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QHDN CINE

Por John Campos Gomez

BEN AFFLECK SE HACE ADULTO

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ace cinco años atrás el nombre de Ben Affleck sonaba más en los programetes de E! Entertainment que en el más banal de los reportes cinematográficos. Así él lo quiso. Se hizo famoso al nivel más farandulero posible y convirtió su figura en el estereotipo del juerguero. Ya en el Olimpo del vergel, se dedicó a apostar como beata en tragamonedas. Tocó el fondo del silo.

Cómo imaginar que tras esa estrecha relación con la mugre, su verdadera carrera cinematográfica empezaría en 2010 con the town, su segunda película como director, que borraría de un solo brochazo pearl harbor, gigli, daredevil y armageddon. Nadie lo esperaba, aunque su primera gone baby gone daba

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indicios de que no era ningún inútil al volante. Antes de buen cineasta, a Affleck se le considera un ‘clásico’. Y es que hasta el estreno de the town, se pensaba que el viejo Clint Eastwood era el último clásico en pie. Pero ya no se preocupen más, antagonistas de la modernidad, su renovación está garantizada. A todo esto, ¿qué es un cineasta clásico? Para nada es alguien que imagina el mundo en blanco y negro o que escribe historias sobre galanes y damiselas en peligro. Es, principalmente, un contador de historias. Alguien que se circunscribe a un argumento que cruza transversalmente todo el film; y que potencia su dramatismo sobre la base de detalles y ritmos narrativos de aproximadamente un siglo de antigüedad. Un clásico prepondera la nitidez en la acción dramática. Para él, el cine es un medio, un canal de emociones,

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y no una plataforma de ensayo o de pensamiento crítico. argo, su tercera película, está basada en hechos reales y es comparable con invictus, de Eastwood, en la que encierran al héroe en una situación que puede superarlo ampliamente y que, sin embargo, saca adelante por medios ingeniosos pero, sobre todo, honestos. En ambos casos, la política se plantea no como problema de sociedades y de consecuencias imprevistas, sino se la hace aterrizar al campo de los problemas personales que pueden encontrar solución en el instinto y en la solidaridad. Affleck interpreta al agente de la CIA Tony Méndez. Éste sacará con vida a seis rehenes estadounidenses que quedaron varados en la casa del embajador canadiense en Teherán tras escapar de la irrupción de revolucionarios iraníes en la Embajada de Estados Uni-

dos. El plan maestro y su ejecución es la película. El pulso narrativo de Ben es ejemplar. El galán andaba gastando su plata en bingos y chinganas cuando se enteró de que el extraordinario actor Cassey Affleck, su hermano, era considerado el mejor de la familia. Como respuesta viene construyendo una filmografía destacada de la que se espera mucho más. Ojalá que ahora le apeste el glamour, esa fachada plastificada de la que no encuentro lado respetable.

Título: Argo Dirección: Ben Affleck Guión: Chris Terrio Reparto: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman Estreno: 25 octubre


Y CONTINÚAN LOS ESTRENOS

LA INFANCIA SEGÚN WES

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Ya no solo es octubre el mes de los estrenos nacionales, sino que ahora se corren hasta noviembre. Buena señal que demuestra que la producción ha aumentado. Sobre la calidad, hablaremos luego de verlas.

es Anderson es un ídolo para la chibolada cinéfila. Sólo Harmony Korine rivaliza con la admiración media inocentona que provoca entre los voraces consumidores de DVD y de programas de TV frikis. Ambos cineastas filman con desparpajo los desvaríos emocionales o las pasiones viscerales de la juventud. Estructuran universos personales delirantes. Como cada vez menos en el cine contemporáneo, la palabra ‘ficción’ en ellos respeta todo su sentido.

quiero saber de Patricio Olguín

(1 de noviembre) Empieza el mes con la película que escribió Julio Andrade –sí, el mismo que se dice cantante–. Desde el tráiler se ve su carga erótica que, al parecer, sería su única arma válida de atracción. Veamos si cumple las expectativas cachondas.

Pero centrémonos en Anderson, que afortunadamente ha estrenado su más reciente filme, el más exitoso de su carrera. La puesta en escena de Anderson se fusiona con el teatro para niños dentro de una ‘casa de muñecas’: el realismo se aleja para dar paso a la nostalgia de ser niño, el ideal de que todo es una aventura inolvidable. La rigidez formal e interpretativa que demostró en la vida acuática se anima en moonrise kingdom, toma vida.

ana de los ángeles de Miguel Barreda (1 de noviembre, en Arequipa)

Un estreno exclusivamente arequipeño. En este caso es un biopic sobre la beata Sor Ana de los Ángeles, que interpreta la conocida no-sé-porqué Adri Vainilla. El director se sintió atraído por el personaje por “lo leal que era (Sor Anita) a sus convicciones y a su fe”. Ya saben a qué atenerse, niños.

Así, Anderson vuelve a su mejor momento con la historia de amor entre Sam y Suzy, dos niños de 12 años, que emparenta con el mundo de fantasía que usualmente construye el cineasta, dándole un cariz de inocencia al relato ambientado en 1965. Un hálito de nostalgia se deja sentir.

sonidos vivos de Lucho Quequezana

Viaje musical que propone Lucho Quequezana, por el cual músicos de todas partes del mundo aprenderían a tocar ritmos peruanos de la manera empírica como él los aprendió. Quequezana sale a la búsqueda sin saber qué encontrar o si su proyecto tendrá éxito. Sólo espera que la música encarrile su vago itinerario. Propuesta atractiva, ecuménica, que hizo que hasta la Unesco ponga plata.

