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NIRAM ART

Aテ前 III, Nツコ 13 - 14, 2008 4,80竄ャ

ONIK SAHAKIAN FRIDA KAHLO

DOINA LEVINTZA SONIA DELAUNAY

ANA TRISTANY IOAN DAN TOLGY FIGUEIREDO SOBRAL ALBINO MOURA

MATEI ENRIC FUNDADOR: ROMEO NIRAM


NIRAM ART

Director: Rares Stejar Naghiu Barbulescu Jefe de redacción: Mario Barangea Redactores:

Colaboradores:

Eva Defeses Lora Haranaciu Thomas Abraham Javier de la Fuente Teresa Carvalho Ángeles Rodriguez Sofia D’Addezio

Begoña Fernández Cabaleiro (España) Gelu Vlasin (España) George Roca (Australia) Yana Klotchkov Kuznetsova (España) Dan Caragea (PortugalI Gayana Abrahamyan (Armenia) Sonia Martínez (España) Bianca Marcovici (Israel) Elsa Rodrigues dos Santos (Portugal) Oana A. Sambrian Toma (Rumanía)

Fotógrafo: R. Victor Darolti Maquetación: White Family S.R.L. Web design: Defeses Fine Arts, PR Agency Graphic Adviser: N. Anu Public Relations: Sanda Elena Darolti Dirección: Calle Fátima Nº 28—Bajo H 28917—Leganés, Madrid Email: revista_niram_art@yahoo.es Revista NIRAM ART online en: http://niramart.mosaicglobe.com

Editor: R.C. Marin Propriedad: Jornal Diáspora Impresión y acabamiento: Copri Chisinau Tiraje: 12 000 (1000 en colores, 11 000 en blanco y negro) Periodicidad: bimestral (6 números al año) Registro: I.C.S. 124441 Depósito Legal 210277/04 Publicación fundada por : Romeo Niram

Para Sara Lavan


“El misterio es lo más hermoso que nos

S U M A R I O

es dado sentir. Es la sensación fundaPublicación Multilingüe

mental, la cuna del arte y de la ciencia verdaderos.” (Albert Einstein)

Doina Levintza en Madrid - alta costura teatral

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Andra Rotaru: Homenaje poético a Frida Kahlo

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Frida Kahlo & Andra Rotaru…Begoña F. Cabaleiro

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Alma de Caravaggio………..Sonia Martínez

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Casa Sefarad - Israel—Actividades

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Hoy Soy Cezanne - poesías de Gelu Vlasin

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El Diario de Mircea Eliade, pintado por Romeo Niram………………...Yana Klotchkov Kuznetsova

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Rojo y azul…………….Oana A. Sambrian Toma

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Os círculos de luz e cor de Sonia Delaunay...Ángeles 26 Rodríguez Arte Portuguesa hoje: Ana Tristany, Figueiredo

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Sobral, Albino Moura no MAC Lisboa Literatura romena em Portugal: Stefan Mitroi

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Artists of the New Millenium………...Eva Defeses

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Onik Sahakian: Mystical & Lyrical…..Gayane Abrahamyan

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The Infinite Sadness of the Hebrew Language...Eva Defeses

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Cristina Vlasin: Music comes to Espacio Niram…………..…………………Sofia D’Addezio

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Australian Pallette: Poetry by George Roca

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George Roca ………………….. Maria D. Popescu

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Ratiuni ale capatului lumii…...Mario Barangea

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Un sat de munte………….. Eva Defeses

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Sfarsitul lumii si ultimul taran…..Dan Caragea

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Capa: Pinturas de Onik Sahakian

IRAM ART º 13-14 - DEDICADO A OIK SAHAKIA


Doina LEVINTZA En MADRID Doina Levintza Fotografía en Espacio Niram, Madrid

LOS VESTUARIOS DISEÑADOS POR DOIA LEVITZA SIGNIFICAN ARTE. REPRESENTAN UN MUNDO DEL QUE SE PUEDE HABLAR COMO SI HABLÁSEMOS DE UN LIBRO O DE UN CUADRO Sanziana Pop 4


En el fashion rumano, Doina Levintza es reconocida como una de las más importantes creadoras de moda por sus piezas de alta-costura, pero también por su creatividad e innovación en escenografía, teatro y cine. En 1990, fundó su propia casa de moda especializada en vestuarios de teatro, pero también en creaciones de vestimenta y sus colecciones más galardonadas fueron presentadas en las grandes pasarelas del mundo. Doina Levintza es el único designer de Europa del Este invitado a presentar sus colecciones en el cuadro de la prestigiosa Semana de Moda de ueva York, 7th on Sixth. Su Alteza Real, la Princesa Margareta de Rumania otorgó a Doina Levintza el título de Proveedora oficial de la Casa Real. La exposición de Madrid representa un recorrido por la historia del teatro y de la vestimenta desde el Siglo de Oro hasta el Postmodernismo, sobre todo de inspiración británica y española. A lo largo de los siglos, en el teatro, como en la vida, la unicidad no consiste en el tipo de tela utilizado, sino en el estilo y refinamiento con los cuales cierto sentimiento o actitud se transmite. En este sentido, los vestuarios imaginados por Doina Levintza dan vida a personajes célebres de renombradas obras: Don Quijote (texto adaptado de Cervantes), Dorian Gray (adaptación de la novela de Oscar Wilde), Hic sunt leones (texto adaptado por Dan Puric) y Richard III (adaptación de W. Shakespeare). La propuesta de Levintza es el traje diario que viste el Teatro de cada día, resultado de un largo viaje al lado de muchísimos personajes de teatro y cine, que una vez que lleguen al escenario o a la pantalla se convierten en trajes de nuestro propio tiempo. La imaginación de Levintza, su poder de crear líneas y formas, de inventar estilos se fundamenta en una cultura artística y quizás en un poco de magia. ICR Madrid

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Alta Costura Teatral DOINA LEVINTZA

ESPACIO NIRAM MADRID

Bogdan Ater, Doina Levintza, Romeo (iram, Begoña Fernández Cabaleiro, Horia Barna, Dir. ICR Madrid

DOINA LEVINTZA encontró con sorpresa sus propias creaciones de alta costura teatral expuestas de una manera inédita en Espacio Niram Bar & Lounge, Madrid. En Niram Art Nº 10, se encuentra publicada una amplia entrevista con RAZVAN MAZILU, el bailarín - protagonista del espectáculo de teatro DORIAN GRAY, junto con fotografías del show teatral,. La capa de Niram Art 10 fue una de esas fotografías de Razvan Mazilu, en vestuario artístico de diseño DOINA LEVINTZA. En la decoración original de Espacio Niram, el suelo no fue olvidado, estando cubierto, a través de una técnica especial, de diversas fotografías, carteles, páginas de revistas, entre ellas, las fotografías del espectáculo Dorian Gray, que habían sido publicadas en Niram Art 10.

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HOMENAJE POETICO A FRIDA KAHLO

ANDRA ROTARU ADRA ROTARU (Bucarest, 1980) es licenciada por la Facultad de Psicología y Ciencias de la Educación y por la Academia de Artes Plásticas de Bucarest. Participa en varios proyectos de envergadura como: Open Doors, proyecto de exploración de las percepciones mediante la poesía, la música y la pintura en colaboración con la Unión de los Artistas Plásticos de Rumania; Escritores en la Vía Real, el primer programa prolectura bajo el patrocinio de la Casa Real de Rumania; Creative Writing, sostenido por poetas de prestigio de Rumania; Studentfest, festival organizado por el Instituto Cultural Rumano de Bucarest; Frida Kahlo- Alegorías Contemporáneas, proyecto nacional intercultural en colaboración con UNITER (Unión de los teatros de Rumania) y la Embajada de México en Bucarest. En el libro "En una cama bajo la sábana blanca", la autora rinde homenaje a Frida Khalo con la recreación literaria de los cuadros de la autora. Las pinturas de Frida Khalo inspiran a la poesía en una combustión visual y cromática, psicológica y lingüística, y la poesía de Andra Rotaru muestra con un registro intimista un repertorio sentimental que desde el mundo de los sueños y los deseos contrastados confiesan una feminidad individual en la obra de arte. Andra Rotaru recibió numerosas distinciones en Rumania, como el Premio Nacional Mihai Eminescu a la mejor ópera prima o el Premio de la Asociación de Escritores de Bucarest en 2006.

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El INSTITUTO CULTURAL RUMANO DE MADRID organizó, el 11 de noviembre de 2008, la presentación del libro "En una cama bajo la sábana blanca" de ANDRA ROTARU. Intervinieron: Kepa Murua, el director de la editorial Bassarai, Andra Rotaru, Begoña Fernández Cabaleiro, crítico de arte y Horia Barna, el director del ICR Madrid. El libro, en el cual la autora rinde homenaje a Frida Khalo, es el volumen de debut de la joven poetisa rumana, publicado ahora por la editorial Bassarai (Vitoria-Gasteiz), en la traducción de Adelina Butaciu, Mariei Luiza Icriverzi, Borja Pujol López Araquistain, bajo el cuidado del escritor sur americano Daniel González Dueñas.

EN UNA CAMA BAJO LA SÁBANA BLANCA APODOS * yo soy una pierna artificial y me escondo así como no lo hice hasta ahora es difícil cambiarme el nombre después de haber sido celebrada como el día nacional pero permaneceré con todas las denominaciones, así como me quedo con la herencia de los huesos torcidos, cargados en mis ojos negros raramente se ve algo

goteo el mural fresco de las calles lo pego en los establos donde la gente libre quiere ver el este y el oeste en el mismo cuarto busco hasta el último tatarabuelo, los muertos arañados en una historia que comienza conmigo encuadro a cada persona entre marcas de madera, le digo que se quede allá, inmóvil, para vivir 9


Begoña Fernández Cabaleiro en Espacio (iram, Madrid

La joven escritora rumana ADRA ROTARU presentaba su libro “En una cama bajo la sábana blanca” en el Instituto Cultural Rumano de Madrid el 11 de noviembre de 2008. Lectura poética, traducción en palabras de la obra de la pintora mexicana. No vamos a hacer una valoración literaria de la obra de la escritora pero sí puede darnos pie para analizar esas claves agridulces de la vida de un artista que permiten que su vida se traduzca en arte y que, de nuevo, campos diferentes del arte como son la pintura y la poesía se encuentren de nuevo. En este breve análisis quiero cometer dos osadías a la hora de hablar del arte y de la vida en nuestro tiempo, el atrevimiento de hablar del dolor y de la belleza y de unir ambos conceptos: ¿Hay belleza en el dolor? FRIDA KAHLO nació en México en 1907 (o en 1910, como decía ella para vincular más su vida a la revolución mexicana) y muere en 1954. Se habló de su posible vinculación al surrealismo. El mismo André Bretón, padre del movimiento señaló este posible parentesco estético, pero, en realidad, como ella misma dijo, "creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad” y apoyaba la vinculación de su obra a la realidad, a su íntima realidad que, como en todos, podía tener su baño de surrealidad: “Como mis temas han sido siempre mis sensaciones, mis estados de ánimo y las reacciones profundas que la vida ha producido en mí, yo lo he llevado objetivamente y plasmado en las figuras que hago de mí misma, que es lo más sincero y real que he podido hacer para expresar lo que yo he sentido dentro y fuera de mí misma". Frida fue, efectivamente, una artista que se pinta a sí misma, pintura cargada de símbolos étnicos, indigenistas. La etnia de sus orígenes en diálogo con el mundo occidental.

FRIDA KAHLO. ANDRA ROTARU. DOLOR, PINTURA Y POESÍA

Su vida -y su obra- estuvo presidida por tres ejes de dolor: enfermedad, el amor tormentoso por Diego Rivera y sus no realizados deseos de maternidad. Paralelamente el equivalente en sentimientos humanos sería, dolor, soledad y “no vida” que deriva en su prematura muerte precedida de intentos de suicidio.

BEGOÑA FERÁDEZ CABALEIRO

Ante su persona cabe plantearse una reflexión infrecuente en arte, ¿Cuál es el valor del dolor en la vida humana? ¿Qué aporta el dolor a la vida y obra de un artista? ¿Habría sido Frida la misma artista sin el dolor que acompañó constantemente su vida? Analicemos en su obra sus tres ejes de dolor.

Los deseos frustrados de maternidad. …reconozco la imposibilidad de llevar en mis entrañas La sexualidad y la emoción Soy una célula estéril, Parte de un mecanismo Que funciona con los tendones vacíos En su obra, a través de sus propios hechos biográficos, Frida libera sus deseos imposibles de ser madre en el dolor de su propio nacimiento, el dolor que ella nunca viviría para dar vida a otro. Su árbol genealógico nunca tendría continuidad a través de su propio ser. El seno de su madre llevaba el feto de la vida que daría, y, bajo esta imagen el óvulo fecunda-

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do por el espermatozoide, puntos de origen de todo un tronco familiar. La figura de Frida es el cuerpo de una niña, anclada en su casa azul, en la tierra mexicana, siempre púber, siempre niña, siempre cuerpo inmaduro para dar vida a otros. Once meses después de su nacimiento, vino al mundo Cristina. Frida no tuvo tiempo de disfrutar de ser la menor. La confiaron a una nana india que olía a tortillas y a jabón, que no hablaba mucho pero solía cantar canciones. También en esta obra autobiográfica Frida refleja su perenne sentimiento de infantilidad al no ser ella misma tampoco fuente de vida, de leche que alimenta a otros con la riqueza con que ella fue alimentada. Su cuerpo infantil unido a su rostro adulto recoge a esa imagen de ella misma, mujer adulta con cuerpo siempre inmaduro para la maternidad, cuerpo que fue amamantado y puede serlo siempre porque nunca será capaz de criar a otro ser. La enfermedad La enfermedad reflejada en el poema “Desintegraciones” En una silla de ruedas suspendo mis pensamientos, los hago girar con llaves de hierro que clavo en mi cuerpo para poder funcionar Es un carnaval de máscaras con doctores y cuchillos, recortes en lencería oxidada que erosionan el hueso(…) La vida atónita entre sábanas es mímica diaria… Es el dolor de presencia constante en la vida de Frida. El feto que nunca se alojó en su seno, en el aire. La pelvis vacía, seca. Al lado, el árbol de la esperanza que, junto a las cicatrices y la cama del dolor, siempre estuvo presente en el temperamento vital y luchador de la mujer y la artista. Diego Rivera, el tercer dolor “Sufrí dos graves accidentes en mi vida… uno en el que un tranvía me arrolló. El segundo fue Diego…” Tengo alas de mariposa Y un color adecuado Tú me miras como yo deseo PD: me ofrezco con todo el amor La equivocada relación tormentosa con un artista temperamental que llegó a serle infiel incluso con la hermana de Frida y la misma infidelidad de Frida con parejas de ambos sexos. Diego fue quizás la puerta de contacto con figuras como Bretón que abrieron las posibilidades del éxito artístico en unos tiempos en que éste no era fácil para una mujer. Pero el precio afectivo fue doloroso y nunca llenó

GEEALOGÍAS tengo raíces que comienzan en el vientre de mi madre, mezcla de diosas maternales y del cuerpo de una mujer pagada para amamantar soy una mestiza con uvas desvanecidas en cuadros pintados en un espacio vegetal, pero las uvas no me dan todo, necesito también una lozanía en mis venas para saborearla * fueron otros niños otras niñas con mis gérmenes allá donde las mujeres viven con mujeres yo tengo un padre para mí y mis hermanas. él apaga la luz como en un abismo donde resbalo y recuerdo a la generación con acento extraño, cuya ascendencia no tengo permiso a remedar soy una mezcla de recuerdos que comparto en mi idioma * –¿cómo es nacer el mismo día que tu país, ser su primer ciudadano? –diría que maravilloso en una época tan nueva de la historia de los principios esa era fotográfica de todas las cosas ocurridas en el mundo antes de mi nacimiento –¿y vas a pintar, los sucesos?, ¿el instante del nacimiento?, ¿el tiempo convertido? –voy a cambiar el pretérito con un collage de tiempos pintados necesito sólo un par de años para marcar el ritmo con las piernas artificiales de la gente que yo rasguño en la memoria encuadre por encuadre tengo ojos que han dejado de crecer, me gustan los animales y los cielos pintados de colores alegres, mi mundo es un globo en el cual me ahogo con toda la gente * he recibido motes después de mi nacimiento en un crucigrama que me deformó por dentro

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sus no realizados deseos de maternidad. Su Autorretrato con mono (1938) en versión completa presenta ya a esa Frida sentimentalmente herida. El mono, regalo de Diego, es símbolo demoníaco. El collar indígena alrededor de su cuello aparece como una soga. O collar de espinas en otro caso así como el colibrí sobre su pecho- símbolo de vida e ilusión en la cultura mexicana- muerto ahora y adoptando la misma forma de las cejas unidas de Frida.

Las dos Fridas es imagen simbólica de la Frida mexicana y la Frida occidentalizada, la una frente a la otra, compartiendo sus corazones, pero que rompen su vena mutua sobre la Frida vestida a la europea. Muestra la importancia que tenían para ella sus raíces mexicanas. Introducida con intensidad en este mundo indígena de su propia cultura por Diego Rivera en los mejores momentos de su relación, el corazón se rompe, la vida se extingue por la vena cortada sobre su traje occidental. El viaje de Diego a Estados Unidos, la separación de la pareja en esos momentos, el contacto de Frida con el arte y la vida de la cultura occidental rompen también de algún modo la relación de ambos. Columna rota es metáfora, no solo de la mujer con los huesos quebrados por un duro accidente, sino también el cuerpo plagado de clavos y la vida rota por su separación y divorcio de Diego Rivera. La estructura humana de la persona se quiebra al romperse además el amor que estructura su propia vida. Conclusión: Muerte o suicidio

Frida Kahlo, La Columna Rota, Óleo s/lienzo, 1944, 40 x 30,7 cm.

