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Javier Malvárez

Helen Frankenthaler Explorando la fluidez. Una aproximación a su papel en la “pintura de tipo americano”. “La vanguardia sobrevive en la pintura porque ésta aún no ha alcanzado el punto de modernización en el que las convenciones heredadas, para seguir siendo un arte viable, han dejado de existir. En ningún otro país parece que estas convenciones vayan a ser atacadas como lo son hoy en los Estados Unidos…..este arte lo practican un grupo de pintores que se dieron a conocer en Nueva York….que se les conoce como „expresionistas abstractos‟ ….a este tipo de pintura la denominan en ocasiones „pintura de tipo americano‟…." Clement Greenberg

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AGRADECIMIENTOS Agradecer es el primer camino a la sabiduría y por tanto quiero en estas líneas reconocer mi gratitud a todas las personas y seres queridos que han hecho posible que hoy este redactando estas líneas. En primer lugar mi agradecimiento eterno a la persona que ha sido mi sustento espiritual, humano e intelectual por más de treinta años, mi querida esposa Rocío, q.e.p.d. y a la que robe mucho tiempo con mis estudios, si bien pudimos compartir nuestras inquietudes y amor por el arte, visitando museos y templos del arte por toda Europa, desde el Louvre o el British Museum a los talleres de Cézanne en Aix en Provence o la casa de Monet en Giverny. Como no, a mi hijo Alejandro, testimonio vivo de mi amor por Rocío, con el que en su infancia jugué menos del tiempo que se merecía por estar siempre entre libros. Alejandro y Mónica, su mujer, son ahora dos apoyos insustituibles en mi vida. Mi madre Reyes que desde mi infancia me inculcó la importancia del conocimiento y la responsabilidad del estudio, a mi padre Francisco q.e.p.d. que abrió a mi intelecto la necesidad del arte, la lectura, la filosofía, la música y la pasión por viajar. A todos mis hermanos Jorge, Antonio y Gonzalo que siempre están ahí a mi lado con su amor y apoyo incondicional. A mi amigos Paco y Adelia, John y Carmen, Paco y Alfonsi, Jesús y Cristina. Un agradecimiento especial para mi amigo Jesús Rubio, compañero de estudios y amigo del alma y digo del alma porque gracias a su cariño fue curándomela en los días tan tristes que siguieron a la despedida de mi amada Rocío y aun quedaba trabajo por hacer para terminar nuestros estudios. Y por último a mis profesores de la infancia, especialmente a D. Alfonso García y Guzmán, recientemente fallecido, que con su entusiasmo y dedicación encendió en mi la llama de la pasión por la Historia y el Arte y a su esposa Pepita que me hizo comprender la belleza de la ciencia además de su utilidad. Y como no, mi agradecimiento profundo a la UNED, sus profesores y compañeros que me han dado la posibilidad de crecer en el conocimiento como camino de perfección para el ser humano. Y un agradecimiento muy especial para aquellos profesores que además de sus conocimientos me han obsequiado con su ejemplo de humanidad, dedicación y preocupación por el discurrir humano y académico de mi humilde carrera, Dra. Mar Zarzalejos, Dr. José Enrique García Melero, Dr. Francisco Javier Andreu, Dra. Mª Dolores Antigüedad del Castillo-Olivares y Dr. Jesús Viñuales que me ha honrado con su tutela y ha contribuido con su estimulo a que este trabajo al final haya visto la luz.

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Mi gratitud y mi cariño más profundo para todos.


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In Memoriam A mí querida esposa, excelente artista y amante de la pintura Rocío Benavente Bartolomé Que Dios la tenga en su gloria


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SUMARIO 1.

2.

3.

Introducción.......................................................................................................... 7 1.1.

Objetivos ..................................................................................................... 7

1.2.

Metodología ................................................................................................ 8

1.3.

Estado de la Cuestión. ............................................................................... 8

1.4.

Nueva York, el sustrato de un nuevo arte .................................................. 9

1.5.

Los inicios del arte moderno americano .................................................. 10

1.6.

La influencia del MOMA ......................................................................... 12

1.7.

El salto de Nueva York a la capitalidad del Arte Moderno .................... 15

1.8.

La importancia del proceso pictórico ....................................................... 15

1.8.1.

Un paseo por el gesto pictórico en la escena americana. ...................... 16

1.8.2.

Y el gesto se hizo color. ......................................................................... 21

1.8.3.

Un paso más alla, La Abstracción Postpictórica. ................................ 25

Helen Frankenthaler, esbozo de una biografía .................................................. 27 2.1.

Infancia y juventud .................................................................................. 27

2.2.

El encuentro con Clement Greenberg ....................................................... 28

2.3.

Su matrimonio con Robert Motherwell .................................................... 29

2.4.

Las esposas artistas. La mujer artista en la escuela de Nueva York ...... 30

2.5.

La relación de Helen con el ambiente artístico americano. ..................... 31

2.5.1.

Las academias. ..................................................................................... 31

2.5.2.

Las galerías. ......................................................................................... 32

2.5.3.

Los museos. ........................................................................................... 33

Análisis de conjunto de la obra de Frankenthaler ............................................. 34 3.1.

Análisis estilístico. ................................................................................... 34

3.2.

Análisis de “Mountains and Sea” ............................................................ 39

3.2.1.

Estudio del color. .................................................................................. 39

3.2.2.

Las formas. ........................................................................................... 42

3.2.3.

La Composición. ................................................................................... 43

3.2.4.

Comentario final de “Mountains and Sea”. ......................................... 44

Conclusiones ....................................................................................................... 45

5.

Bibliografía......................................................................................................... 46

6.

Apéndices ............................................................................................................ 48

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6.1. Pintores y obras de la Exposición “Abstracción Postpictórica” de 1964 en “Los Angeles County Museum of Art” organizada por C. Greenberg. ................ 48 6.2.

Selección de exposiciones individuales .................................................... 50

6.3.

Selección de exposiciones colectivas ......................................................... 57

6.4. Instituciones públicas de los Estados Unidos en posesión de obras de Helen Frankenthaler .......................................................................................... 68 6.5. Instituciones públicas fuera de los Estados Unidos en posesión de obras de Helen Frankenthaler ...................................................................................... 70 6.6.

Premios y reconocimientos otorgados a Helen Frankenthaler................. 71

Índice .................................................................................................................. 72

8.

Tabla de Ilustraciones ........................................................................................ 74

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7.


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1. INTRODUCCIÓN elen Frankenthaler, nace el 12 de Diciembre de 1928 en Nueva York. Es quizás una de las artistas que ha contribuido en mayor medida al arte americano de la posguerra, realizando exposiciones durante seis décadas y su obra ha discurrido entre varias generaciones de pintores abstractos creando y evolucionando un arte vital y siempre cambiante que ha inspirado a muchos artistas. Comienza con obras expresionistas de grandes dimensiones que expone en museos de arte contemporáneo y galerías a comienzo de los años cincuenta. En 1964 es incluida en la exposición de Abstracción postpictórica organizada por Greenberg que introduce una nueva generación de pintores abstractos que será conocida como Colour Field. Nacida en Nueva York se verá influenciada por Hans Hofmann, las pinturas de Jackson Pollock, del que toma su técnica anticaballete, realizando sus obras vertiendo la pintura en superficies horizontales. Su técnica ―stain painting‖ es una evolución de las color field, la cual toma su punto de partida en el Expresionismo Abstracto hasta la Abstracción postpictórica que supone una reacción en lo personal y cualidades gestuales de la Abstracción pictórica. Su pintura diluida más interesada en el color que la textura ofrece una apariencia de planitud que pretende enfatizar la pureza del color en lugar de su tonalidad.

1.1. OBJETIVOS El objetivo principal de este trabajo va a ser el establecer de que forma la figura de Frankenthaler contribuye a la reacción al expresionismo abstracto y como esta tendencia se transforma en un arte que abandonando el dramatismo camina a lo sublime a través del color y hacia la simplicidad que derivara en el minimalismo. Debemos recordar que Helen Frankenthaler ha realizado más de 50 exposiciones individuales desde 1951 a 2010, y casi 60 colectivas entre 1949 y 2010, ha dado clases en la New York University, en la Yale University en New Haven, Connecticut donde vive en la actualidad, en la Princenton University , en el Brooklyn Museum Art School de Nueva York y ha recibido multitud de honores académicos incluida la Harvard University.

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Ha escrito o inspirado multitud de artículos que han recogido publicaciones de tanto prestigio como la Partisan Review, Arts News, The Arts, Artforum, Art Digest, etc. Asi como en periódicos como el New York Times o el Wall Street Journal. Si analizamos donde son mostradas sus obras nos encontramos con instituciones como el Bennington College, National Gallery de Australia, la Yale University Art Gallery, el Museo Guggenheim de Nueva York, la National Gallery of Art de Washington, la Knoedler & Company de Nueva York , el Whitney Museum of American Art de N.Y. y el Jewish Museum de N.Y. entre una innumerable cantidad de los más prestigiosos museos y galerías de todo el mundo.


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Parece más que necesaria pues generar literatura artística en castellano sobre esta artista que encontró su camino en la fase final del Expresionismo Abstracto clásico para iniciar una salida a ese estilo de tanto éxito pero agotado a finales de los 50’s y que no supo encontrar ni el mismo Pollock.

1.2. METODOLOGÍA Para la realización de este trabajo será necesario una revisión de la formación de Helen Frankentaler primero con Tamayo, luego con Hoffmann y las influencias recibidas de su relación con Greenberg y los pintores de la New York School, como Pollock, Krasner, De Kooning, Motherwell, etc algunas activas pero la mayoría reactivas. La precocidad de Helen Frankentaler le llevará a exponer una obra paradigmática para la segunda generación de Expresionistas abstractos Mountains and Sea de 1952, este punto de inflexión para el arte norteamericano permitirá a los expresionistas abstractos no solo representaciones apocalípticas consecuencia de las secuelas de la II Guerra Mundial, sino a través del color y la fuerza de su simpleza abstraer sobre paisajes y la naturaleza. Así pues el análisis de las obras de Frankentaler nos permitirá establecer el código comunicativo de Helen. La señora Frankenthaler ha realizado obras sobre lienzo, papel y madera y empezando con diluidos óleos en trementina o queroseno pasó al final al uso de acrílicos y siempre sobre superficies diluyentes ella misma nos comenta como las obras deben hacerse idealmente de un solo acto, como un accidente controlándolo y dirigiéndolo al resultado final. Muchas de sus obras son ya performances. Para el conocimiento de sus ideas y de las ideas de teóricos que la influyeron nos valdremos de la bibliografía, las hemerotecas y los catálogos de sus exposiciones.

1.3. ESTADO DE LA CUESTIÓN. Las publicaciones en castellano sobre Helen Frankenthaler, me atrevería a decir que son inexistentes, así pues las fuentes para este trabajo serán en inglés y caben destacar las monografías de Rose y Elderfield, los catálogos de sus exposiciones más relevantes especialmente los comentados por Wilkin, amiga y gran conocedora de la obra de Frankenthaler, así como una gran cantidad de artículos aparecidos en las revistas más relevantes de la cultura y el arte americano como The Partisan Review o The Nation además de artículos de las secciones de arte de periódicos como el New York Times.

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También son inestimables los fondos de instituciones como The Art Story, The Smithssonian Institution, Archives of American Art, The Warhol Stars.org, The Research Resources del MOMA de Nueva York que facilitan a través de sus webs una información fundamental para recrear la evolución del arte moderno y sus artistas en la escena americana del siglo XX.


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1.4. NUEVA YORK, EL SUSTRATO DE UN NUEVO ARTE A mitad del siglo XX el arte visual sufre una profunda transformación en relación con los tiempos que le preceden. Es más evolutivo que iconoclasta. Sin embargo ya nada sería igual desde ese momento. El final de la II Guerra Mundial supondría un cambio que habría de desplazar no solo las ideas sino también los lugares donde éstas se generan. Este proceso es consecuencia de la ruptura entre el final del primer movimiento moderno y el comienzo de su sucesor. Indudablemente los avatares de la segunda gran guerra van a producir una depresión en los artistas y sus ideales que se van a traducir en una casi ausencia de manifiestos optimistas con la excepción del idealismo metafísico del movimiento Zero y sus iniciadores, Yves Klein y Lucio Fontana. Excepto a finales de los años 60 casi ningún artista se atrevió a concebir el arte como expresión de ideologías. Algunos desearon emular los principios que regían el arte de los países del bloque del Este y la China de Mao. Así por tanto la libertad se constituyo en el motor de la práctica artística. En la posguerra cuando apareció la prosperidad económica trajo como consecuencia que creciera la demanda de arte. En Occidente nadie podía predecir los niveles que alcanzaría el consumo de arte. El arte moderno se hizo público y popular. Las nuevas técnicas de impresión y reproducción llego incluso a la producción en serie de obras de arte, así pues la democratización del arte fue un hecho llegando a estratos sociales a los que nunca había tenido acceso. Los museos y las galerías se constituyeron en polo de atracción de ingentes cantidades de visitantes, tendencia ésta que aún persiste en nuestros días. Los coleccionistas, expertos y aficionados al arte moderno crecieron y las instituciones gubernamentales, religiosas, asociativas y de otros tipos empezaron a tomar contacto con los artistas y a proporcionarles encargos aun sin tener en muchas ocasiones líneas de pensamiento fundamentadas sobre su demanda estética. A estas instituciones se unieron los bancos y las empresas que se apercibieron del poder promotor que para ellas suponían el arte. Este proceso ha continuado y se ha multiplicado en nuestros días, no obstante este fenómeno también ha suscitado nuevos problemas e interrogantes especialmente en el ámbito del artista donde la creatividad a veces se ha visto hipotecada y por otro lado la creación masiva de obras por la alta demanda, carentes de una sustanciación estética y artística y siguiendo la terminología de Greenberg han llegado a ser más Kitsch que vanguardia.

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De nuevo América mira a Europa como demuestra el éxito de las transvanguardias italianas en Nueva York así es fácil deducir la influencia dominante que ejerció Europa sobre el arte Americano antes de su impulso de emancipación. Esta influencia que data desde finales del siglo XIX y que se inscribe en el fenómeno


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coleccionista que hizo que los imperios financieros norteamericanos se decorasen culturalmente con obras europeas gracias a sus enormes recursos financieros. La influencia de Europa sobre los artistas americanos fue también de suma importancia y continúo desde el final del siglo XIX hasta bien entrado el siglo XX. Muchos de estos artistas estudiaron en París como fue el caso de Edward Hopper, en 1906 viaja a Europa por primera vez, visitando París, en donde experimentará con un lenguaje formal cercano al de los impresionistas, y siguiendo su viaje en 1907 fue a Londres, Berlín y Bruselas. El resultado artístico de este fluir de artistas del Nuevo al Viejo continente fue fundamentalmente ecléctico e incluso imitativo en ocasiones. Muchos de estos artistas americanos tras experimentar con el simbolismo, el fauvismo o el cubismo iniciaron sus propias versiones más o menos convincentes de las tendencias vigentes en el panorama artístico parisino. En los años cuarenta hubo un cambio radical cuando los artistas en Estados Unidos y concretamente en Nueva York empiezan a apoyarse más en sus propias iniciativas. La década siguiente fue testigo de que Europa tomara conciencia de que se había producido un cambio de papeles, los artistas norteamericanos se habían liberado de la tutela europea. Sin duda las enormes obras de los action painters y los seguidores de los color fields tenían una frescura que hacían ver las obras de la École de París como productos elegantes pero con tintes añejos y fruto de una innovación agotada. La Exposición Cincuenta años de arte moderno que se celebró inserta en la Exposición Universal de Bruselas, en 1958, fue una muestra de las primeras vanguardias europeas pero en el pabellón americano los europeos se encontraron con un nuevo arte independiente, lleno de energía y que aportaba elementos nuevos. Con anterioridad la Kunshalle de Basilea había exhibido por primera vez en Europa La nueva pintura americana una exposición recopilada por el Museum of Modern Art (MOMA). Lo que en esta muestra se presentó se proyectó en pocos años al éxito y Nueva York se había constituido en el centro mundial del arte sustituyendo a un París de ideas superadas.

1.5. LOS INICIOS DEL ARTE MODERNO AMERICANO El arte americano inicio su propio camino desde 1913 con el legendario Armory Show celebrado en Nueva York del 17 de Febrero al 15 de Marzo de ese año donde se exhiben más de 1200 obras de arte entre pintura, escultura y artes decorativas entre la que se presento a la pintura americana con un total de más de 300 artistas.

ILUSTRACIÓN 1. CARTEL ANUNCIADOR DEL ARMORY SHOW

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La exhibición recibió su nombre del lugar donde se llevó a cabo, la Armería del 69° Regimiento. La iniciativa parte de


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tres artistas pertenecientes al círculo de Robert Henri: Jerome Myers, Walt Kuhn y Elmer Mac Rae. Arthur B. Davies asume la presidencia y la organización de esta exposición. Entre las obras presentadas destacaba la sección del arte europeo, que se convirtió en objeto de controversias, ya que destacaba la presencia del arte francés sobre el resto de Europa, así el expresionismo alemán aparecía poco representado y el futurismo italiano no fue considerado con la suficiente importancia como para figurar en la muestra. La sección dedicada a EEUU, que suponía unas tres cuartas partes del total, ofreció una muestra representativa del arte americano contemporáneo. Sin duda una de las obras más controvertidas y satirizadas de la exposición fue ―Desnudo descendiendo una escalera nº 2‖ de Marcel Duchamp pintada un año antes. Julian Street, un crítico de arte del New York Times escribió que la obra parecía ―una explosión en una fábrica de tejas‖ (TOMKINS 1996, 131) y el propio presidente Roosevelt declaro ―Eso no es arte‖. A pesar del escándalo y la incomprensión del público, que no estaba preparado para acogerla, la exposición tuvo un gran éxito de asistencia. Luego viajó a Chicago y Boston. Para muchos críticos el Armory Show marcó la apertura de Estados Unidos hacia el arte moderno. Era palpable el peso del impresionismo, fauvismo y cubismo. Fue la primera exposición organizada por la Asociación de Pintores y Escultores Americanos fundada un año antes y cuyo presidente era Arthur B. Davies (McSHEA s.f.). Davies había visto la exposición Sonderbund en Colonia, Alemania, y junto con su amigo Kuhn hizo un enorme esfuerzo organizativo para llevar 500 obras a los Estados Unidos. Davies, gran admirador del simbolismo, llevo obras de Ingres, Delacroix y Goya a fin de que el público americano no se enfrentara directamente con las vanguardias europeas porque sabía que habría reacciones adversas e incluso no fue de su desagrado como medio de atraer la atención sobre su proyecto. La Exposición Internacional de Arte Moderno donde se expusieron obras de pintores como Braque, Camoin, Corot, Courbert, Degas, Gauguin, Van Gogh, Kandisky, Léger, Manet, Picasso, Seurat, Signac, Duchamp, Delaunay, Monet, Matisse, Hopper, Whistler y de un Cézanne que ya era un gran maestro consolidado y que tendrá una influencia importantísima sobre la concepción del acto pictórico en Helen Frankenthaler, atrajo a 75.000 visitantes en Nueva York y a 200.000 en Chicago. El Metropolitan Museum of Art compraría La Colline des pauvres de Cézanne y fue una prueba de la integración de las vanguardias europeas en los museos neoyorkinos.

