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LUZ TRA CON FOTOGRAFÍA

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crísis

en el fotoperiodiso actual

La fotografía ModVa

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ABC Fotográfico


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UZ TRAL CON

AUTOR: Marylife Sánchez Martínez. TÍTULO: Autoretrato TÉCNICA: Fotografía digital sobre lienzo y goma bicromatada

FOTOGRAFÍA

El uso de emulsiones liquidas aunque bien puede resultar con márgenes de error mucho más altos que la técnica fotográfica convencional, son aquellas manchas, huecos, entre otros detalles que le dan ciertos toques de encanto a estas imágenes. Sumado a que estas emulsiones permiten trabajar en diferentes superficies, vidrio, madera, tela, entre otros, permitiendo generar una connotación particular y especialmente atractiva para el ojo humano.

Año 1- EDICIÓN 1

Febrero 2014 - Junio 2014 maf_1820@hotmail.com dicabu_16@hotmail.com Bogotá- Colombia C

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Director

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María Fernanda Corredor

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Jefe de Redacción

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Diana Bustamante

Jefe de Mercadeo y Publicidad María Fernanda Corredor

Abogado María Paula Hernández

Experto Digital Carlos Andrés Sánchez

Columnistas María Fernanda Corredor, Diana Bustamante, Jaime Romero, María José Casasbuenas.

Artistas Invitados Sergio Rocha, Camilo Vanegas, Cesar Romero.

Colaboradores Julián Romero, Leonardo Páez.

AUTOR: Andrés Felipe Andrade Márquez TÍTULO: Valor TÉCNICA: Cámara estenopedica con respaldo Polaroid Generalmente cuando queremos comunicar alguna sensación intentamos hacerlo mediante una sola imagen, sin embargo, hay veces en las que una serie o secuencia puede provocar mayor variedad de reacciones y lecturas del contenido según la forma y la lógica que se le da a ésta. “Las secuencias son para mi como el haiku, Me sentía insatisfecho con una sola fotografía, pues era incapaz de convertirla en una exposición más elaborada. En una secuencia, la suma de las fotografías narra lo que una sola imagen no puede decir. No tiene sentido hacer una secuencia si el relato carece de significado. En ese caso, se convierte en un mero ejercicio de técnica.Tiene que ir más alla” DUANE MICHALS. Photography and Reality.

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AUTOR: Andrés Cortés García TÍTULO: Autoretrato TÉCNICA: Vinilo adhesivo sobre vidrio

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AUTOR: Camilo Cubides TÍTULO: Autoretrato TÉCNICA: Vinilio adhesivo sobre vidrio samblasting

AUTOR: Sergio Rocha TÍTULO: Rotrato TÉCNICA: Impresión en papel metalizado sobre cartón maqueta Aunque la exposición múltiple y movimiento es una técnica bastante conocida en el medio, le permite al fotógrafo aproximarse a creaciones artísticas particulares a partir de un óptimo control de la exposición y del objeto y/o sujeto.

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Por: Diana Bustamante

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A proposito de ciertas indiferencias

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EL USO DE TECNICAS DE ARTE Y TECNOLOGICAS EN LA FOTOGRAFÍA

APLANÁTICO: Objetivo en el que se ha corregido la aberración esférica

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EL USO DE TECNICAS DE ARTE Y TECNOLOGICAS EN LA FOTOGRAFÍA

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La digitalización de la imagen a traído consigo gran polémica en el ámbito de la fotografía, una de ellas es ¿La fotografía es una obra de arte? Aunque este debate ha surgido desde el nacimiento de la fotografía, se ha ido popularizando y cuestionando cada vez más con el uso de nuevas tecnologías y el fácil acceso que hay a la imagen por parte de todo sujeto. Sin embargo, desde que tuve la oportunidad de acercarme a la fotografía de autor o más conocida como experimental, comencé a preguntarme por el uso de técnicas fotográficas, soportes diferentes, y como tal ¿Cómo hacer una imagen diferente? La gran mayoría de fotógrafos han pensado varias veces por el futuro de la fotografía y de su oficio, yo hago parte de esto, sin embargo, me detengo a pensar que hemos hecho quienes interesados en que la fotografía se mantenga como una destreza especial, una forma creativa de comunicar nuevas cosas, y en que cada imagen que haga sea única y diferencial, porque reconozco que a pesar de la multiplicidad de fotografías que se ven a diario, no todo está contado, y

cada fotógrafo debe estar en la capacidad de contar una misma cosa pero a partir de una mirada y propuesta diferente. Hoy en día casi todos nos conformamos con sacar nuestra cámara fotográfica digital, realizar algunas tomas, de pronto de otros ángulos y perspectivas, pero siempre tras el mismo resultado, una imagen en nuestro monitor, y posterior a una imagen en papel mate, por mucho brillante en formato 3:4. Entonces, ¿Qué estamos haciendo para preservar el papel de la fotografía como un medio artístico? Jaime Romero, director de fotografía de la Institución Universitaria Politécnico Grancolombiano, ha sido promotor del uso de técnicas fotográficas no convencionales, y tras su largo paso por esta institución ha sembrado en sus estudiantes gusto e inquietud por estas técnicas, y por descubrir nuevas formas de creación de imágenes.