APARICIOES CALLEJERAS

soy una atracción por la calle, un animal con pierna leñosa sin nervaduras el derecho se adelgaza en el momento del crecimiento empuja con odio, rompe las venas pero yo no crezco más, me siento perezosamente liviana para ver mi vida a través del ojo de animal * con la espalda encorvada abrazo a la multitud, sonrío en un espejo que me deforma

rasguño rayas blancas en la piel joven, recorto pedazos coloreados con texturas diferentes

quiero ofrecer mi cuerpo * el cuerpo se estira al lado de los demás, hace comparaciones, reduce el mundo del acercamiento diario

la gente pasa a mi lado en un movimiento lento nosotros bailamos el vals, a pesar de que hay ojos calientes sobre ojos que no quieren ver más

–¿cómo te sientes cuando sabes que tienes defectos físicos, cuando la gente te mira intensamente, asombrada, cuando hace comparaciones?

– con la mano derecha corto la piel hasta la madera, escarbo como un animal en el mundo de los mortales

esto me provoca pequeños placeres que guardo escondidos

hago mi autorretrato con barro alrededor de los ojos, los uno en el centro del rostro, en una mirada de hombre

es fácil ser reconocida, soy una belleza brillantemente coloreada, una atracción por la calle

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Frida Kahlo, Autorretrato con mono, 1938, Óleo sobre madera, 16" x 12", Colección de Albright-Knox Art Gallery, (ew York.

"Espero alegre la salida y espero no volver jamás."

Por este camino de arte y dolor ante el que una mujer de carácter enérgico y apasionado lucha hasta romperse, podemos pensar, ¿Qué hay de artístico? ¿Qué de belleza? Frida - Andra Rotaru: de nuevo el diálogo entre las artes. ¿Qué busca el artista al crear? ¿Qué buscamos cuando nos sumergimos en las obras de arte que contemplamos? ¿Es la búsqueda de la belleza? ¿Qué belleza deseamos los hombres en la vida? Y, ¿Qué belleza no encontramos en la vida para acabar buscando en ámbitos concretos que, como el arte, parecen especialmente destinados a crearla? Al contemplar la obra de arte, al dialogar con la imagen de lo contemplado - porque sólo así se puede recibir el arte - esos momentos de catarsis liberadora de las luchas y contradicciones internas del artista se convierten en eco de las nuestras propias. En el arte, el público desea encontrar expresado aquello que otro tiene capacidad de decir plásticamente, poéticamente que él no posee. No. No se busca la belleza de cánones ideales porque el interior del hombre no es una medida de canon ideal. Es la belleza de lo más sublime y lo más oscuro, lo más elevado y lo más vil que cabe en el interior del sentir y vivir. Es el hombre en definitiva. Frida habló pintando y Andra Rotaru pinta a Frida con poesía.

AUTORRETRATO CO MOO una piel fina de simio rodea las arterias de mi cuello y mis sentidos se calientan por este gesto tierno somos mujeres una con la otra, el abrazo suave toca nuestros cuerpos, se olvidan las cadenas de la sumisión del animal por el hombre y no tengo razones para que se arrodille estamos sentadas y abrazadas, tengo dentro de mí un baile de colores y vegetaciones frescas he penetrado en el alma de la selva, refugio de mi cuerpo que mira hacia atrás

Imágenes del evento organizado por ICR Madrid


HOMBRE/MUJER

me visto con ropas de piel negra para que mis dedos pequeños parezcan más grandes

todavía recuerdo el sabor de niño sin sexo tirado en el rincón del cuarto sin vistas al mundo en el nido con aves de rapiña

de él salen vírgenes que beso en la boca y les atrapo en mi tejido de cuerpo de hombre

día tras día hago brujería con los labios de cada una y con los hombres de cada una

las mujeres que vienen tras de mí están de moda

*

he encontrado al hombre que mide dos veces más que yo; nos hacemos dibujos a la medida, separados por una pared roja donde el casamiento es el lugar en el que se encuentran las llagas, convierten la sensualidad de nuestros cuerpos en tiempo el mundo empieza a pintarse de linfa e impresiones

*

llamo a mis hombres con una campana

salgo de los escondrijos mujeres me cantan lascivamente

vivo apresurada en el espejo del día de mañana, me cubro con fotografías sobre las que yacen secreciones de felicidad

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ALMA DE CARAVAGGIO SÓNIA MARTÍNEZ

LA ALQUIMIA DEL ALMA. UN HOMENAJE A CARAVAGGIO

El autor es un joven fotógrafo nacido en Bucarest en 1980 y que desde hace algunos años reside en España: BOGDAN ATER.

En esta muestra, el artista, que además es el director de la Revista de Cultura 'Madrid' y uno de los que iniciaron la línea de mobiliario de diseño artístico, Ater & Niram; pretende utilizar la luz de la misma manera en que lo hacía el otro pintor al que rinde homenaje. Y es que las luces y sombras son una constante en la obra de Caravaggio, artista italiano nacido en el siglo XVI considerado como el primer exponente de la pintura barroca.

Bogdan Ater se centra en la luz para dar profundidad y misterio a sus figuras. Como ha escrito el crítico Mario Barangea en la revista alemana 'Agero', Ater "cuestiona la luz como modo existencial pacífico. (...) La estampa de misterio es una carga más pesada que el pensamiento del pecado, su arte deja rastros muy hondos en la luz. Son huellas que descubren el recuerdo de una zona insidiosa, entre peligro y opacidad. Sus víctimas somos todos nosotros, los que miramos, tratando de establecer un contacto plenario, en realidad, con nosotros mismos".

Cuando Bogdan Ater tenía tan sólo nueve años, comenzó a fotografiar su entorno con una cámara que le había regalado uno de sus tíos, quien le introdujo en el mundo de la fotografía. Después, en 1995 y con 15 años, presentó su primera exposición en el Museo-Conservatorio de Bucares.

Es un artista que ya ha expuesto en países como Rumanía, España y Portugal, donde acaba de presentar en julio de 2008 'Zapping', en las Galerías Saldanha - Atrium de Lisboa. En esta ocasión, Don Álvaro Lobato de Faria, Director del Movimiento de Arte Contemporáneo de Lisboa, le otorgó el Premio MAC, como reconocimiento de su actividad y colaboración en el campo de bellas artes.

Foto: Bogdan Ater

Artículo publicado en El Mundo


El impactante documental MORIR E JERUSALÉ se exhibe en Madrid después de participar con gran éxito en 1ª Muestra de Cine Documental de Montaverner (Valencia). El Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista, el mítico ´Johnny´, espacio señero dentro del circuito cultural madrileño desde su creación en 1966, acogerá la proyección en la que contaremos con la presencia de la directora israelí HILLA MEDALIA.

TO DIE IN JERUSALEM

En su primera película, Medalia se acerca al conflicto entre israelíes y palestinos intentando unir en conversación a dos madres que han perdido a sus hijas en un atentado terrorista. Presenta así el microcosmos del conflicto a través de los ojos de dos familias profundamente afectadas por la pérdida y un enfrentamiento de compleja solución. La película narra la historia de un conflicto. El 29 de marzo del año 2002, Rachel Levy, israelí de 17 años, entraba en una tienda de comestibles en el barrio Kiryat Yovel de Jerusalén para comprar la cena. Momentos después, Ayat al-Akhras, palestina de 17 años, llegaba a la tienda con un bolso lleno de explosivos. Inmediatamente, Ayat activó la bomba matándose a sí misma, a Rachel Levy y al guardia. Otros 30 civiles también resultaron heridos. Una de las cuestiones que investiga el film es qué es lo que pudo haber conducido a la joven Ayat a emprender su misión mortal. Las dos jóvenes tenían la misma edad. Las dos estaban a punto de acabar el instituto y posiblemente tenían ilusiones en común. Después de la muerte de las chicas, la madre israelí decide conocer a la madre de la chica palestina. Quiere hablarle y encontrar respuestas. La película proyecta así una mirada sobre el mundo de cada una de estas chicas brindando al espectador la posibilidad de comprender el conflicto desde un punto de vista más próximo a los que lo viven; explorando las dificultades, los miedos y las brechas que separan los dos bandos. Tras la proyección, Hilla Medalia ayudará a completar la visión de su obra y responderá a todas las preguntas. Acompañará a la directora María Jesús González, vicepresidenta de la Fundación Víctimas del Terrorismo y madre de Irene Villa, junto a la que fue víctima de un terrible atentado de ETA en Madrid en 1991. TO DIE IN JERSUALEM. Israel-EEUU /2007. 75min. Color Dirección, guión y producción: Hilla Medalla

1 diciembre. 19:00 CMU San Juan Evangelista (Av/ Gregorio del Amo, 4) Entrada libre hasta completar aforo

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Música y firmamento, dos afirmaciones de belleza y dos augurios de eternidad, se conjugan en una velada auspiciada por CASA SEFARAD. El tiempo de la música y el espacio inagotable del Universo encontrarán su expresión en el genio de dos judíos inmortales: FELIX MEDELSSOH y ALBERT EISTEI. 1ª Parte. Conferencia: ´De Einstein a la energía oscura del vacío´, a cargo de Telmo Fernández (Astrofísico y Subdirector del Planetario de Madrid) A comienzos del siglo pasado, Albert Einstein se dotó de todas las herramientas teóricas y conceptuales necesarias para enfrentarse a los problemas del origen, la evolución y el destino del Universo. Su teoría de la relatividad general cambió paradigmas establecidos acerca de la estructura y propiedades del espacio y del tiempo. Gracias a él, el binomio espacio-tiempo, como un todo, emerge como un tejido cuyas propiedades dependen de la presencia de objetos masivos.

MÚSICA

Décadas más tarde, utilizando el brillo de supernovas que explotaron hace cientos de millones de años en galaxias muy distantes, la cosmología pudo demostrar que la expansión del Universo se está acelerando. El Cosmos parece estar dominado por un tipo de energía de origen desconocido, la energía oscura, cuyo efecto es equivalente al de una anti gravedad de origen hoy desconocido, que existe a escala mucho mayor y que puede llegar a marcar el destino final del Cosmos. Después de todo, la predicción de Einstein de hace casi un siglo iba muy bien encaminada... Como soporte a la conferencia, CASA SEFARAD desplegará la exposición “Einstein, el personaje del siglo”, cedida por la Universidad Hebrea de Jerusalén.

Y

2ª Parte. Concierto ´Trío de Mendelssohn´ op.49, con Ara Malikian (violín), Serguei Mesropian (cello) y Rouzan Badalian (piano) Compuesto en 1839, este trío fue muy alabado por Robert Schumann, que lo situaba a la altura de los mejores de Beethoven o de Schubert. Fue estrenado por el mismo Mendelssohn, al piano, en 1840.

UNIVERSO

Ara Malikian es concertino en la Orquesta Sinfónica de Madrid y ha sido invitado como solista por Tokio Symphony Orchestra, Bamberger Sinfonikem, Zürich Kammerorchester, London Chamber Orchestra, Tübingen Kammerorchester, Sinfónica de Portugal, Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Euskadi, Sinfónica de Asturias, Sinfónica de Bilbao, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Moscow Virtuosi, Belgrad Philarmonic y Armenian Philharmonic. Serguei Mesropian es desde hace varios años miembro invitado de la Orquesta de Cámara, ´Virtuosos de Moscú´, bajo la dirección de V. Spivakov, y desde el año 2000, viene siendo invitado a impartir conferencias magistrales en los Ciclos Universitarios de los Cursos de Verano de Nueva York. Es director musical y fundador, junto con Ara Malikian, del festival internacional ´Caprichos musicales de Comillas´, que se celebra anualmente en esa villa cántabra. Rouzan Badalian ha realizado una importante carrera como solista con orquestas como la RTV de Armenia y la Orquesta Estatal de Cámara de Erevan, siendo miembro integrado de dichas orquestas, realizando giras por muchas ciudades de Europa y la antigua Unión Soviética.

MÚSICA Y UNIVERSO 9 DICIEMBRE CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE. C/ CONDE DUQUE, 11. AUDITORIO 20.00 H ENTRADA LIBRE

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hoy soy cezanne hoy soy cezanne y bebo ábsit y fumo junto a jojo tabaco ingles jojo tiene los dedos en forma de embudo y a través del embudo se desliza arakhne como una imagen empolvada que me ciñe desde la pirámide de calaveras o la naturaleza muerta con manzanas y pote de primaveras hoy soy cezanne y pinto a aila con otra mirada

Paul Cezanne, Pirámide de calaveras, ´´Oleo s/lienzo, 1901, 37 x 45.5 cm

GELU VLASIN GELU VLASI (nacido en 1966) es uno de los más importantes escritores y poetas rumanos, iniciador del movimiento literario "deprimismo". Vlasin es miembro de la Unión de Escritores de Rumania, miembro de la Asociación de Escritores de Bucarest, editor de videopoemas y responsable del proyecto literario "Rumania, poetry performance".

Libros:

soy soy el aire que te corta la respiración / soy el veneno / que se posa / en tus labios / soy la carne viva / que te atormenta el cuerpo / soy la sangre que bulle / por las atormentadas esperas / soy / el cementerio de tus recuerdos / soy / la soga del día / de mañana / soy lo que crees / que no / es…

Tratat la psihiatrie - Editura Vinea - 1999 / Editura Liternet - 2006, Atac de panică - Noesis - 2000 & Editura Muzeul Literaturii Române - 2002, Poemul Turn - Colecţia "Biblioteca Bucureşti" - Asociaţia Scriitorilor din Bucureşti & Editura Azero - 2005, Ultima suflare - Editura Muzeul Literaturii Române / A.S.B. - 2001 & Editura Liternet - 2003 Premios: - Premio Tertulia Cerro Almodovar - Madrid 2004, - Premio Puertas Abiertas - Madrid , 2002, - Premio Colocviile Coşbuc, Unión de Escritores de Rumania 2000, - Premio de la Asociación de Escritores de Bucarest- 1999, - Premio del Festival Internacional Sighet - 2000, - - Gran Premio Ion Vinea - 1999, - Premio Cristian Popescu - 1999 - Premio Saloanelor Liviu Rebreanu - 1999.

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Fotografía: Bogdan Ater

la mano

el corazón si el corazón / derramara sus lágrimas / de sangre / en el hueco de la mano / si la sonrisa / se transformara / en polvo homicida / si el pelo / me azotara el rostro / crucificádome / en la encrucijada entre el bien y el mal / puede que / solo así / la oscuridad me evitara

bandung la muerte viene / como una arpía negra con los colmillos clavados en mi cerebro / la muerte viene a la chita callando con su hocico / afilado / entre palabras / donde el animal de presa / se ha hecho una yacija con mis huesos / esparcidos anteayer / en el asfalto de enfrente del poema torre / y el día de mi santo se lo regalé para la cena / entre los despojos de la carne / enroscados / en mi cuerpo aturdido / como un pensamiento virgen que se ha ido de caza

mano que duerme / que adormece / que alimenta / mi mano / de cada día / que escribe / que me pinta la cara / me cansa / me descansa / me reprende / mi mano / sin la que / el cuerpo sería un simple sauce / a orillas del tiempo / he aquí mi mano / te la regalo…

suryana fue ayer el día en que pude haber sido tu muerte / fue ayer / el día en que pudimos habernos desnudado de nosotros mismos / fue ayer el día en que / te pregunté / con ojeras en el pensamiento / fue ayer / la noche en que crecí diez pisos de alto / fue ayer la noche en que / pude haber sido / tu cuerpo / fue ayer la noche / en que habría podido / fue ayer / al principio / un día cualquiera / hubo ayer en tus pasos / un silencio / fue / la noche en que / habría podido ser tu muerto / mi muerte 19


Fotografía: Bogdan Ater

la mente mi mente / que me miente / que me hace / perder el juicio / que me ahuyenta el sueño / y los sueños / que me embarga / y me deja postrado / me alza y / me arroja a / la oscuridad / mi mente / prudente / para la que / la muerte ya no tiene / escapatoria / esta es mi mente / algún día / echará a volar…

desa enfermo de café y gotas de saliva enrojecida / blasfemas como un carretero con plumas / flu flu flu / alquilen / un mosquito me arranca la voluntad / por todos los poros / desposeyéndome / de ti / serpiente / dices tonterías / oliendo a tilo y a suicidas / solo ella / desentierra el hacha de guerra / para partirme el alma / blanca de indiferencia

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Fotografías: Bogdan Ater

más allá más allá de las palabras / están mis ojos / que atraviesan / la oscuridad / más allá de la oscuridad / estás tú / con los brazos cruzados / y más allá de ti / traquetea la nada / como una muerte herrumbrosa

ogoh I mi mente / rompiéndote la camisa con la que / tú / has revestido tu pensamiento / negro / como una mancha de sangre / extendida / en el pavimento de los muertos

ogoh II mi mente rompiéndote la camisa en que tú te has cubierto el pensamiento negro como una mancha de sangre tendida en el empedrado de los muertos

ogoh III en mi sueño / anidó / la muerte / con su frío / abrazo / como si / el sueño / se hubiese hundido / en la cavidad del tiempo /


El ICR (Instituto Cultural Rumano) de Madrid, en su sede ubicada en la C/ Marqués de Urquijo, nº 47,1º derecha, desarrolla ciclos de actividades que proponen dar a conocer diversos aspectos de la cultura rumana, así como divulgar escritores, artistas, cineastas, bailarines más relevantes de Rumania. El ICR nos presentó el trabajo del pintor Romeo Niram, (Bucarest, Rumania, 1974), un destacado creador en el panorama artístico de Rumania, y también fuera de el.

Yana Klotchkov Kuznetsova (Moscú, 1985) reside actualmente en España, dónde realiza los estudios de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid. Interesada en al arte del siglo XX, especialmente en las Vanguardias, y movimientos estilísticos como el Kitsch, o el juguete de vanguardia. Ha colaborado en diversas traducciones y otros trabajos literarios relacionados con la cultura rusa.

