Page 1


2


Editorial

Muchas veces creemos tener la razón por diversos tipos de creencias que conocemos, pero muchas veces estamos errados completamente en nuestro conocimiento, creer algo, es tan superfial. A lo largo de historia el hombre ha creado diversas formas de creer en algo mucho mas superior a ellos, o algo que los motive a desarrollarse, a encontrar la felicidad, o simplemente vivir muchos mas tranquilo. por esto decidí a crear CREDO, recordando que esta es la oración de los cristianos y la demostración mas grande de fe que un devoto pueda tener. extrapolando este concepto yo creo con estas paginas una creencia absoluta en las artes y el diseño, creando así una especie de Biblia para cualquier persona que la quiera leerla y entender un poco mas de que se trata todo este mundo, que claro esta, ha tenido muchos años de enseñanzas, el único fin es solo que esta publicación quede en el tiempo como recordatorio y de a ratos hacer sentir a las personas que la fe esta en nosotros mismos como humanos y no fuerzas superiores.

3


Direccion Editorial y Creativa Francisco Meneses Jofre Socio Fundador Fernando Carrcamo Editor Francisco Meneses Jofre Dise単o Francisco Meneses Jofre

Imprime The good print www.thegoodprint.cl Comunicaciones Franscico Meneses Jofre Distribuidor Distribuidora Alfa S.A.

Propietario Francisco Meneses Jofre Agradecimientos Demeneses por el dise単o. www.flickr.com/demeneses www.credo.cl

4


6. Arts and Crafts 7. Art Nouveau 8. Plakatstill 9. Futurismo 10. Constructivismo 11. Stijl 12. Bauhaus 13. Realismo Heroico 14. Art DĂŠco 15. Internacional Suizo 16. Modernismo Japones 17. Revival 18. Pop Art 19. Sicodelia 20. Punk 21. Memphis 22. New Wave 23. Hip Hop

5


/ arts and Crafts El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) es un movimiento artístico que surge en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirada por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910. El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Frank Lloyd Wright, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.

de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. William Morris El movimiento de artes y oficios pretendía volver a la manufactura artesanal contrastada con la producción industrial de la época y así hacer llegar la cultura a las áreas menos pudientes de la sociedad. Lo que se le reprochó fue que los productos llegaron a ser tan complejos en su fabricación que solo las clases altas pudieron adquirir los ejemplares. William Morris tuvo, sin

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía

6

lugar a dudas, una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

+ info: http://www.walthamforest.gov.uk/william-morris


art Nouveau /

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características distintivas. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial.

Alfons Mucha Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración.

+ info: http://www.mucha.cz/

7


/ plakatstill Plakatstil fue uno de los primeros carteles estilo de arte que comenzó a principios de 1900 y procedían de Alemania. “Plakatstil” significa “estilo de carteles” en alemán. Los rasgos de este estilo de arte suelen ser valientes, rectos fuente con diseño muy simple. Formas y los objetos se ha simplificado, mientras que el tema del cartel se mantiene detallada. Plakatstil incorporado combinaciones de colores no se ve en otras formas de arte como Art Nouveau. Plakatstil rehuido la complejidad de Art Nouveau y ayudó a hacer hincapié en un enfoque moderno de los más de carteles de arte. Famosos artistas Plakatstil Berliner Lucian Bernhard y Ludwig Hohlwein artista.

Lucian Bernhard

Ludwig Hohlwein

Uno de los pioneros del diseño publicitario del siglo XX. Nació el 15 de Marzo de 1883 bajo el nombre de Emil KAhn en Cannstatt

considerado como el más prolífico de los cartelistas alemanes, se convierte en esta década en uno de los más imitados

cerca de Suttgart, Viena, coincidiendo con el año de la explosión del Art Nouveau.

dentro y fuera de su pais. Sin plantearse la estricta síntesis objetual que Bernhard impone a sus carteles, Hohlwein trata sus composiciones de corte tradicional desde una celebrada sofisticación, reduciendo formas, líneas y sombreados al mínimo

Estudio en la Academia de Munich, y en 1901 se fue a Berlín, donde la maravillosa producción industrial y comercial estaban

esencial, y enfatizando la vitalidad del cartel figurativo a través de “inesperadas combinatorias de color, puntos de vista

de manifiesto. es ahí donde conoce al exitoso diseñador Edmund Edel, se hace discípulo de él, y adopta el nombre de Lucian

inusuales, y una cultivada y personal atmósfera de conjuntos”.