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Por: Maria Paula Hernández Mesa Estudiante de Derecho Universidad Externado de Colombia

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FOTOGRAFIA PROTEGIDA

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Los derechos de autor son el conjunto de normas, disposiciones y principios que protegen al autor intelectual y material de una obra literaria, artística o científica, entendida como la expresión humana producto del ingenio y talento que se materializa de manera perceptible por los sentidos ya sea por medio de un escrito, un signo, una escultura, entre otros. Pero la pregunta aquí es: ¿es la fotografía protegida por los Derechos de Autor? Pues bien, a lo largo de este artículo desarrollaré temas como qué tipo de obra es la fotografía para el Derecho, qué tipos de facultades y limitaciones le nacen al autor respecto de su obra y qué debe hacer él para registrarla. La fotografía es una obra artística estéticamente perceptible por los sentidos, por lo tanto, es protegida por los derechos de autor por el hecho de ser plasmada de manera concreta y no ser o quedarse en una simple idea; es decir, se requiere que la obra sea plasmada de forma física o sea perceptible por los sentidos. Este derecho se adquiere desde el mismo instante en que la obra nace y es plasmada en un medio físico; por lo anterior, es desde ese momento protegida contra su transformación y reproducción; esto, entonces, significa que el registro de la misma es un medio probatorio que sirve para demostrar la relación que tiene con su autor, mas no para que jurídicamente exista.

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A partir del momento en que la fotografía es tomada, aparecen para su autor dos tipos de derechos: los derechos morales y los derechos patrimoniales sobre ella. Los derechos morales, son aquellos inherentes a la persona, inembargables e irrenunciables pues provienen de la expresión de la personalidad del autor. De ahí, se deriva que él pueda decidir sobre su divulgación, solicitar que su nombre sea plasmado en cualquier momento o que por el contrario permanezca en el anonimato o bajo un seudónimo, y puede decidir respecto de su transformación, modificación o retracto. Mientras que los derechos patrimoniales que se derivan de la fotografía, son los beneficios económicos que se pueden obtener de ella durante el término plasmado en la ley, esto es, la vida del autor más cincuenta (50) años después de su muerte, según el artículo 18 de la Decisión 351 del Acuerdo de Cartagena realizado por la Comunidad Andina. Por lo anterior, dichos beneficios se derivan de los derechos: de <reproducción>, que no es otra cosa que la facultad que tiene el propietario de la obra para autorizar o prohibir la realización de copias de su obra por cualquier medio de reproducción; de <comunicación pública>, que consiste en el derecho que tiene el

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autor para autorizar todo acto tendiente a que una pluralidad de personas puedan tener acceso a la obra en todo o en parte; de <distribución>, que se refiere a sus derechos pecuniarios respecto de la venta, arrendamiento o alquiler que se haga de su obra; de <importación>, que se derivan de la obtención que se haga de la obra desde un país extranjero; de <transformación>, es la facultad que tiene el propietario de la fotografía para decidir sobre la modificación o adaptación que se le haga a su foto; entre otros. Pero, así como el autor tiene derechos respecto de su obra artística, ¿tiene alguna limitación? Sí, los derechos del propietario de la fotografía no son absolutos, su obra está limitada constitucionalmente por los derechos que tenemos todos los ciudadanos de acceder a la información, a la educación, en general, al conocimiento; por ello es que en muchos casos se autoriza la reproducción de la obra sin autorización de su autor, siempre y cuando sea para uso personal, educativo o cultural, pero no con ánimo de lucro. Por otra parte, para registrarla y como ya lo mencioné antes, con fines probatorios y de publicidad, se debe acudir a la Dirección Nacional de Derecho de Autor del Ministerio del Interior, para que la misma figure en el Registro Nacional de Derechos de Autor.

SECCIONES: ABC FOTOGRÁFICO OPINIÓN ARTISTAS APPS IMAGEN LEGAL REVELADO

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Aberración cromática: Incapacidad de un objetivo para concentrar en el mismo plano de imagen la luz de diferentes longitudes de onda (es decir, diferente color) procedente del mismo plano del sujeto. Aberración esférica: Aberración que provoca perdida de definición de la imagen en el plano de ésta, sobre todo en los bordes del campo. Abertura relativa: Diámetro real del diafragma dividido por la longitud focal del objetivo en uso y expresada en términos de números “f” señalados en la montura del objetivo. Ácido acético: Compuesto empleado en el baño de paro (normalmente al 2 por 100) y en los fijadores ácidos. En tampón (metabisulfito sódico) para evitar la acidez de la descomposición del tiosulfato empleado como fijador. Ácido clorhídrico: Compuesto empleado empleado en algunas soluciones blanqueadoras. Es muy corrosivo.

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Ácido nítrico: Se emplea en la manufactura de emulsiones, en viradores y en blanqueadores. Es muy corrosivo. Acromático: Objetivo corregido para la aberración cromática, aunque en los modelos antiguos que lleven esta indicación aún puede ser evidente a las mayores aberturas. Actinismo: Capacidad de la luz de provocar un cambio químico o físico en una sustancia. El poder actínico de la luz durante la exposición hace que los cristales sensibles de una emulsión fotográfica cambien su estructura y formen la plata metálica negra de la imagen. Acutancia: Medida objetiva de la nitidez de la imagen. El grado de nitidez se expresa por la pendiente del ángulo del gradiente de borde en un límite entre densidades, cuanto mayor sea esta pendiente, mayor será la nitidez. A medida que el ángulo sea hace menos agudo, la diferencia entre

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dos densidades es más difusa, y la nitidez disminuye. Adams, Ansel: 1902 San Francisco. 1984 Carmel, California. En 1932, fundo el grupo F/46 con los fotógrafos Imogen Cunningham, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, William van Dyke y Edward Weston quienes pregonaban en dogma de una fotografía caracterizada por una gran profundidad de campo y la definición más rigurosa de los detalles. En 1941, el fotógrafo desarrollo su sistema de zonas, un método para calcular el tiempo de exposición y de revelado que debía aportar una degradación óptima a los valores del gris. Adams difundió sus ideas y procedimientos fotográficos a través de una gran numero de obras y conferencias.

