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AUTORES REPRESENTATIVOS


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PICASSO

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LUQUE MAILLOL

MOORE

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HISTORIA AUTORES


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Ingres pintó a varias mujeres corpulentas y desnudas con equilibradas composiciones no tan exageradas y en diversas actitudes, las cuales a través de toda su obra intentó representar la perfección de sus formas, belleza, juventud y pureza. Rara vez un artista supo pintar con tanto encanto la gracia sensual del cuerpo femenino.

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Sus líneas son claras, afinadas, utilizó poco color, imágenes pálidas contrubuyendo a acentuar la sensualidad del desnudo femenino, dandole sensibilidad, suavidad y melancolía, arrastrando así al espectador a lo sentimental. El tema del baño es excusa para un desnudo de espaldas. En un sólo plano intenta dar todos los puntos de vista posibles. Esto lo resuelve en un sutil juego de curvas y contracurvas. La bañista de Valpicon 1808 Óleo sobre lienzo, 146.97, 5 cm. Museo de Louvre, París.

El baño turco 1862, romanticismo Óleo sobre lienzo 108.108cm. Museo de Louvre París Francia.

Deux femmes nues 1906, Siglo XIX Postimpresionismo Óleo sobre lienzo. 151,3 . 93 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York. USA.


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Su obra tuvo tres periodos y uno de ellos llamado clasicista, en el que se interesó particularmente por la figura, la expresión de la línea y la representación del volumen. En la etapa neoclasicista de Pablo Picasso, se puede observar un estudio del movimiento de las protagonistas, las figuras de estas mujeres son más bien gruesitas a diferencia de las otras formas utilizadas en sus diferentes épocas. Dos mujeres son vistas corriendo en la playa con el océano azul de fondo, se mueven con fuerza elemental volcando sus pequeñas cabezas hacia atrás y levantando sus masivos brazos en señal de alegre abandono. Aunque los pies son enormemente grandes parecen emplazados, delicadamente balanceados y armoniosos sobre la suave arena.

Mujer desnuda de pie 1921 Óleo sobre lienzo 132.91cm. París

Dos mujeres corriendo en la playa 1922 Siglos XIX y XX. Modernismo Aguada sobre contrachapado 32,5. 42,1 cm. Musée Picasso. París Francia.

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Las Tres Gracias 1936-1939 Óleo sobre tabla 221.181 cm. Museo del Prado de Madrid, España.

Su interés por el desnudo femenino comienza cuando conoce obras de Tiziano. Se destaca de este artista una pincelada rápida, gruesa y suelta en gran parte de sus obras. Pablo Rubens, planteó un prototipo ideal de figuras femeninas muy gruesas, de formas desbordantes, resalta la belleza femenina, netamente idealizada por el artista. Las Tres Gracias, se esbozan como tema mitológico, donde muestran un prototipo de figuras femeninas gruesas sensuales y carnosas.

El rapto de las hijas de leucipo 1616 Barroco Óleo sobre tela 222.209 cm. Munich Alemania

Las Tres Gracias de Rubens tienen una belleza muy sensual. Estas tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y sus abundantes contornos.

Los colores en esta pintura varian sus tonalidades terrosas contrastando colores vivos haciendo ver una influencia en los desnudos. Aquí, Rubens, tomó como referencia diversas esculturas y pinturas.


En Las Tres Gracias, se destaca la elegancia entre las tres figuras femenias. El pintor demuestra en el moldeado de las carnes una morbidez y frescura que aparecen palpitantes. Imagenes espléndidas y claras que irradian luz al resto de la obra.

Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens o incluso variaciones sobre el mismo rostro de su esposa. Otros creen reconocer las facciones de las dos esposas del pintor Isabella Brant y Elena Fourment.