Bernhard. Dos años después de instalarse en Berlín, ya era conocido como inventor de un nuevo estilo de afiche que pronto lo

Munich, la ciudad donde vive y trabaja Ludwig Hohlwein, es en aquel tiempo un centro experimental considerable, y los

haría famoso a escala internacional.

jóvenes visitantes extranjeros, sensibles a la estética impresa, solían llevarse como recuerdos, ejemplares de los lujosos, elegantes, y refinados carteles

Su estilo, dominado por la tipografía: una letra o un slogan corto acompañaban al logotipo, gran parte de sus grandes ideas le tomaron menos de una hora en bosquejarlas

8

+ info: http://www.aiga.org/content.cfm/medalist-lucianbernhard Libro: 100 Years of Illustration


futurismo /

El futurismo fue la primera vanguardia total, con incursiones en el cine, el teatro, la moda, la música, la cocina e incluso la política. Generó una asombrosa cantidad de manifiestos de todo tipo, normalmente redactados con prosa incendiaria y agresiva. La teoría que formulaban los futuristas estaba llena de contradicciones, dado el carácter vitalista e irracionalista de sus puntos de partida. Los futuristas no eran ni mucho menos un grupo homogéneo. Marinetti, el creador del futurismo, aglutinaba la corriente principal, aunque hubo grupos que se opusieron con violencia al marinettismo, principalmente los futuristas florentinos, agrupados en torno a Soffici y Papini. Otro hecho que la mayoría de la gente ignora es que hubo muchos futuristas anarquistas y antifascistas. El futurismo tuvo una importante repercusión internacional, principalmente en países de incipiente desarrollo industrial. El caso más notable es el futurismo ruso, aunque también tuvo presencia en lugares tan dispares como Francia, España, Japón, Polonia o Inglaterra. Libro: Manifiesto futurista

9


/ constructivismo El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. Constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y

Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919.

10

+info: http://todacultura.com/movimientosartisticos/constructivismo.htm


stijl /

Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl. Cuando vio pinturas cubistas por primera vez en 1910, Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico. Influenciado por Van Gogh, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó del cubismo hacia una abstracción geométrica pura. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles (cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es: podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal. A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos absoluta certeza de quién es el autor). Además de su restringido vocabulario visual, los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. libro: DE STIJL WARNCKE, CARSTEN-PETER

11


/ bauhaus

La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “de la construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo su programa de enseñanza.

Weimar La Das Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. Weimar fue el centro del movimiento Bauhaus. La obra de la Bauhaus en Weimar y en Dessau fue nombrada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1996. Weimar es uno de los lugares con mayor riqueza cultural de Europa, ya que fue hogar

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció fundamentos académicos sobre se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo. Dada su importancia Las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.

12

de grandes personajes como el pintor Lucas Cranach el Viejo, el reformador Martín Lutero, el compositor Johann Sebastian Bach, los escritores Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller y Christoph Martin Wieland, los filósofos Johann Gottfried von Herder, Friedrich Wilhelm Nietzsche y Arthur Schopenhauer, el músico Franz Liszt y los fundadores de la escuela de diseño, arte y arquitectura Bauhaus.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el crecimiento del Nacional Socialismo, Bauhaus, era vista como socialista internacionalista y judía. cierran la escuela. los integrantes entre ellos el mismo Walter Gropius, se instalan en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

Libro: Bauhaus (World of Art)


realismo heroico / El realismo socialista o heroico es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, en la República Popular China y, en general, en la mayoría de países socialistas. Recibe este nombre el arte oficial de la Unión Soviética, desde 1934 en adelante, cuando se prohibe el arte abstracto y los formalismos. Se proclama oficialmente en el Congreso de la Unión de Escritores de la URRS(1934) y se debe totalmente al proyecto político estalinista. La idea es exaltar el trabajo, la solidaridad y la eficacia del régimen comunista. Los precedentes se encuentran en la AkhRR (Asociación de artistas de la Rusia revolucionaria) fundada en 1922 y promotora de actividades y exposiciones que defienden la figuración al servicio de un realismo heroico contrario a la vanguardia. En lo referido a las artes visuales, se manifiesta en dos etapas. La primera