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Como ocurrió en Paris con los impresionistas, la iniciativa en el arte neoyorkino la tomo un fotógrafo. Del mismo modo que Nadar organizo la primera exposición de pinturas impresionistas en su estudio del Boulevard des Capucines, Alfred Stieglitz


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presentó las primeras exposiciones vanguardistas en América en su estudio en el número 291 de la Quinta Avenida. Stieglitz que en 1924 se casaría con la artista americana Georgia O'Keeffe, mostro los dibujos de Rodin, lo que provoco un gran escándalo y después obras de Cézanne, Rousseau, Matisse, Picabia y Brancusi. El estudio del fotógrafo de Nueva Jersey se convirtió en el centro del dadaísmo en Nueva York. A pesar de la supuesta libertad respecto de la tradición, del público y la crítica americana en comparación con la europea, las reacciones adversas se sucedieron. Incluso el público americano daba menos importancia al arte que la vieja Europa y era más receptivo a las innovaciones científicas y tecnológicas, con lo que podía llegar a ser más cruel en sus críticas que los ambientes europeos. Pero también había americanos en el polo opuesto como era el caso de los coleccionistas, apasionados y sin prejuicios, como la familia Stein, especialmente la poeta Gertrude y su hermano Leo. Indudablemente el papel de los coleccionistas fue de capital importancia tanto para los artistas americanos como para los europeos, pues ni las instituciones públicas ni las gubernamentales se interesaron por el arte moderno, sino el sector privado. Los críticos elaboraron diversas versiones apocalípticas sobre el fin del arte y sin embargo los visitantes compraron cuadros. Un total de 200 cuadros europeos de la exposición se quedaron en los Estados Unidos. Los tabúes empezaban a romperse pero las iniciativas de Davies darían su fruto más tarde en la práctica artística y sin duda este retraso fue debido a la Primera Guerra Mundial.

1.6. LA INFLUENCIA DEL MOMA En 1929 dieciséis años después del Armory Show, se fundó en Nueva York el Museum Of Modern Art. De nuevo el sector privado tomo la iniciativa. Si bien sus estatutos solo aceptaban obras certificadas y demostradas, revolucionó la practica museística del mismo modo que el Hannover Museum dirigido por Alexander Dorner y Justus Bier que serian posteriormente perseguidos por los nazis y que obligo al cierre del citado Kestnergesellschaft1 en 1936. El MOMA no solo se ocupo de las bellas artes sino también de las llamadas aplicadas, es decir, la

ILUSTRACIÓN 2. ALFRED BARR EN LA PORTADA DE LA REVISTA LIFE

El Hannover Museum también conocido como Kestnergesellschaft fue fundado el 10 de junio de 1916, en un momento económico muy difícil y durante la Primera Guerra Mundial. Su fundación se realizó durante la secesión de Hanóver para estimular la vida artística en la ciudad. El centro tuvo su florecimiento como precursor de arte moderno bajo la dirección de Alexander Dorner y Justus Bier. En el año 1936 los nazis presionaron en el despido de Justus Bier debido a su procedencia judía. La junta directiva de Kestnergesellschaft decidió cerrar el centro.

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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez fotografía, el cine y el diseño que tuvieron sus propios departamentos en el museo. La idea de un museo como una colección de obras en provecho de expertos y eruditos se sustituyo por la de constituir una institución artística vital y democrática. En el MOMA los objetos artísticos no se custodiaban como objetos raros y singulares sino en tanto reflejaban y ejemplificaban la vida real. Según Alfred H. Barr su director fundador, los pilares que sostenían el museo eran Paris y la Bauhaus. Barr siguió un lema que ha marcado la colección desde sus inicios hasta nuestros días. El decía que el hombre del museo debía estar en la vanguardia, pero un paso atrás. La forma en que el arte moderno tanto americano como europeo es estudiado es en gran parte debido al trabajo y la vida de Alfred H. Barr, Jr. En 1929 fue nombrado primer director del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue director hasta 1943. Barr fue fundamental en la promoción del arte de modernistas tan importantes como Van Gogh, Gauguin, Matisse y Cézanne. Sin embargo no le dedico tantos esfuerzos a Pablo Picasso, pero el museo pudo resarcirse organizando y trayendo numerosas obras del artista malagueño en la famosa retrospectiva en el MOMA de 1946 denominada Picasso: 50 años de su arte.

“Hoy el arte abstracto no necesita defensa. Ha llegado a ser una de las muchas maneras de pintar, tallar o modelar. Pero todavía no es una clase de arte que guste al público sin algún estudio y sacrificando algunos prejuicios.” ALFRED H. BARR Jr..

El objetivo de Barr al ser nombrado director del MOMA fue crear un lugar para mostrar las obras de los grandes artistas modernos de todo el mundo, una idea controvertida en los comienzos del siglo XX especialmente en tiempos caracterizados por el constante fluir de ideas. En este sentido un museo para el arte moderno parecía ser un oxímoron y Barr trato de cambiar las concepciones vigentes. Barr pensaba que el artista marcaba la pauta y el museo debe seguirle y no al revés. Barr fue el gran catalizador para que el público americano aceptara y se entusiasmara por el arte moderno en la segunda mitad del siglo XX. Su trabajo en el MOMA se encamino a establecer una colección permanente que proporcionara un marco de seguridad para los artistas modernos y a la vez una institución que fuese mucho más allá que la función efímera de marcar tendencias. Esta colección permanente a la que se llego a través del acuerdo tomado en 1953 con The Museum´s Board of Trustees estaba conformada por obras de Picasso, Matisse, Van Gogh, Gauguin o Cézanne muchas de las cuales permanecen en el museo en la actualidad y que se constituyeron en obras paradigmáticas de la historia del arte moderno.

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Entre las grandes innovaciones que realizó Barr se encuentra la de crear seis diferentes departamentos para la gestión de la conservación y estudio de las obras en el MOMA. Estas secciones del museo fueron, Pintura y


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Escultura, Dibujos, Impresión e Ilustración de libros, Cine, Fotografía y Arquitectura y Diseño. Antes de la Segunda Guerra Mundial, Barr fue muy criticado por muchos de los artistas y críticos americanos por no incluir en la colección del MOMA a muchos de los artistas abstractos que surgían en Nueva York. En 1940, un grupo que se llamaron a sí mismos Artistas Abstractos Americanos liderados por Ad Reinhardt enviaron un piquete al museo y repartieron unos panfletos que hacía preguntas del tipo ¿Cómo de moderno es el Museo de Arte Moderno? O ¿Qué significa moderno?. Efectivamente Barr fue inicialmente reticente a aceptar trabajos de los miembros de la llamada Escuela de Nueva York o Expresionistas abstractos que en este tiempo eran también conocidos como Postabstractos, Biomórficos e Intrasubjetivistas. Hasta después de la II Guerra Mundial el MOMA no comenzó a adquirir obras de Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell o Hoffmann. De todas formas la influencia del MOMA y sus incomparables colecciones, así como la de sus instituciones asociadas o sucesoras, ha promovido la apreciación y la aceptación del arte del siglo XX en los Estados Unidos. Mientras el coleccionismo siguió floreciendo en América, el surgir de una pintura independiente de los modelos europeos se fue produciendo en una relativa oscuridad. Aunque los inicios de la denominada ―Escuela del Pacifico‖ se remontaba al año 1930, el amanecer de un arte americano emancipado a nivel nacional y pronto a nivel internacional tendría que esperar hasta 1952, año en que el MOMA introdujo a la Escuela de Nueva York, incluyendo a Jackson Pollock, Mark Rothko, Clifford Still y otros en una exposición titulada ―Quince americanos‖. Dorothy Canning Miller fue una comisaria o ―curator‖ del MOMA que fue de las pocas mujeres que en su época tuvo tan alta responsabilidad en el mundo de los museos. Desde los años 40, Miller organizo seis exhibiciones de obras de artistas americanos introduciendo a un total de 90 artistas a los museos americanos. En lugar de exponer más artistas con pocas obras de cada uno, Miller exponía más obras de pocos artistas que separaba en distintas salas o apartados. ―Fifteen Americans‖ fue su tercera exposición pero sin duda la de mayor repercusión internacional fue ―The New American Painting‖ que entre 1958 y 1959 se paseo por ocho países europeos. Esta exposición cambio las ideas europeas sobre el arte americano, asentando firmemente el arte moderno americano y especialmente el Expresionismo Abstracto entre el público y la crítica europea. Se mostraron 81 obras de 17 artistas, entre ellos encontramos a William Baziotes, Sam ILUSTRACIÓN 3. CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN 15 AMERICANOS

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Francis, Ashile Gorky, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Grace Hartigan, Franz Kline, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko


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y Clyfford Still, es decir, La mayoría de los grandes referentes del Expresionismo Abstracto.

1.7. EL SALTO DE NUEVA YORK A LA CAPITALIDAD DEL ARTE MODERNO A partir de los años 50 la pintura americana con un impulso irreprimible y con una audaz autoestima empezó a ocupar el papel conductor que tendría en el mundo del arte hasta los años 70. No solo artistas europeos, sino también coleccionistas, marchantes y museos europeos empezaron a observar cada vez con más atención las tendencias que surgían al otro lado del Atlántico. Mientras la École de Paris producía variaciones sobre sus logros pioneros, los americanos refutaron la premisa todavía sostenida ampliamente de que la abstracción era un estilo uniforme y monocromo. Los contrastes entre los pintores americanos iban desde el caligrafismo de Mark Tobey, la explosividad gestual de Willem de Kooning, la complejidad visual de Jackson Pollock o los paneles infinitos y sugerentes de Rothko y Newman, es decir, no podía ser más variado pero en todos subyacía un nexo, una vitalidad, un descaro y una sensibilidad sin precedentes en el arte del siglo XX, la capacidad para transmitir a sus obras el carácter de realidad inmediata y una democratización universal para la misión social del arte; iba dirigido a cualquier persona.

1.8. LA IMPORTANCIA DEL PROCESO PICTÓRICO Era común denominador de los artistas etiquetados como expresionistas abstractos la necesidad de hacer fluir a través del acto pictórico sus mundos emocionales. Pero en lugar de ser este fluir un medio, se constituyo en sí mismo en un fin. En la acción de pintar, el gesto y la pincelada son una expresión reflexiva en el sentido especular del término y no porta una semántica ajena. El proceso pictórico es el contenido del cuadro. Este paso directo a representar la emoción sin tener que desarrollar una excusa o motivo es patente en Jackson Pollock y lo va a ser también en Helen Frankenthaler, la diferencia fundamental además de las herramientas pictóricas van a ser las emociones que vierten en sus lienzos. Este volcar y dejar fluir las emociones sobre una superficie sin preocuparse de técnicas dando prioridad a la expresión cuasi terapéutica del artista nos permitiría aventurarnos a concebir una pintura automática en paralelo a la escritura automática surrealista. El artista se precipita a registrar la emoción con su cámara pictórica, la pintura se torna fotografía y recoge el instante emocional del creador.

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Es más, la técnica representa un elemento de confusión para Pollock que enmascara el autentico contenido de la obra. Este pensamiento también lo sería de Van Gogh que quiere olvidar la técnica. Se persiguen improntas no representaciones, reliquias de la emoción del artista consciente de su vulnerabilidad vital.


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1.8.1. UN PASEO POR EL GESTO PICTÓRICO EN LA ESCENA AMERICANA . Las obras de la primera fase de Pollock aun no netamente expresionistas, rezumaban un estilo sombrío y un tanto manierista. Durante cierto periodo de tiempo el artista se sintió atraído por el colorismo del arte de los indios americanos y su caligrafismo pictórico pero sin duda lo que le marco profundamente fue el monumentalismo de los muralistas revolucionarios mejicanos como Rivera, Orozco y Siqueiros. Más tarde Frankenthaler conectara con este monumentalismo de la mano de Rufino Tamayo. Pollock también escudriño entre el surrealismo de Miró y los rasgos surrealistas que subyacieron en ciertas obras picassianas.

“El artista moderno vive en una era mecánica y tenemos (…) medios mecánicos para representar objetos al natural como la cámara y la fotografía (…) El artista moderno trabaja con tiempo y espacio y expresa sus sentimientos en vez de ilustrarlos…” JACKSON POLLOCK

Incluso un cubismo reticente desempeña en sus obras un papel de disposición ornamental bidimensional. Cada rincón de la tela es cubierto por un denso impasto que casi la convierte en el soporte de un bajorrelieve. Ya ILUSTRACIÓN 4. POLLOCK EN ACCIÓN, LEE KRASNER LE OBSERVA

es perceptible signos pictóricos que lo sitúan entre la

exuberancia y la ansiedad. Pollock que conocía los símbolos arquetípicos del psicoanálisis de C.G. Jung debido a sus problemas con el alcohol y los tratamientos psicoanalíticos que recibió, los expresa en sus obras pero sus intentos de objetivizar desde la distancia se tornan en una subjetividad desenfrenada, sin embargo cuando Pollock intentaba dar corporeidad a sus fantasmas psíquicos lo hacía no en su nombre sino en el de su época y su sociedad. Pollock, no obstante, no renuncia a su propia búsqueda a través de un arte propio y sin referencias y en su búsqueda dislocada se encontrará con la diversidad de las calidades que les son inherentes a los hechos de la misma vida.

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Su obsesiva búsqueda de la originalidad en un mundo encorsetado por las reglamentaciones y convencionalismos le lleva en 1947 a tomar una decisión trascendental para su carrera y se abandona al diseño subconsciente del goteo. Extenderá la tela por el suelo como había visto hacer a Siqueiros y dejara gotear la pintura desde un pincel o desde el mismo recipiente. Había nacido el llamado dripping o goteo que sería el vehículo para hacer fluir el mundo sensorial del artista sobre la tela a


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez través de lo que Max Ernst había llamado en 1936 en su Au delá de la peinture, ―azar controlado‖. El mismo Pollock explicó como pintar sobre el suelo le facilitó la inmersión en su propia obra al modo de los indios americanos y sus pinturas de arena. A través de la concentración Pollock construía sus telas de araña pictóricas que sería su signo distintivo. Sus obras surgían de una especie de trance místico donde el caos se organizaba en una misteriosa lógica compositiva y el acto de pintar se elevaba a un performance donde la obra comenzaba ya a resultar un residuo objetual del acto creativo. Otro expresionista abstracto, ocho años más joven que Jackson Pollock, fue Willem de Kooning, nacido en Rotterdam (Holanda) quien inspiro a Harold Rosenberg en la acuñación del término action painting usado por primera vez en 1955 en un ensayo para la revista Partisan Review donde describía el proceso empleado por pintores como de Kooning y Motherwell que según Rosenberg ILUSTRACIÓN 5. DE KOONING DELANTE DE DOS DE denotaban una relación emocional SUS MUJERES, SU CUADRO Y ELIANE SU ESPOSA entre el artista y el lienzo, como si el artista fuese un performer en el escenario. De Kooning que empezó en un mundo pictórico representacional fue abandonando las formas reconocibles y sumergiéndose en una abstracción donde el color fue el factor espacial determinante. Realmente la figuración de alguna manera estuvo siempre subyacente hasta en las abstracciones más puras de De Kooning. Su serie Mujeres, esos ídolos demoniacos y primitivos caminan entre su figuración y la expresión gestual de su representación. De Kooning sintió siempre reticencia a ser etiquetado como expresionista abstracto. Su pintura es una metamorfosis del mundo visible a través de su mundo interno. Su arte se escapa a la clasificación porque las realidades que representaba cambiaban en función de su relación con ellas. Podía expresar tanto un dramatismo apocalíptico como la serenidad de unos movimientos fluidos especialmente en su obra tardía. Puede decirse que De Kooning representa el equilibrio entre la expresión desmedida y la medida compositiva. Quizás su adiestramiento cubista previo a su abordaje al automatismo surrealista fue determinante para esta paradoja. Su temática se concentró en la figuración y el paisaje.

“Nada es positivo en el arte a menos que sea una palabra. A partir de ahí, todo el arte se convirtió en literario. Todavía no vivimos en un mundo en que todo sea evidente por sí mismo. Es muy interesante darse cuenta de que un montón de gente que quiere apartar el discurso de la pintura, por ejemplo, no hace más que hablar sobre ella. Sin embargo, en ello no hay una contradicción. El arte por sí mismo es un tema siempre silencioso del que siempre puedes hablar” WILLEM DE KOONING

“El material del pensamiento es la semilla del artista. Sueños de las cerdas del pincel del artista. Y, de la misma forma que el ojo funciona como centinela del cerebro, yo comunico mis percepciones más intimas a través del arte, mi visión del mundo.”

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ILUSTRACIÓN 6. ARSHILE GORKY

ARSHILE GORKY


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Arshile Gorky, amigo de De Kooning, de ascendencia armenia hacía gala de una imaginería de marcadas influencias surrealistas. Catalogado a menudo como expresionista abstracto Gorky realmente fue uno de los más directos precursores del movimiento. La conjugación de las estéticas surrealistas y expresionistas en su obra marco tendencias en los pintores neoyorkinos. También fue el precursor de nombrar las composiciones abstractas por su apariencia con nombres de objetos y lugares fusionando así lo objetivo y lo subjetivo dentro del discurso artístico. Sin duda su amigo De Kooning le introdujo en las tendencias modernistas europeas. La forma de Gorky de realizar sus composiciones aparentemente espontaneas no estaban carentes de una metodología e incluso realizaba esbozos de las mismas. Gorky se suicidaría el 21 de Julio de 1948 y es curioso observar como estos trágicos desenlaces vitales se repetirían en algunos de los integrantes del Expresionismo Abstracto. La exuberante vitalidad, pero a la vez dramática y patética de la action painting llegaron a su máxima expresión con los grandes formatos en blanco y negro de Franz Kline. Franz Kline se centra en una temática, la representación dramática de grandes trazos que surgen y colisionan con una energía desmedida liberando el gesto del ILUSTRACIÓN 7. KLINE EN SU ESTUDIO artista en su espacio pictórico. Kline prefería controlar su gesticulación en lugar del automatismo subconsciente de Pollock. Su inclinación cromática se inclino por el blanco y el negro si bien en la fase final de su carrera incluyo algunos colores más. Este negro sobre blanco presagian dos argumentaciones, una el dibujo y su fusión con la pintura y otra de origen claramente caligráfico. Kline que hizo gran cantidad de dibujos a pincel luego los trasladaba a la tela. En sus primeras obras puede rastrearse algún elemento objetual pero el núcleo principal de la misma es la representación de la pureza del gesto, a veces de un arcaísmo exuberante. Las telas de Kline no solo muestran su personalidad transfigurada en trazos sino la personalidad de la nueva América pictórica. Esta nueva América pictórica tenia reivindicaciones éticas que formular antes de la llegada del Pop Art y Clifford Still es uno de los artistas que mejor lo

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ILUSTRACIÓN 8. CLIFFORD STILL


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expresa cuando dice en una carta: “Los pintores americanos nos vemos obligados a pasar a la acción no ilustrando viejos mitos o coartadas contemporáneas”. (RUHRBERG 2005) Tenían que asumir plena responsabilidad de lo que hacían y la grandeza de su arte residiría en la profundidad de comprensión y en la valentía con que llevaran a la práctica sus propias ideas. En Still la tensión de sus obras procede del contraste entre las grandes superficies y la pintura oscura y texturizada en que se insertan franjas estrechas y afiladas de colores más claros. El dramatismo de Still es menos patente que en otros pintores de su movimiento. La moderación del gesto se traslada a un plano más profundo de la obra que se transforma en una energía que brota en un impasto que dota a la obra de Still de una emotiva vibración. También para Still su temática es endémica, el propio proceso pictórico. Sam Francis casi 20 años más joven que Still parte de Pollock en tanto su transmisión de la emoción al acto pictórico, sus obras son acontecimientos pictóricos donde el color toma protagonismo como elemento expresivo. En sus comienzos su paleta era tendente a la monocromía pero en el discurrir de su carrera los colores adquirieron gran brillantez y se yuxtaponían unos a otros en un alboroto cromático que constituían una alegoría de la alegría. El dramatismo gestual se vio encarcelado por la vitalidad de sus azules, rojos y amarillos que en un ILUSTRACIÓN 9. SAM FRANCIS

grito primario rememoraban las paletas fauvistas. En sus últimas obras la amenaza fauvista se disipa en la inspiración del pensamiento del lejano Oriente en que los pasajes de color contrastan con espacios vacios que se expanden. La lucha de la pintura moderna americana por desprenderse de la tradición europea se manifiesta desde los años cuarenta, en un principio sin demasiadas pretensiones de capturar la atención de sus compatriotas. Durante casi diez años los artistas americanos hicieron su andadura en solitario sin la participación del público.

