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Imaginaci贸n Vectorial Revista de exploraci贸n art铆stica

No. 1


Foto: Daniela Duarte/Eduardo Echeverria (Duo-Art)


4.. Editorial 5.. La luz como

principio del pensamiento artístico. 6.. La disolución de la oscuridad a través del Impresionismo. 12..“El texto de la luz” (Cine experimental de Stan Brakhage). 21.. Del expresionismo visual al expresionismo sonoro (Sonic youth). 26.. No somos peligrosos, estamos en peligro (Cauce Ciudadano).


Colectivo Hidroxi-Art Edición: Liliana Parra y Eduardo Echeverria Corrección de estilo: Liliana Parra y Eduardo Echeverria Dirección de arte y Diseño gráfico: Eduardo Echeverria Fotografía: Daniela Duarte Colaboraciones: Alejandra Gil y Josafath Espinoza

editorial Detractores de realidades construidas por la ra-

zón y la lógica, creando sonetos dedicados a la simbiosis de la experimentación y la imaginación, concebidas desde laboratorios ocultos en mentes plagadas de sinestesia, con un único objetivo……. Diluir los conceptos y dinámicas que han generado las instituciones y grupos dominantes que implantan ideologías de arte y cultura; que tienen la gran distinción de ser anticríticas, antireflexivas, comerciales, unilaterales y creadoras de patéticos estratos sociales. Ante las vastas y casi infinitas formas de pensamiento, de comunicación y de expresión; Imaginación Vectorial abre un espacio para el análisis y difusión de obras experimentales, caóticas, azarosas, “avant garde”, así como las que el mismo concepto de arte a marginado y rechazado. Las barreras dogmaticas y geográficas que el capitalismo a impuesto, ahora serán destruidas por “revoluciones sociales” que tienen como arma, las múltiples manifestaciones culturales y el arte experimental. “El arte no es algo que haga una sola persona, sino un proceso puesto en movimiento por muchos”. (John Cage) 4

En portada: Collage de obras de William Turner 1.-The slave ship 2.- Death on a pale horse 3.- Galdau 4.- Fisherman at the sea

Enero 2014


Fusión de obras: “Límites de espacio y luz” de Cesar la Calle con imagenes de la instalación interactiva de Jeongmoon Choi.

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El

impresionismo es el movimiento artístico desarrollado en el último cuarto del siglo XIX en Europa, principalmente en Francia, el movimiento se expandió por el resto de continente y el mundo; el nombre de impresionismo surge tras la reseña de un crítico de entonces Louis Leroy sobre una exposición de un grupo de pintores que en 1874 se presentaron como “sociedad anónima cooperativa de artistas”, una de las obras presentadas fue de Claude Monet titulada “Impresión atardecer o Impresión sol naciente” pintada en 1872 y expuesta en 1874. Al día siguiente de dicha presentación parafraseando el título del cuadro p a r a burlarse de Monet, Leroy bautizó el nuevo movimiento: “Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina.” Así fue como el término “Impresionismo” pasó a ser el nombre del movimiento del que luego el propio Leroy se enorgullecería.

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Por: Josafath Espinoza

El grupo de artistas que forma parte de esta corriente artística son conocidos como “los rechazados”, ya que a muchos de ellos sufrieron el desprecio de sus obras por el jurado para ser expuestas ante los grandes salones en parís, los impresionistas en tanto, buscaron por cuenta propia lugares alternativos donde les permitieran exponer sus obras y es así como nace la primera exposición impresionista el 15 de abril de 1874. La característica principal en el impresionismo es la manera en cómo los artistas logran captar y plasmar la luz, así como sus efectos que provoca la naturaleza. La interacción con la luz es una de las claves en sus obras, esto quiere decir que eran escasas las escenas de espacios interiores. Edgar Degas es un claro ejemplo de esto, se enfoca principalmente en temas como la danza o los caballos, ambas relacionadas con la velocidad.