EL DIARIO DE MIRCEA ELIADE PINTADO POR ROMEO NIRAM

YAA KLOTCHKOV KUZETSOVA

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La exposición sobre la cual quiero hablar lleva el nombre de “Diario Mircea Eliade - Ensayo”. Este joven pintor rumano, que actualmente reside en España, hace un homenaje en forma de diario a Mircea Eliade en 8 lienzos que pudimos contemplar en la sala de exposiciones del Instituto. Paralelamente, se ofrecen una serie de conferencias que ambientan y contextualizan la obra de Romeo Niram. Hay que decir que este homenaje viene parejo o forma parte de todo un ciclo de trabajos pictóricos, en los que el artista se inspira en la biografía de los personajes mas importantes de la historia del siglo XX rumano, es el caso del escultor vanguardista Constantin Brancusi, el dramaturgo y escritor Eugéne Ionesco, el filosofo Emil Michel Cioran y el historiador de las religiones Mircea Eliade. Con ellos, ya tenemos una pista de lo que Niram va ha transmitir en su obra, y hacer ver que ninguna de las personalidades anteriormente citados han sido elegidos al azar. Precisamente, los cuatro (tres de ellos coinciden y se conocen en la Universidad de Bucarest en 1928), se caracterizan por la búsqueda constante de la pureza conceptual, se cuestionan el entorno que les induce a una reflexión no solo de las estructuras vigentes del pensamiento, sino también a las propias raíces del mismo. Ello ahonda más en su situación como apátridas, puesto que la mayor parte de sus vidas se desarrollan fuera de Rumania, lo cual, produce una potenciación de esa búsqueda de la esencia de la existencia a través de diversos caminos y vías, expresada en la escritura, escultura, etc. Ellos no dan respuestas, sino que cuestionan todo.”Ensayo sobre la lucidez”, se relaciona con el hecho, de que todos éstos intelectuales se planteaban los eternos interrogantes sobre la vida, el por qué, el cómo, tal como lo lleva haciendo toda la humanidad sin tener respuesta certera. Pero, lucidez, en el sentido de que tanto los hombres que razonan y filosofan sobre ello, como aquellos que de forma directa no se lo plantean en tales términos, tienen algo de lucido, intuitivo, ya que todos llegan a la misma idea, en menor o mayor grado: nada es verdadero en su totalidad, salvo quizás los efectos que en el ser humano produce la impresión personal de la existencia en el a transcurso de la vida, es el hecho de comprender al mismo tiempo, que nuestra biografía es limitada, y sin un colofón determinado. No hay conocimiento sobre la forma en la que nuestra existencia afectará al resto de los individuos, ni en los que vendrán después, y con ello, tampoco hay manera de averiguar como lo hará en la dinámica del Universo. Ello se diferencia de los libros o películas, que si tienen una acción directa, más asimilable, y un final enmarcado en el espacio y en el tiempo. El diario, (recurso formal utilizado por Niram) es una forma de plasmar y reflejar lo que capta la percepción humana sobre soporte material, de dejar constancia, en forma de legado, el paso por éste mundo, cuando ya no estamos presentes físicamente. Es, por tanto un testimonio de nosotros mismos, un rastro a modo de huella registro (que a diferencia de otro tipo de registros como el de la partida de nacimiento en una institución), pero en forma más literaria, elegante, e incluso didáctica, es, digamos el medio para saber y que otros sepan que hemos vivido, que hemos existido. El diario es documento fiable, en el sentido material, corrobora nuestros recuerdos, que generalmente con el paso del tiempo se hacen difusos, se nublan, y más tarde se difuminan y desaparecen. Ya no sabemos que fue real y que sueño. Así el diario es un seguro, un pasaporte de nuestra existencia en cuyas páginas quedan pegados los visados de nuestros viajes, reflexiones, etc…


¿De qué lugar formamos parte en el mundo? Realmente cuando desaparezcamos, el mundo no dejara de funcionar sin nosotros en él. ¿Habrá algo que la existencia haya afectado? De este modo, Niram, utiliza la figura de Brancusi, escultor que trabaja con la forma en espacio y el tiempo, y el concepto del vacío, de aquí la relación con el pensamiento hindú (primer cuadro de la derecha aparece Maitreyi, y en el ultimo Brancusi), y su interacción y relación con en ciclo cíclico de la vida. Los que entienden el concepto del vacío eliminan el temor a la muerte. Precisamente, el diario, es el recurso material del que se sirve Niram, para plasmar una serie de memorias centradas en la vida, obra y pensamiento del escritor rumano Mircea Eliade. Es un texto plástico, unos 8 lienzos, dos de ellos con sus anexos con fragmentos escritos en diversos idiomas. Los lienzos se presentan, todos en la misma pared, seguidos, uno detrás de otro, sin apenas concesiones al espacio entre ellos. Se leen de derecha a izquierda, pero se entrelazan en un eterno retorno, ya que el último encadena con el primero. El primer lienzo, se presenta a modo de cartel, (ya sea de cine o de publicidad), el retrato de Mircea Eliade, y algunas imágenes que traen ecos de su estancia en la India durante su juventud, la figura de Maitreyi, cuyas partes faciales aparecen de forma reiterativa, y una figura física pequeña, vinculada con la practica del yoga, que resalta la relevancia de la disciplina física como herramienta investigadora, a lo que se unen los elementos tipográficos con el nombre del filosofo. Todas las figuras se manifiestan con gran detallismo y verosimilitud que coquetea con el hiperrealismo fotográfico. A ello se suma la estética del cartel, que se aprecia en cada uno de los lienzos, cuyas imágenes representadas en forma de entes (y con ello me refiero en forma de individuos) son elementos que se diferencian y destacan del fondo, tal como si se tratara de fotografías pegadas en un collage. Estas imágenes, tiene forma a su vez, en lo inmaterial y lo intangible, cuyas figuras dispuestas de forma caótica (dan la sensación de estar en movimiento para desaparecer de un momento a otro) se hacen borrosas hasta parecer que acabarán esfumándose, tal como hacen los fermentos memorísticos de los recuerdos. El siguiente capítulo de éste diario plástico en forma de película, Niram la ubica en Portugal, con el recuerdo de su bella Plaza del Comercio, el arco del triunfo y su escultura ecuestre. Un cielo que se transforma en fuego, y un suelo que se convierte en agua, ¿Qué es real y qué no? Ello conforma una extraña atmósfera, un espacio siniestro y amenazador, es real y fantástica al mismo tiempo, una vez más, hay referencias a obras de Eliade. El agua y el fuego, elementos esenciales y antagónicos, representan lo irreal y real en la visión. Seguimos con recuerdos de la vida de Eliade. En el siguiente lienzo, hay de nuevo una vivencia, un recuerdo. La composición se asemeja un tanto a los ambientes de El Bosco, hay un alo, siniestro, aterrador, reflejo de un interior inquietante, ¿tal vez el de aquel personaje asustado? cuyas puertas están cerradas, el techo desgarrado, a punto de venirse abajo, y una mirada amenazante se impone a través de la puerta. Esta escena produce cierta desazón, un intento de penetración dentro del alma del protagonista, llena de incógnitas por la desesperación de la no -respuesta. Al igual que en El Bosco, la realidad es neutral y la irrealidad visionaria, el mundo como una mera ilusión óptica, un espejismo de la realidad, la claridad de la visión se encuentra inmersa en una bruma, lo inconstante sustituye a lo permanente, lo tangible se convierte en algo inmaterial, ¿acaso no encontramos estos elementos en Niram? Fernando Pessoa y José Saramago son los referentes de dos lienzos, sus retratos merecen ser destacados por verse realizados mediante una técnica distinta a lo observado hasta el momento, puesto que las líneas y

formas se ven fragmentadas y reconstruidas posteriormente, sufriendo una metamorfosis en los colores empleados. Todo ello dentro de un laberinto de formas y estructuras monolíticas que sorteamos con la vista sin ver un final claro. Por último y concluyendo esta biografía visual, Niram se centra en Brancusi y su producción escultórica, de formas geométricas y superficies pulidas que reflejan y se relacionen con el exterior. Encontramos aquí también, una cabecera de una noticia periodística. Niram utiliza criterios visuales propios del cartel y el collage, cuyos ingredientes se intercalan y surgen unos encima de otros, destacando la escultura que aquí sortea la distancia de la representación bidimensional con la tridimensional (de nuevo lo real y lo ficticio). En consecuencia, Niram, une dos aspectos en principio ajenos entre sí, la narración escrita y la narración visual, convirtiéndose en el vínculo para profundizar en las memorias de Mircea Eliade. Los protagonistas son viajeros espirituales, lo cual les convierte en universales, son “apátridas” sin contacto directo con su origen cultural, pero vinculados a sus raíces. Para acercase, hay que entender esta compleja simbología, organizada a manera de puzzle, y configurarlo espacialmente siguiendo una reglas gramaticales propias, que exigirán una vez resulto, una reflexión introspectiva. Así, se presentan ante nosotros unos elementos universales que serán accesibles a los espectadores de esta gran película, y nos trasladaran a la vida de estas figuras rumanas. Con ellos, superados los convencionalismos locales, y buscando mas allá de su propio espacio, se manifestarán los interrogantes universales sobre la esencia del ser humano, y su importancia existencial. Todo ello inquieta al espectador como resultado de toda la conjunción plástica. Ya que al fin y al cabo, ¿qué es la vida?, ¿o es algo imaginario que no deja constancia de si misma y es fruto de la consciencia? Al fin y al cabo, somos relevantes para nosotros mismos gracias a la autoconciencia. Lo que percibimos y capturamos de la vida es sólo la parte más superficial, ya que lo importante, al ignorarlo, se nos escapa. Es una representación melancólica, que presenta la vida como concepto que puede ser revisado reiteradamente, pero nunca con un único sentido, ni conclusión patente, pero que, bajo un revestimiento, que le de forma, más o menos convincente, produce una impresión más tranquilizadora otorgando cierta esperanza. Me gustaría hacer una breve incisión sobre el panorama artístico actual de Rumania dónde encontramos magníficos creadores como: Gheorghe Ángel,( Cluj- Napoca 1938) cuyas composiciones recuerdan a las de Wools y Debuffet, o como es el caso del escultor Darie Dup, Marcel Bunea o Florin Ciubotaru, entre otros. La mayoría de todos ellos siguen una línea vanguardista, como continuadores de la Escuela de Nueva York. El caso de Romeo Niram se independiza del resto al ahondar en aspectos reales pero dejando de lado la abstracción para centrarse en una figuración cuasi hiperrealista, vinculándose el surrealismo, la duplicidad, y la alegoría.


Matei Enric, Archer, Témpera s/madera

ROJO Y AZUL O… SOBRE VICIOS Y VIRTUDES OAA ADREIA SÂMBRIA-TOMA

Participación rumana, de la Universidad de Craiova, al Congreso Internacional de Historia de Arte, Murcia, (ov. 2008 24

El rojo y el azul han representado, a lo largo del tiempo, dos colores y, a la vez, dos estados de ánimo totalmente opuestos, tal como los vicios y las virtudes. En el siglo XXI, se pueden llevar todos los colores, sin que haya repercusiones sociales, sin que nadie te acuse por llevar cierto color. Aunque hay un color que se ha estilado siempre desde su aparición alrededor de 1360: el negro. El smokin y el vestido de noche de las damas siempre han dejado la impresión de ser más elegantes al ser de un negro intenso. Pero en la Edad Media no ocurría lo mismo. Los colores distinguían las clases sociales y había algunos que únicamente ciertas clases sociales podían llevar. El rojo y el azul como pareja antonímica nació en el siglo XIII y permanecerán opuestos hasta el día de hoy (Pastoureau: 2006, 71). La preferencia por el azul como color que retrataba una actitud sosegada, acaeció en el siglo XIII, cuando el azul llegó a ser el color iconográfico de la Virgen y, a la vez, el color emblemático del rey de Francia y del rey Arturo. A partir de entonces, se verá asociado a la idea de alegría, amor, lealtad, paz y consuelo, convirtiéndose al final de la Edad Media en el más bello y noble color (Pastoureau: 2006, 68). Prueba de su importancia durante la Edad Media es su utilización para las vidrieras y rosetas de las imponentes catedrales (Eco: 2006, 123). Además, la pintura medieval hace hincapié en la idea de Dios como luz, lo cual determina, de alguna manera, el empleo del azul como filtro de una luz celestial (Eco: 2006, 102). La presentación del rojo y del azul como colores opuestos queda de manifiesto en muchos cuadros del medioevo. Por ejemplo, en las Tapicerías de la Apocalipsis (aprox. 1330), el tapiz retrata unos símbolos azules sobre un fondo rojo, prueba de la lucha entre el Bien y el Mal, mientras que los guerreros que vencen a la Bestia van vestidos de azul (Eco: 2007, 76). En Le livre de bonnes moeurs, de Jacques le Grant, que pertenece al siglo XV, aparece el diablo abrazando a una mujer cubierta con una manta roja (Eco: 2007, 94). Los siglos XV y XVI representan, por excelencia, los siglos del negro, que poco a poco, tiende a incluir el azul, color considerado honesto y sobrio. En cuanto al rojo, el siglo XVI lo incriminó como color soberbio, al igual que el resto de tonos encendidos, como el amarillo, el rosa o el naranja (Pastoureau, 2006, 95). La evolución del gusto por los colores dice mucho sobre la evolución de la mentalidad social de cualquier época y, la mayor y más importante consecuencia de este cambio de gusto, se advierte en las representaciones gráficas, en la pintura. En España, el siglo XVI es la época de las pinturas de Pantoja de la Cruz, El Greco. Las figuras alargadas y los colores fríos (grises, verdes, azules metálicos) utilizados por uno de los mejores pintores españoles del Renacimiento, El Greco, dan pleno testimonio de que lo ocurrido en España se encontraba en total acuerdo con el pensamiento europeo del momento y con el concepto peculiar de entender el significado de cada uno de los colores. Pero, ¿qué ocurría en este mismo período en los países rumanos en la pintura? En la Moldavia de finales del siglo XV y del siglo XVI, la atención se dirige hacia la pintura de dos monasterios, Voronet (1488)


Matei Enric, Crimen sagrado, Témpera s/madera

Matei Enric, Volcano, Témpera s/madera

Matei Enric, Pez, Témpera s/madera

y Sucevita (finales del siglo XVI), ambas habiendo sido declaradas monumentos de la UNESCO. La pintura del monasterio de Voronet, una de las más bellas de Rumanía, cuenta con el tema del Juicio Final, donde los colores predominantes son, en todos los registros de la pintura, precisamente el rojo y el azul. El primer registro muestra a Dios-Padre. El segundo se centra en la escena del Deisis (Jesucristo aparece flanqueado por la Virgen María y por Juan Bautista), flanqueada por los apóstoles sentados. A los pies del Redentor yace un río rojo de fuego, donde los pecadores son atormentados. El tercer plano de la pintura revela al Espíritu Santo, tomando la forma de una paloma y al Santo Evangelio, mientras que el cuarto enseña una balanza que pesa los buenos y los malos hechos. También aparecen en el cuarto plano el enfrentamiento entre ángeles y demonios para las almas. En la región norte se nos muestra el Paraíso y en el sur, el Infierno. Tal como se pudo observar, el rojo fue utilizado para retratar el Infierno, mientras que el azul sirvió para el retrato de los ángeles y del Cielo. Lo mismo ocurre con la pintura del monasterio Sucevita, donde son empleados los mismos colores y con los mismos fines. El monasterio de Sucevita cuenta con una célebre pintura sobre una de sus paredes exteriores, la Escala, que retrata el contraste entre el orden de los ángeles y el caos de los demonios, la lucha entre el Bien y el Mal y el esfuerzo del hombre por alcanzar la perfección. A raíz de estas observaciones se podría concluir con respecto a la pintura rumana de los siglos XV y XVI, que se sumergía dentro del mismo movimiento occidental artístico, al emplear colores con fines idénticos. Después de hacer este debate sobre el rojo y el azul, inevitablemente me viene a la mente una pregunta: ¿ por qué el rojo que, a lo largo de la Antigüedad fue un color noble, apareciendo en el laticlavus de los senadores romanos, fue sometido durante la edad media al desprecio? Lo que debió de haber pasado es que, una vez abierto el camino al cristianismo, la Iglesia quiso deshacerse de todo lo que le hacía recordar el mundo pagano y entonces, sustituyó incluso los antiguos colores de moda por otros totalmente opuestos, como el azul o el negro. La antinomia rojo/azul o rojo/negro demuestra también la polarización del pensamiento social, ya que el color rojo no desaparece, sino que se vuelve menospreciado, lo cual es aún peor. Sin embargo, la Iglesia no hace quitar definitivamente el rojo, para que su método no sea tachado de abusivo, sino que opta por desprestigiarlo. Lo mismo ocurre con el tema del oso, que previo a la época cristiana era considerado el rey de los animales, pero que después se ve sometido al desprestigio durante la edad media por las mismas razones que el rojo se ve desplazado. En el caso del oso, éste fue remplazado por el león, tal como lo muestra Michel Pastoureau en su libro El oso. Historia de un rey destronado. Aunque esto no haga el objeto del presente trabajo, sirve de ejemplo para percatarnos de que el caso del desplazamiento del color rojo no es un caso singular, sino algo que ha ocurrido durante la Edad Media con muchos símbolos del mundo antiguo pagano.

El Renacimiento que supuso, como bien sabemos, un retorno y un redescubrimiento de los valores antiguos, no significó que lo mismo ocurriría con sus símbolos. El siglo XVI abarca a los escritores griegos y latinos, redescubre al ser humano como individuo, pero todos estos valores aparecen envueltos en un ambiente muy distinto. Sin embargo, el hecho de que los valores clásicos reivindiquen su puesto como elementos básicos para una buena y saludable vida hace constar su enorme trascendencia.