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ILUSTRACIÓN 10. ROBERT MOTHERWELL

Esta soledad de los pioneros americanos era muy difícil de soportar especialmente para Robert Motherwell, que además se había sentido profundamente impresionado por el arte europeo. Picasso, Matisse, el surrealismo y el dadaísmo le


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habían impactado. Tanto su trato con el color y la monocromía tenía un suave perfume francés. Pero hubo de olvidar su encanto por Karl Schwitters y Hans Arp para encarnar el impulso moral de la pintura americana manteniéndose alejado del primitivismo de sus colegas. Él mismo diría que las leyes del arte deben ser primero éticas y después estéticas. Su interés por los problemas humanos de la época fue más allá de la filosofía. La larga e impresionante serie ―Elegías Españolas‖ dedicada a la II Republica española y su desaparición tras la Guerra Civil demuestra su lenguaje reducido combinando las fuerzas simbólicas de la gestualidad de la action painting . Robert que también uso el collage daba rienda suelta a su sensibilidad imaginativa y una elocuencia crítica que le convirtieron en mediador artístico entre América y Europa. Seguramente este refinamiento y sensibilidad cautivaron a Helen Frankenthaler que en 1958 se casaría con él y durante los trece años que duro este matrimonio, los diálogos e intercambios de ideas estéticas fueron constantes. La action painting americana que englobamos en el expresionismo abstracto, es y no es expresionista en el sentido europeo del término, digamos que hay dos expresionismos, el americano y el europeo y la conexión entre ambos, el puente que los unió fue Hans Hofmann. Hans Hofmann un bávaro que había bebido de las fuentes parisinas de las vanguardias históricas en su eclosión y que ya se dedicaba a la enseñanza en su escuela de pintura muniquesa en 1915 y luego en Estados Unidos empezando por las sesiones de verano de la Universidad de Berkeley2 en California y llegando a la Art Student League de Nueva York para después abrir su propia escuela, fue el maestro de nombres que son pilares básicos para el Expresionismo Abstracto americano como los pintores Jackson Pollock, Lee Krasner o Mark Rothko y el crítico y teórico del arte Clement Greenberg. Los años de Hofmann en París le permitió tomar contacto con artistas como Braque, Picasso, Léger y Robert Delaunay del que fue asistente y su estilo se forjara como ILUSTRACIÓN 11. HANS HOFMANN EN SU ESTUDIO fusión de algunas de las tendencias vigentes en aquellos momentos. En muchas ocasiones sus obras ofrecen una estructura cubista, unos colores fauvistas, una energía expresionista y algunos matices surrealistas.

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El museo de esta universidad posee una extensa colección de sus obras.

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Hofmann creía fervientemente que un artista moderno debía permanecer fiel a la bidimensionalidad del lienzo y para sugerir profundidad y movimiento, en definitiva generar la tercera dimensión, creó lo que él llamo push and pull, empujar y tirar, en la imagen mediante el contraste del color, las formas y las texturas. Para Hofmann la naturaleza era la fuente de inspiración por antonomasia del artista y no le importaba como de abstractas podían llegar a ser sus pinturas, siempre busco mantener en ellas un lazo con el mundo objetual. Incluso cuando sus lienzos parecieron ser solo conjuntos de formas y colores, Hofmann argumentaba que esos objetos formaban parte de la sugerencia al movimiento y el movimiento era el pulso de la naturaleza. Hofmann a pesar de ser reconocido por sus escritos, en cierta ocasión llego a decir: ―Los pintores deben hablar a través de la pintura no a través de las palabras‖ y su medio de expresión fue el color ya que le parecía el misterio natural que nos permitía visualizar el mundo. Las ideas de Hofmann respecto del origen de la inspiración, la naturaleza, y la importancia del color y su dimensionalidad van a ser determinantes en las clases que le impartió a Helen Frankenthaler. La audacia y la confianza de Hofmann hizo que superara la pintura europea sin perder nunca el contacto con ella y esto fue una gran fuente de estimulo para los artistas americanos. Ya Hofmann se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir. En 1958 dejó la enseñanza para consagrarse a la pintura hasta su muerte en 1966.

1.8.2. Y EL GESTO SE HIZO COLOR. A finales de los años 40 aparece una tendencia en el expresionismo abstracto como alternativa a lo gestual. Sus pioneros son entre otros Mark Rothko, Barnett Newmann y Clyfford Still quienes inician una búsqueda independiente de un estilo de abstracción que pretendía dotar de modernidad a un arte mítico y expresar un anhelo por la trascendencia y la infinitud. Para lograrlo se abandona todo atisbo de figuración y en cambio se explota el poder expresivo del color desplegándose en grandes áreas o campos las cuales pretendían envolver al espectador.

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Los pintores de los color fields fueron ideológicamente apoyados por el crítico Clement Greenberg cuyo papel principal analizaremos más adelante y quien aclamaría los avances logrados en las formas y la composición. Lamentándose de que los pintores gestuales habían caído en un bucle imitativo frente a los

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Sus trabajos marcaron la inspiración de la denominada segunda generación de los campos de color también denominada Abstracción Postpictórica, término acuñado por Clement Greenberg y en la que se inserta Helen Frankenthaler con un papel fundamental además de Morris Louis, Keneth Noland y Jules Olitski entre otros artistas y donde las formas adquieren un papel esencial más allá del contenido mítico.


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seguidores del color fields que habían dando un paso adelante en su expresión estética en el sentido de que había sido la tendencia que resueltamente apostaría por la sugestión de las formas y masas independizándose del fondo. Ahora figura y fondo son uno y el espacio de la obra se concibe como un área que parece esparcirse más allá de los límites del soporte. Rothko, Newman y Still se fueron moviendo independientemente hacia los campos de color a finales de los años 40. Still es reconocido como el primero en lograrlo con una serie de obras que expuso en 1947 pero Newman fue muy importante para teorizar la tendencia, en ese mismo año organizó una exposición para la galería de Betty Parsons titulada ―La pintura ideográfica‖ donde se reúnen obras de Rothko, Still o Hofmann señalando el desarrollo en el reciente arte americano de un nuevo impulso. Lo resumiría en el concepto de ideografía que describe como un carácter, símbolo o figura que ILUSTRACIÓN 12. CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN LA PINTURA IDEOGRAFICA DE B. NEWMAN sugiere la idea de un objeto sin necesidad de expresar su nombre. Newman investigo para desterrar el más mínimo rastro de figuración y llegar a formas abstractas que tuviesen vida propia según expresó en el artículo titulado ―Un vehículo para una abstracción del pensamiento complejo‖. Sería más real y presente que una forma que procediese de la abstracción desde la naturaleza o desde un objeto. El fruto de las investigaciones de Rothko, Newman y Still en los últimos años de la década de los 40 fue el comienzo de una división del Expresionismo Abstracto en dos tendencias divergentes, los campos de color y la pintura gestual. No sería hasta los años 50 cuando esta división fue ampliamente reconocida por los críticos. Clement Greenberg fue el primer crítico en identificar y celebrar la emergencia de los campos de color. Greenberg realizó un profundo estudio en su ensayo de 1955 titulado ―Pintura de tipo americano‖, en el que argumentaba que quizás los campos de color constituía una de las aportaciones más importantes al arte moderno desde el Impresionismo, suprimiendo lo que denominaba el valor o contraste entre las zonas iluminadas y las sombras para definir la profundidad y el volumen de la obra. Muchos expresionistas abstractos adoptaron el all over o intento de situar la composición entendiendo el lienzo como un ―campo‖ más que como una ventana donde inscribir figuras aunque no llegó tan lejos como los pintores de los campos de color.

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Si bien Still, Rothko y Newman desarrollaron distintos modos de entender su trabajo, Newman expuso el mejor conocido de ellos en su ensayo ―Lo sublime viene


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ahora‖ de 1948. Lo diseña desde la estética del siglo XVIII de Edmund Burke y propone la idea de que solo lo sublime era lo apropiado para liberar al arte moderno, secuestrado por el horror de la guerra. El arte europeo se habia esforzado en su búsqueda de la belleza y ahora no era momento de abandonar esa búsqueda.

“La pintura no trata de una experiencia. Es una experiencia”

Mark Rothko muy influido por el pensamiento de Nietzche, la mitología griega y su herencia ruso-judía estuvo profundamente comprometido con el contenido emocional que él articuló a traves de un rango de estilos que evolucionaron desde la figuración a la abstracción. Los primeros trabajos de Rothko que incluian paisajes, escenas cotidianas, estudios de figuras o retratos demostraban una habilidad para combinar las ideas expresionistas y surrealistas. Su búsqueda de nuevas formas de expresión le llevaron a los campos de color, empleando brillantes colores para obtener sensaciones de espiritualidad. ILUSTRACIÓN 13. ROTHKO EN SU ESTUDIO

Rothko mantuvo sus ideas revolucionarias de la juventud durante toda su vida. En particular él mantuvo la absoluta libertad de expresión del artista y sintió que estaba comprometido con el mercado del arte. Esto le llevo a situaciónes complejas con el mundo del arte llevandole a responder públicamente a los críticos y en ocasiones a rechazar comisiones, ventas y exposiciones. La pintura consumió la vida de Rothko y no recibió el reconocimiento en vida, que se multiplicó despues de su muerte. Contrario a los expresionistas abstractos rigurosamente formales, sin embargo investigó el potencial compositivo del color y la forma, sobre la psique humana. Estar ante una obra de Rothko produce unas vibraciones que nos llevan a la espiritualidad que él busco, sin descanso, evocar en el espectador. Fuertemente independiente no se doblegó a los aspectos más comerciales del mercado del arte y luchó ferozmente por proteger su libertad creativa. Barnett Newman como Rothko tenian raices judio-orientales y ambos atravesaron una fase surrealista y expresionista abstracta antes de llegar a imágenes meditativas sincronizadas con sus lineas de pensamiento y emotividad.

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BARNETT NEWMAN

ILUSTRACIÓN 14. NEWMAN, POLLOCK Y TONY SMITH EN LA PARSONS. 1951

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“La invención de la belleza por parte de los griegos, esto es, su postulado de la belleza como un ideal, ha sido la bestia negra del arte europeo y las filosofías estéticas europeas”


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Seguian la idea de Konrad Fiedler de que el ojo no solo sirve para proporcionarnos las imágenes del exterior sino que en el acto de ver se produce una imagen interior que se desarrolla con independencia de lo visto. Trasladando esta idea al mundo del arte se puede inferir que una imagen finita de una obra puede provocar una concepción infinita cuando el espectador penetra mental y perceptualmente en el espacio de la imagen. Esta abstracción del intelecto puede contrarrestar por ejemplo un sentimiento de insatisfacción con el mundo fomentando una utopía optimista que pretenda mejorarlo como hizo Piet Mondrian con su noción de la ―armonia universal‖. Para Newman las obras de Mondrian no eran trágicas y por tanto incapaces de alcanzar la sublimidad que Newman perseguía. Newman pensaba que el enorme peso de la tradición europea lo era incluso para Mondrian y diseñó un plan de escape a traves del estudio del primitivismo de los indios americanos. Barnett iba en busca de la dignidad del rito y la liturgía para su arte. ―El primitivismo en el arte moderno‖, el libro de Robert Goldwater de 1938 tuvo para el una importancia capital de igual modo que ―Abstracción y empatia‖ de Wilhelm Worringer lo tuvo para los artistas alemanes anteriores a la Gran Guerra. Barnett Newman estableció para el arte las siguientes demandas categóricas, en primer lugar debería ser abstracto, en segundo, su dinámica debería ser ritual y por último su objetivo sería la visión y la ilustración. El arte de Helen Frankenthaler cumplirá esos tres requisitos. Para Newman en el lugar de la belleza como referencia, influido por Spinoza y Edmund Burke colocó la verdad y lo sublime. La experiencia inmediata se convirtió en el objetivo de su pintura, dotando al cuadro la misión de portar la idea experimentada perceptualmente y ser el resultado de un pensamiento pictórico que era al mismo tiempo radical y emocional. Este pensamiento se manifestaba en primer lugar a través del color. Así el área coloreada era un espacio que cuando el espectador se acercaba lo suficiente y abandonando el mundo perceptual convencional penetrará en el campo de color cuya luz construía aplicando sucesivas capas de pintura diluida.

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Las pinturas de Newman fueron una ruptura decisiva con la abstracción gestual de sus coetáneos. Newman propuso eludir las oposiciones convencionales entre figuras y fondos para alcanzar una bidimensionalidad y creó un símbolo el zip, esa estrecha banda a modo de cremallera que invocaba al espectador nuevos mundos emocionales. Este es el gran legado de los campos de color y cuyo testigo tomará Helen Frankenthaler iniciando la segunda generación de este movimiento.


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1.8.3. UN PASO MÁS ALLA , LA ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA. Como hemos apuntado en líneas anteriores Helen Frankenthaler procede del círculo influenciado por Hans Hoffmann y como él, Helen sirvió de puente pero en un sentido distinto. Helen partirá de la inspiración de Cézanne, de un primer Kandisky en el lirismo, de un Pollock en sus formatos y olvidándose del caballete y también partirá por supuesto de Hofmann abandonando el patetismo y lanzándose a los brazos del lenguaje del color como expresión lirica de la naturaleza y sus emociones. Así como Pollock se autodefinió por la técnica del dripping, goteo, Frankenthaler lo hará por la soak stain, manchado diluido, en la que confluyen dos componentes. En primer lugar Helen no dará ILUSTRACIÓN 15. HELEN FRANKENTHALER VERTIENDO PINTURA SOBRE EL LIENZO imprimación a sus telas y en segundo lugar su pintura estará muy diluida para poder fluir tanto en la superficie como en la propia urdimbre de la tela en su búsqueda de la bidimensionalidad pura donde color y soporte se funden. A comienzo de los años sesenta, artistas, que Clement Greenberg denominó abstraccionistas postpictóricos, estaban entre los más prominentes pintores de los campos de color. Morris Louis creaba obras que contenían un grado de simetría, logrado mediante anchas bandas de pintura diluida a través de la superficie del lienzo. Keneth Noland pintó sus atrevidas formas geométricas, dianas y ―uves" en la mayoría de los casos y comenzó a experimentar con marcos con geometrías distintas a las rectangulares. Pintores como Ellsworth Kelly y Al Held son también adscritos a los campos de color incluso algunos de sus trabajos se asociaron con la tendencia hard edge. En 1964, Clement Greenberg fue invitado por el Los Angeles County Museum of Art (LACMA) para organizar una exposición mostrando a un grupo de jóvenes artistas que habían desafiado la gestualidad de los expresionistas abstractos. Greenberg trabajo con el conservador James Elliot sobre una gran selección que incluía a Helen Frankenthaler, Kenneth Noland, Morris Louis, Jules Olitski, Frank Stella, Walter Darby Bannard, Jack Bush, Gene Davis, Friedel Dzubas y Sam Francis. Fueron un total de 31 artistas representados por tres pinturas cada uno3. La mayor parte de las obras fueron ejecutadas entre 1960 y 1964. Todos ellos construían sus obras con grandes superficies de color inmoderadas mostrando sus capacidades expresivas, que Greenberg identificó como franqueza y claridad. Como un guiño al

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Véase apéndice 6.1

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historiador del arte Heinrich Wölfflin distinguió entre lo lineal y lo pictórico y bautizo esta exposición como ―Abstracción Post-pictórica‖. Los artistas de la exposición eran de los Estados Unidos o Canadá. Greenberg pensaba que la pintura abstracta se había desarrollado en una orientación pictórica pero se había girado hacia una composición más limpia y unas formas más puras en los años 20 y 30 bajo la influencia de Mondrian, el Cubismo Sintético y la Bauhaus. El Expresionismo Abstracto marcó otra tendencia al pictóricismo y hubo una inevitable reacción en contra, aunque para Greenberg el Expresionismo Abstracto no fue una vuelta hacia atrás. Si bien muchos artistas se asociaron a la tendencia que trabajaba las líneas limpias y las formas bien definidas, como Frank Stella, Ellsworth y Al Held, otros exploraron formas más suaves e indefinidas como fue el caso de Helen Frankenthaler y su técnica del Soak Stain, que creaba un efecto visual abriendo la puerta del lienzo como Newman la abría con sus zips. En lugar de crear ―impastos‖ la pintura de Helen se introducía en el soporte logrando unos campos de color vibrante y perfectamente planos. Otros artistas postpictóricos como Morris Louis, Keneth Nolan o Jules Olitski siguieron técnicamente a Helen para conseguir sus propias creaciones de campos de color. En Junio de 1965 tuvo lugar una exposición en la Washington Gallery of Modern Art denominada Washington Color Painters. Muchos de los artistas expuestos habían participado en la Post-Painterly Abstraction de los Ángeles. Estaban presents, Gene Davis, Thomas Downing, Howard Mehring, Morris Louis y Kenneth Noland. Esta exposición marcó el comienzo de lo que se llamó la Washington Color School y que fue una corriente inmersa en los color fields. Los pintores de Washington crearon lienzos minimalistas compuestos con bandas, listas y alternancia de colores y formas geométricas.

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En Noviembre de 1966 en las páginas de Artforum el crítico Michael Fried publicó el ensayo ―Shape as Form: Frank Stella's New Paintings‖ donde denominó a los recientes trabajos de Louis, Noland, Olitski y Stella, ―Nuevo Ilusionismo‖. Según Fried el viejo standard de la pintura abstracta o ―viejo ilusionismo‖ era tomar un lienzo rectangular y tomarlo como plantilla para sus representaciones, en cambio los nuevos ilusionistas usarían nuevos formatos para el soporte cuyas formas, curvas, ovoides o asimétricas se hacían sinónimas de las formas representadas. El ―Nuevo Ilusionismo‖ señalaría el advenimiento de nuevas formas para el soporte, una moderna y singular innovación.


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2. HELEN F RANKENTHALER , ESBOZO DE UNA BIOGRAFÍA rankenthaler en su dilatada vida ha tenido innumerables acontecimientos y ha conocido a una cantidad ingente de los personajes más influyentes de la escena del arte americano. En este apartado sobre su biografía iniciaremos un recorrido desde su infancia y juventud donde muy pronto descubrirá su vocación por la pintura, como se irá desarrollando su periodo formativo y como su encuentro con el crítico y teórico del arte, Clement Greenberg va a determinar su acceso a la élite del mundo creativo americano de mediados del siglo XX. Helen tuvo una gran proyección por su paradigmática obra Mountains and Sea y se casará con el artista Robert Motherwell que nos servirá para analizar el curioso fenómeno de las parejas de artistas que tanto se dieron esos momentos. Baste recordar a Pollock y Krasner, Willem y Elianne de Kooning o Hans y Renate Hoffman. Por último haremos un recorrido por la relación que Helen mantendrá con este caldo de cultivo que supuso el ambiente plástico neoyorkino de posguerra.

