se abrió la puerta del Instituto de Terapia Gestalt de Castellón, encontré a alguien con quien conecté de tal forma que supe que tenía que comenzar la formación. La gestalt llegó a mi vida para tambalearla primero y transformarla después. El enfoque gestalt no se puede explicar ni introducir en una respuesta escrita, puesto que la gestalt es experiencia, y la experiencia no se puede contar, solo se puede vivir. Ahora, voy a intentarlo: es una experiencia que tiene que ver con entrar en un espacio y sentir que estás invitado a dejar afuera esa mochila que pesa, de «deberías» de «tendrías que», y apoyándote en un grupo permitirte ser y estar con lo que hay, donde puedes expresar, compartir y no pasa nada, o mejor, pasan cosas maravillosas. Descubres que compartir, suma. Se aprende a sumar en vez de a restar. Todo lo que ocurre, cada paso de mi historia tiene un sentido, todo ocurre para algo. Así que la clave no es el cambio sino que es la integración, la aceptación y el compromiso. Texto y entrevista: Esmeralda Rodríguez y Olga Valdés. Imágenes: Jose Bravo.

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ÂżNos miramos?


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Me atraen los desconocidos, me genera tanta adrenalina no saber nada de la persona con la que me voy a encontrar y sobretodo me atrae la idea de no saber quÊ va a pasar, todo ello invita a un estar presente muy potente.

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El enfoque gestalt apuesta por nuestras potencialidades, por una mirada positiva y de compromiso con uno mismo. Sí, darnos cuenta de que las riendas de mi vida aquí y ahora las tengo yo. La gestalt es una filosofía e implica una forma de relacionarse con uno y con el mundo, es más que un enfoque psicoterapéutico y está en la raíz de cómo veo la vida y de cómo intento relacionarme con los demás. Aporta a la fotografía lo que aporta a mi vida: un enfoque, una forma de mirar en presente, aquí y ahora, un interés por el proceso más que por el resultado, un interés por lo humano, lo emocional, lo espontáneo y vivo, un interés por lo corporal y de un tiempo a esta parte, una apuesta para que la fotografía, además de una herramienta para mirar y mirarnos, pueda convertirse en una maravillosa excusa para el encuentro con los demás, para practicar una mirada igualitaria y horizontal. Convertir la fotografía en un acompañamiento. ¿Qué te llevó a adentrarte en el mundo de la fotografía? Desde el minuto cero la fotografía fue una excusa para satisfacer mi necesidad de expresar y compartir. Era 2006. Acababa de abrir mi primer blog, estaba en un momento de absoluto cambio en mi vida gracias al teatro y a la psicoterapia gestalt, y esta fue mi primera ventana al mundo desde la que compartía una foto diaria y un texto, las primeras cinco o seis fotografías las bajé de internet y ya a la semana me compré mi primera cámara digital. No entendí que la fotografía iba a ser algo más que un hobbie o una forma de expresión más hasta años después. Fue mi primera experiencia como fotógrafo en el festival Ruzafa loves Kids, en 2011, y lo que sentí en las calles, disfrutando como un absoluto niño, la respuesta de las personas y la consiguiente propuesta (nada es casual) que me hicieron para hacer las fotografías de un libro, Lactancia, junto a mis primeras experiencias con desconocidos con la cámara como excusa, las que hicieron un click muy grande. Supe, sentí que esto no había hecho más que comenzar. Desde entonces, hasta ahora. Muestras una visión del mundo diferente, visible a ojos de todos pero perceptible sólo para unos cuantos. ¿Qué te mueve a ti cuando disparas una foto? ¿Buscas mostrar algo concreto o prefieres que el espectador cree su propia historia? 66 | Signe


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Bueno, diría que si cada persona mira adentro y con lo que ve adentro se atreve a mirar afuera, si se escucha y es sincera va a tener una visión del mundo diferente y personal, es así. Otro tema es que nos cueste más o menos tiempo, más o menos trabajo descubrir ese «yo» que puede expresarse con la fotografía o desde cualquier otro ámbito creativo. Me gusta el verbo, «qué te mueve» pues siento que describe bien lo que necesito que ocurra cuando hago una fotografía, y también cuando elijo compartirla ambos momentos en los que elijo, intento que sean en función de algo que se mueve, que se me mueve adentro. Muchas veces intentamos escuchar a lo mental, no escuchamos si algo «se nos mueve adentro» como para querer fotografiarlo, y creo que es la clave. De un tiempo a esta parte lo que me suele mover más a la hora de fotografiar suele estar en las personas y tiene que ver con aquello que está vivo, aquello que siento espontáneo, algo que me emociona, algo que me genera preguntas, curiosidad, misterio. En ese sentido creo que una buena fotografía debe tener su propia sombra, y no debería darnos todas las claves. Ahora, por otro lado, la fotografía en mi caso es una herramienta para mostrarme, para opinar, sí, cuando uno se compromete con la fotografía y la comparte diariamente en una red social, está opinando. En ese sentido a veces «peco» de mostrar mucho y esconder poco. Y es que tengo una necesidad fuerte de contar, como en aquellos inicios. La fotografía sigue siendo una excusa y me da que lo seguirá siendo, la excusa más bonita que he encontrado 68 | Signe

para mostrar diariamente mi forma de ver el mundo. Ahora, a la vez sé que cada espectador se montará su propia historia, se quedará con un matiz, pues no puede pasar de otra forma. Cada observador monta su propia película. Las redes sociales te han permitido fotografiar a desconocidos en el tren o en cualquier plaza. Recuerdo una de tus sesiones en Valencia, una tarde de lluvia y una chica que se atrevió a mirarte. Cuéntanos en qué consisten estos encuentros. Las redes sociales son una ventana que puede quedarse en un lugar desde el que únicamente mostrar o expresar, pero que también tienen muchas posibilidades para conectar con los demás. Este ha sido un atrevimiento posterior. Se han convertido también en el lugar desde el que vengo planteando propuestas. Suelen ser propuestas muy espontáneas, muy en presente, que surgen en un determinado momento y que muchas veces no buscan algo más allá que vivir una experiencia con alguien. La fotografía puede ser muy solitaria, los primeros años la utilizaba para esconderme, y lo seguiré haciendo siempre pues siempre seré ese niño tímido e inseguro pero a la vez y gracias a las experiencias que os comentaba al principio y que hicieron click, de un tiempo a esta parte vengo utilizándola también como forma de atreverme y relacionarme con los demás. Me atraen los desconocidos, me genera tanta adrenalina no saber nada de la persona con la que me voy a encontrar... y sobretodo me atrae la idea de no saber qué va a pasar, todo ello invita a un


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estar en presente muy potente, muchas veces propongo algo para ese mismo día, pues es en ese momento cuando quiero hacerlo y siento que si pasan muchas horas, ya no lo desearé de la misma forma. También me gusta que ocurran en contextos cotidianos. Creo que a veces nos auto convencemos de que para vivir experiencias fuertes debemos viajar a otro país, o buscar un tema potente y sinceramente, a mi me encanta viajar también, pero apuesto por lo que llamo los sueños de a diario, las aventuras cotidianas, vivir esas experiencias en las plazas, en los trenes, en mi día a día. En un cercanías feo puede ocurrir la magia, y también con algo tan sencillo y cotidiano como una tarde de lluvia. ¿Quién o qué te inspira? ¿Cuáles son tus referentes en la fotografía? Si os soy sincero mis referentes a la hora de apasionarme por la fotografía creo que fueron más cinematográficos. Una de las primeras películas que recuerdo que me atrapó desde lo visual fue El espíritu de la colmena. En su momento me tocaron mucho Mi vida sin mí, Piedras, Amelie o Los amantes del círculo polar y en sí todo el cine de Medem. De las últimas películas que he visto y que me han enamorado visualmente, Moonrise Kingdom, Her, o 10000 noches en ninguna parte. En fotografía me enamoran mucho los clásicos, la vida en las imágenes de CartierBresson, Doisneau o Elliott Erwitt me atrapa el uso de la luz de Pinkhassov o de Lorca di Corcia, el mundo de Vivian Maier, Alec Soth, Alberto GarcíaÁlix o Cristobal Hara. Últimamente sí veo más fotografía y hay muchos, muchos que me gustan, me inquietan: Salvi Danés, Lise Sarfati, Alex Prager, o Tatjana Schlör por comenzar a nombrar... 70 | Signe

Si pudieses elegir un escenario en cualquier parte del planeta donde sabes que disfrutarías como un enano disparando, ¿a dónde nos llevarías? Lo tengo claro, sería en la calle, en una guerra de almohadas de plumas gigantes, como la del pasado festival Ruzafa loves Kids. Tengo testigos. Como terapeuta y fotógrafo, alguna sugerencia a los que trabajamos dentro de un marco creativo donde a veces se puede dar la falta de inspiración o de identificación con un proyecto. La pregunta me hace conectar con algo con lo que creo que nos identificamos muchos y es la auto exigencia, las prisas por llegar a determinado siguiente paso, o lo no aceptación de momentos de bloqueo, desgana, etc. Los que trabajamos desde el lado creativo tenemos días, temporadas «destructivos» o va, poco creativas, los luminosos y optimistas tenemos días grises, los activos a veces estamos perezosos... Pareciera que hay que evitar esos momentos, esos lados negativos (esa sombra) hay que esconderlos, eliminarlos, y desde mi punto de vista el camino es intentar reconciliarnos con ellos, y ver qué nos están queriendo comunicar esos momentos. Me gusta la idea del vacío fértil. Y creo firmemente que todo ocurre para algo, si se le escucha, si se le mira podemos aprender algo de ello. Hay una frase que me encanta y es que «la hora más oscura es la que precede a la salida del sol». Hay otra, muy manida sí, pero muy real, «camino se hace al andar» y es poco a poco, caminando, escuchándonos pasito a paso cómo uno encuentra su lugar. A veces no respetamos los procesos y solo pensamos en resultados. Es perdiéndonos


«En un cercanías feo puede ocurrir la magia, y también con algo tan sencillo y cotidiano como una tarde de lluvia.»

como nos vamos encontrando. Yo llevo años caminando, muchas veces me perdí, y lo seguiré haciendo, ahora, de un tiempo a esta parte mi brújula es mirar adentro para ver qué es lo que necesito, para ver también qué es lo que me apasiona y entonces mirar afuera para ver cómo acercarme cada vez más a ello, y siento que en este baile de adentro a afuera, me pierdo menos. No es un camino fácil, pero es apasionante. Va, os daré una sugerencia pero esta es muy personal. Apostemos por la sinceridad, por nuestra esencia. Esa llega, esa siempre llega a los demás. ¿Existe la pócima mágica para dar lo mejor de ti en cualquier caso? Como os decía no creo mucho en recetas o pócimas mágicas. Ahora sí creo en cada persona. Cada uno de nosotros tiene un don, tiene unas potencialidades, una luz, algo que dar. Como os comentaba puede costar trabajo y esfuerzo encontrarlo, ahora, cuando se encuentra, uno es tan consciente, que creo que es cuestión de comprometerse con ello, y mostrarlo. En todo caso, vivir pensando en “dar lo mejor de mi” vuelve a conectarme con la exigencia, así que os contaré una anécdota: Fue en no de los últimos talleres que realicé en Madrid. La noche anterior en las calles de un Madrid que esa mañana decidió levantarse lluvioso, airoso, y frío. Desde lo mental estuve pensando en anular el taller, fantaseando con que no sería capaz de estar y de dar lo mejor de mí por esa razón, por no haber dormido. Finalmente decidí dedicarme a estar y a ser sincero. Nada más llegar compartí con los alumnos cómo me sentía, cómo estaba, y entonces, el grupo comenzó a abrirse. A partir de ahí, y también tengo testigos, el día fue mágico. Por último, darte gracias por atreverte y desearte suerte. Un abrazo Jose. Gracias a vosotros, un fuerte abrazo! Signe | 71


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El descanso del guerrero Un año para reinventarse. Un momento de desconexión y respiro. Un valor que, debido al ritmo frenético que impone el día a día, pasamos por alto, es decir el ansiado tiempo libre. Hablamos del llamado «sabático», momento en el que el guerrero enfunda su espada para descansar, reencontrarse, descubrir nuevas posibilidades, y así volver a pisar con fuerza nuevos y desconocidos mundos. Cada siete años, el diseñador Stefan Sagmeister se toma un año sabático y cierra su estudio de Nueva York para fortalecer y renovar su panorama creativo. «Tomar periodos sabáticos ha sido la mejor idea de negocio y quizá también la mejor idea creativa que jamás he tenido» afirma Sagmeister. Como bien explica en su conferencia El poder del tiempo libre, se trata de un momento vital, que nos ayuda a reinventarnos y a no caer en la temida rutina. Este método no es meramente utilizado en el mundo del diseño, sino que abarca cualquier profesión. Como profesionales creativos, nos gustaría saber vuestra opinión sobre este tema, ¿practicáis este método para recuperar la frescura creativa? si no es así, ¿cuál es vuestra fórmula?

