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Web Magazine Danse à Montpellier

Archives de l’année 2007

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Prolégomène ........................................................................................................................................................................... 4 2007............................................................................................................................................................................................ 8 Xavier Le Roy ........................................................................................................................................................................ 9 Mulléras Védas..................................................................................................................................................................... 15 Réussite ! .............................................................................................................................................................................. 17 Benoît Lachambre ................................................................................................................................................................ 19 Murray et Brosch se sont données à voir au studio Glandier ................................................................................................ 22 Un truc à négliger ? Je ne le pense pas ................................................................................................................................. 24 Xavier le Roy (bis), vu dans la presse .................................................................................................................................. 25 Fred Bendongué au Chai du Terral....................................................................................................................................... 27 Art et politique ..................................................................................................................................................................... 29 Idiots mais rusés ................................................................................................................................................................... 31 Spectacle total ? … ou simple opéra ? .................................................................................................................................. 34 François Rascalou… retrouve ses danseurs dans le labyrinthe des désirs. ........................................................................... 39 Un joli site... que l'on connaissait déjà ................................................................................................................................. 42 Leonardo Montecchia et sa Compagnie de la Mentira ont montré FRENCH KISS ............................................................. 43 Rascalou 3 ............................................................................................................................................................................ 46 Pourquoi résister ? ................................................................................................................................................................ 48 Postural de Fabrice Ramalingom .......................................................................................................................................... 50 Jean-Ba Bonillo a dansé "Moi, personnellement, je" à la Chapelle ...................................................................................... 52 Preljocaj a ouvert le Festival 07 Montpellier Danse ............................................................................................................. 54 Christine Jouve ..................................................................................................................................................................... 57 Christian Rizzo ..................................................................................................................................................................... 58 Alain Buffard 1..................................................................................................................................................................... 60 La valse des fleurs ................................................................................................................................................................ 61 Tempo 76 de Mathilde Monnier. .......................................................................................................................................... 62 Robyn Orlin a fait chavirer le public du Corum ................................................................................................................... 64 Ramalingom dans son solo "Comment se ment" .................................................................................................................. 65 Au Studio Glandier, il y a eu des choses intéressantes... ...................................................................................................... 66 De quoi ça parle ? Alonzo King, Mathilde Monnier et les autres... ...................................................................................... 69 Joao Fiodeiro ........................................................................................................................................................................ 72 Trisha Brown reste au sommet d'où elle nous envoie ses messages d'amour ....................................................................... 74 A Ramalingom ?................................................................................................................................................................... 76 Alain Buffard 2..................................................................................................................................................................... 78 Au SACD ? .......................................................................................................................................................................... 80 A Pichaud-Legrand ? ............................................................................................................................................................ 82 Alain buffard ........................................................................................................................................................................ 84 Montpellier danse 07 ............................................................................................................................................................ 88 Mark Tompkins est vraiment très bien pour un américain ! ................................................................................................. 93 Entretien avec JP Jullian et Mitia F. ..................................................................................................................................... 94 La LLoba a séduit le petit village de Fayet le 14 juillet. ....................................................................................................... 97 Eun Young Lee................................................................................................................................................................... 100 Karina Pantaléo .................................................................................................................................................................. 104 Mandoline .......................................................................................................................................................................... 106 Communication .................................................................................................................................................................. 110 Info ..................................................................................................................................................................................... 113 Young-Ho Nam .................................................................................................................................................................. 114 Delay Versus Trio était pour deux soirs à la Chapelle ........................................................................................................ 116 Dany-Robert Dufour........................................................................................................................................................... 117 Y aller n’est plus la question .............................................................................................................................................. 120 Dérèglement mécanique dans les slapsticks de Jean-Philippe Derail ................................................................................. 122 Marie Choinard .................................................................................................................................................................. 123 Jean Philippe Derail............................................................................................................................................................ 125 Lila Greene ......................................................................................................................................................................... 131 Ombre et parenthèses ......................................................................................................................................................... 133 Mitia Fedotenko ................................................................................................................................................................. 135 Assiata Abdou .................................................................................................................................................................... 137 Assiata Abdou .................................................................................................................................................................... 137 Patrice Barthés finira-t-il sculpteur ? On peut se le demander ! ......................................................................................... 140 Bonillo décidément............................................................................................................................................................. 141 Elsa Decaudin a présenté "Syntonie" à l'Aire, rue Bayard.................................................................................................. 143 City Maquette de Mathilde Monnier .................................................................................................................................. 145 Idiots mais rusés (2) ........................................................................................................................................................... 147 Mouvements ....................................................................................................................................................................... 151 Joyeux Noël et Bonnes Fêtes. ............................................................................................................................................... 153

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Prolégomène Voici la compilation des articles parus sur le site danse à montpellier, hébergé et géré par l’environnement webzinemaker. Le projet est venu d’un concours de circonstances assez hasardeux. Je me trouvais en train de faire des manips assez rébarbatives de calorimétrie (il fallait que je prépare des échantillons, que j’attende une demi-heure, que je fasse la manip, que je laisse sécher une demi-heure et re-belote). Que faire pendant les demi-heures ? Lire des articles ? Mon activité préférée ne peut pas marcher avec une contrainte horaire... alors je me suis dit, apprenons à faire un site web. En 2003, ce n’était pas aussi immédiat qu’aujourd’hui. J’ai choisi un site orienté journalisme. Et je dois dire que la possibilité de mélanger photos et article dans un contexte graphique assez traditionnel en comparaison du journal papier m’a beaucoup séduit. L’autre aspect était la longueur des « papiers » qui n’avait quasiment aucune limite, au moment même où, dans la presse papier, on réduisait la taille des documents (ce qui a mon avis est la cause principale de la mort morale des quotidiens). Je me suis rendu compte ensuite que la possibilité de mettre des images n’était pas aussi grande qu’il y apparaissait au premier abord. Et pour finir, l’environnement webzinemaker (français) dans lequel je travaillais n’a pas su se renouveller ni trouver une solution économique face à l’évolution des blogs (de plus en plus tournés vers l’image et de moins en moins vers le texte…). Bref, l’aventure s’achève chez webzinemaker (qui ne tardera pas à ferrmer boutique, d’autant plus vite qu’il arrêtera ses portions gratuites). Elle continue dans Wordpress. Au moment de la fermeture/réouverture, le système « blog » m’empèche de rapatrier correctement, car le système chronologique ne marche pas. Fallait-il conserver et continuer de mettre à disposition ? Comme vous pouvez le constater, ma réponse est oui. Relire ces textes m’a rempli d’une certaine fierté. Il y a des choses là-dedans qui parlent

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vraiment d’un certain aspect de la danse et vraiment de Montpellier et de ses environs. Bien entendu, c’est truffé de défauts. Il y a des idées fixes. Il y a des tendances (les années 2003 et 2004 sont très marquées par le conflit des intermittents du spectacle… De ce fait les questions des interviews sont très orientées.) Il y a surtout une évolution personnelle. Au fil des années, je n’ai pas pu maintenir ma production d’articles pour l’Hérault du Jour. En effet, j’ai pris le poste de rédac-chef de la Vie de la Recherche scientifique et été élu à plusieurs endroits/postes. De ce fait, maintenir une volonté de journaliste bénévole dans un journal très limité graphiquement (je passe sur le reste) est devenu de l’ordre du masochisme. Cela a modifié le comportement de plusieurs personnes dans la danse… A tort, car manifestement, c’est le web qui a gagné devant le papier. Et écrire des choses qui ne se trouvent pas sur le web est devenu sans valeur aucune. Dommage pour l’HdJ dont je suis fondateur. Mais le fait est là… On retrouve au fil des interviews mes goûts, parfois liés à des compagnonnages (parfois le compagnonnage a suivi la discussion !). Pour information, j’ai donné des photos à pas mal des personnes que l’on retrouve dans ces chroniques. Cela m’a toujours géné. En effet, des photographes ont pendant longtemps tenté de vivre de leurs images. Mais dans le même temps, les compagnies que je cotoyais n’avaient plus du tout d’argent. D’autre part, l’évolution de l’image photo tend vers une totale perte de valeur… Et étant plutôt dans le futur que dans le passé, j’ai toujours eu du mal à ne pas dire les choses telles qu’elles sont vraiment… Alors j’ai ménagé la chèvre et le chou en travaillant au feeling. Et donc pour info déontologique, il faut dire que j’ai travaillé avec Luc Maubon, Pauline Bréguiboul, Muriel Piqué et Lila Greene et été membre responsable des associations liées à Patrice Barthès et Hélène Cathala ainsi que de « Changement de proprétaire ». Enfin, depuis quelque temps, je suis administrateur de l’ADDM 34. J’ai tenté de reprendre l’intégralité des articles. Certains sont totalement inintéressants… hormis en rapport avec les autres montrant ainsi l’évolution du paysage. Certains mots ont été corrigés (et les originaux sont donc barrés).

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De temps en temps, je rajoute un commentaire, là maintenant, en 2011. Car les choses ne sont pas si mal faites : c’est la cloture d’une décennie. J’avais décidé de démarrer en mettant come texte de base, une interview du début de la décennie que je n’avais jamais pu passer en intégralité dans l’HdJ. Webzinemaker a décidé de boucler fin 2010. A la fin de l’année, Georges Frêche, fondateur du Festival Montpellier danse passait la main. Un moment très symbolique : la fin de quelque chose…

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L’édito FAN ! Bienvenue sur le web-magazine de la danse à Montpellier ! De même qu'il y a des "magazines de fans", des fanzines, pour la BD ou pour le rock, il en faut pour la danse. Parce que sans cela, la danse contemporaine deviendra bien vite un art élitiste, enfermé dans ses Centres chorégraphiques, magnifiques tours mais d'ivoire. Et aussi parce que la danse, ce sont des danseurs qui s'arrêtent jeunes et qui disparaissent bien vite des mémoires. Donc : un lieu pour la mémoire, pour la pensée et pour l'image des corps et de leur scène. Un lieu qu'il faut "visiter", car il est articulé en plusieurs parties : des rencontres, des archives, des humeurs (souvent noires). Il y a aussi une galerie de photos, accessible à partir de la page de une.

(Note 2011 : Evidemment, l’ambition n’a pas abouti. Les CCN sont redevenus/restés des tours d’ivoire… Une fois, j’ai travaillé à la Rochelle. Plusieurs fois, dans la ville, j’ai demandé où était le CCN. Personne ne savait de quoi je parlais. Pour garder le moral, ne le faites pas à Montpellier).

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2007

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Xavier Le Roy nouvel artiste invité du CCN des Ursulines, nous a montré son "Self unfinished" de 98... Quelques commentaires.

Si Xavier Le Roy n'était pas "artiste invité" pour quelque temps à venir aux Ursulines (ce qui impose une écriture ne serait-ce que "pour information"), je ne pense pas que j'aurais commenté son "Self unfinished", pièce assez ancienne. Commenter une pièce qui tourne beaucoup (beaucoup, beaucoup) ; qui plus est, composée par quelqu'un qui va recevoir un soutien solidaire (pendant au moins quelque temps) à Montpellier (parce qu'on l'accueille : il ne s'agit pas de dire qu'on s'est trompé ; en plus c'est un montpelliérain, il connait pas mal de monde dans les parages, etc, etc.)... est une vraie prise de risque pour un critique qui ne s'appuie pas sur la puissance d'un riche groupe de presse ! Prise de risque qui ne rapportera pas grand chose... Sinon l'estime de quelques lecteurs, ce qui est indépassable... Donc... En quelques mots : "Self unfinished" est une pièce : agaçante, snob, européenne, de la fin des années 90, de non-danse, particulièrement virtuose et tenue. Voila, je pense avoir dit l'essentiel, je vais donc commenter. Mais comprenez qu' "agaçante" est l'impression globale finale. Allons-y. Snob ? A cause du titre qui suggère l'anglophone distingué. Moi, je ne suis guère anglophone, alors je ne comprends pas ce que ça veut dire et quelque part, ça me gène. L'individu-artiste a le droit de faire ce qu'il veut et de s'adresser à qui il veut, mais là, il annonce qu'il choisit de faire une pièce "internationale" et je ne peux m'empécher de penser que c'est au sens "vendable à l'international", bien plus que "parlant aux peuples du monde entier". En gros, c'est comme les titres de Beigbeder, ça peut se diffuser dans le monde entier sans prise de tête. Allez savoir pourquoi, ça m'agace de prime abord (en plus, à la fin de la pièce, mes connaissances en anglais ne s'étant pas accrues, je ne comprends toujours pas.) Bref, il ne s'adresse ni à moi, ni aux miens. 9


Européenne ? Répétons-nous : le titre. Mais aussi : ça ressemble sévèrement à une pièce de Gilles Jobin de la même année période. Tous les languages : corporels, sonores, scénographiques, vestimentaires, spatiaux se ramènent à une esthétique commune à un groupe que je ne peux faire autrement que qualifier d'européen. C'est une remarque qualificative, d'ailleurs, sans plus. Ceci n'est pas agaçant !

De la fin des années 90 ? Cela ramène à la définition précédente. Il ne s'agit pas seulement de rappeler la date, il s'agit d'une remarque d'ordre esthétique. A la fin des années 90, l'Europe est entrée dans un "gel artistique", très influencé par la notion de "fin de l'histoire". On sait que certains 00idéologues des Etats-Unis avaient suggéré que l'histoire était caractérisée par un match entre progrès-raison et dictatures. A partir du moment où l'URSS était tombée, seul challenger puissant face au progrès-raison, on s'acheminait vers une "démocratisation irrésistible" des autres pays (en gros la Chine et l'Islam... qui n'est pas un pays, je sais) et un apaisement généralisé : la fin de l'histoire. (En face, il y avait les tenants du choc des civilisations). Un corolaire de ça, c'est qu'on allait s'acheminer vers la fin de la misère matérielle (grâce au progrès) et la fin de la misère intellectuelle (grâce à la raison). Et bien, en Europe, les artistes ont été sous cette "Lune" à la fin des années 90 (et il faut bien le dire, en France jusqu'à maintenant, je vais y revenir en note). On a eu l'impression d'être à l'extérieur de la guerre, des contradictions économiques, des luttes de classes, des problèmes sociaux. Il n'y avait plus sur scène (ou sur les tableaux, dans les films, dans les musiques, dans les livres) de racisme, de paranoïa, de génocides. On n'était plus sur cette planète-là. On ne parlait plus que des artistes, de leurs problèmes spécifiques d'artistes (face au plateau, face à l'écriture, face à l'espace). Ce qui d'ailleurs n'est pas inintéressant. Mais bon, c'était "l'art pour l'art", "l'écriture pour la résolution des problèmes d'écriture", l'expérimentation pour trouver des sujets de recherche (et non pas : l'expérimentation pour résoudre un sujet de recherche déjà défini). En danse, on appelle ça la performance. Vous savez tout ça aussi bien que moi. 10


Presque 10 ans après, ce moment là, on peut le juger à oublier de toute urgence. Comme je suis totalement opposé aux autodafés, je pense que c'est positif de conserver les pièces, c'est à dire de les revoir... Mais bon, c'est une période que je considère avec agacement. Surtout parce qu'il ne faut pas l'ériger en modèle. Mais : les artistes ont totalement le droit de rester à l'écart du monde. (Il ne faut pas alors qu'ils revendiquent quoi que ce soit pour leur pomme, de manière forcément non solidaire. Et même qu'ils ne s'étonnent qu'on leur coupe un jour les crédits pour les reporter sur l'armement ou la technologie. I mean : Intermittence-2003 et sa naïveté est inscrit implicitement dans la "nondanse" ! Et ce n'est pas parce ce que l'on nie la lutte des classes qu'elle n'existe pas... D'un autre coté, ça me troue vraiment, comment un artiste après le 20ème siècle, peut-il ne s'adresser qu'aux urbains chics et refuser de s'adresser à l'ensemble des humains ? (je rappelle, ne seraitce que - par exemple - la moitié de l'humanité est paysanne !)... Allez, je m'énerve : mais c’est agaçant, je vous dis.) De non-danse, particulièrement virtuose et tenue. Le qualificatif de non-danse est là pour préciser le qualificatif "européen". Il y a dans l'heure de "Self unfinished" beaucoup de temps assis, couché, en marche. Des gestes ou absences de gestes qui ne ramènent pas à la danse au sens commun. Construire une pièce avec ça, c'est ce que l'on (quelques critiques) a défini comme de la "non-danse". Et comme chacun sait : réussir une pièce de non-danse (au sens de tenir le public en haleine pendant une heure) cela suppose un contrôle du corps et de ses effets qui tient de l'horlogerie suisse. Là, chapeau ! On peut raconter la pièce de plusieurs manières. Prenons-en deux. Théorique : un individu enfermé dans un espace clos, blanc, avec une table et un ghetto-blaster utilise toutes les ressources disponibles "hors show-biz" pour capter l'attention du spectateur. (On notera beaucoup de contorsions transformistes et un jeu sur l'étirement de la scène [avec perspective imposée par les lumières]). Comique : c'est l'histoire d'un scientifique enfermé (oublié par les collègues) dans une salle blanche (c'est le nom des lieux d'où l'on chasse les poussières). Il ne lui sert à rien de crier (d'où le silence). Il est obligé de dormir là. Il se détend en imitant Robocop (peut être est-il 11


physicien spécialiste de la robotique?) ou les aliens des séries télévisées. La porte et la sonorisation de la pièce sont reliées à une commande, probablement optique ou temporelle (il faut attendre... le jour, le matin ?). Une fois la porte ouverte, on ne le reprendra plus (il ne revient pas saluer, pas fou!). Bref, c'est une heure intéressante intellectuellement parlant. En conclusion de tout ça, on comprendra que ma position sur Xavier le Roy n'est pas dans la négation de ses immenses qualités d'artiste. Le choix qu'il faisait en 98 était de parler de l'esthétique, de se colleter à cette question-là. Il a choisi et construit un langage. Il en extrait la quintessence. Je me prosterne devant ça. Mais il ne me parle pas de quelque chose qui m'intéresse. (La contorsion, le transformisme physique, l'attente) C'est son droit le plus strict. Feedback : c'est le mien de le dire ! De là deux positions: on peut attendre-espérer qu'il ait changé de sujet pour ses futures pièces millésimées Montpellier. S'il persiste dans ce "hors-monde", ben… on sera très agacé. Note 1 : On peut faire de la non-danse et parler de quelque chose, c'est le cas de Monnier. Note 2: Je pense qu'un des problèmes de l'art "français" récent (allez, on va dire que ça existe) est vraiment d'être "hors du monde" ! Enfin, pour pas mal d'artistes jeunes. [Récemment le vieux Alain Resnais (cas bien isolé qui sera donc ici un contre-exemple) expliquait qu'il était très influencé actuellement par la série télé "Millénium" de Chris Carter, série ultra-violente des mêmes années pré-2000, comme son nom l'indique. Il ne citait pas dans ses influences d'artistes français de la même période, ni de maintenant non plus... C'est évident si l'on admet ce que je veux dire]. Entre la prise de risque des Etats-Uniens qui parlent de la violence effective de leur réalité et nos artistes français, il y a un gap incroyable. Pourtant, ça ne manque pas de raisons du point de vue Français !? Une génération risque de se voir spolier de la retraite pour laquelle elle cotise actuellement. Des troupes entières de salariés ne peuvent plus avoir de toit. Des populations entières n'ont pas d'emploi disponible. Le droit des femmes est toujours aussi bafoué. La presse libre n'existe quasiment plus (un webzine n'est pas la presse au sens constitutionnel 12


du terme!). L'électricité est nucléaire, ce qui pose deux problèmes : l'avenir des générations futures - car nul ne sait si on pourra gérer les déchets - et les populations africaines à qui on pique l'uranium (ce qui explique les interventions françaises au Tchad, en Centrafrique, la présence militaire pas loin du Niger, etc.). Le changement climatique appelle un sursaut ou la mort (on a quand même vu, de nos yeux vu, une ville comme la Nouvelle Orléans rayée de la carte, ce qui avait été correctement annoncé par les environnementalistes voila plus de 20 ans... Comme dit l'autre (nota : c.-à-d. F. Mitterand): "les experts disent tout et le contraire"... Peut-être bien, mais les pouvoirs et les médias du pouvoir ne retiennent que ceux qui disent le contraire, justement...) Bref, il y a de quoi s'interroger. (Je ne parle même pas de l'Europe et de son retour à la morale et au militarisme !) Les Etats-Uniens répondent artistiquement à ça, soit en se penchant sur une image fantasmée (le sérial-killer) soit sur l'histoire [par exemple/symptôme, le trio de films "Blade Runner"-"Gladiator""Kingdom of Heaven", d'un seul et même réalisateur se penche sur le changement climatique, la bio-éthique, le choix "Empire ou République" et les Croisades du point de vue : "qui est civilisé ?" ... (ce qui n'empêche pas la moyenne des Français "cultivés" de dénigrer l'imbécilité d'Hollywood, on croit rêver).] De quoi parlent les Européens ? De leurs histoires d'ego ! Comme le chante Cantat : "Chère vieille Europe, cher vieux continent"... Allez va, cool... ceux qui me lisent savent que là-dedans, je ne mets pas la plupart des chorégraphes montpelliérains, qui justement parlent (parfois non-consciemment, là n'est pas la question)) eux de quelque chose : le coté culturel (donc social) du geste du travail (Noël, Barthès, Théron), le féminisme (Murray), la perception de textes élitistes sophistiqués grâce au corps (Piqué), l'exclusion généralisée, la haine quotidienne (Monnier), etc. Mais c'est bien pour ça que je parle d'eux ! Et que j'ai du mal à soutenir les autres... qui, heureusement pour eux,

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sont et restent d'une part à la mode, d'autre part défendus par les pouvoirs (y compris de la presse). Remarque qui n'a rien à voir : l'autre jour, j'ai écouté "le temps des cerises" en yiddish. C'était incroyablement poignant.

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Mulléras Védas Je n'ai pas pu résister à l'allitération de ce titre !

Reprenons : les Mulléras étaient visibles à "Montpellier danse-Chai du Terral", autrement dit à Saint Jean de Védas. Compte-tenu de l'article qui précèdait celui-ci immédiatement, où j'ai expliqué que Xavier Le Roy, c'était bien fait, mais totalement en rupture avec notre époque épique et par là un peu ennuyeux, je vais avoir pas mal de mal à justifier le fait que Mulléras, ça mérite la vision. En effet, le travail des Mulléras est totalement lui aussi - en apparence - déconnecté de la réalité sociale ou historique. Il s'agit d'un travail très formel qui utilise la vidéo, trois danseuses, la musique. Tout est extrèmement partitionné et rêglé. Et donc, cela ne parle de rien d'autre que d'art, c'est à dire d'excitation corporelle du spectateur. Dans un premier texte, je disais, une heure après avoir vu le spectacle (dont il faudra que je m'attache à retrouver le nom) : "A chaud, je dirais que ce qui est touchant, c'est que ça ne vise pas plus haut que ça est, que c'est fait avec rigueur et honnèteté, avec confiance dans ses moyens et exigence vis à vis de soi-même. Cela me fait penser à un vigneron, qui n'a peut être pas la meilleure vigne de la terre, ni le meilleur versant, mais qui ne se lamente pas ou n'essaie pas de réinventer l'alcool. Il essaie de tirer le meilleur vin de sa vigne, tout simplement. A part ça, les amateurs du site des Mulléras ne seront pas trop surpris. Notons tout de même qu'à grande échelle (une humaine, c'est plus grand qu'un écran vidéo), on voit mieux le travail formaliste sur la danse en deux dimensions (2D). Très intriguant cette idée. En fait Mulleras, c'est un peu de la danse-BD. Insistons : c'est pas mal du tout."

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Commentaire [JMD1]: Je n’ai jamais fait l’effort ! En cherchant sur le site des Mullleras, on doit pouvoir trouver.


Cette critique que je trouve toujours en accord avec ce que j'en pense quelques jours après, a un petit coté de dénigrement. Il faut que je l'explique. Je ne suis pas fan de l'aspect purement "recherche chorégraphique" de ce que j'ai vu. Et cela confirme ce que je pense des Mulléras depuis des années. Autrement dit : Je ne suis pas fan, mais je suis plein de respect devant ce travail de fond qui touche à la fois le corps, son image en deux dimensions (fixe par les lumières et animée par la vidéo) et bien sûr l'environnement musical. Ils bossent à fond dans ce qui leur parle, je suis forcément plein de respect pour ça. Alors, voila, leur environnement artistique ne me touche pas beaucoup. Qu'y faire ? J'en connais pas mal qui ont trouvé ça vraiment bien. Si sur ce site je pouvais noter, ça me faciliterait grandemnt les choses. Je mettrais 10/20 pour ma sensibilité personnelle et je tiendrais compte des autres membres du jury pour passer ça à 15. C'est plus clair comme ça ? PS : en plus d'une heure sur scène, le public peut découvrir une installation fondée sur le contenu du site web et jouer avec les souris (ce qui donne des trucs marrants et atachants (cf. photo ci-contre qui en donne une pâle idée). Cela aussi vaut le détour : www.mulleras.com

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Réussite ! L'opération de reprise du Chai du Terral au service de la danse régionale (pour l'essentiel) est vraiment un truc super !

Il ne faut pas être totalement hypocrite. Il y a des raisons de déplorer l'échec du projet de Gourmelon au Chai du Terral qui a conduit à la fermeture en 2003-2004. Sa compagne de l'époque, Magali Ollier, avait une vraie sensibilité de programmatrice, ce qui leur a permis de proposer des soirées charmantes aux amateurs de danse (Nuit des soli, Corps et graphies). De plus, tenter un théâtre peu expérimental mais faisant la part belle aux costumes et aux acteurs était aussi quelque chose à défendre. La sauce n'a pas pris. On en connait certaines raisons : une difficulté à animer une équipe s'étendant au delà d'une "famille", la difficulté à se mettre en rapport avec les Védasiens. Sans doute aussi, une faiblesse artistique de la Compagnie de théâtre Fermer ce théâtre pendant quelque temps était de toute manière une bonne opération pour l'agglomération. Cela coûte cher le fonctionnement d'un théâtre et il n'y a pas de petites économies. D'autant qu'il fallait refaire les sanitaires, ce qui n'est pas non plus donné. La réouverture au service de "Languedoc-danse" (ah, bien sûr, officiellement cela s'appelle "Montpellier danse", mais il ne faut pas être dupe, on voit bien que le panel d'artistes est élargi) est une vraie réussite. Le bâtiment a été remis aux normes, le plateau a été réaménagé (je n'ai pas encore visité les loges, mais peu importe...). Et le public est tout de suite revenu en nombre (ce n'était pas gagné, on sait que remplir une salle peut être long, et on ne sait jamais ce qui peut se passer dans la tête des gens après une fermeture). Bref, ça baigne et c'est un vrai bonheur de revoir ce lieu assez unique, à la fois, salle de spectacle de bon niveau, galerie d'exposition, bar (assez) convivial. Dans le futur, il faudra repenser le bar-restaurant pour gagner en chaleur, mais c'est un détail. 17

Commentaire [JMD2]: Depuis, le bar a fermé, ce qui est une horreur !


Pour l'instant, il faut applaudir et remercier l'agglo et l'ĂŠquipe de "Montpellier danse" (qui mine de rien se donne du travail en plus !)

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Benoît Lachambre a présenté "Lugares comunes" à Grammont dans la saison Montpellierdanse ! Qu'en penser ?

J'ai mis plusieurs jours avant de me décider à écrire quelque chose sur "Lugares comunes". Je n'en voyais pas l'intérêt. Et puis, au bout d'un moment, je me suis rappelé qu'un webzine, je veux dire la pertinence d'un webzine, c'est à la fois la subjectivité sincère d'un (ou de plusieurs) auteur(s) et la constance de la production, qui permet de dégager par le simple téléscopage (inconnu aux autres organes de presse) une tendance. Là, la tendance est nettement dépressive, en ce sens qu'il n'y a pas grand chose que je trouve bon en ce moment, mais si ça se trouve, c'est l'époque qui veut ça. (Encore que... c'est peut être moi, tout simplement, consultez donc la note de fin). Bref, revenons à "Lugares comunes". Il s'agit d'une pièce qui repose sur une certaine critique, celle disons des espaces d'aéroport et des plateaux télévisés "à la Pivot des années 80". A partir de là, les interprètes (tous plus qu'excellents danseurs et acteurs) connus comme de redoutables improvisateurs, ont sorti quelque chose. Ce quelque chose a été mis en scénographie et en temps par Benoît Lachambre et Nadia Lauro (alors, bon, je n'en sais rien, c'est peut être la mise en espace qui a provoqué certains mouvements, en ce sens qu'elle était antérieure, mais qu'est-ce que ça change au fond ?)Le problème, c'est que ce quelque chose n'est pas grand chose. On ne s'ennuie pas, mais bon, on n'en sort pas changé.

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D'autant plus qu'un vieux comme moi a déjà vu ce genre de truc des tas de fois, avec moins de scénographie, certes et de moins bons interprètes, certes encore, mais ceci apporte-t-il vraiment quelque chose au fond ? Je vais même dire que jusqu'à présent, je croyais que les moyens plus faibles des improvisateurs étaient liés/dus au coté "critique sociale sous-jacente" de leur travail. Là, on a l'inverse. On voit une pièce en tournée mondiale, avec 10 danseurs coûteux, une scéno qui coûte probablement la peau des fesses, qui nécessite un théâtre très bien équipé et qui - c'est un corrolaire - s'adresse à une frange de la société qui est tout (mais tout) sauf au bas de l'échelle sociale. Donc, voila, je n'ai rien à en dire, parce que ça ne me touche pas, n'étant pas (peut être que là est l'explication) du même rang social que l'abonné moyen des 13 Vents (autre nom de Grammont, pour ceux qui ne connaitraient pas). Ce qui est très marrant dans cette histoire, c'est que quand je vais à l'Opéra ou au concert "classique", je ne suis pas choqué par le décorum. Quelque part, je ressens cela comme une conquète sociale, je pense (je veux dire : j'ai gagné le droit (ou mes ancètres l'ont gagné) de voir jouer Malher comme le voyaient les grands bourgeois à Vienne). Là, il n'y a pas cette justification. D'autre part, c'est vraiment beaucoup de moyens pour au final rien de bien existentiel ou émotivement secouant.