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SOIA DELAUAY

(1885 -1979), artista de origem judia,

nasceu em Gradizhsk, Ucrânia, como Sarah Ilinitchna Stern. Em 1905, mudou-se para França, para estudar Pintura na Academie de la Palette, em Paris. Anteriormente, foi aluna da Academia de Belas – Artes de Karlsuhe, na Alemanha. Em 1907, conhece em Paris o pintor Robert Delaunay, com quem partlha o seu amor pelas artes plásticas, vindo a casar-se três anos mais tarde. Sonia desenvolve a partir desse momento uma longa e complexa carreira que conjuga interesses variados como a pintura, o design, a cenografia, etc. "Cantante flamenco", 1916

OS CÍRCULOS DE LUZ E COR DE SONIA DELAUNAY ÁGELES RODRÍGUEZ

Sonia Delaunay, Sem Título, Guache sobre papel

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Sonia Delaunay, Sem Título, Técnica mista sobre papel

O artista

ROBERT DELAUAY

(1885 –

1941) é reconhecido pelo uso especial da cor, criando pinturas puramente abstractas, onde as formas surgem da imaginação e não têem nenhum contacto com o mundo real. Este estilo de pintura, vinculado à música, foi chamado Orfismo, uma palavra inventada pelo poeta Guillaume Apollinaire. Destaca o mesmo interesse pela pintura abstracta, pelo jogo com as cores, a luz, os círculos na pintura dos dois artistas.

Com a erupção da Primeira Guerra Mundial, o casal aceita o convite de se establecer em Portugal feito por Amadeo de Souza-Cardoso e Eduardo Viana. A passagem por Portugal fica gravada na obra da artista, com o destaque dos seus círculos solares e a sua inspiração do folclore e do artesanato português.

Depois da guerra, o casal regressa a França, onde Sonia abre uma Sonia Delaunay

loja de criação de objectos decorativos, que pretende trazer a arte para a vida de todos os dias. Não esquece nunca a pintura e começa a experimentar outras técnicas como por exemplo a litografia.

Emília Ferreira, no catalogo “Sonia Delaunay – Centro de Arte Moderna José Azeredo Perdigao – Roteiro da Colecção, Fundação Calouste Gulbenkian” – 2004, dizia que na arte da pintora, o elemento central é a luz, “que se transforma e multiplica no contraste próximo com as cores complementares; tons diferentes de uma mesma reagem às mais diversas mixturas, ou seja, a cor e a luz são duas faces da mesma realidade; essa forma de dança visual, desejada e amplamente conseguida, joga com o traçado geométrico do desenho”.

A pintora Sonia Delaunay deixou uma obra rica em tonalidades e símbolos, testemunha de uma personalidade energica e complexa.

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Na minha infância, quando eu era pequenina aquilo de que mais gostava era de me escapulir da sala de aula para o Barracão das Pinturas. E por lá ficava embrenhada, com argila nos cabelos e tintas até aos cotovelos, alheada do tempo e das horas, num fascínio sem fim pelas cores e pelas formas. Fui parar ao local de ensino certo, grandes espaços com jardins deslumbrantes, rodeados pela frondosa mata de Monsanto e que, acima de tudo, privilegiava as artes. Um paraíso, uma melodia que soava perfeita aos meus ouvidos de criança e que terminou drasticamente quando os meus progenitores descobriram um dia que o seu rebento, em plena segunda classe, não sabia ler nem escrever e muito menos fazer contas! Transferida a meio de uma segunda classe para um colégio de dominicanas de ensino misto até à 4ª classe, foi lá que aprendi a ler e a escrever; teve mesmo que ser. Mas foi também lá que aprendi a evadir-me através dos sonhos. Era

ANA TRISTANY

tão bom sonhar, não havia muros, não havia leis, nem regras e deveres estabelecidos. No recreio, com os meus amigos à volta, a minha fantasia transbordava de catacumbas com esqueletos, de tesouros escondidos, de esconderijos e de um sem fim de mundos e lugares desconhecidos no tempo e no espaço. Foi também por esta altura que em casa da minha avó tive o meu encontro em terceiro grau com os livros. A casa da minha avó era um dos

lugares

infância

onde

mágicos me

da

minha

faziam sentir

especial, única. Havia paz e um silêncio que aprendi a amar. E livros, montes de livros que me abriram portas sem fim para o mundo dos sonhos. Por volta de 1975 fui parar a um colégio de franciscanos. Depois da revolução de Abril, o colégio tinha

Confesiones de una pintora portuguesa

feito duas concessões importantes: passar a aceitar raparigas (tinha uma única colega na turma) e substituir o director que usava judiciosamente o poder das reguadas por outro mais comedido, que foi imediatamente alcunhado de “o Bolacha”. Aqui tenho de agradecer à minha mãe a sua obstinação em não me querer num colégio só de raparigas. Isto, aliado ao facto de ser a única rapariga em casa, deu-me um calo extraordinário em lidar com rapazes. De saias, pois não era bonito uma menina andar de calças, aprendi umas vezes a bem e muitas (mas mais divertidas) a mal, a impor-me. Nesses tempos estava assente que nós tínhamos de aprender, como, quando e onde os professores queriam. Ponto final. Aliás, uma das frases sacramentais da época exemplifica bem esse ponto de vista “Quando o mar bate na rocha quem se lixa é o mexilhão”. Havia mesmo alguns professores que, com receio de que nas nossas mentes jovens pudessem existir dúvidas, chegavam a especificar que nós é que éramos “o mexilhão”. Anos mais tarde quando

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comecei a leccionar, ainda tentei usar essa frase como uma piada mas os


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alunos ficavam a pensar se eu seria uma extraterrestre pelo que tive

Felizmente, as coisas não são sempre como gostaríamos que fossem

de actualizar as minhas piadas.

e foi aqui que descurei momentaneamente um factor crucial para a

Dos seis anos de educação franciscana ficou-me o gosto por tudo o

minha posterior decisão de seguir Belas Artes: a minha teimosia de

que é simples, o fortalecer das minhas incertezas, a minha força de

jerico. Pois se havia algo de certo na minha vida, era o meu sonho

vontade em levar avante causas perdidas, o poder ser enganada por

de poder voltar a brincar com as cores, aquelas minhas velhas

todos sem perceber nada, a minha necessidade de ordem e de ouvir

amigas do Barracão, e dar corpos às fugidias formas que

o silencio.

vislumbrava nos mundos por onde a minha fantasia se passeava.

Os fins-de-semana e férias eram passados numa quinta da família. Nós éramos, segundo os meus pais, uns privilegiados e uns felizardos pois não precisávamos, como os outros meninos que, coitadinhos, não tinham nenhum sítio para onde ir, de brincar na rua, ir ao cinema, andar em clubes ou escuteiros, etc, etc. A esta

Não era com certeza a Matemática que me ia afastar dos meus desígnios! E segui em frente a todo o vapor, sobrevivi e brilhantemente (ironia do destino), às terríveis Matemáticas do Unificado, atingindo o meu objectivo: entrar numa das mais peculiares faculdades deste país, a Escola de Belas Artes.

quinta devo sem dúvida uma grande parte do que sou. A liberdade

Escultura foi uma decisão tardia, feita já a meio do curso. A Pintura

de correr pelos campos, o respeito e admiração que tenho pela

era demasiado complexa nas Belas Artes, os professores de Pintura

natureza, o gosto por tudo o que é antigo, a descoberta dos meus

eram assustadoramente herméticos, o ambiente das salas de Pintura

desportos favoritos (explorar ruínas e subir às árvores para apanhar

era asfixiante feito de salas superlotadas e semi-escuras. A

fruta), a minha paixão pela genealogia, pelo restauro e claro a

Escultura foi uma opção de respeito pela liberdade de criar, salões

minha saga com os musgos do jardim. O jardim era uma maravilha

enormes, solitários e luminosos. Um mundo de tecnologias e

de traça francesa, com cedros que três homens não conseguiam

materiais fascinantes, a clássica pedra, a madeira quente e

abraçar e buxos que eram considerados pelo seu porte como únicos.

perfumada, o brilho e a maleabilidade dos metais, a pureza do

Mas aos caminhos cobertos de musgo ninguém ligava. Assim, por

gesso, as sensações primitivas de moldar o barro e as possibilidades

volta dos treze anos tomei a meu cargo os ditos musgos. Todos os

infinitas dos plásticos. Um mundo irresistivelmente rico em

anos era necessário arrancar uma a uma, as ervas daninhas do

conhecimentos que me fascinou e me deixou recordações

musgo, num trabalho metódico e de enorme paciência. Começava

inesquecíveis inolvidáveis.

sempre pelos caminhos mais escondidos e pouco frequentados pois

Apesar de ter tentado arrastar o mais possível a minha passagem por

tinha a sensação de que se começasse pelos principais nunca teria

esses idílicos lugares (é tão boa a vida de estudante e melhor ainda é

coragem e perseverança para chegar àqueles onde ninguém ia.

a vida de um estudante de arte) acabei mesmo por ter que sair para o

A Quinta foi também para mim uma escola de vida e uma aventura

mundo real.

permanente, um local onde tudo era possível acontecer. Servia, e

Ser professora de artes reúne tudo aquilo que eu sempre esperei

serve ainda, como depósito a cães, coelhos, canários, primos, etc.,

duma profissão: o risco do inesperado, o desafio de novas

cujos donos ou pais vão de férias e não têm onde os deixar. Foi

experiências, o convívio, os espaços amplos e acima de tudo a

refúgio de cães abandonados, alunos mongolóides da minha mãe

liberdade física de não estar fechada num escritório.

que viviam em barracas e não tinham onde passar férias; velhotes

A constituição da família levou-me a dedicar-lhe toda a minha

de quem ninguém queria saber; e incontáveis amigas da minha mãe

criatividade. Depois foi o exílio por terras mais frias (Canadá) e o

cujos

ou

absorver de muitas experiências novas e outras formas de encarar a

definitivamente. Enfim, toda uma fauna que fazia com que eu nunca

vida. Com o regresso a casa e o fim do esforço despendido nas

soubesse onde ia dormir a noite seguinte. De tudo isto ficou-me a

fraldas e papinhas houve finalmente uma aberta para regressar ao

vontade de querer levar para casa tudo e todos os que estivessem

campo artístico. Voltar a pintar foi o meu regresso ao Barracão das

abandonados ou infelizes. Mas também uma má vontade crónica

Pinturas da minha infância, o meu paraíso perdido e reencontrado.

maridos

as

haviam

abandonado

temporária

em ceder a minha cama a outros...

Criar algo de novo, seja uma sobremesa, uma obra de arte ou um

Aos catorze anos decidi que queria ser jornalista para me escapar à

filho é único e irrepetível... e na nossa vida para tudo há um

Matemática e ponto final. Muito embora os esforços conjugados dos

tempo...

meus educadores tivessem dado frutos na área da escrita e da leitura, o mesmo não se podia dizer do campo matemático. Sempre manca e a tropeçar, aquelas abstracções numéricas foram algo que me acompanhou como um pesadelo que parecia não ter fim. Por isso nada mais aliciante do que o jornalismo pensava eu, entre as faíscas dos meus neurónios e vade retro Matemática.


Dentro das diversas categorias passíveis de situar a pintura de Ana Tristany, poderíamos falar de expressionismo abstracto, pintura matérica, gestualismo, action painting ou dripping, entre tantas outras correntes que alcançaram o seu carácter específico quer pelas técnicas quer pelas soluções espaciais que apresentaram dentro do denominador comum que é a Arte Informal. Ao restringir o seu trabalho a uma destas noções corre-se o risco de uma qualificação imprópria, insuficiente ou de mau uso dos conceitos, podendo essa relação entre o conceito e a obra atingir um

EXPOSIÇAO DE PITURA DE

grau elevado de contradições. Não me centro na técnica, centro-me na pintora. Quer se trate de arte

ANA TRISTANY

abstracta ou de arte não figurativa, o trabalho de Ana Tristany está para além do âmbito das discussões em torno da abstração, situandose numa categoria muito mais vasta que é a de “obra aberta”, postulada por Humberto Eco em 1962, altura em que na Europa se assitia à proliferação de objectos de arte cujas formas indeterminadas convidavam o fruidor a participar activamente na sua construção e concretização. Diante do trabalho de Tristany estamos perante um conjunto de pinturas em que as expressões, as manchas ou os signos aos quais a artista não atribuiu intenção, são passíveis de adquirir múltiplas e novas possibilidades de leitura, desafiando o observador a dotá-las de significado, tornando-se este processo numa ferramenta fundamental para a “conclusão” das composições. O seu trabalho torna-se assim, uma forma de investigação que realiza em parceria com quem observa, uma elaboração mental entre produtor e fruidor que não se sabe até onde vai nem de onde parte. à rapidez de execução postulada pelos informalistas como valor primordial, Tristany opõe uma pintura de duração que, ao invés da obsessão subjectivista daqueles, procura uma objectivação do processo – dripping – longe de se entregar meramente à repetição de gestos, rasgos e manchas desconexos, mas antes procurando dotá-los de continuidade orgânica, convertendo aparências informais em formas globais e enriquecidas estruturalmente. O termo dripping, de uma forma geral, reflecte um conjunto de manifestações diversas, muitas vezes anárquicas, caracterizadas tanto pela liberdade na escolha de materias e suportes como pela liberdade na criação de obras sem que nelas intrevenha qualquer organização voluntária, ordem ou esquema pré-estabelecidos, daí resultando um denso emaranhado linear e pontilhista, por vezes caótico, prevalecendo a matéria disposta mais ou menos ao acaso. No entanto, em contacto com a obra de Ana Tristany percebemos desde o início que trabalha em plena posse dos recursos técnicos e plásticos e, sobretudo, que os une à sua enorme intensidade intimista e tremendamente poética. Mais do que um conjunto de relações entre diferentes cores, a sua pintura é um veículo para expressar emoções, uma mescla entre cor e matéria onde podemos sentir o movimento do braço e do pulso, numa

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energia gestual espontânea onde a tinta é jogada, espirrando, gotejando e manchando as superfícies, habitando-as de efeitos visuais potenciadores de significados. Distanciando-se do gestualismo de carácter visceral, destaca a “abolição” da forma bidimensional na composição, substituindo-a por zonas de matéria pictórica muito elaboradas que chegam a criar verdadeiros relevos, numa busca incessante pela matéria que, no fundo, está na base da sua formação enquanto escultora. Transversal ao seu percurso, a ideia de que o ensino artístico perturba a carreira de um artista plástico não cabe na definição do trabalho que Ana Tristany tem desenvolvido ao longo dos anos com

os

seus

alunos,

nomeadamente no Colégio Militar. Dinamizadora

de

inúmeros

projectos pedagógicos de vertente artística, o desenvolvimento do trabalho

plástico

directo

com

privilegiando

em

contacto

os

seus

alunos,

a

pintura

e

a

escultura enquanto caminhos para a indagação e experimentação, tem -lhe possibilitado abrir caminhos de

inovação

pedagógica

promissores. A

sua

curiosidade

e

intelectual, bem como a preocupação em fundamentar a

rigor acção

pedagógica devidamente articulada com as estruturas directivas do Colégio Militar, têm sido os estímulos que a levam a percorrer estes territórios de pesquisa e reflexão plástica enquanto complemento das capacidades

intelectuais

e

físicas

dos

alunos,

contribuindo

decisivamente para o despertar de sentidos que, por vezes, são alheios aos educadores. O trabalho desenvolvido por Tristany é um trabalho de acção, quer na vertente artística quer na vertente pedagógica, que se traduz não num simples jogo de extravagância formal e cromática, mas enquanto ferramenta de ensino que sistematicamente utiliza de forma planeada e ampla, numa espontaneidade que busca a expressão directa da imaginação.

ÁLVARO LOBATO DE FARIA Director Coordenador do MAC

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ELSA RODRIGUES DOS SATOS

A PINTURA E A ESCRITA «A pintura e a escrita» é o título escolhido para esta exposição de pintura de Figueiredo Sobral, no MAC - Movimento Arte Contemporânea, cumprindo um seu velho sonho de aliar a poesia e os seus escritores de cabeceira à sua arte pictórica e escultórica. Deste modo, nestes 37 quadros povoam ecos de Eça de Queirós , em figuras representativas de uma sociedade de final do século XIX, onde a paixão, o vício e a ociosidade se entrelaçam em obras como A Relíquia, O Crime do Padre Amaro e Os Maias , cujo peso é bem sentido por aqueles que se intitularam a si próprios «Os Vencidos da Vida». Mas ainda dessa época , o pintor é fascinado por Camilo , na ironia da Queda dum Anjo e, por essa personagem de Calisto Elói, o político provinciano, que vai deixando cair as suas asas brancas à medida da sua ascensão, tal como

MESTRE FIGUEIREDO SOBRAL

diria Almeida Garrett no belo poema , com o mesmo nome, que é aqui pintado a espátula e a escárneo. É igualmente tocado pelo lado romântico de Camilo, em Amor de Perdição,

Na verdade, Mestre Figueiredo Sobral é um buscador incessan-

nesse trio trágico-amoroso de Simão-Teresa-Mariana ou pela poesia de Flores

te de materiais e de formas a fim de dar sentido ao seu universo

sem Fruto de Garrett ou dos Sonetos de Bocage.

estético como suporte do discurso moderno.

Mas é Antero de Quental , o seu companheiro das noites insones, atormentado

Quer utilizando a sua técnica dos relevos, cultivada desde os

entre a fé e a descrença num Deus que sonhou e que é corporizado em quadros como «Ignoto Deo», «(a Mão de Deus», «O Crucificado» e «Mater Dolorosa» ou nesse poema contundente e desesperado de Alberto Lacerda, «Deus é uma blasfémia», que o pintor intitula «Carregando a terrível pedra de Sísifo

anos 60, em massa esculpidas num compromisso entre a pintura e a escultura de inspiração surrealizante ou de um realismo fantástico, ou quer expressando-se nas linhas simples de cores

….Ehh, humanidade!!».

suaves das suas oníricas aguarelas ou materializando o pastel

(o sentido crítico, mesmo no âmbito do sagrado, estão as suas preocupações

na criação esfíngica da boneca, no seu eterno feminino, ou nas

sociais que são desmitificadas através da ironia, plasmada em tinta e pincel e

visões cósmicas, Mestre Figueiredo Sobral configura a sua

ilustrada com poemas de Alexandre O’(eill ou de Manuel Bandeira. (um

obra de grande qualidade no rigor e procura do surpreendente e

libelo contra a guerra erguem-se as vozes do poeta medieval João Zorro, ou

do imprevisível.

de Fiama Hasse Pais Brandão. O seu próprio lirismo de pintor-poeta é assumido em poemas como «A morte de Manolete» e «Histórias com gritos de sevilhanas», encarnando a História Ibérica e ecos de Guernica. Portugal e os seus mitos, D.Sebastião e Marquês

O mesmo labor e criatividade se projectam na escultura que merece um lugar à parte na sua obra e na história da escultura portuguesa.

de Pombal, ressurgem nas suas telas e na voz de Camões ou na sageza históri-

Com larga actividade em Portugal e no Brasil e noutros trabal-

ca de Latino Coelho. ´

hos monumentais, em lugares públicos espalhados pelo mundo,

A dimensão filosófica de Umberto Eco ou de João Rui de Sousa é captada na

aplaudido pela melhor crítica, é tempo que Mestre Figueiredo

subtileza do relevo e da subversão da forma e da cor.