Ilustración: Esmeralda Rodríguez. Texto inicio: Olga Valdés.

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Pepe Gimeno Si como comenta Sagmeister nosotros cerráramos el estudio un año de cada siete, tendríamos que recomponer completamente nuestra cartera de clientes y empezar a construirla de nuevo a la vuelta de cada año sabático. Sagmeister tiene un perfil de estudio en el que la relación que mantiene con el cliente no es una relación de continuidad si no que realiza trabajos muy puntuales para clientes muy variados. Es un perfil de diseñador que recibe proyectos muy concretos y que no suelen ser de largo recorrido. Si como es nuestro caso, mantenemos una relación estrecha y continuada con el cliente, la situación no te permite desaparecer y volver de nuevo al año siguiente como si no hubiera pasado nada. El cliente te exige una atención continuada que no puedes interrumpir y retomar cuando te convenga. En mi caso la solución no ha pasado por tomar un periodo sabático en el que he cesado la actividad. Más bien, he reservado parte de la actividad diaria, y sobre todo de mi tiempo libre, para desarrollar todo aquello que me interesa y que nadie hasta el momento me había encargado. La formula que he utilizado a lo largo de toda mi trayectoria para oxigenarme, experimentar y abrirme a nuevas tipologías de trabajo, ha sido la realización de lo que llamo los «proyectos personales».

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Oriol Mirรณ

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Ivan Castro

A mí la idea de parar uno de cada siete años me parece poco viable en la mayoría de los casos. Tiene una pinta fantásticamente romántica, pero en la realidad, parar un año la actividad profesional puede ser un descalabro en cuanto a la relación con los clientes. No obstante, por supuesto pienso que usar el tiempo libre de manera creativa es importante. Yo aspiro a trabajar menos horas y usar el resto del tiempo para enriquecerme a nivel personal, ya que esto se ve reflejado inevitablemente en el trabajo. De hecho, en mi caso, muchas veces mis aficiones y mis encargos se mezclan, y de esta manera disfruto mucho más de lo que estoy haciendo. Como conclusión, no creo que parar la actividad durante un período prolongado sea práctico, pero entreverar ese tiempo de ocio con el trabajo puede ser igual de productivo.

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Llevo todo este tiempo dándole vueltas y no consigo aclararme conmigo mismo, porque depende del momento en el que me encuentre, necesito de unas u otras cosas para reactivarme. No existen fórmulas. Como investigador, hay ocasiones en las que tengo que seguir profundizando en el último tema que haya abordado. En otras, la motivación surge de nuevas lecturas o encuentros fortuitos, muchas de las veces en disciplinas ajenas al diseño. Sin embargo, a menudo me sucede como a cualquier otro ser humano y necesito vivir completamente alejado de la investigación y el diseño para recargar mi propia vida. Es entonces cuando me doy cuenta de que lo que realmente importa no es el diseño ni la investigación ni la creatividad ni siquiera la docencia.

Manuel Sesma

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Francesc Rifé

El descanso más que tiempo libre es para mí un espacio mental, pero no es antagónico a trabajo. Siempre digo que he modelado mi carrera en torno a todo aquello que me ha gustado hacer: dibujar, diseñar y enseñar. Temas inagotables, con los que disfruto y de los que nunca querría descansar. En el fondo este trabajo es un vicio, una forma de vida que me entusiasma, y que (creo) sé hacer bien. Así que cada uno de mis proyectos se asienta sobre otro proyecto, lo vivo como un camino que hay que seguir, hay que avanzar y no hace falta correr pero tampoco pararse. El descanso llega con la satisfacción de que lo que haces está bien hecho. En cuanto a recuperar la creatividad: desde que empecé he sido muy absoluto en mis ideas, todos mis proyectos son profundos, emocionales, lo que me obliga a vivir en constante exploración del terreno creativo. Sí que creo que es saludable para la mente visitar ciudades, convivir con gente de otras culturas, la emoción de lo nuevo, pero eso, por suerte, es el regalo que me da la profesión, cada día aprendo

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Renovem Repro_ Este any des del servei de reprografia de l’EASDAlcoi es va considerar que era necessari renovar la seua identitat corporativa i dotar-la d’una imatge gràfica més coincident amb les necessitats comunicatives d’una escola de disseny i amb una major contemporaneïtat. La seua renovació es va plantejar en forma de projecte-concurs en l’assignatura de Taller de Tipografia Creativa impartida per Rafa Calbo. Per a l’elecció del disseny més adient es va nombrar un jurat format pels professors Juan de la Cruz, Josep Sanz, Just Garrido (tots ells del Departament de Disseny Gràfic) i Juan Carbonell (encarregat del servei de reprografia). Finalment va resultar elegit el disseny de l’alumne Carlos Lorente Ruíz.

Per al disseny del símbol s’ha escollit la inicial «R» (Reprografia) de la família de les egípcies que posseeixen acabaments grossos i marcats que el doten de força i impacte visual. Este impacte s’ha reforçat ocultant l’ull del citat signe tipogràfic. Els tres cercles que acompanyen a la «R» fan certa referència als rodaments del sistema d’impressió, encara que la seua funció està més enfocada a dotar al símbol de major personalitat. La tipografia auxiliar que acompanya al símbol és la DinPro Black en la paraula Reprografia, i davall d’esta paraula se situa el logotip de l’escola EASDAlcoi. Per últim, cal dir que este identificador és un re-disseny de l’anterior a fi d’aconseguir una marca més pregnant, actual i sintetitzada.

Texto: Staff Signe.

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El viaje_ ANTONIO FERNÁNDEZ, DISEÑADOR GRÁFICO Y PROFESOR EN LA EASDAlcoi A veces nos miramos demasiado el ombligo, nos acotamos nuestro espacio vital por simples motivos de confort o dominio del escenario socio-cultural. Esto a la vez que aparentemente nos enriquece, nos esta constriñendo casi sin darnos cuenta, nos carga de dioptrías referenciales.

El diseño necesita viaje, hay viajes que son necesarios para el diseño, nuestro diseño. Uno de ellos es la ciudad de Basilea, en Suiza.

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Ese es el verdadero movimiento, en espacio y tiempo. Es tan necesario como adictivo. «¿Por qué hablo de Basilea y no de cualquier otra gran ciudad europea?» Porque cuando la visité me di cuenta de que es un sitio en movimiento, que una gran locomotora llamada Cultura tira de ella. Una ciudad de apenas 200.000 habitantes que tiene más de treinta y cinco museos, tal densidad museística no se repite en toda Europa; Art Basel la feria de arte contemporáneo más importante del mundo. Varias fundaciones de diseño, fotografía y arte contemporáneo, como la magnífica Beyeler. El molino y fábrica de papel, en edificio original de más de 500 años, museo del papel, de la imprenta y de la escritura en general; un mini paraíso.

Sin olvidarnos de la empresa Vitra y su complejo industrial, con varios edificios y cada uno de ellos diseñado por un arquitecto diferente y todos poseedores del Pritzker. Recorrer el complejo, su galería de exposiciones, su museo, su taller de fabricación de la Lounge chair de los Eames, su restaurante… ¡Disneylandia para los diseñadores! Hay muchos más signos que nos indican el movimiento de esta ciudad, por ejemplo el programa anual del área de Cultura del municipio. Es un libro que se regala y que a parte de estar brillantemente diseñado y maquetado, consta de ¡más de 200 páginas!

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El nivel de implicación con la cultura, el arte y el diseño de esta ciudad es ejemplar, y todo esto tiene su recompensa, la gran inversión económica que soporta se traduce en rendimientos e ingresos. Además en los conceptos de la inversión siempre prevalece el fondo por encima de la forma, el contenido mucho más que el continente –lo contrario de lo sucede por estas latitudes: la Ciudad de las Artes y las Ciencias, el CADA, etc.– allí por ejemplo el Cartoon Museum, único y más importante museo del cómic y el dibujo animado, está ubicado en una humilde casa del siglo XVIII a la cual se accede por unas estrechas y crujientes escaleras de madera, que no hace más que engrandecer cualquier interesante exposición que ella albergue. Yo sin ir más lejos vi la de Winsor Mc Kay: Comics, películas y sueños.

«Para que el diseño, el arte y la cultura se muevan, hay que invertir más y mejor, para que poco a poco y salvando las distancias nuestras ciudades vayan cultivando un futuro más humanista que nos deparará un mayor nivel de formación, cultura y pensamiento en la ciudadanía.»

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Una simpática metáfora sobre los beneficios de este esfuerzo económico podría ser una escena que presencié que me llamó mucho la atención y que conté a mis alumnos de Grado en Diseño Gráfico a mi vuelta; por la margen derecha del Rhin se veían numerosos jóvenes correr río arriba haciendo running, hasta que después de recorrer los kilómetros pertinentes se lanzaban a él para refrescarse y más importante aún… para que este les llevara relajadamente y sin ningún esfuerzo de vuelta a su casa. La corriente los devolvía suavemente entre animadas charlas a cada uno de ellos al punto de partida. Después del esfuerzo, la más que beneficiosa y estimulante recompensa.

Después de todo esto, nadie, ninguna institución cultural de cualquier parte del mundo se niega a colaborar o realizar propuestas en Basilea; el movimiento, planificación y desarrollo de la cultura de diseño es y será siempre un ímán para el buen diseño.

Imágenes: Antonio Fernández.

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Movámonos.

Es el movimiento boomerang; la energía que utilizamos para lanzarlo lejos de nosotros (inversión económica que se aleja de nuestras arcas) será la misma que nos lo devolverá a nuestras propias manos después de un espectacular viaje (proyecto cultural).


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Alumnos por el mundo_ Daniela, La Paz_ Estoy en La Paz, Bolivia, trabajando actualmente en la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia. Mi percepción del diseño en Bolivia después de 4 años de estar fuera, ha cambiado bastante, de ser tan recargado y colorido y muchas veces no llegando a transmitir el mensaje adecuado al público correspondiente, ahora se aprecia que es limpio pero sin dejar de ser colorido y llamativo, pero es acertado ya que nuestra cultura y sociedad es así, nuestra gente desde la vestimenta, es colorida, alegre y recargada, pero en el diseño se nota una progresión cada vez más acertada. La sociedad le da más importancia al diseño y se dan cuenta que es efectivo para las empresas ye eso es un muy buen avance ya que todo llega muy tarde con respecto a Europa o Estados Unidos. 86 | Signe


Laura, Múnich_ Alice, Nantes_ El diseño representa una parte muy importante del mundo creativo pero también del mundo general. En diseño esta por todos lados y en Francia la gente está empezando ahora a percibirlo. Aun mucha gente no sabe muy bien lo que exactamente es el diseño, o debería decir los diseños, pero las mentes cambian poco a poco y se abren al mundo creativo. Sobre el tema del diseño en Francia, no creo que se pueda hablar de «diseño francés», no tenemos por ejemplo una identidad y una tradición del diseño como los escandinavos. Donde a lo mejor tenemos una cierta identidad, pero sobre todo un saber hacer, es en el diseño de moda. Los creadores de alta costura son muy reputados y respetados en Francia y por el mundo. De manera general todo lo que trata de lujo, que sea diseño de moda, de objetos o de interiores, tiene su influencia en el país y mundialmente.

Hace tres meses me mudé a Múnich para hacer mis prácticas en Stylight, una startup convertida en plataforma e-commerce de moda. Aquí trabajo como diseñadora de interfaz y experiencia de usuario (UX/ UI) dentro del departamento móvil. Somos un equipo de 9 personas, cuya función es cuidar la aplicación móvil, ya sea mejorando o añadiendo características en base a los test de usabilidad. Nuestro proceso de trabajo es el siguiente: Gestionamos el trabajo de manera autónoma y cross-functional (profesionales de distintos campos que trabajan conjuntamente para alcanzar una meta común). El tiempo se gestiona en sprints de dos semanas, donde se llevan a cabo los proyectos que nosotros mismos hemos elegido según su prioridad y dificultad. No se trabaja en cascada, el diseño y el desarrollo del proyecto están en contacto continuo. El feedback y las reuniones son puntos claves para la comunicación dentro del equipo. Al llegar aquí me sorprendí de la eficiencia de este sistema, pero lo que encuentro más interesante y satisfactorio de trabajar en esta empresa es que, tanto diseñadores como desarrolladores, investigadores y analistas, trabajamos codo con codo para poder entregar el mejor producto posible a nuestros usuarios. Sin olvidar la cerveza gratis y el buen rollo :)

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The Dulk_ Antonio Segura Donat,no necesita mรกs que su cuaderno para llevarnos a mundos inimaginables. Trabaja en diferentes campos, desde el dibujo, la pintura y escultura, hasta el arte urbano.