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Pour tout vous dire, j'ai relu récemment un numéro de "Vogue" spécial "jet-set". Et c'est vraiment à cette futilité que ça me fait penser. Sans rancune ?

Note : "Danser" sous l'égide de Télérama est devenu un journal costaud, plein de pages et de photos de qualité. Dans le numéro de janvier, il y a une interview de Sylvie Guilhem, remarquable comme d'habitude. (Je vais finir fan.) Et il y a le choix de la rédaction pour 2006 (le palmarès). Deux des rédacteurs choisissent le ATK vu à Montpellier. Eux pensent qu'il s'agit d'une oeuvre majeure. Et deux rédacteurs d'une équipe, sur la même pièce, ce n'est pas rien ! Moi je trouve que c'est le retour au ballet, donc un pas culturel gigantesque en arrière. Comme un trait tiré sur les années "utopiques" 60, 70, 80. (Ce désaccord ne confirmerait-il pas que je me ringardise ?) Dire ça dans un papier où au fond, on regrette le fait que Lachambre refasse les performances des années 70 à la sauce 2000, c'est contradictoire ? Non! Le dernier disque de "Yo la tengo" est la meilleure imitation du Velvet depuis longtemps (sur certains morceaux, parce qu'il n'y pas que le Velvet qui est imité là). C'est pas mal, mais refaire, c'est beaucoup plus creux que faire. La photo est une archive de 2003 quand Lachambre travaillait à "Changement de propriètaire" pour préparer le Festival 2003, qui n'a pas eu lieu.

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Murray et Brosch se sont données à voir au studio Glandier Avec les années qui passent, les choses s'éclaircissent. On savait depuis pas mal de temps l'importance qu'avait Maïa Brosch, la performeuse suisse allemande dans la création de Michelle Murray. Mais voila, pour des raisons obscures (sans doute liées à la psyché de la créatrice, d'autres diraient l'ego, mais je ne vois pas à ce problème un quelconque aspect péjoratif, je pense qu'il y avait problème et problème à poser la solution) on n'arrivait pas à le dire. Bref, Michelle Murray appelle officiellement son chat un chat. Ce qui donne : la nouvelle pièce - encore "work in progress" - de Michelle Murray, "Kings and Queens" est signée Murray/Brosch. Je l'ai vue en "première" le mercredi 7. Les danseurs et danseuses étaient un peu crispés. Comme la pièce repose sur une improvisation à partir d'élements déjà écrits et rêglés, le stochastique de la chose vient de la prise de décision de chaque interprète. (Je veux dire : l'interprète a à sa disposition quelques séquences A, B, C, D. Il entend la séquence 1 du danseur n, il décide de lancer la séquence B (pourquoi pas B ?). Et ainsi de suite. Là, les danseurs se sont peu lachés. Cela a donné quelque chose de glacial, en ce sens que la névrose (clairement affichée, on va en reparler) tendait vers une impusissance). Je ne sais pourquoi j'aime ça ! On pourrait faire plein de reproches, notamment sur le fait que ça ne bouge pas beaucoup et que le propos lui même est minimaliste. En même temps, la démarche affichée est l'impuissance sexuelle (ça parle de coucher, mais ça ne jouit pas beaucoup), la névrose, la perte d'identité, le trans-genre, plusieurs sujets tous d'origine différente, mais qui sentent bon la décadence de notre civilisation. Et je trouve que la forme adoptée pour parler de ça est adaptée. Peut être que c'est pour ça que j'aime ça, le lien fond-forme (et la sincérité !) Comme d'habitude chez Murray, la fin est indécise.

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La pièce sera retravaillée en mars à Berlin. Je pense qu'on pourra la revoir achevée en début d'été.

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Un truc à négliger ? Je ne le pense pas L'évenement de la semaine est la condamnation (il y a appel) de la Compagnie Prejlocaj à payer les droits d'auteurs des interprètes musiciens des musiques utilisées pendant les spectacles. (Tapez ask.com ou google par exemple à : droits auteurs Prejlocaj) Cela pendait au nez de la danse contemporaine qui utilisait les subtilités des interprétations, mais ne les rétribuait pas, se contentant des droits d'auteurs des compositeurs. Attention, je ne veux pas dire qu'il y avait méchanceté-malice, ou encore que le système de rétribution proposée à l'heure actuelle ne soit pas exagéré (parce qu’en gros, si j'ai bien compris, si cela ruine Prejlocaj, je ne vois pas qui va pouvoir utiliser de la musique enregistrée sur scène !) Mais bon, il y a quand même à réflêchir. Je prends pour exemple les "trois boléros" d'Odile Duboc. Il y a trois interprétations différentes du Boléro de Ravel à la suite. C'est clair que c'est l'interprète que l'on convoque au même titre que Ravel. Il est donc clair qu’il faut le rémunérer à sa juste qualité. (Je cite ça comme exemple artistique. Juridiquement, je ne sais quelle a été l'option choisie par Odile Duboc) Jusqu'à présent on avait jeté un voile pudique sur le problème. On est devant... mais avec un juge dans la partie ! A noter que les chorégraphes qui font appel à de la musique sur scène rêglent ce problème-là implicitement. C'est aussi pour ce respect implicite de la dignité de tous les musiciens qu'il faut aimer la musique sur scène !

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Commentaire [JMD3]: Aux dernières nouvelles, la compagnie vit toujours et Prejlo n’est pas en prison !


Xavier le Roy (bis), vu dans la presse Il faut noter la parution, ce vendredi 23 février d'un papier d'Anne Leray dans l'Hérault du jour. Ce beau papier traite de la pièce "Produit de circonstances". Et cela fait plaisir de voir que la presse "hors trusts" continue de parler d'art. Et ce alors même que l'art français tourne le dos à la critique sociale et à l'engagement social ! C'est la grandeur de cette presse (dans laquelle je glisserai un quotidien "in trusts" tel que le mourant Libération, dont on voit bien que quelques-uns de ses journalistes - en voie de licenciement - s'attachent à tenir sur cette ligne) de se refuser à laisser tomber les artistes et l'art dans le gouffre du "divertissement", destin que le capital leur réserve en règle générale. Mais un des points du papier me touche particulièrement et me gène. Ceci dit, je ne sais si c'est une traduction fidèle du discours de Xavier Le Roy (si vous avez lu ma précédente crtitique, vous pourriez penser que je n'y suis pas allé par goût... en fait, c'est à cause d'une overdose de travail !... Allez, on sait bien que les choix d'emploi du temps veulent dire quelque chose !) Revenons à notre problème. Qu'il s'agisse du compte-rendu fidèle du discours ou pas, en fait peu importe, car il n'y a pas d'attaque personnelle. Il est dit dans le papier : "D'un coté les sciences et l'émoussement de son regard romantique sur la chose : impossible objectivité, hiérarchie, lois du capitalisme, statistiques à faire parler, obligation de résultats et devoir de production qui supplantent l'intérêt pur pour la recherche". Pour ceux qui ne suivent pas : Xavier Le Roy a commencé par une thèse de sciences, en bio. On comprend l'intérêt dramaturgique du sujet : "les illusions perdues". Mais faut-il pour autant laisser passer le reste du propos comme une évidence ? Car un tel propos véhicule lui aussi une vision romantique en creux - de la science. Or, la science n'a jamais permis (plus qu'autre chose) une vie épanouie. Bien au contraire et ce n'est pas le capitalisme qui a changé quoi que ce soit à ça, c'est un premier point. On pourrait même dire l'inverse : la 25

Commentaire [JMD4]: On peut saluer le redressement du journal.


recherche du taux de profit a eu tendance à rendre plus facile la vie des scientifiques (on citera comme symboles ou histoires de martyrs : Abélard, Giordano Bruno, Galilée, "l'Oeuvre au noir"... ce qui ne nous fera pas oublier les scientifiques martyrs grecs, romains, chrétiens, égyptiens, phéniciens, etc.) L'autre idée, c'et que la science est intéressante en soi. Mais non, jamais de la vie ! (là dessus on lira avec profit Feyerabend ! (Le meilleur livre, avec un deuxième dialogue MONUMENTAL est Dialogues-surconnaissance. Un texte autorisé est à: http://multitudes.samizdat.net/La-mort-de-Feyerabend-Unepensee.html)). En deux mots : il n'y a rien de plus emmerdant qu'un problème scientifique ! Jusqu'à ce que quelqu'un arrive et en fasse quelque chose de passionnant (on retrouve là l'aphorisme de Deleuze : "un penseur, ce n'est pas quelqu'un qui pense... C'est quelqu'un qui donne à penser !"), mais seulement pour une infime minorité de personnes (ce qu'on résume sous "la bosse des maths", par exemple). Quelqu'un qui ne trouve pas sa propre science intéressante est par définition quelqu'un qui ne s'est pas suffisamment "névrosé-nécrosé" pour se rendre ça à luimême intéressant. Sans déconner : entre une équation différentielle et une bonne promenade (et je ne veux pas aller vers le sexuel), qui hésite ? Bref, il n'y pas de plaisir intrinsèque à la science, bien au contraire. C'est peut être tout simplement ça que Xavier Le Roy a senti. Pas de quoi en faire une théorie sur un imaginaire bonheur de la "recherche pure" ou de "l'intérêt pur" pour la recherche... Et parler comme ça, c'est véhiculer aussi une autre image romantique de la recherche et de la science : "ce n'est pas jouissif, mais au moins c'est de l'intellectuel pur". Tu parles !

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Fred Bendongué au Chai du Terral. Danse ludique et politique

La découverte de Fred Bendongué, permise par Montpellier-danse, qui lui ouvrait son Chai du Terral aura été une heureuse surprise. Ce jeune chorégraphe lyonnais propose en effet quelque chose de très attachant. Son art est tout à la fois ludique et politique. Sans trop appuyer les effets, il se permet dans "OK jaz en forme" à la fois de swinguer et de faire réfléchir à l'Afrique. Pourquoi l'Afrique ? Parce que Bendongué est tout à la fois français et congolais. Et que vu son age, proche des quarante, il a vécu une période presque incroyable, du point de vue historique, politique et culturel. A sa naissance, l'Afrique francophone sortait d'être un bout de "l'Empire français" sous le nom "d'Afrique équatoriale". Elle s'est ensuite divisée en toute une série d'états, pour beaucoup "socialistes", c'st à dire avec un état policier dirigeant l'économie, diffusant une propagande assez cocasse (du genre : "en avant vers l'avant !"). Ensuite, sous la pression capitaliste, tout explosa. On connut des guerres quasiment tribales, des racismes meurtriers, une implosion économique. C'est de ça que parle "OK jaz en forme", sous le couvert de saynètes décrivant, en gros, un bal de village. Cela danse beaucoup, le public remue sur son siège, emporté par le rythme chaloupé. Cela n'empêche pas de comprendre l'oppression faite aux femmes, la guerre entre riches (enfin, riches ?) et pauvres.

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Le miracle de la pièce tient au fait qu'elle évoque - sans y mettre trop de moyens qui seraient vite pompiers - une vraie vie de quartier. On s'y croirait, on sent l'odeur du bal de village. La pièce peut tout de même être critiquée quand trop de pathos, trop de descriptions sont convoqués. Notamment quand on évoque un massacre ethnique (on pense au Rwanda, mais l'Afrique est tellement martyre qu'il peut s'agir d'autre chose, peu importe...). C'est vers la fin. Le message devient trop pesant et empêche la pièce de se conclure dans un flux continu. A l'inverse, on peut s'attacher aux danseurs et danseuses, excellents. Mais on peut penser que l'essentiel est ailleurs : Fred Bendongué est un vrai compositeur. Il montre une capacité enthousiasmante à construire un scénario sans convoquer le théâtre, uniquement grâce à ses pièces dansées. Malgré un message riche, le plaisir physique du spectateur est presque toujours présent. On a hâte de le revoir bientôt.

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Art et politique Petite réflexion grâce à Fred Bendongué... Et aussi malheureusement du fait de la mort de Baudrillard

On parle par ailleurs de la pièce de Fred Bédongué. Mais le téléscopage de la vision de cette pièce à Montpellier avec la mort de Baudrillard m'a fait penser à une chose, que je vais tenter de partager ici. Baudrillard était à la fois un artiste, un philosophe et un sociologue. Cette triple personnalité le rendait nerveux face à l'incompréhension du peuple qui l'entourait. De ce fait, il utilisait souvent une arme d'artiste, la provocation, ce qui choquait ses collègues universitaires. Une de ses provocations les plus connues touchait au domaine de l'art. Où en gros il restera comme l'un de ceux qui disent que "l'art contemporain est nul". En voyant la pièce de Fred Bendongué, on peut remarquer que la pièce se démarque séverement de l'art contemporain : on y bouge beaucoup, on y confronte le mouvement à l'histoire (celle de l'Afrique francophone en l'occurence). En fait, en y réflechissant, l'art contemporain américain se frotte aussi à l'histoire (les derniers oeuvres de Lynch peuvent servir d'exemple à cette idée). Ce qui pose problème en fait, c'est l'art européen. Comme l'Europe n'a plus d'histoire, sinon celle de son anéantissement, ses artistes ne peuvent convoquer le global dans leur oeuvre : il n'y a plus de global, de collectif, d'histoire commune. Or l'art, c'est aussi la contradiction local/global, personnel/collectif. Sans ces contradictions, c'est un peu vide. Si l'on regarde bien, les grandes oeuvres correspondent (avec des avances ou des retards, mais correspondent tout de même) à des grands moments historiques. Athènes, Rome, les Barbares, Florence, Louis 14, etc. Inutile de convoquer les présciences de Wagner, c'est trop triste... Mais par exemple Proust, qui pourrait passer comme le plus introverti des français, parle de la mort de la noblesse. Ou encore, la littérature 29


franco-française du 19ème siècle, très nombriliste ("Mme Bovary, c'est moi !"), c'est l'ombre de la colonisation (de Salammbo à Rimbaud). Ce qu'éclaire Fred Bendongué, c'est la dure réalité des artistes français. Comme ils se refusent de voir où se situe l'Europe dans le flux historique (à l'image de l'ensemble des citoyens et des nations, c'est vrai), ils n'ont rien d'autre à dire qu'eux-mêmes (ou leurs petits soucis scolaires ou théoriques). Moralité, ça manque de souffle et c'est bien ennuyeux au bout d'un moment. En ça je rejoins Baudrillard. Quant aux américains, ils n'ont pas à se préoccuper d'analyser le flux : ils sont le flux ! D'où une régulière impression de suivisme des autres artistes. Mais bon, c'est la vie. L'art français, c'était quand la France dominait le monde, l'art espagnol, c'était quand etc... Les artistes auront beau faire : "si tu ne t'intéresses pas à la poltique, la politique s'intéresse à toi". Ah, au fait, on fète je ne sais quel anniversaire de René Char... Artiste français engagé militairement. Son oeuvre transperce l'histoire (y compris celle de l'art) alors qu'elle n'est techniquement pas si forte que ça. Ben ouais. C'est ça ce que je veux dire. PS : la photo parle d'elle-même Vu à la une de "Transfuge", un magazine sur la littérature, "Le 11 septembre est bon pour la littérature". Ce qui va dans le sens du texte ci-dessus. Ceci dit, je pensais être provocateur. Là, ce titre me ramène à ma toute petite place.

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Idiots mais rusés Les gens du quai d'Anne Lopez (car ce semble bien être le nouveau nom de la Compagnie !) étaient à la Fonderie de Sète le week-end du 18 mars.

Pendant un temps, Anne Lopez avait rejeté le premier nom de sa compagnie "Les gens du quai". "Les gens du quoi ?" lui rétorquait-on. Elle en eu ras le bol et se présenta sous le nom d'Anne Lopez. Mais c'était renier l'histoire de son art, qui ne saurait se passer de son frère musicien, de sa scénographe, de sa costumière, de sa danseuse fétiche. En plus, Anne a toujours "localisé" son travail. Sa danse se conçoit en fonction d'un lieu, elle est topique. Non que ce lieu soit toujours défini : parfois il s'agit d'un appartement recréé sur scène. Symbolique, donc. Mais tout de même, "un lieu" est l'élément le plus caractéristique du truc. Evidemment, on retrouve ça dans la dernière pièce. Qui place les danseurs dans... Dans quoi au fait ? On a le choix : base dans un désert, dernier bunker après la tempète nucléaire, base sur une autre planète (la preuve en photo.)

Bon : concluons. Il fallait garder la notion de lieu dans le titre de la compagnie. Et donc, tel Bayrou sachant trancher à l'extrême centre, cela s'appelle désormais "les gens du quai d'Anne Lopez". Pas mal, non ?

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Revenons à la pièce. En deux mots, avec "Idiots mais rusés", Anne continue le processus de dynamitage de sa propre danse. Ceci du simple fait qu'elle a envie de raconter des histoires. Et que la danse, ce n'est pas fait pour raconter des histoires ! Là, l'histoire est liée à un lieu (on l'a dit) et à un scénario de départ. "Vous êtes 4, libanais, américaine, viking et canadienne, isolés dans un labo. Vous êtes idiots, mais rusés. Démerdez-vous... De temps en temps, je vous donnerais des consignes en live. D'ailleurs le musicien, s'il a envie, en fera de même". On a tout dit, là. Ah non ! L'humeur du moment est à la rigolade, rire amer après la grande dépression de l'intermittence. Les quatre voient donc leur vie et leur champ d'expérience se déglinguer. On croirait une version humoristique du combat entre le cosmonaute et l'ordinateur Hal dans "2001". Pour ma part, j'aime pas trop. Il faut dire que je déteste les clowns ! Mais c'est un défaut de ma part, je le sais. Là, ils le font bien. Je pense que c'est de qualité. En plus, on sent que c'est sincère. Mais bon, on s'éloigne de la danse au sens stylisation du mouvement. Et moi, forcément, classique comme on n'en fait plus, je suis à la ramasse. Il n'empêche que j'apprécie le pied de nez. On se doute bien (sans le savoir en fait) que partout, on doit renvoyer à Anne Lopez (vu son age et ses légitimes prétentions à une stabilité reconnue par l'état) à l'impossibilité de financement, mais de sa propre responsabilité : pas assez pure, moderne, techno, populaire, blanche, noire, bleue, que saisje ? (Il y a dans "Amadeus" la même chose "Trop de notes, monsieur Mozart !" Ils font ça partout, même dans l'armée... Bref : y a pas de sous). De même à ses danseurs, le même gouvernement (mais cette fois-ci, en paritaire avec la CFDT) doit leur dire "oui mais non". Bref, c'est un peu de votre faute si on ne vous donne plus de sous. Vous pourriez faire du cinéma (d'ailleurs le porno marche bien), du ballet comme Forsythe, etc.

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D'où la réponse... On le sait que c'est de notre faute, que nous sommes idiots de persévérer. Mais comptez quand même sur nous, nous sommes rusés ! J'extrapole, je n'en ai pas parlé avec Anne... Mais pour moi c'est clair. Bref : titre de l'année ! PS : Avec un plancher, la Fonderie, c'est pas mal ! (Note 2011 : Je ne suis pas sûr du tout que la Fonderie soit encore ouverte ! D’autre part, j’ai utilisé le mot bref un nombre de fois beaucoup trop important dans cet article. Le webzine était écrit le nez dans le guidon. Le terrible, c’est qu’il est recollé le nez dans le guidon ! Ah la la…)

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Spectacle total ? … ou simple opéra ? J'ai mis du temps à écrire sur le Rimbaud de Perez-Ramirez/Donner/Saboye, mais ce type d'œuvre mérite réflexion. En plus, il ne s'agit de danse que par un des aspects que beaucoup jugent mineur. Enfin, les critiques d'opéra ont porté l'objet aux nues. Ce qui incite à l'humilité. (Comme d'habitude, ce

texte sera écrit en plusieurs fois !) Résumons les faits. Il y a en Languedoc une chorégraphe, très spéciale, à l'art unique (note 1). Elle se nomme Laurence Saboye. Elle vit avec un excellent musicien, de style contemporain. Tous deux ont une amitié (qui a eu des aspects ambigus, proches de l'amour) avec un très grand écrivain-romancier-chroniqueur nommé Christophe Donner. Depuis un certain temps, Marco Antonio Perez-Ramirez (le musicien) prend une envergure attendue, mais qui fut assez longue à venir, le jeune homme n'aimant pas les enregistrements, la com et les entregents. Il reçut donc commande d'un opéra, qui évidemment fut réalisé avec son "équipe", Christophe Donner au livret, Laurence à la mise en scène (il s'agit de quelque chose de plus complexe que la mise en scène traditionnelle, mais bon, on utilisera ce terme). L'objet a pour nom Rimbaud et a été donné sur la scène du vieil opéra de Montpellier en mars. NB : Dans l'équipe affective, il faut rajouter une jeune et belle soprane qui tient le rôle-titre. Une fois qu'on a dit ça, on se retrouve devant un dilemme qui agite les amateurs d'opéra depuis plus d'un siècle. L'opéra a toujours mélangé le texte, la musique, la danse. Souvent le texte était mineur, parfois il était poétique (Orphée, Didon, Pelléas), quelquefois il a été politique (Mozart, Wagner). (note 2) Mais bon, en général, le texte, on s'en fout ! Il en va de même avec la danse. Il s'agit d'attirer le bourgeois qui n'aime pas forcément les mêmes choses que ses femmes. Il y a donc dans l'opéra profusion de nymphes, de sirènes, de fées, de filles-fleurs... bref des nanas à poil. (note 3)

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Wagner ne s'est jamais gêné là-dessus. Mais il a théorisé ça sous l'appellation d'Opéra-art total. Pour un raciste comme lui, partisan d'un Etat totalitaire (à venir), le mot "total" fait frémir et aurait dû attirer l'attention... mais bon, beaucoup ont en effet cru que le mélange d'une musique de folie (mais très littéraire), d'une poésie certaine (mais pompière), d'une danse correcte (mais sans plus), d'une scène adaptée (mais chère... je pense à Bayreuth, mais aussi aux opéras-salles capables d'accueillir l'orchestre wagnérien) pouvait être l'achèvement-accomplissement du spectacle scénique réussi. Depuis, pratiquement tous les auteurs d'opéra ont fait dans le gigantisme technicolor et se sont allègrement pété la gueule. Qui va voir régulièrement Wozzeck, Lulu, Le chateau de Barbe bleue, Gogol, l'homme de fumée, etc, etc ? NB : Il ne s'agit pas de dire que ce n'est pas bien, je pense même pour ma part que c'est super, mais bon, c'est daté, ça a une guerre de retard, ... Comment dire ? Ce n'est plus de son temps. Donc, on pourrait aborder Rimbaud par un bout de la lorgnette en remarquant que la mise en scène s'offre à la projection vidéo, aux vêtements hyper-travaillés, aux danseuses, à la beauté des interprèteschanteurs. Et que donc, on reste sur la vision wagnérienne. Sauf que : 1. L'opéra a toujours été comme ça (à la vidéo près, mais il y avait des feux d'artifice... ce n'est pas parce que Wagner a théorisé qu'il a inventé quelque chose). 2. L'objet est en rupture avec le traditionnel en vogue : il est hypercourt. Une heure, un acte, emballé, c'est pesé. En plus, ça pourrait être joué sur une scène plus petite et l'orchestre est de chambre. De ce point de vue Perez-Ramirez fait quelque chose de punk : il diminue. Saboye fait ce qu'elle aime faire : elle ambiance. Avec ce point perso très particulier : elle immobilise les présents sur scène pour faire bouger la projection vidéo. On peut faire plein de reproches techniques à cette danse, à cette mise en espace. J'en connais des tas qui disent d'ailleurs qu'il est impossible de confronter l'image vidéo signifiante et la danse. Saboye aborde ça de front pour "stéréo-iser" ces deux images : la 3-D et la 2-D. Et à mon avis, ça marche. Cela donne quelque chose d'assez 35


unique, quelque chose de méditatif, de pas tout à fait européen. Est-on secoué, est-on surpris ? Non, pas vraiment, ce qui laisse dans l'attente les gens qui viennent pour voir quelque chose de "nouveau". Mais certains ne viennent pas pour ça, ils viennent pour se laisser porter. Mais où ? L'opéra, la musique en elle-même est un assemblage de couleurs très fines, de nuances. Le chant est souvent de la parole, on oscille entre les deux. Et on aboutit au grand air final qui est un chef d'œuvre, que pour ma part je mets au même rang que la mort de Didon... Carrément. (note 4) Donc on sait où on va. A la fin, comme dans tout opéra qui se respecte. Et cette fin est bien. Donc c'est réussi. Alors je ferai encore quelques commentaires. Certain(e)s ont trouvé ça bof ! Oui, c'et vrai, il y a des baisses d'intensité. Tout d'abord, il s'agit d'un premier opéra et personne ne juge un créateur d'opéra sur son premier opus ! Alors, là donc, il n'y aucune raison de le faire pour Perez-Ramirez... Je veux dire que le premier de Wagner est inécoutable. Alors... D'autre part, même de bons opéras n'ont pour eux qu'un ou deux morceaux intéressants. Et il y a des actes entiers de chefs d'œuvre qu'on peut jeter avec certitude et tranquillité. Je ne citerai personne, mais bon... Donc chapeau bas à Rimbaud qui augure bien. Ensuite, je livrerai le fond de ma pensée en disant que Donner s'est planté dans les grandes largeurs. L'opéra parle du procès de Rimbaud-Verlaine pour homosexualité, débauche et scandale. Sont convoqués le juge, la femme de Verlaine, Rimbaud, sa maman et Verlaine. Aucun opéra qui fonctionne n'utilise de personnages réels ! On est obligé de caricaturer ou d'inventer des personnages mythes : Don Juan, Othello (pas très amiral dans l'opéra !), Siegfried. On met aussi pas mal de Dieux sur scène, ou de prophètes. Parce qu'il ne s'agit pas d'un médium avec lequel on peut faire de la psychologie : on fait de la caricature, du gros trait!

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Là, Donner fait la démarche inverse. Sauf qu'en opéra, comme en BD, ça ne marche pas ! Ne me demandez pas pourquoi (du moins, à part l'idée que le temps imparti ne colle pas), mais c'est comme ça. (note 5) Résultat : On n'y comprend rien, même quand on connait Rimbaud et sa poésie (peut être superficiellement, je l'admets, mais quand même !) Donc : ben, c'est pas parce que le texte est raté que c'est un mauvais opéra ! Vu que la fin est sublime, c'est un bon opéra. Mais est-ce que l'opéra, c'est bon ? Oui, dans cette mesure là. Et la danse me direz-vous ? Je dirais que vu la qualité de la musique, elle est au service de l'œuvre. De ce fait, on peut imaginer une autre mise en espace, une autre danse. Cela limite la nécessité de l'appréhension pure de cet aspect de l'œuvre. Mais tous les chorégraphes et toutes les danseuses ne peuvent revendiquer la participation à un travail artistique de cette portée et de cette qualité ! Note 1 : "comment définir ça ?" reste un mystère pour moi. C'est de l'ambiance ! Il y a de la technique pour réaliser cette ambiance, mais on n'a pas envie d'en parler. Pour évoquer ça, j'ai envie de parler de peinture naïve plus que de dire autre chose. Note 2 : je mélange allègrement les noms d'opéra et les auteurs, je confonds volontairement les musiciens et les librettistes, c'est pour que les gens qui ne connaissent pas suivent. Ceux qui connaissent n'auront aucun mal à rectifier ou à comprendre. Note 3 : la mode continue. Sasha Waltz dans sa vision de Didon a mis ses très belles danseuses en tee-shirt blanc dans une piscine transparente. Je vous garantis que les spectateurs appréciaient ! Note 4 : pour ceux qui ne connaissent pas, procurez vous un Didon et Enée et écoutez la fin ! Puis achetez en un autre, enregistré à une autre époque. Et réécoutez ! Note 5 : le cinéma est assez proche de l'opéra. Au cinéma aussi, les personnages mythifiés marchent mieux que les vrais-historiques, même 37


si on peut mĂŠlanger les deux. Ainsi, on voit souvent Richard-Coeur de Lion, mais c'est "en passant", face Ă  Robin des Bois ou Balian (oui, je suis fou de Kingdom of heaven !)

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François Rascalou… retrouve ses danseurs dans le labyrinthe des désirs. C'est une pièce "work in progress". Cela s'appelle "au seuil de l'être ". La Tranche 3 sera visible les 7, 8 et 9 juin à 19h00 à la Chapelle.

La Tranche 2 a déjà été donnée à la Chapelle, mais aussi en avantpremière au Studio Glandier, où elle a été préparée. C'est une petite chose que j'ai beaucoup appréciée et je dois dire que je suis assez surpris de voir Rascalou dans cet art là, que je vais tenter de décrire. Le "labyrinthe des désirs" - qui me semble être le titre de la Tranche 2, sous réserves - est une pièce pour six danseurs (3 hommes, 3 femmes) et un violoncelliste qui joue les (des) suites de Bach. (Je ne suis pas sûr qu'elles y soient toutes... peu importe). Ce violoncelliste a une grande importance dans l'affaire, car il impose une ambiance que je qualifierais de "roots" ou de "laidback". Il a en effet un petit coté musicien du sud des Etats-Unis, qui la joue cool en sirotant des bières, avec l'air de dire que la musique est bien moins importante que la bière... mais quand on écoute, on se rend bien compte que ce n'est pas vrai. Ce regard décalé, ces poses terriennes, dans une musique très sophistiquée, donnent un coté sincère à l'affaire qui impose le respect. Les danseurs utilisent cette musique pour se pavaner, se séduire, faire des couples, se détester, bref épuiser les figures de l'amour en couple. Il y a bien sûr une lecture sous-jacente de la musique, à la fois de sa structure (à laquelle répond la structure des enchainements des danseurs) et des ambiances (qui imposent des figures de gestes). Les danseurs passent beaucoup de temps immobiles, à écouter avec respect la musique.