Sobral ganhe o lugar universal que lhe compete.

Erguem-se, num cântico de amor, D. Quixote e Dulcineia, celebrando o sonho e a aventura dos eternos amantes. A beleza da mulher e a sua nudez visualizam -se na beleza cristalina da poesia de Camilo Pessanha ou de Adalberto Alves. (atália Correia e Florbela Espanca sugerem o mistério do amor, corporizado pelo pintor na sua forma surrealizante e barroca de se exprimir.

O Movimento Arte Contemporânea (MAC) é o espaço cultural que neste momento, muito se orgulha em o ter presente, com a sua excelente exposição individual "A Pintura e a Escrita”.

E, finalmente, numa homenagem à mulher palestina e ao seu povo, Figueiredo Sobral dá vida ao poema de Mahmoud Darwish, (poeta palestino): «Juro!/ Que hei-de fazer um lenço de pestanas/ onde gravarei poemas aos teus olhos»

É esta a mostra que o Mestre nos tem para oferecer, numa fase difícil da sua

ÁLVARO LOBATO DE FARIA

vida, em que cada vez mais interioriza a sua visão do mundo, isolando-se para

Director coordenador do MAC

se encontrar a sós com a sua arte, num diálogo que só ele entende, como dádiva miraculosa e perene que os deuses lhe ofertaram.

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Ao longo de 45 anos de carreira, Albino Moura tem vindo a ser um constante pesquisador das suas verdades, mantendo-se, no essencial, fiel a si mesmo, na sua poética lúdica referenciavel nos trajectos da infância pela representação da imagem da ternura e da inocência, em que a representação formal ilude o real, transportando-nos numa viagem lírica através do sonho, no amor simples das coisas e do mundo. Espectáculo de infâncias revisitadas, simulando vivências em que a metafórica e opulenta “boneca” assume alegoricamente o papel de individuo, como se o mundo das pessoas e das coisas permanecesse imutável e alheio a todos os conflitos…

Nas palavras do artista percorremos o seu mundo: -”Nasci num meio muito pobre e de família humilde. No ambiente em que cresci, não havia nada de Arte, mas, como todas sãs crianças, aprendi a fazer bonecos, nem melhores, nem piores que os dos outros miúdos. Não sei o que me atraiu para a Pintura, só sei que cresci com o sonho de ser pintor, e que ainda hoje continuo a sonhar”. É este o mundo do “querer”, de imagens e memórias que Albino Moura transfigura e nos transmite na sua obra e nesta sua exposição, onde como sempre acontece, há um envolvimento simultaneamente terno e doce nas pinturas que figuram a condição do ser, remetendo-nos contudo para influencias anteriores em que podemos fazer notar uma referencia à obra lírico poética

ALBINO MOURA

de um Cipriano Dourado que se torna uma evidencia conferindo à obra de Albino Moura uma subtil e lúdica sensualidade e beleza à trivialidade constante e constrangedora de um mundo que nos é dado viver.

Surpreendentes são os seus trabalhos, todos criados em gestos de quem procura regenerar as formas da vida, acrescentando-lhes outros valores estéticos e afectivos, sendo a sua obra um pacto de vida onde o encantamento e o amor coexistem. As suas telas ecoam no olhar e na memória, dum inconsciente esquecido, mas latente em todos nós, como todos os simulacros com que nos confrontamos na infância através de jogos e simulações por onde perpassa um ante projecto de vidas e anseios, retidos porém no inconsciente individual e/ou colectivo dos “habitats”vários… Na nudez simples da sua poética plástica Albino Moura revela-nos o encanto de um homem simples que se denota numa harmonia total do sentido, dos sentidos assim realizados, como se o ser e o sonho se sobrepusessem num trajecto único do saber estar num mundo conturbado, mantendo-se vertical dentro das utopias possíveis pelas quais temos que lutar, sob pena de a nossa condição de ser pensante se deixar submergir por um “inferno” de realidades de um planeta que se autodestrói por outros imperativos que não dominamos. Na força de ser ele mesmo e não outro, Albino Moura impõe-se pela autenticidade da sua arte sem fronteiras e sem tempo numa reconstrução constante de realidades e afectos ultra humanos que mantêm aberta uma janela sobre um mundo passível de ser por todos nós desejado.

ÁLVARO LOBATO DE FARIA Director coordenador do MAC

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LITERATURA ROMENA EM PORTUGAL

Foi lançado em Portugal o libro do escritor romeno Stefan Mitroi, na Editora Cyberlex. A tradução foi feita pelo escritor e traductor Dan Caragea e a capa pertenece ao pintor Romeo iram.

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ARTISTS OF THE NEW MILLENNIUM : ONIK SAHAKIAN AND ROMEO NIRAM

EVA DEFESES

In the article “Brancusi E=mc2” – Painting Exhibition at Mac, Lisbon, published in the previous issue of Niram Art Magazine, I underlined Romeo Niram’s attempt to bring together two different visions, one in the scientific field, of Albert Einstein and the other in the artistic one, of Constantin Brancusi: “This exhibition is dedicated to the encounter that has never taken place in the real world between the physicist Albert Einstein and the sculptor Constantin Brancusi, an encounter that may have taken place in the world of the creative ideas. Romeo (iram tries to find common points, to establish relations between science and art, showing how the human mind can reach, by way of unknown and unexplainable mechanisms, scientifically or artistically, the same genial intuition that can determine the progress of Humanity. Brancusi’s sculpture, Einstein’s physics, art and science are brought together on (iram’s canvas, raising even more questions. (…)”. The words “the human mind can reach, by way of unknown and unexplainable mechanisms, scientifically or artistically, the same intuition (…)” came directly to mind when I saw the year mentioned underneath a photo of the painting “The Vision of Albert Einstein” by Onik Sahakian – the year 2007. It is not surprising that two painters coincided on their mutual fascination about the figure of the great physicist and they both portrayed them in their work, but it is at least intriguing that they were both captured by the same inspiration in the same year. In 2007, while Sahakian was painting his “Vision of Albert Einstein”, Romeo Niram created the series of paintings “Brancusi E=mc2”, in which the portrait of Albert Einstein appears several times. It should be mentioned that the two painters weren’t acquaintances at that time, having thus no idea that, at exactly the same time, the other one was painting exactly the same thing – Einstein’s portrait. Attracted by this coincidence, I began to study the work of Onik Sahakian and realized that they did not coincide only on one painting. At a closer view, there are several important elements in their art that periodically reappear: stairs, clocks, flowers, floors, walls, chessboards, etc. I tried to venture within their art, disregarding the most important element that binds them together and I failed. Between their two art forms, I had to recognize the overwhelming shadow of Salvador Dali.

Salvador Dalí and Onik Sahakian In the case of Onik Sahakian, the presence of Salvador Dali is more than obvious, even at a personal level. He met Dali in 1950 and they were united in a friendship that lasted for 20 years and culminated in Sahakian’s return to painting, at Dali’s advice. We can see throughout his work a constant reference to Dali although from a different point of view, as Sahakian himself states that his works are more “lyrical and mystical”. The early works of Romeo Niram also present many surrealist elements, as well as sketches after Dali`s paintings. Niram later learned to disguise his surrealistic appetite, without ever renouncing at it. Stubbornly believing Salvador Dali to be the greatest painter of our recent times, Romeo Niram has always been fascinated with the art and life of the Spanish painter, describing,

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for instance, his own passage through the Academy of Fine Arts of Bucharest with the Dalinian words: “I was the best in the art school. But not because I was very good, but because everybody else was very bad.” It is not surprising then, that we can find many similarities with Dali’s art in his paintings, like his dedication to technical virtuosity and the taste for creating complex, detailed, thoroughly studied even at the smallest level, artworks. Of course this statement is puzzling. Wasn´t Surrealism the artistic movement that was trying to free art from the control of reason and that underlined the importance of what they called “automatism” – writing and drawing without any conscious control? Attempting to answer this dilemma, the art critic Christopher Masters in the book “Dali” states that “Dali himself had little sympathy with automatism and always composed his paintings with great deliberation. Nonetheless, the imaginative power of his imagery was so great that by 1929, the Surrealist leader Andre Breton admitted: “It is perhaps with Dali that for the first time the windows of the mind are opened fully wide”.

Romeo (iram, Detail from Symbiosis III, Oil on canvas, 2005

Onik Sahakian: “Vision of India”, Mixed Medium, 1998

An important element in both Niram and Sahakian’s art is their interest in science, particularly physics, as demonstrated by the works mentioned above, the portraits of Albert Einstein. Once more, the figure of Dali rises between their paintings, having been a pioneer in uniting art and physics, according to the scientific discoveries of his time. “For Dali, the development of nuclear physics exerted a profound metaphysical importance (…). In “The First Sudy for the Madonna of Port Lligat”, the image of the Virgin and Child is split into several sections in order to create a rather superficial metaphor for the divisibility of matter. (…) In “Exploding Raphaelesque Head”, the image is constructed out of smaller forms as metaphor for the structure of matter and antimatter.” (Christopher Masters). Dali`s obsession with time, or the dissolution of time as seen from his dissolving clocks, is also deeply rooted in the revolution that Albert Einstein started and that made mankind’s perception of time explode. Einstein`s relativity of time and Dali`s dissolving clocks annunciate the creation of a new love affair, between sciRomeo (iram, Untitled, Charcoal on paper, 2002 ence and art, continued nowadays on the canvas of Romeo Niram and Onik Sahakian.

This short introduction into several directions of Dali’s work is meant to create the mirror in which the works of both Niram and Sahakian reflect themselves, a mirror that captures the images and transforms them, to later render them back to our eyes, in a more comprehensible way. We begin our journey into the art of Onik Sahakian and Romeo Niram not on a chronological level, but on an artistic one, trying to identify potential common elements and sources of inspiration. We don´t have to travel very far away, Sahakian’s “Vision of India”, apart from its very Dalinian influence presents a feminine nude in a reclined position (similar with Gala´s nude in “Slave Market with the Disappearing Bust of Voltaire” – 1940) on a floor resembling a chessboard. The chess pattern can be compared to the one appearing in Niram’s “Symbiosis III”, while he also chooses the same Dalinian painting for his untitled sketch of 2002”. Niram’s “Symbiosis” and Sahakian’s “Metamorphosis” and “Birth of Aphrodite” combine the same elements in a different artistic vision: plants and flowers embracing feminine nudes, mural background, the combination of

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Onik Sahakian: “The Birth of Aphrodite”

Romeo (iram, Symbiosis I, Oil on canvas, 2005 (Unfinished)

Onik Sahakian, Enigma, Mixed Medium, 2001

Romeo (iram, Detail from “Apocalypse”, Charcoal on Cardboard

vegetal and human elements, more obvious at Sahakian, allusive at Niram. In “Symbiosis I”, the roses duo in the left part of the paintings fluctuate their vegetal bodies in the exact same way of the feminine figures at the right - just as Sahakian´s Aphrodite`s is covered on the left side of her body with floral branches. The blue element is also present although in an upside down manner, sky at Onik, water at Niram. At Onik, most of his paintings contain a lineal element, parts of a simplified wooden floor or parts of a wall. At Niram, this background or support element is also present, but it is disposed on the vertical, in the shape of gigantic walls of labyrinth-shaped constructions that aim for the sky. The same verticality is experienced at the upper level of Sahakian’s paintings, as seen from his ascending Madonnas or the great amount of space dedicated to the sky. Sahakian´s works appear to have clear separations between the vertical and the horizontal which render them serenity and peacefulness, whereas Niram proposes a more entangled atmosphere, where the limits are not defined, horizontal elements rise up, while the sky is turned into water, labyrinthical and monolithic buildings dominate the space in a continuous inversion of what we may expect; all these elements generate tension and transmit nervousness. The lyrical flow of Sahakian’s paintings is not present at Niram, who creates convulsive atmospheres and even when he tries to paint more peaceful scenes, the turbulent element is always present - a fact which is at least intriguing about a work of such incredible technical detail that gives testimony of long and patient hours of labour. A definite surrealistic touch of Niram’s “Symbiosis” series is the painter’s own confession that he painted these images based on a dream that he recurrently had at nighttime. The same verticality and ascending motion is better seen in Sahakian’s works “Adoration of the Holy Spirit” and “Enigma” and in Niram`s drawing “Apocalypse”. The religious motif, the ascending images and the staircase that loses its way in the distance are strong elements that demonstrate this intriguing similitude that lies beneath the external, different aspect of their art. The Portuguese heritage is another element that the two of them share, both on a personal and on a creative level, Niram lived in Portugal for a brief period and Sahakian still lives there nowadays. Niram’s series of paintings “Essay of Lucidity” is centered on culture figures of the Portuguese environment while Sahakian chooses a more geographical approach in his vision of the caravels in the works “Christopher Columbus” from 1997, which renders

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tribute, although depicting Columbus, to the Portuguese Discoveries and in “Vision of India”, the Portuguese being the first Europeans landing there.

Onik Sahakian: The Birth of Adam and Eve, 1996

In 1996, Sahakian chooses a curious background for the “Birth of Adam and Eve” – an ovoid shape. Thus, the beginning of mankind according to Sahakian started with a primordial egg inside which Adam and Eve are portrayed embracing one another, their bodies still united into one physical being. In 2007, Niram painted a “Beginning of the World” as well, the centre of his painting being also an ovoid – Brancusi`s sculpture that also bears the same name. On the left and right of the ovoid – the portraits of Einstein and Brancusi. Niram proposes a new interpretation of Brancusi´s sculpture by means of the science, or of the physics by means of the art. “The Beginning of the World”, the famous egg-shaped sculpture of Brancusi had been created before the scientific community decided the shape of the Universe to be quasi-spherical and Einstein’s formula E=mc2 proved to be, after his death, the Formula of the Creation of the Universe. Sahakian’s “Birth” of mankind (Adam and Eve) and Brancusi’s “Beginning and the World” are unified and explained by this painting of Romeo Niram, in which Einstein’s portrait is linked to Brancusi’s ovoid, clearly offering a scientific explanation of the obsession of many artists with the ovoid shape – the shape of the universe. Sahakian’s work “Pictures in an Exhibition”, from 2004, explore deeper this connection between art and physics, not only by the dominating presence of the clock – the time counter, but by illustrating the physics’ principle of the light. At first glance, we tend to think that the silhouette of the man who is coming towards us reading an exhibition flyer is doubled in the mirror by the silhouette of the same man seen from the back, fading out in the distance. If it weren’t for the trace that recreates the first man`s journey and makes a turn towards the disappearing man, we wouldn’t have thought of a more scientific explanation. But the lingering trace tells a more complex story and Sahakian’s interest in physics offers the clarification: if one man travels on a road holding a lantern in his hand, parallel to the ground, and illuminating his way, the beam of light from the lantern in front of him always travels on a circular trajectory and returns to him in the back, having described a full circle around the Earth.

Onik Sahakian: “Pictures in an Exhibition” , Mixed Media, 2004

Three years later, Sahakian returned to his scientific preoccupation in his work “Vision of Albert Einstein”, carefully commented upon by Mario Barangea in the article “Reasons of the End of the World”. Although I also embrace the line that he follows when explaining the similarities between Niram and Sahakian´s visions of Einstein, I have to disagree with several of his views. The lined floor that stretches to the horizon in Sahakian’s painting cannot be interpreted as a “a symbol of intimacy of a parental home”. It is a very important element that appears in most of Sahakian’s works and I believe it means more than the comfort of a familiar wooden floor (it is also present in Niram’s “Essay on Dostoievsky”). The wooden structure similar to that of a floor is indeed a “real”, cozy element of our environment, of all our houses, but its sublimation to mere lines that reach the horizon speak of a larger view. The painter loses all specific elements that hold him or his art captive within a definite space and reaches forward, stretches his vision unto the whole world, and beyond; the Earth with its imaginary geometrical longitudinal and latitudinal lines is the perfect pedestal Sahakian´s figures. Furthermore, the art critic sees in the white flags that surround and divide Einstein’s face “the desire for peace and for reconciliation of the artist with

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Romeo (iram: “The Beginning of the World”, Oil on canvas, 2007

the visible world”. Indeed, Sahakian’s paintings offer a feeling of serenity and peace, but although Einstein himself was a well-known peace advocate, the scientific revolution that he started is hardly peaceful - he turned into ashes all our previous perceptions of time & space. My own interpretation of the flags is a bit less angelical, they remind me of the flags implanted in the heart of a conquered citadel after a fierce battle or on a newly discovered land, after a strenuous geographical expedition – they are the victorious flags that Albert Einstein vigorously implanted on the soil of a newly conquered territory of science. By comparing Einstein to an apostle of “new skies and territory” Barangea gets closer to my own interpretation and also magnificently shifts towards Niram`s vision of Einstein as the new Moses of mankind, depicted with the Tablets of the New Torah in his hands – the Formula of the Creation of the Universe, E=mc2 in several paintings (“Cosmos”, “Die Gottesformel”). I would like to linger a bit more on this vision of Albert Einstein as an apostle, or better said, a Messiah of the Contemporary world that both Sahakian and Niram share. One of the attributes of such a clairvoyant and futurist leader is his capacity for breaking down an old order and revolutionary creating a new one, governed by new laws that are rejected at first, and later embraced by all his followers. Moses revolutionized the Hebrew society by freeing them from slavery and offering the Moral Code of the Torah – which means “law” in Hebrew – creating a totally new world for them and for all mankind. Later on, Jesus turned upside down all our inherited notions of Good and Evil and offered humanity a new vision of morality governed by the Law of Absolute Love. Until Einstein, humanity had strong beliefs on time and space, unwavering concepts that were the foundation of our world. Albert Einstein, the third Jewish visionary in our exemplification, turns upside down all our previous perceptions and theories of time and space, offering the bewildered mankind the absurd, revolutionary idea of the relativity of space and time – his Theory of Relativity. United by the same artistic and philosophical quests, Romeo Niram and Onik Sahakian are artists of the new millennium, not the chronological one, but the visionary new era, who have understood that not only Science can determine the Progress of Humanity. Art, by virtue of the powerful and visionary forces of insight of its creators, can also become a tool of investigation. Separated by time and space but united by their epiphanies, like particles of the same beam of light that, although on separate trajectories, mysteriously undergo the same physical changes, Brancusi, Dali, Sahakian and Niram are only a few of the artists whose Art is an exploration of the Universe both on an artistic and on a scientific level.