Edgar Degas-The Rehearsal

El trabajo de Degas con el movimiento impresionista fue bastante complejo, a pesar de que participó en siete de las ocho exposiciones del movimiento y mantuvo diferentes contactos con todos los pintores del gremio, se negó rotundamente a practicar la pintura al aire libre y su obra posee indudables influencias realistas e incluso clásicas. La gama de colores empleadas iban cambiando a medida que avanzaba el día, inclusive eliminaron de su paleta el color negro, ya que observaron que las sombras nunca son negras, sino de diversos colores. Al igual que el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apostaron por el color puro, aunque pueden permitirse mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo, su técnica es rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica, esto fue duramente criticado por los más apegados a la tradición, llegando a decir que “los nuevos estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos.

De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo y muchas veces se apuntó a Francisco de Goya como un precedente para este tipo de pinceladas.

Claude Monet-Impression, Sunrise

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A inicios del siglo XIX, William Turner y John Constable, ambos pintores paisajistas ingleses, se les adjudica sentar las bases de lo que sería el movimiento impresionista.

William Turner-The Burning of the House of Lords and Commons

Los impresionistas toman de William Turner su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas, el difuminado y mezcla de amarillos con rojos intensos, así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal y unilateral, con imágenes en donde el poder destructivo de la naturaleza se hace presente, la luz y los colores dan lugar a una visión más poderosa. Un claro y máximo ejemplo de estas características es “Lluvia, vapor y velocidad” (1844), cuadro que se puede considerar pre impresionista. Turner, era conside-

rado comúnmente como “el pintor de la luz“, fue un paisajista ingles y también uno de los grandes maestros de la pintura británica en acuarela. 8

John Constable-Stonehenge


Camille Corot-Pond with dog

Otro autor que tuvo un importante papel en la estructuración del movimiento impresionista es Camille Corot, renunció a muchos de los recursos y estilos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, sencillos y en superficies más luminosas; a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos, siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica.

Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Édouard Manet, dos de sus obras son esenciales para la comprensión de su influencia sobre el movimiento; en su pintura “Almuerzo sobre la hierba” presenta un bodegón, a pesar de que las figuras representadas son humanas, el autor trata el cuadro como si fuera naturaleza muerta. Por otra parte “El bar del Folies-Bergère” muestra el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo en el fondo que refleja toda la profundidad de la sala, las grandes lámparas iluminan artificialmente una luz difusa y menos directa, por lo tanto, es más difícil de pintar.

Paul Cézanne fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, se caracterizó por intentar buscar en la naturaleza formas esenciales que serian para él figuras geométricas (prismas, esferas, pirámides, etc.).Él construye con el color volúmenes, masas, luz, perspectiva, es decir, el espacio. Uno de sus maestros y fundador del movimiento impresionista Camille Pissarro, guía artístico y conductor ideológico de Cézanne, se le considera junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los “problemáticos” (Renoir, Degas, Cézanne). 9


Se ha interpretado que el movimiento sólo llegó a transcribir la naturaleza y por tanto los artistas se encontraban en un callejón sin salida, pero poco se menciona sobre la explosividad de los colores, las múltiples formas abstracto-naturales que surgían a través de la luz, así como la experimentación que es una herramienta para la evolución del pensamiento y del arte pero sobre todo, que el impresionismo fue el punto de partida para el devenir de las “vanguardias artísticas modernas”. El impresionismo como movimiento artístico se desvaneció en un lapso de tiempo muy corto, a pesar de que se percataron que habían creado un estilo y un lenguaje nuevo, surgieron dudas sobre su continuidad y validación por la sociedad, teniendo como resultado su inminente deceso.

Referencias:

•Beatriz Aragonés Escobar. Licenciada en Historia del Arte, Historia del impresionismo. (http://www.spanisharts.com/history/ del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo.html) •Gullermet Pedro, El Impresionismo, Vol.1, México, editorial Global, 2003, p. 312. •Rewald, John, Historia del impresionismo, Barcelona, Editorial Seix Barral, 1994, p. 284.

”Mujér con mandolina” de Pablo Ruiz Picasso.


Arriba: William Turner-Mount Vesuvius in Eruption

Abajo: Paul CĂŠzanne-The Judgement of Paris


Fotograma de la película “Dog Star man” (1961-1964) Por: Eduardo Echeverria (Duo-Art)

El texto de la luz Cine experimental de Stan Brakhage 12


No solo los impresionistas capturaron, interpretaron y concíbieron imágenes utilizando la luz y los múltiples colores que surgen de ella. Esta forma de jugar con la luz es transportada a una expresión diferente, en donde ahora la luz que es plasmada sobre un lienzo, se fusiona con el movimiento.