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Ce fait que la musique de Bach soit prise à sa juste valeur est très important dans cette histoire et je dois dire qu'étant fan absolu de Bach (et de ses pièces intéressantes, comme les suites pour instrument seul), je suis souvent agacé par les chorégraphes qui "utilisent" ça. Là il y a utilisation, mais le respect apporté autorise cette "utilisation". On ne se met pas en avant grâce à Bach. On est là, Bach est là, Bach inspire, on respire. (C'est pour ça que je suis surpris par ce coté là de Rascalou... Son coté attachant et habituel, c'est sa mégalomanie, son coté égotiste. Mais ça peut aussi être agaçant... Là, rien de tout cela : un immense respect des autres artistes, musiciens, danseurs. Même si la danse reste fondamentalement du Rascalou : on se pavane.) Donc les danseurs se pavanent, ce qui leur permet de séduire et d'enchainer des duos à leurs solos de séduction. Il y en a quelques uns de très beaux, dont un très bref de Karl Paquemar et un plus long d'une danseuse que je ne connaissais pas et dont je suis désormais fou (Deborah Pairetti). Bref, faut y aller. Ce qui me permet d'ajouter que les compagnies montpelliéraines vont mieux qu'il y a quelque temps. Elles construisent plus et mieux, on sent le retour d'un certain optimisme vis à vis de l'art.

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Note cruelle : Le bémol que je mettrais à cette belle pièce, simple, construite... pas forcément géniale, mais très sincère, comme du JJ Cale, du Patti Smith, un poème de Brautigan (en gros, ce que je vous dis, c'est que c'est de la danse "country"... j'en arrive à dire n'importe quoi, non ?), c'est le sentiment que deux des danseurs de Rascalou-Nam plafonnent. Il s'agit de Marie Leca et Franck Delevallez. Qui ne surprennent plus ! Il y a un coté routine, qui se voit là. Je dis ça parce que je les aime et que je les trouve très bons. Mais on ne les sent plus poussés dans leurs retranchements. Il faut qu'ils aillent se frotter à d'autres chorégraphes, qui les aiment moins et qui ne les laissent pas trop tranquilles. Cela dit, ils assurent leur place. Mais voila, c'est un sentiment. Depuis quelques années, ils dansent avec Théron, François, Young-Ho, Laurence Wagner, Murray. Ils y arrivent très bien. Mais bon... PPS : Le texte en provenance de la compagnie donne certaines précisions : La chorégraphie se construit sous le regard du spectateur.C'est un site d'écriture en temps réel. Un espace dans lequel les interprètes se risquent, entre contraintes : les règles d'un système chorégraphique, libertés : leurs propositions personnelles, et élément nouveau : la présence d'un artiste invité, musicien, acteur, plasticien. Un spectacle sous tension et à fleur de vie, dans l'énergie et l'incertitude de la construction, qui laisse place à des questions. Questions de corps, d'identités, de relations. Chorégraphie de françois RASCALOU en collaboration avec les interprètes. avec : Marie LECA - Mathilde DUCLAUX - Yann CARDIN - Franck DELEVALLEZ - Déborah PAIRETTI - Karl PAQUEMAR Artiste invité de la Tranche 3 : Patrice SOLETTI : guitare électrique Tarifs: 8 - 6 euros.

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Un joli site... que l'on connaissait déjà ... mais qui vient de mettre en ligne des vidéos, de petit format, certes, mais attachantes et qui permettent de passer un petit moment de détente.

Voici la lettre que je viens de recevoir : La compagnie de danse Voignier Bertagnol -Lilith & Co est heureuse de vous annoncer l'arrivée de vidéos sur leur site : http://www.lilithandco.org à venir consulter sans modération. Ce site étant en "flash" il suffit de cliquer ou de double cliquer sur "entrée" puis sur les mots ou icônes... Bon voyage (s) Laurence Bertagnol et Francis Voignier PS : pour ma part, je vous conseille la galerie photo du "Canapé rouge".

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Leonardo Montecchia et sa Compagnie de la Mentira ont montré FRENCH KISS Duo d'hommes étrangers, Création de 2006

Que je suis donc allé voir le premier soir, autrement dit le jeudi. On va tout de suite faire du Ardisson : "faut-y-aller ?" Incontestablement, oui, la pièce doit être vue. Elle est longue mais passe comme un éclair ce qui est très bon signe. En plus, en ce moment, la Chapelle bénéficie de vrais gradins et l'espace scénique est vraiment bien.

Sortons de la rapidité Ardissonesque. La pièce mérite le détour parce qu'elle est ambitieuse et sincère. Elle se frotte à un vrai sujet (l'exil) vécu de l'intérieur par le compositeur-interprète. Elle se donne des moyens en temps (une heure) en lumières, en musique, en scénographie, en qualité de choix de l'autre interprète (Mathias Dou). Il s'agit de la rencontre scénique d'un homme d'argent (...ine) et d'un homme de plastique et d'eau (un français ?). Ils s'interpelleront successivement par leurs postures (debout-allongé), des danses à l'unisson (puis en couple), des remarques orales au micro, des postures (touché, porté, pas touché...). Le travail de lumière est très subtil. Je serai beaucoup plus réservé par le concept lui-même. Il s'agit d'une "histoire". Cette histoire est faiblement psychologique et parle plutôt d'enjeux sociaux et sociétaux (qui est-on une fois à l'étranger ?, qu'est43


ce qu'un étranger ?, qu'est-ce qu'une langue ?, qu'est-ce qu'une culture ?, une civilisation ?, une communication ?, etc...) Vaste problème qu'on peut envisager par la philosophie, le travail sociologique, l'écriture d'une fiction (théâtre, cinéma, livre). Mais peut-on l'aborder vraiment par la danse ou la poésie ?, autrement-dit des médias que l'on pourrait qualifier de non-figuratifs ? Evidemment, on peut objecter que Léonardo utilise des outils au delà de la danse (musique écrite pour la pièce, donc pas pour elle même seule), lumières, costumes, textes, scénographie complexe). Mais ces moyens sont-ils télescopés ou intégrés ? Là, du fait de la complexité du message, ils sont télescopés. (Ce qui du point de vue du spectateur marche, la pièce n'ennuie jamais... mais là n'est pas le propos). Qu'apprend-on vraiment de cette pièce qui - par les langages qu'elle utilise - se veut didactique ? Pas grand chose en fait. Ce que je veux dire, c'est que l'auteur utilise un mélange de théâtre et de danse contemporienne (les gestes sont très codés, on est typiquement dans la danse "à la française", ils ont même un je-ne-sais-quoi de baroqueux, les costumes sont déments, entre ceux de Muriel Piqué et Maya l'abeille, etc.). Alors évidemment, cette utilisation de langages non-applicables au projet donne un effet très particulier, un peu de confusion qui donne du corps (et sans doute explique l'effet de sidération : la pièce passe très vite). Et donc on peut voir la chose comme réussie du point de vue du spectateur qui va chercher cette sidération. Du point de vue du spectateur qui a son intérêt éveillé pour l'étranger (en ces temps de vote d'extrême-droite), il n'y a pas de réponses à ses questions. L'objet est donc étrange. Mais au fond, peut-être n'ai-je rien compris... après tout c'est vrai, ces étrangers, ils ne pensent pas comme nous ! Le texte de la compagnie : Que signifie ETRE ETRANGER? Etre d'ici... Etre d'ailleurs... Etre émigré? Un français étranger en France. 44


Un argentin étranger en Argentine. Etranger à soi-même... Un spectacle qui traite de la différence, dans un contexte politique et social où la notion d'identité, les questions du rejet ou de l'acceptation de l'autre sont au coeur du débat. Chorégraphie : Leonardo Montecchia Interprétation : Mathias Dou & Leonardo Montecchia Création sonore : François Ceccaldi Création lumière : Guillaume Klein Regard extérieur : Thibaut Kaiser

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Rascalou 3 ... le retour de la vengeance ? ... la victoire du fils du Dragon ? ... Non, tout simplement la "tranche 3" du "seuil de l'être".

Au vu de la tranche 2 qui a été commentée ici, on était en désir de la tranche 3. La tranche 2 étant associée à Bach, qu'est-ce que ça allait donner avec de la musique contemporaine ? Qu'est-ce qu'on allait retrouver ? Qu'estce qu'on allait perdre ? Qu'est-ce qui allait apparaitre ? Première conclusion, il s'agit là encore de quelque chose d'agréable à "voir-entendre". Le "seuil de l'être" est donc une vraie réussite. Pourtant, on ne peut pas dire qu'il y ait beaucoup d'idées nouvelles ou de moyens. Dans tous les cas, il y a un musicien frontal sur scène, une musique (le fait que Patrice Soletti improvise n'a aucune importance : dans la tranche 3, c'est du Soletti, comme dans la tranche 2, c'est du Bach !) Les danseurs entrent tranquillement et commencent par se coucher en groupe organisé. Puis, comme dans une lente respiration, ils se meuvent. Le musicien démarre avec ce mouvement... pas dans une synchronisation... plutôt dans une communauté de respiration.

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Il y a 6 danseurs, ce qui autorise pas mal de combinaisons : un, deux, trois, quatre, cinq ou six danseurs. Les gestes sont assez simples, de la position debout (faisant appel à la simple présence, mais aussi à l'attitude) à une danse chaloupée. Dans la tranche 3, on croise des haka, on croise aussi certaines initiatives pas très heureuses, de l'ordre du jeu d'enfants (je joue au cow-boy, etc.) L'investissement des danseurs semble plus fort que dans la tranche 2. Etaient-ce ces soirs-là spécialement ? Ou est-ce dû au fait que la musique est moins, comment dire, forte ? ou importante, que celle de Bach ? Ce qui expliquerait que les danseurs sont moins dominés, ont moins d'investissement à faire pour se placer en confrontation. C'est au fond le seul reproche que j'apporterai à la "tranche 3". Ce qui est très bien dans le "seuil de l'être", c'est le coté "cool" (on a parfois l'impression de voir des danseurs par quarante degrés à l'ombre aux Bahamas). Tout est reposé, investi-mais-détendu. Cela magnifie Bach. Cela ne favorise (ni ne défavorise) pas Soletti. Un quinqua comme moi ne déteste pas cette musique (solo de guitare en atmosphères), mais bon, cela fait trente cinq ans que j'en entends et elle est beaucoup moins "fondamentale" finalement que Bach, Mahler ou le Velvet. Alors, forcément, cela ramène la proposition à des choses déjà vues (du coté des danseurs américains, à certaines périodes). Mais peu importe. On ne va pas voir de l'art parce qu'il est original. On va voir de l'art parce qu'il nous transporte quelque part. Là, cela transporte. Incontestablement.

PS : pour ma part, il me transporte surtout grâce une danseuse (Déborah Pairetti) qui me fait carrément fondre. J'ai mis une galerie d'elle dans "le seuil de l'être 3" à cette adresse : http://jmd.bookfoto.com/?ac=book&id=77248 C'est un des trucs très bien de ce concept-de-pièce. La mise en évidence du soliste, sans qu'il y ait un pathos hiérarchique. PPS : le projet est http://rascalou.wordpress.com/projetschantiers/

décrit

: Commentaire [JMD5]: Rascalou est la première personne que je connais qui a utilisé Wordpress. Réveillé le garçon !

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Pourquoi résister ? Donc : je ne résiste pas à rajouter quelque chose que j’avais pris en note mais jamais mis dans le webzine. A ce moment là de l’année, Jean-Paul Montanari a commencé à faire visiter le chantier des Ursulines.

La photo que j’ai prise alors a un coté impérial qui me plait bien. Mais tout d’abord le plan.

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Quelques semaines auparavant, il y avait eu la sempiternelle conférence de presse du Festival, où Georges Frêche avait acté l’affaire. Même dans un tel moment de réussite, où des années de travail s’accomplissaient officiellement, on voit sur l’image combien l’ennui d’être là était profond. La solitude des dirigeants ?

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Postural de Fabrice Ramalingom Ce texte inaugure une nouvelle façon de fonctionner du webzine (qui est devenu un blog, paraît-il, mais pour moi, ça reste un fanzine sur le web !)

En même temps qu'une interview et des commentaires afférents, je mets en ligne sur une collection photographique du web des images correspondant à ce qui est dit ou ce qui est fait. En l'occurrence, des images de la répétition du 15 juin. "Postural" est une proposition qui met en jeu des danseurs professionnels et des danseurs amateurs. La répétition s'est déroulée au studio de l'Opéra sous les toits. Autrement dit, là où la compagnie Bagouet travaillait. Il y avait dans la salle trois danseurs de la Compagnie : Jean-Pierre Alvarez, Jean Rochereau et Fabrice Ramalingom. Ce qui donnait à la chose quelque chose d'émouvant. Le groupe mélange tous les âges, tous les corps ? Il y a des professionnels et des amateurs. On essaie de trouver un terrain commun. Avec lequel tout le monde peut jouer. C'est un jeu avec des règles. Il y en a un qui est leader, il y en a un qui suit. Etc. Et après il y a plusieurs règles. Par exemple, là c'est un autre jeu qui s'appelle "aligner, s'aligner". Certains sont pas mal âgés ? Il faut s'adapter. C'est soutenu, mais bon... Claudius, un peu plus âgé peut aller tranquillement. Comment ont été choisis les interprètes, il y a eu audition ? Non. Il y a Claudius, qui est un ami à moi. Deux autres que j'ai rencontrés dans un de mes stages. Un que j'ai rencontré sur la pièce de Marc Baylet. Antoine a su par je ne sais qui que je cherchais des gens. Etc. J'avais les 21 hommes prévus. Puis un danseur qui n'a pas pu pour des raisons financières, un autre, je ne l'ai pas gardé, je ne l'ai pas trouvé prêt pour le travail que je veux. Et puis, il y a eu des aléas financiers, un manque de subventions qui a amené un doute. A la reprise, certains amateurs n'avaient plus l'emploi du temps disponible. 50


Ils travaillent tous les jours ? Oui, sauf arrêt le dimanche. Certains vont finir épuisés.

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Jean-Ba Bonillo a dansé "Moi, personnellement, je" à la Chapelle C'était pour une captation vidéo. Il avait passé le mot : il lui fallait plusieurs personnes pour figurer le public. Je suis allé voir et je ne le regrette pas.

"Moi, personnellement, je" est un solo d'environ 20 minutes. Comme son nom le laisse deviner, c'est Jean-Baptiste qui le danse. De ce point de vue, on pourrait penser qu'il s'agit du classique "solo fondateur de la personnalité du chor��graphe" (et par là "solo définitif"). Je pense que c'est un petit plus compliqué que ça. Jean-Baptise y met beaucoup de lui-même, c'est un fait, mais il n'y met pas qu'un aspect purement psychologique ou psychanalytique. Je dirais même que ce n'est pas l'aspect le plus visible du truc. Plusieurs raisons à cela. Tout d'abord, la scène ressemble pas mal à une installation plastique mais ne joue pas sur l'intime. Elle penche vers le spectaculaire. Les spectateurs sont en cercle autour d'un miroir (rectangle !). Jean-Baptiste pénètre le cercle, après une hésitation qui fait penser à un jeu dont j'ai oublié le nom où l'on cache quelque chose, derrière un des participants avant de se mettre à courir. Le quelque chose, c'est une tête, un masque. Autre aspect qui nous éloigne du "solo où l'on dit tout sur soi" : JeanBaptiste se déshabillera en partie, mais cette semi-nudité - qui souvent dans les soli a un petit quelque chose de psy - est ici traitée de manière originale. A vrai dire, le spectateur n'y attache guère d'autre importance qu'un certain effet comique (en deux mots, Jean-Baptiste n'a pas le physique pour jouer contre les All Blacks, cet automne ; en fait il est bien musclé, mais là, il surjoue la crevette). Ce qui est très beau dans ce solo est l'irradiation de la présence (et encore, je m'étais volontairement mis à l'extérieur du cercle). Irradiation 52


qui fascine le spectateur... mais qui ne vire pas au pathos ou au grand guignol. Parce qu'il y a quelques moments qui ramènent soit au comique (léger, comme un souffle) soit à des aspects un peu surréalistes, où une certaine animalité surgit. Le cheminement dramatique utilise à la perfection ces "moments", ces ambiances. La ligne du solo et sa fin en découlent naturellement. Autrement dit, c'est une superbe composition. Bref, c'est vraiment très bien. Pas métaphysique, mais doux, prenant... agréable quoi.

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Preljocaj a ouvert le Festival 07 Montpellier Danse avec un original de Stockhausen, chorégraphié sous le nom d'"Eldorado". La soirée s'est déroulée au Corum qui était plein comme un oeuf.

Avant de démarrer, il faudrait dire que le premier spectacle du Festival 07 était en fait un duo de Christine Jouve, suivi d'une pièce d'Alain Buffard. Mais bon, le faible nombre de spectateurs des deux salles correspondantes, comparé aux milliers de personnes du Corum, permettent de dire que l'inauguration officielle, c'était Preljo. Parenthèse terminée. Trois pièces étaient au programme, qui tournaient autour de l'idée du duo. Première pièce, un duo féminin, deuxième pièce, un duo masculin. Troisième pièce, la création (les deux précédentes étaient dès lors choisies comme entrée en matière), qui était structurée par toute une série de duos. On va commencer par "Eldorado". Karlheinz Stockhausen (son site est www.stockhausen.org) a beaucoup aimé la chorégraphie de Preljo sur la musique "Helikopter". De ce fait, il y a peu, il lui a demandé de chorégraphier la nouvelle pièce "Sonntags-Abshied", qu'il venait de réaliser à partir d'un matériau plus ancien. C'est très chic ! "Karlheinz m'a téléphoné, il voudrait que je fasse la danse de Sonntags-Abshied, alors je ne pourrai pas venir pour le thé". Mais faut-il se moquer ? L'un des plus grands musiciens du siècle 19502050 qui vous dédie une oeuvre, c'est un signe de qualité, c'est comme ça qu'il faut le voir. La pièce qui en découle est pour douze danseurs. Qui sont placés dans un vaisseau spatial, virginal, épuré. Les costumes sont à même la peau, presque plus nue que nue. La structure de base est le duo (au début). Faut-il y voir de nouveaux Adam et Eve colonisant une planète (d'où le nom d'eldorado). Pas forcément, les duos sont homosexes, on peut donc aussi y voir des pionniers. La société se structurera peu à peu, les duosstructure de base devenant des trios et des quatuors.

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La danse est beaucoup plus épurée que d'habitude chez Preljo, il y a moins d'effets gratuits. On est beaucoup plus dans une structuration à la Bach-Cunningham au sens de lignes très simples combinées pour en faire des structures très compliquées. J'ai trouvé que le coté un peu vulgaire des sons de Stockhausen (il a été beaucoup influencé par les kautrockers sous acide, qui d'ailleurs jouaient pour lui), ce coté rock allemand, convenait bien à la charge érotique (un peu vulgaire aussi) de la danse de Prelj. En deux mots, alliance de la musique et de la forme, partition de très haut niveau, c'est pas loin d'être un chef d'oeuvre. Peut être bien la pièce la plus logique, la moins agaçante de Preljo. Mais est-ce un compliment ? On aurait affaire là au chef d'oeuvre chorégraphique de 2007, l'équivalent de Picasso-Stravinsky-Diaghilev au début du 20ème ? C'est dur à croire. Le message, la "vision", ce serait ces hommes et femmes javélisés, cette structure architecturale (au sens danse et scénigraphie) qui nous ramène à la ligne claire du Alix des "légions perdues" ? Sans qu'il y ait de morale, de culpabilité ? Avec ce coté kitch et aguicheurs de danseuses plus belles que belles et d'hommes bodybuildés ? Notez bien qu'on trouve ça aussi dans "Gattaca" ou dans le début de "Starship troopers". Mais justement, les fins de ces films ne sont pas comme le début ! Là, ça finit bien, en fait. On ne saisit donc pas vraiment un message, d'où une impression finale un peu creuse (et des applaudissements corrects, mais sans plus). Bon, alors belle occasion de revenir sur les pièces apéritives. Un très beau duo féminin sur une musique déconstruite (Vivaldi et Roy (des infos : www.electrocd.com/bio.f/roy_st.html), mais qui présente des faiblesses quand il n'y pas de musique. Un assez beau duo masculin, nommé "Centaures" (mais est-ce que la danse est à la hauteur de la beauté des 2 danseurs ?) sur une musique de Ligeti. Là aussi, le message sous-jacent apparaissait bien confus. Certains effets très m'as-tu-vu enlevaient du sérieux au truc (genre le coup de cymbale quand on ferme le poing... bon il n'y avait pas de cimbale, mais c'est pour expliquer). Il y avait quelque chose de très intriguant dans le premier duo tout de même, qui pouvait le rendre passionnant. J'ai toujours l'impression avec Preljocaj d'être dans un "sacre du printemps". Les corps se prêtent à ça, 55


la danse aussi. C'est très codé, écrit, dirigé, mais on se demande toujours si ça ne va pas finir en partouze géante. Un petit coté Madonna : le sexe affleure toujours (Note 2011 : je renvoyais à une image où en fait on ne voit guère qu'un téton, mais où le sexe dégouline... Le problème n'est pas ce qu'on voit mais comment on le montre)... Je qualifie cette ambiance de "chamanique". Je veux dire par là que dans les religions issues de Jésus, on distingue messe blanche et messe noire. On ne mélange pas les genres, même si on peut se pasticher. Dans le chamanique (ou le tribal), la cérémonie religieuse peut finir en bacchanale. Preljo, je le mets là, dans les religions de Dyonisos. Or, ce duo féminin traite de l'Annonciation : l'ange et la vierge. Un thème d'ailleurs, pas si chrétien que ça, c'est là où c'est intéressant. En quoi ce message extra-humain a-t-il un lien quelconque avec le message de l'homme Jésus ? Bref, il y a de l'espace pour une ambigüité de signification et la danse dyonisaque. Deux danseuses sublimes, des téléscopages musicaux bien sentis. Tout est en place. Malheureusement, trop d'effets gratuits sur la fin, on l'a dit. Et merde. De même, les deux centaures, c'était vraiment beau. Mais la musique de Ligeti, c'est bien plus que ça, ce n'est pas allemand contemporain (ce n'est pas vulgaro-crade). Bref... Ceci dit, dans le duo féminin, il y avait des moments magiques où l'on avait l'impression que c'était la danse qui faisant la musique et non pas la danse qui suivait la musique. Moralité : Preljo a mis en place une super compagnie, une logique artistique, les tournées sont (et vont être) des succès planétaires. Mais bon, je ne suis pas totalement convaincu. PS: la plasticienne Nicole Tran Ba Vang ne m'a pas convaincu sur ce coup, mais son site www.tranbavang.com/ mérite le coup d'oeil. PPS: la référence à l'esthétique d'Alix était innocente. Depuis, j'ai trouvé des textes expliquant que Martin était un beau collabo. Bon, on connait aussi le livre d'Assouline sur Hergé. Donc, en fait, j’aurais du m’en douter. PPPS : Espace blanc

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Christine Jouve Objet poétique à défendre : OPAD.

La pièce de Christine et de "Patrickandrédepuis1966" est un magnifique petit objet poétique qui m'a transporté dans un autre monde. L'idée en soi est simple : c'est une partie de ping-pong entre une danseuse et un plasticien-(in-situ-ationiste). Chacun dispose de son corps et d'accessoires et propose un visuel ou un corps à l'autre, le tout autour d'un thème qui est l'histoire récente de la France-Algérie. On y croise donc l'amour, les bombes, les drapeaux, les discours, les hymnes, les vieux tubes. Ce qui est très beau, bien plus que les architectures d'intérieur qu'ils nous proposent, ce sont leur corps, d'une incroyable intensité-présence. C'est très doux et très calme, cela ne fait pas beaucoup réfléchir, on est dans une sensation de faible intensité (c'est la dégustation d'un thé très subtil, pas du tout un alcool fort). Moralité : pas mal de gens se sont ennuyés. C'est pour les enfants et les poètes. Probablement que cela ne se verra plus (je veux dire par là que le spectacle ne tournera pas), cela ne correspond guère à notre époque. Mais qu'est-ce que c'était bien ! PS : l'accouchement de Christine étant prévu pour ces jours là, c'est la danseuse Antonia Pons-Capo qui a joué le rôle. Le mimétisme était parfois saisissant. Mais la personnalité était incroyable aussi. Quelle danseuse ! PPS : Espace blanc

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Christian Rizzo ou "l'annonce du post-buzz". Voila un sous-titre bien intriguant, non ?

En deux mots : Christian Rizzo a été porté aux nues voila trois-quatre ans. C'était carrément génial. C'était le "buzz" ou la "hype". Hypergénial ! Le spectacle précédent a été un peu médiocrement reçu (notamment à Montpellier. Par conséquent, le dimanche 24 juin, certains sièges du Chai du Terral étaient vides pour "B.c, Janvier 1545, Fontainebleau" (il faudra un jour discuter de l'influence réelle du public montpelliérain sur la vie du Festival. Et donc de la saison de danse sur la danse mondiale ! En gros, quand un spectacle déplait, le remplissage au Festival qui suit est difficile - le cas de Robin Orlyn cette année est très révélateur - la direction du Festival en tire les conséquences les années suivantes). Pour moi, le spectacle était vraiment bien : un dispositif noir et blanc, subtilement éclairé (tout est net, y compris les lumières des bougies !), une danseuse d'une grande élégance, avec certains accessoires sadomaso, un maitre de cérémonies avec une tête de lapin, des sculptures dégoulinantes à la Dali-Annette Messager... Une boite blanche avec en avant-scène un espace très sombre et assez grand. La danseuse (éblouissante) prend des poses et se déplace doucement en répétant quelques gestes (avec une précision et une élégance de pilote de Formule 1). Au bout d'un moment, la musique "Schulze-Froese" (cf note1) de Jérôme Nox arrive et montera en intensité tout du long jusqu'à la fin, qui se déroule évidemment dans un espace dépouillé de tout, en soufflant les bougies. Ben tiens ! Le "post-buzz", on le sentait à la sortie : "maniéré", "pfff !", "chiant"... Bref, les qualités des années précédentes, l'arrogance intime du personnage-metteur en scène qu'est Rizzo, traitant les acteurs et les danseurs comme des marionnettes, cette anti-empathie (on appelle ça 58


misogynie ou misanthropie, je crois), d'un coup sont devenus des défauts. Moi j'aime/aimais bien. Malgré les défauts ! Ou peut être bien à cause des défauts. Oui, Rizzo, c'est décadent. Oui, Rizzo, c'est un message profondément anti-humaniste. Notez bien que ce que j'en dis ! Qui puisje ? Mon sentiment, c'est que le temps de Rizzo est passé et qu'il va falloir qu'il change de musique et d'imagerie pour être de nouveau défendu par le milieu et le "buzz". PS : Julie Guibert danseuse du Festival ? Sans doute, même s'il est un peu tôt pour le dire. Alors, disons le autrement : arrrrrggghhhhh ! PPS : Espace blanc ! Note 1 : ma disco personnelle http://www.klausschulze.com/disco/1752ti.htm et http://www.klaus-schulze.com/disco/1781xx.htm et "Phaedra" visible sur http://www.tangerinedreammusic.com/index.php Non mais, quel gout de chiottes que j'ai !

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Alain Buffard 1 ou "le prochain buzz".

Là le titre est assez clair. On va en entendre parler du Buffard ! ([un portrait de lui) Même si je trouve la performance d'acteurs extraordinaire, je ne partagerai pas l'enthousiasme qui va envahir les commentaires sur "(Not) a love song" de Alain Buffard. Il s'agit d'une suite de chansons des années 60-70, réinterprétées par un quatuor de très haut niveau technique (voix et musicalité). Mais bon, il s'agit d'un détournement d'une musique ancienne, par les enfants des gens qui ont fait cette musique. Cela s'est toujours fait (de Wagner à Corneille "Andromaque de l'estaque", Oss 117, Jésus-Brian, etc.), cela a toujours donné des effets comiques irrésistibles, cela s'appelle le "pastiche". Et cela s'est toujours fait oublier très vite. Le problème en plus ici, c'est l'analyse critique en interne, c'est à dire par les auteurs eux-mêmes.Elle me semble manquer. Voir des femmes blanches des pays les plus riches de la planète se moquer de James Brown, cela me rappelle trop les blancs pastichant les nègres chanteurs de blues voila pas loin d'un siècle. Mais bon... Disons qu'il y a un pastiche du bas vers le haut des classes sociales et le pastiche du haut vers le bas des classes sociales. Là on est top-down, c'est clair. Donc super spectacle, mais ne comptez pas sur moi pour le défendre ! PS : Certains effets musicaux sont intéressants, mais il ne faudrait quand même pas les monter en épingle intellectuelle. Ainsi, détecter la musique yiddish dans Lou reed, ce n'est pas si dur (les interprétations de Dylan comme "valses de Vienne" par Comelade sont assez anciennes, et même Uri Caine [son site]url:http://www.uricaine.com/, ce n'est pas si récent). PPS : Espace blanc Il n'y a pas que de la moquerie, certes.

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La valse des fleurs remontée avec les élèves du Conservatoire de Région.

Si la question est "faut-il y aller ?", la réponse est incontestable : oui. Mais on n'y trouvera pas ce qu'on y a trouvé en 1983. Les temps ont changé, le message de cette danse n'est plus du tout un message de liberté sociale. C'est devenu un discours sur la beauté et sur les styles d'art. Ce qui pourrait rendre ennuyeux ("boring") cette fantaisie. Heureusement, l'idée de transporter cette danse dans plusieurs parcs et jardins (dont certains, comme Lavérune sont enchanteurs) renouvelle la pièce. Il n'empêche qu'on passe de l'émotion brute à la réflexion et au patrimoine. Mais comment avoir plusieurs fois 20 ans ? Et comment oublier que la danse contemporaine fait désormais partie de notre culture ? PS : couleurs bonbon et vert gazon PPS : j'ai fait quelques images, qui ne sont pas à la hauteur de la beauté de ce truc, mais bon, pour ceux qui sont loin de Montpellier... Celle-ci me fait pleurer, ce qui est difficile à expliquer, si on n'a pas connu cette période, mais voila, il y a tant de Bagouet dans cette image, où pourtant rien n'est pareil.