Título: Moonrise kingdom (Un reino bajo la luna) Dirección: Wes Anderson Guión: Wes Anderson y Roman Coppola Reparto: Con Jared Kilman, Kara Hayward, Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Bob Balaban, Tilda Swinton, Jason Schwartzman y Harvey Keitel. Estreno: 25 de octubre

lima 13 de Fabrizio Aguilar

DOS PELIS CHILENAS QUE PRONTO ESTARÁN EN POLVOS AZULES

(porque iré a dejarlas no bien acabe de tipear esta recomendación) no de Pablo Larraín

Larraín es uno de los directores más reconocidos fuera del ámbito cinematográfico. Es impulsor (voluntaria o involuntariamente) de candentes debates ideológicos a partir de su obra, que se ambienta en la dictadura de Pinochet. La última película de Larraín habla sobre “la Campaña del No” en el Plebiscito Nacional de Chile de 1988, pero desde el enfoque televisivo, como si ese hubiera sido el principal fuerte de oposición. no es polémica, y por eso vale la pena verla.

bonsái de Cristián Jiménez

El productor Bruno Bettati es, sin dudas, el más importante de Chile. Es el principal promotor de una idea de industria cinematográfica en aquel país donde todas las partes se sientan representadas y participativas. Vale la pena presentarlo. bonsái es la versión para cine de la novela homónima de Alejandro Zambra. Todos los personajes son contundentes, cargados de dramatismo, bien interpretados. Jiménez es un buen director de actores. El filme se ambienta en Valdivia, hermosa ciudad austral, donde los lobos marinos son unos transeúntes más.

Fabricio Aguilar no tiene ninguna buena película (paloma de papel es un ingenuo alegato contra el terror y tarata una vaga historia tan dispersa como la familia que la protagoniza); no obstante ha pasado piola. Con lima 13 vuelve a la carga con un drama que transcurre en las vísperas de Navidad y Año Nuevo. Participa Ubaldo Huamán (Cholo Cirilo), buen actor.

Cementerio general

de Dorian Fernández La apuesta comercial de la temporada. Una cinta de horror ambientada en la selva peruana con toques de [rec] y de cualquier otra fórmula de efectividad garantizada. Que la chata Leslie Shaw esté en el reparto dice mucho de la pretensión de la obra, sin embargo su clara apuesta por reventar la taquilla exime a los responsables de juicios artísticos.

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Guillermo Vilcherrez

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ENTREVISTA A MANUEL SILES

el cine peruano

ANCHO Y AJENO Manuel Siles nunca se calla nada. Es por eso que siempre es un placer hablar con él. El tiempo que se dejó sentir su silencio en las polémicas sobre cine peruano (y sus escándalos) coincidió con la filmación de su primer largo de ficción, extirpador de idolatrías, que cuenta con la participación de Magaly Solier, motivo por el cual los medios le han parado más bola. Pero ese es otro tema. En esta conversación, Siles vuelve al ruedo a propósito de unas cuantas preguntas. No creo que se escape algo. Si saben poco sobre lo que pasa en el cine en el Perú, lean la conversa y asunto resuelto. La idea de Industria tiene a medio mundo jugando con la calculadora. No se piensa en cine, no se habla de cine, sino sobre cifras y estrategias de lanzamiento. ¿Qué opinión sobre la utopía industrial? Cualquier realizador que haya invertido una cantidad de dinero, incluso modesta, querrá recuperarla y, si es posible, lograr un excedente que le permita hacer su próximo proyecto. Es un saludable modo de pensar. Sin embargo, quien busca realizar una obra de arte, no puede considerar ningún aspecto fuera de los elementos artísticos con que compone. No hay aquí ninguna contradicción. La aspiración a los resultados económicos de la obra es posterior a su realización, no debe condicionarla, de hecho no significa nada respecto de las virtudes o defectos de la película. Esto no tiene que ver con construir una industria, pues en ese caso primero debería hacerse un estudio de mercado, determinar el segmento que queremos “atacar”, la táctica para ello, y recién decidir cuáles son las características de la película que se ofrecerá a los consumidores. Es decir, se ve la película como, digamos, un helado. Para eso no se necesitan autores. Basta con mercaderes, o expertos en marketing, que es como se han disfrazado desde hace un tiempo. En todo caso, si algún día el desarrollo del país llegara al nivel en que los empresarios no tuvieran campo en donde invertir y que, a su pesar, no tuvieran más remedio que poner su ojos (y sus manos) en el cine, eso no redundaría en ninguna mejora ni mayor espacio para realizadores como yo, que no tenemos interés en venderle algo a los consumidores, sino en alcanzar la mayor cantidad posible de interlocutores y, me atrevo a decir, que tampoco reportaría más beneficio para el cine que el que supone la prosperidad de cualquier otro segmento del mercado, por ejemplo, la industria del calzado.

Cierto, no hay escuelas de cine. Tú te formaste en el taller de Armando Robles. ¿Qué visión del cine impartía y qué fue lo que más asimilaste? Aprovecho para señalar que Armando creía que para que el cine tuviera alguna posibilidad debía comprometer el interés de todos los peruanos. Por eso fue uno de los más importantes impulsores de la ley de cine de los setenta, que derogó Fujimori. Lo que más aprecio, entre las muchas cosas que le agradezco a Armando, es la idea de que el lenguaje cinematográfico debe conocerse no solo para hacer películas, sino también para verlas. Así como que al igual que en el mundo hay muchas lenguas, en el cine también, y que hay autores que tienen la genialidad de concebir un lenguaje propio y construir una comunidad de hablantes. Aunque él lo verbalizaba a su modo, siempre irónico. Trabajar con Magaly Solier potencia la atención mediática de la película. Ella no es la protagonista. ¿No crees que eso pueda confundir al público? ¿Condicionar su visionado? No. Aunque no sea el protagónico, su papel es muy importante y atraviesa toda la película. Por eso es que ella era la indicada para hacerlo. El público no va a ver a una actriz que aparece un instante y no vuelve a salir, en ese caso no hubiera sido indispensable contar con ella. La gente que vaya a ver mi película se encontrará con la mejor versión de Magaly Solier, una interpretación intensa, pero a la vez muy contenida. De otro lado, para mí no hay papeles menores y no soporto las películas con personajes planos sin calado psicológico, que parecen puestos ahí solo para el brillo del protagonista. En ese sentido, espero que no solo el de Magaly, sino también los otros personajes sean capaces de interesar al espectador