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La visionaria y fototáxica imaginación del cineasta experimental Stan Brackhage llegó a irrumpir en el cine comercial, así como a desamortizarlo del onirismo estático que prometía. Sus filmes nos muestran una forma completamente diferente de observar la “realidad visual”, de aprender y explicar esa realidad desde nuevas y diversas perspectivas.

El núcleo de este proceso de enseñanza es el de la luz; lo que sobresale en las obras de Stan Brakhage es una forma nunca antes vista de captar y hacer uso de la luz, analizar su movimiento y controlarlo, introduciendo al espectador a un sorprendente estado de transe cromático, sus obras son únicas y poéticas, porque nos exhibe una forma muy peculiar de dinamizar con objetos y de experimentar con la luz que éstos reflejan o emiten.

Brakhage nombró a esta nueva forma de creación artística como visión hipnagógica. La palabra hipnagógica hace referencia al estado que precede del sueño en donde los sentidos se desconectan, para este artista el concepto representa las formas de la luz que podemos ver al momento de cerrar los ojos. Brackhage realizó su trabajo basado en esta fórmula para aprender a mirar aquello que es imposible de confinar fotográficamente. Este nuevo mundo estaba vinculado a la disposición emocional y psicológica del cineasta. Fue por ello que en 1961, en la filme “Thigh Line Lyre Triangular” pintó el celuloide para representar la totalidad de los colores del arcoiris que vio recorrer en el cuerpo de su tercer hijo durante su nacimiento y que la simple captación fotográfica fue incapaz de registrar en la película.


El fotograma en donde el niño pequeño se encuentra en brazos de su madre pertenece a una de las primeras películas de Pip Chodorov, el efecto creado en el celuloide se logró gracias a que su perro orinó sobre la película. Ésta y otras obras experimentales incluyendo las de Stan Brakhage, Robert Breer, Jonas Mekas, Len Lye, Andy Warhol y Hans Richter se incluyen en el documental “Free Radicals” (2010) del mismo Pip Chodorov, en donde se repasa la historia del cine experimental desde sus orígenes avant-garde en Europa.

Realizó aproximadamente unas 400 películas, desde su primer trabajo, “Interim” en 1952 y su último filme “The chinese” en 2003. La duración de sus películas van de los 9 segundos como en “Eye Myth” a 4 horas y media en “The Art of Vision”. Las técnicas que desarrolló en su trabajo visual son verdaderamente inusuales para su contexto artístico ya que iba desde rayar o pintar la superficie del celuloide, remplazar la película por cinta transparente hasta realizar collages encima de ella, tratando de plasmar en el cine aquello que su visión le permitía ver: la luz dibujando y transformando el entorno en el que nos encontramos, sin llevar la típica narración prosaica que se utiliza en el lenguaje cinematográfico.


Fotogramas de la película “Black Ice” (1994)

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Gran parte de sus trabajos fueron realizadas con gastos de producción muy reducidos. Algunas de las películas abstractas las realizaba pintando directamente sobre restos de películas comerciales. El estilo pictórico que aborda en sus obras va del surrealismo al expresionismo abstracto, la notoria influencia de estas corrientes resalta por la disyuntiva de sus imágenes con la realidad y los trazos poético-radicales como los de Jackson Pollock.


Fotograma de la película “Cat’s Cradle”(1959)

En ocasiones, el cineasta deja ciertas zonas sin pintar y al momento que los filmes son proyectados aparecen los motivos originales presentes en la película, lo cual crea extrañas e improvistas apariciones de distintas figuras desde el fondo de las abstracciones coloreadas en movimiento, como sucede por ejemplo en su filme “Eye Myth” (1967) o en “The Dante Quartet” (1987). Brackhage no sólo utilizó exhaustivamente su imaginación en el uso del color y las