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Commentaire [D6]: (Note 2011, je renvoyais à des images qui étaient sur un site qui a disparu. Je les remettrai un jour sur mon Flickr)


Tempo 76 de Mathilde Monnier. Peut être bien son chef d'oeuvre... En tout cas, il y a pas mal d'éléments pour le dire.

Tempo 76 fait partie des pièces "sociales" de Mathilde, dans lesquelles on mettra "les lieux de là" et "déroutes". Elle construit un groupe, elle lui édicte certaines règles et le regarde évoluer. (Si j'étais un peu plus cultivé, je saurais si ça correspond au behaviorisme ou à une autre pensée de la société en tant que structure animale, mais on fait ce qu'on peut...) De ce point de vue, Tempo 76, c'est un groupe auquel on a imposé un uniforme et des gestes à l'unisson. En deux mots, en un seul même, c'est une armée. Cette armée combattra peu, elle sera de ce fait obligée de se construire des relations. Elle va évidemment partir en live et l'isolement s'ensuivra. Il y a plusieurs manières d'aborder cette pièce. L'une d'entre elles, c'est de la comparer à "Eldorado" de Preljocaj. On peut le faire, ce sont 2 créations de 2007 de deux personnes qui vivent à 200 kilomètres l'une de l'autre ! Dans les deux cas, on a un groupe qui envahit un espace vide, comme pour l'explorer. Cet espace a quelque chose de vierge. Les explorateurs sont en uniforme. Ils ont des gestes relatifs les uns aux autres. Simplement, dans Preljo, ils ne construisent pas de société puisqu'il n'y a pas de modification des gestes due à la vie en commun. Dans Monnier, il y a construction d'une société. Et de ce fait, dégradation de la société. Dans un cas, cela finit en eau de boudin. Dans l'autre, cela finit dans l'anarchie. Intriguant, non, cette vision qu'ont nos artistes au sommet de la hiérarchie sociale, dans cette année de Sarko 1 ? L'autre manière, c'est de remarquer les outils artistiques mis en place pour mener le spectateur vers la réflexion, le dépaysement et la beauté. Le rythme, le découpage de l'espace avec beaucoup d'endroits cachés, 62


les effets d'apparition-surprise relancent l'attention. Les changements de costume (et de couleurs) font de même. Elle guide, c'est rien de le dire. La fin, qui utilise des éclairages subtils du sol engazonné est peut être bien une des plus belles fins visibles sur scène, c'en est presque gratuit comme effet, mais qu'est-ce que c'est jouissif. Le contrepoint décalé à la musique de Ligeti est lui aussi remarquable. Rien que ça, ça en ferait une oeuvre correcte dans le style néo-classique ! D'un autre coté, ai-je retrouvé l'impact de la musique de Goebbels dans "les lieux de la" ? Incontestablement, non. Je connaissais Ligeti. Il y a eu choc, mais lié à la technique de l'unisson, ce qui reste quand même un artifice. Donc, dans mon panthéon personnel, j'en reste aux "lieux de là" première version (courte).

PS : Espace vert

PPS : la photo est de Marc Coudrais [(des infos sur lui)]url:http://www.regardsphotographie.com/M%20Coudrais.html

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Robyn Orlin a fait chavirer le public du Corum La pièce était sur le sida. "Il nous faut avaler nos sucettes avec le papier...".

Une tripotée de chanteurs d'Afrique du sud qui font le show autour d'animations potaches, de tableaux vivants, de chansons incroyables d'émotion. Le tout en dansant souvent directement dans la salle du Corum. Il n'en fallait pas plus (parce qu'il y avait une simplicité et une sincérité évidentes) pour que le public chavire. L'ovation fut debout, la première pour cette édition 07. Ce qui me stupéfie toujours autant, c'est le largage des amarres du public montpelliérain. La ville est bourgeoise, c'est clair. Le public du Corum est riche (en moyenne), c'est tout aussi clair. Et pourtant, il reste frais comme un gardon (ou comme un enfant) devant les propositions de la danse. Encore une de ces soirées magiques (et incompréhensibles, forcément) de Montpellier Danse. PS : Fond blanc, projection cinéma PPS : Robyn telle qu'en elle même, sauf que je n'ai trouvé trace du lac des cygnes.

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Ramalingom dans son solo "Comment se ment" Ou : ce garçon n'a pas d'orthographe !

J'ai du mal avec ce spectacle. Eléments d'explication : Un solo introspectif, lié à un évènement de la vie du chorégraphe, est quelque chose de particulier pour le spectateur. Doit-il s’attacher au poids psychologique ? Doit-il le considérer comme toute autre pièce, c’est à dire un divertissement ? Ce qu’il y a de bien avec « Comment se ment », c’est qu’il y a les deux aspects. D’un coté, une image vidéo. De l’autre un danseur qui convoque à la fois son histoire et la virtuosité. Ce qui donne une alternance entre moment signifiants et humour pur. La pièce est structurée en trois parties. Un début, un milieu très érotique et une fin. Le début, introspectif, ne m'a pas convaincu. Mais à un moment, la sauce a pris et la partie érotique était saisissante. La fin en découlait calmement. Le titre n’est donc pas trompeur : il y a ouverture sur une œuvre à venir. La suite dans quelques jours avec « Postural ». [(on en a parlé)]url:http://www.webzinemaker.com/admi/m9/page.php3?num_we b=15440&rubr=4&id=331373 PS: Espace noir et blanc

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Au Studio Glandier, il y a eu des choses intéressantes... et l'ambiance ainsi que l'accueil y étaient vraiment très bien.

Résumons. Pendant une semaine, les après-midis, Théron a concocté un programme qui mélangeait une compagnie d'ici (et même dans son orbite) avec une compagnie "étrangère". Cela permettait d'attirer du public pour la découverte. L'intérêt du truc, c'est qu'on pouvait y aller brièvement (un set) ou plus longuement (un ensemble de sets). Qu'y avons-nous vu ? 1. L'australienne Prue Lang (je crois qu'elle est australienne) qui présentait un "event" de son "Circle project" L'idée de base est un cercle composé d'objets. Il y a en plus une musique. Et Prue demande à deux autres danseurs (danseuses !) de la rejoindre et de construire avec elle un cercle, ou plutôt une dynamique. Ce n'est pas vraiment ma tasse de thé. L'image véhiculée par ces trois femmes est une image de la femme qui ne me convient pas (en fait, j'ai un vrai problème avec ces vêtements) et forcément, cela influe sur ma réceptivité. Par contre, du pur point de vue : "que voit-on ?", il s'agit clairement de danse, avec trois interprètes très différentes et très concentrées sur leur truc, ce qui évidemment génère de la qualité. Il me semble que ce qui serait vraiment intéressant pour le spectateur, ce serait de suivre le "project" sur plusieurs villes pour voir comment ça évolue. Mais est-ce bien réaliste de la part de l'auteur ? Il vaudrait mieux tenter un marathon de "circle project" avec une trentaine d'interprètes. 2. "Kings and Queens" de Michelle Murray. La version du mercredi 27 juin était très dynamique et m'a plus plu que la précédemment vue. Je trouve que Lorenzo et François ont vraiment des gueules d'acteurs de cinéma et que quelque part, Michelle et Maïa devraient s'associer à un(e) cinéaste pour développer ce truc.

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Après "Kings and Queens", il y avait "Boyland", un petit duo de trente minutes (voire moins ?) où Maïa et Diane pastichent les garçons qui se la jouent un peu macho. C'est très drôle et très bien fait, mais cela se limite aux bordures de la danse à proprement parler. Michelle considère que cela peut s'associer à une de ses pièces, comme une performance, ce que l'on conçoit tout à fait. Pour ma part, je ne le mettrais pas à la fin d'un show, pour les spectateurs qui viennent voir de la danse. En début, ou au milieu pour redynamiser une ambiance et la faire partir sur autre chose, ce sera vraiment très bien. 3. "What think Eye" de Antony Rizzi et Rafaele Giovanola. C'est un solo qui parle à la fois de féminité, du monde moderne/occidental (l'ennui !) et du spectaculaire vu par les artistes de scène. Cela mélange des projections vidéos et un solo où la technicité de la danse est utilisée à fond, ce que je veux dire c'est que ça ne pourrait pas être interprété par n'importe qui, il faut une bonne danseuse, ce qui fait que ce n'est pas du théâtre du tout). La vidéo est à la fois intéressante (il y a un très beau diaporama, mais pas forcément adéquat et il y a un ballet chorégraphié excellent), mais le juxtaposition du tout n'est pas forcément des plus heureuses. Il y a des moments où on se sent vraiment porté par la dynamique et des moments où l'on est perdu (mais vraiment perdu-largué, il n'y a pas d'échappatoire autre que la sortie, ce qu'a fait une spectatrice... il faisait très chaud dans le studio, remarquons-le). Je trouve ça au bord du très bien. Il y a une ou deux liaisons qui manquent ou qui sont ratées. Mais c'est à voir. Leur site, c'est : www.cocoondance.de Tant qu'on y est, les autres sites des compagnies : [Cobosmika:]url:http://www.cobosmika.com [Marc Vincent-artefact:]url:http://www.artefactdanse.com [Murray/Brosch:]url:http://www.murraybroschprod.org [Cocoondance:]url:http://www.cocoondance.de [Théron:]url:http://www.didiertheron.com

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La comparaison des sites français avec celui de la compagnie espagnole CobosMika montre que les compagnies d'ici pèchent vraiment par manque de travail (extra studio, I mean !)

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De quoi ça parle ? Alonzo King, Mathilde Monnier et les autres... Le Corum a beaucoup applaudi. C’est la façon la plus simple de résumer la rencontre entre le public de Montpellier et la troupe d’Alonzo King. Ce chorégraphe afro-américain, qui dirige son propre ballet à San Francisco depuis 1982, n’était jamais venu dans nos parages. Ce qui peut être considéré comme une erreur, enfin réparée. King peut être mis dans le style « classique ». Ses danseurs sont formés à la barre et à la pointe et il utilise énormément les mouvements de bras que l’on croise dans les ballets improprement appelés « classiques » et qui sont plutôt romantiques. On voit même des tutus ! Mais Alonzo King n’est pas un chorégraphe qui reproduit. C’est même un des plus originaux qu’on puisse voir avec des danseurs formés de cette façon. Car on trouve énormément d’autres choses dans sa danse ! Tout d’abord une extraordinaire fluidité du mouvement et surtout du mouvement des bras. On a parfois l’impression de se trouver devant des danseurs indiens. Ensuite des mouvements de croupe des filles assez incroyables (même s'ils sont discrets), qui viennent de la danse jazz, sinon de la rue. Enfin des effets scénographiques qui montrent à la fois virtuosité et puissance d’analyse. Par exemple, dans le troisième ballet de la soirée, « Haendel », qui traite à bras le corps le style baroque, les projecteurs de la scène du Corum sont visibles, machinerie évoquant les théâtres européens de l’époque. Et envoyant aussi les subtilités de la danse à la notion d’artifice de scène, les éloignant du bijou de vitrine qu’on était tenté d’y voir. Cet art du contrepoint dans l’analyse, très net dans les lumières, on le retrouve dans le choix des musiques. Faire un ballet classique sur de la « world music », cette musique qui mêle un peu d’influence occidentale à beaucoup de musiques des continents indien-chinois et africain, cela pourrait paraitre osé. Mais on sent, sous-jacent, une pensée où la notion de « classique » est universelle. Alonzo King vit dans un rêve : toutes les cultures de la terre ont a peu près le même idéal artistique, « classique ». C’est cet idéal qu’il s’efforce de mettre sur scène. Est-ce

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surprenant pour un habitant de San Francisco, cette rencontre de l’Europe, de l’Afrique (pas vraiment volontaire) et de la Chine ? Au delà de la danse, qu’il faut louer pour sa précision technique, sa souplesse, sa liberté apparente (qui fait oublier le travail considérable), il faut s’arrêter sur les deux autres pièces présentées, qui sont les clous du répertoire de la compagnie. Dans les deux cas, il s’agit de pièces révélatrices d’une pensée qui devient importante aux Etats-Unis, la pensée de l’évolution vue comme un chemin tracé par Dieu vers quelque chose de forcément bon (puisque c'est Dieu qui le fait). On proposera deux traductions des titres : « En suivant le subtil courant jusqu’à la source » et « La migration hiérarchique des oiseaux et des mammifères ». Dans les deux cas, il s’agit de ballets où la danse s’élève, se tend vers le haut. Le haut étant le futur de l’humanité, on se doute aussi que le bas, c’est la création du monde, l’informel. Un tel déterminisme est à l'opposé de notre pensée "à la française" et de la pensée scientifique moderne. Mais, les artistes américains vivent avec ça, ces ballets en étaient une manifestation. Et là, on se rend compte qu'il y a au moins deux chorégraphes dans cette édition 07 qui tentent de dire quelque chose, en mobilisant leurs énergies artistiques pour le faire de manière cohérente. Le message positif de King, okay, on vient d'en parler. L'autre, c'est Mathilde qui nous envoie du signifiant qui concerne la vie en société. Mais les autres ? Certains tentent bien de dire quelque chose, mais leur technique est en contradiction avec leur, hum, pensée (Preljocaj). D'autres ne disent rien, et leur technique ne fait rien non plus (on ne citera personne... en fait il y a un spectacle où j'avais décidé de ne pas aller,et effectivement, on ne m'en a dit que du mal, à part Jean-Paul... mais allez, soyons sincère, l'art plastique contemporain, je n'y crois pas sur les plateaux de danse). D'autres, enfin sont à la croisée des chemins : ils ne disent pas grand chose, mais leur technique se frotte à ce "pas grand chose" (Jouve, Rizzo, etc.). Dans cette grille de lecture, je préfère les cohérents. De plus, je me demande si l'ampleur du problème posé en philo en général n'est pas en contradiction avec ce qu'est la danse. 70


Autrement dit, je préfère Jouve à Monnier ? Au fond, peut être... Sauf que "les lieux de là", c'était un sujet ambitieux, un projet ambitieux et que cela marchait totalement. Est-ce que ça veut dire qu'il est inutile de bâtir un système d'analyse ? (ou que le mien est totalement naze?). Je ne suis pas loin de le penser (quoi ? que tu es naze?) Note : Si l'on oublie le message, dans « la migration hiérarchique… », on a vu un pas de deux d’une beauté exceptionnelle, qui restera très longtemps dans la mémoire. PS : Fond coloré

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Joao Fiodeiro C'est bien rare que je dise ça, mais à la question "faut y aller ?", la réponse est non !

Le seul truc vraiment bien dans cette pièce intitulée "où va la lumière quand elle s'éteint ?", c'est quand on sort au milieu, saturé. On peut croiser alors (à l'extérieur du studio Bagouet, dans le hall des Ursulines) des intervenants de la chorégraphie, qu'on n'avait pas encore vus. Certains d'entre eux sont indiqués dans la photo ci-dessus. De l'extérieur, ils communiquent avec l'intérieur par l'intermédiaire d'un micro dont on voit le fil au sol. C'est tellement vide que c'est perdre du temps d'expliquer ce qui se passe. Remarquons qu'il se passe quelque chose. Mais c'est totalement rien. Une panne totale d'inspiration, comme il y a des pannes de vent. Là c'était pétole. On fera remarquer que la danse "d'inspiration art plastique" est méchamment en panne d'essence cette année. On m'a dit beaucoup de mal de Gehmacher et de Wampach. (Je n'ai pas pu aller voir Wampach pour une raison de maladie qui m'épuise. Mais l'écho est désastreux... Pour Gemhacher, j'avais senti le coup, va savoir pourquoi !) Cela fait trois pièces très critiquées. Comme le reste notamment le ballet est de bon niveau, on a l'impression que les tendances se renversent. Sauf la tendance financière, évidemment. Ceci dit, cela fait plusieurs années qu'ici, dans ce blog-webzine, il est dit que la danse peut évidemment côtoyer l'art contemporain (elle en fait même partie) au sens "art plastique", mais qu'il ne faut surtout pas qu'elle y cherche une inspiration, une piste de travail, un but en soi. Comme dirait Jacques Fossey : "La science a des carburants exogènes (le profit, l'armée, la société) et des carburants endogènes (l'observation, l'expérience, la théorie, l'imagination). Il faut écouter le dehors, mais la cohérence et le développement viennent du dedans". On peut appliquer cette remarque à la danse et à tout art en général. 72


PS : Espace noir, Sol blanc PPS : où va l'art quand l'artiste est éteint ? PPPS : Le blog "Tadorne" est encore plus méchant que moi sur ce coup.

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Trisha Brown reste au sommet d'où elle nous envoie ses messages d'amour Ou : Ouais, ouais, nous aussi, on t'aime Trisha,... Mais excuse-nous, on a des choses violentes à faire, sans ça on va disparaitre comme nation et c'est pas bien.

L’américaine Trisha Brown participe à cette édition 07 pour une raison officielle. L’édition rendant hommage à Dominique Bagouet, la chorégraphe-amie qui dirigea sa Compagnie (pour le reposer, épuisé qu'il était par son sida) était obligatoirement invitée d’honneur. Si on y réfléchit, elle avait de toute manière sa place. Elle est au sommet de l’art chorégraphique depuis pas loin de 50 ans. Le festival étant la vitrine de cet art, rien de plus normal que de voir régulièrement son travail. Pendant la soirée de samedi, au Corum, elle a montré trois pièces très diverses, représentatives des capacités d’adaptation artistique de sa technique, souvent qualifiée de « danse abstraite ». En simplifiant, on peut dire qu’il s’agit d’une danse qui favorise à la fois l’individu et le contact de groupe. Aucun mouvement n’est interdit. De plus, les mouvements sont souples, on a parfois l’impression qu’il n’y a pas de muscles en action. La seconde pièce « Present Tense « » était la plus « classique » du lot. Devant une énorme calligraphie en couleurs, les mouvements des danseurs déroulent. La qualité, c’est en quelque sorte une musicalité. C’est du Mozart jeune, ça se déroule sans effort. Ce qu’on peut d’ailleurs reprocher, c’est une certaine innocuité, on y reviendra. La première pièce "How long does the subject linger on the edge of the volume... " était passionnante. Les danseurs étaient placés derrière une gigantesque toile transparente qui recueillait des symboles, des figures dansantes, des courbes mathématiques. Les danseurs apparaissaient tout petits par rapport à ces images animées. On avait la sensation de voir les écrits d’un alchimiste traçant des lignes savantes et des petits elfes s’échappant du grimoire. Ce qui était d’autant plus surprenant, qu’il s’agissait d’un art somme toute très technologique. La troisième pièce revenait à la simple réalité des corps, même si le titre semble s’en éloigner : "I love my robots". Deux personnages (des 74


colonnes-batons montées sur roulettes motorisées) participaient à l’aventure, bien ridicules devant la grâce de participants. Après un solo d’une beauté admirable, plusieurs danseurs participaient. Puis la chorégraphe elle-même venait jouer au chat et à la souris avec les mobiles. Il n’a pas d’âge pour jouer. C’était assez admirable d’optimisme, de simplicité. Le principal reproche que l'on pourra faire, c'est le coté "baba" : ça coule... de source... c'est cool. Il faut être pas mal calme et en harmonie avec soi-même pour vraiment se laisser porter par ce flot. On ne peut s’empêcher de remarquer que les deux chorégraphes américains au programme du Festival (Alonzo King et Trisha) ont démontré qu’ils étaient au sommet de la danse mondiale. Que de plus, ils ont délivré un message optimiste, loin de l’impérialisme parano de leur Etat. A l’inverse, les deux français au sommet (Preljocaj et Monnier) ont montré un message assez pessimiste. La « vieille Europe », comme on dit. Il n’empêche que face à l’état du monde, on reste surpris par ce message des américains du nord, finalement très éloigné des réalités. PS : Fond figuré ou nu, plutôt dans les sombres PPS : Costumes à chier, comme d'hab chez Trisha. Elle a un truc, là...

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A Ramalingom ? ou plutôt à "Postural" au Chai du Terral ? La réponse est OUI, absolument.

Il y a une phrase fameuse qui dit : « la tâche du journaliste, c’est de décrire ce qui s’est passé. La tâche du critique, c’est de dévoiler la vérité de l’œuvre d’art ». Face à Postural, de Fabrice Ramalingom, dansé au Chai du Terral, la séparation est facile. Du point de vue du journaliste, Postural, ce n’est pas grand chose. Du point de vue du critique, c’est une des plus belles pièces de danse qu’on ait vu. Depuis longtemps ! Cette contradiction n’est pas simple à expliquer. Fabrice Ramalingom est un des danseurs de la Compagnie Bagouet, troisième période. Il a aussi dansé pour Trisha Brown, pour Hervé Robbe (deux adeptes de la danse stylisée et écrite) mais aussi pour Lachambre (adepte de l’improvisation et de la déconstruction). Depuis 1993, il chorégraphie en commun avec Hélène Cathala dans « la Camionetta ». Depuis le début de cette année, il travaille seul sous le nom de compagnie de « RAMA ». Pour Postural, il a réuni quinze hommes sur scène, ce qui fait beaucoup. Certains sont danseurs (dont un assez âgé, Jean Rochereau, qui a dansé pour Béjart notamment et Bagouet). Il y trois chorégraphes parmi eux, avec ce que ça suggère d’expérience. Il y a trois danseurs de Bagouet, ce n'est pas rien (Ramalingom, Alvarez, Rochereau). Les autres (huit en tout) sont des salariés, d’une toute autre activité. Ce que l’on appelle des « danseurs amateurs ». Postural pourrait être présenté comme un « travail d’atelier ». Quand un professeur réunit des danseurs d’horizons divers, afin de le homogénéiser, il propose des exercices : s’aligner, faire des tas, se séparer en plusieurs duos, marcher en cadence, se regarder fixement, etc. Le mot « travail d’atelier » est assez péjoratif dans le milieu de la danse et surtout de la critique. On a déjà vu ça cent fois, notamment dans les galas d’école de danse.

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Or, le fait est que Postural saisit le spectateur dès la première seconde. Est-ce dû au fait que ça commence (hors scène) par un cri saisissant qui se transforme en mélopée ? Ensuite, quinze corps d’hommes, tous différents, sont là immobiles, chacun dans sa posture, marquée plus ou moins par les années. Face, profil, dos. Celui-ci à des bourrelets, celui-là est noir, tel autre a une scoliose. Oui. Et alors ? D’où vient qu’il y a une tension ? Postural, c’est le miracle de la présence. Ce mot qui veut dire que certains individus fascinent. Revenons à la description. Après les poses, les alignements, les regards, vient le temps des « tableaux ». Les danseurs se disposent pour simuler des peintures et sculptures classiques : Sardanapale, le radeau de la Méduse, etc. Puis se lancent dans des jeux, voire dans des danses. On reconnait le basketteur, le rugbyman mais aussi Nijinsky et on se demande si on n’a pas vu un bout de Bagouet. Et puis, ça devient une chaine humaine, qui petit à petit se disloque pour laisser seul un individu. (Réminiscence d'un message souvent vu sur le sida ?) Et ça s’arrête. Cela a été très applaudi. Il y avait quelque chose, cette chose qui fait l’œuvre d’art, qui est au delà de la technique, qui est du pur domaine de l’émotion. La seule explication est peut être qu’avec ses exercices simples menés avec délicatesse, Fabrice Ramalingom a réussi a mettre en évidence les liens ténus qui font l’humain, ces petites identités communes à tous qui font que nous ne sommes pas tout à fait une espèce animale. Il a mis en évidence ce qui dans la posture pèse son poids d’histoire, de construction de la société, de solidarités. Et que c’est cette empathie que le public a sentie.

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Alain Buffard 2 Le good boy

Le programme de Montpellier-danse dont je disposais n'était pas sur le coup d'une grande clarté. Je pensais aller voir un quatuor et je me suis retrouvé à "good boy", un solo. J'avais déjà plus ou moins vu le dispositif à "Changement de propriétaire" au début du Festival 03. Souvenez-vous : les intermittents en lutte ont fermé le Festival. Cela n'a pas empêché de travailler jusqu'à l'ouverture. Qui justement, devait être une installation avec des tas de chorégraphes interprétant ensemble ce "good boy". Enfin, si ma mémoire est bonne ! Ce solo est quelque chose de très triste. Buffard ([une photo de lui)]url:http://apu.mabul.org/apu-179phya1ys8nkh2u5mfh0njfm.jpg.html apparait nu, sous les lumières blafardes de néons. Il y a un travail au sol très émouvant/éprouvant. Puis le passage avec les talons artificiels qui donnent beaucoup de drame à l'affaire (cf photo de Marc Domage cicontre). On ne peut nier une efficacité autour des notions de maladie, de drame personnel, de tragique. Mais l'ensemble, qui n'a que quelques années m'a paru incroyablement vieux. Autrement dit, cela n'a pas passé le temps. Je ne peux nier qu'il se passe quelque chose avec Buffard, mais sincèrement je ne trouve pas ça si bon que ça. PS : Espace blanc (sol), noir (fond) et blême (l'éclairage) PPS: un des trucs qui me gène le plus dans le style de cette "danse européenne", c'est la dérision qu'ils mettent dans le sens de l'écoute de la musique. On n'a jamais l'impression qu'ils sont passionnés par la musique qui passe, il y a toujours une dérision dans l'air. Je pense à Triozzi et Buffard principalement. Or, la musique, pour d'obscures 78


raisons physiologiques (le rythme) et intellectuelles, c'est quelque chose d'important pour moi. En fait, les "attaques" contre le sens de la musique, sa valeur, m'attaquent comme l'acide attaque le métal. C'est sans doute pourquoi, au fond, je prends ben plus au sérieux les gens comme Preljocaj ou King (dont je n'apprécie pas la démarche esthétique) que ces artistes là. Leur choix éthique me convient plus (+). Non, tout n'est pas dérisoire. Evidemment, ceux qui aiment la musique dérisoire mais puissamment (Hogue, Brown, voire Bagouet), je les prends beaucoup plus au sérieux.

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Au SACD ? La réponse est oui... mais il vaut mieux avoir peu de bouteille.

En ce sens que les prestations sont belles, mais que les chorégraphies sentent un peu le déjà vu, même notre chére Anne Lopez ! Donc, si vous avez vu peu de choses en danse contemporaine, vous allez apprécier, l'effet de surprise étant assez inexistant pour les vieux de la vieille. Tout d'abord, peut être ne savez-vous pas ce qu'est la SACD ? Il s'agit de la société des auteurs compositeurs qui récupère les droits d'auteur prélevé sur les diffusions d'oeuvres. A chaque fois qu'une chorégraphie est donnée (enfin, disons vendue) de l'argent est prélevé et centralisé par la SACD qui le reverse ensuite à l'auteur. Compte tenu de la diffusion des oeuvres de danse, ce sont surtout Preljocaj et Decouflé qui font marcher la machine. Mais tout de même il y a de l'argent en circulation Une partie de cet argent est mutualisé et prélevé par la SACD qui communique et construit des opérations de promotion des auteurs et des interprètes. Une de ces opérations, c'est le "Vif du sujet" visible à Paris, Avignon, Montpellier. Le "vif", c'est la rencontre d'un interprète et d'un chorégraphe finance par la SACD. On regroupe trois pièces dans un programme. Du fait du regroupement, les trois pièces sont d'une durée de 20 minutes. Cette année, comme c'est Daniel Larrieu qui préside la partie danse de la SACD, il a décidé de permettre au chorégraphe de choisir son interprète alors que les années précédentes, on avait l'inverse. Pour résumer, les interprètes sont très bien. Ce qui fait déjà trois bonnes raisons d'aller voir le truc. Anne Lopez continue sa déconstruction, ce qui me laisse rêveur, voire sceptique. En même temps la fin de "Miss Univers" est hyper bien... ce qui justifie peut être le début très "contempo rien". La deuxième pièce : Dobbels se fout du monde dans son choix de musiques, ou alors il est sourd et ne comprend pas l'anglais. C'est à la limite du scandale. Il utilise des chansons pleines de signification pour 80


une danse qui en a aussi, mais surement pas les mêmes. La pièce est sauvée par l'interprète, Carole Fèvre (photo ci-contre), à la souplesse extra-terrestre. Mais pitié, coupez-lui l'électricité ! Dobbels fait tout pour à la fois plomber sa danse et plomber une musique qui ne mérite pas ça (je pense surtout à une chanson de Johnny Cash interprétée entre la mort de sa femme et sa mort à lui, qui n'a rien à faire dans ce contexte et qui mérite bien plus que ça! Enfin, Heddy Maalem, dans un parti-pris de simplicité, met en évidence une belle musique et une belle danseuse, coréenne, nommée Eun Young Lee (itv à suivre). Lui au moins est respectueux du musicien. Le morceau dure 24 minutes, allons-y pour les 24 minutes ! Ce respect des autres créateurs est en lui-même suffisamment beau pour défendre la chorégraphie nommée "Le vrai classique du chat parfait". Remarquable ! Le président de la SACD étant Daniel Larrieu, qui n'est pas né de la dernière pluie, il a fait un ordre d'apparition, qui finalement donne pas mal de cohérence au projet. Mention bien. Note: tous ceux qui ont géré de l'argent savent que ce "ensuite" revêt une certaine importance du point de vue de celui qui centralise. PS : Espace blanc !

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A Pichaud-Legrand ? La réponse est plus que compliquée... En gros : il fallait y aller, mais on ne pouvait pas y aller. Développons.