2.1. INFANCIA Y JUVENTUD Helen Frankenthaler nació en New York el 12 de diciembre de 1928. Su padre era Alfred Frankenthaler, juez respetado del Tribunal Supremo del estado de Nueva York. Su madre, Martha Lowenstein, había emigrado con su familia de Alemania a los Estados Unidos poco después nació Helen. Sus dos hermanas, Marjorie y Gloria, eran seis y cinco años mayores que ella, respectivamente. Frankenthaler creció en el seno de una familia judía acomodada y culta que animó a las tres hijas para que se prepararan para sus carreras profesionales. Ella estudio en las escuelas de Horace Mann y de Brearley, y en 1945, se graduó en la Dalton School donde estudió con el pintor mexicano Rufino Tamayo. Decidida a seguir una carrera en artes, entró en la universidad de Bennington, en Vermont, en la primavera de 1946 y comenzó sus estudios con Paul Feeley. Bajo su dirección ella aprendió el lenguaje pictórico del cubismo, mientras que también absorbía el método formalista del análisis pictórico desarrollando un profundo respeto por los maestros antiguos y modernos de la historia del arte. Se licencia en Bennington en julio de 1949. En su vigésimo primer cumpleaños recibió una herencia de su padre que había muerto en 1940 y que le marco profundamente. Esta herencia le permitió disponer de su propio apartamento en Nueva York mientras que también pudo disponer de un estudio para realizar sus obras.

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A partir de ese momento se dedicó plenamente a la pintura, mientras seguía formándose en historia del arte en la Universidad de Columbia de la mano de Meyer Schapiro. Un año más tarde, estudió en Provincetown, Massachusetts, con


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Hans Hofmann. En la primavera de 1950, Frankenthaler organizó una exposición de los alumnos de la Universidad de Bennington para la galería de Jacques Seligmann en Nueva York. Allí Helen Frankenthaler conoció al crítico Clement Greenberg, uno de los principales críticos del arte del momento y que apoyaba a la Escuela de Nueva York que emergía en aquellos años. Clement Greenberg fue probablemente el crítico con mayor influencia en la Escuela de Nueva York y el que más apoyó el expresionismo abstracto y en particular a Jackson Pollock. Sus ideas ejercieron un enorme estimulo en las carreras de artistas como Morris Louis, Keneth Noland y la misma Helen Frankenthaler. Su análisis marcadamente formal y riguroso le hacía entender el desarrollo del arte moderno desde el conocimiento de la evolución del arte a través de los siglos. Acuñó términos y conceptos que son pilares fundamentales en la comprensión del arte de la modernidad como, Kistch, pintura de caballete, flatness, all over o espacio óptico. Greenberg creyó en la necesidad del arte abstracto como la escapatoria del arte a la injerencia de políticos y comerciantes en él. Había contactado con varios críticos y escritores la mayoría de los cuales judíos trotskistas quienes llegaron a ser conocidos como los Intelectuales de Nueva York de los cuales también formó parte Harold Rosenberg. Su reputación se vio consolidada cuando publica el ensayo Avant-Garde and Kistch en el semanario The Partisan Review que era un referente de las artes y la cultura en la ciudad de Nueva York y que tenía sus oficinas cerca de Astor Place en Greenwich Village. En este ensayo realizó un ambicioso análisis del gran arte moderno y la cultura popular. Otros ensayos pusieron énfasis en su visión de los pintores modernos europeos, como Renoir, Cézanne, Chagall, Matisse, Braque o Picasso. Su primera publicación en The Partisan Review fue en 1955 con su ensayo 'American-Type' Painting y se reedito en 1961 formando parte de su colección de ensayos titulada, Art and Culture. Fue apasionante la disputa intelectual que mantuvo con Harold Rosenberg otro de los grandes críticos del expresionismo abstracto y que tenía una gran influencia en los medios artísticos desde 1952 cuando publica The American Action Painters.

2.2. EL ENCUENTRO CON CLEMENT GREENBERG Frankenthaler y Greenberg comenzaron una relación intima que continuó hasta 1955. Viajaron mucho juntos, a Madrid, a Roma, a Venecia, y a Londres, para observar las grandes obras del arte occidental. Uno de esos viajes esta vez no para observar obras sino paisajes seria

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ILUSTRACIÓN 16. POLLOCK, GREENBERG, HELEN Y KRASNER (1952)


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determinante en su carrera, el que realizaron a las costas de Nueva Escocia en el verano de 1952. Clement y Helen habían visitado la exposición en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York en Junio de ese mismo año titulada Cézanne: Paintings, Watercolors and Drawings: A loan Exhibition donde se exhibieron paisajes de Cézanne y donde sin duda se impregnaron del método del maestro de Aix para buscar la emoción del paisaje y su posterior plasmación plástica. Este viaje inspirara a Helen Frankenthaler para realizar su obra más famosa y significativa Mountains and Sea , Montañas y Mar que terminaría en Octubre de 1952 poco antes de cumplir 24 años y cuya originalidad estética y técnica supondría un punto de inflexión en las corrientes del expresionismo abstracto y por ende de la pintura moderna de posguerra. A través de Clement Greenberg, Helen conoció a Willem y Elaine de Kooning, Friedel Dzubas (con quién compartió un estudio en 1952), Adolph Gottlieb, Franz Kline, Lee Krasner, Barnett Newman, Jackson Pollock, David Smith, y otros de los principales pintores de la generación que en los años 50 fueron aclamados como expresionistas abstractos.

2.3. SU MATRIMONIO CON ROBERT MOTHERWELL Robert Motherwell es probablemente uno de los más ilustrados pintores del Expresionismo Abstracto americano. Nacido en Aberdeen, Washington en 1915 se licenció en filosofía en la Universidad de Stanford en 1937 y poco antes de finalizar un doctorado que realizaba en Harvard giró su interés hacia el Arte y la Historia realizando estudios en la Universidad de Columbia de la mano de Meyer Shapiro. Su retórica y brillantez como conferenciante y escritor supusieron un soporte intelectual fundamental para los expresionistas abstractos de la joven Escuela de Nueva York. ILUSTRACIÓN 17. MOTHERWELL Y HELEN EN PROVINCETOWN

ILUSTRACIÓN 18. EL MATRIMONIO MOTHERWELL EN PROVINCETOWN

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Quizá esa sofisticación fue la que atrajo a Helen quien se casaría con Robert en 1958 hasta 1971, año en que se divorcian. Helen que había nacido en una familia muy acomodada por el trabajo de su padre Arthur, un afamado juez del Tribunal Supremo del estado de Nueva York, había disfrutado de la comodidad y la sofisticación tanto material como intelectual asistiendo a las mejores escuelas y universidades así que valoraba


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sobremanera las facultades intelectuales de sus compañeros sentimentales, Greenberg, primero y Motherwell después. Robert y Helen vivieron en Provincetown, Massachusetts una pequeña ciudad provinciana que fue muy del gusto de los expresionistas abstractos especialmente en verano. Allí residieron también Jackson Pollock, Franz Kline, Hans Hofmann o Willem de Kooning. Katharine Kuh cuenta como los jóvenes pintores visitaban a los Hofmann (KUH 2007) que les atendían paternalmente, entrando y saliendo constantemente de la casa de Hans y Renate, mientras Hopper que no vivía lejos de allí se mantenía aislado en su casa.

2.4. LAS ESPOSAS ARTISTAS . LA MUJER ARTISTA EN LA ESCUELA DE NUEVA YORK El hecho de que se dio con frecuencia en los ambientes americanos parejas de pintores expresionistas como Jackson Pollock y Lee Krasner, Willem y Elaine De Kooning o Robert Motherwell y la propia Helen Frankenthaler nos hace plantearnos el papel de la mujer en la escena artística del Expresionismo Abstracto. Frases de Hofmann y Albers parecen denunciar sentimientos de todo tipo hacia el papel protagonista de la mujer en el mundo plástico. Así como Hofmann llegó a ―elogiar‖ una obra de autor femenino diciendo que parecía pintada por un hombre Josef Albers aconsejaba a sus alumnas que primero fuesen ―mujer‖ y después pintora. Indudablemente aunque la mayoría de los pintores de éxito habían sido hombres tradicionalmente, a partir de finales del siglo XIX habían aparecido obras de autor femenino, recordemos a Mary Cassat, Mary Foote o Lillian Genth. Pero fue en el Expresionismo Abstracto donde la mujer dio el asalto final al mundo de la plástica tanto como artistas como gestionando galerías. Entre las artistas debemos citar a Lee Krasner, Eliane de Kooning, Georgia O’Keeffe, Joan Mitchell, Grace Hartigan, Hedda Sterne y la propia Frankenthaler. Como galeristas hay que destacar sin duda a Betty Parsons, también artista y de quien Helen dijo "Betty y su galería ayudaron a construir el centro del mundo del arte. Ella fue una de las ultimas de su especie‖ y a Peggy Guggenheim, hija de un magnate suizo fallecido en el hundimiento del Titanic y su tio Solomon fundador del museo de renombre internacional. Peggy que según confesaba solo ―llegaba al Impresionismo‖, fue instruida por Duchamp en el arte moderno y del que diría ser la persona más influyente de su vida.

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Aún dada la importancia de la mujer en este nuevo escenario la foto de los Irascibles denota que habría mucho camino que recorrer para el reconocimiento pleno del arte femenino. Esta foto hecha por una mujer, Nina Leen, para la revista Life, apareció en el número del 15 de Enero de 1951.


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Solo Hedda Sterne aparece acompañada de los artistas más relevantes del expresionismo abstracto. Helen Frankenthaler siempre mostró una independencia notoria de sus parejas pues Greenberg se apoyo en su obra para proclamar una alternativa a la gestualidad y Motherwell supuso para Helen más un ILUSTRACIÓN 19. LOS IRASCIBLES - REVISTA LIFE aporte intelectual que estilístico en su obra. 1951 Helen que no cree en una identidad feminista del arte sí que fue un icono para este movimiento por su independencia y claridad de ideas, perseverante en sus proyectos e imaginativa e innovadora en sus técnicas y variedad cromática. Helen ha sido un modelo a seguir para una gran legión de mujeres artistas de varias generaciones no solo por la consistencia de su trabajo, que ya es per se de suma importancia sino porque en un periodo a menudo dominado por el debate crítico nunca fue significada en su condición de mujer artista. Helen siempre ha insistido en considerarse y ser considerada simplemente un artista, sin el adjetivo femenino. Ella no solo es tan buen artista como cualquiera de sus colegas de cualquier sexo sino que supera a muchos de ellos.

2.5. LA RELACIÓN DE HELEN CON EL AMBIENTE ARTÍSTICO AMERICANO. Nueva York a mediados del siglo XX fue un hervidero de academias, galerías y museos donde los artistas pululaban, iban y venían y se produjo una simbiosis de influencias y logros que llevaron a un arte de una identidad y capacidad de proyectarse en el resto del mundo sin precedentes hasta esos momentos en el arte norteamericano.

2.5.1. LAS ACADEMIAS . Entre las academias neoyorkinas debemos citar The New School for Social Research fundada en 1919 como una institución para el intercambio de ideas y teorías entre artistas e intelectuales libres de la influencia de la censura de las presiones políticas. La estructura de esta escuela fue la de la alemana Volkshoschschulen una escuela modelo que resaltaba la importancia de la educación adulta y de diversidad intelectual y con propósitos interdisciplinares. Desde su comienzo mantuvo ideas próximas a los filósofos como Rousseau, Kant, Goethe, Hegel, Marx, Nietzche y Freud entre otros. A comienzos de 1936 Meyer Shapiro comenzó a impartir clases regulares que se centraban desde un punto de vista hegeliano más en el estilo y la forma que sobre los asuntos concernientes a la conciencia o inconsciencia humanas.

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Otra de las grandes academias neoyorkinas es la The Art Studens League of New York, cuyo lema ―Ningún día sin una línea‖ (THE ART STORY 2011) indica


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su consideración de la práctica del artista como base de su éxito y progreso. En ella estudiaron Mark Rothko, Pollock o Gorky y también enseñó entre 1930 y 1933 Hans Hoffman antes de abrir sus propias academias. Una lista sorprendente de los mejores artistas del expresionismo americano aprendieron o enseñaron en la Arts Students League, entre los que se encuentra Helen Frankenthaler. Con el aumento de la popularidad del Black Mountain College en Carolina del Norte y de las escuelas de Hans Hofmann en Nueva York y la de verano en Provincetown, muchos artistas y profesores se marcharon de la Arts Studens League a finales de los años treinta y principios de los cuarenta. El Black Mountain College fue una escuela experimental que pretendió la formación del artista completo mediante planes de estudio equilibrados con materias académicas, artes y labores manuales en un ambiente democrático. Potencio la experimentación y la coordinación interdisciplinar. En la segunda mitad del siglo XX el trabajo de su facultad y sus estudiantes revolucionaron las artes y las ciencias. Entre sus huéspedes ilustres figuran Josef Albers, Robert Rauchenberg, Willem de Kooning, Robert Motherwell o Franz Kline. The Hofmann School of Fine Arts, tanto en Nueva York como en Provincetown fueron escuelas para jóvenes artistas que querían romper con el formalismo. La gran diversidad de los alumnos que tuvo Hoffmann es sintomática de la filosofía de Hofmann que centraba su creatividad en el trabajo de estudio. De nuevo Helen Frankenthaler aparece en su excepcional lista de alumnos.

2.5.2. LAS GALERÍAS . Entre las galerías hay que destacar en primer lugar Art of This Century, propiedad de Peggy Gugenheim quien abrió sus puertas en octubre de 1942, pronto empezó a representar a pintores americanos, entre ellos, Pollock, Motherwell y emigrados como Rothko y Hofmann. Peggy se caracterizó por dar la oportunidad de mostrar sus trabajos a los expresionistas que empezaban. The Betty Parsons Gallery es otra de las míticas galerías neoyorkinas que apoyó al expresionismo abstracto acogiendo a Pollock, Rothko, Reinhardt, Still o Newman antes de que adquiriesen notoriedad. Abrió sus puertas en 1946 y las cerró en 1981. En sus últimos años hizo mucho por promover los trabajos de artistas homosexuales o bisexuales como Agnes Martin, Ellsworth, Jasper Johns y Robert Rauchenberg. Betty fue una de las personas que decidió dedicarse al mundo del arte tras el impacto que le produjo el Armory Show de 1913. The Tibor de Nagy Gallery se dedico a promover el arte de la llamada segunda generación del Expresionismo Abstracto a la que pertenece Helen Frankenthaler, Keneth Noland y Larry Rivers. Esta galería consiguió una excelente reputación como lugar de confluencia de artistas y poetas y es donde Helen realizó sus primeras exposiciones.

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Además de las citadas anteriormente existieron gran cantidad de galerías de las cuales enumero algunas de ellas a continuación: Julien Levy Gallery, Charles Egan


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Gallery, The Kootz Gallery, Leo Castelli Gallery, Las galerías de la calle 10 y el proyecto Federal , The Works Progress Administration (WPA), por donde pasaron los artistas más reconocidos del panorama plástico neoyorkino.

2.5.3. LOS MUSEOS . Los museos desarrollaron un papel fundamental en el nuevo arte americano pues pusieron en valor las nuevas tendencias. Como ya hemos referido en líneas anteriores The Museum of Modern Art (MOMA) de la mano de Alfred Barr definió el concepto de dicho tipo de museos que conservamos en nuestros días. Otros museos de especial relevancia son The Allbright-Knox Art Gallery que conserva su denominación de galería en honor a sus orígenes y que en 1952 realizó la exposición Expressionism in American Painting, una de las pioneras de su especie. The Solomon R. Guggenheim Museum, que aunque sus comienzos estuvieron ligados a la pintura No Objetiva en 1939 en su concepción actual fue abierto en 1959 y que ofrece una colección sin igual de arte moderno que va desde la mitad del siglo XIX al Postmodernismo.A través de la Fundación Guggenheim hoy se ha constituido una red de museos en varias capitales del mundo entre ellas, Bilbao.

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Otro museo capital para entender la historia del expresionismo americano es The Whitney Museum of American Art, que fue concebido para coleccionar, preservar, interpretar y exhibir arte americano de vanguardia y apoya a los nuevos artistas emergentes, estudiantes de arte y a teóricos a estudiar y desarrollar sus ideas.


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3. ANÁLISIS DE CONJUNTO DE LA OBRA DE FRANKENTHALER

3.1. ANÁLISIS ESTILÍSTICO . omenzará extendiendo sus lienzos sobre el suelo sin imprimación y creando imágenes con pintura al óleo diluida con trementina o queroseno permitiendo que la pintura fluya y manche la tela creando formas. Estas formas quedaran circunscritas por un halo debido al aceite que constituye la propia pasta al oleo.

ILUSTRACIÓN 20. HELEN EN ACCIÓN.EL ACTO DE PINTAR TAMBIEN ES ARTE PARA LA ARTISTA.

Cuando se introducen las pinturas acrílicas (Liquitex) en los años 60 Helen comenzará a usarlas dado que estas pinturas se licuan con mayor facilidad al disolverse en agua y dejaran de producir ese aura que dejaban las pinturas al oleo. Tendrá que tomar las técnicas de pintura rápida ya que estas pinturas acrílicas tienen un corto tiempo de secado.

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Desde 1951 cuando una exposición individual de nuevo talento fue anunciada en la Tibor de Nagy Gallery, Helen ha acumulado una experiencia en su exploración creativa que le ha permitido destilar un luminoso lenguaje cromático que le conduce a una nueva manera de abstraer basada en la elocuencia de las relaciones entre sus colores.


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La originalidad y la expresividad de Helen procede desde sus primeras obras y el efecto sobre sus contemporáneos es bien conocida y ha sido muy discutida pero es en efecto más intensa y persistente que lo que la historia del arte nos pueda dar a entender. En 2008 cuando Helen cumple los ochenta años la crítica, comisaria de exposiciones y amiga de Helen, Karen Wilkin organizó en la Knoedler & Company una exposición titulada Frankenthaler at Eighty, Six Decades, donde Wilkin escogió a modo de pizzicato varias obras entre la abundante producción de Helen que muestra su evolución creativa durante ochenta años de vida y sesenta de artista, trabajando sobre distintos soportes y a través de diversos medios y materiales. Seguiremos esta selección de Wilkin para hacer un repaso sobre la obra de Helen y hacernos una idea de su mundo creativo y su personalidad estilística. Helen ha producido esculturas en acero, ha explorado las posibilidades de la cerámica, ha diseñado grandes planchas de bronce que ha grabado y a las que aportaba pátinas bellamente policromadas, deslumbrantes telones de fondo para representaciones de obras de ballet y una gran cantidad de oleos, acrílicos y grabados. Merece una especial atención su trabajo con el grabado donde ha explorado un gran número de técnicas desde la litografía hasta la xilografía tradicional japonesa. A lo largo de su larga carrera Helen ha trabajado sobre el papel con la misma seriedad que sobre otros soportes produciendo una impresionante obra sobre papel a través de acuarelas, gouaches y técnicas mixtas cuya ambición, invención y adaptación al medio no desmerecen a su producción de lienzos. Sus elementos formales pueden aparecer en los distintos soportes y el dialogo entre sus obras sobre lienzo y sobre papel se produce, adaptándose a la escala de sus soportes y a la peculiaridad de sus materiales. Morris Louis uno de los integrantes de la Escuela de Washington junto con Keneth Noland que se vieron deslumbrados por su técnica del soak stain diría la frase ―Helen es el puente entre Pollock y lo que fue posible‖ (WILKIN 1984). En 1957, Helen pinta Western Dream, todavía vemos la estela de Mountains and Sea. A punto de rebasar sus treinta años va dejando atrás las influencias de Gorky y De Kooning para encontrar su propio lenguaje basándose en la convivencia de la consciencia y la inconsciencia.

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ILUSTRACIÓN 21. WESTERN DREAM. 1957.OLEO SOBRE LIENZO 70 X 86"


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En Provincetown I de 1961 hay que resaltar la aparición de un área amplia sin pintar que ya se intuía en la composición de Mountains and Sea centrando las formas en un núcleo central. Sus colores también siguen la huella de la obra del 52 en sus tonos y definiendo las formas y la relación entre ellas.