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¿Existen hoy en día las identidades locales o está todo globalizado? ¿En cuantos países has trabajado? He trabajado en bastantes, no sabría decir cuantos exactamente. Realmente prácticamente el 90% del trabajo que hago es para el extranjero. En España estamos muy por detrás a la hora de valorar el arte y el diseño. La diferencia es abismal con respecto a otros países y realmente es muy triste pero es así, todo va muy poco a poco y muy poca gente es capaz de creer en un proyecto o procesos creativos como se merecen. ¿Adaptas tu estilo en función del país, o se mantiene inalterable? No, no cambio nada, considero que el estilo es el lenguaje del artista y la herramienta para comunicarse con el resto del mundo, a partir de aquí el publico ya es libre de interpretarlo como quiera y generar dialectos a raíz de sus propias opiniones. Otra cosa es que el cliente necesite un estilo u otro, pero eso es independiente al país a donde va dirigido el trabajo. Bajo todo concepto la intención es dejar mi firma en forma de obras artísticas y siempre intento defender mi visión hacia el cliente. Es muy importante encontrar un equilibrio entre tu propia idea y la que nos pide el cliente.

En mi opinión todo esta globalizado. Cada persona es un mundo y cada cliente igual, no importa el lugar sino el diseñador y el cliente. Pienso que cuando se demanda diseño de calidad se hace porque gusta el estilo del profesional que lo desarrolla independientemente de a donde va dirigido. Esta claro que en función de la finalidad del proyecto tienes que adaptarte más o menos pero esto ya es otro tema. ¿Que te ha aportado el hecho de estar continuamente en movimiento ? Me aporta energía, me aporta experiencia y sobretodo lugares y vivencias que contar e interpretar. Cada lugar tiene unas características diferentes y eso me sirve para crear mi propia despensa de recuerdos que posteriormente serán traducidos a mi propio lenguaje en forma de dibujos, ilustraciones o pinturas. Viajar es importantísimo para darte a conocer, dejarse ver y renovar tu día a día. Descubrir y sorprenderte. Para mí es como una inversión, a la vez conoces a mucha gente que en el futuro puede hacer que aparezcan nuevas oportunidades. Gracias a mi trabajo viajo bastante y es realmente satisfactorio desplazarte y dejar pequeñas huellas por el mundo que salen de tan dentro de ti y en lugares que nunca puedes imaginar.

Entrevista: Staff Signe. Ilustración: Antonio Segura Donat.

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UN FESTIVAL CON MUCHO

ARTE 90 | Signe


Festival de les Arts_ El Festival de les Arts nace de la conexión entre la música y disciplinas artísticas como el diseño, la ilustración, la moda o la gastronomía. Un cartel de artistas nacionales e internacionales envuelve a Valencia de magia en un evento, que desde su primera edición en 2015, ha sido un éxito imparable. Les Arts, un festival con mucho arte. Hablamos con Esther Marín, directora de comunicación del festival y parte del equipo que ha hecho posible este proyecto. Andáis como locos preparando la segunda edición del Festival de les Arts y es que no tiene que ser nada fácil proyectar el valor añadido que ofrecéis en este festival. Su primera edición fue todo un éxito. Aunasteis música, diseño gráfico, ilustración, gastronomía, arquitectura… La convivencia entre disciplinas y un cartel atractivo es el alma de este evento que se celebrará los días 10 y 11 de junio en la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia. ¿Sois conscientes de que habéis encontrado la fórmula mágica para muchos amantes de la música y el arte?

Queríamos diferenciar al Festival de les Arts del resto de festivales de música, involucrando más disciplinas artísticas como el diseño, ilustración, arte, cultura y gastronomía. De ahí que consiguiésemos implicar además a toda la ciudad para no perder el talento que existe en Valencia en estas materias. Buscábamos llegar tanto al amante de la música, como del arte, atraer al curioso y darlo a conocer a todas las personas que no están tan familiarizadas en este ámbito. A nivel personal todavía no podemos creernos la acogida que tuvo el festival en su primera edición. Lo que más nos satisface es ver que se pudo apreciar todo el trabajo que había detrás y que la gente lo disfrutó. Somos muy exigentes y siempre buscamos más, pero podemos decir que cumplimos los objetivos de difusión y posicionamiento en cuanto a una primera edición se refiere.

Texto y entrevista: Esmeralda Rodríguez. Imágenes: Festival de les Arts. Signe | 91


El festival calienta motores los días previos. Barrios artísticos como el Carmen, Ruzafa, la Patacona o Benimaclet recogen el Circuit de les Arts ofreciendo conciertos acústicos, exposiciones, workshops o charlas de artistas locales. ¿Qué fue lo que os movió a extender la promoción del arte y la cultura a la calle? Al ser una primera edición, queríamos avanzar al público lo que iba a poder encontrar en el festival e involucrar a la ciudad. A la hora de pensar en la promoción, no buscábamos acciones masivas que se perdieran sino contenido seleccionado para un público reducido en el que pudieras conectar con el artista, exposición o espacio en cuestión. Es por eso que nos embarcamos en el Circuit de les Arts donde abordamos tres barrios artísticos como Ruzafa, Patacona y el Carmen. Durante el mes de mayo recorrimos las calles aunando directos y acústicos, exposiciones, workshops y actividades deportivas con gastronomía y mucho más. También contáis con Les Arts PRO, un encuentro entre profesionales previo al festival y donde también podemos disfrutar de conciertos acústicos, exposiciones, charlas y gastronomía. ¿Qué es lo que se vivió dentro de estas jornadas en la primera edición de les Arts PRO y qué estáis preparando para la segunda? Les Arts PRO fue la jornada para profesionales y amantes del arte que se celebró como antesala al festival, el día previo a la celebración del mismo. En ella contamos (en nuestro empeño de involucrar a la ciudad) con cinco bandas valencianas y una portuguesa, además de charlas en las que se trató el proceso creativo desde diferentes ámbitos como la gastronomía, la ilustración, el diseño o la música, exposiciones con Gunter Gallery y ADCV y food-trucks. Fue un día para ir abriendo boca para el Festival de les Arts, en el que contamos con una gran asistencia de público interesado en esta jornada. Les Arts PRO vol. 2 ya está en marcha, y pronto os iremos contando todo lo que encontraremos este año.

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El Circuit de les Arts aborda barrios artĂ­sticos como Ruzafa, Patacona y el Carmen.

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En vuestra web tenéis un espacio Magazine donde promocionáis artistas procedentes de cualquier disciplina. También publicáis inspiración y artículos de interés. Para tratarse de un festival, los tentáculos de este se extienden más allá de una cita de dos días en verano. Estáis apostando firmemente por la promoción del arte. ¿Es posible que encontrásemos la forma de trabajar juntos Festival-Escuelas de Arte? Como bien decís el Festival de les Arts apuesta fuertemente por la promoción del arte en todos sus ámbitos y como siempre, estaremos encantadísimos de colaborar con las escuelas de arte para dar a conocer a los jóvenes que vienen pisando fuerte y con mucho talento. La publicación de este número de Signe será posterior a la celebración de la segunda edición del festival. Apuesto a que lo habremos pasado genial y que esto no es más que el principio de una larga amistad. Mucha suerte para la tercera edición, nosotros la estaremos esperando. ¡Gracias por todo! ¡Muchas gracias y seguro que habremos disfrutado juntos de la segunda edición del Festival de les Arts!

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El Festival de les Arts apuesta fuertemente por la promociĂłn del arte, estaremos encantadĂ­simos de colaborar con las escuelas de arte para dar a conocer a los jĂłvenes que vienen pisando fuerte y con mucho talento.

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PINTOR VOCACIONAL I APASSIONAT DEL DISSENY GRÀFIC

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Enric Solbes_ Són molts el personatges que han marcat una trajectòria al camp de Disseny Gràfic de la Comunitat Valenciana, però un dels que va desplegar tota la seua creativitat en molts camps va ser la figura d’Enric Solbes.

Imagen: Pere Fuster.

Pintor, il·lustrador, cartellista i dissenyador, va dissenyar cartells per a concerts de música, obres teatrals, campanyes institucionals i junt amb l’escriptor Josep Palacios, dissenyaren un nou alfabet tipogràfic que batejaren amb el nom de Xúquer i el catàleg de l’exposició La impremta valenciana organitzada per la Generalitat Valenciana amb motiu de 500é Aniversari de la impressió del clàssic de Joanot Martorell Tirant Lo Blanc. Gran part de la seua trajectòria va lligada a l’editorial Bromera on, com a il·lustrador, posà cara i ulls a personatges d’obres de la literatura valenciana. Enric era un geni i sols els genis podien ser capaços de combinar diferents disciplines artístiques, destacant en totes elles. El seu nom és inclòs en el Diccionari d’Artistes Valencians del Segle XX de l’Editorial Albatros i en el Diccionari de Pintors i Escultors Espanyols de Forum-Artis. A la ciutat d’Alcoi, hem pogut gaudir d’una gran part del llegat que Enric Solbes ens deixà a l’exposició Una mirada nòmada a la Llotja de Sant Jordi. Agraïm la col·laboració d’Antoni Miró, artista i director de l’exposició, per ajudar-nos a conèixer un poc més la figura d’Enric Solbes. Texto: Vanessa Jaijo. Imágenes y entrevista: Staff Signe.

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La selecció d’obres exposades en la Llotja de San Jordi, podríem dir que és una recopilació de gran part de la seua trajectòria artística? Hi ha una mica de tot, principalment dels darrers anys i una bona part de la cartelística i de les il·lustracions a les que va dedicar la seua aportació més professional. Què és Enric Solbes per al disseny i el disseny per a Enric Solbes? Va partir com a pintor, dibuixant, gravador, sempre amb una bona qualitat, i ben aviat va decantar-se per la il·lustració bibliogràfica a la que va dedicar els seus millors anys. 100 | Signe

Quins van ser els seus referents i de quina forma es van produir al llarg de la seua carrera professional? Jo conec a l’Enric a finals dels 70 i junt a Paco Sempere (que també estudiava a Sant Carles) comencen a col·laborar amb mi, estampant diverses carpetes de gravats a l’Estudi Sopalmo (el meu taller). Enric, des de ben jove, destaca per la seua habilitat manual, té capacitat per a reproduir qualsevol cosa de la forma més senzilla, amb solvència i qualitat. En aquest període –o poc després– inicia la seua col·laboració amb Manuel Boix, jo crec que és la primera influència visible, a continuació serien l’Equip Crònica, Miquel Calatayud, Adami i, segons el propi Enric: Vermeer i R. Lidner.


Pot comentar-nos les seues principals característiques pictòriques? Crec que és un pintor molt elegant, amb una pintura atractiva i contundent que esbrina i potencia una gran sensibilitat sempre, però molt immersa en la il·lustració de la que Enric Solbes és un mestre.

de cada opció, destacant des de molt jove com un gran il·lustrador, però també en tot el que tocava, fruit d’una preparació eficient i productiva, tot amerat d’una sensibilitat desbordant.

Què creu que transmet el seu quefer creatiu als estudiants d’art i disseny en l’actualitat? Què podem aprendre d’una figura com la d’Enric Solbes? Enric és el mirall on s’hauria de mirar tot estudiant d’art i disseny, ha sabut fer-se un estil propi, desprès d’estudiar unes quantes figures, extraient el millor Signe | 101


Pablo Llorens_

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JUAN DE LA CRUZ, PROFESOR DE DISEÑO GRÁFICO EN LA EASDAlcoi Se trata del animador alcoyano por excelencia, especializado en la técnica de stop-motion. La mayoría de sus personajes suelen ser seres inadaptados y enigmáticos. Forma parte del estudio de animación Potens Plastianimation en Valencia, creado por él en el año 2001.

NON STOP

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¿Cuáles fueron tus principales influencias para interesarte por el stop-motion? Lo que veía por la tele, los dinosaurios de Harryhausen, la serie Morph y el Holoajedrez de Star Wars. ¿Qué estudiaste? ¿Qué conocimientos de esos estudios te ayudaron para animar mejor? Bellas Artes, aunque en mis tiempos no tenían departamento de animación. ¿Te consideras una persona autodidacta? Si es así, ¿qué recomiendas a aquellos que se interesan por la animación más allá del mundo académico? Para bien o para mal soy totalmente autodidacta. Desde luego la realidad de la animación está más allá del mundo académico, en internet, en libros y makings offs.

¿Qué estas realizando en estos momentos? Ahora estoy experimentando creando contenido animado para youtube en mis canales para niños Lego, Clay and Fun y Plastilego y en mi canal para adultos Plastianimation donde alterno animaciones realizadas con Lego con otras creadas con plastilina, buscando técnicas que permitan aumentar mi volumen de producción. Actualmente ¿con cuántas personas trabajas y/o colaboras y en qué partes del proceso de producción? Mi producción es muy dispar, a veces lo hago todo, a veces solo dirijo y me frustro por no poder mancharme de plastilina, con esto te quiero decir que puedo estar con 5 o 6 personas en todos los departamentos o estar solo como un ermitaño loco. ¿Qué cámara(s) utilizas?