La critique est difficile parce que la pièce n'est pas simple et que je me demande s'il y a simplement de l'art là-dedans et si ce qui nous plait n'est pas aussi de la nostalgie. En ce sens qu'il s'agit d'une pièce Bagouetiste, peut être la plus Bagouetiste de la quinzaine. Et comme dedans, il y a Catherine Legrand, qui pour ma génération a été l'image vivante de Bagouet, bien plus que Bagouet lui-même, je me demande si c'est intéressant comme oeuvre d'art en tant que tel. Au vu de la critique élogieuse d'Anne Leray dans "l'Hérault du jour", je me dis désormais que oui (elle n'était pas née !). En même temps, ayant revu la pièce, un problème continue à se poser pour moi. D'un certain coté, il s'agit d'une oeuvre d'art très belle, qui évoque certains aspects de Bagouet, certains moments d'Antonioni, bref des belles choses, le tout avec sa dynamique et son espace propre. Pour situer les idées, il faut d'abord parler (voir) de l'espace animé par les éclairages de zéNuno Sampaio Dans cet espace de béton poétisé, il y a un lavabo, quelques sacs, quelques caisses, une vitre. Deux danseurs qui se frôlent et "se dialoguent" sans trop de mots. On a l'impression que chacun est dans le rêve et se remémore des moments où ils se sont vus danser. Il y aura ainsi des bouts de danse : Legrand danse Pichaud ("Faire néant") et Pichaud danse Bagouet transmis par Legrand. Mais l'espace et le temps sont découpés pour - en fait - faire le portrait de Catherine Legrand. Portrait fantasmé, ayant peu de rapport avec la femme (j'imagine) mais beaucoup avec l'artiste qu'elle est. En gros, on pourrait appeler ça "Tentative d'identification de Catherine Legrand" pour se référer à un titre d'Antonioni. Les moyens "techniques" utilisés pour arriver à ça sont classiques (musiques de film, gestion des temps forts et des temps faibles, lecture, attitudes, regards). La qualité n'est pas l'originalité, elle est la finesse et la délicatesse.

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Une fois qu'on a dit ça, on est devant un problème. Comment voir ça dans de bonnes conditions ? A 50 personnes dans l'espace, même sur des chaises historiques (celles de "l'Atelier en pièces" de Monnier) on n'est pas assez bien pour vraiment apprécier (visibilité et confort !) Et puis 50 places (30 correctes, tout au plus). C'est très beau... mais qui le verra ? Je me demande à qui faire le reproche. On est arrivé à un moment où les oeuvres sont magnifiques... mais pour les "donner", il faut se mettre dans les conditions où plus grand monde peut les voir, à moins de réinventer un mode de diffusion des spectacles. Par exemple, les deux mille spectateurs du Corum (le public potentiel, disons), divisés par 30, ça fait combien d'années de représentation ? Je dis ça, mais pourquoi ? En fait, je vis la danse en me disant : il faut que Untel voit ça d'où ce blog). Quand je ne peux pas me le dire, ça m'enlève la réceptivité. On ne se refait pas. Notez bien que c'est débile ! Je ne me suis pas dis ça voila 20 ans pour "En ac et en ille " de Bagouet/Buirge que bien peu ont vu. Parce qu'en fait, à cette époque, il y avait des gens (Montanari et Depuccio) qui étaient en train d'inventer une nouvelle façon de montrer la danse et que pour les spectateurs, ça coulait de source. La beauté de "àtitré, deux sujets à interprétation" est sure, encore faut-il désormais la montrer !

Note : Pendant un certain temps, la Compagnie a réalisé des affiches, qui pour les pauvres comme moi étaient au fond le seul moyen d'avoir "accès" à la vie de la Compagnie (hormis les lectures démonstration et les entrées au spectacle en fraude). Et sur les affiches, souvent il y avait Catherine. D'ailleurs, si quelqu'un a une des affiches de Catherine (avec une mèche) qui ont servi pour un Zénith (un des premiers pour l'époque- du moins je crois me souvenir de ça) je suis prêt à négocier. PS : Espace blanc

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Alain buffard ou les inconsolés 4

Je ne vais pas passer des masses de temps sur Buffard qui décidément ne fait pas partie de mon monde artistique. Il ne s'agit pas d'un dénigrement. Je pense que nous ne percevons pas la musique et le futur de la même façon ; mais alors pas du tout. En un mot : nous ne partageons pas les mêmes valeurs. Alors évidemment, la quête sensible de ce qu'il raconte est vouée pour moi à l'échec. Il faudrait que je change (et je pense que j'ai nettement passé l'âge). De plus, "Les inconsolés", c'est du théâtre. A quoi je sais cela ? J'ai un critère simple, qui montre à quel point je suis naze (dixit un metteur en scène de talent): je m'endors au théâtre. Je peux expliquer cela. Il y a une empathie, c'est à dire une correspondance physique entre ce qui se passe sur scène et le corps du spectateur (que je suis). Cette empathie se manifeste chez moi à la danse par un réveil et au théâtre par un endormissement sauf justement aux spectacles de ce metteur en scène-là, ce qui prouve qu'il ne fait pas du théâtre mais de la danse ou de l'opéra !) N'y voyez pas un jugement de valeur... ni bien sûr un critère scientifique (quoique). C'est comme ça ! Alors, les deux à la fois : "pas danse" et valeurs morales orthogonales, Buffard, ça fait beaucoup pour moi. D'autre part, j'ai entendu parler de virtuosité pour le travail de Buffard sur scène. Là, je suis très sceptique. Lumières, sons, mouais... je vois bien qu'il y a un travail sérieux et serré, mais je crois avoir déjà vu ces choses.

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Le fait qu'il s'adresse - selon moi - à une infime minorité de gens dans la société n'est, par contre, pas un aspect négatif de mon point de vue, au contraire. Simplement, je ne fais pas partie de ceux-là. Je pense que Buffard trouvera de toute manière des tas de gens pour le défendre et le monter au pinacle. Longtemps, sincèrement, fidèlement...??? Là, cela pose le problème des valeurs qu'il défend, qui forcément "parlent" à son public et dont je ne suis pas sûr que le courage d'aller à contre-courant fasse partie (là je médis, mais c'est un art qui me parait vraiment par essence mondain et "à la mode"... et la mode, c'est ce qui se démode. Note : N'allez pas croire qu'il n'y ait pas une logique-sous jacente à mes endormissements. Il y a un mot de Claudel : "La tolérance ? il y a des maisons pour ça !". Ce mot peut servir à résumer ma conception de la scène. "La pensée ? Il y a des médias pour ça." Mais lesquels ? "That is the question". Le théâtre pense être le lieu pour un certain message, l'opéra pour un autre, la danse pense être le lieu pour un troisième discours... Le clivage entre styles et avec le public se fait là-dessus, souvent. Par exemple, les milliers de spectateurs de Béjart, de Preljo, de Béjart, pensent que la danse est le lieu de la beauté harmonique et colorée. Quelques centaines de spectateurs de Hoghe pensent que le plateau est le lieu de la mémoire distordue. Monnier pense que la scène est le lieu de la pensée sociale en démonstration (en ce sens, elle est le Alain Resnais de la danse), etc. En gros, la danse "branchée en ce moment - en Europe" pense que la scène est un lieu pour la pensée. Je ne suis pas totalement en accord avec ça, dans le fond, dans mon corps marqué par les années et par les études, il faut bien le dire. La pensée, c'est dans les livres et dans les équations. Et ce n'est pas fréquent. Pour ma part (et je ne suis pas le plus mal placé dans la société pour ça), je ne connais pas beaucoup de penseurs (dix au maximum). Et quasiment personne dans le grand public ne les connait et très peu les lisent ou les écoutent (on n'y comprend rien, justement). On ne fait que les côtoyer.

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Alors, de temps en temps, bien longtemps après leur mort cérébrale, on lit des digests de leur pensée et on pense qu'on pense. Et on croit qu'on le met sur scène. Dans le même genre d'idées, mais en parlant plus précisément du théâtre : il est par exemple frappant que l'énorme mutation intellectuelle récente de la pensée scientifique qui est passée de l'équation à l'image par le biais des computeurs n'ait pas de conséquences sur l'idée que l'on se fait de la pensée qu'on doit mettre sur scène au théâtre. Je développe : le théâtre avait déjà un wagon de retard au 20ème siècle par rapport à la pensée (mais les guerres européennes ont masqué ce retard - il y avait trop de problèmes pour avoir le temps de s'examiner). Mais au 21ème, comment le théâtre actuel - qui en gros est un mélange de Brecht et du Living Theatre bien éclairé et bien amplifié pourrait-il être pertinent, alors que trois révolutions scientifiques ont eu lieu depuis 1900 : le nucléaire, la numération automatique et l'imagerie, avec à chaque fois un changement complet de langage des scientifiques. Or le théâtre, c'est la langue, non ? Bon, arrêt de la digression délirante. Malgré tout ce que je dis, il y a des artistes-auteurs, Cunningham, Bagouet, Monnier, Warhol, La Camionetta, qui d'un coup montent un spectacle avec un type là je pense à des musiciens, comme Dusapin, mais on peut penser à d'autres, à des graphistes comme Boltanski) ou un air (si je voulais me la jouer, je mettrais une "ritournelle") que bien peu connaissent et qui quelques années plus tard sembleront totalement incontournables (Lou Reed ou Nico, par exemple, pour rester dans le sujet Buffard- Mais justement Nico est morte depuis longtemps, seule, abandonnée - Buffard-Triozzi m'auraient chanté "Femme fatale" en 67 (ou l'équivalent en temps, évidemment... ceci dit, ils ne sont pas si jeunes), là oui, j'aurais été médusé). Dans ces cas-là réussis de "passage" d'art vivant, j'en reste bleu et je garde un amour irrépressible. Mais le reste, mérite-t-il la passion du spectateur ? C'est confus, non ? Oui, je l'admets. Je tente là sans le dire de distinguer le buzz de la haute culture. Je sous-entends donc que Buffard, il y a un buzz en ce moment, mais bon...

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Et j'essaie aussi de dire que l'endroit où ça se passe détermine si ça se passe ou pas. Enoncer de la physique nucléaire sur une scène (cf. Huynh) fait que ce n'est pas de la physique nucléaire, c'est de la scène. De même, danser en apesanteur pour l'armée, c'est du combat, pas de l'art. Etc. PS : Espace noir PPS : Mais bon, il en faut des spectacles comme ça.

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Montpellier danse 07 Un bilan. La couleur ci-contre vous donne une idée... un peu fausse. Je me suis éclaté (malgré de gros soucis physiques) mais l'avenir financier de cet art ne semble pas radieux pour autant.

Mais l'idée est la suivante : dans le Grand Ballet de Genève, il y en a qui jouaient blessés (il me semble) d'une part et puis il y en avait dans les scènes de groupes, qui jouaient "pin-pon-pin-pon". C'est le problème des grandes troupes, "eh oh eh oh, nous partons au boulot". Il n'empêche, malgré ça, on a vu une interprétation de Bagouet, pas forcément top, pas forcément avec des choix indiscutables et ça a fait comme une interprétation de Bach ou Bartok (ou Wagner !) : peu importent les choix, c'est vachement fort ! La danse de Bagouet a renvoyé la plus grande part du festival 07 (et de la plupart des festivals de l'histoire) au rang d'aimable plaisanterie. Pour des raisons humaines et des raisons artistiques ! Cette pièce dure pas mal de temps, mais si vous me demandez de voir une demi-heure de "So schnell" tous les jours de ma vie, ça ne me posera pas plus de problèmes que d'écouter un des derniers quatuors de Beethoven ou un bout de l'Art de la Fugue. Bon, revenons aux basiques du Festival. "La vie continue, tant mieux, tant mieux". C'était le slogan de l'édition 07. Et qu'avons-nous vu ? Un hommage digne et correct (artistiquement parlant) à Dominique Bagouet. Avec des versions correctes, voire plus qu'émouvantes La valse des fleurs). Et des héritiers de Bagouet - qui tous ne l'ont pas connu (je pense à Pichaud [sens de l'éclairage, du respect de l'interprète, de l'architecture, du temps, du rythme]) - qui ont montré en étant au top, la puissance féconde de ce style, classique mais toujours à l'écoute de l'interprète. La danse arty, quoiqu'on en dise, se plante dans les grandes largeurs. A part les critiques qui ont peur du milieu, qui peut encore financer d'une certaine manière son soutien à cette démarche ? note 2)... qui n'a l'air de 88


satisfaire qu'une toute petite fraction des spectateurs, très typée "jeunes étudiants en arts plastiques". Gemhacher, Wampach, Rizzo, Buffard : on a rarement entendu dire autant de mal par le public d'artistes en exercice et les salles n'étaient pas bien remplies. Qui a parlé de Jouve ? Combien d'articles de presse ? Pourtant, c'était bien ! Ce plantus des "plastiques" est d'abord financier. Montanari disait voila 2 ans : "ils veulent danser dans les catacombes, ils vont danser dans les catacombes". Moi, j'ajouterai "si un jour, ils veulent sortir, comment feront-ils ?" Le plantus est médiatique. Plusieurs journalistes défendent contre vents et marées ce style, dont on ne comprend pas ce qu'il a d'intéressant, alors qu'on comprend très bien ce qu'il a de snob (snobisme et intérêt ne sont pas nécessairement contradictoires!). Mais les journaux (et en particulier, ces articles là (sondage personnel - on est dans les "professionnels de la profession")) sont de moins en moins lus, sans que ça semble effrayer les journalistes ! Mais le plantus a surtout un effet artistique. Le public ne suivant pas le arty depuis pas mal de temps, il se détourne désormais des propositions nouvelles en général. Bref, il se ringardise. Montanari a déploré le semi-échec de Galvan, qui parait "révolutionnaire" pour le grand public. Dans une ville comme Montpellier ! Réveillons-nous ! On en est là : le flamenco moderne a du mal à passer. Robyn Orlin n'a pas rempli sa salle, loin de là. Etc. D'ici quelques années, le Festival se réduira pour raisons économiques à Alonzo King et Preljocaj. Et Monnier et Galvan apparaitront comme des avant-gardistes outranciers. Je me relis (nous sommes maintenant en octobre). Je n'ai pas voulu voir la réalité ou quoi ? La phrase doit être au présent : "Et Monnier et Galvan apparaissent comme des avantgardistes outranciers." Déjà ! Le problème est au fond simple. Au début (années 80), la Compagnie Bagouet est allé chercher le public. Ensuite l'équipe du Festival a tenu ce rôle (avec beaucoup d'imagination, de la Paillade aux villages camarguais) et le CCN s'est replié sur la recherche artistique. Depuis la fin des années 90, le Festival n'arrive plus à expliquer l'avant-garde (on 89

Commentaire [JMD7]: Commentaire extrêment prémonitoire !


le comprend), obnubilé de plus, qu'il est par le remplissage du Corum, qui fait tenir l'édifice économique. Et l'avant-garde reste repliée dans ses catacombes (luxueuses, les catacombes). Dans un Astérix, il y a un centurion qui dit "c'est très simple, l'arrière garde devient l'avant garde. Repartez donc à l'arrière et en avant". Le soldat en reste immobile. On n'en est pas loin. Demandez à un quidam où est le Centre chorégraphique ! Et on peut sortir des quidams en allant se frotter aux cadres. Je ne connais plus personne dans les milieux professionnels que je fréquente qui connaisse quoi que ce soit en danse (à part un collègue, nommé Gilles Boetsch, chercheur sur le corps, souvent cité dans le milieu, comme quoi ça tourne en boucle et une autre collègue parisienne, elle, qui a dansé, mais qui n'a plus le temps d'aller au Théâtre de la Ville)note 3). Il faut repartir chercher le peuple. Pour lutter contre le mot de Martin Veyron: ["ce n'est plus le peuple qui gronde, c'est le public qui réagit" ! Un palmarès ? 1 Ramalingom 2 Pichaud 3 Jouve 4 Monnier Putain ! Que des gens d'ici ! Je le crois pas ! Allez ! Rizzo à égalité avec Jouve. D'où Tompkins[(une photo de Mark chassant les pigeons des Ursulines)] passant en 6ème position. Dans les grands moments passagers : un solo de Trisha, un duo de King et les fesses d'une danseuse de Trisha faisant croire qu'elle dansait une danse espagnole. Pour les danseuses, mention spéciale à Catherine Legrand, mais en 1, Julie Guibert chez Rizzo pour son effort culturel réussi à égalité avec Antonia Pons-Capo (chez Jouve) et en 4 la vénus callipyge de Trisha citée ci-dessus. Les danseurs, il y en avait une tripotée de bien chez King, mais la troupe de Ramalingom, c'était incroyable. Les musiques ? Ouille, badaboum... Très peu de créations, très peu enthousiasmantes ou originales. Il y en avait chez Rizzo ou Brown, ça sentait sévèrement le réchauffé. Ne serait-ce pas là que le bât blesse ? Monnier crée mais l'auteur utilisé cette fois-ci, Ligeti, est mort. Reste 90


Stockhausen (chez Preljo), mais il était déjà âgé quand j'étais petit (il me reste même un vynil de lui !) Bon, si maintenant, on tente un essai (ça fait un pléonasme), de classification, qu'avons-nous vu ? Je mettrais de coté les 2 comédies musicales (Buffard et Tompkins). Le public a bien apprécié, mais ça se trouve en concurrence avec un bon concert et ça vaut pas Radiohead. On a vu quelques pièces où il y avait peu de personnes sur scène, une stylisation et une écoute de l'interprète : de la musique de chambre : Pichaud, Jouve, le solo de Ramalingom, Rizzo. Cette musique pouvait s'élever à un grand nombre d'interprètes : Ramalingom/Postural. On a aussi vu beaucoup de "ballet". C'est (on l'a déjà dit, mais il faut aussi regarder les "unes" de Danser, journal désormais du groupe "Téléboborama") le retour du classique : l'interprète est interchangeable au prix d'une normalisation du geste permettant la transcription. Monnier, Preljo, King, Brown (quoiqu'on en dise sur les interprètes, c'est formaté désormais) suivent cette voie, reviennent dans le droit chemin (on est moins inquiet pour Mathilde que pour les autres !) Bagouet-Ballet de Genève, c'était intéressant en ça : la démonstration, finalement, que la plus belle danse est celle qui émerge du choc interprète-créateur. Et que quand elle est vraiment à son maximum, elle peut ensuite être transmise au ballet. L'expérience des "Carnets Bagouet" a été utile et efficace. On a vu que "So schnell" était un chef d'oeuvre du 20ème siècle et qu'il pouvait être interprété sans trop de soucis à un très haut niveau. Concluons ! Reste maintenant à générer un système où les propositions de Jouve ou de Pichaud aient un avenir de transmission. Cela passe par une re-création du public (malgré le poids grandissant de l'esthétique télévisuelle) et une re-création des salles, qui manifestement ne collent plus aux créateurs. (Quand je dis re-création des salles, je pense aussi à une re-création de l'économie). Il y a un calcul effrayant et simple à faire : 19500 places vendues (Note 4). Donc 7 Corum à 2000 places, il reste l'équivalent de 2-3 Corums pour tout le reste : Grammont, Terral, Hangar, Comédie ! Comme Grammont a été pas mal rempli, on peut faire pire : en déduire

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qu'à peu de choses près, personne n'a payé sa place pour le Hangar ou les Beaux-arts ! Bien sûr, si, quelques uns... Raisonnons en spectacles. Mettons qu'à Grammont, en tout, il y ait 3000 personnes payantes : Monnier, 3 soirs et Chopinot, avec Hoghe et Ben Hami, c'est jouable. Je mets l'OpéraComédie avec Grammont, allez bon poids... Il reste 2000-2500 payants pour 44 spectacles : ça fait au mieux 57 personnes payantes par spectacle ! Je mettrai jamais ça dans un journal, ça nous tuerait, mais il faut agir pour repartir à la conquête du public d'art, ça urge !

Note 1: Sa mère est au CA de Montpellier Danse, l'anecdote n'est donc pas tirée par les cheveux. En plus, il me disait ça un soir de danse où il jouait pour sa copine sur scène. Note 2 : I mean : Le ministère s'en fout, le public s'en fout... Restent les CCN et des journaux que plus personne ne lit (en les achetant). Note 3 : Ah si ! Mes amis médecins qui vont au Corum et me demandent comment j'ai trouvé Alonzo King ! Note 4 : 350000 euros de billetterie/18 prix moyen de la place (source Festival)

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Mark Tompkins est vraiment très bien pour un américain ! Au fur et à mesure des jours de Montpellier danse 07, nous nous sommes étonnés de la futilité des américains, qui ne pensent qu'à danser (King, Brown) alors que leur pays met le monde à feu et à sang pour la maitrise du pétrole. Et puis, Mark Tompkins est arrivé. Vous me direz qu'il habite en France, du coté de Vesoul. Mais quand même, il faut oser. Il nous aura tout fait dans "Animal femelle" : Guantanamo, les nouveaux prêcheurs américains, les matchs de catch, le quasi-fascisme du "Patriot Act". Tout est passé à la moulinette dans un show multicolore, où Mark joue le Président, le philosophe, le Monsieur Loyal, le proxénète, le maitre SM, l'arbitre payé acheté.

Cela nous aura fait plaisir d'y reconnaitre Mélanie Cholet, qui a commencé à danser à Montpellier. Les quatre filles étaient très bien, le discours fascisto-allumé de Mark était superbe. On est un peu plus circonspect sur la qualité de son chant, très fluctuante. Mais c'était très bien et bien plus signifiant que Alain Buffard Not a love song) qui n'est pas dans un genre très éloigné, mais ne brasse guère d'idées. PS : Espace multicolore

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Entretien avec JP Jullian et Mitia F. Au sujet de « Promenades »

Ce festival (au sens du Festival de rock, c'est à dire sur 2 jours) s'est tenu non loin de Montarnaud au Mas-Dieu les 10 et 11 juillet (pas de compte-rendu pour l'instant pour cause de problèmes cardiaques). Il s'agit de musique improvisée (d'esprit jazz) et de propositions de danse improvisée. Le tout accompagné de trucs très écrit (Pichaud, Olivia Grandville) mais d'esprit proche de la nature. Les scènes sont en plein air.

Entretien avec les 2 âmes du truc : Mitia Fedotenko (photo ci-contre) et Jean-Pierre Jullian. Comment avez-vous convaincu Olivia Grandville ? JPJ : Par l'intermédiaire des musiciens. Thierry Madiot est un super ami avec qui j'ai joué, j'ai fait mes deux derniers disques avec lui. C'est lui qui nous a signalé qu'il avait un trio avec Li Quan Lin et Olivia. MF: Avec Natacha (la compagne de Mitia, qui danse chez Monnier, NDLR), j'avais dansé "Désert d'amour" sous la direction d'Olivia. Je pense que ça a joué. On s'aime bien. Olivia a déjà participé à un off, ici. C'est dans son état d'esprit… Les autres, on a beaucoup plus l'habitude de les voir ici. MF:Il ne faut pas cacher que les artistes présents dans cette première édition sont des gens en qui on a confiance et qui nous font confiance. Pour démarrer le truc. Pourquoi le mot "Festival", sous entendu "annuel" ? JPJ: En très raccourci : on n'a pas abordé vraiment la chose au début. On a décidé de faire un truc, un évènement. On a démarré sur le château de Montarnaud. C'est beau et Bagouet a vécu là un temps. Mais la propriétaire n'a finalement pas voulu. Avec des bonnes raisons : l'accueil du public, la sécurité, le parking des voitures. On était n peu

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déçus. Et puis j'en parle au caviste de l'esplanade de Montarnaud qui me dit : "j'ai un endroit, viens à 2 heures, je t'emmène". Et le propriétaire du Mas Dieu me dit "OK". Devant cet espace gigantesque, l'image d'un Festival s'est imposé. MF : Il ne nous connaissait même pas ! Il a du se renseigner ensuite par des amis. JPJ : On aurait pu démarrer l'an dernier. On avait le lieu, l'idée, l'énergie. Mais ça a été long à monter au niveau où on le voulait. MF : On a même hésité cette année. On ne déposait pas certaines demandes de subvention à temps, il y avait les élections. Quel est le budget ? En gros 15 000 euros. DRAC, mairie, aide du CCN. Pourquoi l'été? JPJ : C'est dicté par le fait qu'on veut faire des trucs en plein air. On se situe aussi juste dans la fourchette où il n'y a rien, entre guillemets. Entre Montpellier Danse et Radio France. Et on est entre musique et danse, ça tombe bien. On a décidé d'être complémentaire, de ne pas se trouver en même temps que les Festivals. MF: En plus, on est vraiment dans l'idée de rencontre, de convivialité, l'idée de concurrence nous est étrangère. La taille du Festival ? MF: Je n'ai pas envie que ça devienne gros. Deux trois jours, une rencontre pointue. 700 personnes par jour, avec deux temps, les promenades qui démarrent à 5 heures. Certains ne peuvent y être parce qu'ils travaillent. Et puis le deuxième temps de la soirée. JPJ: Mais il y a un aspect pratique. Certains des lieux supportent des jauges de 150 personnes au plus. Et puis c'est dans la nature telle qu'elle est (on a enlevé les chardons et les pierres saillantes, mais pas plus). JPJ: La scène de la nuit peut accueillir 300 personnes, facile. Comment est cette scène ? MF:On a voulu rester au ras du sol. C'est l'esprit, d'intégration au pré et au paysage. C'est le plateau de "frères et soeurs" de Mathilde. Le même rapport entre le public et les artistes. Le coté plat est difficile techniquement, mais on y arrive. On voit l'espace ouvert sur une très longue distance, c'est ça qui est 95


bien. Amplifié ou pas ? JMJ: Pas pendant les promenades, sauf certains petits trucs avec des batteries, (au sens de piles, NDLR) dans quelques cas particuliers. La lumière sera celle du jour. MF: Avoir ce son particulier des instruments en plein air. Il y a des lieux qui réverbèrent. JPJ: Pas tous ! Bon par contre, la nuit, il y aura des éclairages et de la sonorisation.

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La LLoba a séduit le petit village de Fayet le 14 juillet. Fayet, c'est un tout petit village de 120 électeurs, marqué par une exode rurale très récente, situé entre Lodève et Camarès, non loin de Saint Affrique

L'équipe de "Paysages chorégraphiques" avait concocté une résidence de re-création d'une semaine pour la compagnie toulousaine "La Lloba" (son site : www.lalloba.net), animée par Laurence Leyrolles. Pour ceux qui n'auraient pas suivi, "Paysages chorégraphiques" est une programmation de danse dans la zone géographique des deux communautés de communes de Camarès et de Saint Affrique. La programmation s'articule en une période "danse et cinéma" (à Pâques) ; une période "résidence et spectacle de plein air" (en été) et une période "spectacles en salle à Saint Affrique" (en fin d'automne). Vu la ruralité de la zone, la présence de la compagnie sur place en préparation du spectacle et l'interaction avec le public avant et après le spectacle sont des éléments fondamentaux de la programmation. [MEET] est une pièce chorégraphique et plastique pour quatre danseurs : Laurence, Claire Jounin, Yoram Mozenson et Sylvain Riéjou. Elle a été adaptée aux rues et aux places de Fayet. En l'occurence, la déambulation était simple : il s'agissait de passer de la place de l'Eglise à celle de la Mairie, ce qui ne manquait pas de symbolisme pour cette journée de 14 juillet. La danse de Laurence Leyrolles est quelque chose d'assez intriguant pour cette période de début de 21ème siècle. On a envie de se référer à Carolyn Carlson, mais il y a aussi un petit coté "Aquashow", qui a l'air spontané et qui renvoie donc aux envies de Robyn Orlin à être ludique "pour le plaisir" : jouer et faire jouer ses danseurs. Deux références féminines, ce qui peut sembler logique, mais deux références assez datées, ce qui renvoie Laurence au 20ème siècle bien plus qu'au 21ème.

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L'autre aspect intriguant est le pessimisme de la pièce. Cela s'appelle "rencontre" et effectivement, c'est l'histoire de la rencontre de quatre personnes (le tout dans une création de la pièce qui est la rencontre avec un village, mais c'est caché dans la pièce sinon dans le processus). Il y a deux couples et de ce fait deux histoires sexuelles. Mais l'histoire tourne plutôt à l'échec et à l'incommunabilité. Les danseurs se retrouvent à patauger en rond dans une mare sanglante. Ce qui est bien est l'utilisation du plan vertical et du plan horizontal (travail au sol) pour les mêmes chorégraphies, avec des répétitions décalées qui permettent au spectateur de se construire un scénario dans quelque chose qui s'avère tout de même très abstrait. Le mot "rencontre" renvoie de ce fait aux personnages, mais aussi aux styles de danse, aux vétu/déshabillé, au vertical/ horizontal, au mobile/immobile, bref à toute une série de dualité qui gorgent de sens le propos (Carolyn Carlson, on l'a dit, mais aussi Lila Greene ou son pote Mark Tompkins, des américains tout ça !) Le public a vachement apprécié. Il y a eu en permanence 100 personnes autour des danseurs. Bien entendu, certains décrochaient "qu'est-ce que c'est que ces conneries ?!") mais ils étaient remplacés au fur et à mesure des déambulations. Ce qui m'intrigue le plus dans ces petits villages, c'est l'écoute des petits enfants. La pièce dure une heure, ce qui n'est pas rien pour un spectateur en déambulation. Pourtant, les gamins restent en écoute tout le temps. Alors, on peut y voir le fait qu'ils n'ont que rarement l'occasion de voir des spectacles en vrai. Mais il y a sans doute aussi dans la danse contemporaine un médium qui échappe totalement à ce qui se passe en ce moment (écrans, sons, images dénaturées). La chair et le sang de [MEET], c'est quelque chose de naturel, mais désormais de "nouveau" pour les enfants ruraux français du 21èm siècle ! La soirée continuait avec un repas festif et le concert de Eténèsh Wassié (accompagnée par le "tigre des platanes" (www.myspace.com/tigredesplatanes) organisé par « Millau en jazz ». Là aussi, cela a joué à guichets fermés.