ILUSTRACIÓN 24. PROVINCETOWN I, 1961,OLEO SOBRE LIENZO.92 3/4 X 101 3/4"

Pink Lady es también una obra que nos muestra la Helen de los 60 donde los trazos de carboncillo se van ocultando tras las masas de color y al igual que en Provincetown I la periferia de la obra aparece sin aporte cromático. En Sphinx de 1976 se mantienen algunos de los rasgos estilísticos de los

ILUSTRACIÓN 23. PINK LADY.1963.OLEO SOBRE LIENZO.84 1/2 X 58 "

ILUSTRACIÓN 22. SPHINX.1976.ACRILICO SOBRE LIENZO.105 X 104"

Ya en los ochenta en 1981 pinta el espectacular A Green Thought in a Green Shade , un pensamiento verde en una forma verde, simple pero denso el soporte intelectual de la obra que enlaza nuevamente con Newman y la generación de mundos paralelos en la

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ILUSTRACIÓN 25. A GREEN THOUGHT IN A GREEN SHADE.ACRILICO SOBRE LIENZO 119 X 156 1/2"

60 pero las áreas de color son de mayor proporción y la paleta más reducida es una simbiosis del embrujo de Rothko y la provocación de Newman con esa banda horizontal que a modo de ―zip” nos incita a sumerjirnos en su universo.


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realidad observada y la entidad generada por nuestra mente sobre lo observado. En esta obra no podemos hablar en sentido estricto de monocromía pero el verde inunda casi la totalidad de la obra y la armonía compositiva se basa en la densidad y modulación tonal de dicho color. The Rake´s Progress, de 1991 muestra quizás un suntuosidad con ciertos toques dramáticos modulados por los trazos dibujados. Amarillos y su deriva hacia los verdes dominan la escena manteniéndose ese monocromatismo encubierto de alguna de sus obras anteriores.

Esa tendencia al monocromatismo cristaliza en una de sus obras de 2002 de una belleza definitiva y feroz como la califica Karen Wilkin (WILKIN 1984), se trata de Warming Trend. ILUSTRACIÓN 26. THE RAKE´S PROGRESS.1991.ACRÍLICO SOBRE LIENZO.94 1/2 X 68 1/2"

La sutileza de la simplificación extrema, los violetas caen en cascada hacia los azules. Una vez más las tonalidades crean las texturas y el espacio bidimensional puro y plano evoca nuestra imaginación al universo de las ideas.

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La obra de Helen es tan amplia, compleja y variada que el ámbito de este trabajo no puede acoger un análisis pormenorizado de la misma. No quisiera pasar al apartado siguiente sin resaltar la ILUSTRACIÓN 27. WARMING TREND.2002.ACRÍLICO SOBRE LIENZO.74 3/4 X 84 1/4" importancia del arte impreso de Helen y especialmente la obra realizada con el magnífico impresor Kenneth Tyler que ya en sí misma es de una relevancia excepcional.


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Del 26 de Noviembre de 2005 al 5 de Febrero de 2006 tuvo lugar una exposición en la National Gallery of Australia en Camberra sobre sus trabajos en papel titulada Against the grain: The woodcuts, donde se mostraron trabajos tan especiales como los realizados por Helen junto con Tyler y el grabador japonés Yasukuki Shibata, sobre madera con técnica ukiyo-e para la serie The Tales of Genji.

ILUSTRACIÓN 28. TALLER DE KENNETH TYLER

Helen demostró como su elegancia y sofisticación elevan el arte impreso hasta cotas de difícil superación en el arte moderno.

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ILUSTRACIÓN 29. HELEN TRABAJANDO SOBRE PAPEL


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3.2. ANÁLISIS DE “MOUNTAINS AND SEA” Ficha de la obra: Titulo:

Mountains and Sea

Autor:

Helen Frankenthaler

Fecha:

26 de Octubre de 1952

Dimensiones:

7' 2 5/8" x 9' 9 1/4"

Localización:

National Gallery of Art, Washington D.C.

Técnica:

Oleo diluido sobre lienzo

Iniciaremos el análisis de la obra estudiando el color de la misma su variedad y distribución en tanto que determina las formas que la componen y continuaremos con la composición y de que forma el color la define.

3.2.1. ESTUDIO DEL COLOR .

ILUSTRACIÓN 30. MOUNTAINS AND SEA. 1952

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Para el análisis formal de la obra paradigmática de Helen Frankenthaler focalizaremos nuestra atención en su principal atributo y núcleo de la tendencia en la que se inserta, es decir, en los campos de color.


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez Para el estudio del color de la obra utilizaremos la herramienta informática, Color Inspector 3D 4 desarrollada por el Dr. Kai Uwe Bhartel5 profesor de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Berlín. Dentro de las distintas posibilidades de modelos de espacios de color utilizaremos el denominado RGB. La descripción RGB (del inglés Red, Green, Blue; "rojo, verde, azul") de un color hace referencia a la composición del color en términos de la intensidad de los colores primarios con que

ILUSTRACIÓN 31.MODELO DE ESPACIO DE COLOR RGB se forma: el rojo, el verde y el azul. Es un modelo de color basado en la síntesis aditiva, con el que es posible representar un color mediante la mezcla por adición de los tres colores primarios.

Para indicar con qué proporción mezclamos cada color, se asigna un valor a cada uno de los colores primarios, de manera, por ejemplo, que el valor 0 significa que no interviene en la mezcla y, a medida que ese valor aumenta, se entiende que aporta más intensidad a la mezcla. Aunque el intervalo de valores podría ser cualquiera (valores reales entre 0 y 1, valores enteros entre 0 y 37, etc.), es frecuente que cada color primario se codifique con un byte (8 bits). Así, de manera usual, la intensidad de cada una de las componentes se mide según una escala que va del 0 al 255. Por lo tanto, el rojo se obtiene con (255,0,0), el verde con (0,255,0) y el azul con (0,0,255), obteniendo, en cada caso un color resultante monocromático. La ausencia de color —lo que conocemos como color negro— se obtiene cuando las tres componentes son 0, (0,0,0). La combinación de dos colores a nivel 255 con un tercero en nivel 0 da lugar a tres colores intermedios. De esta forma el amarillo es (255,255,0), el cyan (0,255,255) y el magenta (255,0,255). Obviamente, el color blanco se forma con los tres colores primarios a su máximo nivel (255,255,255). El conjunto de todos los colores se puede representar en forma de cubo. Cada color es un punto de la superficie o del interior de éste. La escala de grises estaría situada en la diagonal que une al color blanco con el negro.

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4 http://rsbweb.nih.gov/ij/plugins/color-inspector.html 5 http://www.htw-berlin.de/Die_HTW/Personenverzeichnis/Person.html?path=kai_uwe.barthel

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Pretendemos detectar el espectro cromático de la obra y en qué proporción el artista ha empleado esos colores. Dado el número enorme de colores que pueden ser


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detectados por el software debemos hacer una reducción de la banda cromática y para ello existen diversos algoritmos. Nosotros utilizaremos el algoritmo de cuantización del Dr. Xiaolin Wu6 profesor del Instituto Politécnico de la New York University con una reducción por extrapolación mediante el algoritmo citado a doce colores. COLOR

R

G

B

1

228

201

181

2

236

158

51

3

193

170

148

4

207

124

21

5

139

133

195

6

223

186

155

7

185

131

127

8

240

128

121

9

76

76

178

10

182

170

198

11

235

69

63

12

150

121

115

%

27.1 0.5 17.0 1.2 4.8 18.1 5.7 4.8 6.0 7.8 4.4 2.6

Estos son los valores obtenidos y la imagen modificada por el método de simplificación cromática por el algoritmo del profesor Wu.

Observamos que más de un 65% (Colores 1, 3, 6,7 y 12) de la obra está desarrollada con colores ocres y tierras de tonos amarillentos y verdosos que sin duda hacen referencia a las tierras de Nova Escocia. En segundo lugar aparecen las tonalidades azules (colores 8, 9 y 10) con un casi 20%, clara evocación del mar y el restante 15% se distribuye entre rojos, rosas y naranjas que podemos asignar a los reflejos solares del paisaje, por lo que podemos inferir que la imagen mental que Helen vuelca en su ILUSTRACIÓN 32.HISTOGRAMA DE FRECUENCIA DE COLOR lienzo corresponde a un atardecer y con menos probabilidades a un amanecer pero debemos situarlo en la franja horaria de mayores contrastes de la interactuación del sol sobre el paisaje. En este histograma (Ilustración 32) se representan los doce colores en un cubo RGB con el diámetro de las esferas proporcional a la frecuencia de aparición del color.

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6 http://www.poly.edu/user/xwu


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez Los colores pertenecen a los denominados colores pastel, es decir, tonalidades suaves y que se asocian a la transmisión de serenidad, probablemente la que pretende transmitir la artista, procedente de la sensación que el paisaje le produjo en su observación. Nueva Escocia, el paisaje que inspira a Helen Mountains and Sea es una provincia canadiense localizada al sudeste de Canadá. Es la región en el Canadá atlántico con mayor población con capital en Halifax. Es la segunda provincia de menor tamaño en el país con 55.284 Km2. y se halla jalonada de acantilados y multitud de islotes. A través de fotografías del paisaje de la zona veremos de donde proceden los colores utilizados por el artista y como

ILUSTRACIÓN 33. PAISAJE Y COLORIDO DE NUEVA ESCOCIA

se asocian en el lienzo a los distintos elementos y luces. En estas fotos de Cape Breton y Sambro encontramos la paleta de Helen en Mountains and Sea.

El azul es el agua, el rojo el cielo velado por el atardecer y el escaso y diluido verde los islotes que salpican la costa y todo ello inmerso entre ocres, rosas y colores asalmonados.

3.2.2. LAS FORMAS . Para analizar las formas de Mountains and Sea realizaremos un virado al azul para determinar contornos y gradaciones en los límites de las manchas de color (color fields).

ILUSTRACIÓN 34. MOUNTAINS AND SEA. VIRADO AL AZUL. ESTUDIO DE AREAS

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Esta técnica nos permite ver las zonas directas de manchado y las zonas de deriva del material aportado, así como la densidad del medio aplicado.


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Observamos zonas de primer impacto de material pictórico en las proximidades de los bordes del lienzo y que se representan en azul y zonas de deriva de menor densidad del medio entre éstas representadas en rojo. La geometría de las formas es variada se distinguen triángulos curvos, elipsoides, ameboideas y en general de perfiles curvos y ILUSTRACIÓN 35. DISTRIBUCIÓN DE LAS AREAS Y DENSIDADES

suaves que inciden en la serenidad del paisaje observado.

3.2.3. LA COMPOSICIÓN. Mediante el Software Adobe Elements he resaltado los bordes de las áreas de color donde aparece el color negro en todos sus matices. Estas líneas que aparecen exageradas son los trazos y punteos que Helen Frankenthaler realiza con el carboncillo antes de aplicar la pintura, siguiendo una técnica aprendida de Arshile Gorky. Estas líneas actuaran de límites de los distintos campos de color y definen la composición de la obra aportando el componente gestual de la misma. En cuanto a la disposición de las masas cromáticas Basándonos en la imagen obtenida para conocer los trazos de carboncillo vamos a estudiar la distribución de los campos de color. ILUSTRACIÓN 36. MOUNTAINS AND SEA.ESTUDIO COMPOSITIVO I

Aunque no podemos hablar de perspectiva sí que podemos establecer que gran parte de la obra se circunscribe en un rombo con centro en la intersección de las dos diagonales y cuyos lados unen los puntos medios de los lados del lienzo.

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Siguiendo la analogía con los elementos de una perspectiva, la representación es una proyección ILUSTRACIÓN 37. MOUNTAINS AND SEA. ESTUDIO frontal de una perspectiva isométrica. Esta COMPOSITIVO II disposición otorga la armonía implícita en la obra y que sin duda es uno de los motivos de su poder de captación además de los


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equilibrios que la distribución de los colores proporciona. El espacio y las formas conviven, las formas inscritas en el rombo y el espacio la circunscriben fuera de él y las define dentro del él.

3.2.4. COMENTARIO FINAL DE “MOUNTAINS AND S EA”. Esta obra teniendo en cuenta la juventud de su autora en el momento de su creación demuestra una madurez que será la responsable de la enorme influencia que tuvo desde 1952.

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Desde la técnica utilizada, la soak stain, la paleta de colores, la composición y el formato forman un conjunto de atributos que si son de capital importancia para su éxito, no es menos relevante el sistema que Helen Frankenthaler, desde la concepción de Barnett Newman, usa para su elaboración apoyándose en sus ojos como centinelas de su cerebro y éste elaborando un nuevo paisaje interior biunívoco pero independiente del que Helen viese en las costas de Nueva Escocia aquel verano de 1952.


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4. CONCLUSIONES ―La única regla es que no hay reglas. Cualquier cosa es posible. … todo consiste en tomar riesgos, sobre todo riesgos, riesgos deliberados‖ (BELZ s.f.). Así es como Helen Frankenthaler describe la empresa que ella ha perseguido durante cinco décadas. Su obra la sitúa como una de las figuras más importantes de la historia de la pintura americana de posguerra. Su trabajo ha incorporado y ha iluminado constantemente nuestra comprensión de la experiencia moderna, es decir, la experiencia por la que nos enfrentamos necesariamente al riesgo de determinar nuestra relación con el mundo dentro de nosotros mismos, sin temer las reacciones externas y las reglas por las cuales son definidas estas relaciones. Helen que en su vida personal es un ser sofisticado y seguidora de los protocolos más exquisitos y formales tanto en su conducción personal como en su lenguaje, sin embargo en su pintura asume toda clase de riesgos, desde los inherentes a su técnica en ese control y exploración de la fluidez, a la dulzura casi decorativa de sus colores, a la enorme exposición de sus formatos y quizás el mayor de todos, ejercer su labor creativa durante seis décadas. Los descubrimientos de Frankenthaler se han forjado y se han sostenido en una era caracterizada por los cambios constantes del gusto estilístico y la manera, en la que los artistas y los movimientos del arte aparecen y desaparecen. ―Helen Frankenthaler debería ser declarada monumento nacional‖, así comienza el ensayo que da comienzo al catálogo de la exposición Frankenthaler at eighty escrito por Karen Wilkin. Esto nos da idea del respeto y hasta la devoción que tiene Frankenthaler entre los ensayistas y críticos más prestigiosos en los Estados Unidos.

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La literatura artística en castellano tiene una deuda con Helen Frankenthaler y este es un primer y modesto anticipo espero que en los próximos años se editen ensayos y monografías que extraigan toda la sustancia creativa de una artista que ha desafiado a su tiempo pero cabalgando sobre él y creyendo siempre que el arte es una experiencia íntima y personal que cuando es rigurosa y profunda siempre trasciende a los tiempos futuros y sus actores.


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5. BIBLIOGRAFÍA

ALBERS, J. Interacción del color. Madrid: Alianza, 2006. ANFAM, D. El expresionismo abstracto. Barcelona: Destino, 2002. BELZ, C. «Jewish Women´s Archive.» Helen Frankenthaler. http://jwa.org/encyclopedia/article/frankenthaler-helen (último acceso: Junio de 2011). BRACH, P. «Helen Frankenthaler.» Art Digest 26, nº 5 (Diciembre 1951): 18. BROWN, J. After Mountains and Sea: Frankenthaler:1956-1959. New York: Catalogo Exposición en The Solomon R. Guggenheim Museum, 1998. CARMEAN Jr, E.A. «On Five Paintings by Helen Frankenthaler.» Art International 22, nº 4 (Abril-Mayo 1978): 28-32. DANTO, A. Después del fin del arte. Madrid: Paidós, 2010. —. El abuso de la belleza. Madrid: Paidós, 2005. DIAMONSTEIN, B.L. Inside New York's Art World. New York: Rizzoli, 1979. ELDERFIELD, J. Frankenthaler. New York: Abrams, 1989. EMMERLING, L. Pollock. Colonia (Alemania): Taschen, 2009. EMPSON, W. Seven Types of Ambiguity. New York: New Directions, 1947. FELSTEIN, S. «Helen Frankenthaler.» Art Digest 27, nº 10 (Febrero 1953): 20. FER, B. On Abstract Art. New Haven (USA): Yale University Press, 1997. FORGE, A. «Frankenthaler: The small paintings.» Art International 22, nº 4 (AbrilMayo 1978): 28-32. FRANKENTHALER. «Frankenthaler at Eighty, Six Decades.» Koedler & Company. Catálogo de Exposición, ensayo de Karen Wilkin. Nueva York, 2009. FRANKENTHALER, H. Nature in Abstraction. New York: Catalogo de la exposición del mismo nombre en el Whitney Museum of American Art, 1958. GELDZAHLER, H. «An Interview with Helen Frankenthaler.» Art Forum 4, nº 2 (Octubre 1965): 36-38. GOOSSEN, E.C. «Helen Frankenthaler.» Art International 5, nº 8 (Octubre 1961): 76-79.

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GREENBERG, C. «Louis and Noland.» Art International 4, nº 5 (Mayo 1960): 26-29.


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GREENBERG, C. «The Role of Nature in Modern Painting.» Partisan Review 16, nº 1 (Enero 1949): 78-81. HARRISON, P. Frankenthaler a Catalogue Raisonné, Prints 1961-1994. New York: Abrams, 1996. JUDD, D. «Helen Frankenthaler.» En Donal Judd Complete Writings 1959-1975, de D. Judd, 13-14. New York: New York University Press, 1975. KUH, K. Mi historia de amor con el arte moderno. Madrid: Turner, 2007. LIESSMANN, K.P. Filosofía del arte moderno. Barcelona: Herder, 2006. MARLOW, T. «Interview with Helen Frankenthaler.» En Frankenhaler On Paper: 1990-1999, de Tim Marlow, 2-8. Londres: Catalogo en la exposición en la Bernard Jacobson Gallery en 2000, 2000. McSHEA, M. «A finding Aid to the Walt Kuhn Family Papers and Armory Show Records 1859-1978 (bulk 1900-1949).» Archives of American Art ,Smithsonian Institutuion. www.aaa.si.edu/collectionsonline/kuhnwalt/overview.htm (último acceso: Junio de 2011). NEMSER, C. «An interview with Helen Frankenthaler.» Arts 46 (Noviembre 1971): 51-54. O'BRIAN, J. Clement Greenberg Collected Essays and Criticism. Chicago: The University of Chicago Pres, 1993. PORTER, F. «Helen Frankenthaler.» Art News 51, nº 10 (Febrero 1953): 55. PRESTON, S. «About Art and Artists.» New YorkTimes, 19 de Noviembre de 1954. ROSE, B. Helen Frankenthaler. New York: Abrams, 1972. ROSENBERG, H. «Art and Words.» En The De-definition of Art, de H. Rosenberg, 56-68. Chicago: The University of Chicago Press, 1983. RUHRBERG, K. Arte del Siglo XX. Editado por Ingo F. Walther. Traducido por Ramon Monton i Lara. Vol. 1. 2 vols. Köln: Taschen, 2005. TOMKINS, C. Escándalo en el Armory. Barcelona: Anagrama, 1996. WILKIN, K. «Frankenthaler and her critics.» New Criterium 8, nº 2 (Octubre 1989): 16-23. WILKIN, K. «Frankenthaler at the Guggenheim.» New Criterium 16, nº 7 (Marzo 1998): 44-49.

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—. Helen Frankenthaler. New York: George Braziller, 1984.