¿Cómo compaginas los proyectos propios y los encargos? ¿Te marcas periodos de tiempo fijos en función de la época del año?

Tengo una Canon 550 y otra 600.

Bueno, la compaginación la dicta el mercado, si hay trabajo lo hago, si no lo hay hago mis cortos de todo tipo y experimento.

Me encantaría, pero llevo el stop-motion en la sangre y las demás técnicas siempre se han mostrado esquivas conmigo. Supongo que la animación requiere mucha especialización como para ir de flor en flor. Además el stop-motion en si mismo ya es suficientemente variado como para no aburrirme nunca.

Imágenes: Staff Signe. Texto y entrevista: Juan de la Cruz.

Además del stop-motion ¿has experimentado con otras técnicas?

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ÂŤPara bien o para mal soy totalmente autodidacta.Âť

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¿En qué momento se encuentra el sector de la animación valenciana? ¿Y la española en general? Hay estudios de todo tipo, y los mejores del stop-motion están en Valencia Clay Animation y Conflictivos Productions pero lo cierto es que soy mucho mas animador que productor y no estoy muy al tanto de los temas empresariales. ¿Crees que hay especialidades en los que hay más demanda dentro del sector de la animación? Animadores sin duda, requieren un talento especial y mucho tiempo de aprendizaje. Ambas cosas escasean. Para una persona que busca trabajo en la animación ¿cómo crees que debe presentarse en una entrevista de trabajo? Primero debe tener claro a qué nivel esta respecto al estándar del puesto al que aspira y luego tener una reel o portfolio en condiciones (muestras de su trabajo profesional, personal o ambos) y enviarlo a los lugares apropiados. Si su trabajo es bueno ya le llamaran para entrevistarlo y chequear su calidad humana.

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DIEGO SINTAS LÓPEZ, ESTUDIANTE DE DISEÑO GRÁFICO EN LA EASDAlcoi 108 | Signe


El curso de Lettering & Rock’n’Roll que impartió Ivan Castro en la EASDAlcoi tuvo la dinámica que viene trabajando Ivan en otros workshops como Caligrafía & Rock’n’Roll, en los que combina letras y música para dar lugar al diseño de un logotipo. A cada alumno del taller se le asignó, previamente, una banda (o intento de ella, como es el caso de Andy & Lucas) sobre la que realizaría una investigación gráfica y conceptual para empezar a trabajar. Una vez estuvimos todos en clase se destapó la gran, extraña y divertida

variedad de música que Ivan había elegido para nosotros. Desde los sonidos tempranos de Link Wray, el Rockabillysurf de The Montesas y el Rock&roll instrumental de Los Straitjackets hasta el Hardcore de Minor Threat o el Heavy de Pantera pasando por Raphael, Pimpinella, Andy & Lucas y Beyoncé entre muchas otras bandas. Este batiburrillo de conceptos gráficos y musicales muy diferentes entre sí es una estrategia que utiliza Ivan para sacar a cada alumno de su registro, dado que cualquiera seríamos capaces de trabajar para nuestra banda preferida.

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La fase de información realizada daba lugar al primer bocetaje donde se pretendía establecer una vía de comunicación y una estructura compositiva, que, en unos casos estaba muy clara y en otros más grisácea. Ivan interrumpía de vez en cuando para explicar teoría y práctica del lettering; nociones sobre la construcción individual de la letra (anatomía), cómo interactúan entre ellas (espaciado), el carácter y los valores que transmiten (género o família) así como la armonía y el equilibrio entre todas estas premisas (composición). Conocimientos que recientemente ha plasmado en su completísimo libro The ABC of Custom Lettering como nos explicó ese mismo día en su ponencia. 110 | Signe

Todos los presentes seguían dándole a buen ritmo al papel y al 2H bajo las correcciones de Ivan, llegando a última hora de la tarde con un boceto que serviría de base para pulir y trabajar más detalladamente el resultado final en la jornada siguiente. Un café y los ánimos renovados dan comienzo a las últimas cuatro horas de workshop, donde el objetivo es corregir, revisar y corregir con papel vegetal nuestro lettering para, a última hora de la mañana, tener un resultado final entintado. En este punto las correcciones de Ivan son mucho más exhaustivas y exigentes, dado que él es un tipo al que no le gustan ni los chistes malos ni las


letras desproporcionadas. Llega la última fase del curso; se ponen en común todos los logotipos e Ivan hace una valoración del proceso de trabajo individual así como del resultado final añadiendo propuestas de mejora. Dicha valoración resulta muy positiva dado que todos los alumnos han cumplido los objetivos del curso: entender y aplicar los conceptos explicados sobre lettering, adaptarse al carácter de cada banda, tener un buen flujo de trabajo y obtener un resultado en el que, de forma opcional, seguir trabajando. Doy por finalizado así el segundo workshop al que asisto con Ivan de profesor. La experiencia es, si cabe, más

positiva que el anterior. Es un verdadero lujo poder contar en nuestra escuela con docentes de la talla de Ivan, sin olvidarnos de los propios docentes de la EASDAlcoi, que organizan año tras año unas jornadas de diseño por y para el alumnado en las que se incluyen cursos extraacadémicos como este. ¡Gracias!

Imágenes: EASDAlcoi.

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Crowdfunding, algo más que financiación_ TONI GISBERT, PROFESOR DE ORGANIZACIÓN Y LEGISLACIÓN LABORAL EN LA EASDAlcoi ¿Puede un proyecto de un simple juego de cartas conseguir 8 millones de euros de financiación? 219.382 personas han aportado 8.782.571 $ para financiar la fabricación del juego de cartas Exploding Kittens. Ha sido el proyecto con más participantes en la corta historia de la principal plataforma de crowdfunding mundial. La aportación mínima para financiar este proyecto era de 20 $ y con ello se conseguía una copia del juego si se alcanzaba el objetivo inicial de financiación: 10.000 $. Exploding Kittens no ha sido el proyecto que más ha recaudado en esta plataforma, dicho record lo ostenta, por ahora, el proyecto del smartwatch Pebble Time con 20.338.986 $ de financiación y 78.471 participantes, pero si es el que nos muestra más claramente el alcance y las posibilidades reales de esta alternativa a la financiación tradicional. Pero para entender mejor en qué consiste el crowdfunding es necesario empezar por comprender el origen del movimiento crowd (multitud en inglés) y del consumo colaborativo. Por tanto, la esencia de este movimiento es la cooperación: compartir, colaborar, «cocrear» y cofinanciar. Así, las personas pasan a convertirse en parte involucrada 112 | Signe


y responsable del resultado final de un producto o servicio, tanto a través de aportaciones económicas como intelectuales. La filosofía o movimiento crowd se basa en el mecanismo por el que personas con intereses, ideales o motivaciones similares se encuentran y cooperan entre sí para conseguir sus objetivos y dar respuesta a sus inquietudes de forma colectiva. Esta filosofía abierta se ha desarrollado en los últimos años gracias al tremendo auge de las redes sociales e Internet que permiten estar todos conectados, lo que facilita el intercambio y la colaboración. Un claro ejemplo de este movimiento es la Wikipedia, que se autodefine como «un esfuerzo colaborativo por crear una enciclopedia gratis, libre y accesible para todos». Ese componente de cooperación es el que ha sentado la base de lo que hoy en día se denomina consumo colaborativo y que se puede definir como «la manera tradicional de compartir, intercambiar, prestar, alquilar y regalar redefinida a través de la tecnología moderna de la información y comunicación y las comunidades» (www.consumocolaborativo.com).

El concepto de consumo colaborativo comenzó a popularizarse en 2010 con la publicación del libro What’s Mine Is Yours: The Rise of Collaborative Consumption (Lo que es mío es tuyo: El auge del consumo colaborativo) de la autora inglesa Rachel Botsman y sobre todo, con su posterior charla en la organización TED que ya cuenta con cerca de un millón de visionados. Todo lo anterior dio pie para que en el año 2011 la revista Time considerara la idea de Botsman entre las diez que iban a cambiar el mundo. Varias son las razones que apuntan a este incremento del consumo colaborativo, la principal es el cambio de mentalidad que se ha producido en la sociedad actual y especialmente en las nuevas generaciones de nativos digitales que están creciendo con Internet y su cultura digital de intercambio de archivos, videojuegos, de conocimiento, etc. Esto ha supuesto un gran cambio, una ruptura en la forma en que se consume. En la Red no es tan importante poseer como tener el acceso y compartir. Si puedes consumir, ¿para qué poseer? El modelo de consumo basado en la propiedad, muy enraizado en España, se ha roto. Los consumidores ya no quieren cosas, quieren las experiencias que satisfacen esas cosas. De ahí el éxito de empresas como Airbnb (compartir casa) o Bla Bla Car (compartir coche). Signe | 113


Pero no hay que olvidar que este cambio de mentalidad no hubiera sido posible sin el desarrollo de las modernas tecnologías de la comunicación que facilitan el intercambio y la colaboración en tiempo real, ni sin el auge de las redes sociales e Internet que han renovado la importancia del concepto de comunidad. Esto nos está llevando a un regreso al pasado donde volvemos a utilizar el trueque, pero reinventado de una manera más dinámica y atractiva a través de las plataformas digitales.

La idea es sencilla: poner en contacto a creadores y patrocinadores. Un creador expone su proyecto, lo publicita y lo presupuesta. En un plazo limitado recibe aportaciones de los patrocinadores (o mecenas), usuarios que les gusta el proyecto y se involucran en él. Las aportaciones sólo se hacen efectivas si al acabar el plazo se completa la financiación. Los patrocinadores, a cambio, reciben recompensas: obsequios, descuentos, experiencias, el propio producto, etc.

Por último, la crisis económica y el posterior periodo de recesión mundial han impactado sobre el comportamiento del consumidor que se ha vuelto más responsable y ecológico. La sostenibilidad, el evitar despilfarrar recursos se ha convertido en una de las mayores preocupaciones de los consumidores, y esto se consigue compartiendo, colaborando, intercambiando.

La principal plataforma a nivel mundial es Kickstarter con un total de 264.284 proyectos presentados desde su inicio en 2009 y con un porcentaje de éxito del 37%, lo que supone un importe real financiado de aproximadamente 1.867 millones de euros.

Este periodo de recesión en el que estamos inmersos ha supuesto un descenso de la financiación externa para proyectos en ámbitos como la cultura o el emprendimiento, que unido al crecimiento del consumo colaborativo han provocado la irrupción con fuerza del crowdfunding, micromecenazgo o financiación colectiva.

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De todos estos proyectos, aproximadamente un 38% están relacionados con los diferentes ámbitos del diseño y el arte, y su porcentaje de éxito varía desde un 24% en proyectos de moda o artesanía hasta un 50% en los relacionados con el mundo del cómic. En España, además de Kickstarter, existen otras plataformas de crowfdunding como Verkami y Lánzanos entre otras, aunque no llegan, ni de lejos, a los números de la primera. Se puede comprobar el auge de este tipo de plataformas


y del movimiento crowd en www. crowdsourcing.com, web aglutinadora de todas las páginas relacionadas con esta filosofía basada en la cooperación. Pero el crowdfunding no es únicamente una buena alternativa a la financiación tradicional, sino que a la vez es una excelente herramienta para poder testar el interés que pueda despertar una idea de negocio en el mercado. La base del éxito de cualquier idea de negocio es que solucione un problema a alguien, y ese “alguien” estará interesado en pagar por dicha solución. Pues bien, el crowdfunding nos puede ayudar a evaluar si esa “solución” es la correcta. ¿Cómo? Si analizamos los resultados de nuestra campaña de crowdfunding podremos calibrar las posibilidades de éxito de nuestra idea en función de la financiación obtenida.

Lo que nunca hemos de olvidar, tanto si se utiliza el crowdfunding como medio para obtener financiación o como herramienta para testar una idea de negocio, es que la comunicación va a ser fundamental. Si no saben que existes, ¿cómo te van a ayudar? Es necesaria una comunicación eficaz que nos haga llegar a nuestro mercado, a nuestro público objetivo. Antes, realizar una buena campaña de promoción era complicado si no se contaba con suficientes recursos económicos, pero en la actualidad, y gracias a Internet y las redes sociales, se puede llevar a cabo casi sin coste. ¿Es eso posible? Que se lo pregunten al equipo de Exploding Kittens.

«No nos quejemos tanto de la falta de financiación, sino en todo caso, de la falta de buenas ideas para ser financiadas.»