corresponde al período estalinista propiamente dicho y entiende la obra de arte como exponente de la “realidad soviética en su desarrollo revolucionario”, por tanto se trata de un arte de exaltación política, institucionalizado y académico; sin embargo, esta fase admite cierta diversidad de estilos en artistas como Brodski, Ioganson y Guerassinov, representantes del realismo socialista, junto a otros que manifiestan cierta influencia del postimpresionismo, fauvismo y cubismo. Estos estilos no tienen ya cabida a partir de finales de los años treinta y en especial en el período de Jdanov (1947-1956), al considerar desde la ortodoxia comunista que eran signos de cosmopolitismo y de defensa de la autonomía del arte. El proceso de desestalinización cuestiona el aislamiento y el estancamiento cultural, pero no consigue remover las estructuras. Alcanza proyección internacional en los estados satélites, y en los países occidentales como “arte de partido”, donde se conoce como nuevo realismo, del que son ejemplo Gutusso en Italia y Fougueron en Francia.

13


/ art Déco

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuertes en sus composiciones.

14

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó. Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.

+info: http://artdecoblog.blogspot.com/


internacional suizo / Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en la base de las enseñanzas que se imparten en las escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como “estilo internacional”. El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos: La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño en Suiza, una en Basilea liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Muller-Brockmann. Ambos habían estudiado con Ernst Keller en la Zurich School of Design donde se enseñaban los principios de la Bahuaus y de la nueva tipografía de Jan Tschichold. Otro factor que contribuyó a la rápida extensión del estilo fue el incremento y la globalización de los mercados y el auge de las comunicaciones hacen que las corporaciones internacionales tengan la necesidad de una identificación global, identidad que es construida de acuerdo a los principios del estilo internacional. La creciente demanda de tipografías sansserif, posibilitó la aparición de dos tipos sans de gran calado y enorme influencia: la Helvética y la Univers. A partir de la popularidad en los diseñadores del estilo suizo tenía el tipo Akzidenz Grotesk, creado por Berthold en 1896, Edouard Hoffman encargó a Max Miedinger que lo refinara para ampliar la versiones disponibles. Libro: Joseph Muller-Brockmann: Pioneer of Swiss Graphic Design

15


/ modernismo japones

El modernismo japones trataba de tomar diseñadores, que han recibido diversas de premiación en el Japón y el por los modernistas parte de a esuela bauhaus para poder exterior por su labor.Estudió los principios del constructivismo en el Instituto que se han producido lograr asi un diseño nuevo, uno de Nueva Arquitectura y Artes Industriales, de Tokio, un instituto privado innovaciones en Europa. The de los principales expones fue creado y dirigido por Renshichiro Kawakita con el fin de introducir las Bauhaus, Constructivism, the Art Yusaku Kamekura el cual es teorías de diseño Bauhaus en Japón, se graduó en 1935 y en 1938 se Deco posters of AM Cassandre -considerado uno de los unió a la Nippon Kobo estudio de diseño (actualmente en la Editorial Design all exerted a profound influence over mejores japoneses. El Inc.). Juegos Olímpicos de Tokio de 1964 representó algo más que tonos Kamekura. La Bauhaus, el constructivismo, es representante atletas y medallas de oro para Japón. Por primera vez desde la derrota el Art Deco carteles de Cassandre AM - todas de la primera de la Segunda Guerra Mundial, el mundo centró su mirada de vuelta a la ejercieron una profunda influencia sobre Kamekura. generación Tierra del Sol Naciente. Japón tenía la intención y al estar a la altura de las . Su cartel de los Juegos Olímpicos (que ganó el gran de expectativas de sus invitados extranjeros deslumbrante con sus proezas premio del Ministerio de Educación) se jacta de Japón sol tecnológicas y esplendor visual. De los artistas responsables de la creación triunfante por encima de la tipografía europea. Es una perfecta de la fiesta visual, Yusaku Kamekura se convertiría en una leyenda. Con síntesis de la Organización Internacional del estilo japonés con la su bandera-como diseños y perfectamente coreografiado campaña de iconografía tradicional. carteles, Kamekura inició en Japón después de la guerra diseño élite. Al igual que muchos artistas de todo el mundo, Kamekura fue influenciado