de manera que no sea fácil decir quién es el protagonista. Así he trabajado con mis actores y actrices. Cuando en los ensayos o durante el rodaje le daba indicaciones a alguno de ellos, ese era para mí el protagonista de la película y espero que ellos hayan sentido lo mismo. Tú siempre has sido un polemista en cuestiones cinematográficas. Eres incómodo para quienes les gusta, bien tranquilitos, tener el poder. Mientras filmabas, se hacía el lobby de la ley de cine que sabemos tiene puntos muy débiles con respecto a la exhibición. ¿Qué decir al respecto? ¿Cómo hacer que se retome en serio ese punto crítico? En realidad no es mi propósito ser polémico, es decir, polemizar gratuitamente por el gusto de hacerlo. Cada vez que intervine en el debate lo hice con la genuina intención de aportar algo. Respecto de ese punto (el de la exhibición) soy pesimista, porque el proyecto de ley lo han consensuado los cineastas y los críticos agremiados, de manera que si ellos se sienten conformes con que no haya cuota de pantalla sino un eufemismo en su lugar, eso es lo que se va a presentar, porque son los únicos interlocutores que puede reconocer el Estado, aunque el Ministerio de Cultura publicó el proyecto de ley para que todos opináramos (probablemente otro eufemismo). Sin embargo, sin ese artículo la ley solo garantiza la provisión de dinero. Y sin garantías para la exhibición en igualdad de condiciones que las cintas extranjeras, el cine peruano jamás se independizará de las ayudas del Estado, aunque cada vez sean posibles producciones con menor presupuesto que en la época del film. Lamentablemente, según mi opinión, algunos de los cineastas y críticos agremiados, parecen creer que el problema del cine peruano está únicamente en el dinero para la producción, pero

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después de la revolución digital, aunque aún se requiere de la ayuda del Estado, igual de importante me parece a mí la exhibición. Es más, la ley sin topes para realizadores que ganan concursos año tras año, podría fomentar un tipo indeseable de cineasta parásito al que no le interesa la realización de su obra como un fin en sí mismo, sino vivir del dinero de los contribuyentes. Una suerte de especialista en preparar proyectos y ganar concursos, que realiza películas cuyo nivel artístico ya no importa a nadie. Yo aventuré la hipótesis, que por supuesto podría ser errada (por lo menos eso espero), de que los agremiados quisieron dar un guiño a las exhibidoras (quienes pueden poner en agenda el tema, pues cuentan con envidiable acceso a los medios además de las más altas esferas del poder) sacando la cuota de pantalla, para así lograr su apoyo al proyecto de ley. Si fuese el caso, habría sido una torpeza. No se consiguió su apoyo y no se logrará, a menos que se les incluya en la repartición del dinero. Si el proyecto no cuenta con el apoyo político del señor ministro de Cultura, es decir con su decisión de enfrentarse al ministro de Economía, lo más probable es que sus posibilidades sean mínimas. Entonces aparecerá el espacio para que los cineastas habituados a ganar los premios, agremiados en la Asociación de Productores Cinematográficos del Perú (APCP) promuevan una ley tipo Raffo, en donde el dinero de los contribuyentes se le obsequie a las distribuidoras y exhibidoras. Lo que se puede hacer para que no se pierda de vista ese punto, es seguir contestando con franqueza y sin ninguna timidez esa pregunta cada vez que nos la formulen. El marketing va por la taquilla, poco le importa la comprensión de la película. Entonces, ¿qué consideras necesario para un mejor entrenamiento de audiencias? Es un tema complejo que ameritaría por sí mismo una entrevista. Pero podríamos recordar someramente lo dicho a propósito de las otras preguntas. Primero, no tratar la película como un producto, sino como una obra capaz de provocar una experiencia estética e intelectual. Segundo, si el cine es un lenguaje, hay que enseñar los principios de ese lenguaje desde muy temprano, de manera que el espectador de verdad pueda decidir qué es lo que prefiere ver y no tenga la ilusión de que decide, cuando en realidad es conducido como ganado. Tercero, asegurar la exhibición, para que el público tenga verdaderas opciones. Añadiría que es fundamental que quienes participamos del mundo del cine peruano, autores, críticos, actores, técnicos, etc., fuéramos capaces de

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participar con solvencia y argumentos en el debate público sobre nuestras circunstancias y tomar posición respecto de ellas, alejándonos más bien de la exposición mediática farandulera. Para eso debemos vernos como personas con una responsabilidad con nuestra sociedad. Por supuesto, a esto hay que sumarle las cosas concretas como son, el fomento de salas de difusión de cine arte, la publicidad de ellas, la edición de crítica seria que se aleje de la mera reseña ambigua y condescendiente, el apoyo a festivales de cine independiente, la organización de talleres, etc. Esto solo se puede lograr con la participación del Estado. Uno de los aciertos del nuevo proyecto de ley es destinar fondos para ello, aunque ha trascendido que el representante de la APCP Gustavo Sánchez (y lo digo en condicional), proponía que se destinara únicamente el 1% para ello, de manera que quedara más dinero para los cineastas. Seguramente lo están difamando. No creo que ni siquiera él pueda tener una mirada tan mezquina y miope respecto de este tema.