formas inexistentes (excepto en su mente), en algunas otras películas Brackhage incorpora elementos y conceptos que son comunes en lasociedad, como la muerte o el sexo reflejándos en películas como “The Dead” (1960), “Self Song & Death Song” (1997) y “Sexual Meditations” (1970-1972), esto sin perder su iconografía experimental. Las obras de Brakhage nunca han sido difundidas con las fórmulas habituales de la cinematografía tradicional y comercial (en salas de cine o cinetecas). Ningún tipo de institución ha realizado alguna retrospectiva de sus 400 películas. Son muy pocas personas en el mundo que han visto su filmografía completa, es una tarea casi imposible, solo en Estados Unidos (que por cierto es su país de origen), cuatro instituciones cuentan con su trabajo casi completo: a Filmmakers’ Cooperative, el Museo de Arte de Nueva York,

la Universidad de Colorado en Boulder y la distribuidora Canyon Cinema en San Francisco. En el sitio web You Tube se pueden apreciar aproximadamente 50 de sus producciones. Otra de las características de sus películas es la ausencia de sonido, las detonantes formas y gamas de colores que surgen de sus obras invitan a una autoexploración multisensorial del espectador. Brakhage trató de enfocarse solamente en el movimiento y en la luz, argumentando que los sonidos desvían la atención visual. Cabe mencionar que sólo 27 de sus 400 films contienen sonido. Referencia: Enrique Aguilar, Miradas de Cine, Marzo 12 -2011 (http://pequenoscinerastas. wordpress.com/2011/03/12/ notas-sobre-el-cine-destan-brakhage/)


Fotograma de la película “The Dante Quartet”(1987)


“Nuestros ojos están hechos para ver las formas en la luz; la luz y la sombra revelan las formas…” Le Corbusier (Arquitecto)

Foto: Antonio Arola


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Del expresionismo visual al D D D DD expresionismo sonoro

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Por: Eduardo Echeverria (Duo-Art)

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El 9 de marzo del 2003 fallece Stan Brakhage, sien-

do el cineasta más influyente en la historia del cine experimental, a pesar de su muerte sigue la persistencia del caudal de apatía e indiferencia por parte de los medios de comunicación y de la sociedad ante sus obras. El 13 de abril del mismo año el grupo estadounidense de rock Sonic Youth realizó un concierto de beneficencia para el Anthology Film Archives mientras se exhibían películas de Brakhage; fue hasta el 2005 que la agrupación lanza el EP de esta grabación titulado ”SYR6 Koncertas Stan Brakhage Prisiminimui”, siendo el sexto de nueve discos del sello discográfico Sonic Youth Recordings (SYR), que se caracterizan por sus atmósferas experimentales y tener texturas sonoras que viajan desde el jazz, el avant-garde, noise e improvisación, creando paisajes abstracto-paranoicos que confrontan y destruyen hasta los sonidos con mayor aspereza surrealista. Es por ello que se han llegado a considerar como los discos experimentales mejor logrados en toda la historia de la música. A pesar de esto, la línea de discos SYR es poco considerada dentro de la amplia y excelente discografía de Sonic Youth, que en ninguno de sus discos se alejan de la vanguardia experimental.

Otro fotograma de la película “The Dante Quartet”(1987)


El sello discográfico SYR (Sonic Youth Reco rd i n g s ) es creado para que el mismo grupo Sonic Youth tuviera la libertad absoluta de concebir sonidos altamente experimentales, sin cargar con la presión que ejercen las disqueras comerciales. Cada uno de los nueve discos de la línea SYR es publicado en un distinto idioma, en el caso de “SYR6 Koncertas Stan Brakhage Prisiminimui”, emplearon el lituano. Sucede algo similar cuando se escucha la línea de discos SYR, que al ver las obras de Brakhage, se entra en un proceso pedagógico en donde se cambia la forma de apreciar los sonidos, de ampliar nuestras perspectivas auditivas y musicales, de comprender nuestro entorno e interactuar explosivamente con nuestra imaginación. Por sí mismas, las canciones del disco SYR6 sin vincularlas o asociarlas de ninguna forma con las películas de Brakhage nos transportan a universos óptico-sonoros nunca antes presenciados, en donde el delirio estridente es el eje conductor de nuestra mente.

Portada y cubierta interior del EP “SYR6 Koncertas Stan Brakhage Prisiminimui”.