APPS SUN SURVEYOR Brújula del sol Es una aplicación muy útil para saber la posición del sol, dice sus horas de salida con ayuda de una brújula en 3d. No solo sirve para fotógrafos y cineastas, sino para todas aquellas personas que tengan que trabajar en campo abierto y su trabajo dependa del clima que este haciendo en ese determinado momento.

MODEL RELEASE Contrato para modelos Esta es una excelente herramienta para realizar un contrato digital con la modelo que va a ser fotografiada, para en el momento de tomar esta fotografía como parte del portafolio no vaya a presentarse ningún inconveniente legal.

PHOTOMETER PRO EXPOSIMETRO Esta aplicación es un exposímetro que sirve para medir la luz incidente en el objeto y /o sujeto que queremos fotografiar. Es muy útil por que ayuda a tener una correcta iluminación y una muy buena imagen.

Syligths Esquemas de iluminación Esta es una herramienta muy útil, para aquellas personas que están incursionando en el mundo de la fotografía, y para quienes ya hacen parte. Sirve para realizar esquemas de iluminación en los cuales hay diversas opciones para uno construirlo. Te da la posibilidad de poner sombrillas, reflectores, flashes, personajes, fondos entre muchos mas.

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Los tetons y el río de la Serpiente, 1942. C

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En 1941, el fotógrafo desarrollo su hsistema de zonas, un método para calcular el tiempo de exposición y de revelado que debía aportar una degradación óptima a los valores del gris. Adams difundió sus ideas y procedimientos fotográficos a través de una gran numero de obras y conferencias. empleado empleado en algunas soluciones blanqueadoras. Es muy corrosivo. Aerografía: Método de retoque de fotografías en blanco y negro y en color que consiste en la pulverización a presión de pigmentos sobre áreas thdeterminadas del negativo o el positivo. Requiere una práctica muy considerable. Alumbre: Compuesto empleado en los baños fijadores ácidos endurecedores. Existe como alumbre de cromo y alumbre de potasio. Este es preferible para fijar copias, porque el alumbre de cromo tiende a manchar la plata metálica de verde.

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Ambrotipo: Proceso fotográfico inducido en 1851 por Frederick Scott Archer y tPeter Fry. Empleaba un negativo débil de colodión que posteriormente se blanqueaba y se colocaba ante un fondo negro que producía el efecto de una imagen positiva. Los ambrotipos sustituyeron rápidamente los daguerrotipos, porque eran más baratos y fáciles de ver. Amidol: Agente reductor soluble que actua a bajo PH. Anaglifo: Es el resultado de formar pares estereoscópicos ( para dar imágenes tridimensionales) a partir de positivos que se tiñen de diferente color, generalmente verde y rojo. Las dos imágenes se copian sobre el mismo papel ligeramente fuera del registro. Angstrom: Unidad de medida de las longitudes de onda del espectro electromagnético. La luz visible va desde los 3900 A (azul) unos 7200 A ( rojo). Entre ambos se encuentran todos los demás colores.

Rosa sobre madero flotante, 1933.

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Aerografía: Método de retoque de fotografías en blanco y negro y en color que consiste en la pulverización a presión de pigmentos sobre áreas determinadas del negativo o el positivo. Requiere una práctica muy considerable. Alumbre: Compuesto empleado en los baños fijadores ácidos endurecedores. Existe como alumbre de cromo y alumbre de potasio. Este es preferible para fijar copias, porque el alumbre de cromo tiende a manchar la plata metálica de verde. Ambrotipo: Proceso fotográfico inducido en 1851 por Frederick Scott Archer y Peter Fry. Empleaba un negativo débil de colodión que posteriormente se blanqueaba y se colocaba ante un fondo negro que producía el efecto de una imagen positiva. Los ambrotipos sustituyeron rápidamente los daguerrotipos, porque eran más baratos y fáciles de ver. Amidol: Agente reductor soluble que actua a bajo PH. Anaglifo: Es el resultado de formar pares estereoscópicos ( para dar imágenes tridimensionales) a partir de positivos que se tiñen de diferente color, generalmente verde y rojo. Las dos imágenes se copian sobre el mismo papel ligeramente fuera del registro. Angstrom: Unidad de medida de las longitudes de onda del espectro electromagnético., La luz visible va desde los 3900 A (azul) unos 7200 A ( rojo). Entre ambos se encuentran todos los demás colores. Arnold, Eve: 1913 Filadelfia, 2012 Londres. Se cuenta como uno de los primeros fotógrafos de Magnum. En la década de los cincuenta, Arnold realizo en EEUU diversos reportajes de mujeres pertenecientes a los

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Marilyn Monroe, 1955.

diversos sectores sociales, de los cuales pretendía ofrecer una imagen sin retoques. En ese contexto, nacieron las serias de fotos de Marlene Dietrich y Marilyn Monroe. Anillos de Newton: Anillos coloreados que aparecen cuando dos cristales o dos superficies transparentes están en contacto parcial. Angstrom: Unidad de medida empleada para las longitudes de onda de la luz. Un milímetro equivale a 10 millones de angstrom. Dentro del espectro electromagnético, el campo visible al ojo humano ( espectro visible) va desde 7000 A a los 4000 A. Aplanático: Objetivo en el que se ha corregido la aberración esférica Apocromático: Objetivo en el que se ha corregido la aberración cromática para los tres colores aditivos primarios.