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PS : La compagnie La Lloba est actuellement localisée à Toulouse, mais va s'implanter à Rodez. Ce qui est en soi une aventure : première compagnie de danse contemporaine à s'installer en Aveyron. Evidemment, "Paysages chorégraphiques" le savait et n'a pas choisi Laurence Leyrolles cette année sans arrière-pensées. PPS: Sylvain Riéjou devrait danser pour Didier Théron l'an prochain. PPPS : On n'a pas dit en quoi ça rappelait Carolyn Carlson ! Eh bien, il s'agit de la profusion d'accessoires, tous graphiques et bien conçus, on l'admettra, mais qui donnent un petit coté fouillis de sens et de symboles assez singulier dans la période actuelle. PPPPS : La grande force de Laurence est son oeil pour repérer la complémentarité et le talent des danseurs. Son équipe est à la fois de qualité, singulière et homogène. A un point rarement vu à ce niveau. On dirait une pro pleine d'expérience alors qu'il ne s'agit que d'une deuxième chorégraphie ! PPPPPS : Les spectateurs montpelliérains (qui vont souvent à Uzès, alors que c'est plus loin) ne se sont pas déplacés sur Fayet. Le public était composé de locaux et de touristes comme l'an dernier pour Audrey Perin-Vindt. Il semble que la danse montpelliéraine pense fondamentalement que son avenir est dans les choix institutionnels mondains (Montpellier danse, Uzès, Avignon, Paris). Mouais... A Fayet, j'ai au moins rencontré un "institutionnel" héraultais qui m'a demandé comment faire venir "La Lloba" dans sa communauté de communes rurale. De mon point de vue, quand l'argent se fait rare, l'avenir des compagnies est là où l'offre est faible. Nous ne sommes plus dans les années 90... Et le budget 08 de l'état n'est pas encore officiel en ce mois de juillet, mais on le connait ! Il y a même des mauvaises langues qui disent qu'en nommant la ministre actuelle, Sarko a - de fait - supprimé le ministère de la culture.

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Eun Young Lee dansait à Montpellier Danse 07 pour Heddy Maalem, dans le cadre du SACD.

Cela devient une habitude dans ce blog, l'interview de la danseuse coréenne ou du danseur coréen de passage. (cf. ça et ça et ça ) Mais, voila, c'est un fait, je suis très sensible à ces corps qui dansent d'une manière très spécifique, ni chinoise, ni européenne. L'interview de Eun Young a beaucoup ressemblé techniquement aux interviews de Young Ho Nam que j'ai pu faire. En ce sens que Eun Young fait des périodes très longues ; il faut l'interrompre brutalement pour reprendre le fil. D'autre part, certains mots sont prononcés bizarrement ("corps" est prononcé "coeur", c'est très joli), ce qui amène la compréhension immédiate vers des espaces incongrus et donc influe sur les questions improvisées. J'ai plus corrigé qu'usuellement, vu le contenu de l'interview, plus technique-danse que d'habitude. Avant de passer à l'interview proprement dite, il faut rappeler le principe du SACD. La "société des auteurs" donne de l'argent pour qu'un interprète puisse travailler avec un chorégraphe. Cette année, c'est le chorégraphe qui choisissait. Heddy Maalem avait déjà travaillé avec Eun Young et on ne m'enlèvera pas de l'idée qu'il avait envie de "la foutre à poil", histoire qu'elle aille au delà d'elle-même. En ce sens que les danseuses coréennes sont toujours virtuoses, fines, élégantes, brillantes, mais toujours sur une réserve physique qui s'apparente à la pudeur catholique (religion importante en Corée, ce n'est sans doute pas pour rien). Le résultat était un solo très sympathique, pèchu, vibrant, qu'on a senti simple et sincère. Et au final pudique. On y a retrouvé du butoh, de la danse africaine, ce qui a orienté l'ensemble des questions (posées après la vision du solo - eh oui, on ne se changera pas, le journalisme a beau être passé à la mode des questions AVANT, nous on continue à penser que c'est idiot et on les pose après !)

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Le titre du solo évoque un chat, "Le vrai classique du chat parfait". Mais le chat est maléfique en Corée, non ? Cela vient d'un livre. Et Heddy m'a dit : "chez nous, le chat est un sage". Pour nous le chat est malin, méchant, il s'en va quand il n'est pas content. Mais dans la danse d'Heddy, il n'y a pas de longues réflexions, c'est le corps qui doit bouger organiquement. Il faut prendre du plaisir. Et aussi Heddy pense que c'est le corps qui est l'élément intelligent. Mais j'étais inquiète avec cette idée de livre, parce que je suis coréenne, je n'arrive pas à lire rapidement un bouquin en français. Mais en fait, lui il est arrivé avec la musique et puis il ne parlait pas beaucoup. Il pense que réfléchir trop dans la danse est une connerie qui fait bloquer le corps. L'important c'est le corps qui a vécu quelque chose et qui a compris quelque chose. Bon d'accord. (c'est un élément de raccord pour Eun Young, comme "comment dirais-je?" ou "anyway" - NDR) Moi en tant qu'interprète, je vais vers des chorégraphes et ça m'intéresse beaucoup de comprendre comment ils travaillent. Je suis quelqu'un qui aime avoir beaucoup de choses à faire. Si le chorégraphe ne s'intéresse pas à moi ou ne me dit pas quoi faire, je préfère aller toute seule travailler chez moi. Je ne veux pas quelqu'un qui me parle de méthode, je veux quelqu'un qui me dise des choses claires à faire. Et alors je travaille. C'est une étape de communication très importante. Sans ça, je travaille toute seule, je ne rencontre jamais des chorégraphes (sous entendu, ça n'en vaut pas la peine). Apprendre, comprendre. Mais il faut expliquer. Je ne veux pas être élève, je ne travaille pas comme ça non plus, j'attends une explication d'artiste à artiste. J'ai beaucoup aimé ce travail avec Heddy. Il est très sincère. Cela m'a beaucoup appris, je cherchais quelque chose dans mon travail d'artiste que j'ai trouvé. Et en même temps, il est très humain. Il m'a amenée à chercher des liens entre les mots de départ : le chat sage, le corps, et la musique. J'ai cherché des liens. Du coup, j'ai regardé un peintre, Balthus qu'Heddy aime beaucoup. J'ai vu des figures très enfantins (sic)... et très érotiques en même temps, hein?! Très simples. Il y avait 101


toujours des chats (cf. photo de Martine Franck) et j'ai vu qu'un chat pouvait être très sensuel. C'est cet esprit qui est venu en moi. J'ai été surpris par votre nudité sur scène, je pensais que les coréennes ne se montraient pas nues en public ? C'est vrai que c'est très interdit. Heu non, ce n'est pas interdit, mais ce n'est pas comme ici où l'on voit la nudité très facilement, dans la publicité par exemple. On peut dire aussi qu'on n'est pas assez généreux pour accepter le corps en nu. Et moi, je n'avais jamais fait cette expérience. Heddy est très attaché à voir le corps le plus simple que c'est possible, le plus rien que c'est possible, il n'aime pas voir des costumes. Il m'avait déjà demandé l'année dernière, mais je lui avais dit : "non, non, non, je suis une fille comme ça, pudique, je ne ferai pas ça gratuitement" (là, c'est un problème de français, elle veut dire "sans raison") J'ai vu certains danseurs dans leur travail, mais je me disais : "non, non, c'est pas bien". Là, la préparation était un peu particulière. Je voulais comprendre ce qu'il fallait faire. Il me disait des choses, je proposais des choses. Un jour il m'a dit, ce passage, la première musique, celle qui dure 7 minutes, il n'y avait pas encore l'autre, j'ai continué à improviser. Cela lui faisait une très belle fin. Alors, il m'a dit, "là je voudrais te voir nue". Et il n'y avait pas de raisons là, que je ne le fasse pas, c'était évident que je devais tout essayer à ce moment du processus... (Au fond, sans le montrer trop, elle est inquiète) Mais je pense qu'il l'a mise en valeur cette nudité, ce n'est pas quelque chose de vulgaire ou de provoquant ? C'est logique comme moment. (En fait, vu l'arrangement des lumières, il y a n'y a pas de quoi fouetter un chat, même parfait !) Oui, oui. J'ai cru voir des mouvements des membres proches du butoh, je suis intrigué. Non pas du tout ! En même temps, c'est possible, j'aime bien les choses un peu étranges. Je me suis dit ça à mes débuts, c'est une connerie, je sais : "je ne vais jamais apprendre la danse du butoh." J'ai pu dire ça parce que je ne connais pas la profondeur de cette danse là. En même temps, je me dis que la forme, je m'en fiche... 102


Mais l'esprit... je viens aussi d'un pays oriental, j'ai le mien. Pour les européens, vous voyez ça autrement, moi, ça ne m'attire pas. Je garde mes secrets, je prends ce qui n'est pas en moi et je garde ce que je veux, mais le butoh, ce n'est pas tout à fait moi. Là, dans le solo, c'est simple, c'est une musique, mais je ne voulais pas suivre la danse tout le temps (d'ailleurs, j'ai des capacités physiques qui ne me le permettent pas). Je voulais "aller avec", mais tranquille, comme si c'est moi qui appuie la musique. La danse qui est née est une danse lente, très féminine, une représentation forte. Je voulais aller vers le "contraire" (au sens de notion... je ne suis pas sûr qu'Eun Young connaisse le mot contrepoint ; ce qu'elle dit là m'évoque le contrepoint). Pas forcément belle, chercher les contraires. Les jambes, c'est moi qui l'ai cherché et proposé. Les bras, Heddy m'a demandé de clarifier les mouvements des doigts. Et les cheveux ? C'est moi ! Je danse beaucoup avec les cheveux. Cela fait partie de mon caractère de beaucoup soigner les coupes. Cela donne là un coté sauvage. Incontestablement ! Les vêtements, leur couleur ? C'est Heddy. Il ne dit pas grand chose mais il observe. Dernière question. La comparaison Corée = Méditerranée est-elle justifiée ? La passion ! Je me suis posée des questions sur les différences entre Chine, Corée et Japon. Les Coréens sont très passionnés, très dramatiques, sentimentaux. Nous sommes les italiens de là bas, oui. Il y a eu beaucoup de guerres qui nous ont traversées, il y a eu beaucoup de tristesses et de douleurs, c'est ça qui nous pousse à exprimer les choses de manière passionnée.

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Karina Pantaléo ... une danseuse en mutation, ce qui est plus qu'intéressant.

Avec Karina, ce blog se trouve dans une configuration particulière. Logiquement, pour parler d'une danseuse-chorégraphe, le plus logique, c'est de mener une interview. Exercice qui permet de préciser certains points. Et qui permet surtout au potentiel spectateur de s'exciter intellectuellement à l'avance, ce qui génère l'envie de voir et de se déplacer. Mais voila, la danse de Karina, nous en avons finalement peu vu. Nous avions vu un solo voila un ans qui nous avait laissé sur notre faim. En ce sens, que la danseuse était très belle mais finalement très habillée (et surtout mal habillée !) pour une proposition qui penchait franchement vers le sensuel. Et que la danse n'était pas du tout en accord avec le propos (faute de chorégraphe, mais on ne peut pas nécessairement réussir d'entrée - à ce sujet, je me renvoie toujours aux premiers Blueberry, qui sont des trucs horriblement mal dessinés mais qui sont nécessaires pour arriver aux supers planches de "Ballade pour un cercueil" puis à l'Incal! - Bref : "ne te moque jamais d'un veau, ce sera peut être un grand taureau") Karina a toujours un sourire sympathique aux lèvres, cela donne envie de persévérer. Là, dans la conjonction qu'elle a opérée avec Yann Lheureux, visible en juillet à l'Atelier (Yann est chorégraphe, mais elle n'est pas qu'interprète), il y a eu conservation de la volonté de Karina de parler en dansant. Et ça, c'est vraiment bien, cela lui va bien, c'est un truc où il faut qu'elle aille. A tel point que les choses qu'elle disait, on se demandait s'il ne s'agissait pas vraiment d'une vraie histoire d'amour (en fait, il semblerait que non). Alors OK les gars ! Cela demande peut être à être éclairé (je n'en suis pas sûr), cela demande surement à être travaillé (la voix au début n'est pas bonne), mais cela vibre de quelque chose. Il y a une voie, c'est ça qu'on veut dire.

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Et, dans cette voie, vas-y Karina, pare que peut être que c'est pas encore top, mais c'est plus intéressant que bien des trucs totalement achevés et totalement sans vibration. Bref, c'est l'arbuste de l'été, qui mérite qu'on lui coupe les parasites et les vilaines herbes pas belles pour que ça pousse mieux. Dont acte.

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Mandoline arrive à une certaine maturation (c'est elle qui me l'a dit!) et commence à se penser chorégraphe. Entretien. La rencontre a eu lieu au bar de la Pleine Lune, non loin du lieu d'Horscommerce, 5 rue Reynès, où Mandoline donne des cours de "mouvement authentique". Tu es... ? Mon père est américain, ma mère française, de Nantes, ils vivent aux Etats-Unis. Mon père est du Massachusetts, à l'ouest de Boston, dans les montagnes. Toute la famille vit aux Etats-Unis. Mon père travaillait pour des organisations internationales, on a déménagé partout, en Islande, en France, au Bengla-Desh, au Maroc. J'ai déjà déménagé 14 fois. Et j'ai 27 ans. Je suis depuis 5 ans à Montpellier. Tu as un physique assez particulier, surtout par rapport à une européenne d'aujourd'hui. Tu as des jambes très fines et tu es assez massive du buste et des bras. C'est le mélange génétique? Mon père est bien carré. Mais c'est aussi ... je ne sais pas ce qui vient d'abord... j'aime bien travailler le poids avec les bras, les inversions, tout ça. Il y a un passé sportif dans ta famille ? Peu... aux Etats-Unis, tout le monde fait du sport. Basket, base-ball. Quand j'étais petite, j'ai fait du base-ball, de la natation, de l'équitation, du ski. Ah d'accord, des épaules de nageuse ! A quel âge en as-tu fait ? Vers 9, 10 ans, en équipe. Puis j'ai fait du ski. Pour un spectateur montpelliérain, tu est connue comme interprète pour des choses très "écrites": Léonardo Montecchia(on en a parlé), Hélène Cathala(on en a parlé). Or, tu es prof de contact-impro et de "mouvement authentique" ! Des commentaires ?... Hum, bon. Tu peux nous parler du mouvement authentique ? C'est le nom d'une pratique. Cela a été nommé comme ça (sous-entendu : on ne va pas revenir dessus, NDLR, (des infos en plus)). C'est une pratique. Comme le chi-cong, le yoga ou je ne sais pas quoi. Ce n'est pas un mot parapluie, c'est très précis. J'ai traversé ça aux Etats-Unis pas mal et je le retransmet assez formellement dans un cadre très spécifique ici. Mais comment le spectateur doit-il le comprendre ? Il semble qu'il pourrait y avoir un sens de "naturel", de mouvement "avant l'appréhension de la culture par l'enfant" ? ... C'est une pratique. Une pratique qui n'est pas faite pour être vue de l'extérieur, déjà. Il n'y a aucune notion de spectateur. C'est une relation entre quelqu'un qui est en mouvement et un témoin. Et il y a échange des rôles. C'est le travail d'observation de soi, quand on est en mouvement. On laisse venir un

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mouvement sans le censurer. Les mots ont été choisis : mouvement authentique, mais je conseille aux gens de ne pas s'attacher aux mots. On peut se prendre la tête à se demander ce que cela veut dire. Mais l'idée, c'est de laisser venir des impulsions et l'intelligence dans la mémoire corporelle, sans chercher à construire quelque chose. Cela se pratique dans un lieu clos. Il n'y aucun but spectaculaire. Quand tu dis "clos", c'est forcément une pièce fermée ? Cela peut être dans la nature, mais cela doit rester intime. La relation de couple danseur-témoin est importante, j'imagine ? Oui... Si la pratique est quotidienne, cela peut être une hygiène de vie. Pour moi, cela a eu beaucoup d'influence dans la façon dont je joue sur scène, dans la manière dont j'enseigne, le lien que je fais dans la relation entre deux personnes en contact-impro. En même temps, j'ai beaucoup plus d'expérience en contactimpro qu'en mouvement authentique ! On va dire que ma famille, mes maitres sont dans le contact-impro. Oui, d'ailleurs, on t'attendrait plus chez Yann Lheureux qu'en compagnonnage chez Hélène Cathala !? C'est une histoire de rencontre et d'affinité personnelle qui a joué, plus que la famille de mouvement... Mais pour revenir à ta question sur ma présence dans des pièces "formelles", j'ai toujours fait de la danse "formelle". J'ai commencé avec la danse classique et le jazz. Puis en parallèle avec l'impro. Mais même quand je faisais beaucoup d'impro, je dansais pour des chorégraphes. L'impro m'a permis de redécouvrir la technique. D'une manière que je pense plus intelligente dans le corps. Je ne suis pas très douée pour reproduire un mouvement. Une chose était frappante dans les pièces de Léonardo, votre capacité générale à faire du théâtre, à parler... Avec en plus de l'improvisation. Tu t'es formée à l'oral ? Non. Il y a différentes choses. Il y a un coté... j'ai toujours aimé faire le clown ! Cela doit venir de là. Et puis le travail d'impro, le travail d'une manière où tu essaies d'être spontanée, d'être juste avec ce que tu proposes, tu peux l'adapter à n'importe quelle forme, avec n'importe quelle pratique, même la voix, c'est banal de le dire... Ce n'est pas si évident... Par exemple, Yann, des danseuses proches de Yann, sont en train de prendre la parole et semblent mette plus de temps à y arriver. En même temps, ils en ont besoin et c'est beau. Mais je chante aussi, c'est peut-être ça. Cela fait quatre ans que je chante dans une chorale de gospel. C'est le coté américain, on parle plus de l'arrière de la gorge, on a accès à des choses que vous n'avez pas, vous français. Revenons au coté clown, tu as des frères et sœurs ? Oui. Tu faisais des spectacles avec eux ?

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Oui, on poussait les meubles dans le salon. Bon, passons à autre chose. Tu viens de monter une association, nommée Minérale. Je fais pas mal de choses différentes et suivant le projet, je devais passer par des personnes, des associations différentes qui m'aidaient. L'idée, c'est de simplifier et de regrouper. Et au niveau de la com', c'est aussi associer ces activités à Mandoline Whittlesey. Le bureau est composé de femmes ?! Oui. C'est quelque chose qui me tient à coeur. Quel est pour toi le sens de "minérale" ? Je crois que d'abord, il y a une notion de temps. Minérale, pour moi cela implique un temps distendu. Je travaille beaucoup avec la lenteur. Et avec la décomposition. Je n'ai pas fait de butoh, mais le butoh me parle. Cette décomposition cellulaire qui amène la lenteur, la présence, l'épaississement de l'espace. Cet espèce d'arrêt dans l'espace-temps. cela a rapport avec la matière. Toutes les matières me parlent énormément, la matière corporelle, la pierre, le végétal. Mais un vrai minéral est défini, a des formes singulières, figées ? Oui... je ne le vois pas figé du tout. La lave est un minéral, c'est vrai !... La roche change... très lentement. Cela me donne de l'espoir. Quelque chosé qui parait plié, ce n'est qu'une question de temps. L'échelle qui te montre quelque chose, il suffit de changer d'échelle et tu n'as pas la même info, donc... Et j'aime la lettre M. (rires) Tu envisages de devenir chorégraphe, à créer y compris pour d'autres danseurs ? Cela s'est fait de manière douce. Différentes choses, y compris dans am vie personnelle ont changé ma vision. En fait, j'ai eu envie de faire un solo, sans but particulier, comme ça pour moi. Et puis j'en ai parlé et j'ai eu des personnes qui mont demandé de le montrer. Au Colombier à Paris, àl a fonderie à Sète. Et puis quand j'ai pris cette décision, flouououou, plein de choses. Yann Lheureux m'a proposé une possibilité pour le "quartiers libres" d'octobre. Je fais un duo. Et puis Marisol Bergman (danseuse chez Léonardo, NDLR) m'a demandé de la mettre en scène. Je laisse venir ça. Mais ça vient d'une nécessité pour moi... On en revient un peu aux femmes, à cette question, une nécessité de prendre la parole. De prendre position dans ce monde de dingues. De ne pas juste me laisser balloter par le cours des choses. Un moment de poser le pied, de prendre position. Donc ? Le dimanche de "Quartiers libres", sur la place du Peyrou. Un duo avec Stéphane Carbone qui est plasticien. C'est un projet autour de la matière plastique et de la récupération. C'est un travail en évolution. Et je suis donc en train de faire les deux solos. Allons-y dans la provocation ? Ce sera de l'impro ? L'impro est une écriture. La division entre impro et danse écrite n'a simplement

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pas de sens. La question "est-ce de l'impro?" ne m'intéresse pas. Mais elle est très très forte en France. Oui, c'est effectivement débile, surtout quand on compare à la musique. Mais il y a quand même cette difficulté à faire fonctionner la danse improvisée par rapport au spectateur, qui n'existe pas en jazz ? Là, on y paye sans savoir ce qu'on va voir et ce n'est pas gênant, alors qu'en danse... Oui, il y a un temps d'éducation du spectateur qui reste à faire. Il s'agit de voir "le travail de untel". Il faut gagner ça. Ceci dit, peut-être qu'il ne faut pas aller dans les théâtres... tout ne peut peut-être pas réussir financièrement. Mais en tout cas, il faut éliminer l'étiquette "improvisation" et revenir à la notion d'auteur. Et pourquoi ne pas faire rencontrer les jams et les spectateurs ? Les jams sont un moment de pratique. L'intention c'est tout. La conscience est énormément modifiée par la présence du spectateur. La jam n'est pas la performance par ça.

PS : la question sous-jacente reste mais ce n'est pas qu'à Mandoline de répondre : Puisqu'on arrive à organiser des jams, pourquoi ne pas passer à Montpellier à une étape où l'on pourrait voir des performances plus régulièrement, pour commencer à former un public plus vaste ? PPS : des images de la dernière jam sous la responsabilité de Mandoline sont visibles

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Communication que certains prononcent "comme une niquation". Texte réécrit.

Photo de Trisha Brown ? Le monde de la blogosphère est décidément bien opaque et il faut farfouiller pour prendre connaissance des blogs qui sont susceptibles de nous intéresser. En l'occurrence, figurez-vous qu'il y avait un blog quasi-quotidien d'une photographe qui "fournissait" presque en direct des photos du Festival 07. Il est visible à :http://photoscene.over-blog.com/ Ceci dit, je me demande dans quelle mesure les photos de ce blog ont été autorisées à la diffusion mondiale par les personnes qui y sont photographiées. Un jour, il faudra parler d'éthique (sans qu'ici je sache grand chose sur cette photographe en particulier ; il s'agit d'une question générale - vous constaterez que j'ajoute de plus en plus souvent des mots qui suggèrent que je ne pense pas à mal dans ce webzine ! Apparemment, quelques personnes pensent le contraire.). Pourquoi ne pas commencer aujourd'hui (à parler d'éthique en matière de photos et de circulation des photos) ? Normalement, chaque image (quelle qu'elle soit, hormis des photos de foule ou de rencontre avec la presse) doit être "potentiellement" accompagnée d'un texte d'autorisation de diffusion par la personne photographiée. En clair : sitôt qu'elle est diffusée, le diffuseur doit avoir le papier d'autorisation correspondant ou pouvoir prouver sa bonne foi de l'autorisation de la personne photographiée. Dans le cas de l'internet, l'autorisation doit obligatoirement comprendre une date de validité, car l'usage futur est difficilement prévisible. La "personne" est nécessairement "l'individu" et les histoires de "compagnie qui fait danser l'individu" ne sont guère valables, parce que rarement validées par une cession de "droits à l'image" entre le danseur et la compagnie.

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Dans le droit "étatsuniens", c'est un peu différent : un contrat de travail quelconque entre le photographe et la personne photographiée (y compris à travers un autre contrat par la compagnie) donne tous les droits (copyright) au donneur de salaire. Mais quand un site émet de France, le droit français s'applique. Dans les faits, dans énormément de cas sur le web, il n'y a pas d'argent en circulation et en situation de litige, il suffit que la personne photographiée écrive au site émetteur pour que la photo soit supprimée (cela ressemble à de la "common decency" et certains appellent cela l'éthique du web). Donc il y a peu de problèmes de sensibilité ou d'affectif trahis. Mais dans les faits envisagés sous l'aspect économique, il est clair que les images internet ne tiennent aucun compte des droits commerciaux et des droits financiers à l'image, des gens photographiés. Je le démontre d'ailleurs par l'exemple en piquant l'image de Trisha ci-dessus ! Un des problèmes est alors de savoir si l'image est conçue dans le cadre d'une diffusion commerciale, autrement dit: est-ce que le photographe gagne de l'argent à un moment donné sur la revente ? Comme il s'agit dans le cas qui nous intéresse à la fois d'un site publicitaire pour le travail du photographe et d'un blog critique, on peut raisonnablement se poser la question. (D'un autre coté, qui peut gagner de l'argent en vendant des photos de danse contemporaine ? Car la question est : à qui ?) Vous aurez pu constater qu'en général les images sur ce blog ici-présent sont (et de plus en plus) des portraits posés ou des saluts à la foule. Dans le cas d'un portrait posé, le juge considère en général que l'autorisation est "évidente", compte tenu de la réputation du photographe, ne laissant pas de doute à la personne photographiée (sous-entendu : elle est adulte). Dans l'autre cas (les saluts), le potentiel journalistique et historique prévaut sur le potentiel artistique et économique. Notez bien que je ne tends pas vers ce type de photos par crainte (je fermerai le site et puis voila). Je parle ici du souci éthique (souci qui reste confus chez moi... disons que ces questions me travaillent). De plus les photos sont dans le webzine sans but commercial de revente. 111


Tout ça est très compliqué,non ? Résumons : le droit à l'image est très compliqué. Si vous achetez une photo, vous devez vous demander si le danseur photographié est au courant. Si le site web a un caractère commercial, on n'est pas loin de ce cas de figure d'achat de la photo. Comme le site web ici présent vit en fait grâce aux pubs qui s'affichent en bas d'écrans sur lesquels je ne suis pas maitre, je suis à la croisée des chemins. Au delà de ça, le truc le plus sûr, c'est que d'ici quelque temps, il n'y aura plus de photographes professionnels en danse. Le nombre d'images de bonne qualité circulant quasi-gratuitement sera suffisant pour éliminer totalement toute opération financière de ça (hormis l'achat d'appareils). La question qui se pose aussi est la suivante : les images circulant quasiment librement, les futurs photographes "amateurs" seront-ils aussi bons que les quelques photographes professionnels disparus ? Ma réponse est "oui, sur une occasion donnée". Par contre, ils ne pourront pas faire le travail suivi et long, qui a permis quelques livres assez bienvenus.([clikez pour voir des images butoh de Guy Delahaye]url:http://japon.canalblog.com/archives/2007/02/10/3964122. html) Une fois encore, la "com" et la technique pure auront triomphé de la sensibilité et donc de l'art.

PS : au fur et mesure que je contrôle l'écriture de cette page sur le site, je vois les pubs en bas de page qui évoluent vers des sujets photos. De ce point de vue commercial, c'est très fort l'internet!

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Info Voila un message à faire passer... même si nous n'avons rien essayé, en termes de catalogue ou de commande. Par l'intermédiaire du réseau de blogs Scènes 2.0, nous avons eu connaissance de la création récente d'un (disons) réseau d'aide à la diffusion. Il est basé à Sète, c'est intéressant. Son site est visible à http://www.vivantmag.fr Après interrogations, nous avons reçu le texte suivant, qui éclaire la démarche. "Pour votre information, Vivantmag existe depuis trois ans dans le Grand Sud Est et a pour objectif de donner de la visibilité aux petites et moyennes compagnies de spectacle vivant, [ ... afin de lutter contre l'esprit de ...] la diffusion en France, trés fortement institutionnalisée, concentrée et trés imprégnée d'un esprit clanique. Je vous invite à consulter les dossiers téléchargeables en ligne sur le site www.vivantmag.fr. Notre démarche, cependant n'est pas liée à une démarche de réseau. Au contraire, elle est largement ouverte vers des structures de diffusion moins labélisées Culture, mais trés ouvertes à la diversité des formes et à la diversité des publics (les communes notamment, qui financent 70 % du Spectacle Vivant)."

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Young-Ho Nam présentait son nouveau projet à la Chapelle ce week-end.

Le pitch : "Matière, Matière" était visible les 28 et 29 à la Chapelle http://www.lachapelle-gely.com/ à 19h. C'est une pièce pour un danseur, une danseuse et deux interprétations successives d'une musique. Le commentaire : Le "truc" de Young Ho, c'est un va et vient incessant entre son passé en Corée (hyper professionnalisme, poésie enfantine, naïveté morale) et son vécu en France (mensonges et corruption morale à tous les étages, raffinement décadent). Cela provoque une œuvre toujours partagée entre de grands moments naïfs de danse simple et de grands moments de sophistication. Le fait que la musique soit toujours présente en direct dans ses pièces, dans quelle de ces deux catégories le ranger ? J'hésite. Bref, malgré la mauvaise réception de "Intra Muros" en France, elle continue, tout simplement parce que les coréens trouvent ça très bien et que si ça ne marche pas en France, elle part - de toute manière - tout de suite après, montrer le travail en Corée. Pour ma part, j'aime bien ses pièces, mais je pense être un juge très partial : je suis très bon public pour les danseurs asiatiques et j'adore les danses traditionnelles de là-bas, alors que je déteste cordialement les danses historiques d'ici.) "Matière, matière" est une pièce qui fait se succéder une danseuse (formation classique et contemporaine - Young Ho) et un danseur (formation traditionnelle - Byung Gyu Choi - il est très beau !). Ils partagent une partie de leurs gestes et occupent chacun leur tour l'espace. La musique est interprétée en direct par Jean François Laporte. La pièce est quelque chose de très tendu du fait de la musique, très prenante. Sa qualité vient du dialogue peu appuyé, mais très subtil entre les deux interprètes. C'est une œuvre très poétique en ce sens que la commenter,

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- même la décrire - est très simple, mais ne sert à rien. Il faut simplement s'en délecter. On peut ajouter que c'est une bonne pièce d'introduction à la danse de Young Ho, où l'on peut comprendre que son projet artistique est plus que simple : réunir musiciens, éclairagiste-scénographe (ici Jean Tartaroli) et danseurs pour sortir en commun un moment de poésie.

PS : Comme vous le savez probablement, le parcours artistique de Young Ho se passe désormais sans François Rascalou. Ils se sont connus chez Jackie Taffanel, se sont mariés, ont fondé une Compagnie (Rascalou-Nam), ont fait quelques pièces, puis se sont séparés en tant que couple. La "Compagnie Rascalou-Nam" n'était dés lors plus que virtuelle, même si plusieurs pièces ont été présentées sous ce nom. J'ai cru comprendre que la nouvelle compagnie de Young Ho s'appelait "Coréegraphie".