Uno de los cuadros más tremendos de Rubens en donde el artista pintó una verdadera y monstruosa alegoría de los vicios del alcohol: Tripa hinchada, cara entumecida y extremidades infladas como consecuencia de retención líquida. La escena resulta animada por la criaturita de la derecha, en pleno y desenfadado proceso de micción, por el ser de espaldas que bebe directamente del cuadro y por la dama que sirve un vino del que se aprovecha otro angelito a la derecha. Con tonos muy claros para lo que suelía ser habitual en Rubens y sus gestos de genialidad: Observar, dentro de la horrible fealdad de todo el cuadro, la belleza del animal que pisa Baco y el paisaje que se percibe inmediatamente encima.

El juicio de Paris 1639 Barroco Óleo sobre tela 199.379cm. Museo del Prado

7 Baco 1638- 1640 Barroco Óleo sobre lienzo 191.161,3 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia


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Las composiciones de Tiziano, muestran un equilibrio en el color, la luz, la vida y sus obras se caracterizan por su voluptuosidad. Amaba las formas bellas, las carnes generosas y el brillo de las telas. Las luces, pierden y se disminuyen según lo que sucede en la propia naturaleza y en sus representaciones muestra tanta gracia y belleza venusina, utilizando mezclas, que parecen verdaderas y vivas. Sus pinceles dan a la luz expresiones de vida. Realiza varias Venus, que son mujeres reales y unos colosos que son hombres igualmente reales. Imitó las cosas tan de cerca y con esto quiso dominar la ilusión del observador. En la belleza desnuda ha mostrado a la cortesana, a la amante de un Patricio, a la hija del pescador displicente o voluptuosa y al propio tiempo una poderosa figura ideal. Una fisiología, una historia, una psicología en escorzo. Usó lo irregular como las rarezas, las deformaciones, los excesos. Toda la actividad de Tiziano estuvo marcada por valores

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expresivos en función de una renovada y artística virginidad. Las figuras humanas dominan con coordinaciones rítmicas y en amplias distenciones de formas simples y naturales, pero si se ven bien están todas medidas con un controladísimo orden lógico.

Venus Anadiómena 1525 Barroco Óleo sobre tela 199.379cm. Galería Nacional de Edimburgo


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Susana y los viejos, 1555-56 Óleo sobre lienzo. 147 × 194cm Manierismo Museo de Viena Austria

Su forma de pintar fue muy enérgica dado que el uso de la perspectiva y los efectos especiales de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Hacía figuras de cera de sus modelos y experimentaba con ellas colocándolas en distintos ángulos para ver el efecto de la luz antes de pintarlos. Su estilo inicialmente siguió a Tiziano, pero su gran modelo en el dibujo fue Miguel Ángel, de quien toma las anatomías y las posturas difíciles.

Evolucionó a partir de 1540, siendo de tendencia manierista más marcada que los otros dos grandes pintores de la escuela veneciana, Tiziano y Veronés. La composición de Tintoretto, su uso dramático de la luz y sus enfáticos efectos de perspectiva, hacieron que pareciece un artista barroco adelantado a su tiempo.


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Rafael de Sancio pensó por medio de la forma. Colorista, vigoroso y poeta de la luz, se distinguió por las figuras de vírgenes de fisonomía sonriente y dichosa, semicristianas y semigriegas, que conservan su gracia aún en el dolor, pero también, cuando fue necesario, supo dotar a sus personajes de varonil nobleza, figuras rellenas, pero suaves y delicadas. En esa época el canon de belleza de las mujeres era como Rafael las ilustraba. El artista debía sus obras al estudio más que a su propia naturaleza. Este veía lo grande que había en los demás pintores. La fisonomía de Las tres gracias representa el prototipo de la belleza de la escuela clásica italiana y El Triunfo de Galatea, es uno de los frescos más representativos.