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6. APÉNDICES 6.1. PINTORES Y OBRAS DE LA EXPOSICIÓN “ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA” DE 1964 EN “LOS ANGELES COUNTY MUSEUM OF ART” ORGANIZADA POR C. GREENBERG. WALTER DARBY BANNARD 1. THE PARLOR 1962 2. SALMON RIVER 1963 3. YELLOW ROSE 1963

GEORGE BIRELINE 4. AUTUMN l 1963 5. AUTUMN III 1963 6. SUMMER II 1963

HELEN FRANKENTHALER

JACK BUSH 7. BLUE RED ORANGE 1964 8 COLOR COLUMN 1964 9. ORANGE PINK GREEN 1964 GENE DAVIS 10. BLUE PULSE 1963 11. HIGHRED 1963 12.NIGHT BEAT 1963

34. THE APPROACH 1962 Oleo sobre lienzo 208 cm x 198 cm The Abrams Family Collection, New York 35. THE LAST SWAN LAKE 1962 Oleo sobre lienzo 229 cm x 178 cm Andre Emmerich Gallery, New York 36. QUARTER TO SIX 1963 Oleo sobre lienzo 117 cm x 229 cm Andre Emmerich Gallery, New York

ERNEST DIERINGER 13. ASTERISK #1 1962 14. BLUE CORNERS 1963 15. GREEK KEY I 1963

FRANK HAMILTON 37. PASCO-BLUE 1963 38. PASCO-CROSS 1963 39. PASCO-RED GATE 1963

THOMAS DOWNING 16. BLUE PIVOT 1963 17. GREEN BIAS 1963 18. PLUM PIVOT 1963

AL HELD 40. HIDDEN FORTRESS 1961 41. THE QUEEN 1962 42. UNTITLED 1963 ALFRED JENSEN 43. UPWARD AND DOWNWARD AND UPWARD MOVEMENT 1961 44. SCALES PER VI 1963 45. UNTITLED 1963

RALPH DuCASSE 19. DYNASTS 1961-62 20. THE DOWAGER 1962 21. YAKSA 1962 FRIEDEL DZUBAS 22. NIGHTHOPE 1962 23. BETWEEN 1963 24. SARTORIS 1963

ELLSWORTH KELLY 46. BLUE WHITE 1962 47. RED BLUE 1962 48. BLUE BLUE 1963

PAUL FEELEY 25. #14 ASIJATIJA 1963 26. #13 PATONO 1963 27. #3 RIJO 1963

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ALEXANDER LIBERMAN 52. EARTH III 1963 53. THE MYSTERIES I 1963 54. THE MYSTERIES II 1963

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NICHOLAS KRUSHENICK 49. BATTLE OF WILDERNESS 1963 50. PENETRATION 1963 51. UNTITLED 1963

JOHN FERREN 28. TERRACALIENTE 1961 29. MARS MIST 1961 -62 30. UNTITLED 1962

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SAM FRANCIS 31. PINK 1951 32. UNTITLED 1952 33. BLUE BALLS 1962


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez KENNETH LOCHHEAD 55. DARK GREEN CENTRE 1963 56. PINK CENTRE 1963 57. YELLOW CENTRE 1963

RAYMOND PARKER 73. UNTITLED 1961 74. UNTITLED 1962 75. UNTITLED 1963

MORRIS LOUIS 58. EARTH GAMUT 1961 59. PILLAR OF FIRE 1961 60. VAPOROUS PILLAR 1961

LUDWIG SANDER 76. SUMMER 1960 #1 1960 77. UNTITLED 1962 78. UNTITLED 1962

A. F. McKAY 61. CIRCLE 1963 62. ENIGMA 1963 63. FLUX 1963

DAVID SIMPSON 79. OBLITERATION OF NOON 1963 80. RED BOUNDARY 1963 81. RED MASK 1963

HOWARD MEHRING 64. DOUBLE RED 1963 65. THE KEY 1963 66. SINGLE DOUBLE 1963

ALBERT STADLER 82. AZIMUTHS 1963 83. BALLAST 1964 84. SWORD 1964

KENNETH NOLAND 67. CYCLE 1960 68. NEW PROBLEM 1962 69. CADMIUM RADIANCE 1963

FRANK STELLA 85. MARQUIS DE PORTAGO 1960 86. D 1963 87. HENRY GARDEN 1963

JULES OLITSKI 70. ISIS ARDOR 1962 71. MUSHROOM PERFUME 1962 72. JULIUS CAESAR IN EGYPT 1964

MASON WELLS 88. ACROPOLIS 1963 89. AMARILLO 1963 90. ARIZONA 1963

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EMERSON WOELFFER 91. PEPPERMINT LOUNGE 1962 92. BLACK MIRROR ON OCHRE 1963 93. WHITE MIRROR AND RED 1963-64


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2010  Helen Frankenthaler, Paintings: 1961-1973, John Berggruen Gallery, San Francisco, California 2009  Helen Frankenthaler, Ameringer McEnery Yohe, New York. 2008  Helen Frankenthaler, East and Beyond: Woodcuts 1973-77, Craig F. Starr Gallery, New York.  New Edition: Helen Frankenthaler, [note: Book of Clouds, 2007] Pace Editions, New York.  Helen Frankenthaler: Paintings 1959 - 2002, Bernard Jacobson Gallery, London, Reino Unido.  Frankenthaler at Eighty: Six Decades, Knoedler & Co., New York. 2007  Frankenthaler: Sculpture, Bennington College, Bennington, Vermont  Helen Frankenthaler: Master Paintings, Ameringer Yohe Fine Art, New York. 2006  Frankenthaler: Serigraphs, Gallery One, Toronto, Canada  Frankenthaler: Sculpture, Knoedler & Co., New York 2005  Against the Grain: the Woodcuts of Helen Frankenthaler, National Gallery of Australia, Canberra 2004  Frankenthaler: Works on Paper, 1998-2002, Meredith Long & Co., Houston, Texas  Helen Frankenthaler: Woodcuts & Woodblocks, Pace Editions/Prints, New York 2003  Frankenthaler: Paintings on Paper (1949 – 2002), Museum of Contemporary Art, North Miami, Florida; The Royal Scottish Academy, Edinburgh, Scotland  Frankenthaler: New Paintings, Knoedler & Company, New York.  Helen Frankenthaler: A Print Survey, Jim Kempner Fine Art, New York. 2002  Frankenthaler: The Woodcuts, Yale University Art Museum, New Haven, Connecticut; Naples Art Museum, Naples, Florida; Dai Nippon Graphics Center, Tokyo, Japan; Portland Art Museum, Portland, Oregon; SalanderO’Reilly Galleries, New York. 2001  Helen Frankenthaler: Three Decades of Painting, Ameringer Howard, New York.  Frankenthaler: Lighthouse Series, M. Knoedler & Co., New York. 1999  Helen Frankenthaler: Paintings from Private Collections, Ameringer Howard, New York.  Frankenthaler: Graphics, Gallery One, Toronto, Ontario, Canada  Helen Frankenthaler: Editioned Prints – A collection of works on paper, Greg Kucera Gallery, Seattle, Washington  Frankenthaler on Paper, Bernard Jacobson Gallery, London, RU.

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6.2. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES INDIVIDUALES


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez   1998  

1997      1996  1995      

After Mountains and Sea: Frankenthaler 1956 – 1959, Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Museo Guggenheim Bilbao. Helen Frankenthaler: Tales of Genji, Pace Prints, New York; Wetterling Gallery, Stockholm, Sweden, Bobbie Greenfield Gallery, Santa Monica, California; Meyerovich Gallery, San Francisco, California; Greg Kucera Gallery, Seattle, Washington; Wetterling Teo Gallery, Singapore; Dorothy Blau Gallery, Bay Harbor Islands, Florida; Museum of Fine Arts, Houston, Texas; Selby Gallery, Ringling School of Art and Design, Sarasota, Florida; Sheldon Gallery, University of Nebraska, Lincoln, Nebraska; Lyman Allyn Art Museum, New London, Connecticut; Hammond Museum and Japanese Sculpture Garden, North Salem, New York; Hunter Museum of Art, Chattanooga, Tennessee; Nassau County Art Museum, Roslyn, New York Frankenthaler: The Darker Palette, Savannah College of Art and Design, Savannah, Georgia; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; Bennington College Art Gallery, Bennington, Vermont; The Art Museum, Princeton University, Princeton, New Jersey; Salander O'Reilly Gallery, New York. Spring Run Series, Meredith Long & Company, Houston, Texas Vignettes: A Selection of Paintings on Paper-August 1996 - January 1997, Gallery One, Toronto, Ontario, Canada Helen Frankenthaler: Paintings and Works on Paper, Tasende Gallery, Los Angeles, California Helen Frankenthaler: Prints from the 70s to the 90s, Remba Gallery, West Hollywood, California Frankenthaler: Paintings on Paper, Thomas Segal Gallery, Baltimore, Maryland Frankenthaler: This Is Not A Book, Knoedler & Company, New York. Frankenthaler: A New Series of Paintings over Monotype Impressions in collaboration with Tyler Graphics Ltd., Ace Contemporary Exhibitions, Los Angeles, California, Knoedler & Co., New York. Helen Frankenthaler: Woodcuts 1973-1994, Dennos Museum Center, Northwestern Michigan College, Travers City, Michigan Helen Frankenthaler: Reflections, Tyler Graphics Ltd., Mt. Kisco, New York Reflections: Prints by Helen Frankenthaler, Nan Miller Gallery, Rochester, New York Helen Frankenthaler: Recent Prints and Paintings on Paper, Bobbie Greenfield Gallery, Santa Monica, California Reflections: Helen Frankenthaler, Meyerovich Gallery, San Francisco, California Helen Frankenthaler: Reflections, a series of 12 color lithographs, Knoedler & Co., New York. Reflections: A Suite of 12 new lithographs, Greg Kucera Gallery, Seattle,

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Frankenthaler: Prints and Proofs, Connecticut GraphicArts Center, Norwalk, Connecticut Frankenthaler: Madame Butterfly, M. Knoedler & Co., New York.


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez   1994   1993    

   1992  1991  1990   1989    

Frankenthaler: Recent Paintings on Paper, Knoedler & Co., New York. Frankenthaler: Paintings on Paper, Meredith Long and Company, Houston, Texas Helen Frankenthaler - Paintings and Paintings on Paper, 1976-1992, Meredith Long and Company, Houston, Texas Helen Frankenthaler - The Classic Years, Andre Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler - Paintings on Paper, 1950s - 1990s, The Century Association, New York. Helen Frankenthaler: Prints, National Gallery of Art, Washington, D.C., and traveled to: San Diego Museum of Fine Arts, San Diego, California; the Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts; Cincinnati, Ohio, Contemporary Arts Center, Machida City Museum of Graphic Arts, Japan Helen Frankenthaler: Major Prints, Long Fine Art, New York. Frankenthaler Prints: A Selection, Gallery One, Toronto, Ontario, Canadá. Helen Frankenthaler: Monotypes, Robert Kidd Gallery, Birmingham, Michigan The Prints of Helen Frankenthaler: A Survey, 1964 – 1991, Associated American Artists, Knoedler & Co., New York, New York Helen Frankenthaler: “The Clearing” and “Grove” and Related Monotypes, Rose Esman Gallery, New York, Andre Emmerich Gallery, New York,Kukje Gallery, Seoul, Korea Frankenthaler, Paintings on Paper, Andre Emmerich Gallery, New York. Frankenthaler, Santa Fe Series: Pastels and Other Works on Paper, Gerald Peters Gallery, Santa Fe, New Mexico; Gerald Peters Gallery, Dallas, Texas Helen Frankenthaler: Works on Paper, Gouches and Prints, Buschlen Mowatt Gallery, Vancouver, Canadá Helen Frankenthaler: Recent Mixografia Editions and Microcast Copper Bas-Reliefs, Mixografia Gallery, Los Angeles, California Helen Frankenthaler: Recent Editions, Related Monotypes and Copper Bas-Reliefs, Rosa Esman Gallery, New York, Andre Emmerich Gallery, New York, Painting Retrospective, Museum of Modern Art, New York, New York, and traveled to: Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, Texas; Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California; Detroit Institute of Art, Detroit, Michigan Helen Frankenthaler: Prints, Hand-Painted Book Covers, and Small Paintings, Douglas Drake Gallery, New York. New Graphics and Monotypes from Poligrafia workshop en Barcelona, Galeria Joan Prats, New York.

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1988 

Helen Frankenthaler: New Prints and Works on Paper, Gallery One, Toronto, Canada, Helen Frankenthaler: Reflections, Meredith Long & Co., Houston, Texas


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez       1987         1986  1985 

   

Helen Frankenthaler: Prints, McKissick Museum, University of South Carolina, Colombia, South Carolina Helen Frankenthaler: Recent Acquaints and Lithographs and 1982 Monotype Series, Kass/Meridian Gallery, Chicago, Illinois Helen Frankenthaler: Recent Prints, Gallery One, Toronto, Canada Helen Frankenthaler: Ten Mixed-Media Prints, 1985 – 1987, Greg Kucera Gallery, Seattle, Washington Helen Frankenthaler Prints: 1985 – 1987, L.A. Louver, Venice, California Helen Frankenthaler Prints, Tyler Graphics, Ltd., Mount Krisco, New York, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Helen Frankenthaler: Broome Street Series, acqueforti, acquetinte e pubte secche, 2RC Edizioni d'Arte, Roma, Italia. Helen Frankenthaler: New Paintings and Works on Paper, Andre Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler: Paintings on Paper, John Berggruen Gallery, San Francisco, California, Andre Emmerich Gallery, New York Frankenthaler: Works on Paper 1949 – 1984, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, New York; viajó a: Edmonton Art Gallery, Alberta, Canada; Art Gallery of Ontario, Toronto, Canada; Milwaukee Art Museum, Milwaukee, Wisconsin; Baltimore Museum of Art, Baltimore, Maryland; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California; Museum of Fine Arts, Houston, Texas; Arthur M. Sackler Museum, Harvard University Art Museums, Cambridge, Massachusetts, Number Three (Concierto para piano nº 3 de Prokofiev). Sets y vestuarios diseñados por Helen Frankenthaler; Royal Opera House, Covent Garden, London, RU Helen Frankenthaler, Pictures for Covent Garden, Knoedler Gallery, London, RU Helen Frankenthaler "Divertimento”, Van Straaten Gallery, Chicago, Illinois Helen Frankenthaler: Small Paintings of the Eighties, Gallery One, Toronto, Canadá Helen Frankethaler: Monotype, Katonah Gallery, Katonah, New York Helen Frankenthaler: Works on Paper 1983 - 1984, Andre Emmerich Gallery, New York.

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1984  

Helen Frankenthaler. Gateway: Twelve Uniquely Hand-Painted Sculptural Bronze Screens with Color Intaglio Prints Published by Tyler Graphics, Ltd., André Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler, “Broome Street Series,” 2RC Edizioni d’Arte, Roma, Italia Screens, Tyler Graphics Ltd., Mount Kisco, New York Gateway, Andre Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler: Paintings and Gouaches from the Eighties, Heland Wetterling Gallery, Estocolmo, Suecia. Helen Frankenthaler: Paintings of the 1950s - 1980s, Gallery One, Toronto, Canada


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez 1983    1982    1981   1980  1979 

   1978   

Janie C. Lee Gallery, Houston, Texas Helen Frankenthaler: Prints, Getler/Pall Gallery, New York, New York John Berggruen Gallery, San Francisco, California Helen Frankenthaler: An Exhibition of Monotypes Made in August 1982 at the Experimental Workshop in San Francisco, André Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler: Monotypes and Drawings on Proofs, André Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler: Recent Works on Paper 1980 – 1981, Thomas Segal Gallery, Boston, Massachusetts Helen Frankenthaler: Works of the Seventies, Saginaw Art Museum, Saginaw, Michigan Helen Frankenthaler Prints: 1961 – 1979, Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts; viajó a la Phillips Collection, Washington D.C.; Birmingham Museum of Art, Birmingham, Alabama; Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio; Palm Springs Desert Museum, Palm Springs, California; Santa Barbara Museum of Art, Santa Barbara, California; Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Helen Frankenthaler: Twelve Works on Paper, Fendrick Gallery, Washington, D.C. John Berggruen Gallery, San Francisco, California Helen Frankenthaler: New Work on Paper, Andre Emmerich Gallery, New York. Helen Frankenthaler Prints, Atkins Museum of Fine Arts, William Rockhill Nelson Gallery of Art, Kansas City, Missouri Helen Frankenthaler, Jacksonville Art Museum, Jacksonville, Florida Helen Frankenthaler: A Selection of Small Scale Paintings 1949-1977, Andre Emmerich Gallery, New York, New York, viajó a: Fuji TV Art Gallery, Tokyo, Japan; American Center, Osaka, Japan; American Center, Kyoto; American Center, Sapporo, Japan; Fukuoka Municipal Art Gallery, Fukuoka, Japan; Ewing Gallery, University of Melbourne, Australia; Regional Art Gallery, Newcastle, Australia; Hong Kong; Metropolitan Museum of Manila, Philippines; National Gallery of Art, Singapore; Museum of Modern Art, Mexico City; Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela; Columbia; Brazil Helen Frankenthaler, Recent Paintings: 1975-1978, Bennington College, Suzanne Lemberg Usdan Gallery, Bennington, Vermont John Berggruen Gallery, San Francisco, California

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1976 

Helen Frankenthaler: After This Day (a tapestry), Rosa Esman Gallery, New York Helen Frankenthaler: Recent Works on Paper, Gallery One, Toronto, Canadá Helen Frankenthaler: Paintings from 1959 – 1963, Knoedler Gallery, London, RU; Andre Emmerich Gallery, New York; Dana Reich Gallery, San Francisco, California


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez    1975       1974     1973     1972    1971       1969 

David Mirvish Gallery, Toronto, Canadá Ace Gallery, Vancouver, Canada Helen Frankenthaler: Paintings 1969-74, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.; viajó a: Seattle Art Museum Pavilion, Seattle, Washington; Houston Museum of Fine Arts, Houston, Texas Helen Frankenthaler: Tiles, Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Rosa Esman Gallery, New York Andre Emmerich Gallery, New York, New York Janie C. Lee Gallery, Houston, Texas Helen Frankenthaler: Small Works, Fendrick Gallery, Washington, D.C. Helen Frankenthaler: Sculpture, Swarthmore College, Swarthmore, Pennsylvania Galerie Andre Emmerich, Zurich, Suiza. The Waddington Galleries II, London, RU Waddington Galleries II, London, RU Janie C. Lee Gallery, Dallas, Texas Helen Frankenthaler: Sixty-Two Painted Book Covers, Metropolitan Museum of Art, New York; David Mirvish Gallery, Toronto, Canada Andre Emmerich Gallery, New York, New York Helen Frankenthaler: Prints and Recent Works on Paper, Fendrick Gallery, Washington D.C Helen Frankenthaler: A Retrospective of Prints, 1961 – 1972, John Berggruen Gallery, San Francisco, California. Helen Frankenthaler: 10 Sculptures and Recent Works on Paper, Andre Emmerich Gallery, Downtown, New York. Galerie Godard Lefort, Montreal, Canada Gertrude Kasle Gallery, Detroit, Michigan David Mirvish Gallery, Toronto, Canada Andre Emmerich Gallery, Uptown and Downtown, New York Heath Gallery, Atlanta, Georgia Carl Solway Gallery, Cincinnati, Ohio Painting retrospective, Whitney Museum of American Art, New York, Y viajó con el Whitney Museum and the International Council of Museum of Modern Art to: Whitechapel Gallery, London, RU; Hanover, Orangerie Herrenhausen, Saxony; Berlin Kongresshalle, Germany Andre Emmerich Gallery, New York Andre Emmerich Gallery, New York

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 1968 

Helen Frankenthaler: Major Prints 1961 - 1974, Diane Gilson Gallery, Seattle, Washington Janie C. Lee Gallery, Houston, Texas Helen Frankenthaler: Major Prints, Gallery Diane Gilson, Seattle, Washington


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez 1967   

Nicholas Wilder Gallery, Los Angeles, California Gertrude Kasle Gallery, Detroit, Michigan Helen Frankenthaler: A Selection of Work on Paper, 1958- 1966, Windham College, Putney, Vermont

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1966  Andre Emmerich Gallery, New York, New York 1965  Andre Emmerich Gallery, New York, New York  David Mirvish Gallery, Toronto, Canadá 1964  Kasmin Gallery, London, United Kingdom 1963  Andre Emmerich Gallery, New York, New York  Galerie Lawrence, Paris, France 1962  Galleria dell-Ariete, Milan, Italia  Bennington College, Vermont 1961  Everett Ellin Gallery, Los Angeles, California  Galerie Lawrence, Paris, Francia  Andre Emmerich Gallery, New York 1960  Helen Frankenthaler Paintings, Jewish Museum, New York  Andre Emmerich Gallery, New York 1959  Andre Emmerich Gallery, New York 1951-58  Tibor de Nagy Gallery, New York.