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Delay Versus Trio était pour deux soirs à la Chapelle C'était une proposition très intéressante et surprenante.

Le Delay Versus Trio c'est Patricia Kuypers, Franck Beaubois et Lê Quan Ninh Une performance de danse, musique et vidéo qui consiste en la fabrication d’un film dans le temps même de sa projection…L’ensemble se joue avec un retour du temps sur lui-même, synchronisé entre image et son. Des séries de mouvements incongrus, dont les images sont choisies et capturées en temps réel par le musicien et sa percussion, sont reprojetées et donnent à voir autre chose que ce que l’on a vu sous ses yeux. Un jeu avec les catégories de temps et d’espace qui sont modifiées entre l’espace réel et celui de l’écran.

Danse : Patricia Kuypers et Franck Beaubois Musique - dispositif sonore : Lê Quan Ninh Dispositif lumière et vidéo : Franck Beaubois Tarifs : 10 / 12 €

La Chapelle 170, rue joachim du bellay 34070 montpellier Tél. 04 67 42 08 95 [Le site web]url:http://www.lachapelle-gely.com

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Dany-Robert Dufour Un livre qui parle de danse... un peu... mais il faut le lire, vu son importance.

"Le divin marché" : le philosophe qui a écrit de ce livre a pignon sur rue puisqu'il est professeur à Paris-8. Le livre a été monté en épingle récemment par la librairie Sauramps invitant l'auteur (Dany-Robert Dufour) a participer à Montpellier à un débat avec Jean-Claude Michéa, leader de la réflexion anarchiste d'aujourd'hui. Rien d'étonnant à cette confrontation. Dufour cite souvent Michéa ainsi qu'un de ses maitres à penser (à Michéa, je veux dire): Christopher Lasch. Grâce à cette promotion intellectuelle du livre, je l'ai acheté et je dois dire que cela fait longtemps que je n'avais pas reçu un tel coup de fouet. Je n'ai pas la compétence pour gloser et ce webzine ne convient pas à ça. Cependant le livre parle de danse contemporaine, dans les termes les plus durs qui soient. L'évocation qu'on y lit du Concours de Bagnolet n'a pas grand chose à envier à l'apostrophe de Baudrillard : "l'art contemporain est nul" : http://fr.wikipedia.org/wiki/Jean_Baudrillard A la grande différence de Baudrillard, Dufour ne lance pas l'apostrophe au départ, en titre. Il met sa critique à l'intérieur d'un discours extrêmement bien construit et extrêmement brillant, qui doit être étudié, si on ne veut pas passer à coté d'une compréhension de ce qui se passe en ce moment sur la planète (et qui touche l'art). En effet, il semble annoncer un âge de catastrophes, rejoignant pas mal de gens qui pensent que nous entrons dans une nouvelle époque d'obscurantisme, digne des pires moments du moyen-âge. Il y a plusieurs idées très marquantes que je vais essayer de résumer. La première idée, c'est que la religion est un stade intellectuel nécessaire au développement psychique de l'humain. De ce fait, la découverte de la fabrication évidente des Dieux par l'homme, qui entraine "la mort de Dieu" et la fin des religions pour quiconque a fait

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trois poils d'étude, entraine automatiquement un vide, "qui doit être comblé" d'une manière ou d'une autre. Dufour pense que l'économisme (cette croyance dans l'importance sur la vie humaine d'un mécanisme économique "auto-géré" par la "main invisible du marché") est en train de combler le vide. L'économisme (ou "libéralisme") et ses "lois" sociales sont en train de devenir la nouvelle religion de l'Occident. (Cette "découverte" du "libéralisme" comme "religion de substitution" permet aussi d'expliquer certaines oppositions des religions anciennes au libéralisme, oppositions qui sont - sans recherche d'explication - assez troublantes). L'autre idée (qui n'est pas de Dufour) est qu'il y a plusieurs types d'économies (ou de sphères gérées par une économie propre : familiale, affective, politique, etc.) La mise en conséquence de Dufour est d'importance : dans chaque sphère, l'économie politique libérale est en train de prendre la place des politiques économiques habituelles (usuelles, historiques, routinières, etc.). Ceci conduit à modifier nos pensées, nos croyances et nos comportements dans plusieurs sphères (dont l'artistique, nous y voila !) alors que cela parait - à première vue indépendant. Cela dégage plusieurs nouvelles lois qui prennent la place des lois fondamentales construisant la société, genre : "tu ne tueras point", "tu ne commettras point l'inceste", etc. Ces nouvelles lois expliquent les nouveaux comportements (la nouvelle "morale", en quelque sorte) : du sérial-killer à Villepin annonçant qu'il "faut violer la France"... jusque donc aux thèmes traités par les chorégraphes en concours à Bagnolet. Il y a des points très critiquables (la statistique est rarement convoquée et on ne sait trop si Dufour parle de faits ou de rumeurs). Mais le choc est gigantesque et le livre se lit et se relit dans la nuit tellement il est intriguant et perturbant. Dufour se réclame fréquemment de Lacan, mais pour une fois un lacanien est clair et précis. Un des points fondamentaux du livre pour moi est la définition des "lois sociales" du libéralisme, dans chaque sphère (affective, artistique, sociale, etc.)

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On peut en tirer a contrario les lois "anti-libérales". Et effectivement, ça surprend (ça déroute)... et ça explique assez bien pourquoi en s'opposant souvent (en croyant s'opposer), on fait tout de même le lit du libéralisme, qui avance masqué et aidé de l'intérieur de nous-mêmes. J'ai trouvé enfin une boussole, à un moment où ça devenait critique... Je vais essayer dans le futur d'écrire de manière claire les "lois pour être anti-libéral". Souhaitez-moi bon courage ! Bref : à acheter et lire de toute urgence (si vous lisez des livres de philo, évidemment). Note: en fait, dans la période récente, des philosophes qui "comptent", il y en a : Sloterdijk, ce n'est pas rien !

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Y aller n’est plus la question vu qu'elle ferme... la Fonderie

Premier symbole ici du Sarkoland... la direction de la Fonderie vient d'annoncer que le lieu fermait en décembre. Certains d'entre nous le savaient déjà. Simplement, c'est officiel. Dans les phrases qui précèdent, j'ai assimilé ça à l'arrivée de Sarko. C'est à la fois vrai et faux. Dans les situations de régression financière ou mentale, quelles qu'elles soient, ce sont toujours les petits qui payent en premier. La Fonderie était une expérience passionnante, y compris en matière de danse contemporaine. J'avais adressé pas mal de reproches au béton de la scène, mais Anne Lopez, aidée par le Centre chorégraphique de Montpellier avait montré qu'on pouvait à peu de frais rendre cette scène plus qu'acceptable : agréable. Mais bon, un petit lieu, une municipalité qui s'en fout, un DRAC qui s'en fout... Impossible de tenir, évidemment.

Dans le même temps, Béziers ouvre sa nouvelle salle, au nom super intéressant Zinga-Zanga qui va accueillir (sic) :"11 spectacles culturels... De Massilia Sound System, à Juliette Greco; de Marianne Faithfull à Soprano; de Julien Clerc à Arno ou encore de la Belle de Cadix à Carmen, ce sont tous les styles, toutes les ambiances, toutes les configurations de salle qui seront proposés à un très large public." Whaouh ! Même moi qui suit pas mal vieux, je trouve ça vieux ! En plus dans le genre diversité culturelle. Mais qui parle encore sérieusement de ces choses. Et qui parle même simplement d'art ? Condoléances. Note : La Fonderie était une minuscule salle de spectacle à caractère associatif dans la ville de Sète. L'image d'incendie jointe est purement symbolique. 120


PS: Il faudrait peut-être que le monde de la danse se réorganise dans le Languedoc, non ? A force de laisser l'industrie culturelle occuper l'espace (et se faire construire des salles adaptées), à force d'accepter des sous-boulots d'animation culturelle "gratuites", genre "Quartier libres", qu'est-ce qui va rester comme place pour l'art chorégraphique ?

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Dérèglement mécanique dans les slapsticks de Jean-Philippe Derail Il est nécessaire d'en parler et de les vanter. Les "slapsticks", c'est à l'heure actuelle un DVD regroupant 8 petits films vidéos de danse. Cette danse est un peu toujours identique, autrement dit il s'agit de "variations". Ces variations sont menées par 8 interprètes différents (dont JPD, Anne Lopez, son frère, 3 au moins danseurs de Anne, etc.). Il y a quelque chose de mécanique enrayé dans la vidéo : les fréquences de balayage ne sont pas tout à fait adaptées, ce qui conduit à un effet de stroboscope. Le tout est mélangé à plusieurs effets grotesques : apparitions d'animaux, vêtements décalés, paysages (y compris urbains) caricaturaux. Le mot est peut être là lâché : il y a tous les caractères de la caricature ! Qui vient en contrepoint d'une bande-son beaucoup plus classique. Le discours ci-dessus suggère un pur travail comique. C'est un peu vrai, mais en fait le résultat est plus poétique- genre Pierrot Lunaire - que totalement comique. C'est très bien, comme à la fois un divertissement et un regard critique sur la vie. Je verrais bien comme "mentalité" de départ, un mélange de déconstruction de la danse contemporaine (ce qui travaille Monnier, ou Lopez, ou Piqué) et de Keaton-Tati. Bref, c'est très bien, parfois inégal (tous les slapsticks ne se valent pas, notamment au niveau de la qualité artistique du choix des costumes), mais suffisamment bien pour être acheté.

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Marie Choinard Beuh…. !

Quelle misère ! Si c'est ça le top mondial qui tourne avec succès sur toutes les scènes du monde, on est bien bas. Que sauver de la soirée ? Elle se composait d'un "Prélude à l'après-midi d'un Faune" suivi d'un intermède bruitiste (scratché) et d'un "Sacre du Printemps". Autrement dit, le tournant musical du 19ème au 20ème siècle, l'intrusion du tiers-monde dans le classicisme finissant européen. L'équivalent de Picasso dans l'art plastique. Ce choix des musiques n'était pas rien ! Alors peut être que la troupe en fin de tournée mondiale était "au boulot", ce qui tuait le mood... mais on ne m'ôtera pas de l'idée que la chorégraphie est faiblarde, en sérieux manque d'inspiration entre les "grand moments", faisant du "Sacre" un machin haché, plein d'effets mais sans aucune émotion et sans lien interne. Le "prélude" était plus intéressant, une variation très travaillée sur la position de Nijinski (telle qu'elle a été photographiée). Mais bon, c'était savant mais peu jouissif. Et en plus, l'assemblage des deux ne parlait de rien... même pas de sexe ! (ah oui, des enfants ont ri en voyant des sexes en plastique, est-ce important ?) Quand on pense que la Chouinard a été une performeuse qui allait jusqu'à se "prostituer" sur scène, autrement dit se vendait symboliquement au spectateur le plus offrant, on est éberlué par le chemin parcouru. Elle pourrait actuellement être jouée sans trop de drames au milieu de la bourgeoisie triomphante du 19ème siècle. Qu'est-ce qui leur poserait problème ? Les seins nus ? Tu parles. Eventuellement un danseur au physique de rugbyman ? Alors peut être que justement, c'est l'ultime provocation ? On raconte que Walt Disney après un des ses Mickeys ambitieux ayant essuyé un sévère échec financier avait hurlé : "ils veulent de la merde, on va leur 123


en faire ! " et s'était lancé dans "Blanche Neige et les 7 nains" première étape de la conquête des cerveaux par sa société, désormais firme numéro un de la culture américaine (à son corps défendant : il passait d'après certains auteurs ses journées dans les bordels pédophiles de la Havane et de Hollywood, se désintéressant totalement du travail de ses studios). C'est peut être ça. Vous voulez de la merde bien spectaculaire, de la danse d'opéra qui marche, allons-y ! Je suis rêveur devant la situation et devant l'hypothèse tout autant. Note : Ah, le problème des seins nus ! Ce qui me gène, ce n'est pas ce choix de costume : la froideur de l'éclairage des corps allait bien avec la froideur de la danse. Ce qui me gène, c'est que dans les photos autorisées, on ne voit pas de seins nus : pour l'occasion, il y a des teeshirts. Frayeur devant le puritanisme en vogue dans le monde ? Evolution du costume, le spectacle tournant depuis 14 ans ? Mais alors, y a-t-il choix artistique ? Y a-t-il courage sur ces choix ? Est-ce une adaptation commerciale aux différents publics mondiaux ? (on a ainsi 2 éditions de "ELLE" au Canada : une pour les francophones, "correctement" déshabillée et l'autre pour les anglophones, les nudités (des pubs, je veux dire) sont voilées. Cela fait penser aux Papes qui ont fait peindre des tissus devant les nudités des peintres Renaissance dont Michel-Ange - on est très très loin de "Tom of Finland - [bon allez on en met une d'image, parce que comme disait Renoir, le peintre, "tout ça ne vaut pas une bonne paire de fesses !" Il faudrait suivre l'art de Marie Chouinard pendant quelque temps pour comprendre quel est le degré de sincérité. Mais son art à l'heure actuelle ne donne pas envie de passer du temps.

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Jean Philippe Derail rencontré parce qu'il diffuse en ce moment un DVD avec dessus 8 Slapsticks.

Jean-Philippe Derail, tous les amateurs de danse de Montpellier l'ont croisé puisque c'est un boulimique de spectacles. Souvent, aux abords des salles, on le voit discuter avec Sandrine Sauron et Brigitte Négro, ou encore avec Anne Lopez, Fanny Bueb et Gys. (sa bobine en grand, clikez) On avait vu une de ses réalisations, voila quelques années dans la salle des Arceaux (clik)... et on n'avait pas bien compris à l'époque qui faisait quoi ? Entre Matthias Bayler qui programmait, Sandrine Sauron, Brigitte Négro et Jean-Philippe qui dansaient, ou étaient sur scène. Mais bon, c'était une soirée charmante, inspirée, pleine de corps, de cinéma et de pensée maligne sur le cinéma, le champ, le hors-champ. Quelques années plus tard, après quelques visions du danseur chez Mitia ou Anne Lopez, voila qu'arrive par la poste un DVD. Avec dedans 8 petites pièces entre le burlesque muet et la danse contemporaine tendance Lopez-Decouflé (c'est quoi ça ?). La rencontre était nécessaire ! En quelques mots, tu peux nous situer ton parcours ? J’ai suivi plusieurs directions. J’ai fait de la danse contemporaine de 7 ans à 13 ans. Ensuite, j’ai bifurqué vers le théâtre contemporain. Je suis de la région de Roanne et j’ai rencontré le théâtre Kraft. Cela a été une rencontre sublime. (NDLR : c'est tout ce que j'ai pu trouver : GROUPE KRAFT Activité : Travail de recherche autour des différentes formes de spectacle vivant, création et développement régional Président : M. Jean-Marc BRAT Adresse : 142 rue de Charlieu 42300 Roanne E mail : groupekraft@wanadoo.fr Contact : Mme Mic MARET tél: 04 77 67 25 92) J’ai mis de coté la danse, même si je me retrouvais entièrement parce

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que c’est un théâtre très physique où c’est le corps qui s’engage pour raconter. Avant la parole… Il y a 6 ans, j’ai décidé d’arrêter le travail avec eux pour venir à Montpellier et me consacrer à la danse contemporaine. La trentaine arrivait... si tu veux revenir à la danse, il faut y aller ! Mais tu as aussi fait des études ? Dans le cinéma et la photographie, à Lyon : j’ai une maitrise en photo. C’est encore autre chose. Mais c’est pour ça que je suis là. A Montpellier, je me suis formé au CCN. Tu es de la génération qui courait après la caméra ? Oui, c'était cette année là. Mais je n’ai pas fait EXERCE. Je me suis formé seul avec les cours du CCN. J’ai rencontré Sandrine Sauron, Brigitte Négro. On a fondé Poplité, qui était sur les villes de Montpellier et de Clermont. Et puis après, j’ai dansé pour Mitia Fedotenko et puis Anne Lopez. Avec Mitia ? C’était « Par delà le temps », une pièce qui n’a jamais été jouée. C’est là que j’ai rencontré Fanny Bueb. Ah oui, une pièce que je ne suis jamais arrivé à critiquer, je n'arrivais pas à écrire. Très "russe" pour autant que ça veuille dire quelque chose. Passionnante parce que plusieurs choses coinçaient, l'époque voulait ça. Fanny, on aurait dit un cheval rétif, elle ne voulait pas danser cette danse, ça se voyait. C’est ce qui la constitue. Elle est bourrée de barrières et d’envies, j’adore ça. C’est une sacrée interprète. Anne, c’était "Idiots mais rusés"? L’année d’avant, j'avais montré aux Arceaux une partie de "Trois formes, courtes formes", c'était "Hors cadre" le duo. J’ai envoyé un autre tiers, le solo, à Anne, elle avait mis en place un « groupe de recherches actives ». Elle m'a demandé de venir. On se voyait toutes les semaines, pour faire des performances et se questionner sur nos 126


pratiques d’interprètes. Pendant un an on a travaillé comme ça. Cela a été très riche, ça a débloqué plein de choses, ce qui a donné "Idiots mais rusés". Revenons à Poplité ? La structure a été créée par Sandrine Sauron. Très vite, la rencontre était telle qu’elle nous a proposés de travailler en collectif, même pour la structure. J’ai aidé sur l’administratif. On a fonctionné pendant trois ans comme ça. Et au bout de trois ans, on s’est tous autonomisés. J’ai monté ma structure qui s’appelle POST et Sandrine a gardé Poplité. Et Brigitte ? Elle vient de monter sa structure. Pour nous, le moment où l’on démarre dans une ville ou une région, c’est important de se serrer les coudes. Et puis vient un moment où il faut être autonome. Mais humainement, nous travaillons toujours ensemble. Revenons aux Slapsticks ! J’ai fait déjà beaucoup de photos, pendant un temps et des courtsmétrages... Là, Slapsticks, c’est réunir tout ce qui m’a constitué. C’est que du bonheur. C’est aussi la suite de « Hors cadre », le travail sur le plan fixe. Comment travailler sur l’espace, comment introduire du mouvement dans le plan fixe. Techniquement, il y a un effet de vieux film muet ? Oui, c’est simplement du film accéléré. Ce qui revient à éliminer des images. Techniquement, j’opte pour la simplicité la plus extrême. Parce que la technique ne m’intéresse pas plus que ça. Ce qui m’intéresse, c’est la proposition radicale du plan fixe. Tu ne fais pas du cinéma parce que c’est plus facile, c’est le coeur de la proposition !? Oui, bien sûr, ce n’est pas du tout par dépit. Les projets peuvent être réalisés, toujours. On peut les faire dans la rue ! Slapsticks, c’est déjà une façon de rassembler ce qui m’a constitué. Et puis de travailler le cadre du plateau. Comment occuper l’espace du plateau ? Moi, la vidéo m’amène plus, question espace que le plateau. Comment

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travailler avec le lointain, le très proche, le haut, le bas ? L’idée de sortir du cadre, l’équivalent de la coulisse. Comment procédez-vous ? La conception est la même pour tout le monde. Je rencontre l’interprète, on définit le personnage ensemble. Je travaille sur le « décalage ». Je veux qu’il m’apporte ses désirs. Et je les mélange aux miens. Petit à petit (mais ça se fait très rapidement, en une seule rencontre), on arrive à quelque chose de cohérent-décalé. Ma question, c’est « si une fois dans ta vie tu voulais ressembler à quelqu’un - ou porter des vêtements - ou... voila quelque chose comme ça ... ton huluberlu à toi, c’est quoi ? » (NDLR : Entre nous, cela me rappelle Bagouet dans « Le saut de l’ange », chaque danseur s’interprétait comme le rêve d’enfant de lui-même, enfin je crois). Mais par exemple Fanny, qui sort de « la petite maison dans la prairie », bottes de cow-boy, robe blanche à trous-trous ? Eh bien, on est parti de « je veux porter des talons ! ». On a fait les magasins ensemble. Et on fait le personnage ensemble. Mais cela sous-entend de travailler avec des gens qu’on connaît bien. Et les paysages ? Eh bien, par exemple, Fanny m’a inspiré la campagne. Elle adore passer du temps dans les champs. Et moi je fais beaucoup de repérages, je me balade beaucoup, beaucoup. En plus, plusieurs personnes m’aident à trouver des lieux... ou un berger. Après on déforme tout ça, on ajuste. Cela dit, il y a aussi l’idée du lieu peinard. Ce n’est pas une performance qui est regardée. L’ordre, c’est : on discute ensemble, on définit le personnage et ses vêtements, on trouve le lieu. Et ça reste ensuite le travail dans l’urgence et la spontanéité. C’est à dire ? Juste avant de partir, je leur file une grille de consignes. Ils ont des choix à faire, comme dans la vie, sans avoir besoin de beaucoup les conscientiser. Chaque consigne a deux ou trois réponses de comportement différentes. Qui aboutit chacune à une nouvelle consigne. Ils font leur parcours comme ça. A partir de cette ligne, ils 128


bâtissent leur performance. Je la développe et je garde ce qui m’intéresse. Les premiers ont été tournés en 2-3 jours et les derniers en 2 jours. Cela fait partie du choix artistique. Je réfléchis beaucoup avant, mais une fois qu’on est au tournage, on y va. Tu ne l’as pas proposé à Mathilde Monnier ? (Rires) Je n’oserais jamais ! Tu fais une grosse erreur ! (NDLR : Il devrait aussi le proposer à Fabrice Ramalingom !) Ouh la la, déjà il faudrait qu’elle les voit, peut être. Je suis tout petit... Un des problèmes de ce processus, c’est que plus il y a des Slapsticks, plus les interprètes sont influencés par ce qu’ils voient !? Peut être, je ne sais pas. Je capte très vite l’intégrité de l’interprète. S’il donne ce qu’on a envie de voir, ça ne va pas. J’ai envie d’être surpris, j’ai envie de voir la personne, qui se lâche. C’est pour ça que je travaille avec les gens que je connais (NDLR : là c’est intéressant, on pourrait voir une contradiction. Le Slapstick n’est pas un outil de découverte de l’interprète par JPD. C’est un outil pour JPD lui permettant de montrer l’interprète à l’interprète lui-même, manifestement). Comment envisages-tu la diffusion ? Je pense le diffuser dans les festivals de court-métrage. Et d’art contemporain. La série vient de s’aboutir. Et finalement, elle n’est pas aboutie, parce que j’ai d’autres propositions d'interprètes. Tu envisages un DVD-1 suivi d'un DVD-2, etc. ? Aujourd’hui il y a 8 films, c’est pour ça que tu as reçu les 8. Mais ils sont autonomes, indépendants et complémentaires. C’est aussi à la demande. Je veux dire, si on m’en demande un ou deux, ça marche. Ils sont autonomes. Mais ils sont datés ? Opus 2007, etc. ? Non, c’est 1, 2, 3, 4, 5, etc. ou l’ensemble. Je ne veux pas m’installer dans quelque chose d’uniforme. Il y a plein de possibilités.

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Tu ne penses pas à un bel objet DVD ? Oui, j’aime ça, mais on fait avec les moyens qu’on a. Cela viendra plus tard. La première idée, c’est que je veux que mon travail soit vu. Le film c’est le moyen de passer mon travail, cela me donne une liberté que je n’ai pas en théâtre, ou en rue. J’ai peut-être le projet de monter un label. Justement, Radiohead vient de bouleverser la donne en proposant son dernier disque gratuitement. Qu'en penses-tu ? Moi j’ai besoin de bouffer, je ne suis pas Radiohead. Je trouve la démarche vachement bien, mais voilà… L’équipe n’est pas payée, il n’y a pas de moyens autres que le système D. Avec l’impératif que ça soit vu. D’où le projet de diffuser sur Myspace, Youtube, ça, ça me plait. Si je m’adresse à une structure qui veut mon travail, je lui demanderai de l’argent, il n’y a aucune raison de penser autrement.

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Lila Greene présentait "Rigoles et buées" au studio du CCN, le samedi 27 octobre...

...et on y est allé. Tous ceux qui me connaissent savent que je suis lié d'une grande amitié avec Lila Greene. C'est une personne que j'admire, comme individu et par extension comme chorégraphe. Ce que j'écris sur elle n'a donc rien de détaché. "Rigoles et buées", c'est la pièce 07 de Lila, montée cet été et c'est une danse pour 6 interprètes (Pauline BREGUIBOUL, Laura DEMANGEL, Solange FOLLET, Thomas LAROPPE, Caroline MERCIER, Julien TANNER). Ils sont charmants, à la fois physiquement et dans leur être. Rien d'étonnant à ça, on voit difficilement Lila travailler avec les méchants (déjà qu'il faut vivre avec). Elle les a faits travailler sur les mouvements des insectes, ce qui sert de base à la gestuelle, et permet d'introduire dans la pièce (qui dure une heure) des points chauds successifs. L'autre thème de travail, c'est le passage du concret à l'abstrait, qui se "règle", enfin disons, se traite, par la parole. Le résultat, c'est une pièce un pocco plus agitée que d'habitude chez Lila, mais toujours dans son registre, doux, contemplatif, animal, lent et mesuré. Ce qu'on voyait samedi, c'était l'étape purement dansée de la pièce. Les danseurs étaient en vêtements de travail : pantalons peu formés, teeshirts, pas de maquillage. Les lumières étaient brutes de néon. Il y avait cependant une forte réflexion quant à la place du public. Malgré ce travail de positionnement du public, je me suis rendu compte combien le "décorum" avait de l'importance pour moi, dans les pièces de Lila. Le décorum, c'est chez elle le vêtement, le son, les lumières et souvent les "temps" où l'on regarde la pièce. Tous ces points sont chez elle plus que sophistiqués. Là, les vêtements, les lumières, une partie de 131


la profondeur du son, manquaient à l'appel. On ne jugera pas trop tôt donc, il me manquait une partie de la féérie. Pet-être n'y aura-t-il pas de décorum du tout. Auquel cas, il faudrait que je me le mette en tête et que je me concentre sur la danse.

PS : En fait, maintenant que j'y pense, Lila me fait vraiment penser aux auteurs de "fäerie" : Tolkien, Gaîman... pas pour le coté violent... Pour le coté, "ça ressemble à notre monde... sauf que les odeurs et les couleurs et les sons ne sont pas pareils". Ce qui fait que quand un elfe ou un hobbit se met à chanter, on l'écoute. Les hobbits (Frodon est atypique, les hobbits sont des paysans un peu bas-du front) continuent de boire leur bière, mais mine de rien, ils deviennent attentifs... Bref, ce n'est pas notre monde à nous. PPS : Beaux interprètes !

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Ombre et parenthèses passe dans l'ombre des débuts de spectacle.

Ce titre est quelque peu obscur, non ? Pourtant, il correspond bien à une réalité. "Ombre et parenthèses", c'est le nom de la compagnie de Laurence Saboye. Laurence s'est fait connaitre comme chorégraphe au moment du Festival "spécial montpelliérains" que je situerais vers 1995. A l'époque le Festival avait fait le tour de tous les chorégraphes locaux et les avait mis en situation. Laurence avait montré un travail à Baillargues, très inspiré par Dominique Bagouet et mettant déjà en scène son trio de créateur : Miguel-Antonio Perez-Ramirez à la musique, Christophe Donner aux mots et elle à la danse et à la mise en scène. La Compagnie n'a jamais rencontré un franc succès public, même si elle a ses fans, ce qui a permis à Laurence de danser sur pas mal de scènes. On se souvient ainsi de soirées mémorables à Alès. La Compagnie a été le sujet d'un roman de Christophe Donner (là, c'est intéressant, qui a suscité ce genre de choses, à part elle, ou Mathilde Monnier ?) Laurence est très appréciée par ailleurs comme analyste et théoricienne de la danse. Son discours n'est pas d'une très grande clarté, mais c'est le lot de la plupart des gens qui comprennent vraiment des choses et de ce fait se décalent du discours des autres. Depuis quelque temps, comme dans un enterrement doux, au début des spectacles de Montpellier danse, en ce moment, on voit des jeunes filles en deuil errer parmi le public en lui sussurant des poèmes. La compagnie appelle ça : "action libre" avec un numéro correspondant à chaque initiative. Il semble que la Compagnie a envie qu'on relaie d'une manière ou d'une autre ce projet. C'est fait, j'espère ne pas avoir été maladroit... Donc 2 photos : une informative

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et celle-ci que j'aime beaucoup

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Mitia Fedotenko a dansé une nouvelle version de son "Sol'o" au Chai du Terral.

Mitia, beaucoup le connaissent parce qu'il s'agit de quelqu'un qui ne baisse jamais les bras (ce texte est de ce fait à rapprocher de celui sur "Ombres et parenthèses"). Mitia a grandi en Russie et on dirait qu'il nous regarde en se disant : "Vous ne vous rendez pas compte de la chance que vous avez ... parce que vos parents ont bâti un beau pays ... et vous le dilapidez". Il porte sur lui le message de "les choses ne se font pas toutes seules, rester sur les lignes fixées antérieurement revient à détruire les choses, il faut travailler, travailler, travailler". Aussi, quel que soit l'obstacle qui se dresse devant lui, il réagit par un nouveau combat. On sait par exemple qu'il lance un Festival de plein air à Saint-Paul et Valmalle avec Jean-Pierre Jullian. Parce qu'il pense que la diffusion des œuvres est insuffisante en ce moment. "Sol'o pluriel et un peu plus" est doublement une réponse de résistance. Tout d'abord parce que s'il n'est pas possible actuellement (pour raisons de régression financière) de monter des pièces complexes, eh bien il faut faire des solos. D'autre part, parce que la pièce traite de la résistance aux contraintes extérieures. Les symboles sont très marqués (ou très transparents, au choix). Au début, Mitia est à l'intérieur des barreaux d'une prison. Il fait tomber les barreaux qui transforment le sol en un tas mouvant et instable. Pour arriver à faire le ménage, il faudra accepter de s'enfermer de nouveau, mais cette fois à l'intérieur des barreaux-tuyaux. Mitia ne s'adresse pas à ma sensibilité, mais à ma réflexion. C'est un symboliste. Je comprends donc que certains n'aiment pas du tout. Son corps est anguleux, sa danse risquée, il est difficile de se laisser aller au sensuel.