“la ley sin topes para realizadores que ganan concursos año tras año, podría fomentar un tipo indeseable de cineasta parásito al que no le interesa la realización de su obra como un fin en sí mismo, sino vivir del dinero de los contribuyentes. Una suerte de especialista en preparar proyectos y ganar concursos, que realiza películas cuyo nivel artístico ya no importa a nadie.” ¿Qué crees que debería tener claro Dicine para generar cambios sustantivos? Para empezar, el Dicine debería contar con el apoyo incondicional del señor ministro, don Luís Peirano. Sin eso es imposible realizar cambios decisivos en la estructura que quedó del antiguo Conacine (absorbido y disuelto), sobre todo considerando que los cineastas acostumbrados a ganar los premios del Conacine sienten que se les escamotean privilegios de los que son dueños dado que este año ha sido el que más operas primas ha premiado. Hay gente muy poderosa e influyente, con acceso directo al ministro, que sabe que aquí se dispone de mucho dinero y que si se aprueba la ley se dispondrá de mucho más, y que no quiere que éste se administre de manera clara y democrática. Al contrario, lo que buscan es que regrese una administración como la que tuvo Rosa María Oliart en los últimos años

del Conacine , en donde la falta de transparencia y el acomodo de las bases de los concursos para permitir la participación de sus allegados era moneda corriente. ¿Qué para garantizar esa transparencia? Como se sabe, la falta de transparencia es el reino de la arbitrariedad. Por consiguiente es fundamental que esto cambie en sus estructuras. Los concursos deben ser lo más transparente posible, para lo cual deberían ser lo más público posible. Las bases deben incluir el sistema de evaluación y puntaje que usarán las comisiones técnicas. Las evaluaciones de las comisiones técnicas, los puntajes otorgados y su argumentación, con las listas de los proyectos que pasan a la siguiente etapa, también deben publicarse, de modo que cualquiera pueda ver y analizar los criterios que dichas comisiones usaron para decidir quienes pasan a la siguiente etapa. No hay ninguna razón para que esto se haga de manera secreta, al contrario, más bien promueve que se tomen decisiones arbitrarias y que los concursantes queden con la sensación de no haber sido evaluados con justicia. Así mismo se debe hacer con los jurados. El pitching (argumentación frente al jurado) debe ser público. No hay ninguna razón para que no lo sea, excepto promover un espacio en donde los jurados sean unos dictadorzuelos todopoderosos que incluso –se han dado casos– falten el respeto a los concursantes. Obvio que para los concursantes también… Por supuesto. Se debe actuar como en un examen de grado universitario. De parte de los concursantes también debe haber transparencia. Los proyectos deben publicarse íntegramente de manera que cualquier ciudadano pueda enterarse de sus presupuestos, de quienes trabajan allí, de cuál es su tratamiento cinematográfico, guión, etc. Así cualquiera puede hacerse una idea sobre si el proyecto merecía ser premiado o no y cuáles son los sueldos con que se ganan los concursos, en vista de que se sabe que algunos de los productores deciden no cumplir con esos presupuestos. Toda medida que lleve a hacer los concursos abiertos a la mirada pública debería tomarse de inmediato. De lo contrario no se habrán logrado cambios estructurales y si las influencias que ahora mismo están luchando y haciendo todo lo posible para que la actual administración del Dicine cambie, y vuelva una tipo ‘Rosa María Oliart’ (ya un genérico), consiguen su objetivo, se buscará aprobar una ley de cine tipo Raffo, muy de acuerdo a la forma de pensar de la APCP y la administración de ese dinero volverá a ser un escándalo.


Por John Campos Gomez

REPORTE ‘CLIMÁTICO’

Del segundo semestre cinéfilo No todos tenemos la suerte de viajar a otros países solo para ver películas. Y bueno, en mi caso, lo mejor que puedo hacer –para dar la impresión de ser solidario– es elaborar una lista de recomendaciones de lo mejor que pude ver. Próximamente me las agenciaré para meterlas en Polvos Azules, pero, por el momento, solo puedo hablar de ellas. Son éstas cinco algunas de las mejores películas de la segunda mitad del año. ¿Dónde las vi? Al sur de Chile, en Valdivia, donde llueve hasta cuando hace calor.

VIOLA

LA ÚLTIMA VEZ QUE VI A MACAO

SOFIA’S LAST AMBULANCE

DE JUEVES A DOMINGO

L’AGE ATOMIQUE

El argentino Matías Piñeiro filma con una delicadeza acogedora. Su universo es el femenino –pese a ser varón– y lo aborda con una admiración hacia su belleza demostrable en las líneas de cada uno de sus planos: se deja asombrar por rostros de hermosas mujeres, por la manera como hablan, por cada detalle. La obra de Piñeiro es motivada por la de Shakespeare, sus filmes son adaptaciones desde un lado más sensual, donde el erotismo es el principal factor que desencadena las emociones.

Policial romántico nada convencional. Es más, encasillarla en un género es hacerle injusticia. Pero lo dejaremos así para tener un punto de partida más claro. El director de la notable morir como un hombre elige como escenario a la otrora colonia portuguesa de Macao, hoy llena de chinos y sus luces de neón. Enigmática, es la plaza ideal para un crimen sin resolver y una historia de amor trunca. Pero la película se narra completa con una voz en off que cuenta los avatares del conflicto, mientras en imágenes se ve la transformada Macao como evocadora de sentimientos pretéritos. Los protagonistas son los rincones olvidados de la ciudad.