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6.3. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES COLECTIVAS

    2008       2007     2006   2005    

Early Moderns: A Celebration of Gifts from Gifford and Joann Phillips, The Phillips Collection, Washington, D.C. Artists Femmes dans les Collections du Centre Pompidou, Centre Pompidou, Paris, Francia Helen Frankenthaler and the Color Field Painters, The Bascom, Highlands, North Carolina Circa 1959, Jacobson Howard Gallery, New York Selected Works by Gallery Artists, Knoedler & Company, New York Degas to Diebenkorn: The Phillips Collects, The Phillips Collection, Washington, D.C. The American Evolution: A History through Art, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C. Action/Abstraction: Pollock, de Kooning, and American Art, 1940-1976, The Jewish Museum, New York, New York Reverberations: Modern and Contemporary Art from the Bank of America Collection, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania American Modern: Works from the Corcoran Gallery of Art, Fundación Joan Miró, Barcelona The Abstract Impulse: Fifty Years of Abstraction at the National Academy, 1956-2006, National Academy Museum and School of Fine Arts, New York Prewar Modernism, Postwar Modern, Gerald Peters Gallery, New York Abstract Expressionism and Other Modern Works: The Muriel Kallis Steinberg Newman Collection in the Metropolitan Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York Color as Field: American Painting, 1950-75, Denver Art Museum, Denver, Colorado; Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C. Full House: Views of the Whitney‟s Collection at 75, Whitney Museum of American Art, New York Reframing American Art: Selections from the Roy R. Neuberger Collection, Neuberger Museum of Art, New York The World of Contemporary American Woodcuts, 12th Exhibition of Prints from Tyler Graphics Archive Collection, Center for Contemporary Graphic Art and Tyler Graphic Archive Collection, Japan Color Field Paintings of the 1960s, Jacobson Howard Gallery, New York Picturing America: Selections from the Whitney Museum of American Art, Nagasaki Prefectural Art Museum, Japan, A Time & Place: East and West Coast Abstraction from the „60s and „70s: Sam Francis, Helen Frankenthaler, Hans Hofmann, Morris Louis, Kenneth Noland, Mark Rothko, Frank Stella, Gagosian Gallery, Beverly

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2009 

Group Show 2010, Jacobson Howard Gallery, New York, New York The Changing Soil: Contemporary Landscape Painting, Nagoya/ Boston. Museum of Fine Arts, Nagoya, Japan

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2010 


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez

 2004   2003    2002     2001   2000            

Geometric Abstraction and Beyond, Jacobson Howard Gallery, New York, The Kenneth E. Tyler Print Gift, Tate Modern and Tate Liverpool, London, RU Four Decades of Art from the Broad Collections, Guggenheim Bilbao Visions and Revisions: Art on Paper Since 1960, Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Challenging Tradition: Women of the Academy, 1826-2003, National Academy of Design, New York New York Renaissance: Masterworks from the Whitney Museum of American Art, Palazzo Reale, Milan, Italia The Andre Emmerich Gallery: A Documentary Portrait, Archives of American Art, New York Regional Center Gallery, New York Black Mountain College: Experimenting With Power, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid An American Legacy, a Gift to New York, Whitney Museum of American Art, New York The Chromatic Eye: New York Paintings and Prints From the 1960‟s, Norton Simon Art Museum, Pasadena, California A Century of Drawing: Works on Paper from Degas to LeWitt, National Gallery of Art, Washington, D.C. Pasted Pictures: College & Abstraction in the 20th Century, Knoedler & Company, New York Months and Moons, ACA Galleries, New York, New York Making Choices: 24 exhibitions of Modern Art from 1920 to 1960, The Museum of Modern Art, New York The Collector as Patron in the 20th Century, Knoedler & Company, New York Outlook, Bernard Jacobson Gallery, London, RU September Selections, Knoedler & Company, New York Celebrating Modern Art: The Anderson Collection, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California An American Focus: The Anderson Graphic Arts Collection, the Fine Arts Museum of San Francisco; California Palace of the Legion of Honor; Palm Springs Desert Museum, California Collection Highlights: Color Field Paintings, The Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Selections from the First Fifty Years, 1950-2000, Tibor de Nagy Gallery, New York Shining Moment: Color and Abstraction in the 1960s, Ameringer/Howard, New York Drawn to Matisse: Modern & Contemporary Works on Paper, Ameringer/Howard, New York The Painted Canvas, John Berggruen Gallery, San Francisco, California The American Century: Art & Culture, 1900-2000, Part II, 1950-2000, Whitney Museum of American Art, New York

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 

Hills, California Artists & Prints: Part 3, The Museum of Modern Art, New York


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez  1998    1997  

  1996     1995  1994  1993    1992   1991 

Hidden Treasures: A Selection of Important Works by Contemporary Master, Gallery One, Toronto, Canadá 5729-5726: Contemporary Artists Welcome the New Year--The Jewish Museum List Graphic Commission, The Jewish Museum, New York Four American Painters: Frankenthaler, Noland, Olitski, Poons, The Fitzwilliam Museum, Cambridge, RU Contemporary Masterworks: Artists and Collectors celebrate Knoedler & Company's 150th Anniversary, Knoedler & Co., New York Thirty-Five Years at Crown Point Press: Making Prints, Doing Art, National Gallery of Art, Washington; Fine Arts Museums of San Francisco, California Palace of the Legion of Honor, San Francisco, California American Drawings, Watercolors, Pastels, and Gouaches, Meredith Long Gallery, Houston, Texas Art & Friendship: Selections from the Roland F. Pease Collection, Tibor de Nagy Gallery, New York, New York Abstraction in the Twentieth Century: Total Risk, Freedom, Discipline, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Thinking Print: Books to Billboards, 1980-95, The Museum of Modern Art, New York Different Sides: Drawings/Photographs/Prints/Paintings/Sculpture, Knoedler & Company, New York Contemporary Printmaking in America: Collaborative Prints and Presses, National Museum of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C. Seven from the Seventies, Knoedler & Co., New York The New York School: Five Decades of Abstraction, Gallery One, Toronto, Canadá Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Adolf Gottlieb, Robert Motherwell on Paper, M. Knoelder & Co., New York The Collectors' Perspective: American and European Paintings and Drawings from Private Collections, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Spheres of Influence: Artists and Their Students in the Permanent Collection of the Whitney Museum of American Art, Whitney Museum of American Art, Stamford, Connecticut Les Heros de la Peinture Americaine, Galerie Gerald Piltzer, Paris, Francia A Celebration of Abstraction, Gallery One, Ontario, Canadá Contemporary American Prints from the Carol and Morton Rapp Collection, National Gallery of Canada, Ottawa, Canadá Art in Roosevelt House, U.S. Embassy, New Delhi, India The Unique Print: 70s into 90s, Museum of Fine Arts, Boston,

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 1990 

Icons, Ameringer Howard, New York


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    1989           1988        1987      

Massachusetts Big Paintings, The Andre Emmerich Gallery, New York Selected Paintings, Drawings and Sculpture, John Berggruen Gallery, San Francisco, California The Unique Print, Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Tibor de Nagy Gallery's 40th Anniversary, New York Projects and Portfolios: The 25th National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, New York Kenneth Tyler Selections, Richard Green Gallery, New York Seven Abstract Paintings, John Berggruen Gallery, San Francisco, California The Painter & The Printmaker, Associated American Artists, New York Drawing to a Close, 1980-89, Daniel Weinberg Gallery, Los Angeles, California Important Works on Paper, Meredith Long & Company, Houston, Texas The Gestural Impulse 1945-60, Whitney Museum of American Art, New York Projects and Portfolios; the 25th National Print Exhibition, Brooklyn Museum, Brooklyn, New York Eleven Major Artists; Important Works, Gallery One, Ontario, Canadá American Print Renaissance 1958 – 1988: Selections from the Permanent Collection of the Whitney Museum of American Art, Whitney Museum of American Art, Stamford, Connecticut Fifty Years of Collecting: An Anniversary Selection, Painting Since World War II in North America, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Made in the Sixties, Painting and Sculpture from the Permanent Collection of the Whitney Museum of American Art, Whitney Museum of American Art, New York Selected Acquisitions, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Works on Paper: A Comprehensive Survey of Drawings and Watercolors, John Berggruen Gallery, San Francisco, California New Acquisitions, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Twentieth Century Paintings and Sculpture: Selections for the Tenth Anniversary of the East Building, National Gallery of Art, Washington, D.C. Tyler Graphics, The Metropolitan Museum of Art, New York Helen Frankenthaler and Robert Motherwell: New Graphic Works, Nan Miller Gallery, New York New Abstract Prints, Associated American Artists, New York 70s into 80sL Printmaking Now, Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts New Abstract Prints, Associated American Artists, New York 20th Century Paintings and Sculpture, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Ten Abstract Painters, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Masterworks of the '60s; Small Paintings, Gallery One, Ontario, Canadá American Art: American Women, Stamford Museum and Nature Center, Stamford, Connecticut

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  1986 

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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez          1985     1984             

Nine Printmakers and the Working Process, Whitney Museum of American Art, Stamford Connecticut American Abstract Painting, Margo Leavin Gallery, Los Angeles, California Masters of the Fifties: American Abstract Painting from Pollock to Stella, Marisa del Re Gallery, New York Contemporary Works From the Collection, The Museum of Modern Art, New York Selections from the Collection, National Museum of American Art, Smithsonian Institution, Washington D.C. Print Acquisitions, Whitney Museum of American Art, New York Prints 1960 - 1970: Selections from the Collection, National Museum of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C. Print Acquisitions 1974 - 1984, Whitney Museum of American Art, New York Contemporary Classics, Andre Emmerich Gallery, New York 1983 The Master Print: America Since 1960, Associated American Artists, NewYork The American Artist as Printmaker, 23rd National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, New York Prints from Blocks: Gauguin to Now, The Museum of Modern Art, New York Six Major Painters: Francis, Frankenthaler, Gottlieb, Hofmann, Louis & Stella: 1952 - 1962, Andre Emmerich Gallery, New York Prints from Blocks; Gauguin to Now, The Museum of Modern Art, New York Early Works by Contemporary Masters: Caro, Francis, Frankenthaler, Gottlieb, Held, Louis, Holand, Olitski, Andre Emmerich Gallery, New York Nine Contemporary American Masters: de Kooning, Diebenkorn, Frankenthaler, Kline, Motherwell, Pousette-Dart, Rothko, Stella, Twombly, Marisa del Re Gallery, New York The American Artist as Printmaker 23rd National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, Brooklyn, New York Innovations in Contemporary Printmaking, Ashmolean Museum, McAlpine Gallery, Oxford, RU

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1982 

American Women Printmakers, Associated American Artists, New York 1985 Nine Printmakers and the Working Process, Whitney Museum of American Art, Stamford, Connecticut Prints from Tyler Graphics, Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota Print Acquisitions 1974 – 1984, Whitney Museum of American Art, New York Selected Works by 20th Century Masters, John Berggruen Gallery, San Francisco, California American Women Printmakers, Associated American Artists, New York Color on Paper, M. Knoedler & Co., New York Selected Acquisitions, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Individuals: A Selected History of Contemporary Art, 1945 - 1986, Inaugural Exhibition at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez             1981   1980       1979    1978   

Contemporary American Prints & Drawings 1940 - 1980, National Gallery of Art, Washington, D.C. American Paintings from the Museum of Fine Arts, Boston, Beijing, China Print Publishing in America, Stedelijk Museum, Scheidam, the Netherlands Printed Art: A View of Two Decades, The Museum of Modern Art, New York Originals, Graham Gallery, New York Printed Art: A View of Two Decades, Museum of Modern Art, New York, L'Amerique aux Independants, 91e Exposition, Societe des Artistes, Grand Palais, Paris, Francia The Fifties: Aspects of Painting in New York, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. Hans Hofmann as Teacher: Drawings by his Students, Metropolitan Museum of Art, New York; viajó a traves de The American Federation of Arts por todo los Estados Unidos y Canadá Paper, Clay, Tapestry: Explorations in to New Media, Thomas Segal Gallery, Boston, Massachusetts Selected Recent Acquisitions: Graphics, Whitney Museum of American Art, New York American Flower Paintings: 1850 - 1950, A.C.A. Galleries, New York Art 9/78, Basel Art Fair, Basilea, Suiza Twentieth Century American Drawings: Five Years of Acquisitions, Whitney Museum of American Art, New York Mixed Exhibition, Knoedler Gallery, London, RU Recent Acquisitions: Selected Gifts and Purchases Since 1976, Whitney

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 

Block Prints, Whitney Museum of American Art, New York Universal Limited Art Editions: A Tribute to Tatyana Grosman: Selections from the Permanent Collection, Whitney Museum of American Art, Downtown Branch, New York 25 Years: Prints from U.L.A.E., Museum of Modern Art, New York Late 19th and 20th Century Woodcuts, Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Big Prints: An Arts Council Exhibition of Prints by European and American Artists, Arts Council of Great Britain, London, RU American Prints: Process and Proofs, Whitney Museum of American Art, New York 22nd National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, New York Miró in America, Museum of Fine Arts, Houston, Texas For 25 Years: Prints from U.L.A.E., The Museum of Modern Art, New York The New York School, Four Decades: The Guggenheim Museum Collection and Major Loans, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Universal Limited Art Editions: A Tribute to Tatyana Grosman, Whitney Museum of American Art, Downtown Branch, New York Block Prints, Whitney Museum of American Art, New York, New York


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Museum of American Art, New York 1977         1976                1975    

Contemporary American Prints: Gifts from the Singer Collection, The Metropolitan Museum of Art, New York Image and Sequence: Prints from Universal Limited Art Editions, M. Knoedler & Co., New York The Book as Art, Fendrick Gallery, Washington, D.C. Image and Sequence: Prints from Universal Limited Art Editions, M. Knoedler & Co., Inc., New York Thirty Years of American Art, 1945 - 1975; Selections from the Permanent Collection, Whitney Museum of American Art, New York 72nd American Exhibition, The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois Ace Gallery Group Exhibition, Ace Gallery, Venice, California In This Academy: 1805 - 1976, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania Basel Art Fair, Basilea, Suiza Three Decades of American Art: Selected by the Whitney Museum, Seibu Museum, Tokyo, Japan Peinture americaine en Swisse 1950 - 1964, Musee d'Art et d'Histoire, Ginebra, Suiza Contemporary American Prints, Metropolitan Museum of Art, New York, Acquisition Priorities: Aspects of Postwar Painting in America, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York 30 Years of American Printmaking, Including the 20th National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, Brooklyn, New York Prints: Acquisitions 1973 - 1976, Museum of Modern Art, New York, One Hundred Prints by 100 Artists of the Art Students League of New York, Associated American Artists, New York American Prints 1913 – 1963, The Museum of Modern Art, New York Large-Scale Paintings, Andre Emmerich Gallery, New York Color as Language, circulating exhibition of The Museum of Modern Art, New York a: Bogota, Colombia; Sao Paulo y Rio de Janeiro, Brasil; Caracas, Venezuela; Mexico City, Mexico 34th Biennial of Contemporary American Painting, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.

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The Art of the Woodcut, The Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan 30 Years of American Printmaking, Including the 20th National Print Exhibition, The Brooklyn Museum, New York Words and Images: Universal Limited Art Editions, University of California, Frederick S. Wight Art Gallery, Los Angeles, California American Paintings and Drawings, John Berggruen Gallery, San Francisco, California Collectors Collecting Collection: American Abstract Art Since 1945, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California Biennale de Paris, une Anthologie: 1959 - 1967, Salles de la Foundation Nationale des Arts Plastiques et Graphiques, Paris, Francia; Seibu Museum of Art, Tokyo, Japan Acquavella Contemporary, New York Contemporary Women, Brooklyn Museum of Art, Brooklyn, New York Frankenthaler, Kelly, Leger, Lichtenstein, Noland, Pollock, Janie C. Lee Gallery, Houston, Texas


Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez   

    1974     1973      1972      1971   

One-Hundred Prints by 100 Artists of the Art Students League of New York 1875 - 1975, Associated American Artists, New York American Abstract Art Since 1945, Whitney Museum of American Art, New York American Art Since 1945, from the Collection of the Museum of Modern Art, Bicentennial Circulating Exhibition; Worcester Art Museum, Worcester, Massachusetts; Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio; Fine Arts Gallery of San Diego, San Diego, California; Dallas Museum of Fine Arts, Dallas, Texas; Joslyn Art Museum, Omaha, Nebraska; Greenville Country Museum, South Carolina; Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Virginia; Bronx Museum of Arts, New York, New York American Works on Paper 1945 - 1975, M. Knoedler & Co., Inc., New York Formative Years: Early Works by Prominent New York Artists, Visual Arts Museum, New York 25th Anniversary Exhibition, Part 1, Tibor de Nagy Gallery, New York Modern Masters, Rosa Esman Gallery, New York The Great Decade of American Abstraction: Modernist Art 1960-1970. The Museum of Fine Arts, Houston, Texas Ten Years Ago...An Exhibition of Paintings from 1964, David Mirvish Gallery, Toronto, Canadá Frank O'Hara, a Poet among Painters, Whitney Museum of American Art, New York American Works on Paper 1944 - 1974, William Zierler, Inc., New York, A Selection of Graphic Art from the Rapp Collection, Toronto Art Gallery, York University, Toronto, Canadá 18th National Print Exhibition, Brooklyn Museum, New York Crown Print Press at the San Francisco Art Institute, San Francisco Art Institute, Emanuel Walter Gallery, San Francisco, California Art in Space: Some Turning Points, Detroit Institute of the Arts, Detroit, Michigan Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York Terza Biennale Internationale della Grafica d‟Arte, Palazzo Strozzi, Florencia, Italia Monotypes, Pratt Graphics Center Gallery, New York Abstract Painting in the 70's, Boston Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Seventieth American Exhibition, Art Institute of Chicago, Illinois Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York Oversize Prints, Whitney Museum of American Art, New York The Structure of Color, Whitney Museum of American Art, New York Younger Abstract Expressionists of the Fifties, Museum of Modern Art, New York Prints by Four New York Painters: Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Robert Motherwell, Barnett Newman, Metropolitan Museum of Art, New

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1970 

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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez      1969      1968   1967    1966     

    