El triunfo de Galatea 1512 Renacimiento Fresco. 295x 225 cm Villa Farnesia Roma, Italia Las tres gracias 1504 -1505 Renacimiento Óleo sobre tabla. 17 x 17cm Museo Condé Chantilly Francia


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En el Barroco, es quizá el más importante y el que pintaba a las mujeres muy gordas. la Venus Genitrice o Venus Murcia que fusionaba a la diosa con la poco conocida deidad Murcia o Murtia, estaba asociada al árbol de mirto, si bien en otras fuentes era considerada la diosa de la pereza y la holgazanería, de allí su corpulencia en esta obra. En el arte posclásico, Venus se convirtió en un tema popular en la pintura y escultura del Renacimiento europeo. Como una figura «clásica» cuyo estado natural era la desnudez, era socialmente aceptable representarla sin ropas. Como la diosa de la salud sexual, estaba justificado cierto grado de belleza erótica en sus retratos, que tenían un atractivo obvio para muchos artistas. Annibale, curioso por el mundo y por la naturaleza, demostró su talento en obras que sorprenden por la técnica y por el tema: cuadros de tema religioso, paisajes, retratos de gente común y una gran cantidad de dibujos de lo natural.

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Esta imagen tuvo participación en el libro erótico famoso del Renacimiento, “Poses” Aretino, “Dieciséis Pos”, “la postura Love”, en italiano: I Modi, Sedici Modi, o en latín: De ómnibus Veneris Schematibus.

El libro está ilustrado con 16 grabados de arte con una variedad de posturas amorosas, cada una acompañada por los sonetos «Sonetos lujuriosos”, sonetos voluptuosos. El libro, considerado un símbolo de la depravación, pero a pesar de la persecución, de la censura y la destrucción de la circulación, fue ampliamente conocido en los ambientes cultos del Renacimiento.

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El ángel de la guarda, cuelga sobre la cabeza de los viajeros en el vestíbulo de la Estación Central de tren de Zúrich. Los protege, día y noche. Los artistas se reían de las alegres y voluminosas “Nanas” de Niki de St. Phalle.

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Hon Poliester 28Lx 9An x 6Al, 82 pies Moderna Museet, Stocolmo 1966

Hon, parte de un dibujo de una mujer embarazada, un estado físico que para Niki tenía connotaciones agridulces en cuanto, fue la causa del rechazo de su madre. Además su personal experiencia maternal, fruto de la cual fueron sus dos hijos a los que abandona, fue durante un tiempo causa de pesar y sufrimiento. Durante unos años fue una obsesión, como lo certifica el hecho de que varias de sus obras todas ellas anteriores a Hon, aborden el tema del alumbramiento con un sentimiento dramático y de clara

protesta, concebidas desde una postura de rechazo y áspera crítica contra la hipocresía de la sociedad y sobre todo, como expresión reduccionista de la mujer como simple agente reproductor. Sus nanas, esculturas de mujeres voluminosas y de brillantes colores, feminidad exultante y alegre, ofrecen una gran variedad tipológica de formas y aspectos en los que la mujer siempre aparece como pletórica expresividad de libertad y felicidad.

Angel de la guarda 1966 Poliester 28Lx 9An x 6Al, 82 pies Moderna Museet, Estocolmo


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2006 Escultura Bronce. 39 x 18cm Barcelona España

El escultor modela en el barro con sinceridad y maestría. Su arte se basa en un concepto ideal de la belleza humana a través de las formas que él califica de distorsión poética de lo cotidiano, tras el encuentro de esa línea precisa para alcanzar la justa proporción de su “regla de oro”. Usa un concepto del volumen y del espacio que en esta serie de terracotas se muestra con buen estilo de escultura figurativa actual. Estilo, inspirado en las nuevas corrientes de una estética que nada tiene que ver con otros modelos más o menos clásicos o

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academicistas. Recrea el desnudo o la figura, en las múltiples formas que realiza sobre el bronce, ofreciendo un canto de vida a la belleza plena. Belleza lograda en sus actuales y estilizadas Venus, exuberantes, misteriosamente atractivas, cuya contemplación produce la sensación de tranquilidad. Sus obras se caracterizan por la presencia de figuras femeninas desnudas, en traje de baño y vestidas, todas de proporciones exuberantes, rotundas, con un carácter entrañable y lleno de humanidad, que transmiten una gran ternura al contemplarlas.