De por sí, es una rareza encontrarse con un filme búlgaro. Pero si recorrió tanto debe ser por algo. Veamos: un documental acerca del sistema de salud búlgaro, criticado a través de la precariedad de una ambulancia (la última de la capital Sofía), la cual siempre llega tarde a las emergencias, y no tiene el equipamiento necesario para salvar la situación. La película acumula esos fracasos, centrándose en las expresiones de frustración de los médicos, para demostrar su tesis de que si en Sofía te accidentas, date por muerto. Toda la acción dramática sucede en el fuera de campos; allí, lejos del alcance de los médicos y solo sus buenas intenciones.

Una road movie desde la perspectiva infantil. La primera película de la chilena Dominga Sotomayor se basa en el (último) viaje de una familia hacia ningún rumbo fijo. Entonces se propone una marcha hacia la desintegración, pero sin sobresaltos dramáticos ni exceso de edulcorante. Sotomayor deja que los silencios se impongan para denotar emociones y hace del desierto del norte de Chile, el espacio donde la familia se introduce cada vez más durante la película, el lugar representativo de la desolación. Los hijos miran de cerca cómo los afectos se van enfriando.

La homosexualidad para muchos es un tema, para otros, más sensibles e inteligentes, es un estado emocional, una modalidad del amor. La hermosa Héléna Klotz es de los segundos y lo demuestra de entrada con su primera película, que se sumerge en los suburbios parisinos donde dos jóvenes se enfrentan a la noche. Mostrados muy de cerca, Víctor y Rainer exudan libido. Están dispuestos a enamorarse de quien sea, de quien conecte con sus ganas de sexo, el género no importa. A Klotz le interesan los atrevimientos sexuales de una juventud desbocada, sincera con sus carnes. Irradia sexualidad l’age atomique.

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Por Luis Casassa

EVOLUCIÓN DEL VAMPIRO EN LAS PANTALLAS

Hace 165 años, un 8 de noviembre de 1847, nació Abraham “Bram” Stoker, creador del libro drácula. Desde que publicó su famosa novela (1897), llevar a este personaje al cine y a la televisión ha sido el sueño (o la pesadilla) de muchos directores. 115 años después de su creación, hemos querido hacer un repaso por los distintos vampiros que se han inspirado en este mítico monstruo. Coge tu estaca y un manojo de ajos para acompáñanos… si te atreves.

EL SEÑOR DE LOS VAMPIROS

MALDICIÓN AVIAR

Una cruel dinastía de patos vampiro, que reaparece cada mil años, se ve truncada por la utilización de kétchup, en lugar de sangre de murciélago, en su oscuro ritual de rencarnación. Debido a esto, el Conde Pátula, el último de sus descendientes, se siente atraído por los sánguches de brócoli y no por succionar sangre. El inofensivo protagonista de esta serie británica de finales de los ochenta tiene un mayordomo llamado Igor, que intenta volverlo malvado a toda costa, y una nana gorda que siempre está atenta a sus requerimientos.

VAMPIRO PIRATA

IT’S A BLACKPIRE

El Príncipe Mamuwalde (William H. Marshall) no es el monarca nigeriano que pide en un hoax que le des un número de cuenta para compartir su fortuna contigo. Es el personaje principal de blácula, un soberano africano tan cándido que se le acerca a Drácula para pedirle ayuda. Éste lo convierte en vampiro (por idiota) y lo encierra en un ataúd. Dos siglos después, el primer vampiro negro es liberado y se dedica a morder cuellos en Los Ángeles. Aunque no lo creas, esta película fue una de las más taquilleras de 1972, logrando recaudar más de un millón de dólares y adjudicándose el primer Saturn Awards, el Oscar de la ciencia ficción, distinción que ganó el exorcista al año siguiente.

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A ese tío al que llamas Saruman de el señor de los anillos, se le conocía en los sesenta como el Príncipe de las Tinieblas. Christopher Lee tenía pasta para encarnar al Conde Drácula, toda vez que era hijo de una condesa: Estelle Mari Carandini. Su primer papel como vampiro lo realizó en corridors of blood (1958), papel que repetiría en ocho películas más hasta los ritos satánicos de drácula (1974). Tras colgar la capa, deambuló en su mayoría por producciones menores, hasta su interpretación en la antes mencionada saga de Peter Jackson.

¿Qué hacer si no consigues los derechos de un libro para filmar una película? Fácil, cambia el nombre de los personajes, algunos puntos en el guión y la presentas como una idea original. Eso pasó con nosferatu (1922), la película de F.W. Murnau. Aquí, Drácula es el Conde Orlok, un pelado interpretado por Max Schreck (no confundir con Shrek, ese era un ogro) que se quiere pachamanquear a Ellen (Mina en la versión original). Enterada del plagio, la viuda de Bram Stoker le metió un juicio a la pela. La corte dictaminó que las copias de nosferatu sean destruidas, pero algunas fueron escondidas hasta que la señora Stoker murió. En 2000 se filmó la sombra del vampiro, un homenaje a la cinta de Murnau, en el que se recreaba esta filmación, pero incluyendo en la historia a un vampiro verdadero como protagonista.

DE CHUPASANGRE A MORFINÓMANO

En 1931, Bela Lugosi filmó drácula, dirigido por Tod Browning, ganó fama inmediata y extendió ésta a lo largo de los años treinta y cuarenta, gracias a sus dotes histriónicos y a su acento húngaro. Sin embargo, fue dejado de lado por las mejores producciones de Hollywood para conformarse con filmar películas de cuarta. Así, Lugosi cambió los tibios cuellos de sus bellas coprotagonistas por las jeringas con morfina. El 16 de agosto de 1956 este vampiro por antonomasia entró nuevamente a un ataúd… esta vez para nunca más levantarse.