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Onik Sahakian and Romeo Niram


The world's most famous surrealist once called IranianArmenian artist Onik Sahakian the Daliest man I know. (…) Sahakian has had 52 solo exhibitions, in such places as the Museum of World Culture at Gotheborg, the Grand Palais in Paris, the Museum of Contemporary Art in Moscow, and the Contemporary Art Museum in Tehran, his home. `I have a strange feeling. I have always identified myself as an American, and only here, in Armenia, I understood I belong to this land, as if I have lived especially here in my past life,' Sahakian told ArmeniaNow. His has been a life immersed in art, starting from age seven, when he became acquainted with Indian dance, and began staging his own performances. He later studied at the Yelena Avetisian School of Choreography, while also studying painting (Persian miniatures) at the Tehran Institute of Fine Arts.

MYSTICAL AND LYRICAL:

ARMENIAN ARTIST ONIK SAHAKIAN

GAYAE ABRAHAMYA Excerpt from the article published in “Armenia (ow” that covered Sahakian’s exhibition in his motherland, at the at the Gevorgyan Gallery, Yerevan

In 1956, and by then a skilled ballet dancer, Sahakian moved to the United States, where he appeared in more than 100 dance performances over 10 years. In 1958, he met Dali. Sahakian's nephew was a hairdresser to Iranian Queen Farah, and to another famous client . . . The nephew introduced Sahakian to a certain client who fancied having enormous rollers in his hair, Salvador Dali. That day was the beginning of a unique friendship that was to last 20 years. `The Spaniard cast a spell upon me so that I began painting again,' Sahakian says. `A moment came when painting became my way of self-expression. A dancer's life is as short as that of a butterfly. Art is a means of self- expression to me. After dance, painting became the world where I become candid and express myself.' Over the years Sahakian assisted Dali with his collages, paintings and sculptures. He also designed exquisite jewelry for Dali and his wife. Then he moved to New York City, where he set up a consulting agency for art and jewelry design, known as `Onik Design Ltd'. (He now lives in New York and Lisbon.) Dali also once told Sahakian: `You are crazy; but a good kind of crazy'. The super surrealist's `crazy' friend says his life has been one of a constant search for meaning. His search through art took him from miniatures to Dutch classics into impressionism. Of course he could not escape the influence of the powerful surrealist, but Sahakian soon found his own style and means of expression. `My works are mystical and lyrical, Dali's are aggressive and shocking, if critics compare us, they must have never known him,' says Sahakian. `I do not aim at shocking people with my art. Life is cruel by itself; on the contrary art should embrace people's hearts with quietness and harmony.' In his book `Prodigy' Explanation' , art critic Ghoncheh Tazmini writes that Sahakian `infuses in the disjuncture of the surrealist imagination elements of hope, faith and comfort. Onik's talent lies in his ability to reconcile two disparate orientations bringing to his audience a sense of harmony and equilibrium.' The painter's series of faceless Madonnas puts the revered figure in gorgeous garments with an empty oval instead of the face that allows people, the artist says, to feel the spiritual essence, to ascend from the material and the body and see not beautiful eyes, nose or mouth, but an unearthly spirit. `And who knows how Madonna's or Christ's faces looked? For every man the face of the Lord is inside himself, within the limits of his conscience,' says the artist. Stairs are also a frequently repeating theme in Sahakian's paintings - Place of Silence, Enigma. Stairs going up to the endless sky symbolize each step of the man, every single kind thing done that step by step lead to cosmic eternity and quietness. `In arts, and especially in painting, the most important thing is the positive energy the art should express,' Sahakian says. `I get hundreds of letters from different people mostly saying their souls calm down in front of my paintings. I think this is a big achievement.”

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For Hevel, a printed reminder of his oath

For Anna, 1943 I tried to find you in my dreams

Being only an adventurer at the beginning of my journey into this world of mysteries that is the Hebrew Language, I will not try to give any explicit information Onik Sahakian, “Song of Songs”, Mixed medium, 2004

on its history, development and grammatical singularities. All this is available in professional terms in many books and freely on the Internet and I would only copy the words of the specialists.

I will neither speak about the hidden “information” – numerology and the Kabalah. The Bible’s code – in Hebrew, of course - is another example of the obsession that the study of this language may generate. For this, you can also use Google or the Discovery extensive documentaries on it. I have never been attracted by numbers, only by words and sounds.

We all speak of ART, Literature being one of the known forms of art (I say “Known” because the future may reserve us many discoveries in the artistic

THE INFINITE SADNESS OF

field, too), Music another one. Between the Word and the Sound, there stands the Image – the “fine arts” of painting, sculpture, photography and so on. Man

THE HEBREW LANGUAGE EVA DEFESES

has always tried to put his thoughts and feelings in images and sounds since the early days of the cave drawings and rudimentary musical instruments.

But we often forget the primordial form of art, sadly seen today only as a speech mechanism, a tool of communication, something less artistic because of its utility. Isn’t language a form of Art? Today, there are thousands of languages in the world, ancient or more recent, each and one of them beautiful and exciting.

Let’s take Romanian, for instance, the proud descendent of Latin. Let’s not pay any attention to its complex grammar neither to its never-ending synonymic rows. Just listen to the flow of the language, at night, in a recited poem perhaps. The melody, the arid impact and trepid stop of the words speak of its Mother Latin. Phonetically, when listened carefully, Romanian loses its Slavic sweetness or its Italian-style operatic melody and drapes itself in the austere cloak of the grave, imposing Latin. When combined with the vivid idiomatic expressions that give Romanian that sarcastic, humoristic personality or the tragic tone of the Romanian mourning chants, the result is Music and Literature combined, the folkloric poems of “Mioritza” and “Master Manole”, with their heart-aching rhythm and dramatic plot being the perfect example of the splendor and power that this language is able to convey.

Each language has gathered throughout the centuries its own artistic treasure, musically and poetically, that now reflects itself on the personality of the people who speak it and on their artistic creation. There is an interesting connection

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Romeo (iram : “Sadness” - Charcoal on paper, 2004

between language - personality - art. We, men, have created the

Orthodox Dogma.

language. But can language influence our own creations and personality?

English is one of my favourite languages because it has the unique ability of condensing the essence of a whole phrase into a couple of

Greek is another language that attracts our imagination, mostly

words and of expressing a meaning in one word better than many

because of its ancient philosophy and literature. But the Greek lan-

other languages in ten. English – from England – still walks in the

guage is, even in the contemporary form, pure Art. The music of

Romantic beauty of Byron’s poems of “cloudless skies” without

the Greek language is one of Humanity’s greatest achievements.

losing the intelligent, clear-cut irony of Oscar Wilde.

Listen to the Orthodox Resurrection Chants in Greek and any other language, for example. Or compare “Hristos anesti –Eleithos anesti”

So many languages, so many ways of making music, so many

with “Christ has risen. He has truly risen”. After peeling off the

“living”, every-day poetry…Uncovering the secrets of a language is

first, more “visible” and beautiful aspect of the language – its pho-

a voyage deep into the ancestral soul of its people and learning

netics or “its music”, we venture deep inside it: the Greek language

about the history and personality of its speakers right from its pul-

is a land of metaphors and innuendoes, the word formation mecha-

sating heart. But there are languages that even today remain an un-

nism is often based upon an idea, a piece of philosophy, a poetic

breakable puzzle, like Euskera, the language of the Basques from

feeling. By studying Greek, one learns Philosophy without further

Euskadi, whose ancient origin loses itself in the past, a unique lan-

need for references. It is an intricate language that still holds within

guage that bears resembles to no other on the whole Earth and can-

it the perceptive way of thinking of its genial ancient speakers, a

not be categorized by the specialists.

language that holds the code for a new “Dialogue” within its Morphology and Syntax. But Greek has other unknown qualities, like its

Amidst all the languages of Mankind, there is one that stands alone.

tendency for reverie and romanticism for instance, which is impos-

Shy, like a veiled virgin of fairytales, the Hebrew language does not

sible to suspect at first glance about the language of the rigorous

like to show off. Although, “she” has written the most important

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Sara - The Guardian of Memories Drawing & Photography by E.G. 2004 Photo edited by Lora Haranaciu, 2008

Book of all times and although many of us, Christians and Jews

teries, where nothing is certain, everything changes by virtue of

alike believe it to be the language chosen by God to speak to us

occult forces. It is a language which refuses to be learned, a moving

mortals, or that it is the language of the Son of God Himself, the

territory of semantic sands where Fata Morgana reigns. She gives

Hebrew language has remained a hidden treasure, the locked garden

you the illusion that you have learned a word, that its meaning is

of Shir HaShirim, the beautiful bride whose beauty must remain

certain and there can be no confusions. The victory is short-lived,

under closed doors. It is the never-ending love story between God

the meaning changes, fluctuates, refuses to be embraced by your

and Man, the primordial Kiddushin…

eager memory. The grammar rules are created only to be broken, to confuse you. There are more exceptions than words that obey the

Hebrew is a language of infinite sadness; its music is a desperate

rules. Nothing is what it seems to be. It is not a game, there is noth-

prayer, an incessant Psalm. It is the remembrance of the tragic cry

ing playful about this language, Hebrew does not play hide-and-

of Adam when he lost his Paradise. The mourning for Eden is

seek with you. “She” simply refuses you. “She” escapes, with all

touchable in each Hebrew word. Like a painting of a sad Angel, his

her mysteries, leaving you with the sad, bitter taste of a love that

wings broken down, Hebrew is faithful only to its prophets who

could not be, of a beautiful woman that could not be kissed, the

cried to the Lord in the desert.

enchanting trace of her perfume still lingering behind her. Enraged, you extend your arms, trying to capture her, she runs away, sending

Maybe it is the only language “infinite” in interpretations and mean-

you only a tragic glance with her dark, beautiful eyes. You are left

ings. Trying to learn Hebrew is losing oneself in an ocean of mys-

alone, her scent all around you, the sound of her silver bracelets still

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tinkling far-away…a glimpse of what could have been and was not,

broken glass that we shall be once more recreated. The lamentation

like the final “h” in many Hebrew words, silent but present, impos-

of the Hebrew language that struggles for the immortality of man-

sible to pronounce but hauntingly beautiful, the sad whisper that

kind stubbornly and dramatically, trapped alone within its beloved

lingers on, after one has pronounced a word. A native Hebrew

labyrinth of memories, will someday be our salvation.

speaker, trying to explain the mystery of this sound, told me once that it is like a “delicate sigh that loses its echo in the distance”.

A definite argument in favour of the mysterious abilities of the Hebrew language is the Spanish novel “Don Quixote” by Cervantes.

Sadness is perhaps the most difficult feeling to understand. You can

The pearl of the Spanish language and literature holds within it

conquer rage, fury, you can play with indisposition and with bitter-

many treasures for the Hebrew-speaking people.

ness until they turn sweet but you can never conquer sorrow. And perhaps nothing touches us, humans, more than sadness. A sad film,

An erudite Jewish father with a taste for stories and a romantic char-

a sad painting, a sad photography can bring tears into our eyes in a

acter used to reward his children with chocolates for each chapter of

second. Every act of creation is an act of sadness. Art is not a vi-

“Don Quixote” that the little ones read. The intention deserves

brant triumph, it is a constant reminder of our miserable mortality,

praise, the result however was not the expected one: the elder son

of the death of so many great people, great creators. Nothing has

found the box of chocolates in his parents’ room, where he was not

remained after them, apart from a piece of a symphony, a scratched

allowed and Don Quixote was given a break.

painting or a ragged book - their art, just to be appreciated for a split second by other people who will also perish.

However, this short and true story demonstrates the affinity of the Jewish soul to Don Quixote’s personality. Almost all names of per-

Art gives us the illusion of immortality. It is the agonizing effort of

sons and places in the book are alterations of Hebrew words, the

the man who refuses to die. Hebrew has not forgotten this, it gathers

author hiding in this way his Jewish origin, in the dark ages of the

within it all the laments of its dead-ones, and it refuses to let them

Spanish Anti-Semitic oppression, but leaving behind him constant

go. The constant remembrance of all its beloved who passed away

hints of his origin. In the light of the Hebrew language, Don Qui-

and the eternal struggle against mortality that Hebrew puts up give

xote suddenly shines differently and his tragic and obstinate refusal

this language that distinctive dramatic tone. It is the sadness of a

to give up his dream seems more comprehensible, being far most

language that is conscious of all those who spoke it, who loved one

adequate to the unyielding Jewish soul than to the vibrant and

another whispering it, who prayed using its words and are not here

“caliente” spirit of the Hispanics more given to quick-ending pas-

anymore.

sions. The Hebrew messages encrypted within Don Quixote not only certify the author’s origin but may also be the key to the cor-

A continuous Kaddish, Hebrew fights for us all – so that we should

rect understanding of the character. Just like the Hebrew language,

not be forgotten. When we are long gone and buried, we will all be

Don Quixote wouldn’t give up his dreams, his stubborn fight

remembered in the aching consonants of its melody. Like a mother,

against all the Evil in the world being only a continuation of the

“she” will pray for us all, asking God to release us from our mortal

essence of the mother-tongue of the author. And what has happened

destiny. If one day Man reaches immortality, it will be thanks to the

to the disobedient elder son in the story? Just as his father had pre-

constant, desolated prayer of the Hebrew language, the only one

dicted, he eventually fell in love with Don Quixote, of course.

that dares harass God, “demanding” our freedom as persistently as Abraham once did for Sodom and Gomorrah.

True only to itself, Hebrew remains an enigma. It is the only language that refuses to name its God. Hiding behind its many faces

Proud daughter of Israel, “she” doesn´t lose herself to the passing

and meanings, Hebrew knows how to remain silent and let only the

moment of contemporary intercourse, like American English for

soul speak. The invisible forces that attract and disperse its mascu-

instance. It is a language of love and intimacy between a Man and

line, persistent consonants and its feminine, floating vocals have

his God, between a husband and his wife, the never-ending mystery

constructed a language governed almost by scientific rules. The

that still binds together the first khatan and his kallah, a realm of

written contraction of the words with illusive vocals and the later

private thoughts and feelings meant only to be whispered. Even the

expansion of them in pronunciation, this constant tension, is similar

word for “love” (“ahavah”) is sad in Hebrew, holding within it the

to the physical forces that created the Universe. The written words

desperation of the parting moment of death. In English, we say “Till

are masculine, only consonants, the pronunciation is vocalized, thus

death do us apart” at weddings. Hebrew is also aware of the parting

feminine and the direction of writing, from right to left, aims spe-

moment but it refuses to let go. It is from the scattering pieces of the

cifically at our heart; with each written word, one gets closer to the

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heart, at least physically speaking. Hebrew wants to teach us again, by the continuous tension and attraction between its strong consonants and its mysterious vocals and by making the heart the final goal of the written existence of the words, the Lesson of Love. Without the feminine vocals (that have just a hint of visibility in the

DOUBLE EXPRESSO IN JERUSALEM

written form) the words couldn’t be pronounced. The tough, imposing consonants cannot live without the “invisible” vocals. Only the vocals can give life to the masculine written words, or maybe both of them united can give life to each other in a continuous charge and discharge of energy. They cannot exist without one another,

The Israeli writer BIACA MARCOVICI recently published a bilingual book of poetry, “Double Expresso in Jerusalem”, in Romanian and Hebrew (translated by Tomy Sigler).

only together can they give life to the language. And thus, Hebrew pulls down the veils from the most ancient love-story; we are brought to the dawns of mankind where the first woman was called

We proudly offer to our Hebrew-speaking readers a pieces of Hebrew Poetry.

“Life”, created perhaps when the first man tried to cry out his loneliness with the first word. The constant hide-and-seek between vocals and consonants in Hebrew is the hide-and-seek between man and woman. Hebrew shows us two essential ingredients for a per-

‫ּבֵין ְּכלֵי ַזי ִן‬

fect union: the importance of the feminine, mysterious and undisclosed but present and life-giving, and the importance of paying attention to the attraction and distraction forces – creators of that specific amount of tension able to generate never-ending passion. Like the continuous coming and going of the electric circuit, necessary to create the electric sparkle, the contraction and expansion of the consonants and vocals of the Hebrew language teach us how we can make our love eternal. The Physics rules that Hebrew uses are the rules of Love.