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ASA: Indice de sensibilidad de materiales fotográficos puesto a punto por la American Standard Association. Los índices siguen una progresión aritmética y emplean un sistema de gradiente medio. Atget, Eugene: 1857 Libourne, 1927 París. Este fotógrafo se concentró en realizar fotografías en París, de viejas edificaciones, sus detalles arquitectónicos y vendedores ambulantes, hasta ingresar en los suburbios. A medida que iba agotando temas, solia encontrar otros nuevos, como por ejemplo los Interiores parisinos, los Coches de caballos de París y las Fortificaciones. En 1920 Atget, ofreció su colección a la Escuela de Bellas Artes, pues quería dejarla en manos seguras. Atget siempre se negó a trabajar con otro equipo que su vieja cámara de machera de 18x24.

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Corsets, Boulevard de Strassboud, Paris 1905

Traperos, Cité Valmy 1913.

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Avedon, Richard: 1923 Nueva York, 2004 San Antonio, Texas. Sus fotografías de moda, en las cuales transcribía su visión personas de un mundo de imágenes vitales, muy próximo de la vida, le valio una extensa publicidad. En efecto, Avedon rompia con la fotografía de estadio, llevando a sus modelos hacia las calles de París, los cafes y las revistas.

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Brigitte Bardot. 1959.

Solo en Nueva York, le fueron dedicadas exposiciones en el Museum of Modern Art. El Museo Ludwig de Colonia presento en 1994 una gran retrospectiva, a la que se agregaba su producción de fotografías de moda cual sea el género con el cual se confronto Avedon, siempre consiguió darle su firma personal

Dovima con elefantes, traje de noche Dior, Cirque d´Hiver. Paris. 1955

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Por: Sergio Rocha

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La fotografía puede tener tendencia a caer en el cliché pero no en convencionalismos, es habilidad del propio artista darle toques novedosos y frescos a ideas previamente establecidas: ponerle su marca. Juguemos con las ideas, contrastémoslas, ¿qué se podría decir de un matrimonio en un cementerio? ¿Y si son dos chicas las que vamos a poner en la situación? Podríamos denominar a esta solución creativa como una “epifanía fotográfica”, ya sea acertada o no.

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Este es el principio de la foto a realizar, encontrar espacios diferentes que pueden ser comunes pero que con un poco de originalidad pueden llegar a cautivar nuestra imaginación, no siempre tiene que tener un trasfondo profundo solamente es el medio por el cual se siente mejor expresarse, es el público quien realmente toma la decisión de calificar estas ideas y cuestión del fotógrafo apoyarse en su crítica para crecer.


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Por: Diana Bustamante

¿CRÍSIS EN EL FOTOPERIODISMO ACTUAL? Desde hace algunos meses comencé a sentir una especial fascinación por tomar fotos en la calle, de todo aquello que me rodea, personas, lugares, hechos y problemáticas. Un encanto por congelar algunos instantes capaces de comunicar con una sola imagen un sinfín de acontecimientos, realidades y sentimientos. Aquellos momentos en los cuales puedo conocer y compartir con varias personas, con el único fin de poder transmitir a través de mis fotografías algo que pudiese estar atrapado, escondido o pisoteado y que no ha podido salir a flote para ser descubierto y más aún en una sociedad como la nuestra, en donde cada vez el silencio debe ser el remedio a cada problema. El fotoperiodismo lo he podido asimilar como un enorme gusto y encanto, un trabajo, y una forma de realizar imágenes distintas pero siempre atractivas al ojo humano, al lenguaje y pensamiento del mismo.Sin embargo, cada vez que transcurren los días y enfrento con mayor rapidez el hecho de estar

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a portas de una vida laboral, me cuestiono si el fotoperiodismo será mi profesión y sustento de vida. Diariamente, enciendo mi televisor, observo los noticieros, adquiero los periódicos nacionales, analizo las noticias, y me pregunto si el fotoperiodismo hoy en día podría considerarse una profesión, o tan solo una actividad del momento, ni siquiera un “estilo de vida”. En todos los diarios, a través de los noticieros en televisión y por todos los medios de comunicación que la tecnología hoy en día nos ofrece, se puede observar que la fotonoticia ya no es una actividad exclusiva, ya no hace parte de un selecto grupo de fotógrafos empíricos o preparados que destinaron toda su vida a la fotografía de calle, para registrar magnos eventos, protestas, en el caso de nuestro país conocer personajes peligrosos o influyentes en la sociedad, políticos, narcotraficantes, guerrilleros, entre otros. Hoy en día, que casi todas las personas tienen a su alcance una cámara, y medios de comunicación tan efectivos como el internet y redes sociales, lo cual permite

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que cualquier persona pueda jugar a desempeñar el rol de reportero. La sociedad ya cansada de encontrar imágenes por doquier (vallas publicitarias, televisión, internet, selfies, revistas, etc) se conforma con una imagen capaz de denotar simplemente lo que la persona que hizo la imagen tuvo la oportunidad de presenciar, pero todo aquello por lo que famosos y reconocidos fotógrafos intentaron preservar en su trabajo hoy ya no pareciera importar. Composición, iluminación, adecuado uso del color, y todas aquellas especificaciones técnicas que cada fotógrafo ha de cuidar, para intentar conservar aun la fotografía como un medio artístico, en este caso del fotoperiodismo como un medio humanístico y comunicacional, ya nada de esto a los medios les parece importar, y más en un país como el nuestro en donde solo sangre, y tragedias quisieran mostrar, sin ni siquiera la identidad e imagen de los sujetos implicados en cada noticia quisieran proteger. Y es allí cuando llegan quienes rápidamente de sus bolsillos sacan una cámara para capturar todo aquello que un fotógrafo durante años se preparó para obturar y comunicar.