* Fuente: www.kickstarter.com [Consulta: 28-10-2015] * Webgrafía: www.collaborativeconsumption.com, www.consumocolaborativo.com, www.crowdsourcing.org, www.explodingkittens.com y www.kickstarter.com

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EL PADRE DE LOS TÍTULOS DE CRÉDITO MODERNOS

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Recordando a Saul... AMPARO PEÑARANDA, PROFESORA DE MEDIOS AUDIOVISUALES EN LA EASDAlcoi El pasado mes de abril fue el 20 aniversario de la muerte de Saul Bass, uno de los diseñadores gráficos más influyentes de la historia, y que consiguió, entre otros logros, elevar los títulos de crédito cinematográficos a la categoría de arte. Para los que amamos el cine (y apreciamos las cosas bonitas) no podemos dejar de recordar a este gran diseñador con alma de cineasta. Saul Bass llegó al mundo del cine casi que por casualidad. Sus primeros encargos consistieron en diseñar cárteles de películas. En 1954, el director Otto Preminger le propuso realizar el cartel y los créditos del musical Carmen Jones y esto marcó un antes y un después. El resultado fascinó desde el primer momento a los directores, pues veían sintetizado el argumento del film en un símbolo gráfico en movimiento, pero desconcertó a los productores acostumbrados a vender las películas mediante los rostros de las estrellas protagonistas del reparto. Bass dió a los títulos de crédito el valor que merecían y un espacio propio. Para él: El film comienza en el primer fotograma. Hay que atraer al espectador, crear una atmósfera gráfica y sonora que les prepare para lo que van a ver. Imágenes: AGI y Art of the Title.

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De este modo, los créditos dejaban de ser un elemento independiente, para formar parte integral del film. Sus títulos eran una pequeña narración, la mayoría de las veces abstracta, que introduciría al espectador en el ambiente y las sensaciones que después mostraría la película. Todo esto sumado a su característico estilo minimalista, basado en formas geométricas simples, colores puros, juegos con la tipografía que deja de ser un elemento utilitario para convertirse en un elemento expresivo más y la composición de piezas musicales exclusivas, sería su principal seña de identidad.

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Tras su colaboración con Preminger, para quien diseño los créditos de todas sus películas El hombre del brazo de oro, Buenos días, tristeza, Anatomía de un asesinato y Exodus muchos fueron los directores que se rindieron a su talento: Billy Wilder, Stanley Kubrick, John Frankenheimer, Ridley Scott y Martin Scorsese. Pero quizá su colaboración más exitosa fue con Alfred Hitchcock, para el que trabajó en Vértigo, Con la muerte en los talones y Psicosis. En esta última, además ayudó a planificar la mítica escena de la ducha. Y es que su habilidad para sintetizar ideas y crear pequeñas narraciones, le convertían en un gran asesor para los directores en las secuencias que exigían una gran precisión narrativa.


En su dilatada carrera Bass junto a su mujer Elaine Makatura, con quien trabajó mano a mano desde mediados de los 60, firmaron más de medio centenar de películas . Los productores ya sabían que un diseño de Saul Bass and Associates daba un toque especial a las películas. Tanto es así que las hay que solo se recuerdan por sus créditos. Pero su trabajo en la gran pantalla no se limitó al diseño de carteles y títulos de crédito. También dirigió varios cortometrajes promocionales, como The Searching Eye (1964), From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968), un ensayo fílmico sobre la creatividad con la que incluso llegó a ganar un Óscar. Y también se atrevió con un largometraje de ciencia ficción Phase IV (1974), en el que unas hormigas dotadas de capacidades intelectuales planeaban destruir el mundo.

Imagen: Art of the Title (Diseño: Saul Bass y Elaine Bass)

En 1996, un año después de realizar sus últimos créditos para Casino de Martin Scorsese, el artista de lo (cinemato) gráfico nos dejó. Sin embargo, hoy su huella sigue viva gracias al trabajo de nuevos diseñadores que ven en su obra una gran fuente de inspiración. Los créditos de Sherlock Holmes de Danny Yount, Mad men de Imaginary forces, Todo sobre mi madre de Juan Gatti o el homenaje de Oliver Kuntzel en Atrápame si puedes para la película de Steven Spielberg, son claras muestras de la gran influencia del que para todos es el padre de los títulos de créditos modernos y el que sentó las bases de lo que pronto se denominaría motion graphics. Gracias Saul por todo lo que nos has aportado a los que de algún modo nos dedicamos a esta profesión, pero sobretodo, gracias por inspirarnos para «hacer cosas bonitas aunque a nadie le importe».

http://www.artofthetitle.com/feature/the-title-design-of-saul-and-elaine-bass/

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El Toque Inteligente del Diseño y la Ilustración_ MARÍA PENALVA, ALUMNA DE ILUSTRACIÓN APLICADA EN LA EASDAlcoi

Imágenes: Isidro Ferrer.

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De un tiempo a esta parte el Diseño ha perdido la capacidad de innovar. Se levantan voces de importantes figuras intelectuales como Avelina Lésper o Isidro Ferrer que expresan su opinión sobre la situación actual tanto en la enseñanza como en el panorama gráfico del Diseño y la Ilustración, y además lo hacen sin cortarse un pelo. Todos tenemos claro que la primera finalidad del Diseño es dar un servicio, pero ¿por qué no puede tener un valor estético? Acaso no tenemos todos en nuestra memoria la Historia del Cartel Europeo en la I y II Guerra Mundial. ¿Acaso lo que hacía Otto Dix era sólo cartelería?


En realidad hay una opinión generalizada sobre que el manejo eficaz de programas como Photoshop o Illustrator es lo que da calidad al Diseño. Y esto lo piensan tanto los estudiantes de las Escuelas de Diseño como las personas que han hecho un cursillo en el Servef. Y todas están equivocadas.

Colección de figuras en madera diseñadas para LZFLamps.

El Diseño, hoy en día, se frena escudado en que tiene que dar un Servicio, Comunicar y tiene un Cliente al que agradar. Está claro que no podemos diseñar un cartel que no comunique, por mucho valor artístico que tenga. Imaginaros un cartel, con un cartel explicativo al lado. Pues, yo he visto algunos que lo necesitan. Y no hace mucho. Y no muy lejos. No tenemos que llegar a esos extremos, ni perder la comunicación en favor de la estética, ni al revés. Pero es responsabilidad del Diseño educar al Cliente para que el Diseño aporte. De esta manera el Diseño volverá a ser valorado, porque hoy en día cualquier persona con acceso a un ordenador se considera diseñador.

«Los programas informáticos son herramientas o técnicas, pero no te convierten en un Diseñador o en un Ilustrador.» Sin embargo hoy en día, todos somos un poco diseñadores. Cualquiera con una foto y una tipografía te hace un cartel. Eso podría ser verdad, pero es que no saben ni de composición ni de tipografía. Y todos los días vemos los resultados. Personas que les atemoriza un lápiz se llaman ilustradores digitales porque trabajan copiando fotografías con

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programas informáticos. Construyen verdaderos Frankensteins para que no se pueda identificar la obra original, calcan y presumen orgullosos de sus obras. Incluso ofrecen cursos de técnica online. Increíble pero cierto. No podemos dejar que las técnicas se conviertan en Artes. Porque son sólo eso, técnicas y programas informáticos. Por eso, el Diseño o la Ilustración está perdiendo su toque humano. Un verdadero diseñador/ilustrador es una persona formada y con cultura. Que no tiene miedo a crear, que utiliza referentes históricos y arriesga. Que innova. Y todo eso sin perder de vista las finalidades primarias: dar servicio y comunicar. En vez de actuar así, la mayoría busca referentes actuales y los copia. Directamente, y cuánto más moderno, mejor le parece. Decirme que mes de este año no se ha plagiado en España un cartel de fiestas, incluso en Alcoy. Nos lo podemos tomar a risa, pero yo creo que es una situación preocupante del estado actual del Diseño y la Ilustración. Un Diseñador/Ilustrador crea su mercado porque su obra es potente, honesta y original. No trabaja para el mercado ya existente. Porque cuando empiezas a seguir la moda, copiar la moda, ya no estás dentro de la Moda. Estas fuera del Mercado. Se debe perseguir crear la tendencia, no acomodarse en ella.

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Diseño tipográfico de la cubierta textil de la avenida del Ebro en el recinto de la Exposición Internacional de ExpoZaragoza.

Desde las Escuelas de Arte y Diseño se debería incidir más en estas bases primarias de pensamiento. En la necesidad de formarse, en la de innovar, en encontrar una salida honesta a nuestra creatividad. Isidro Ferrer, diseñador e ilustrador con nombre de santo y todos los premios del mundo, nos dice que las Escuelas de Diseño enseñan poco a reflexionar y muchos conocimientos técnicos, es decir basan su enseñanza principalmente en el manejo eficaz de las herramientas. La excelencia técnica, el manejo correcto de los programas informáticos es casi un modismo para él. Sin embargo insiste: una Buena Idea Permanece, a pesar de la técnica. La Buena Idea tiene perdurabilidad. Un Diseño debe ser útil, funcional y si puede ser, hermoso. Y también afirma que no debe haber una guerra entre lo analógico y lo digital, porque ambas van a convivir en el tiempo.


Tanto Lésper como Ferrer defienden la figura del aprendiz. En el caso de Lésper exige a las escuelas y facultades que enseñen a los alumnos, que no los dejen ir por la vía fácil de la performance basurera en el Arte o el plagio de revistas de moda en el Diseño y la Ilustración. En el caso de Ferrer lo reivindica como vivencia personal cuando descubrió al diseñador Peret y le pidió ser su aprendiz a pesar de que no tenía formación académica. Ambos nos hablan de evolucionar constantemente, de no quedarse estancados en la zona propia de confort. Y se refiere tanto a profesores como alumnos. Ferrer nos dice que la mediocridad a veces se disfraza de profesionalidad. Todos tenemos una sola identidad, y allí confluyen los estilos. No hay que tener miedo de tener una entidad como persona, y como diseñador o ilustrador. Y dentro de esa entidad, variar según el proyecto, encontrar nuestra voz en cada proyecto. Ni ser camaleones, ni ser inflexibles. Ferrer insiste en que la educación ideal partiría de la base de enseñar al alumno para que reflexione y tenga su propio punto de vista y necesidad de expresión. Y no las del profesor o artista imitado. Darle los medios para que vuele y cree su entidad. No critica la educación ortodoxa, pero indica que hay más posibilidades. Y no son malas.

«La inflexibilidad educacional no empatiza, no innova, es estática.» Por último, Isidro Ferrer respecto a la Ilustración hace una reflexión con la que estoy de acuerdo y quiero compartirla con vosotros. Nos dice que desde hace una década no hay renovación en el mundo del Diseño y la Ilustración. Ahora existe una mirada nostálgica a todo lo que se ha hecho antes, pero nada es nuevo. Todo es retro o vintage. Vivimos en un gran revival que celebra la creación de artistas de décadas pasadas. «En estos momentos hay mucha calidad estética», dice Ferrer, se está haciendo lo más bello y también lo más inocuo. Porque no hay lenguaje, no hay concepto, ya no existe la narración gráfica. Existe sólo la mano del artesano, la que domina la técnica, un nivel de ejecución apabullante, pero nada más. Si entras en Pinterest, se te llena la cabeza de imágenes, una detrás de otra. Una especie de Pornografía Visual, la imagen por la imagen: belleza + belleza + estética + colores + formas + belleza. Pero no tienen contexto, no se sabe qué quieren contar ni porqué lo quieren contar. Ferrer echa de menos encontrar un sustrato de inteligencia, de intencionalidad en esas imágenes.

Ilustración para la página de créditos del nº 20 de la revista Elephant, Amsterdam.

Y yo también. Signe | 123


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Ana Esteban_ Dentro de las jornadas Expliquem 2016, la EASDAlcoi organizó un taller de Moulage impartido por Ana Esteban, diseñadora de moda y responsable de estilismo en los desfiles de la firma Amaya Arzuaga en Londres, Milán, Madrid y Paris. Hola Ana. Cuéntanos un poco sobre ti. ¿Cómo te describirías?

¿Qué diseñadores son los que más admiras?

Apasionada en mi trabajo.

Sin duda los de la Escuela Belga como Martín Margiela, Ann Demeleuster...por acercar la moda a una forma de arte, con alto grado de experimentación, ésto supuso una apertura creativa.

El mundo evoluciona muy rápidamente y el diseño se mueve con él. ¿En qué crees que ha cambiado la moda desde que tu empezaste? Las redes sociales lo han cambiado todo, considero que hay una sobre información y una pérdida de calidad. Hay mucho de frivolidad y muy poca sinceridad. El movimiento en el diseño de moda, ¿es rápido o va cambiando poco a poco? Es rápido en la creación y en la divulgación, pero lento a la hora de implantarse, por ejemplo en España llevamos casi dos años de retraso a la hora de asimilación de tendencias.

Sin lugar a dudas que siendo Amaya Arzuaga es un referente internacional de la moda española, ¿que supuso para ti, trabajar para ella ? Aprender un método de trabajo en cuanto al volumen y a tener una visión más amplia de la moda. ¿Por qué crees que ha triunfado en el mundo de la moda? Por tener un estilo muy definido y hacer un buen binomio entre innovación y sobriedad.