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Mais cette démarche est contemporaine et originale. Ainsi, on a n'a jamais l'impression de se référer à un tableau (je veux dire une peinture) mais on pense à une photo du journal du jour (prisonniers, sinistrés, mercenaires). De même, il raconte une histoire mais son discours est autonome et original : il ne fait jamais penser à un film. Il semble plus sincère que ça, plus en prise directe avec le réel. Il faudrait développer cette pensée. Mais prenons par exemple Michelle Murray, dont la danse n'est pas si éloignée que ça des outils techniques de Mitia. Mais si l'on se réfère à la photo, elle part de photos de mode mimant les photos des journaux quotidiens. Ce n'est déjà pas tout à fait la même chose. La danse contemporaine des grandes scènes (Cunningham, De Keersmaeker,...) se réfère au pictural, ou au film (grands espaces de profondeur, projections, maquillages ; on pourrait là en citer des tas). De ce point de vue, Mitia se détache. Il me fait beaucoup penser en fait à Mathilde Monnier. Comme s'ils avaient les mêmes références visuelles issues de la partie pauvre des villes occidentales ("Les lieux de là", "Déroutes"). Bon, résumons. Cette pièce me parle, je la trouve d'une grande dignité (ce qui est de nos jours denrée rare) mais elle ne me scotche pas totalement. Le problème vient peut être de la musique. Un DJ fait ça en direct, mixant les vieux airs et divers propos (dont ceux de Mitia). On a du mal a trouver ça vraiment bon. Parfois ça passe, mais c'est assez vite oublié. En tout cas, ça entraine le message de Mitia (parce qu'au milieu de la pièce, il y a un truc sur l'immigration, évidemment intéressant en ce moment) vers le... bof ! Alors peut être que c'est moi qui ne suis pas très sensible à cet art, mais ça me semble une importante limitation du truc. J'avais déjà eu du mal à parler d'une pièce précédente qui était quasiment allé jusqu'à la générale, mais finalement n'avait pas été présentée. On y trouvait la même symbolique de l'enfermement (là, il y avait une "cage à tête" !) et de l'obstination à résister. Mitia est donc quelqu'un qui parle à mon intellect, mais a du mal à mobiliser mon affect. Ce n'est pas une raison pour que vous n'alliez pas vous y frotter.

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Assiata Abdou vient à Montpellier pour des raisons d'amour... et voudrait bien pouvoir y demeurer comme chorégraphe.

Assiata Abdou a déjà une longue carrière de danseuse derrière elle. On l'a même vue au Festival Montpellier-danse de 2000 avec Heddy Maalem (et c'était très bien !). Elle a dansé pour Elsa Wolliaston, Maleem, Béjart, Norma Claire, excusez du peu ! Elle gagne aussi sa vie comme enseignante, spécialisée dans les danses traditionnelles d'Afrique, notamment pour le Ballet Béjart. Mais c'est une chorégraphe contemporaine en tant que telle quand on la voit interpréter ses créations. Elle y utilise en effet énormément de matières, bien au delà de la simple tradition africaine de l'est (mâtinée de danse indienne). L'influence du hip-hop de sa jeunesse marseillaise n'est pas étrangère à ce mix culturel. Mais on sent aussi la discipline de Béjart... Reste que s'installer comme chorégraphe suppose une reconnaissance locale, qui permette de récupérer des subventions d'aide au projet. Assiata est entrée dans ce processus, dans une région où la concurrence ne manque pas ... et où les crédits culturels d'état, comme partout en France sarkozyste sont en sévère diminution. L'interview qui suit est moins peaufinée que d'habitude. Assiata venait de "filer" "Le Panier et la graine de café", chorégraphie autobiographique (le Panier, c'est le quartier de Marseille). Elle était un peu fatiguée et en fait, on se rencontrait quasiment pour la première fois. Tu ne parais pas tes quarante ans !? Je ne les ai pas, c'est un drôle de truc ! J'ai 38... Mais arrivée en France, on te demande ton age, on demande à la source... et les papiers des Comores en passant par Madagascar, arrivés ici : deux ans de plus ! On ne pouvait plus changer, ça avait déjà pris deux ans de temps pour demander les papiers à partir des Comores. Pour mes jeunes frères qui faisaient des études; cela les a gênés, ils ont pris deux ans d'un coup, mais moi j'étais déjà initiée à la danse, j'avais cette obsession dans la tête, ça m'a arrangée. Je suis né le 24 décembre à minuit.

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A quel age es-tu arrivée ? A treize ans. Et tes parents faisaient quoi ? Aux Comores, mes parents s'occupaient de la culture des plantes, la vanille. Et puis il y a eu un volcan. Ils ont tout perdu. (infos, clikez) Les amis que mon père avait embauchés auparavant ont cotisé, au village, pour qu'il puisse partir et acheter des champs en France pour continuer la culture des plantes. Il a eu de la chance, il a été accueilli par une famille française, ils lui ont dit d'aller à Marseille pour trouver du travail facilement. Cela a été un choc. Il a rencontré une autre famille qui l'a aidé à faire venir ses enfants. Depuis, on a travaillé et aidé mes parents à retrouver leur rêve : des champs. Les Comores ont un statut très particulier par rapport à la France, non ? Les quatre îles étaient françaises. Trois ont demandé l'indépendance. Les grandes Comores ne sont plus françaises... Je suis née française. Mais le choc, arrivée à Paris, l'homme blanc, l'aéroport, c'est incroyable. Tu as dansé chez Béjart ? Ah, Béjart... Il a fallu que je quitte Marseille. J'étais déjà formée. A Paris, j'ai peaufiné ma formation chez Elsa Wolliaston (une interview, clikez).... Et à l'opéra de Paris, on lui a demandée une danseuse petite (pour une fois !) qui fasse des danses traditionnelles. C'était la "9ème symphonie" (de Beethoven, NDLR). je me suis dis : "ce n'est pas possible là où elle m'amène". J'ai disparu pendant une semaine :, je ne l'ai pas crue, ce n'était pas possible. J'étais trop petite, trop folklore. J'ai passé l'audition, "l'Hymne à la joie", pour Béjart. J'y ai travaillé trois semaines. Depuis, tous les conseils qu'il m'a donnée, travailler plus, retourner à la source, m'intéresser au corps classique, à la conception musicale classique et à la danse moderne... Il m'a laissée deux ans sans nouvelles, puis il m'a rappelée. Il m'a proposée de danser et d'enseigner, avec Maré, qui est musicien, un peu mon mentor. Tu travailles toujours pour eux ?

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Oui. Et depuis cinq ans, il m'a poussée à chorégraphier. Il me permet de faire tous les ans, vingt minutes pour les élèves, pour les spectacles de fin d'année. Je danse aussi pour lui à Lausanne, il me fait faire des choses, un passage de cultures. Dans ta danse, il y a beaucoup de danse indienne ? Oui, les regards, les codes des danses indiennes. Mais aussi des danses animistes. De toute façon c'est un voyage. Mais mes sources, c'est Marseille. J'ai deux cultures, je n'ai pas envie de faire un choix. Pourquoi Viols-le fort comme résidence ? Mon compagnon, ma fille. Et je cherchais un lieu avec de la lumière, la mer, la montagne. Quelque chose avec les contradictions entre Béjart, Marseille et Elsa. On a mis du temps, mais Viols, c'est magnifique et les gens qui y habitent, aussi

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Patrice Barthés finira-t-il sculpteur ? On peut se le demander ! Pendant une quinzaine de jours, il a été possible de voir "l'humanité à l'envers" (c'est un des titres possibles : ce site n'autorisant pas la police de caractère nécessaire), sculpture monumentale réalisée par Patrice Barthès à l'école d'archi de Montpellier. Le compagnonage avec l'école d'archi n'est pas nouveau, Patrice y enseigne et aide les corps des personnels. L'importance de la notion de sculpture dans la chorégraphie de Patrice n'est pas nouvelle non plus : il s'est toujours encore que le premier duo, ce n'était pas si évident que ça, disons "presque toujours") attaché à investir physiquement, matériellement, l'espace et à le redessiner par la lumière. Donc, la tentation de la scultpure était déjà dans la danse. La dernière pièce en date l'a même mis en avant [(on en a parlé, Mais là, on sent que petit à petit, cela se développe... et désormais de manière autonome. On pourra dire que ce n'est pas de la danse. Ce n'est pas faux... mais ce webzine ne veut pas être hermétique : cela a à voir avec un chorégraphe. La pièce est très forte. Pour ma part, je la trouve pessimiste. Elle me rappelle les barricades de Mai 68 (allez savoir pourquoi ?). Patrice parle quant à lui de la notion de passage, d'intérieur et d'extérieur. C'est une lecture moins sensationnelle.

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Bonillo décidément Je vais continuer à dire du bien de Jean-Ba Bonillo : à chaque fois que je vois quelque chose de lui, cela me revigore.

Ses pièces me font le même effet qu'un bon morceau de rock, quelque chose qui donne la pèche et envie d'avancer. Je vais donc filer la métaphore du coté du rock. Comment dire qu'un morceau de rock'n'roll est vraiment bon ? La force de cette musique, c'est de générer l'enthousiasme. (Mozart ou Beethoven, voire Bartok ou Henry y arrivent aussi... et d'autres... c'est même en quelque sorte un style musical). La combinaison rythmemélodie fait qu'on se dit que "c'est bon" sans vraiment penser à se demander si cela passera les années (je veux dire : "c'est bon, certes, mais est-ce que c'est important, est-ce que cela change les choses pour moi... bref, n'est-ce pas simplement un euphorisant ?"). En vieillissant, on se rend compte que ce qui aura été le "tube" de quelques années ne passe pas forcément les décennies et que souvent, c'est un certain classicisme, un respect des règles (celles qui justement font que "cela" plait) que l'on peut reprocher le plus. Alors que - par contraste ? - les trucs un peu plus sales, un peu plus roots, un peu moins respectueux, voire moins "bon chic bon genre" passent un peu mieux les ans. Cela - au final - paraît un peu moins putassier, un peu moins facile, voire démago. Je ne dirai donc pas que Bonillo, c'est super bon, je risque de me tromper comme je me suis un peu trompé devant les Beatles. Bonillo, c'est - en première approche - enthousiasmant et bon comme un "tube". On sort avec une vraie pèche, la sensation d'avoir vu quelqu'un qui a besoin de s'exprimer par l'art, qui a une histoire en tête, et qui n'en est pas moins jeune ! Cela mord la vie et n'a pas l'air de sortir d'un stage des beaux arts ! Alors, est-ce que ce sera aussi éphémère que "Oasis" ou aussi couillu que les Stones (jeunes) 40 ans après, "Satisfaction" scotche encore). Je ne suis pas capable de le dire. Mais je peux dire qu'il y a quelqu'un là qui ne fait pas ça parce qu'il a suivi une filière des

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beaux-arts et qu'il faut faire comme la mode le dit ! Lui, il est sincèrement "out". Et en ce moment, c'est rare. La force de la pièce "Kill the baby - Save the food" que l'on a vu au Studio Théron vient de l'alliance d'une danse très écrite (du moins presque jusqu'à la fin où ça se déchaine) et d'une immense tendresse qui rejaillit sur le spectateur (un truc difficile à décrire évidemment, voire même à comprendre, mais c'est comme ça, on a envie de les prendre dans les bras et de les bercer, même quand ils font des choses violentes). Cette réussite du passage de la tendresse du plateau au spectateur tient à l'écriture (contraste silence-musique amplifiée ; choix des vêtements et des matières de corps (cf. la photo de Jean-Ba, qui est à la fois anecdotique et symptomatique)) et au choix des interprètes. Il y a là la danseuse fétiche, Mélanie Paquemar. L'autre danseur est pas mal du tout. Il y a des faiblesses (les contrepoints aux moments forts ne sont pas tous au niveau. Mais n'oublions pas que Jean-Ba est un tout jeunc chorégraphe, que tout n'est pas facile pour lui (comme pour tous les débutants dans cette période de Réaction, je pense à Florence Bernad, là). Et que des pièces intéressantes et péchues, eh bien, il n'y en a pas tant que ça.

PS : au sortir d'une pièce d'Hélène Cathala, j'avais écrit "une danse pour les égouts du 21ème siècle", ou un truc comme ça. "Kill the baby - Save the Food" me fait aussi penser à ça. Les outils sont anciens : musique, scène, danse... Mais c'est vraiment de nous et de notre époque qu'il parle ! PS : On peut suivre une filière d'enseignement et en réchapper ! Si, si.

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Elsa Decaudin a présenté "Syntonie" à l'Aire, rue Bayard "Syntonie" est le nom d'une pièce pour une danseuse, un photographe, un musicien, un éclairagiste. La danseuse sert un temps de modèle au photographe, qui grâce à la magie des télécommunications et de l'image numérique peut rebalancer sur écran ses images, de manière quasi-instantanée (cf. photo ci-contre où Elsa est multipliée). Ensuite la danseuse s'émancipe. Ou peut-être est ce le photographe. Enfin, tous deux font leur chemin chacun de leur coté, en allant vers l'arty. La danseuse s'y révèle infiniment plus intéressante que le photographe. Ils se retrouvent alors pour une séquence où les images ne sont plus en direct, mais correspondent - quant à la pose de la danseuse et aux faux déclenchements de l'appareil. Les images - prises antérieurement - sont bucoliques. Enfin, on revient au travail du début, mais les gestes sont passés du comique au poétique et la photo perd son coté documentaire pour passer vraiment dans la fiction du cadrage. Je n'aime pas trop raconter les choses qui se passent à un spectacle... mais là c'était nécessaire. Je ne suis pas trop fan de ce travail. Je dois reconnaitre qu'il est bien construit et qu'il correspond à une vraie réflexion d'action. La construction, c'est un passage du comique au poétique par plusieurs temps, qui amènent progressivement les corps et les images vers une conceptualisation de l'espace de la scène, où sont intégrés les spectateurs. Cette conceptualisation s'adresse au corps du spectateur, c'est donc bien à de la danse qu'on a affaire. Mais elle s'adresse trop au corps du spectateur par des incitations à bouger lui même, bien plus que par : la suggestion par les corps des acteurs sur scène. De plus, les ruptures de rythme (y compris dans le rapport spectateur-danseuse, qui est rompu volontairement plusieurs fois !) tirent le spectateur vers un "zapping" mental, qui enlève du poids affectif à la représentation (c'est plus proche du musée que de la scène). 143


Enfin, dernier reproche, l'image photographique est anecdotique par rapport à la qualité de la danseuse. Cela amène à privilégier les "trucs" techniques. Or, une image forte, c'est tout sauf de la technique. C'est à mon avis une limitation de poids. La danseuse peut s'amuser à singer, mais quand elle décolle, elle nous emporte vers de la poésie. La photo n'y arrive pas. D'ailleurs la musique a un peu le même problème. De la guimbarde avec des tonnes d'échos, cela reste de la guimbarde ! Une image anodine bien projetée reste anodine. La virtuosité technique fait que souvent les auteurs mettent plus de temps à s'en rendre compte. On notera que le simple contact des corps des différents intervenants à peu près au début de la fin, suffit à lui seul à changer l'affectif du spectateur. C'est puissant, un corps bien contrôlé par la chorégraphie Une photo, c'est moins puissant à priori, ça a donc intérêt à être très, très fort, dans son registre propre pour rester à niveau.

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City Maquette de Mathilde Monnier J'aurais mis du temps à écrire quelque chose la dessus, il faut dire que la situation a quelque chose d'original.

Tentons de synthétiser. Mathilde a été invitée à mettre en scène un opéra de Goebbels, l'an prochain, en Allemagne. La proposition est d'importance. Et pour Mathilde, ce sera en quelque sorte une première. Avec derrière, cette idée qu'un opéra est quelque chose qui marque une étape dans la vie d'une "metteuse en scène". (La rupture la plus connue est celle qu'a vécue Patrice Chéreau quand il a mis en scène la Tétralogie à Bayreuth.) Une fois cela dit, rajoutons que Mathilde a décidé de préparer sa mise en scène par un travail pratique à l'avance, ce qui peut s'appeler une maquette. A cela rien de surprenant, il est logique qu'elle prépare ce travail en amont. Ce qui est surprenant, c'est qu'elle ait donné à voir la "maquette". Il ne faut donc pas juger cette maquette comme autre chose qu'un aperçu des matières de travail. Mais il faut aussi le juger comme un travail de Mathilde dans sa progression. Du moins si l'on veut rester fidèle à la tradition de ce webzine de critique. Donc, les matières, c'est un centre (cf. l'image ci-contre où l'on voit au fond des spectateurs et sur la droite le groupe moniteurs-vidéos et hauts-parleurs) où se trouvent les musiciens et des moniteurs vidéos (ici les musiciens, "c'est" une bande-son (on est au stade de la maquette) et donc des hauts-parleurs). La périphérie, très proche du public installé en bordure de scène, en carré, ce sont les danseurs de deux générations très distinctes : des enfants, des personnes âgées. Ces intervenants ont à la fois un rôle d'occupation de l'espace et une

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danse de symboles : communication, spéciation en classes et en rôles sociaux, liberté/conditionnement. Ils commencent à installer le décor en faisant une recouvrement du sol à coups de craie. Ensuite, ils se livrent à diverses métaphores, ils bougent, ils dansent (de salon). C'est parfois longuet, c'est parfois très beau : la scénographie d'Annie Tolleter est totalement scotchante... et on n'en est qu'à la maquette ! Mais problème... c'est de l'opéra... et même si la bande-son laisse présager de très grand moments, il en y a (des moments) qui laissent sceptique. C'est limite "mainstream". Goebbels n'est pas fou, s'il veut vendre ses opéras en ce moment, il a intérêt à faire aussi un peu ce qui marche. Et à l'opéra, en ce moment, c'est dégoulinant. Et au delà de la musique, le problème de fond, c'est que la danse de Mathilde (au top) est plus forte que la musique de Goebbels (là). Et ici en la mettant (sa danse) au service de la musique, elle ne rend pas service à l'art. Alors voila, vite dit comme ça, c'est simple : c'est très bien, mais ce n'est pas si bien que ça !

PS : Mathilde reprend l'idée de la synchronisation des danseurs "assistés" par les écrans vidéo. Mais bon, dire ça est anecdotique, la technique cela ne compte pas dans une œuvre.

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Idiots mais rusés (2) Pas de faux semblant, pas de chichi, pas de concession avec une esthétique pour esthète. Anne Lopez nous livre, dans Idiots mais rusés, un flot d'émotion à la fois pur et brutal. Et pourtant nous rions, nous rions aux éclats, effet probable d'une alchimie réussie. La chorégraphe nous renvoie à nos actes les plus absurdes, sublimés dans un paroxysme délirant. Les danseurs sont perpétuellement confrontés à des difficultés absurdement réelles et irréelles. De son côté, le spectateur amusé s'interroge continuellement sur l'impossible solution qu'ils oseront mettre en œuvre. La danse atteint là un accomplissement, elle est juge et partie des démêlés grotesques qui nous sont donnés à voir. On se reconnaît tellement dans l'agitation, l'hyperactivité des danseurs, qu'il est difficile de rester de marbre. Pourtant ce sont bien de certaines de nos incohérences dont il est question et dont nous rions de bon cœur. C'est le rire de défense incontrôlé de celui ou celle qui assiste à la chute grotesque de quelqu'un, et qui refuse la compassion pour ne pas faire surgir des souvenirs humiliants. Prouesse du délire structuré, cette pièce flirte aisément avec la théâtralité, l'exubérance, la sensibilité. Dans un corps à corps incessant entre les danseurs, le décor, la musique et les exigences scénographiques. Véritable bras de fer entre le sensé et l'absurde. Après réflexion on ne sait si l'on doit en rire ou en pleurer. Budget culture er RGPP Avec la baisse annoncée de 26 % pour certaines lignes du budget, une raison de l'inquiétude actuelle dans les DRAC est la "Réforme générale des pouvoirs publics". Le chiffre est sans appel : - 20 % ! Nous ne savons à l'heure actuelle quelles lignes précisément vont être touchées. Cependant, on connait la ministre (qui a échangé son poste à Versailles avec son prédécesseur, il y a donc "continuité" depuis 3 ans). 147


Le patrimoine (les châteaux) et les musées ne vont pas être touchés par les restrictions. (On retrouve là d'ailleurs une conception très américaine de la chose, comme dans les autres ministères). De plus, ce ministère là n'est pas touché par des départs à la retraite massifs de ses personnels (du fait de sa faible ancienneté, c'est Lang à partir de 1982 qui lui a vraiment donné de l'envergure) qui permettent des restrictions budgétaires par les salaires. De ce fait, la restriction annoncée en OFF mais sources recoupées) ne se fera pas massivement sur le nombre de fonctionnaires et la non-compensation des départs : elle se fera sur les crédits alloués à l'extérieur des DRAC. Donc, il faut se douter que cela va toucher l'argent généralement donné aux associations. (De plus, l'idée que le service public, c'est "un ministère épaulé par des associations" est un truc du PS, on ne voit pas pourquoi l'UMP sarkoziste maintiendrait cela longtemps !)

Deux choses sont surprenantes. Le Languedoc n'a pas encore l'air de savoir précisement à quelle sauce il va être mangé. Ailleurs, dans d'autres régions, des directeurs de CDN se sont élevés contre leur baisse de crédits (on pense là à Nancy). Bartabas à l'annonce de son budget a tout cassé dans sa DRAC. Cette disparité entre régions, est-ce une stratégie gouvernementale pour éviter une fronde nationale ? ... ? D'autre part, il semble qu'ici les salariés attendent la foudre, alors que le temps de la réflexion et des réunions entre artistes s'impose. Le sarkozisme est là pour 10 ans (je ne suis pas fou ou super-optimiste. Mon argument : Tatcher, Reagan et Bush Jr ont été réélus sans coup férir... une petite guerre, un petit attentat contre le Président, des attentats massifs, etc... les électeurs votent rarement sur les questions sociales avec ce type de gouvernement qui sème le vent). 10 ans, c'est à la fois long (suffisament pour changer profondément les pratiques) et court. Il y a déjà 6 mois de passés. Si on ne réfléchit pas à une riposte opérationnelle, il sera très vite trop tard, on attendra la prochaine défaite... puis le sauveur... Mais on ne sera plus dans les métiers de la danse... hormis l'enseignement.

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PS : En plus de la baisse, il y a une opération qui s'appelle le "gel". Il s'agit d'un "prélévement de réserve" de l'Etat, sur tous les ministères. Si l'année est bonne, on le rend (fin 2008). Il n'y a aucune raison de supposer qu'on va le rendre ! On sait déjà que le budget est calculé sur des hypothèses de croissance fausses. On sait aussi qu'il y aura des opérations militaires "imprévues". Le problème est que pour certains ministères, le prélévement n'est pas de 6 %, mais de 2,5 %. Ce qui situe en fait l'importance des ministères pour le gouvernement, de manière indirecte ! (La recherche, c'est 2,5 %, au moins pour des budgets considérables dont j'ai connaissance). Je dois dire que je n'avais pas compris la baisse annoncée "à la base" des crédits du ministère de la culture alors que le budget 08 ne paraissait pas si catastrophique pour ce ministère au vu de la conférence de presse générale. Il y a peut être une explication à cette contradiction. En effet, le ministère fait partie de ceux qui seront réformés par la RGPP. On trouve cette information à la page http://www.modernisation.gouv.fr/info-de-la-semaine/article/6/ledossierd/index.html?tx_ttnews%5BuidExclu%5D=221&tx_ttnews%5BdateM AJ%5D=1197116940&cHash=914d213faf La réforme n'est pas rien. Elle est détaillé dans un document pdf [qui est ici : http://www.modernisation.gouv.fr/fileadmin/Mes_fichiers/pdf/RGPP4. pdf. On y trouve un remue-ménage, qui correspond à une nouvelle tache qui est en gros : travailler pour les multinationales de la culture. Il y a quelques éléments, comment dire ? "savoureux", non, ce mot ne va pas bien. Allez citons : Enfin, certains musées et monuments nationaux pourront être confiés aux collectivités territoriales, pour leur permettre de mieux s’insérer dans le tissu touristique et culturel local. Le transfert de propriété ou simplement de gestion se fera sur la base du volontariat, par convention entre l’État et les collectivités territoriales qui souhaiteront développer l’activité de ces musées et monuments. 149


Il y a quasiment la même phrase dans la loi sur les Universités. Tout va bien en BerluSkozie. PPS : En fait, (une fois n'est pas coutume), il faut rendre hommage et dire que le PS avait analysé le budget 08 dès le 26 octobre 07 et que pratiquement tout était annoncé dans la page qui est là : http://culture.parti-socialiste.fr/2007/10/26/le-budget-de-la-culturepour-2008/ Comme quoi, il ne faut pas confondre le travail des élus et les parlottes des candidats.

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Mouvements La ministre annonce une rallonge pour le spectacle vivant...

Il y a tout lieu de croire que cela va aller à l'Opéra de Paris... ne seraitce que pour financer le rachat des RTT et pouvoir négocier le changement de statut de retraite avec un peu d'argent. La grève à l'Opéra de Paris a été un peu chaude, c'est un fait. Pour l'essentiel, on retrouve bien dans la presse l'idée de vives protestations des Directeurs de structures un peu partout en France qu'est-ce qui se passe (pas) donc en Languedoc ? ça y est, tout le monde est mort ?) Et on retrouve le "lâcher de lest" financier visible dans les luttes des cheminots ou à l'Université. Le problème, c'est que face à la réforme profonde des structures, on ne gagne qu'un peu d'argent. Est-ce une vraie victoire, j'en doute... Bon, ce matin du vendredi 14 décembre, on trouve quand même peu de commentaires, sinon là : http://www.femmeactuelle.fr/actu/culture/spectacle-albanel-annonceune-rallonge-budgetaire-et-des-entretiens-avec-la-profession-02638. Profitons du moment pour parler d'un texte plus qu'intéressant sur la culture, qu'on trouve dans un livre beaucoup moins intéressant au final que l'extrait qui suit (en clair, ne perdez pas votre argent !). Le livre est "Précis de recomposition politique" de Yves Michaud (des infos) : http://fr.wikipedia.org/wiki/Yves_Michaud_%28philosophe%29. Le "philosophe" est spécialiste de l'art contemporain et animateur de plusieurs initiatives de dialogue entre la philosophie et les citoyens. Mais il est surtout un agitateur d'idées politiques, qui a eu le mérite de faire un excellent livre sur Chirac. A part ça, ce qu'il dit sent bon le poujadisme ("y a qu'à"). D'où le paradoxe : il a appelé à voter Ségolène, mais ses idées sont celles mises en application par la droite !

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(Note : On ne va pas épiloguer : oui, Ségolène est de droite, comme Mitterand... mais il vaut mieux quelqu'un de droite qui se croit de gauche que quelqu'un d'extrême-droite qui se croit de droite ! Y a ensuite pas photo pour transformer la société ! Car ce n'est pas le président qui fait l'action, c'est la balance de forces entre le Pays et le président. Confier trop de forces au président revient à faire perdre ou gagner les différentes forces sociales. Là, on a l'air malin, maintenant. Et on en a pour 10 ans ! En deux autres mots : ce qui compte, ce n'est pas NOTRE candidat, mais celui des AUTRES. A oublier ça, on se donne Tatcher, Reagan, Chirac ou Sarkozi !) Donc, parmi les idées de Sarko telles qu'exprimées par Michaud AVANT LES ELECTIONS, notons cette magnifique période. "En fait, toutes les missions d'un Ministère de la Culture sont aujourd'hui à reconsidérer. Il est probable que ce ministère doit se recentrer franchement sur ses activités d'aide à la diffusion démocratique de la culture (lecture, spectacle vivant de qualité et même classique, musées, salles de concert, opéras, quelques bonnes écoles d'art : toutes choses insuffisamment faites) et d'entretien et d'exploitation du patrimoine - ce qui est déjà fait avec beaucoup de compétences et de réussite et qui est décisif pour le secteur touristique qui est une de nos industries principales. Pour le reste, il faut laisser ceux qui veulent vraiment inventer et créer prendre leurs responsabilités, faire leur choix à leurs propres risques et en rapport avec les publics qu'ils trouvent ou inventent. Il ne sert à rien d'entretenir un petit monde de créateurs subventionnés qui, quelles que soient leurs qualités de départ, parfois grandes, deviennent des fonctionnaires de l'art plus habitués à remplir correctement les dossiers de demandes de subvention qu'à produire. Pour le reste, laissons ceux qui font commerce de l'industrie culturelle le faire avec les moyens de l'industrie et dans les règles du commerce... " Alors, on pourrait traiter ça à la légère. Car on y trouve beaucoup de légèreté intellectuelle. La société, sa normalisation financière et

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salariale interdit de raisonner comme le fait Michaud ("laissons les créateurs créer à leurs risques et périls" ... déjà Rimbaud, il y a plus d'un siècle ne le pouvait pas... Evidemment, les enfants de la grande bourgeoisie peuvent... Pensons à Beigbeder... Et J.S. Bach était subventionné, à ma connaissance. De même que Michaud à l'Université, même si ça ne s'appelle pas comme ça). De plus on trouve le mot "invente" alors que manifestement Michaud ne comprend pas ce mot : il conçoit une société qui n'invente pas sa future production au fur et à mesure de ses inventions... or justement, la plupart des produits du monde moderne viennent de sources dans l'imaginaire, bien plus que dans la technologie elle-même, qui autoproduit très peu et au fond n'est là que pour réaliser l'imaginaire. (Albert Fert ne s'imaginait pas que ses travaux iraient dans les mémoires des ordis portables... il n'avait pas d'ordi portable ! Par contre, K. Dick à la même époque en avait dans ses romans) Mais voila, Michaud est un des maîtres-penseurs de notre temps. Et Albanel réalise en ce moment ce que Michaud écrivait voila quelque temps. Non pas qu'Albanel soit une marionnette. Simplement les "grands" esprits se rencontrent. Gare à vos miches, les subventionnés. Pardon... les "ex-subventionnés".

Joyeux Noël et Bonnes Fêtes.

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Archives 2007 de Danse à Montpellier