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Y cuando una imagen aun no pareciera impresionar, para los mass media es más fácil y sencillo por una imagen no pagar y rellenar con texto intentando que el espectador pueda connotar lo que

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“tras bambalinas” a un grupo de políticos les ha de importar que la sociedad alienada pueda captar, un dialogo comunicacional que una simple “fotografía” no puede del todo informar.

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Es a este punto al cual siempre he de llegar, ya que los medios hasta la autonomía expresiva han de cercenar, con tal de en hacer su papel mucho más mediático, económico y conveniente paraquienes a ellos realmente les han de pagar.

BARMABAS COLLINS FOTOGRAFIA: Diana Bustamante STYLING: Laura Vega

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Por: Diana Bustamante

EL ENCANTO DE COMPARTIR MIS FOTOGRAFÍAS

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A lo largo de mis estudios, me he tenido que enfrentar a todo tipo de metodologías de aprendizaje, a diversas perspectivas, experiencias, y lecciones que me han dejado como resultado un sinfín de conocimiento cargados de días y momentos llenos de lucidez y de creatividad pero también de duda y desmotivación frente a mis propios trabajos. Hace siete semestres comencé a pisar un estrecho camino, que hoy en día se convertiría en un paladar casi podría decirse que un tanto agridulce, lleno de encantos y desencantos. Tal cual como una pareja, días de efusividad y días de desespero por no encontrar el punto perfecto en el cual fusionar todas las ideas que vagan segundo a segundo en mi cabeza cuando de fotos se ha de tratar. Comienza un día nuevo, un periodo nuevo de producción fotográfica, en donde cada vez se tiene la oportunidad de reencontrarse más con los propios gustos, perspectivas, en donde por

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fin mediante una imagen siento poder expresar una ola de sentimientos y pensamientos que culminan luego de días extensos de trabajo, de disparos fotográficos, trasnochos, nuevas amistades, hasta que de repente pareciera existir la imagen perfecta, aquella capaz de dilucidar aquello que se tenia en mente. Pasado el día de posproducción en donde exhausta he visto pixel por pixel, color a color de cada una de mis imágenes, abandono mi lugar de trabajo generalmente dudosa e inconforme con alguno de los resultados pero manteniendo siempre las ansias de poder compartir mi trabajo, mi experiencia, y la nueva abstracción que he hecho ya sea de un concepto previo, una categoría, o una simple porción de la realidad que me rodea. Llega finalmente el momento en el que puedo compartir todo este proceso, cuidadosamente expongo mis imágenes ya sea en

un soporte digital o impresas, y cada vez los latidos del corazón se aceleran a la espera de nuevos aportes que otros compañeros y docentes puedan hacerle a lo que por horas, generalmente días se lleva construyendo para crear una o varias imágenes solidas endosadas de códigos culturales, sociales, creativos, solamente posibles de lograr a través de un lenguaje propio de la imagen fotográfica, cuando de repente debe enfrentarse a una diversidad de gustos y pensamientos que terminan por avivar las ganas de seguir creciendo como creativo y creador de imágenes.

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Por: Jaime Romero

UN APUNTE ACERCA

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Enfrentados cada vez más ante rápidos cambios tecnológicos en el campo de la fotografía, los grandes emporios del mercado de las cámaras empiezan a redirigir su oferta hacia el diseño mismo de estas, sin embargo, no visto desde sus funciones sino desde la estética y la interacción con el usuario. Sirve de ejemplo el lanzamiento que tanto Canon como Nikon, compañías líderes en la franja 1 de las cámaras prosumer , hicieron con un nuevo diseño de cámaras de tipo mirrorless (sin espejo) de pequeño formato y lente intercambiable, las cuales más allá de los usos, el diseño resulta un diferencial respecto de sus predecesoras. No son pocos los fotógrafos que han hecho un alto en el camino para tomar las cosas con calma en la desenfrenada carrera de “actualización” que proponen los fabricantes y se dan un tiempo de espera más amplio a la hora de hacer un update. Después de todo, la fotografía no debería convertirse en un problema de megapíxeles, flujos de trabajo, software y gadgets.En otros tiempos (que no fueron ni mejores ni peores), el fotógrafo podía desarrollar su trabajo con un equipo que se mantenía

vigente por muchos años, se cambiaba o actualizaba por el deseo de adquirir el “último modelo”, pero no obtener tal

dispositivo era irrelevante para la mayoría de excelentes fotógrafos.Pese a esto, no se puede dar la espalda a los

1Denominación anglosajona a las cámaras digitales DSLR avanzadas que están dirigidas al fotógrafo profesional o semi-profesional. Cabe aclarar que es una denominación arbitraria con la que no concuerdo (la profesionalidad del fotógrafo no se mide por el equipo que utiliza), pero sirve al propósito de este artículo para establecer un rango de cámaras específico.