Entrevista: Paco Soler. Imágenes: Tania Martínez.

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Siempre se ha hablado de la moda y del diseño italiano, ¿que opinas sobre la moda española y el diseño español? Bueno, queda mucho por hacer y por cambiar, influye mucho por lo que está pasando este país, sin lugar a dudas, ahora estamos peor que nunca. No hay una unión, así no se puede formar un concepto de moda española, todo ello se refleja en la moda. Yo apuesto por los diseñadores jóvenes que arriesgan a pesar de todos los obstáculos. Si pudieras definir tu estilo como diseñadora, ¿cual sería? Sobriedad en cuanto a colorido. Búsqueda de nuevas siluetas y estructuralismo.

¿Tienes preferencia por trabajar con algún tipo de material o por el contrario te gusta experimentar con nuevos materiales? Me gusta mucho el gazar, es un tipo de organza, pero con una densidad superior y muy etérea, que permite hacer estructuras voluminosas pero sin peso. También me gusta crear tejidos experimentales, manipulando los ya existentes. Y para terminar, ¿como definirías la moda? Es algo que dentro de cumplir su papel funcional, te permite acercarte al arte y además sirve de integración/diferenciación social. Muchas gracias Ana.

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Comic Sans forever and ever_ MODESTO VALERO, EX-ALUMNO DE GRÁFICO EN LA EASDAlcoi

Imagen: Comic Sans, it’s a Love-Hate relationship, www.awwwards.com

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Imagen: Vincent Connare, www.likesuccess.com

¿Por qué escribir un artículo sobre la Comic Sans? Principalmente para hacer una reflexión personal sobre esta tipografía y sobre como nos dejamos influir por los demás, anulando nuestra propia autoreferencia. Yo no conocía nada de la polémica que había entorno a ella hasta que empecé a estudiar Tipografía. En aquel momento comencé a oír una serie de comentarios negativos y críticas por parte de compañeros y profesores. Yo, en mi desconocimiento, callaba y asentía, como todo niño bueno debe hacer cuando los mayores, que saben mucho más que tú, hablan sobre cualquier tema. No puedo negar que en aquel momento sus argumentos me parecían de peso y calaron en mí, generándome una opinión negativa sobre esta tipografía. Con el paso del tiempo, según mis conocimientos y experiencia sobre el tema aumentaban, dichos argumentos me parecían que perdían peso, que se trataba más de una cuestión «personal» que de verdaderas cuestiones formales, una especie de «postureo tipográfico» que se había puesto de moda. No hay nada que una más a una comunidad que tener un enemigo común, el odio a la Comic Sans era ese lugar de encuentro, esa zona neutra en la que poder encontrarse personas

con opiniones tipográficas opuestas. Así que, cuando tiempo después surgía el tema, me sentía algo hipócrita al no ser claro en lo poco claras que me parecían esas argumentaciones. [:P] ¿Merece realmente esta tipografía todas esas críticas? ¿Realmente debemos dejar que se pierda en el olvido? No lo sé. Pero siendo fiel a mi forma de pensar, creo que una tipografía que ha alcanzado tal nivel de difusión y arraigo entre el público generalista, merece un análisis más profundo. Deberíamos empezar por conocer a la Comic Sans un poco mejor, conocer su historia. Fue creada por Vincent Connare en 1994. Se trató de un encargo realizado por Microsoft para Signe | 129


una de sus aplicaciones de gestión que recibió el nombre de Microsoft Bob. Esta aplicación tenía un problema grave, el tal Bob, un perrito, hablaba con los usuarios a través de unos bocadillos rellenos con la Times New Roman. Esta tipografía no pegaba ni con cemento armado con el resto del grafismo de la aplicación. A esto cabe añadir la mala legibilidad que tenía la Times New Roman en las pantallas de aquella época. Para el diseño de la nueva tipografía Connare se inspiró principalmente en la tipografía aparecida en El Regreso del Caballero Oscuro de Frank Miller, comic publicado en 1986. Para ello, mantuvo el espaciado de la Times New Roman y trató de imitar los trazos manuales hechos con un rotulador. El resultado fue una tipografía con una serie de características muy distintivas, como pueden ser su inclinación variable o el espaciado desigual entre las letras. Pero Connare tardó demasiado y la aplicación salió finalmente sin que se hubiera implementado la nueva tipografía. Aún así, poco tiempo después la Comic Sans fue incluida en el catálogo tipográfico de Windows 95 y sí fue implementada en otra serie de aplicaciones posteriores. El siguiente paso que parece lógico es realizar un análisis lo más riguroso posible de la morfología de la Comic Sans. Estas son algunas de las cosas que se pueden apreciar: 1. La Comic Sans tiene un ojo medio grande y un ancho de trazo considerable. Un ojo medio tan grande exige una composición con un interlineado generoso para evitar el empaste. 130 | Signe

2. No tiene ningún contraste de trazado y no es modulada a pesar de que visualmente parece estar inclinada. 3. Los ápices de la «A» y la «M» son redondeados. 4. Los brazos de sus tipos son anchos y de longitud regular. 5. La barra de la «e» es angulosa y la de la «H» recta, con una altura de colocación media. 6. Las contraformas son grandes, igual que los ojales. 7. Las letras «C», «J», «s» e «I» tienen remates, en este último caso para diferenciarla de la «l».


8. Los travesaños de la «f» y la «t» están centrados. 9. La «g» carece de orejas, de cuello, y de ojal inferior. 10. La «G» posee un gancho muy pronunciado y la cola de la «Q» corta la contraforma. A partir de la aparición de la Comic Sans en el universo tipográfico, de la rápida proliferación de su uso y su irrupción en documentos serios, comenzaron a lloverle los palos desde todos los lados. Muy especialmente desde los puristas del diseño gráfico, que desataron su ira contra ella al considerarla «muy fea», «poco profesional» y sobreutilizada. Con el tiempo han surgido movimientos como el Ban Comic Sans que persigue acabar con su uso, ya que la conciben como expresión de «tontería, ingenuidad infantile irreverencia». En el manifiesto de este grupo se afirma que: «Apelamos al hombre común a que se subleve y se alce contra esta maldita ignorancia tipográfica. Creemos en la doctrina: prohíbe la Comic Sans. Será la salvación para todos aquellos que saben leer y escribir. Haciendo causa común para erradicar esta fuente de la faz de la Tierra nos esforzamos por asegurar que futuras generaciones se librarán de esta epidemia». Algunos de los argumentos que se esgrimen en su contra son los siguientes: 1. Para empezar, su propio nombre ya es incorrecto, se llama Comic Sans, cuando claramente algunos de sus caracteres poseen remates. 2. Está diseñada para textos breves, de no más de cinco líneas, como los

que se incluyen en los bocadillos de un cómic. La falta de uniformidad en la distribución de pesos visuales dificulta la lectura en el bloque de texto. Por tanto, nadie en su sano juicio se debería plantear el escribir un documento entero con ella. 3. No está pensada para ser tomada en serio. Es, de hecho, una fuente humorística. A nadie se le ocurriría escribir una sentencia judicial utilizándola. 4. Nadie en Microsoft imaginó que la Comic Sans se utilizaría impresa. Es una fuente para páginas web, para el Paint, para spam, o para tarjetas de felicitación virtuales. Usarla fuera de esos contextos es poco profesional. Cuando no directamente incorrecto. 5. Para que Comic Sans resulte legible en el uso cotidiano, exige el conocimiento de unas pautas mínimas que el usuario medio no suele poseer. 6. El contraste del blanco y el negro de la Comic Sans cuando se utiliza para textos largos, resulta estridente, pesado y, visualmente, desunido. 7. Muy poco interletraje entre pares de caracteres, eliminando todas las características informales de la verdadera escritura a mano alzada. 8. Se ha demostrado que utilizar Comic Sans en lugar de Helvética, Courier New o Garamond, entre otras, es más caro. Exactamente un 0,29% más de consumo en tinta. Pero no todo es desastroso en esta tipografía. Es curioso que muchos de los argumentos que se utilizan en su contra, no derivan de defectos de la propia tipografía, sino del mal uso que las personan hacemos de ella. Es como

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Imรกgenes: Comic Sans Logos, www.toxel.com. Famous logos in Comic Sans, www.logodesignlove.com

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utilizar un mazo en lugar de un hacha para talar un árbol, y pasarnos luego horas sacándole defectos al mazo por no habernos proporcionado el servicio que esperábamos. De hecho, el gran número de irregularidades que contiene la Comic Sans, han hecho que todos sus caracteres sean claramente reconocibles, siendo perfecta para las personas disléxicas. En general, estas personas se sienten más cómodas leyendo tipografías que imitan la escritura manual. Les ayuda a evitar confusiones entre ciertos pares de letras como pueden ser “oa” con «oo» o «rn» con «m». Tanto es así, que se han diseñado tipografías basándose en ella con este objetivo, como por ejemplo la Lexia Readable. Otro hecho a destacar es que, aunque el interletrado de la Comic Sans no está bien ajustado, no es realmente una tipografía orgánica, no se trata de una script mal hecha, no imita realmente la escritura manual. La Comic Sans está en ese punto intermedio entre lo orgánico y lo sintético que a la mayoría de las personas nos gusta, nos resulta cómodo. Otro fallo que se comete con esta tipografía por los «profesionales» es deshubicarla fuera de su periodo histórico, juzgarla con los criterios y posibilidades tecnológicas actuales. Nació hace 22 años para solucionar un

problema muy concreto producido por la tecnología de aquel momento. Sería como coger la «Textura» de Gutenberg y pedirle que cumpliera las especificaciones técnicas necesarias para ser perfectamente legible en un smartfone. Todo esto me lleva hasta otra reflexión que nos acerca más al meollo real que se oculta detrás de esta tipografía. Hasta la llegada de Gutenberg, el acceso a los libros era algo realmente limitado, la aparición de los tipos móviles permitió que se produjera una revolución cultural sin precedentes y una rápida alfabetización de las masas. Las élites, que hasta el momento habían tenido el monopolio del conocimiento a través de sus libros manuscritos, pusieron el grito en el cielo ante la aparición de aquellas aberraciones. Y junto con los tipos móviles, aparecieron los tipógrafos, que durante muchos años han tenido el control y el dominio sobre las tipografías. Hasta hace prácticamente nada, para poder desarrollar una tipografía, era necesario poseer una serie de conocimientos muy específicos. Conocimientos que pasaban del maestro a sus alumnos de forma casi gremial. Los tipógrafos se convirtieron así en una élite que se arrogaba el derecho a decir que estaba bien y que estaba mal

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en el universo tipográfico. La irrupción del universo digital y con él la de los programas creados específicamente para el diseño tipográfico, comenzó a romper las barreras entre estos dos universos, desencadenando una serie de acontecimientos inesperados para muchos. Ahora, en estos mismos momentos, se está produciendo una nueva revolución. Una democratización en el proceso de creación y distribución de las tipografías. Han aparecido decenas de páginas web donde se pueden descargar cientos de tipografías gratuitas. Existen programas gratuitos de creación tipográfica como el FontForge. Páginas como MyScriptFont que te permite bajarte una plantilla donde escribir o dibujar tus letras, escanearlas, subirlas a la web y obtener de vuelta tu fuente ya creada en formato TTF o ODF. Si todavía buscamos algo más avanzado, está PaintFont, donde podrás hacer tú mismo la plantilla con los caracteres que vayas a necesitar. Por lo demás, el resto del proceso es idéntico. O por último y más recientemente la aparición de Project Faces por parte de Adobe, una aplicación que le permite a cualquier usuario, sin necesidad de conocimientos específicos, la creación y personalización de tipografías. Y os preguntareis: ¿Qué tiene que ver todo esto con la Comic Sans?

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Imagen: Vincent Connare fotografía de Florian Hardwig, www.flickriver.com/photos/tags/vincentconnare/interesting/

Vincent Connare explicó sobre la Comic Sans en el 5º Congreso internacional de Tipografía de Valencia que: «A la gente le gusta porque no es el tipo de fuente que se utilizaría para escribir una carta seria. Es diferente y divertida». Este comentario es importante, habla sobre una nueva relación entre las tipografías y percepción de la gente tiene sobre éstas. La Comic Sans es como esa caja de rotuladores de colores alegres y brillantes que le compramos a nuestros hijos por primera vez cuando nos dicen que quieren dibujar. No esperamos que a las pocas horas nos lleguen con un «Velázquez» listo para ser colgado sobre la chimenea. Pero si con algo gracioso que colgaremos de la puerta de la nevera o del tablón del despacho para que nos alegre el día al mirarlo. Por otro lado, si al mismo chico, en lugar de la caja de «rotus», le llegamos con una preciosa y carísima caja de lápices de grafito, con su infinita gama de grises, diseñados con exquisitez para realizar los dibujos más delicados y precisos del mundo..., acabarán en cualquier rincón y nunca más volverá a mirarlos.