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La conjunción de las imágenes de Brakhage con los impresionantes sonidos de Sonic Youth, rompe con la barrera que el mismo cineasta había puesto al no incorporar sonido en sus películas, ya que suponía se disminuía la concentración visual del espectador. Decir que el arte sonoro de Sonic Youth complementa el recorrido imaginativo de Brakhage, caeríamos nuevamente en la hermetización de las dos partes, así como en la limitación de los artistas. Más allá de la complementación, Sonic Youth llega a evolucionar el lenguaje visual de Brakhage, exaltando y generando una nueva transformación en las percepción de las formas y los colores en las imágenes. Text Of Light es una agrupación que inicio en el 2001, conformada por el músico Lee Ranaldo (guitarrista y co-fundador de Sonic Youth), Alan Litch, Ulrich Krieger y Tim Barnes (músico invitado para la grabación del disco “SYR6 Koncertas Stan Brakhage Prisiminimui”). El nombre Text of Light es tomado de uno de las films de Brakhage. La dinámica principal de la agrupación es improvisar en vivo mientras se muestran películas de Stan Brakhage así como de otros cineastas experimentales de las décadas de los 50´s y 60´s. En una entrevista que concedió Lee Ranaldo para el sitio web Everguide de Australia comenta: “No se trata de exhibicionismo, no es un show de rock. Vamos a tener algo más en juego, vamos a presentar un elemento visual, nos permitiremos mostrar una película, que dé a las personas el doble de la información sensorial de una sola manera.” Aun sigue la controversia si el trabajo de Brakhage debe o no contener música y si los sonidos bloquean la percepción visual o bien, se fusionan para construir un cuerpo artístico más complejo.


Fotograma de la película “Nigth Music” (1986)


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Por: Eduardo Echeverria (Duo-Art)

El entorno de violencia que prevalece en México ha suprimido, inhibido y a su vez, transformado las dinámicas y la forma en que nos relacionamos desde nuestros grupos más cercanos (amistades, familia, etc.) hasta niveles macros, generando un impacto en la estructura y organización de diversas culturas y grupos que se conforman en nuestros entornos ya que de manera individual o grupal, las personas han decidido no participar ni interactuar más en la dinámica social, creando así apatía y desinterés por lo que le suceda a las demás personas. Las múltiples formas de violencia como la física, psicológica, sexual, la discriminación; aunados a la ola de sucesos violentos que ocurren en nuestro país, han producido un gran deterioro social, teniendo un efecto más notorio entre jóvenes, niñas y niños, trayendo como resultado negativo la deserción escolar, abandono de hogar por parte de las personas victimizadas, 26


hasta casos de mayor índole como la muerte y/o el suicidio; así como la inserción desde edades muy tempranas a grupos delictivos, por el hecho de estar en una situación vulnerable. Ante la ruptura que se ha generado en la sociedad debido a estas formas de violencia y los diferentes efectos que producen en las personas; el estado, instituciones privadas, asociaciones, así como gran parte de la población no han podido diseñar sistemas y/o estrategias que garanticen la prevención y la erradicación a través de un trabajo conjunto que haga visible el nivel y los tipos de violencia que existen, así como las consecuencias que provoca. Por otra parte, el estado utiliza la violencia y la vulnerabilidad que ésta provoca, como estrategia y herramienta de coerción social para no permitir ningún tipo de oposición a sus dictámenes y mandatos que comúnmente imponen de forma autoritaria, destruyendo la autonomía a la que tenemos derecho. En tanto, los medios de comunicación no ayudan del todo para poder erradicar y evidenciar ésta problemática social, su función es entretener, manipular

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Instalaciones del centro comunitario Aprendiendo a Vivir.

y de cierta forma moldear a sus espectadores y así, que se adapten a contextos violentos (claro está

que son diferentes y muchos los factores por lo que las personas se vuelven violentas o se inmiscuyen en dichos contextos), llegando

a normalizar, justificar y aceptar estilos de vida que parten desde el imaginario que se crea y se percibe en los programas de televisión, por mencionar algún ejemplo. Han sido pocos los sectores de la sociedad civil que han puesto en marcha estructuras viables para atenuar ésta problemática que nos compete a todos/as.