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avances tecnológicos, pues se corre el riesgo de quedar obsoleto y desconectado del medio, pero tampoco se puede estar adquiriendo un equipo nuevo cada vez que se anuncia un cambio tecnológico mínimo. De ser así terminaríamos comprando una cámara cada 5 o 10 días, sin embargo, estaríamos siempre un paso atrás de la tecnología, pues cuando se compra el último modelo, el siguiente ya se ha desarrollado y en vísperas de ser lanzado al mercado. Es claro que la cámara es sólo una herramienta del fotógrafo y resulta un error dejar que la cámara tome las decisiones que deben ser responsabilidad del fotógrafo, tanto en aspectos estéticos, compositivos, y ni qué decir de los comunicacionales y semióticos. Debido a esto, me llama la atención el reciente lanzamiento de la firma Nikon, el cual centra su atractivo en aspectos estéticos y abre una nueva puerta en el diseño de las cámaras fotográficas: la DSLR Nikon DF. La compañía nipona causó un gran revuelo con la campaña previa de la Nikon DF, ésta es una cámara que desde hace bastante tiempo un gran número de usuarios solicitaban. Se esperaba una cámara de tecnología digital que preservara la

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manualidad y control de las cámaras de los las décadas de1970’s y 1980’s (los años dorados de la cámaras SLR de 35mm). Lamentablemente, la realidad del uso de la cámara no reivindica ese entusiasmo por completo. Nikon ha hecho un buen trabajo al combinar la lógica de control de una de sus cámaras réflex de película de época con la base tecnológica de uno de sus modelos contemporáneos tan bien como podía esperarse. La DF no está diseñada para ser una competidora tecnológica en cuanto a la captura de la imagen respecto de otras DSLR modernas, sino que se ha diseñado para ser una cámara en la que el fotógrafo juega con los controles y los domina al modo de las clásicas cámaras SLR. Para lograrlo, Nikon integra los controles tradicionales externos de la cámara con modernos diales de control avanzado, fomentando el uso de los controles dedicados. Por ejemplo, la capacidad de elegir si desea utilizar el dial de control o el anillo de abertura del objetivo, significa que el usuario puede adaptar el manejo en la toma a su gusto y de acuerdo con su experiencia, con mayor coherencia

posible entre los diferentes tipos de lentes. Lo más destacable de la DF, está en su apariencia con un evidente toque clásico retomado esencialmente de aspectos de la FM2 y de la FG, dos exitosos modelos de principios y mediados de los 1980’s que en su momento alcanzaron topes de venta. Aquellas cámaras destacaban por su sencillez, precisión y fiabilidad, además de un cuerpo compacto y sólido que transmitía confianza a quien la sostenía en sus manos. Lamentablemente, el alto costo de este equipo (casi USD$2800, y hasta $8’5000.000 ya puesta en Colombia) junto con su composición, el cuerpo es de aleación de magnesio, entre otros materiales ligeramente desiguales en sus acabados, hacen de la cámara una novedad poco impactante o especial al acercarse, cosa grave si tomamos en cuenta que ese debería ser el plus de la cámara. La Nikon DF cuenta con todas las ventajas de las cámaras digitales contemporáneas, pero parece que Nikon no quiso arriesgarse completamente y se tomaron decisiones conservadoras.

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Tal vez un enfoque de diseño más clásico generaría mayor impacto en los usuarios, aun así la DF es una hermosa cámara capaz de brindar resultados exigentes. Sumado a esto, la capacidad de usar las lentes clásicas al igual que las contemporáneas, lo que aumenta considerablemente su atractivo. Años atrás, tanto Rollei como Leica habían lanzado cámaras digitales con el mismo concepto de los modelos clásicos, pero se acercaban más a “juguetes” o curiosidades que a cámaras para el trabajo serio del fotógrafo. La DF está hecha para el trabajo, no para adornar una repisa o para mostrar como curiosidad. El propósito del fotógrafo es la obtención de las imágenes, pero no se puede negar que entre éste y su cámara existe un cierto encanto que es parte misma del oficio. Tal vez los fabricantes se centren en un futuro en esa relación y nos encontremos con herramientas amigables y profesionales, prevaleciendo la labor del fotógrafo que la herramienta en sí, dejando de lado los extensos menús de control, los terapixeles, los 2000 puntos de enfoque o la medición matricial 5D de 8000 puntos.

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Por: Maria Fernanda Corredor

LA FOTOGRAFÍA DE MODA

EN COLOMBIA La fotografía de moda es un género fotográfico que ilustra tendencias de moda. Los fotógrafos se apoyan de referentes, conceptos, ideas únicas que son implementados a la hora de realizar la preproducción. Este tipo de fotografía se realiza pensando principalmente en contextos actuales de cada país, teniendo en cuenta si tiene estaciones climáticas, costumbres, el publico objetivo al que se le quiere llegar, entre otros aspectos importantes. Tenemos referentes fotográficos importantes a lo largo de la historia, tales como Richard Avedon, David Lachapel, Steven Meisel, Steven Klein, estos han sido unos de los precursores de la fotografía de moda, donde actualmente se conservan muchos aspectos tomados por nuevos talentos en el campo de la fotografía. En Colombia la fotografía de moda no ha dado cabida a las personas que profesionalmente han decidido dedicar su vida a esta;ya que no se tiene un concepto claro al respecto.

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La mayoría de personas consideran que el objetivo principal de este tipo de fotografías es vender artículos relacionados con la moda, donde realmente este no es el objetivo final. La fotografía de moda parte de un concepto único donde por medio de una editorial se puede contar una historia, es así como los grandes fotógrafos de la moda logran cumplir con el objetivo real de este tipo de fotografías. No es un secreto para nadie que en Colombia no hay un medio para que fotógrafos expresen su pasión por este tipo de fotografías, hay un concepto totalmente deformado el cual es percibido de una manera errada por el espectador; en el cual se cree que la fotografía de moda es aquella que esta exhibida en catálogos de venta y que se usa únicamente para mostrar y vender accesorios y prendas que la modelo lleva puestos.