La mayoría de la gente es incapaz de distinguir la Times New Roman de la Scala, pero sí identifican rápidamente la Comic Sans. ¿Por qué está tan mal usarla?, se preguntan muchos. La crucifixión que esta tipografía ha sufrido, ha despertado en muchas personas sus inquietudes tipográficas. Y con esto, el universo tipográfico a empezado a expandirse de una forma nunca esperada, sobre todo por aquellos que aún quieren mantener el control y el dominio sobre las tipografías. La gente común, ha comenzado a entender que las fuentes van más allá del significado de las palabras que escribimos con ellas, que las tipografías están relacionadas con las emociones. Por ello, cuando veo a todos esos profesionales criticar y atacar tan duramente a las páginas de tipografías gratuitas o que ofrecen herramientas para que el usuario cree sus primeras fuentes, pienso que no están entendiendo nada de lo que está pasando. Es como ver a Goya riñendo a un niño que explora el universo de la pintura por primera vez, remarcándole con saña todos sus fallos en lugar de motivarlo, de transmitirle las energías necesarias para que siga aprendiendo. Seguramente el niño tirará el pincel al suelo, saldrá corriendo del estudio y nunca más volverá. Tal vez de eso se trate, tal vez es lo que buscas los mencionados «profesionales», tratar de mantener la Tipografía para ellos solos, bajo su control, no permitir

que el público generalista se forme y desarrolle unos criterios propios, quizás muy diferentes a los suyos. Pero el crecimiento que se está dando en todo este universo gracias a las nuevas herramientas y a Internet, no permitirá que eso siga siendo así por mucho más tiempo. Y todo esto se lo debemos a la Comic Sans y a todo lo que ocurrió posteriormente con ella. Influyó de forma decisiva en la nueva alfabetización sobre la importancia del diseño y de la tipografía, que está cambiando nuestra realidad. Y quizás tan solo por eso ya deberíamos de estarle agradecidos y darle el lugar que realmente se merece a esta tan injustamente maltratada tipografía.

Imagen: Vincent Connare, Photography & Typography, www.connare.com

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Imagen: Nils Holland Cunz

El llenguatge paramétric en el disseny gràfic_ RAFAEL CALBO, VICEDIRECTOR EN L’EASDAlcoi

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Imagen: Cubiertas Octavo de Atelier Carvalho Bernau.

La comunicació gràfica en una societat complexa com la que vivim i amb uns mitjans comunicatius que han crescut exponencialment, el control professional correcte i adequat d’esta és cada vegada, més complicada.

La producció gràfica en el context digital se situa en un panorama de forta dispersió. És pràcticament impossible saber sobre quin suport es visualitzarà un determinat missatge gràfic. La varietat de dispositius electrònics de lectura està convertint la tasca del disseny gràfic en un procés de major complexitat. Per tant, per a mantindre un control sobre la forma de visualització i sobre les decisions que afecten els distints formats d’eixida, és necessària una mentalitat més sistemàtica. A més, l’augment de l’autoedició està afectant moltes tasques en les quals, fins ara, treballava exclusivament el dissenyador gràfic. Hi ha des de fa ja temps una oferta de servicis d’autodisseny que tenen com a base l’ús de plantilles, com passa, per exemple, en la creació d’un blog –que qualsevol pot fer sense haver de contractar els serveis d’un professional–, però les plantilles disponibles no acompleixen un dels Signe | 137


criteris principals que tot disseny hauria d’acomplir, és a dir, aconseguir solucions personalitzades. Es calcula que poden haver més de 50.000 pàgines que estan utilitzant el mateix disseny. En el sector editorial es produeix també, any rere any, un increment de les autopublicacions. Ja són moltes les editorials de prestigi les que posen a l’abast del públic a través de serveis en línia formes de dissenyarse un mateix el llibre sencer, des de la tripa, fins a les cobertes. És el que s’anomena self-publishing. El que està evidenciant-se amb açò és que es fa necessària una reflexió amb certa profunditat sobre les noves formes de relacions i funcions del disseny gràfic amb les empreses, amb els objectes gràfics i amb els usuaris d’eixos objectes gràfics. En este sentit, cal dir que la missió de tot dissenyador ha de ser, per damunt de qualsevol altra consideració, la de facilitar la intel·ligibilitat dels objectes i missatges gràfics i al mateix temps dotar-los d’una càrrega simbòlica i emocional, a més, de forma personalitzada. Però, com es pot continuar exercint eixes tasques si cada vegada se’ns escapa més el control d’eixos objectes gràfics? Per tot el que s’acaba d’exposar es fa necessària la construcció d’un sistema que comprenga els actuals condicionants que afecten el llenguatge gràfic i que, d’alguna manera, aporte solucions a una problemàtica comunicativa, que és, en definitiva, el que ha fet sempre el disseny gràfic. 138 | Signe

Una sistematització basada en paràmetres de llenguatge gràfic ens atorgaria un context de treball en què les decisions es prendrien sobre la base d’una experiència i uns coneixements sobre la matèria gràfica i comunicacional. Un sistema amb variables paramètriques de manera que faça el que faça l’usuari obtinga un resultat personalitzat i més que acceptable quant a l’estàndard de qualitat gràfica. Estem davant d’un gran repte per al disseny gràfic i per a les empreses que desenvolupen programes de disseny. Cal fixar-se en les ferramentes que utilitzen els arquitectes com el Grasshopper per a la realització d’uns projectes paramètrics que els permet calcular i gestionar millor les probabilitats i les variants del projecte arquitectònic. Veient la direcció i la complexitat que va prenent el treball del dissenyador gràfic és fàcil previndre una ampliació de noves ferramentes per a donar resposta a la citada complexitat. Algunes experiències i experiments relacionats amb els llenguatges de programació pensats per a dissenyadors, artistes i creatius en general de codi lliure com el Processing i l’Arduino apunten en eixe sentit. Servint-se d’estes dos ferramentes, el dissenyador Luiz Ludwig va construir La màquina de cartells per a qüestionar les eines digitals que s’utilitzen habitualment en la confecció de cartells. La màquina constava d’una sèrie de dials, interruptors i un monitor de televisió. L’usuari tan sols havia de manipular la posició, l’escala d’una sèrie d’elements de disseny preconfigurats.


Imagen: Máquina de Cartells de Luiz Ludwig

Imagen: Jan Tschichold 1948, Hans Schomoller 1954, Stephen Russ 1963

Si bé és veritat que la temptativa anterior entra en el terreny de la instal·lació artística interactiva, és necessari prendre nota de la direcció que apunta, i que no és una altra que la que ja s’ha plantejat ací, és a dir, la de dotar el disseny gràfic d’una sistematització paramètrica basada en l’experiència professional i coneixements previs.

que proporcionaven als impressors un sistema (un estàndard) sobre el qual prendre decisions davant les variants de cadascuna de les cobertes que en la Penguin es realitzaven. Pensem en el sistema de retícules per a la compaginació de llibres i revistes que ofereixen un marc racional per a resoldre problemes complexos dels processos creatius i tecnicoproductius, com va afirmar Müller-Brockmann. El mateix autor argumentava que l’opció d’adoptar este tipus de sistemes reticulars resol problemes en menys temps i, per tant, amb menys costos.

Curiosament, abans de la introducció dels ordinadors personals en els estudis de disseny, la tasca del dissenyador consistia principalment a definir els paràmetres que havien de treballar el caixistes, fotomecànics i impressors per a aconseguir el disseny projectat. Jan Tschichold en entrar en l’editorial Penguin va definir una sèrie de regles detallades sobre l’ús corporatiu de la tipografia Gill Sans, la seua disposició sobre un eix simètric, la composició dels caràcters de caixa alta, l’ús d’una línia separadora entre el títol i el autor, l’ús de determinats colors per a distingir gèneres... unes normes

En conseqüència, un llenguatge basat en paràmetres permet al dissenyador gràfic ser més eficaç, competitiu i li permet dedicar més temps a les tasques creatives del procés de disseny. * L’escrit és un compendi d’algunes parts dels llibres que es detallen a continuació: LLOP, Rosa. Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. Hacia un lenguaje de parámetros. Editorial Gustavo Gili, SL, Barcelona 2014. LUPTON, Ellen. Tipografía en pantalla. Editorial Gustavo Gili, SL, Barcelona 2014.

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RAÚL NOTARIO Y JAMAL KHAMAICH, MIEMBROS DEL CONSEJO ESCOLAR

Fiesta Blanca_


La fiesta blanca es una jornada festiva que organizan los alumnos y profesores del EASDAlcoi. Está consiste en hacer un día de hermanamiento entre diversos cursos existentes en la escuela, realizando talleres para que así se pueda aprender de manera recíproca, además de fomentar la relación entre los alumnos de EASDAlcoi. Básicamente se basa en pasar un día todos juntos, pasarlo bien y aprender de las otras especialidades en buena compañía. Los talleres que se propusieron este año eran de lo más variados, desde un taller de animación y stop-motion, pixelation y dragonframe, encuadernación, inicio al moullage, letering, light painting, animación y cómic, tatuajes y el más divertido y sorprendente de twerking. Algunos de los participantes y responsables de los talleres nos han aportado su visión y experiencias, todos coinciden en que aprendieron y disfrutaron del evento. La jornada se clausuró con una cena y posterior fiesta en el pub Gaudí con el DJ Freazer, el 3 mejor Dj Residente según Pioneer y Red Bull en España en el 2014. Un año más la fiesta fué todo un éxito y agradecemos a todos los que han colaboraron en ese magnífico acontecimiento.

Taller de light painting CARLA LUCIA ROVIRA MARTÍ, 2º GRADO DE INTERIORISMO. El taller consistió en dar una explicación de lo que trata esta modalidad de la fotografía, una de las profesoras de fotografía (Esther García) aportó una pequeña introducción de como surgió, y más tarde estuvimos «jugando» y haciendo pruebas en el plató, todos los asistentes al taller tuvieron la oportunidad de probar y hacer distintas figuras.

Imagen: Carla Lucia Rovira.

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Taller de inicio al moullage ZULEMA PAYÁ SÁNCHEZ, 2° DE GRADO DE DISEÑO DE MODA. El taller que impartí el otro día era determinado para los grupos de moda (tanto ciclo como grado). Fue un taller de inicio al moullage. El moullage es una especialidad dentro del diseño de moda, que trabaja los volúmenes mediante el maniquí. A partir de nuestra experiencia surgió la idea de plantear un taller y así poder enseñar a los demás y compartir nuestros conocimientos sobre el tema. El taller en sí, trataba de ponerle las cintas a un maniquí pequeño (a escala 1:2). Las cintas, son marcas del cuerpo características a la hora de tomar medidas, y también son prácticas para trabajar el moullage ya que, como he mencionado anteriormente, en esta especialidad trabajamos sobre el maniquí no sobre un patrón. Fue la primera vez que impartía un taller, y fue una sensación fascinante. La compañía fue muy agradable, y el taller fue muy productivo. Fue bonito poder aportar un poco de ti en los demás.

cómo trabajan los grandes profesionales utilizando esta técnica, tanto para cortos cinematográficos como para publicidad. Es una técnica muy vistosa, pero muy laboriosa también y requiere de mucho tiempo y personal participativo. La primera media hora aproximada del taller fue de base teórica para después ir a la práctica con un pequeño set que montamos, en el que con formas simples moldeadas en plastilina practicamos los desplazamientos básicos e hicimos una pequeña práctica de lip sync.

Taller de pixilation de dragonframe FRANCISCA CREMADES DE PRADO, 1º GRADO DE DISEÑO DE MODA.

Taller de stop-motion

El taller que asistí, pixilation de dragonframe, fue bastante productivo. Los alumnos de este taller supieron llevar a cabo la actividad propuesta y hubo una buena conexión entre los compañeros, ya que hicieron que fuera dinámica e interesante. En mi opinión, se debería realizar más a menudo, ya que tratamos materia que aportaba buenos resultados a nuestras asignaturas, y estuvimos un par de horas realizando un buen trabajo.

LAURA OCHANDO, 3º GRADO DE DISEÑO GRÁFICO.

Taller de encuadernación

El taller lo impartió uno de los alumnos del ciclo de animación y consistía en acercarse a las bases del stopmotion con plastilina. Fuimos pocos participantes, pero nos enseñaron, por ejemplo, las distintas formas de dotar expresividad a los gestos y los movimientos de nuestros personajes y vimos algunas muestras en video de 142 | Signe

JESÚS RUBIO NAVARRO, 3º GRADO DE DISEÑO GRÁFICO. El taller de encuadernación siempre es útil, ya que aprendemos distintas técnicas para encuadernar, las cuáles podemos aplicar más tarde para las asignaturas que cursamos y dar un acabado más manual y trabajado a nuestros proyectos.


Imágenes: Jesús Tarruella y Raúl Notario.