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Francisco Luque Las modelos con su obra grabado Aguafuerte Barcelona España


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Escultor francés cuyas obras se caracterizan por su volumen y realismo sencillo. Se dedicó casi en exclusiva al desnudo femenino y las figuras que representan a mujeres contundentes, con un aspecto muy terrenal. Las actitudes, formas y modelos recreadas por Maillol tenían gran fuerza pero no eran nunca rebuscadas mas bien de triángulos encajados y los rostros expresaban por lo general emociones de seriedad impasible o de serenidad.

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El cuerpo de la mujer fue para Maillol el motivo de su obra y de él realizo infinidad de variaciones que le llevaron a crear una estética nueva de la figura humana, en un momento en que el arte moderno la estaba haciendo desaparecer.

Maillol: Mediterránea. H. 1905. Altura: 103 cm. Bronce. Jardín de las Tullerías. París

La Rivière, 1938. Plomo Jardín de MOMA Nueva York


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Mujer Reclinada 1930 Piedra verde hornton 59.7 x 92.7 x 41.3 cm Galería Nacional de Canadá Ottawa

Punta y ovalo 1981. Bronce. 13 x 8.19cm

Sus elementos de inspiración eran la tierra y el cuerpo, su admiración por el arte primitivo lo llevó a que se convirtiera en una constante en sus obras. El aspecto intelectual siempre ocupó un segundo plano tras la sensualidad y el profundo amor que sentía por las formas de la naturaleza, en el cuerpo humano en particular, en la figura femenina, en la tierra y en la roca. Intenta conservar el poder primitivo dándole un contenido humanista. La importancia de su trabajo radica en encontrar la esencia común de todas las clases de escultura, fue atraído por la monumentalidad y realizó en sus obras curvas suaves y muy exageradas. Mostró gran interés por las figuras reclinadas y de las maternidades.

Mujer reclinada 1930. Piedra verde de hornton 79 x 84cm

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La Carta,1976  Óleo sobre lienzo 149 x 194 cm

Botero destaca en su obra la obesidad de forma poco realista, mujeres sin rollos, sin celulitis, ausencia de estrías, mamas perfectas. Modifica la estética por medio de varias escalas del cuerpo en el eje horizontal, las transforma o deforma de realidad a arte. Su nostalgia creativa, su ideal estético, gira en torno a formas y volúmenes a un estilo que le permite expresar esas visiones. Lo regordete responde a una preferencia formal por los valores plásticos en el arte clásico. Su trabajo es sobre todo

el resultado de una gran pasión por las formas y los colores, por valores plásticos y volúmenes de esa inquietud estética y solo de ella. Para él, la belleza significa en primer lugar, perfección formal, por lo que se refiere a la composición, al color, a lo artesanal. Su obra es centrípeta. Las fuerzas son serenas y buscan el centro de las cosas; su obra no es barroca, sino expresión de la plenitud.

Mujer fumando 2009 Bronce 3.5 x 1.5m New York

“El propósito de mi estilo es exaltar los volúmenes no solo porque eso agranda el área. En la cual puedo aplicar color sino porque puedo comunicar sensualidad, la exuberancia y las profusiones de la forma que estoy buscando”.


Para Botero la belleza siempre significa ausencia de defectos; por ejemplo, en sus cuadros no hay sombras, porque manchan el color. Sus obras irradian siempre una luz matutina que produce las sombras más finas. Botero siempre ha admirado la quietud en el arte, desde las vírgenes que pinta hasta prostitutas, hace que las carnes adquieran magnitudes monumentales, las hace notar amables, tiernas, encantadoras. Son retratos emocionantes de una gran calidad humana y artística. La mujer es el tema más ortodoxo, más inmediato y más hermoso que tiene la pintura en toda la historia. Si uno se pone a ver en las memorias de la pintura, se diría que el 80% o más de los cuadros representan mujeres, ya que es el tema obligado, maravilloso y total que ofrece la pintura, dice Botero. Desde sus inicios, las mujeres son casi una constante en las obras de este artista.

Mujer Desvistiendose 1990. Acuarela 95 x 71cm

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