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Por: Cesar Romero

MI FELICIDAD NO ESTA

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La fotografía recrea un instante del mundo que nosotros vemos y es ese instante que solo quedaría en un recuerdo lejano es plasmado en una imagen de la realidad que nosotros queremos construir, una realidad que ahora será parte física en nuestro entorno y no solo en esa imagen mental de como creíamos que era. Un bosque es un lugar que nos permite experimentar infinidad de posibilidades en nuestro contacto con la naturaleza y con lo que realmente somos, lo que llevamos en nuestro interior y lo que nadie puede conocer, es allí donde nos situaremos para recrear nuestra realidad esa de la cual no queremos salir nunca y puede sonar como una escapatoria pero es ese lugar del cual tenemos completo control y que nos hace plenamente felices sin importar nada más.

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La danza hace parte de la esencia del ser humano aunque no todos la practiquen el permitir que nuestro cuerpo se mueva libremente en base a un ritmo hace que esto lo llevemos muy dentro, una extensión donde no necesitamos palabras sino simplemente movimientos que nos llevaran a sacar las cosas más hermosas que tenemos dentro y que gritamos para poder expulsar. Este es el escenario donde se cruzaran dos conceptos para crear uno solo no nuevo pero si personal donde el contraste del bosque y la bailarina nos llevaran a preguntarnos claramente un ¿Por qué? Y la respuesta solo estará en nuestro interior donde nosotros seremos capaces de construir este espacio de sueños y donde podremos sacar lo que realmente tenemos dentro nuestra esencia.

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Tal vez sea una playa, un rio, un desierto lo único importante es que en este lugar nos sentiremos plenamente cómodos y que ¿cómo lo manifestaremos? Con lo más natural que salga de nuestros cuerpos y así llegaremos a encontrarnos en espacios que nos sacaran de nuestra realidad y llegara el momento de guardarlo en nuestra memoria, pero ¿valdrá la pena fotografiarlo y hacerlo una imagen física que varios puedan ver y tratar de descifrar? O mejor dejarlo allí en lo profundo de nuestra mente donde solo nosotros lo conoceremos y estaremos seguros que cuando cerremos los ojos este lugar nos estará esperando. Vogue Italia, (Jul.2008) – All Black Issue – Model Mogul by Steven Melsel

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Es así como Steven Meisel un gran fotógrafo Estadounidense reconocido por sus trabajos en importantes revistas, nos deja ver como se logra unir un concepto interesante con la fotografía de moda y como por medio de ella ha logrado a lo largo de su carrera impactar al espectador gracias a las historias que tienen alto contenido que impacta, logrando comunicar una idea única, sin dejar a un lado los accesorios que lleva la modelo, ya que estos van ligados al concepto mas no son el centro de este. C

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Prada Spring/Summer 2014 (Advertising) by Steven Meisel

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Por: María José Casasbuenas O

A PROPÓSITO DE

CIERTAS INDIFERENCIAS FOTOGRÁFICAS

“Lo que está en juego no es tanto como cómo “hacer visible lo invisible” sino como cómo crear las condiciones de visibilidad para un sujeto diferente” Teresa de Lauretis (1992, p. 20)

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Hace unas noches navegando en la red, me encontré con la polémica fotografía de Nathan Weber tomada en Haití luego del terremoto que devastó la isla en el 2010. En ella se observa una chica, Fabienne Cherisma, quien yace en el suelo luego de participar en los saqueos que se dieron después de la tragedia y que al parecer, fue alcanzada por una bala que habría sido disparada por la policía. Frente a su cuerpo inmóvil, una docena de fotógrafos apuntan sus cámaras buscando la mejor instantánea. Otra imagen de ésta escena, pero tomada desde un punto de vista diferente por Paul Hansen, fue premiada por la Swedish Picture of the Year Awards ese año. Son numerosas las imágenes que del cuerpo sin vida de Fabienne circularon en diferentes medios de comunicación, y por algunas de ellas sus creadores recibieron reconocimientos por sus labor periodística en el cubrimiento de esta catástrofe, tal es el caso de los fotoperiodistas James Oatway, Olivier Laban-Matte, Frederic Sautereau y Lucas Oleniuk. Encontrarme con esta imagen me hizo recordar otras fotografías que

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CAMILO VANEGAS AUTO RETRATOS

Me considero un fotógrafo apasionado por las miradas, por los cuerpos estáticos, por las tendencias y semiología que se puede llegar a expresar por medio de una composición genuina ya sea marcada por detalles como el color, la pose, los implementos puestos en la foto. No sueño con ser reconocido si no por el contrario mi trabajo es una búsqueda incansable de mi felicidad, mis fotos van con mi estado de humor y trato de llegar al instante e imagen mas puro para compartir todo lo que siento.

en la historia reciente han generado importantes debates relacionados con cuestionamientos éticos de la práctica fotográfica. A mi mente vinieron por ejemplo la fotografía de Kevin Carter tomada en Sudan cuando acompañaba una misión de las Naciones Unidas a abastecer un centro de alimentación en 1993, la cual fue ganadora del premio Pulitzer ese año y que es recordada por el

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suicidio del fotógrafo el año después de su publicación. El debate de si se deben hacer imágenes en ciertas situaciones o si el/la fotóografox debería intervenir o reaccionar de otra manera, estuvieron en el centro de la polémica. Recuerdo también la imagen de Javier Bauluz, en la que se observan a dos bañistas y el cuerpo sin vida de un inmigrante ilegal en las playas de Tenerife, la