16

+info: http://yusakukamekura.blogspot.com/


revival / es un concepto que se utiliza de manera diferente por varios campos de estudio, aunque todos los usos del término llevan implícita la existencia de un sujeto observador y de un objeto observado (el terreno) del que se destacan fundamentalmente sus cualidades visuales y espaciales. Revival, desde el punto de vista geográfico, es uno de los objetos de estudio primordiales de esta disciplina y uno de los documentos geográficos básicos. cualquier área de la superficie terrestre producto de la interacción de los diferentes factores presentes en ella y que tienen un reflejo visual en el espacio. El paisaje geográfico es por tanto el aspecto que adquiere el espacio geográfico. Se define por sus formas: naturales o antrópicas. Todo paisaje está compuesto por elementos que se articulan entre sí. Estos elementos son básicamente de tres tipos: abióticos (elementos no vivos), bióticos (resultado de la actividad de los seres vivos) y antrópicos (resultado de la actividad humana). Determinar estos elementos es lo que constituye el primer nivel del análisis. Revival, desde el punto de vista artístico, sobre todo pictórico, es la representación gráfica de un terreno extenso. Con el mismo significado se utiliza el término país. El paisaje también puede ser el objeto material a crear o modificar por el arte mismo. Uno de los artistas mas destacados en esta disciplina es Roger Dean, un sujeto que mezcla el paisajismo con formas futuristas, teniendo por completo, una union de estilo armoneosa. Artista, diseñador, arquitecto y editor. Es mejor conocido por su trabajo en portadas de discos para los músicos que él empezó a pintar a finales de 1960. En el campo del diseño, prefiere distinguir entre el diseño , y la invención. Se le pidió el diseño de un “paisaje” para pertenecer a un club Ronnie Scott. Su retiro del diseño fue destacado en la película La naranja mecánica donde fue el director creativo.

+info: http://www.rogerdean.com/

17


/ pop art

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. Estados Unidos y en el Reino unido tuvieron un motivo diferente. En

Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

Andy Warhol fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

18

+info: http://www.warhol.org/


sicodelia /

Se puede considerar al arte psicodelico como un intento de reflejar estados alterados de conciencia usualmente producidos por el uso de substancias psicodelicas o el estar influenciado estéticamente por estos. Así pues habría que tomar en cuenta el contacto y uso de substancias psicodelicas como hongos alucinogenos, peyote o ayahuasca por parte de múltiples culturas alrededor del mundo. Más claramente se dieron casos en los movimientos modernistas del arte en los cuales artistas usaban drogas psicodelicas como fuente de inspiración. Un claro antecesor del arte psicodelico fue el movimiento surrealista (véase surrealismo) en su búsqueda de reflejar y crear imágenes y experiencias fantásticas y alucinatorias. Así también los surrealistas cultivaron un especial atención a los sueños inspirados en el psicoanálisis freudiano. Específicamente esta el caso del pionero del automatismo el frances Andre Masson el cual aveces trabajo bajo la influencia de drogas alucinogenas. Por otro lado Antonin Artaud (“Viaje a +info: http://www.tenthousandvisions.com

la tierra de los Taraumara” 1937) y Henri Micheaux (“Milagro miserable” 1956) escribieron tratados sobre sus experiencias con substancias como el peyote y el hashish. En la ensayistica y la literatura destaca inmensamente la figura de Aldous Huxley el cual en escritos como Las puertas de la percepción y Cielo e Infierno dejo un legado profundo sobre la experiencia psicodélica.

19


/ punk

La mayoría de los movimientos musicales inevitablemente generan consigo una gráfica en particular, por la necesidad de registrar una imagen que los identifique como autores de un pensamiento, muchas veces transgresor, que escala más allá de la música. No son las paredes la principal galería por la que desfilan obras inspiradas en este contexto musical, sino que son los fanzines, afiches, carátulas y la misma vestimenta de los que siguen este movimiento; que tienen que ver más con una manera de cómo se hacen las cosas, más allá de un determinado estilo gráfico y de un rayado anarquista en la pared. Es el DIY –do it yourselfque en concreto significa “Hazlo tú mismo” donde la autogestión y recursos parten de una iniciativa independiente por un afán de autonomía que intentan mantener quienes son partícipes del movimiento. Como los recursos siempre son escasos se aplica el colectivismo en vez de la competencia, basándose en la organización y apoyo mutuo. Si bien el anarquismo y el dadaísmo son una clara influencia en la estética del punk y en el arte, creo que acá lo que se destaca es la manera en que se hacen las cosas. Es así como generalmente la gráfica del punk se caracteriza por una estética donde las fotocopias, el recorte y pegoteo, el cartón y las manchas accidentales, el blanco y negro, son evidentemente las técnicas que hacen de este un estilo. Un diseño muy informal, gestual, sucio y corrosivo que claramente resalta dentro de otras estéticas directamente relacionadas con la música. Una estética emotivamente atrevida e intencional, que resulta para mí una de las más atractivas dentro de la escena musical y editorial.