ִ ֲ‫ע‬ ‫בּורי הַ ּקַ י ִץ הּוא ּתָ מיד קַ י ִץ‬ .‫ ֹלא אֶ ת ּכְסָ ַפי‬,‫אֵ ינֶּנִי מֹונָה את הַ ּשָ נִים‬ ‫ּגַם אֵ ינִי נֹושֵ את ו ְנֹותֶ נֶת‬ ‫אֹור הַ ּי ֵָרח‬ ‫ירה‬ ָ ִ‫עֵ סֶ ק מּוטָ ל עַ ל ּכָּתֵ ף צְע‬ ‫ י ְדֵ י‬-‫אֵ ינִי הֹו ֶפכֶת טִ בְעָ ן שֶ ל מִ ּלִים עַ ל‬ ‫י ִּסּוד‬ ‫אּו ְּגזִילַת מִ ּלִים‬ ‫סְ דּורֹות ּבְסִ יסְ מָ אֹות‬

As Christians, we are baptized with names of Hebrew origin that make no sense for us and we bear our names throughout all our life unknowing its mystic meanings. Hebrew may help us learn a lot more about ourselves if we have the patience of discovering it. Re-

‫אֵ ינֶּנִי מַ קְ ּשִ יבָה לְעֵ צֹות ַאחֵ ִרים‬ ‫הָ עַ קְ שָ נִּיִים‬ ‫רֹופְאִ ים לְפִ ילֹוסֹופִ יֹות ִּבגְרּוש‬

ligiously, it is only in the light of Hebrew that Christian terms like “Amen” or “Alleluia” start to make sense, bringing fresh clearness to our prayers. Language of the Jewish people, Hebrew belongs to all mankind; we are tied to it by invisible chains that only our souls can recognize. Didn’t we all speak Hebrew in Eden? In the infinite sadness of the Hebrew language we discover ourselves and, slowly, the memory of the Lost Paradise returns to our souls.

If Art is man’s best way to express his feelings and ideas, than the Hebrew language is one of man’s best artworks.

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‫מַ ּבִיטָ ה ּבְעֵ ינֵיהֶ ם ּפַעַ ם ַאחַ ת‬ ‫ִירם ְּכבָר מֵ ּמַ ּבָט ִראשֹון‬ ָ ‫וְנֶאֱ נַחַ ת ּבְהַ ּכ‬ ‫חֵ ֶרף עֲ שַ ן הַ ּסִ ג ִַרּיָה‬ ‫עֲ ָרפֶ ל קַ לִיל הָ עֹוטֵ ף אֶ ת מִ ְגּבַעַ ּתָ ם‬ ‫ָארכִים ּתַ חַ ת י ִֶרי הַ ּקַ טְ יּושֹות‬ ְ ְ‫קֵ יצִים מִ ת‬ ‫חֹוזֵי שָ לֹום נִ ְכנָסִ ים לְּת ֹקֶ ף‬ ‫ּבְדִ ּיּוק ּכָעֵ ת‬ ‫ּבֵין ְּכלֵי ַזי ִן‬ ‫ּבֵין טֶ רֹור ו ְאֱ נֹושִ ּיּות‬


CRISTINA VLASIN Cristina Vlasin was born in Bistrita, Romania., in 1980.

Studies: The Music School of Bistrita 1987-1995 • Violin, piano, theory and solfegio, history of music, choir. Art Lyceum of Baia Mare 1995-1999 • Bel canto and piano, conducting, history of music, contrapunct, orchestration, theory and solfegio; • The Music Academy “Gheorghe Dima” of Cluj (apoca 2000-2005 • Bel canto, piano, history of music, folklore, choir conducting, musical forms and analysis, methodology, musical aesthetics. • Member of “Antifonia Choir”, conducted by Constantin Ripa. • Graduated in Arts, Music, specialized in music pedagogy. Vocal Tango and Jazz improvisation with Anca Parghel

Professional activities: 2007 - Poetry Performance - Gelu Vlasin and Cristina Cornea – the poetry presented in another way than usual. Performance in: Bistrita, Bucharest, Craiova Placer de Tango – with Anca Parghel and Co. Rumanía Poetry Performance – Colmenar Viejo (Comunidad de Madrid), Pedro Muñoz Espacio iram Bar & Lounge innaugurates the first cycle of musi- (Castilla la Mancha), Velilla de San Antonio (Comunidad de Macal nights, with concerts by CRISTIA VLASI, accompanied on drid), Coslada (Comunidad de Madrid), Torrejon de Ardoz the piano by Argentianian musician ACHO CÁMARA. (Comunidad de Madrid), Villanueva de Pardillo (Castilla la ManFrom Jazz to Swing & Samba, the beautiful voice and delicate femi- cha) nity of Cristina Vlasin will guarantee the perfect celebration of Arts Press coverage: (ational Romanian Television, Romania Radio & Music. International, B1TV, PROTV international, PU(TO RADIO, Music - the missing ingredient from Niram Art takes the form of CITY RADIO (Madrid) Press: Media Fax, Rompress, Romanian Cristina Vlasin´s soft voice. Global (ews.

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AUSTRALIAN PALETTE

GEORGE ROCA is a writer, poet, journalist, editor and founder of cultural magazines. He currently lives in Sydney, Australia and is the editor of the Agero magazine, Germany. Books:

RED Red Flag, Red Star, Red Army Red Banner, red eggs, red lipstick Red Cross, red blood. and then: Soviet red, Chinese red... Why God, do I currently see only red in front of my eyes? Olé!

RED AND BLACK The red-faced toreador dressed in a red toga With red clothes With red boots thrusts the black spear into the black bull. The wicked heart of the criminal is black like the skin of the slain bull. 48

"ORIZONTURI ALBASTRE" - (POETRY), Cogito, Oradea, 1993 "DINCOLO DE ORIZONT" - (POETRY), Calauza, Deva, 1996 „DEZVOLTAREA ARHITECTURII ÎN PERIOADA DE DOMNIE A BINECREDINCIOSULUI VOIEVOD ŞTEFAN CEL MARE ŞI SFANT", Carpathia Press, Bucharest, 2006

GEORGE


BLACK AND WHITE I read in the white of your eyes that you don’t love me not even like the black under your fingernails. The purple bags under my eyes, the fruits of white nights, became black crying in the blues.

ROCA

GREEN “Raw green, raw green…” sung a poet hidden within a book sitting near a Babbitt idling on a green meadow greener than the greenery of the green greened in green trees stroked by a spring shower.

Photo: Bogdan Ater

YELLOW Paradoxically, all cats are yellow at night! -Demonstrate it! -I’ll demonstrate! BLUE Chased by a yellow cat, a yellow chick like the yolk of the egg from which he was created hid mimetically in the depths of the yellow night trying to mingle with a yellow fresco divorced from that oft-discussed blue which brings fame to a certain monastery from Moldavia.

The cloudless sky stroked my iris with that infinite blue mingling with the colour of the Black Sea which on every afternoon of seaside summers bore shades of navy blue resembling those from my cerulean period when I used to visit the Voronetz Monastery.

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L-am citit pe George Roca în ceasul de cochetărie poetică, un rol ce i se potriveşte de minune şi care l-a ţinut în toată vremea sub semnului lui de influenţă indiferent de universul căruia i-a fost „prizonier geografic”. Cele cinci cicluri, „De iubire”, „Evadare din spaţiul virtual”, „Amintiri”, „Cromatică australiană”, „Antipozi”, conţin poeme limpezi, coerente, focalizări romantice, oralitate în discurs postmodern, din ambele cîte ceva; un gen de proiecţiuni, de prelungiri organice ale sensibilităţii, înfăţişări cristalizate ale lăuntrului său, după chipul şi asemănarea sa.

GEORGE ROCA, UN ROMANTIC

AVANT LA LETTRE MARIA-DIAA POPESCU

Versul se revarsă asupra lor, le absoarbe, le asimilează pînă la identificare cu ele, fie în forma unor structuri fixe, fie libere. Din ele se alcătuieşte fiinţa poetică, aptă să imprime o amprentă vie creaţiunilor. Ca părţi din sinele său, pentru că este şi poetul element al lumii pătrunsă de ele, sensibilităţile, neliniştile cîştigă în aceste poeme de înfiorată împăcare cu existenţa în numele purităţii, puritate a cărei mare virtute stă în acceptare: „Mi-am însuşit tehnica lui Crusoe:/ am alungat poştaşul,/ am încuiat uşa cu trei lacăte,/ …/ Acum stau liniştit şi cuget/ pe insula mea pustie/ …/ Ca şi Robinson/ am şi eu câţiva prieteni/ care nu mă deranjează:/ Vineri, Sâmbătă, Duminică,/ Luni, Miercuri şi Joi./ A mai fost unul, Marţi,/ dar ma trădat/ pentru trei ceasuri rele!/ Şi ei sunt tot atât de tăcuţi ca mine!/ Cu toţi suferim de agorafobie/ şi vrem să fim singuri./ De când m-a părăsit iubita sufăr/ şi vreau să fiu singur./…/ Al şaselea simţ îmi spune că/ Ar mai exista o fărâmă de speranţă/ Atunci, imaginaţia mea descoperă/ o corabie în zare!/ Arunc dopurile din urechi/ şi parcă aud paşi pe scări./ Parcă urcă cineva!/ Parcă bate cineva la uşă!/ Da! Da! Este ea!/ Sunt nebun de fericire!/ Et non sperabam te domum tam cito revenire!”. George Roca vine cu o curăţenie a discursului, a limbajului, pe care le aureolează cu parfumul albastru al făpturii sale. Poemele reprezintă pentru GR ceea ce pentru Horaţiu însemna exegi monumentum aere perenius (revărsarea conştiinţei asupra omului aflat în lupta inegală cu marele timp, dar şi cu uitarea), motivul horaţian, fugit irreparabile tempus, fiind şi el, în fond, aşezarea sa la adăpostul interpretării poetice a lumii: „Acolo, pe insula noastră jucăm şotron,/ chiar dacă nu ne mai ţin balamalele,/ gângurim ca bebeluşii,/ ne aşezăm pe tronul regelui/ fără să ne fie frică de pedepse,/ sărutăm şi ne iubim/ cu toate vedetele intangibile/ ale lumii moderne./ Acolo,/ pe insula noastră imaginară/ este veşnic primăvară./ Acolo,/ Suntem, şi noi, veşnic tineri/ şi sănătoşi/ şi veseli/ şi buni!”). Înregistrăm o stare de compresiune interioară, care îi educă poetului curajul detaşării de realitate, trăirea în amintiri, în imaginar, dar şi nevoia de confesiune. Gesturile interesează în mod special ecoul în rîndurile cititorilor, cărora le parvine vocea poetului ca suspin al unei diluţii materiale, ca un vag ecou al unei dulci iluminări ce bănuieşte prezenţa poetului dincolo de peretele de sticlă al versului. Este nevoia firească a unui spirit întors spre sine cu încredere, capabil să comunice cu mediul înconjurător, stăpîn pe întrebările tăcerii, dar şi pe sunetul cuvintelor care urcă spre suprafaţa poemelor ca dintr-un adînc de mare, cu senzaţia de uşurare pe care ţi-o dă certitudinea că nu te mai apasă niciun imperativ advers. Aşa poemele îndeplinesc discret şi stăpânit ritualul trăirilor care le individualizează, care le dă puterea de a servi mereu din leacul melancoliei, dar şi de a conserva cu graţie capacitatea de a accepta trecerea fiinţei poetului spre porţile neantului („În timpul viitor,/ arată-mi Universul/ şiarată-mi calea bună/ ce duce-acolo-n cer./ (u îţi cer nemurirea,/ dar, nici n -aş vrea să pier…”). Transferul de vibraţie către cititor este dat de versul sigur, atrăgător, de autenticitatea trăirilor care conturează un spirit

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MIRA FIJIKA yesterday I noticed you hidden within a painting... your clothing, pink in colour, seemed like the costume of a clown your black hair was covered with a beret your powdered white face had blushes in its cheeks your eyes like two bluebells looked very sad a tear hung motionless under your right eyelid in a hand you held a violet rose and beneath it I saw an empty space and a signature: Mira Fujika

romanţios. George Roca este un romantic avant la lettre. „Întunericul se contopea cu misterul /şi cu umbrele proiectate/ pe ecranul imaculat./ Fata era tăcută/ băiatul neastâmpărat/ până când buzele lor/ s-au atins însetate/ precum omul rămas fără apă/ în deşertul Sahara./ Când s-a aprins lumina/ cei doi dispăruseră/ într-o altă lume”. De peste tot, din zarea poemelor ţîşneşte o stare de romantism care ţine parcă de nişte vremi despre care numai istoriile literare ne mai amintesc: „ieri te-am zărit/ ascunsă într-un tablou/ veşmântul tău, de culoare lilas,/ părea costumul unui clown/ părul tău negru/ era acoperit de un basc/ faţa ta pudrată în alb/ avea bujori în obraji/ ochii tăi ca două albăstrele/ erau foarte trişti/ o lacrimă îţi atârna nemişcată/ sub pleoapa dreaptă/ într-o mână ţineai/ un trandafir violet/ mai jos am văzut/ un spaţiu liber/ şi o semnătură:/ Mira Fujika” . George Roca crede într-o ordine superioară, într-un alt sistem, pentru a căror configurare, pentru a căror legităţi nicio imaginaţie, nicio filosofie nu sînt apte să le descifreze: „Într-o dimineaţă,/ Dumnezeu/ sa sculat vesel şi bine dispus!/ A închis vântul în cămară,/ a alungat norii,/ a scos din priză fulgerele,/ a oprit cutremurele şi valurile/ şi a stins focul sub cazanele vulcanilor!/ (În ziua aceea nu se făceau războinici,/ nici terorişti, nici mercenari…)/ Dumnezeu avea nevoie de/ linişte şi pace!/ Venise vremea să împartă/ meseriile la români!/ Pe Brâncuşi l-a făcut pietrar,/.../ pe Vlaicu, zburător,/ pe Grigorescu, zugrav,/ pe Enescu, muzicant,/ .../ Spre seară,/ la lumina luceferilor,/ pentru a-şi desăvârşi lucrarea,/ a creat poetul, pe Eminescu!”. Iată, cum pe temeiul legăturii creator – lucruri bine întocmite, cît şi pe raportul în care se află Dumnezeu faţă de cosmos, imaginaţia poetului dezvoltă argumentări discursive dintr-un unghi nou, susţinut de capacitatea sa de a percepe cu toate simţurile frumosul şi plinul existenţei.

THE POEM The poem is like an unfaithful wife who arrives home only after you got into bed and fell asleep. There are many who never encounter the poem in their lives! Others meet it very rarely… and, at the height of misfortune, only then when they don’t have handy a pencil and paper!

AT THE MUSEUM Behind the glass panels birds absorbed the sun like a river overflowing from their throats penetrating deep into their crop resembling the curves of the old ceramic amphorae created by the Hyperboreans and preserved for us in the golden sand of a certain sea bed.

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“Eseu despre posibila corelație dintre viziunile diferite și totusi atât de apropiate ale celor care au înțeles că existența lui Albert Einstein nu poate fi decât necesară în contextualizarea unor coordonate reale ale sfârșitului spațial al lumii, așa cum o cunoaștem noi astăzi.”

Un titlu lung, cules parcă din literatura științifică a secolului al XVII-lea, îmi poate sugera interdependența diferitelor cadre de înțelegere în care se poate situa un scriitor față de un pictor. Amândoi atinși de blestemul sau poate binecuvântarea unei accepțiuni mai profunde a vieții. Insă, în același timp, pe cât de depărtate sunt aceste două profesiuni față de fondul lor comun de expresivitate, pe atât de apropiate sunt viziunile a doi indivizi care împart același domeniu al artei. Mă voi referi în cele ce urmează la reprezentările vizând aceeași realitate intelectuală pe care doi artiști le au, în contul generos al profesiei lor.

RAȚIUNI ALE CAPĂTULUI LUMII

Așa ar trebui poate să se numească o carte pe care să o conceapă unul care nu are nimic de a face cu scrisul sau cu talentul atât de specific al manevrării cuvintelor. Cu siguranță cel care se poate învrednici de o asemenea motivație nu poate fi decât cel care și-a purificat mâinile de patima disciplinării

MARIO BARAGEA

propozițiilor, datorită deschiderii ochilor spre o lărgime spirituală fără cusur. Ceea ce doresc să afirm este faptul că spre diferență de scriitor, a cărui misiune, de multe ori ingrata, este aceea de a depăși bariera dintre gândul deplin integrat abstracțiunii încă neformulate și cuvântul incomplet și dezechilibrat pe care realitatea pare că îl prefera, un pictor, de pildă, nu se îndatorează cuvintelor. Nici macar imaginile, la drept vorbind, nu reușesc să satisfacă foamea de inteligibilitate a pictorului. Geniul pictorilor are nevoie mereu să adape cu reprezentări de mare forță mintea doritoare de expresie a celor ce încearcă prin desen și culoare să reproducă rațiunile care stagnează în inima lucrurilor reale.

Un strălucit exemplu este Onik Sahakian, pictor de origine armeană, care locuiește în Portugalia. Dintre multele sale creații, am ales una singură, care poate prin sine să ilustreze aceste rațiuni de la capătul lumii. Este vorba despre lucrarea numita “Vision of Albert Einstein” datată 2007. Pe o podea de lemn, simbol poate al intimității unei case părintești, se desfășoară tot spectacolul cosmosului vizibil. Trei steaguri albe, ridicate în centrul imaginii arată dorința de pace, de împăcare a artistului cu lumea văzută. Dar ridicarea la cer se face printr-un nou mântuitor: Albert Einstein, fizicianul complet. Apostol al unor ceruri noi și a unor pământuri până acum ascunse, Einstein descoperă oamenilor nu doar faimoasa lui formulă ci și posibilitatea ca cei care îi urmează raționamentele fizico-matematice să aibă posibilitatea unui salt intelectual prin care capătul lumii devine de fapt nu un punct terminus ci un nou început. Pe bazele a ceea ce a ramas din lumea veche, galileano-newtoniana, se ridică acum un semnal de împacare către aceste ceruri noi. Mesagerul care permite

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Romeo (iram Holograma, Ulei pe panza, 2007

aceasta ridicare de la vechea la înnoita mecanica a lumii este Einstein..