VAMPIRO PATEADO

A ver: Blade es un chupasangre que no tiene problemas con la luz solar –sus anteojos oscuros son más ornamentales que otra cosa– ni con el ajo. ¿Cómo es eso? Ahhhhh, es que Blade es un Dhampiro (un híbrido entre humano y vampiro). Pero no es que su madre haya tenido una noche loca con una de estas criaturas, sino que a ésta, ya embarazada, la mordió un vampiro. Este hecho será crucial para que este héroe de la Marvel proteja a la humanidad de sus predadores diabólicos durante la trilogía cinematográfica que protagoniza. Felizmente, nadie quiere tener a un Wesley Snipes recargado con ganas de matarte.

DRÁCULA SE REENCARNA

Difícil que alguien le quite a drácula de bram stoker el título de “la mejor adaptación cinematográfica de la novela que se haya hecho nunca”. La interpretación de Gary Oldman es tan genial que sería capaz de asustar al mismísimo Stoker. El actor usó una voz para su Drácula joven y bajó su tono una octava para lograr una voz más espeluznante para el Drácula anciano, al punto que al momento del doblaje de la cinta se tuvo que utilizar a dos actores por idioma. El vampiro de Oldman es catalogado como una de las mejores interpretaciones del cine moderno. Que alguien le pase el video a los muchachos de crepúsculo.

¿VAMPIRO? YA PUES, EN SERIO…

Antes, la figura del vampiro causaba terror, tenía porte y maldad. crepúsculo nos vendió a un Edward Cullen quejumbroso, tristón y medio metrosexual, que hacía suspirar a jovencitas mientras los amantes del género se quedaban dormidos. Imaginamos que los realizadores de la saga habrán descartado vampiros que vayan pegados todo el día al celular, que manden tuits o que paren de arriba a abajo con un vaso de café, pero nos presentaron a este vampiro sui géneris porque, de alguna manera, querían “modernizar” su figura. Fail!

COLMILLOS POSTIZOS

De 1964 a 1966, Al Lewis interpretó al Abuelo en la serie los munster, un chupasangre con la capacidad de convertirse en un pequeño vampiro, lobo y en el jodido suegro de Herman Munster. La mayor parte del tiempo andaba en su laboratorio al lado de su mascota, un murciélago llamado Igor. Aprovechaba sus habilidades como científico loco y hechicero para ayudar a la familia con pócimas y brebajes, aunque estos usualmente fallaban. Si eres mujer, desconfía de su caballerosidad cuando intente besar tu mano: intentará darle vuelta y morder tu muñeca.

ESTÁS CON LOS MUÑECOS

¿Sabes cuándo es seguro dejar a tus hijos al cuidado de un vampiro? Solo si se trata del Conde Contar. Este vampiro de esponja lila no se le ha visto nunca huyendo de la luz, espantado por una cruz ni succionándole la sangre a ningún niño, por lo que no deberías dejarte intimidar por sus decorativos colmillos. El único mal que se le conoce es la aritmomanía, un desorden mental que lo impulsa a contar todo lo que lo rodea (de ahí su nombre pues, imbécil). La leyenda cuenta que todos los vampiros sufren de esta enfermedad, aunque hasta ahora solo se la hemos visto a este monstruo de peluche de Plaza Sésamo.

DIME CON QUIEN MUERDES…

Aunque Lestat de Lioncourt (Tom Cruise) y Louis de Pointe du Lac (Brad Pitt) se conocen desde hace más de 200 años y han vivido juntos, son muy diferentes el uno del otro. Mientras el primero es cruel, desalmado y tiene la horrible manía de andar convirtiendo en vampiro a quien le apetezca; el segundo es culposo, arrepentido y más buena gente. Aunque bueno, tampoco es un santo: el beso de Louis a Claudia (Kirsten Dunts), una vampiresa convertida a los 11 años, causo polémica y acusaciones de pedofilia por parte de la crítica. Y eso que en el libro, Claudia aparentaba solo 6 años. Igual, no prejuzguemos a estas criaturas.

CHIQUIVIEJA BRAVA

Tu mejor aliada si te hacen bullying en el colegio. Cuando pensamos que todo estaba perdido y que estábamos condenados a padecer de bebedores de sangre universitarios, con actitud emo y el cabello parado, apareció Eli, la pequeña vampiresa de déjame entrar para recordarnos lo que es un vampiro. Que su pinta de chibola no te engañe: tiene más de 100 años. Casi, casi como Yola Polastri.

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QHDN MÚSICA

Por Leggiere

eL Poder

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ace unos días, al ver Ted (cague de risa, buena película si quieres ver algo absurdo, por cierto) me sorprendió la aparición de Sam J. Jones, el protagonista de la ochenteraza película flash gordon. Antes de hacer roche: no es que viera esa pela cuando se estrenó, sino las repeticiones. Lo que me llamó siempre la atención de Flash fue la forma de captar una época, en estética, colores, frases, etc., pero en el momento equivocado. Flash era un filme de los ochenta anclado en décadas

anteriores y, a pesar de tener un buen reparto, llegaba con un retraso notorio en modas y avances tecnológicos. Esa misma sensación de atemporalidad se siente al escuchar Lonerism, la segunda entrega en álbum de la banda australiana Tame Impala. Canciones que se escaparon de los sesenta pero que, a diferencia del tío Jones, suenan terriblemente actuales. El sonido casiotón de Elephant no te haría buscar la fecha del álbum en la tapa del vinilo: sabes que son dosmiles porque, aunque te suena a The Sputniks, también se parece a Beach House. Kevin Parker, líder del pro-

yecto, productor y músico de todos los instrumentos, hace de su lonerism un ejercicio de psicodelia y hard rock, apegado tanto a la sensualidad de la Lovely Rita beatle y la suavidad de The Deep Six, como al poderío rítmico de Zeppelin. En muchos sentidos, tiene la frescura de The Flaming Lips, pero con una gran ventaja de cara al público: es pop mucho más directo, que no esconde la cabeza en las flores, sino que la muestra con total descaro y con melodía irresistible. La ya mencionada Elephant, con su ritmo de maratón, es casi un babies go yes, sin por eso convertirse en puré de calabaza. Por el contrario, se agradece