Un planteamiento que surge como respuesta a este problema se manifiesta en 1998 en la Ciudad de México, cuando un grupo de jóvenes que en su infancia y adolescencia sufrieron violencia y por más de una década tomaron como salida la conformación de grupos sociales a través de bandas y pandillas. Conscientes de su realidad y la de la mayoría de sus compañeros/as comenzaron a realizar diversas actividades de mediación de conflictos y seguimiento de casos de reclusión a través del apoyo emocional, el acompañamiento y el apoyo jurídico para su liberación.


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A finales de 1999 después de un hecho violento que genera el homicidio de un compañero, ven la necesidad de organizarse de una manera diferente y como resultado de un largo proceso autogestivo, en el año 2000 se conforman como una organización civil que lleva por nombre “Cauce Ciudadano A.C.” que desde sus inicios atiende de manera integral a adolescentes y jóvenes que viven y/o generan violencia. El nombre de la asociación lo relacionan con la naturaleza, ya que como en los ríos, las personas pueden tomar su cauce después de alguna precipitación o adversidad. En el 2002 Cauce Ciudadano A.C. crea el centro comunitario “Aprendiendo a vivir”. Todo el trabajo que realizan se fundamenta en el modelo de habilidades para la vida y resiliencia. Su labor es trabajar con jóvenes y actualmente con niñas y niños que se encuentran en situación de riesgo, fortaleciendo sus factores protectores y buscan eliminar los factores de riesgo, así como promover estilos de vida saludables para una vida plena y libre de violencia. El trabajo que realizan con la comunidad es por medio de talleres e intervenciones directas, es decir, el trabajo de calle; asisten a las comunidades y trabajan en ellas, buscando visibilizar las problemáticas sociales que se presentan, apostando por el protagonismo juvenil. Los modelos de intervención socioeducativos y sociolaborales que emplea Cauce Ciudadano A.C. crean un dialogo abierto y plural para jóvenes de entre 12 y 24 años introduciéndolos/as en temas como: equidad de género, salud sexual y reproductiva, nutrición, reinserción educativa, espacio público, prevención de violencia y construcción de paz, con la finalidad de proporcionar herramientas ideológicas y técnicas para lograr una participación activa y así impactar de forma positiva dentro de sus comunidades. Además en el centro comunitario “Aprendiendo a vivir” de Cauce Ciudadano A.C., se imparten talleres que fomentan el desarrollo de habilidades psicomotrices y psicosociales que promueven el trabajo en equipo y acercan a las personas a manifestaciones artísticas y culturales. Murales realizados por los artistas visuales Roa (M1) y Jazz (M2 y M3) en el centro comunitario Aprendiendo a Vivir.


Si te interesa participar en un taller o quieres conocer más sobre la labor de Cauce Ciudadano entra a: cauceciudadano.org.mx Talleres que se imparten en el centro comunitario Aprendiendo a vivir: Artes plásticas- Martes y jueves de 16:30 a 18:30 hrs.

Bateria- Martes y miercoles de 14:00 a 16:00 hrs.

Circo social- Martes y jueves de 16:30 a 18:00 hrs.

Cocina- Grupo 1: miercoles y jueves de 15:00 a 17:00 hrs. Grupo 2: sabados de 11:00 a 15:00 hrs. Mural creado por Nancy R., Armando Chikri y José Santana en el centro comunitario Aprendiendo a vivir.

Guitarra- Lunes y jueves de 16:00 a 18:00 hrs. Realización y producción radiofónica- Grupo 1: martes y viernes de 15:00 a 17:00 hrs. Grupo 2: sabados de 10:00 a 14:00 hrs.

Serigrafía- Sabados de 11:00 a 15:00 Rap- Martes, miercoles y jueves de 16:00 a 17:00 hrs.

Costo de recuperación de los talleres: 5 botellas de pet.

Acude a Oriente 85 No. 2822 Col. Siete de Noviembre. Del. Gustavo A. Madero, México D.F., como referencia se encuentra la estación del metro Consulado de la línea 4.


Si tu imaginación quiere colaborar con algún artículo o ilustración visítanos y escríbenos en www.facebook.com/ColectivoHidroxiart colectivo-hidroxiart@outlook.com

Foto: Daniela Duarte/Eduardo Echeverria (Duo-Art)


Duo-Art

Imaginación vectorial 1  

Revista de exploración de arte experimental y avant-garde.

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