Acest lucru îmi aduce aminte de ciclul de picturi realizat de Romeo Niram, intitulat “Brancusi=Emc2”. Unul dintre aceste tablouri, numit “Holograma”, ne înlesnește aceeași impresie de nesfârșire a privirii în care se reflectă capătul lumii. Este o altă ilustrare a aceluiași principiu de forță comprehensivă. Ochiul care privește spre ceea ce noi nu putem încă zări este nu doar un calculat efect pictural, ci o fantasmă pe care ne-o dorim cu toții. Este fantasma dezirabilă pentru toată direcția de gândire pe care sintagmele picturalității o impun. Ochiul care privește spre capătul lumii este imaginea gândului care reflectă o realitate deja angajată în discursul transformării spațiului și al timpului.

Am încercat o comparație care nu știu în ce măsura mi-a reușit, dar mesajul este destul de clar la cei doi pictori: se poate deja vorbi despre inseminarea realității cu o substanță de sorginte intelectuală ce reprezintă virtualitatea depașirii ei de către ea însăși. Atât la Onik Sahakian cât și la Romeo Niram este vorba despre același lucru: despre recunoașterea aspectului tranzitoriu al mecanicii realității actuale. Picturile celor doi sunt recognoscibile la nivelul unei sublimări aparte a expresiei, subiectul lor poate fi chiar interșanjabil. Ceea ce se află într.-unul poate fi completat prin ceea ce se află în celălalt.

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UN SAT DE MUNTE EVA DEFESES

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Era începutul verii lui 1942. Khava se trezi târziu, pe la miezul zilei. De obicei se trezea târziu, culcându-se pe la orele dimineții. Era un ritual al lor, să petreacă nopți albe îmbrățișați sau pur și simplu stând de vorbă la un pahar de vin roșu. A doua zi o petreceau mai mult dormind, cu atât mai mult în ziua aceea, cu cât fusese ziua ei de naștere și petrecuseră până la ivirea zorilor. Ii plăcea atunci când se trezea înaintea lui, pentru că acest lucru se intampla foarte rar. Când nu pierdeau nopțile pălăvrăgind, Isaac se trezea devreme și pleca la București cu treburi. Ea îl insotea până la ușă și apoi se băga înapoi în pat, de obicei ca să se gândească pe îndelete la evenimentele nopții care tocmai trecuse. Ii plăcea să reia în gând, cu încetinitorul, fiecare vorbă, fiecare îmbrățișare a soțului ei și să le retrăiască de zeci de ori, până când o fura somnul. In noaptea aceea, însă, nu putuse aproape deloc să adoarmă. Statuse în pat nemișcată, atentă să nu-l trezeasca pe el și ațipise doar preț de câteva minute. In sfârșit, decisese să se scoale și să întâmpine unul dintre cele mai plăcute momente ale zilei, cel al cafelei de dimineață. Era momentul ei, când nu o deranja nimeni, și putea să viseze cu ochii deschiși, lăsându-și simțurile pradă aromei minunate. Ii plăcea cafeaua tare, parfumată cu scorțișoară și vanilie, fără pic de zahăr. Și, mai ales, în cantități enorme. Era o femeie tânără, înaltă și subțire, mult mai înaltă decât bărbatul ei, cu un păr lung și negru care în acel moment era zbârlit și încurcat. Khava zâmbi și decise că nu are suficiente forțe în acel moment ca să și-l descurce. Era jucăria preferată a lui Isaac, cu cât reușea să i-l încurce mai bine cu atât era mai încântat. Ea îl lasa, ca o mama care acceptă îngăduitoare poznele copilului, chiar dacă știa că a doua zi urma să bage foarfeca în el și să petreacă minute bune încercând să se pieptene. Coborî la bucătărie și își prepară singura cafeaua, apoi se îndreptă către leagănul mare și confortabil din curte. Era locul ei preferat, într-o grădină plină de flori și iarbă. Bineînțeles că nu erau îngrijite de ea, nu înțelegea niciodată câtă apă trebuie, câtă nu și deja avea mai multe crime botanice la activ. Pe trepte, o întâlni pe cățelușa preferată, care se uita țintă la ea, așteptând semnalul binecunoscut. Văzându-i mutra caraghioasă, cu urechile ridicate în sus, țepene și mult mai mari decât ar fi fost normal, o pufni râsul. Trecu pe lângă ea, fără să-i adreseze nici un cuvânt, doar așa, ca să îi fie plăcerea mai mare când o va striga. Când ajunse lângă leagăn șopti foarte încet cuvântul magic: “aici”. Ca un arc, trupul încordat în așteptarea comenzii se repezii în aer și din câteva salturi, cățelușa ajunse lângă stăpâna ei, provocând panică în lumea felină ale cărei trei exemplare răsfațate se întindeau la soare. Sorbind din cafea, Khava se lasă din nou purtată de gânduri. Iși privi mâna delicată, cu degete lungi, pe care strălucea un inel de argint subțire, cu o piatră în forma de romb, albă. Era cadoul pe care i-l făcuse Isaac în noaptea precedentă. Mai în gluma, mai în serios, îi spusese să aibă grijă de el, căci într-o zi îl va lăsa moștenire. Cui? Intrebase ea. Răspunsul cel mai logic ar fi fost lui Ilene, fiica cea mai mare, însă Isaac se arătase evaziv. Era învățată cu răspunsurile în doi peri ale bărbatului ei și nu avusese chef să înceapă să scormoneasca mai mult cu întrebările. Ieșea mereu victorioasă, până la urma el ceda și ea afla tot ce voia, însă după o lunga bătălie, iar în noaptea aceea era ziua ei și nu vroia să se enerveze. Pe de altă parte, vroia să afle singură răspunsul. Iși fixase inelul pe degetul arătator, cu altul mai strâmt, deoarece îi era un pic prea larg. Era mereu o problemă să poarte inele deoarece degetele ei erau aproape străvezii, atât erau de fine și de lungi. Iși atinse inelul și simții din nou, în inimă, strângerea aceea cunoscută. Era un sentiment bizar, care punea stăpânire pe ea de multe ori și în ultimul timp din ce în ce mai des. Incerca să-și explice ei însăși acea senzație și nu reușea. De cele mai multe ori, asta o făcea să se întoarcă și să se uite la Ilene. Khava împinse cu piciorul leagănul și se lasă în ritmul lui. Ilene se juca puțin mai departe și, rezemându-și capul pe pernă, se uită la ea, ca și cum ar fi fost cheia tuturor misterelor. Khava își


iubea mult toți copiii, însă din pricina acestui sentiment staniu, se gândea mai mult la Ilene. Spre deosebire de celelalte mame, nu își trata copiii ca pe niste jucării de pluș și, deși Ilen avea doar vreo șase anișori, o privea ca pe o femeie. Se gândea la ea ca la o femeie și de abia aștepta să crească. Era tare curioasă să afle cum va fi, cum va arăta, își imagina ziua în care vor da târcoale casei primii admiratori, și mai ales se întreba dacă va fi iubita așa cum o iubea pe ea Isaac. Privind fetița cu părul castaniu deschis, ușor buclat, Khava o întrebă în gând: “ce mă atrage atât de mult la tine? Tu ești cheia. Simt că prin tine se va întâmpla ceva. Vei implini tu ce nu pot să împlinesc eu?” Khava se întristă. Iși dorea mult de tot un baiat și nu îl avea. Isaac prefera fetițele, și mai ales pe Ilene, care semăna cel mai mult cu el, însă visul ei era să aibă un băiat, un fiu care să poarte numele lui iubit, să semene cu el, să fie ca el…Câteodată, se simțea vinovată față de copiii, pentru că deși îi adora, știa mereu că îi vede doar ca părți din el, pentru asta îi adora, nu pentru ei. Era mereu figura lui cea pe care o adora pe chipul lui Ilene, era privirea lui încordată, încăpățânarea și energia lui. Insă oricât de mult semăna Ilene cu tatal ei, era fată. Iar Khava știa că setea ei nu se poate potoli decât printr-un baiat, care nu mai venea. “Va veni oare acest băiat prin Ilene? Il voi avea pe fiul meu, imagine ruptă din tatăl lui – nepot? Va trebui să aștept să crească Ilene ca să îl strâng în brațe pe băiețelul meu drag? Devenise o obsesie pentru ea să recupereze copilăria lui Isaac; îi era necaz că se cunoscuseră atât de târziu, că pierduse atât din viața lui. Dacă ar avea un băiat care să-i semene lui, ar putea să trăiască prin el anii pe care nu i-a cunoscut din viața bărbatului ei. In sinea ei, o invidia pe mama lui Isaac deoarece petrecuse cu el toți acei ani minunați ai copilăriei, îl văzuse crescând, îi ștersese lacrimile și îl îmbrățișase nopțile, îi auzise primele cuvinte. Și-o imagina pe Ilene, femeie în toată firea, izbitor de frumoasă, iubită și fericită. Va fi și ea mamă…Va fi însă mama lui? Asta era întrebarea care nu îi dădea pace. De ce Isaac spusese că nu Ilene va moșteni inelul? Atunci cine? Dacă nu Ilene, atunci cine va avea acest inel pe mână? Și când? Khava simți între ea și fiica ei o prezență inexplicabilă. Se obișnuise de mult cu această prezență și nu se mai chinuia să găseasca explicații. Era convinsă că și Isaac o simțea, pentru că de multe ori o striga pe nume, Khava, și o întreba lucruri ciudate, care nu aveau nici o legătura cu ea. Intr-o dimineață se trezise din somn și îi spusese: “Khava, esti de mult roșcată, fă-te iar blondă”. Orice femeie în locul ei s-ar fi umplut de îndoieli și ar fi crezut că mai exista o Khava, una blondă sau roșcată în viața soțului ei, însă ea îl cunoaștea prea bine, ca să se îndoiască vreodată de fidelitatea lui absolută și chiar încrâncenată; nu suporta nici să se uite la alta femeie, nici să audă vorbindu-se despre femei, ceea ce îl transforma, în rândul bărbaților, într-un ciudat, și mulți se mirau de asta. Isaac nu își mai amintea ce întrebase, ba chiar se supărase și jurase că nu spusese nimic de genul acesta, însă ea nu îl credea. Isaac știa mai multe despre femeia misterioasă decât îi spunea ei, dar avea și ea propriile ei metode de investigație și, până la urmă, nu avea nevoie de ajutorul lui. De multe ori, atunci când făcea ceva, simțea că o altă femeie, asemănătoare cu ea, făcea același lucru. Ca de exemplu, atunci când făcea pâine. Ii plăcea să pregătească singură pâinea pentru soțul ei. Nu era numai o tradiție moștenită din mamă în mamă, sau un obicei cu semnificație religioasă, pentru ea avea alte conotații. Nu vorbise cu nimeni despre asta, pentru că se rușina, iar

persoane mai religioase ar fi fost de-a dreptul scandalizate. Si numai de scandaluri nu aveau ei nevoie, mai ales că treziseră de multe ori gura satului prin obiceiurile lor mai puțin ortodoxe. De pilda, lui Isaac îi plăcea să ia cina târziu, după miezul nopții, la lumina stelelor și a lumânărilor, afară, în grădină, și să stea împreună de vorbă ore întregi, sorbind încet vinul de culoarea sângelui închegat. Acest lucru trezise pe loc barfele satului, care nu prea tolera asemenea exhibiții de romantism și nici nu le înțelegea, mai ales în timpuri așa de grele. Pe când prietenele ei se plângeau de răceala barbaților lor, Khava se gândea că Isaac era chiar definiția romantismului, și se considera printre puținele femei care aveau un bărbat mult mai romantic decât ele. I se părea ceva incredibil de erotic să frământe coca și să facă pâine special pentru el, să îl vadă cum rupe cu mâinile lui delicate din pâinea ieșită din mâinile ei, ca și cum ar rupe din trupul ei, și o înmoaie în vinul rubiniu, însă pe de altă parte, oare ce nu era erotic în legătură cu Isaac? Orice activitate, oricât de banală, pe care o făceau împreună, se încărca pe loc de vraja și magnetism, trăiau constant în mijlocul unei atmosfere încărcate de erotism, pe care și-o creaseră singuri, făcându-și din asta singura lor religie. Oricum treceau drept ciudați în satul în care trăiau, așa că de ce să nu continue să scandalizeze vecinele cu cine la miezul nopții? Ba mai mult, clănțănea vecina de alături, dorm cu animale în casă, ați văzut cum își țin câinii înăuntru, nu legați în curte ca noi toți, ați mai pomenit asa ceva? Khava râse de prostia lor dar nu se mai irită. Se gândea la cealaltă femeie, cea pe care Isaac o strigase. Cea roșcată. Cine era? Exista? Era doar un vis? Era acea femeie prezența luminoasă pe care o simțea, chiar în acel moment între ea și Ilene? Era ea moștenitoarea inelului? Era a ei imaginea care îi apărea noaptea și o făcea să se trezească dimineața cu amintirea unor lucruri pe care nu le făcuse? “Cine este această femeie pe care o simt, o visez, a cărei reflecție îmi apare până și când mă privesc în oglindă? O va cunoaște Ilene? Si ce legătură are cu Isaac, fiul pe care mi-l doresc?” Dintr-o dată, o idee nebunească se născu în mintea ei. “Dacă această femeie există cu adevărat și simte și ea prezența mea, așa cum o simt eu pe a ei? Daca există undeva o femeie, asemănătoare mie, care își pune întrebările pe care mi le pun eu, care simte ceea ce simt și eu, care mă caută pe mine așa cum o caut eu pe ea și poartă numele meu?” Khava își lăsă privirea să se piarda către vârfurile albastre ale muntilor care se iveau în depărtare, dincolo de zidurile moșiei. Micul sat era situat exact între doi munți și priveliștile erau încântătoare. Se cuibări între pernele comode și, încetul cu încetul, o luă somnul. Imaginea munților care se vedeau din curtea ei o cuprinse și în lumea somnului, numai că, din nou, nu era ea protagonista. De această dată, era Ilene cea care o cauta pe femeia roșcată, într-un sat de munte, departe, în timp și spațiu. In timp ce își visa fetița plimbându-se printre pajiști pline de frunze îngălbenite de toamnă și case cărămizii, partea conștientă a Khavei aștepta emoționată să vadă dacă, în sfârșit, misterul se va desface, ca o nuca lovită cu ciocanul în două. Khava încerca să o ghideze pe Ilene, să o ajute să descifreze totul, să o găsească pe femeia-umbră cu același nume care se pogorâse de la un timp, o dată cu nașterea lui Ilene, în viața lor. In vis, Ilene era deja femeie în toată firea, iar Khava se minuna de cum trecuse timpul, de cât de frumoasă și puternică este fiica ei. Se trezii dintr-o dată, zgâlțâită de Ilene care o trăgea de braț la joacă. In primele

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LANSARE DE CARTE: „ DULCE CA PELINUL” DE STEFAN MITROI Pe 5 Decembrie 2008, la Biblioteca Municipala "Mihail Sadoveanu” a avut loc la Bucuresti lansarea romanului „Dulce ca Pelinul” al scriitorului Stefan Mitroi. In continuare, criticul Dan Caragea ne introduce in lumea acestui nou roman romanesc.

SFÂRŞITUL ISTORIEI ŞI ULTIMUL ŢĂRA

SFÂRŞITUL ISTORIEI ŞI ULTIMUL łĂRAN DA CARAGEA

M-am simţit ispitit, după lectura romanului Dulce ca pelinul, de Ştefan Mitroi, să parafrazez, cu indulgenţa cititorului, titlul unei cunoscute cărţi a lui Francis Fukuyama, pentru a-mi traduce, concis şi fulgerător, reflecţiile finale la terminarea lecturii acestei masive şi înnoitoare opere. De-a lungul ultimelor două secole, un număr apreciabil de scriitori români a abordat tematica rurală, lucru firesc într-o ţară genuin ţărănească, şi unde amintirea obârşiei şi-a păstrat nealterat fiorul emoţional şi fuiorul naraţiunii tradiţionale. În multe împrejurări, critica şi istoria literară a văzut în Ion, al lui Liviu Rebreanu, romanul nostru naţional, însă succesul internaţional i-a aparţinut, neîndoios, lui Panait Istrati, odată cu penetrarea acestuia în spaţiul limbii franceze. Zaharia Stancu, mai întâi, iar apoi, Marin Preda au constituit referinţele obligatorii ale literaturii epocii comuniste. Este mai dificil de judecat valoarea absolută a operelor acestor scriitori într-o perioadă literară aflată sub semnul totalitarismului. Adevărul este că, după căderea cortinei de fier, nici un mare editor străin, pe drept sau pe nedrept, nu a mai fost interesat, cu mărunte excepţii, pe piaţa mondială a cărţii, de literatura română produsă în România. Românii au crezut că anii '90 vor aduce şi o renaştere literară, la nivelul epocii interbelice. Nimic mai fals, în fapt. Pânza freatică a inspiraţiei a apărut, de la început, secătuită, apoi bântuită de felurite sociopatii. Nu s-a ivit nici o carte românească care să cutremure omenirea! şi, totuşi, privind mai atent, nu cred că ne aflăm într-o condamnată sahara culturală. Problemele sunt prea complexe, din păcate, pentru a fi dezbătute convenabil acum şi aici. Iată însă că o carte întru totul notabilă, scrisă în contra curentului autohtonist, consumist sau debiloid, apare totuşi pe piaţă. Este, neîndoios, o surpriză şi o provocare. Publicul va trebui, prin urmare, să-şi depăşească propriile grilele de lectură dobândite în ani şi ani de mediocritate romanescă locală, pentru a primi, cum se cuvine, o operă precum Dulce ca pelinul. Ştefan Mitroi ne oferă un triptic romanesc absolut original (în care se include Căderea în cer, din 2003) şi în care se amestecă parcă toate resursele posibile ale scriiturii. Un barochism discret, şi mai degrabă latent, domina compoziţia, cu rezonanţe ce ne poartă aluziv pe atâtea meridiane literare. Tematic: satul său teleormănean, marea familie, tatăl şi,

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NIRAM ART FUNDADOR: ROMEO NIRAM

NIRAM ART 13 - 14  

FRIDA KAHLO MATEI ENRIC ALBINO MOURA FIGUEIREDO SOBRAL SONIA DELAUNAY IOAN DAN TOLGY - multilingual Fine Arts Magazine, founded by the paint...

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