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Jornades Expliquem 2016_ MARIA CASTELLÓ ANDRÉS, CAP D’ESTUDIS EN L’EASDAlcoi

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Les Jornades Expliquem 2015 van ser clausurades fa ja dotze mesos, i com a bons professionals del disseny abans de guardar en una carpeta tota la paperassa amb telèfons, correus electònics, proves d’impressió,… vam fer un exercici d’autoavaluació de tot allò que havia representat: l’enclau de les jornades, l’Àgora, l’assistència de públic tant propi com d’altres llocs,… de tot allò que van conformar les Jornades. Si be ja portem més de 25 anys celebrant la setmana del disseny a l’EASDAlcoi; sempre s’han celebrat amb un format de dos/tres dies, on la docència es traslladaba a les Jornades. Es tracta d’una tradició molt arraigada en la nostra escola, les Jornades Expliquem son a més a més un referent per a l’escola, per a la ciutat d’Alcoi i per a les poblacions properes. Formant part de la nostra Cultura, com un element més de l’Escola d’Art i Superior de Disseny d’Alcoi.

Per això enguany amb les Jornades Expliquem 2016 volem donar-li el protagonisme als diferents àmbits del disseny, amb una setmana plena d’activitats on la conferència siga l’activitat compartida amb la resta de membres de l’EASDAlcoi i el públic que vulga asistir i els workshops, exposicions,… se centren més amb els alumnes i professors dels àmbits concrets.

«Per tant es un element que cal avaluar e intentar donar cada vegada una millor resposta a les necesitats dels nostres alumnes.» Una de les primeres conclusions d’eixa reflexió va venir donada perquè encara que en totes les ponències s’ha tractat el disseny amb majúscules, de vegades, s’han tractat temes molt específics d’una disciplina concreta amb un cert desinterés d’alguns dels nostres alumnes. Imágenes: EASDAlcoi, Manu Maldonado “Camisetas Nuvj® Human Brand” y Tania Martínez.

Un altre aspecte a destacar es el fet de que les Jornades enguany es tornen a celebrar en l’EASDAlcoi, al nostre Saló d’Actes Josep Albert Mestre; traure l’EASDAlcoi a altres indrets de la ciutat, de vegades fa que el gran esforç de molts professors e inclús dels propis alumnes de l’escola perda protagonisme. Signe | 145


Amb una intenció de probar altres fòrmules i voler dinamitzar el nostre procés educatiu es va decidir ficar en marxa un nou model de Jornades de Disseny per al curs 2015/2016. Una fòrmula on cada ámbit del disseny organitzaria la seua semana amb diferents activitats, conferències, exposicions, workshops,… amb una conferencia on tots els alumnes de l’escola tindrien cabuda. Tot va arrancar amb la visita de Diego Vainesman en el mes d’octubre amb el protagonisme era l’àmbit de disseny gràfic amb una gran confrerència compartida per molts alumnes i professors i on es va ficar el punt d’inici del que anaven a ser les Jornades Expliquem 2016. Setmanes després vam tenir l’oportunitat de compartir una jornada de treball amb Paco Llorens i el seu taller d’animació. Un gran professional que ha estat sempre unit a l’EASDAlcoi i que amb els seu recolçament podem tenir hui en dia els estudis d’animació al nostre centre. El Festival d’Animació Cortoons també van fer la seua presentació motivant als alumnes a participar en les properes edicions. En l’àmbit de la Moda, Ana Esteban, responsable de l’estilisme de la firma Amaya Arzuaga, ens va oferir un taller de Moulage on els alumnes van treballar la corba i el cercle i on els plegats 146 | Signe


concèntrics i les superposicions de capes van ser els protagonistes de la jornada. Al mes d’abril vam rebre la visita Ivan Castro, gran cal·lígraf i excel·lent persona qui ens va donar l’oportunitat de conèixer el seu procés de treball a més de mostrar els seus últims treballs. El taller es va desenvolupar dins de l’àmbit de la cal·ligrafia on els alumnes van gaudir de la qualitat d’aquest gran professional. L’àmbit de l’interiorisme va agafar protagonisme dins de les Jornades de Disseny amb la conferència de Raúl Martín y la presentació de nous materials Krion de lamà de Lorenzo Esteve i de Porcelanosa, on la poètica del revestiment en la realització de façanes i arquitectures d’interiors ens permet obrir nous camins per explorar. Tot un món d’activitats que ens han donat una visió actual i dinàmica des dels diferents àmbits del disseny i on els alumnes i docents gaudit al llarg de l’any d’experiències professionals dintre del marc d’Expliquem 2016. Recordar que l’experiència d’enguany caldrà avaluar-la i apendre d’ella, amb una reflexió pedagògica del que hauran sigut les Jornades Expliquem 2016 que com a Escola d’Art i Superior de Disseny han d’anar evolucionant i així poder adaptar-se a les noves demandes dels futurs professionals del disseny.

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Un proyecto sobre significaciรณn y re-significaciรณn_

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GUSTAVO MORANT GARCÍA, PROFESOR DE SEMIÓTICA Y TEORÍA DE LA IMAGEN, EN LA FACULTAD DE ARTES DE LA UACH, MÉXICO El proyecto de investigación Escrituras Estructuras es una iniciativa surgida en el marco de la asignatura Semiótica y Teoría de la Imagen de la Facultad de artes de la UACH con el objetivo de establecer vínculos entre los contenidos teóricos estudiados en el aula y la producción plástica de los alumnos. Por otro lado, el proyecto pretende familiarizar a los estudiantes en Artes Plásticas con la actividad investigadora, e invita a reformular equívocas concepciones dualistas entre los conceptos de investigación y creación artística, o algunos otros pares de opuestos derivados, como discurso y recurso, instrumento de conocimiento y habilidad técnica, o incluso texto e imagen. Como metodología de trabajo, se ha llevado a cabo una reflexión plástica y escrita a partir de la confrontación de los conceptos que dan título al proyecto y se ha establecido un marco teórico en torno a tres ejes: las relaciones imagen vs texto, la retórica visual y la construcción de sentido en la imagen. Bajo nuestra perspectiva, la asignatura de Semiótica y Teoría de la Imagen, además de introducir autores y estudios fundamentales en la disciplina, debería promover la idea de que la construcción de sentido en la imagen debe ser entendida como un hecho dinámico. Más interesada en el proceso de significación, en lo connotado y lo figurado que en el signo como cosa estática y cerrada. Por lo tanto, alejándose de los tradicionales análisis sistemáticos significante/ significado, la asignatura debería transformarse en un espacio de experimentación activo, en donde no existiese, por otro lado, distinción alguna en el momento de tomar como objeto de estudio cualquiera de las imágenes de nuestro entorno: una imagen publicitaria, periodística, informativa, política o artística. Imagen: Juan Pablo Méndez Moreno.

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En este nuevo escenario, surge un debate de plena actualidad, el de la necesidad de una disciplina abocada al estudio de la imagen, que unificase los diferentes acercamientos vigentes en nuestros días (la semiótica, la teoría de la imagen, las investigaciones sobre filosofía de la imagen, los estudios sobre cine, los análisis sobre medios de masas como la tv, sobre el significado en las artes visuales, o los estudios visuales) en una disciplina dedicada al estudio de las representaciones en su concepción más amplia. Escrituras Estructuras se ha desarrollado entre 2014 y 2015 y ha sido posible gracias al trabajo conjunto entre la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua, el Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez y la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México. La publicación Escrituras Estructuras. Aproximaciones en torno a la Retórica Visual y la Construcción de Sentido aglutina una selección de las propuestas presentadas, e incluye algunos textos de los investigadores asociados al proyecto y una selección de 40 de las imágenes producidas por los artistas invitados. En el texto Álbum de una familia frenética Gerardo García-Luna analiza dos obras cinematográficas hitos del 150 | Signe

cine de ficción futurista, Blade Runner (1982) y Her (2013). Estas películas son, en su opinión, «dos claros ejemplos de la neostálgia, un neologismo que funde el concepto de nostalgia –o melancolía por el pasado– con el prefijo neo, que alude a lo novedoso. Una táctica, constantemente fomentada por la publicidad y las nuevas tendencias del diseño en nuestro tiempo. Un tiempo sometido a lo efímero, a lo caduco y a la inmediatez.» Con Al límite de la lectura: Poesía visual y desplazamientos de sentido Carles Méndez Llopis y Hortensia Mínguez García proponen un análisis de la poesía visual como emisora de posibilidades estéticas. La poesía visual, anuncia y denuncia la existencia de lecturas alternas que se niegan a incorporarse a los cánones tradicionales de la «poesía de salón», continua o lineal. Una circunstancia, que nos permite adentrarnos en algunas de las resistencias que hacen de esta práctica simbólica una «antipoesía». Finalmente, en Madame B., una lectura visual de Madame Bovary, Ángela Sánchez de Vera revisa los pasos seguidos por el colectivo Cinema Suitcase en su largometraje Madame B. (2013) para producir un proyecto audiovisual a partir de un texto escrito. A lo largo de este recorrido, la autora presta una especial atención al significado del silencio en esta producción.


La publicación ha sido editada por el Instituto Nacional de Bellas Artes de México y su impresión ha sido financiada a través del Programa de Fortalecimiento de la Calidad en Instituciones Educativas de la Secretaría de Educación Pública del Gobierno de México. El diseño y la maquetación han sido realizados por Vanessa Jaijo, estudiante de Diseño Gráfico en la EASDAlcoi.

* Podéis consultar la publicación en la Biblioteca de la EASDAlcoi.

Imágenes: César Marcelo Olivas.

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Impresión lenticular_ Es una tecnología con la que puede visualizarse en un formato plano 2D, moviendo el soporte y cambiando el ángulo de visión, una imagen en tres dimensiones o en movimiento. A lo largo de la historia la tecnología ha ido evolucionando y por tanto se ha ido perfeccionando la técnica lenticular. Incluso se le ha ido dando usos prácticos al efecto lenticular. Desde el equipo de Signe nos pusimos en contacto con gràffica.info para poder recopilar toda la información sobre el sistema lenticular del cual hacen un articulo muy interesante y tuvimos en cuenta para la creación de nuestra portada. En la actualidad se siguen creando impresiones tridimensionales en un soporte bidimensional basándose en la idea del pintor francés Bois-Clair. Para lograr el efecto de profundidad y movimiento se utilizan láminas lenticulares de plástico transparente como soporte en vez del lienzo y

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se emplea sistemas de impresión offset en vez del trazo manual. El efecto de movimiento y profundidad se consigue componiendo dos o más imágenes secuenciales. Las imágenes se dividen en «tiras» y se ensamblan entrelazándolas. A la imagen resultante, se le une una lámina lenticular con una superficie ondulada que permite que la luz se refleje en diferentes direcciones. Las lentes paralelas de la película plástica están alineadas con los entrelazados de la imagen y de este modo pueden verse varias imágenes cambiando el ángulo de visión. También es posible imprimir la imagen en la misma película lenticular, pero en la parte posterior donde su superficie es plana.


Dependiendo del tipo de proceso que se lleve a cabo, es posible conseguir diferentes efectos lenticulares: efecto zoom, efecto metamorfosis, efecto 3D y efecto movimiento y el efecto flip. El efecto 3D_ posiciona elementos visuales en diferentes planos espaciales. La integración de esos elementos hace posible la ilusión de profundidad. La lente lenticular impresa finamente, virtualmente da la sensación de kilómetros de profundidad. Otra particularidad del efecto 3D es la volumetria. El efecto tridimensional puede ser utilizado en combinación con otros efectos. El efecto FLIP_ transforma elementos visuales en una imagen que parece estar enchufada y apagada. Una imagen puede cambiar completamente a otra. Ese efecto es una fantástica herramienta para demostraciones de «antes y después» y «causa y efecto». El efecto FLIP puede ser utilizado en combinación con otros efectos. Fuente e imagen: Gràffica.

El efecto ZOOM_ hace que los elementos visuales de la imagen, o incluso una imagen completa, tenga el efecto de estar moviéndose hacia adelante o hacia atrás. Ese efecto es una increíble herramienta para llamar la atención de un determinado producto, logo o un mensaje de marketing que se quiera dar a conocer. El efecto Zoom también puede ser usado en combinación con otros efectos. El efecto MOTION_ juega con los cuadros de imagen como si fuera un proyector de películas. Estos pequeños «clips» de película pueden ser animaciones generadas por ordenador, vídeos, fotos y hasta películas. El efecto MOTION puede ser utilizado en combinación con otros efectos. El efecto MORPH_ convierte, dinámicamente, un elemento visual en otro. Este efecto es una increíble herramienta para hacer una comparación retroactiva de un nuevo producto, logo, o tecnología. El efecto MORPH puede ser utilizado en combinación con otros efectos.

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Ediciรณn realizada por alumnos de

Signe 4. EASDAlcoi  

Publicación anual especializada en diseño y realizada desde l'EASDAlcoi.