20


memphis /

Memphis, grupo de diseñadores italianos fundado en Milán en 1981 por iniciativa de Ettore Sottsass, Barbara Radice y Michele de Lucchi, a los que se unieron más tarde, entre otros, Andrea Branzi, Matteo Thun y Marco Zanini. Considerado uno de los principales fenómenos del nuevo diseño posmoderno, en su seno se proyectaron muebles de formas y materiales insólitos. El propio Sottsass definió a los colaboradores de Memphis como profesionales “entre arquitectos y diseñadores, artistas y constructores, intelectuales y artesanos, hombres de negocios y ganapanes”. De hecho, gracias a las experiencias de Memphis, el diseño superó las reglas convencionales y aportó aspectos lúdicos y provocativos a la investigación cultural. Los muebles y objetos de Memphis no pretenden ser funcionales, a menudo ni siquiera prácticos, sino más bien escenográficos, como el mueble divisorio Carlton de Sottsass (1981), compuesto por una serie de estantes de colores fabricados en plástico laminado sobre tablero de madera. Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e impactantes. Los colores que usaban contrastaban con los negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño. El concepto de diseño de Memphis se basaba en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo 20. Se poscicionó más como una moda que como movimiento académico y esperaba borrar el International Style donde el Posmodernismo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y continuación absoluta del Modernismo, que una mera re-lectura de éste. El Grupo Memphis integró a diseñadores que crearon una serie de productos altamente influenciadores de los años 1980s. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales. El trabajo del grupo de Memphis se ha descrito como vibrante, excéntrico y ornamental. Fue concebido por el grupo para ser un “capricho” que, como todas las modas, acabaría muy rápidamente.

21


/ new wave

El estilo tipográfico internacional comenzó a perder su energía en el `70s y el ` temprano 80s. muchos lo criticaron por ser frío, formal y dogmático. Un profesor joven en Basilea, Wolfgang Weingart condujo la rebelión que llevó al estilo gráfico predominante de hoy conocido libremente como diseño PostModerno. Weingart experimentó con la impresión offset para producir los carteles que aparecían complejos y caóticos, juguetones y espontáneos -- todos en contraste rígido a las enseñanzas de sus maestros. La liberación de Weingart de la tipografía era una fundación importante para varios nuevos estilos, de Memphis y de Retro, a los avances ahora que eran hechos en gráficos de computadora. El New wave se refiere a un acercamiento a la tipografía que activamente desafía convenciones de organización estrictas a base de rejilla. Las características incluyen letterspacing incoherente, variando typeweights dentro de palabras solas y escriben el juego en ángulos insólitos. Dan al crédito de la introducción de diseño de Nueva Ola a Wolfgang Weingart. [la cita necesario] abril Greiman es acreditada de popularizarlo en los Estados Unidos. Es muy bueno poder asercarse tanto al diseño y crear estilo.

Wolfgan Weingart Libro: Word + Image - Swiss Poster Design, en esta publicacion aparece gran parte del fabuloso trabajo de Weingart

22

Libro: The new wave Libro: Word + Image - Swiss Poster Design


hiphop / El Hip-Hop es un movimiento cultural surgido a principios de los años 1970 en las comunidades hispanoamericanas y afroamericanas de los barrios Neoyorkinos de el Bronx, Queens y Brooklyn. La concepción clásica del Hip hop se centra en la existencia de cuatro aspectos o “pilares” de la cultura: El MCing (o rapping), el DJing (o turntablism), el Breakdancing (o BBoying), y el Graffiti. El Graffiti es la rama artística de la cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los grafitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos, y otros objetos. Se llama grafiti (palabra plural tomada del italiano graffiti, graffire) o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. La Real Academia de la lengua española designa como “grafito” una pintada particular, y su plural correspondiente es “grafitos”. En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L’imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc. Se llama grafiti o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L’imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc.

Libro: El libro del Graffiti

23


credo  

una revista de estilos y diseño

Advertisement
Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you