La banda australiana Tame Impala firma un álbum, el segundo de su carrera, que tiene todo para convertirse en clásico

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la generosidad de licuar toda la grasa. Apocalypse dreams hace que la elipsis Cream-Modest Mouse se resuelva en tres palabras (y algunos aco zrdes distorsionados más) y Sun’s coming up es un homenaje sin disfraz a The Zombies, casi cantado por The Magnetic Fields. En la otra vertiente, Mind mischief combina las baquetas de Bonham con guitarras ácidas: la única imagen que viene a mi mente en este momento es Tarzán nadando bajo las aguas, entre lanzas envenenadas. Y sería ocioso mencionar a qué sabe el bonus track Led Zeppelin en la versión para iTunes.

Lo que en innerspeaker, el primer trabajo de los Impala, estaba sugerido, se desata con total fluidez en este segundo disco y llega a picos insólitos como She just won’t believe me y Feels like we only go backwards. Libertad para componer y exigencia de libertad para vivir, hacer de ‘el mañana nunca sabe’ un lema en lugar de una referencia musical. Viajar hacia adelante y hacia atrás, como en las máquinas del tiempo de las películas serie B, pero sin perder el timón del presente. Como si Sam J. Jones pudiera regresar sin hacer el ridículo.


QHDN MÚSICA

Por Leggiere

ODA

SIGUE ESCUCHANDO

A NADIE

torture

(cannibal corpse)

P

ocas carreras en el pop en español tan importantes y poco valoradas, a este lado del mundo, como la de Quimi Portet. De él se sabe apenas que tocaba la guitarra para el lucimiento vocal de Manolo García, en El Último de la Fila, y poco más. Contados serán quienes se enteraron de que hace algunos meses llegó a su octavo álbum en solitario, terco en su fijación por la melancolía y el sentido del humor trágico. Y que probablemente sea uno de los mejores discos en castellano en lo que va del 2012. Portet, quien coloca sin dudar la barrera del idioma para evitar la masividad (catalán de nacimiento y porque no me quedó otra, diría), tiene una carrera de 30 años en los que ha probado el rock, la psicodelia y el crooning. No muy dotado para cantar pero

LA HYPE DEL MES

CHILDHOOD Cinco chiquillos de Londres que suenan a The House of Love y demasiada ensoñación para tan pocos recuerdos. Con unos cuantos singles en cartera compiten hoy, palmo a palmo, por la corona del single debut del año (Haltija), mientras las revistas indies se pelean por tomar la mejor foto de Ben Romans-Hopcrafts, casi un clon de Eder Hermoza.

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titánico en la composición, ha pasado por etapas de las más diversas tonalidades hasta llegar a oh my love, en la que por fin luce cómodo –como él mismo confiesa– y en compañía de sus viejos amigos, para hacer que la crisis pase con resignación y a velocidad. Verlo jugar en bermudas delante de las cámaras, en el video del tema Oh my love, y en calzoncillos en Tinc una bèstia a dintre meu, es conmovedor en sentido estricto. oh my love, el disco, es una autoafirmación del genio que prefiere pocos aplausos pero auténticos. Sonidos dulces para digerir mensajes duros o agrios, en los que no parece haber más salida posible que pasar a la acción. Pero, ¿cómo lo harías si te lo dicen en un idioma que no entiendes y en boca de un señor que no se toma nada en serio?

Todas las aristas del brutal death cubiertas, a velocidad del rayo, más bestias, más profundas y más aplastantes que de costumbre. La banda de Corpsegrinder no se va con rodeos y consigue en el doceavo intento una joya mutante que quiebra cualquier resistencia. Discazo. Temas destacados: Scourge of iron, Demented aggression.

born to sing, no plan b

(Van Morrison)

Una de las leyendas vivas del rock y el soul retorna con un disco reposado, classy, cubierto de New Orleans jazz de principio a fin. A los 67, el irlandés ya no tiene las cuerdas vocales de antes pero calor le sobra para seguir convirtiendo todas sus canciones en pequeñas hogueras. Temas destacados: Open the door (to your heart), Born to sing.

british lion

(Steve Harris)

Gran expectativa causó entre los fans de Iron Maiden el primer trabajo en solitario del legendario

bajista. Sin embargo, los resultados han sido irregulares. british lion es un ejercicio de amigos que aprovecharon el marketing de la Dama y te vendieron una voz sin emoción (Richard Taylor) y una que otra canción que recordarás. Temas destacados: Us against the world, The chosen ones.

the abbey road sessions

(Kylie Minogue)

Actriz, cantante, con un trasero valorizado en cinco millones de dólares y con el talento suficiente para grabar un disco recopilatorio de 16 canciones (incluido el hiperclásico The locomotion) con orquesta y en un mítico estudio de grabación. Nadie puede decir que a esta chica le regalaron algo. Temas destacados: Finer feelings, All the lovers, Can’t get you out of my head.