York American Artists of the 1960‟s, Boston University School of Fine and Applied Arts Gallery, Boston, Massachusetts Prints by Nine New York Painters, The Metropolitan Museum of Art, New York L'Art Vivant aux Etats-Unis, Foundation Maeght, Paris, Francia The Opening, David Mirvish Gallery, Ontario, Canadá Twentieth Century art from the Nelson Aldrich Rockefeller Collection, Museum of Modern Art, New York New York Painting and Sculpture: 1940 - 1970, Metropolitan Museum of Art, New York Prints by Four New York Painters: Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Robert Motherwell, Barnett Newman, The Metropolitan Museum of Art, New York Annual Exhibition of Contemporary Painting, Whitney Museum of American Art, New York 29th Annual Exhibition: The Society of Contemporary Art, The Art Institute of Chicago, Illinois 163 Annual Exhibition, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania Untitled, 1968, San Francisco Museum of Art, San Francisco, California Thirtieth Biennial Exhibition of Contemporary American Painting, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C. Contemporary American Painting and Sculpture, Krannert Art Museum, Champaign, Illinois Form, Color, Image, Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan American Landscape -- A Changing Frontier, National Collection of Fine Arts, Smithsonian Institution, Washington, D.C. XXXIII International Biennial Exhibition of Art, United States Pavilion, Venecia, Italia (Ganadora Helen Frankenthaler) The Harry N. Abrams Family Collection, The Jewish Museum, New York Art of the United States, 1670 - 1966, Whitney Museum of American Art, New York Two Decades of American Painting, International Council of The Museum of Modern Art, New York, New York; Kyoto, Japan ; New Delhi, India; National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia; Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia Sculpture and Painting Today: Selections from the Collection of Susan Morse Hilles, Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York Annual Exhibition of American Painting and Sculpture, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania Art in Embassies, Museum of Modern Art, New York The Permanent Collection, Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C. Contemporary American Drawings and Sculpture, Krannert Art Museum,

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1965 

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    1964      1963        1962  1961   1960  1959  

American Painters as New Lithographers, Museum of Modern Art, New York Painting and Sculpture of a Decade: 1954 - 1964, The Tate Gallery, London, RU Post-Painterly Abstraction, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, California A Decade of New Talent, American Federation of Arts, New York Pavilion of Fine Arts, New York World's Fair, New York 66th American Exhibition: Directions in Contemporary Painting and Sculpture, Art Institute of Chicago, Illinois Annual Exhibition of American Painting and Sculpture, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania 31 Peintres Americains Choisis par The Art Institute of Chicago, le Centre Culturel Americain, París, Francia Directions: American Painting, San Francisco Museum of Art, San Francisco, California Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York Contemporary American Painting and Sculpture, Krannert Art Museum, Urbana, Illinois Lyricism in Abstract Art, Washington Gallery of Modern Art, Washington D.C. Abstract Watercolors and Drawings: USA, International Council of the Museum of Modern Art, New York Sixty-fourth American Exhibition, Art Institute of Chicago, Illinois American Abstract Expressionists and Imagists, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York 25th Anniversary Exhibition: Modern Masters in West Coast Collections, San Francisco Museum of Art, California Contemporary American Painting and Sculpture 1959, University of Illinois, Urbana, Illinois Premiere Biennale de Paris, Musee d'Arte Moderne de la Ville de Paris, Francia V Bienal, Musea de Arte Moderna, Sao Paulo, Brasil

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University of Illinois, Champaign, Illinois Painting without a Brush, Institute of Contemporary Art, Boston, Massachusetts 40 Key Artists of the Mid-20th Century, The Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan Art: An Environment for Faith, San Francisco Museum of Art, San Francisco, California Word and Image, Solomon R. Guggenheim Museum, New York


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez 1958   1957     1955   1953  1952   1951   1950  

Young America 1957: Thirty American Painters and Sculptures under Thirty-Five, Whitney Museum of American Art, New York Artists of the New York School: Second Generation, Jewish Museum, New York Recent American Acquisitions, Museum of Modern Art, New York New Talent in the U.S., American Federation of Arts eposición itinerante que se inició en New York The Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Painting, Carnegie Institute, Pittsburgh, Pennsylvania U.S. Painting: Some Recent Directions, Stable Gallery, New York Nine Women Painters, Bennington College Gallery, Bennington, Vermont Exhibition of Painting and Sculpture Annual, Stable Gallery, New York Group show, Tibor de Nagy Gallery, New York The New Generation, Tibor de Nagy, New York 9th Street: Exhibition of Paintings and Sculpture, 60 East 9th Street, New York Bennington College Alumnae Paintings, Jacques Seligmann & Co., New York Fifteen Unknowns: Selected by the Artists of the Kootz Gallery, Kootz Gallery, New York Senior Art Projects, Bennington College, Vermont

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1949 

Nature in Abstraction: The Relation of Abstract Painting and Sculpture to Nature in Twentieth-Century American Art, Whitney Museum of American Art, New York Annual Exhibition of Contemporary American Painting, Whitney Museum of American Art, New York


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez

6.4. INSTITUCIONES PÚBLICAS DE LOS ESTADOS UNIDOS EN POSESIÓN DE OBRAS DE HELEN FRANKENTHALER TX Amarillo Museum MI University of Michigan NY Empire State Plaza Art Collection, Empire State Plaza GA High Museum of Art TX University of Texas Art Museum MD Baltimore Museum of Art VT Bennington College CA University of California MA Museum of Fine Arts Fogg Art Museum, Harvard University Buffalo, NY Albright-Knox Art Gallery Chattanooga, TN Hunter Museum of Art Chicago, IL Chicago Art Institute Cincinnati, OH Cincinnati Art Museum Cleveland, OH Cleveland Museum of Art Columbus, OH Gallery of Fine Arts Dallas, TX Dallas Museum of Art Detroit, MI Detroit Institute of Arts Eugene, Oregon Jordan Schnitzer Museum of Art, University of Oregon Flint, MI Flint Institute of Arts Fort Worth, TX Fort Worth Art Museum Hartford, CT Wadsworth Atheneum Honolulu, HA Academy of Arts Houston, TX Contemporary Arts Association Museum of Fine Arts Kansas City, KS Nelson-Atkins Museum of Art Kempner Art Museum Kansas City, MO Kansas City Art Institute Laurel, Miss Lauren Rogers Museum of Art Lincoln, NB University of Nebraska,Sheldon Memorial Art Gallery Los Angeles, CA Los Angeles County Museum of Art Louisville, KY J.B. Speed Art Museum Madison, WI University of Wisconsin Elvehjem Art Center Medford, MA Tufts University Gallery Miami, Florida Miami Art Museum Milwaukee, WI Milwaukee Art Institute Minneapolis, MN Walker Art Center New Haven, CT Yale University Art Gallery Newark, NJ Newark Museum New York City, NY Brooklyn Museum Cooper-Hewitt Museum Metropolitan Museum of Art Morgan Library Museum of Modern Art National Academy of Design New York University, Grey Art Gallery Solomon R. Guggenheim Museum Whitney Museum of American Art Norfolk, VA The Chrysler Museum

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Amarillo, Ann Arbor, Albany, Atlanta, Austin, Baltimore, Bennington, Berkeley, Boston,


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Northampton,MA Smith College Museum of Art Omaha, NB Joslyn Art Museum Palm Springs, CA Palm Springs Desert Museum Pasadena, CA Pasadena Art Museum Philadelphia, PA Philadelphia Museum of Art Pennsylvania Academy of Art Phoenix, AZ Phoenix Art Museum Pittsburgh, PA Carnegie Museum of Art Portland, OR Portland Art Museum Providence, RI Museum of Art, Rhode Island School of Design Purchase, NY Neuberger Museum of Art Richmond, VA Virginia Museum of Fine Arts Rochester, NY University of Rochester St. Louis, MO City Art Museum San Antonio, TX The Witte Museum San Diego, CA Museum of Contemporary Art San Francisco, CA San Francisco Museum of Art Seattle, WA Seattle Art Museum Syracuse, NY Everson Museum of Art Tampa, FL Tampa Museum of Art Valparaiso, IN Brauer Museum of Art, Valparaiso University, Center for the Arts Washington, DC Corcoran Gallery of Art Hirshhorn Museum and Sculpture Garden National Gallery of Art National Museum of Women in the Arts Phillips Collection National Museum of American Art,Smithsonian Institution Washington Gallery of Modern Art Wellesley, MA Davis Museum and Cultural Center, Wellesley College Wichita, KS Wichita Art Museum Youngstown, OH Butler Institute of American Art


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Helen Frankenthaler- Explorando la fluidez

6.5. INSTITUCIONES PÚBLICAS FUERA DE LOS ESTADOS U NIDOS EN POSESIÓN DE OBRAS DE HELEN FRANKENTHALER Australian National Gallery, Canberra National Gallery of Victoria, Melbourne Museum of Contemporary Art, University of Sydney Austria Museum of Modern Art, Vienna Canadá Art Gallery of Ontario, Musée des beaux-arts de l’Ontario, Toronto England Abbott Hall Art Gallery, Kendal Victoria and Albert Museum, London Tate Gallery, London France Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París Germany Wallraf-Richartz Museum Museum Ludwig Cologne Israel Israel Museum, Jerusalem Japan Center for Contemporary Graphic Art and Tyler Graphics Archives Collection, Fukushima Iwaki City Art Museum Museum of Contemporary Art, Nagaoka-cho,Utsunomiya-City Tokyo Museum, Tokyo Mexico Instituto Nacional de Bellas Artes, Mexico City Museo de Arte Contemporaneo Internacional Rufino Tamayo, Mexico DF New Zealand City of Aukland Art Gallery, Aukland N. Ireland Ulster Museum, Belfast Singapore Singapore Art Museum South Africa Johannesburg Art Gallery, Johannesburg Sudamerica Museo de Antioquia, Medellin, Columbia

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Australia


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6.6. PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS OTORGADOS A HELEN FRANKENTHALER                        

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Primer premio de pintura en la Primera Bienal de París, 1959 Medalla de Oro Joseph E. Temple, 163rd Annual Exhibition, Pennsylvania Academy of Fine Arts, 1968 Spirit of Achievement Award (junto con Robert Motherwell), Albert Einstein College of Medicine of Yeshiva University, New York, NY, Women's Division Eight Lively Arts (ELA) Award, 1970 Medalla de Oro de la Commune of Catania, Terza Biennale della Grafica d'Arte, Florencia,1970 Garrett Award, 70th American Exhibition, Art Institute of Chicago, IL, 1972 Annual Creative Artist Laureate Award of American Jewish Congress, Women's Division, 1974 Art and Humanities Award, Yale University, New Haven, CT, Women's Forum, 1976 "An Extraordinary Woman of Achievement" Award, The National Conference of Christians and Jews, New York, NY, 1978 Alumni Award for Outstanding Achievement, Bennington College, VT, 1979 New York City Mayor's Award of Honor for Arts and Culture, 1986 Connecticut Arts Award (State of Connecticut Commission on the Arts), 1989 "Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement," College Art Association, New York, 1994 "Lotos Medal of Merit," The Lotos Club, New York, N.Y., 1994 "Artist of the Year Award", A.R.T. (Art Resources in Teaching), Chicago, Illinois, 1995 ―Jerusalem Prize for Arts and Letters,‖ Friends of Bezalel National Academy of Arts and Design, New York, N.Y., 1999 Lifetime Achievement Award, 25th Anniversary Gala, Neuberger Museum of Art, Purchase College, State University of New York, Purchase, N.Y., 1999 Medalla Nacional de las Artes, 2001 (entregada por el Presidente George Bush, Abril 2002) Skowhegan Medal for Painting, New York, N.Y., April 2003 Nassau County Museum of Art honors Helen Frankenthaler, 2003 New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture, 40th Anniversary, homenaje a Helen Frankenthaler, Octubre, 2004 Pennsylvania Academy of Fine Arts, Gold Medal of Honor, 2005 (200 aniversario) Connecticut Women’s Hall of Fame, Induction, 2005 Premio Nelson A. Rockefeller de Arte, Purchase College, State University of New York, School of the Arts, 2007 Helen Frankenthaler Printmaking Cottage, Center for Contemporary Printmaking, Norwalk, CT, Dedication, Diciembre, 2007


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7. ÍNDICE

A Abstracción postpictórica, 7 action painters, 10 all over, 22, 28 Armory Show, 10, 11, 12, 32, 47, 74

B Barr, Alfred, 13, 14, 33, 74 Bauhaus, 13, 26 Baziotes, William, 14 Bennington College, 7, 50, 51, 54, 56, 67, 68, 71 Black Mountain College, 32, 58 Brancusi, Constantin, 12 Braque, George, 11, 20, 28

C Camoin, Charles, 11 Cézanne, Paul, 3, 11, 12, 13, 25, 28, 29 color fields, 10, 21, 26, 42 Corot, Camille, 11 Courbert, Gustave, 11

D

G Gauguin, Paul, 11, 13, 61 Gorky, Arshile, 14, 17, 18, 32, 35, 43, 74 Gottlieb, Adolph, 14, 29, 59, 61 Goya, Francisco de, 11 Greenberg, Clement, 7, 8, 9, 20, 21, 22, 25, 26, 27, 28, 29, 30, 47, 48 Guggenheim, Peggy, 30 Guston, Philip, 14

H Hartigan, Grace, 14, 30 Held, Al, 25, 26, 61 Henri, Robert, 11 Hofmann, Hans, 7, 20, 21, 22, 25, 28, 30, 57, 61, 62 Hopper, Edward, 10, 11

I Ingres, Jean, 11

K Kandisky, Wasily, 11, 25 Kelly, Ellsworth, 25, 63 Klein, Yves, 9 Kline, Franz, 14, 18, 29, 30, 32, 61, 74 Krasner, Lee, 8, 20, 27, 29, 30, 74 Kuhn, Walter, 11, 47

Davies, Arthur B., 11, 12 De Kooning, Elaine, 30 De Kooning, Willem, 8, 17, 18 Degas, Edgar, 11, 57, 58 Delacroix, Eugène, 11 Delaunay, Robert, 11, 20 dripping, 16, 25 Duchamp, Marcel, 11

L Léger, Fernand, 11, 20 Los Angeles County Museum of Art (LACMA), 25 Louis, Morris, 21, 25, 26, 28, 35, 46, 57, 61, 69

E École de París, 10 Ernst, Max, 16

M

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Fifteen Americans, 14 flatness, 28 Fontana, Lucio, 9 Francis, Sam, 14, 19, 25, 57, 61, 74 Frankenthaler, Helen, 7, 8, 11, 15, 16, 20, 21, 24, 25, 26, 27, 28, 29, 34, 39, 43, 44, 45, 46, 47, 50, 51, 52, 53, 54, 55, 56, 57, 59, 60, 61, 63, 64, 65, 68, 70, 71

Mac Rae, Elmer, 11 Manet, Édouard, 11 Matisse, Henri, 11, 12, 13, 19, 28, 58 Miró, Joan, 16, 57, 62 Mitchell, Joan, 30 Mondrian, Piet, 24, 26 Monet, Claude, 3, 11 Motherwell, Robert, 8, 14, 17, 19, 27, 29, 30, 59, 60, 61, 64, 65, 71 Museum of Modern Art, 10 Myers, Jerome, 11


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N Nadar, Félix, 11 Newman, Barnett, 14, 15, 22, 23, 24, 26, 29, 32, 36, 44, 57, 64, 65, 74 Noland, Kenneth, 21, 25, 26, 28, 32, 35, 46, 57, 59, 63

O

Signac, Paul, 11 soak stain, 25, 35, 44 Stein, Gertrude, 12 Stella, Frank, 25, 26, 57, 61 Sterne, Hedda, 30, 31 Stieglitz, Alfred, 11, 12 Still, Clifford, 14, 15, 18, 19, 21, 22, 32, 74 Street, Julian, 7, 11, 53, 67

T

O’Keeffe, Georgia, 30 O'Keeffe, Georgia, 12 Olitski, Jules, 21, 25, 26, 59, 61

P Parsons, Betty, 22, 30, 32, 74 Partisan Review, 7, 8, 17, 28, 47 Picabia, Francis, 12 Picasso, Pablo, 11, 13, 19, 20, 28 Pollock, Jackson, 7, 8, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 20, 25, 27, 28, 29, 30, 46, 57, 61, 63

R

Tamayo, Rufino, 8, 16, 27, 70 The Allbright-Knox Art Gallery, 33 The Art Studens League of New York, 31 The New School for Social Research, 31 The Smithssonian Institution, 8 The Solomon R. Guggenheim Museum, 33, 46 The Tibor de Nagy Gallery, 32 Tobey, Mark, 15 Tyler, Kenneth, 37, 38, 51, 53, 57, 58, 60, 61, 70, 74

V

Reinhardt. Ad, 14, 32 Rivera, Diego, 16 Rodin, Auguste, 12 Rosenberg, Harold, 17, 28, 47 Rothko, Mark, 14, 15, 20, 21, 22, 23, 32, 36, 57, 61, 74 Rousseau, Henri, 12

Van Gogh, Vincent, 11, 13, 15

W Washington Color Painters, 26 Whistler, James, 11 Whitney Museum of American Art, 7, 33, 46, 55, 58, 59, 60, 61, 62, 63, 64, 65, 67, 68

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Seurat, George P., 11


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8. TABLA DE ILUSTRACIONES

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Ilustración 1. Cartel anunciador del Armory Show .................................................. 10 Ilustración 2. Alfred Barr en la portada de la revista Life ....................................... 12 Ilustración 3. Catálogo de la exposición 15 americanos ........................................... 14 Ilustración 4. Pollock en acción, Lee Krasner le observa ......................................... 16 Ilustración 5. De Kooning delante de dos de sus mujeres, su cuadro y Eliane su esposa ........................................................................................................................ 17 Ilustración 6. Arshile Gorky...................................................................................... 17 Ilustración 7. Kline en su estudio ............................................................................. 18 Ilustración 8. Clifford Still ........................................................................................ 18 Ilustración 9. Sam Francis ........................................................................................ 19 Ilustración 10. Robert Motherwell ............................................................................ 19 Ilustración 11. Hans Hofmann en su estudio ........................................................... 20 Ilustración 12. Catálogo de la exposición La pintura ideografica de B. Newman ... 22 Ilustración 13. Rothko en su estudio ........................................................................ 23 Ilustración 14. Newman, Pollock y Tony Smith en la Parsons. 1951 ...................... 23 Ilustración 15. Helen Frankenthaler vertiendo pintura sobre el lienzo .................. 25 Ilustración 16. Pollock, Greenberg, Helen y Krasner (1952) .................................... 28 Ilustración 17. Motherwell y Helen en Provincetown .............................................. 29 Ilustración 18. El matrimonio Motherwell en Provincetown ................................... 29 Ilustración 19. Los irascibles - Revista Life 1951 ..................................................... 31 Ilustración 20. Helen en acción.El acto de pintar tambien es arte para la artista. . 34 Ilustración 21. Western dream. 1957.Oleo sobre lienzo 70 x 86" ............................. 35 Ilustración 22. Sphinx.1976.Acrilico sobre lienzo.105 x 104"................................... 36 Ilustración 23. Pink Lady.1963.Oleo sobre lienzo.84 1/2 X 58 " ............................... 36 Ilustración 24. Provincetown I, 1961,Oleo sobre lienzo.92 3/4 X 101 3/4" ............... 36 Ilustración 25. A Green thought in a green shade.Acrilico sobre lienzo 119 x 156 1/2" ............................................................................................................................. 36 Ilustración 26. The Rake´s Progress.1991.Acrílico sobre lienzo.94 1/2 x 68 1/2" ..... 37 Ilustración 27. Warming Trend.2002.Acrílico sobre lienzo.74 3/4 x 84 1/4" ............ 37 Ilustración 28. Taller de Kenneth Tyler ................................................................... 38 Ilustración 29. Helen trabajando sobre papel........................................................... 38 Ilustración 30. Mountains and Sea. 1952 ................................................................. 39 Ilustración 31.Modelo de espacio de color RGB ........................................................ 40 Ilustración 32.Histograma de frecuencia de color .................................................... 41 Ilustración 33. Paisaje y colorido de Nueva Escocia ................................................. 42 Ilustración 34. Mountains and Sea. Virado al azul. estudio de areas...................... 42 Ilustración 35. Distribución de las areas y densidades ............................................ 43 Ilustración 36. Mountains and Sea.Estudio compositivo I ....................................... 43 Ilustración 37. Mountains and Sea. Estudio compositivo II .................................... 43


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