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cual fue ganadora del premio Godo de fotoperiodismo en el año 2001 y que hizo resurgir acalorados debates relacionados con la manipulación de la realidad por parte del fotóografox en momento de la creación fotográfica. A partir de la polémica que generó esta imagen y su circulación en los medios de comunicación españoles, como del revuelo mediático causado por la exposición de la serie “crónicas vascas” de Clemend Bernard, Joan Fontcuberta escribió Indiferencias Fotográficas y éticas de la imagen periodística (2011), un pequeño ensayo en el que aborda algunas particularidades de la fotografía así como algunas cuestiones éticas de la práctica del fotoperiodismo, cuestiones que están relacionadas con la dimensión política de las imágenes, un aspecto que a mi modo de ver, es en ocasiones descuidado en los espacios de formación académica. Al reflexionar sobre este asunto, Fontcuberta observa como el

exceso de realismo, de verdad en la imagen fotográfica, genera cierta incomodidad en los espectadores y observa cómo esta molestia está estrechamente vinculada con las políticas de la visión que operan en nuestras sociedades, ¿qué se puede mostrar? ¿qué es legítimo dar a ver? Y lo que es más importante, ¿cómo calcular los efectos y consecuencias? se pregunta el autor (2011, p. 9). Estas políticas de la visión que gestionan las posibilidades de visibilidad de ciertos sujetos, ciertos acontecimientos, de ciertas situaciones son, a mi modo de ver, un aspecto central sobre el cual debemos reflexionar los productores visuales, ya que las imágenes al igual que las palabras tienen incidencia en la producción de lo real, y por lo tanto, pueden operar transformaciones profundas en nuestras formas de entender y relacionarnos con el mundo y con los otros, es decir en la división de lo sensible (Ranciere, 2009). Al leer

ese texto, inevitablemente vinieron a mi cabeza, muchas de las fotografías que del conflicto armado colombiano he visto a los largo de los años, aquellas de las victimas pero también, aquellas de los jefes guerrilleros abatidos en combate, en las cuales se muestran frívolamente sus rostros desfigurados. Estas imágenes, al igual que las múltiples fotografías que circularon de Fabienne contrastan con la ausencia de imágenes de otros acontecimientos como las de soldados norteamericanos muertos en combate o de las victimas del ataque a las torres gemelas en Estados Unidos del 11 de septiembre del 2001, y son ejemplos que ponen en evidencia estas políticas de la visión y que nos muestran cómo ciertos sujetos tienen derecho —o no— a formas de visibilidad particulares.

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Sin embargo, en este texto quisiera referirme a otras formas de violencia más sutiles articuladas a las políticas de lo visible que operan en nuestro contexto. En el año 2011, fue publicado en la revista Hola de España un artículo titulado “Las mujeres más poderosas del Valle del Cauca en la formidable mansión Holliwoodiense de Sonia Zarzur, en el Beverly Hills de Cali” el cual estaba ilustrado con una imagen donde se observan cuatro generaciones de las mujeres de la familia de Rosa Jaluf de Castro (presidenta de Fenalco Cali, quien organiza el evento de moda Cali Exposhow), en la terraza de su casa con dos de sus empleadas negras en el fondo. Esta imagen causó gran revuelo en los medios de comunicación nacional así como en las redes sociales virtuales, ya que ponía en evidencia las relaciones entre raza y clase social que siguen operando en nuestro país y que han sido históricamente fuente de violencia y desigualdad. En la edición de marzo de 2012, Soho publicó una fotografía no menos afortunada en respuesta a la publicación española. En la imagen publicada por la revista colombiana acompañada del titular “Elogio de la mujer negra”, se observan en el primer plano cuatro reconocidas modelos negras que están desnudas y dos sirvientes blancas en el fondo con una composición similar a la de la fotografía publicada por Hola. Esta imagen que invierte los roles raciales, y que trata de subvertir el mensaje de la hegemonía de lo blanco sobre lo negro, lo hace, a mi modo de ver, de manera no solo ingenua sino igualmente violenta. Y digo “trata”, pues esta imagen aunque pretende reivindicar la

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belleza de la mujer negra, el hecho de que estén desnudas refuerza los estereotipos raciales que vinculan lo negro con unas formas de sexualidad particulares que como bien lo ha apuntado Stuart Hall (2010), tienen como efecto reforzar la idea de la diferencia. Ahora bien, en un mundo donde las imágenes nos asaltan y nos seguirán asaltando como bien nos lo planteaba Susan Sontag al inicio de este siglo (2004), más aun en tiempos en los que gracias al desarrollo tecnológico producir imágenes fotográficas esta al alcance de muchas más personas, la pregunta que surge es ¿cuál es el rol del fotógrafx en el momento de producir una imagen como la de la revista Soho? ¿Piensa acaso solamente en el atractivo visual? ¿Es acaso consciente de la dimensión política que tienen las imáge nes y de su intervención sobre las formas de sensibilidad, y por lo tanto, las condiciones de

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posibilidad para mundos más incluyentes y justos, es decir más humanos?. Estas son solo algunas preguntas que me rondan cuando miro las imágenes que circulan día a día en la prensa, cuestiones que me planteo cuando pienso en el rol de los productores visuales en la actualidad y también cuando reflexiono en mi ejercicio como docente, aspectos que considero deberíamos tener en cuenta ya que, como nos lo recuerda Fontcuberta “las fotografías nunca viven aisladas: echan raíces en un sitio o se mudan, se supeditan a usos y palabras, se conectan a otras imágenes y engrosan imaginarios colectivos, y se someten a momentos históricos y economías. [Por ello] Hay que atender a ese complejo entramado para descifrar cómo se sienten las fotografías y cómo las fotografías hacen que nos sintamos nosotros” (2011, p.11).


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