RAVE AGE

(Vitalic)

El dance electrónico con alma punk sigue ganando terreno en Francia, con el trabajo tenaz de esta banda (desde el 2001) y con la explosión de Justice. rave age es el tercer y más agresivo álbum de Pascal Arbez-Nicolás, programador, voz y único integrante del combo. Temas destacados: The march of Skabah, No more sleep.


EN gira

M ONSTRUOS

La calle sigue dura para los músicos, incluidos los grandes, lo que obliga a sus managers a inventarse retornos, reencuentros, efemérides y cualquier oportunidad para seguir haciendo plata con giras mundiales. Algunos de los clásicos que empezarán tours en los próximos meses son los siguientes (siempre queda la esperanza de que hagan una parada aquí):

DEPECHE MODE

A fines de octubre lanzaron un avance de su nueva producción, con el nombre momentáneo de in-studio collage 2012 y con un video en el que se les ve bien viejas. Los británicos retornan a la línea del ultra y anuncian para el 2013 un nuevo disco y una gira mundial, que se iniciar en mayo, con fechas confirmadas en Europa. Sería un golazo que vuelvan.

ROLLING STONES

Los abuelos del rock han lanzado uno de sus mejores singles en años, Boom and doom, y empezarán el próximo año una gira que, según la información disponible, solo llegará a las principales ciudades de países ‘importantes’. La culpa la tiene Keith Richards, que se resfría a cada rato.

AC/DC

Reconfirmaron en agosto que el 2013 vendrá con nuevo disco y una gira mundial, para celebrar los 40 años de la banda. No hay plazas confirmadas, pero ya estuvieron en Sudamérica el 2009 y 2011, siempre con Buenos Aires como ciudad favorecida. Hasta ahora ningún productor pudo cerrar acuerdo para que vengan al Perú.

BLUR

El cuarteto de Londres lanzó en julio el single Under the westway / The puritan, volvió a los escenarios en agosto y luego anunció, para inicios del 2013, presentaciones en Bélgica (con Green Day, Rammstein y Depeche Mode), España y Portugal. Productores de Estados Unidos y Europa lanzaron ofertas para una gira mundial, aunque las opciones en América Latina son pocas.

IRON MAIDEN

La banda de Bruce Dickinson no se cansa. Luego de finalizar un maratónico The Final Frontier World Tour, anunció más conciertos en el 2013, con paradas en Colombia, Argentina, Brasil y Chile. Con dos pascanas en el Perú en los últimos cuatro años, es muy probable que volvamos a ver a la Bestia en acción.

THE CURE

Un 2012 activo para Robert Smith y compañía, con presentaciones en casi toda Europa, incluido el Paléo Festival Nyon, en Suiza, en el que el vocalista dio una entrevista y mencionó su voluntad de tocar en América Latina durante el 2013. La mención al Perú como parada en su gira sudamericana, tomada inicialmente como un error, podría hacerse realidad.

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QHDN MÚSICA

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C R ON OLOCREAMFIELDS

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En agosto de 1998, la juventud de liverpool vivió el primer creamfields, un megaevento que nació gracias a la iniciativa de los dueños del club nocturno cream. Desde entonces, lo más selecto y variado de la movida electrónica ha hecho saltar y gozar a cientos de miles de asistentes y ha extendido su beats alrededor del mundo, a ciudades como almería (andalucía), punchestown (irlanda), buenos aires (argentina), estambul (turquía), ciudad de méxico (méxico), moscú (rusia), praga (república checa), santiago de chile (chile), sao paulo (brasil), wroclaw (polonia), entre otros, y desde 2007 –por supuesto–, gracias a barena, nuestra capital. Hagamos un recuento a lo largo de estos cinco años de la mejor electrónica del mundo.

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O

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2007

2008

2009

DEBUT CON BUEN PIE

CAMBIO DE CANCHA

Hace cinco años, un 17 de noviembre, se realizó el primer Creamfields en nuestro país, en el Club Hebraica de La Molina para ser más exactos. Un par de años antes, para tantear la movida limeña, se habían realizado los Limafest con éxito en nuestra capital. Esto impulsó a Arturo Ruiz, organizador en nuestro país del evento, a apostar por él. La primera vez que este importante festival aterrizó en Lima contó con la presentación de John Digweed, Hernán Cattaneo, James Zabiela, Matthew Dear, Desyn Masiello, 16 Bit Lolitas, Argy y Gui Boratto. La cuota nacional estuvo cubierta, principalmente, por Rodrigo Lozano, Miki Gonzáles y Jaime Cuadra. “Pensé que el Perú no estaba preparado para un evento así”, llegaría a decir Arturo Ruiz. Se congregó a más de 7,000 asistentes.

La versión inglesa de Creamfields cumplía 10 años y nosotros celebrábamos nuestra segunda edición en suelo peruano el 15 de noviembre de 2008. Ese año, se contó con una nueva locación: el Fundo Mamacona, con la intención de albergar a más personas. Así, el lineup contó con la participación de los peruanos Rodrigo Lozano, quien repitió el plato, Cristian Berger, Kike Mayor, Mayza Lozano, Israel Vich, Jumi Lee y el debut de La Mente. A ellos se sumaron Steve Lawler, Markus Schulz, Junkie XL, M.A.N.D.Y., Dave Seaman, Carl Craig, Sebastien Leger, Felix The House Cat, Matthew Edwrads, Satoshi Tomiie, entre otros. Los asistentes bordearon las 9,000 almas.

PUNTO OBLIGADO

Richie Hawtin, Hernan Cattaneo, James Zabiela, Sander Kleinenberg, 2 Many Djs, Etienne de Crecy, Gaiser, Heidi, Shlomi Aber, Luca Bacchetti, Guy J y Deep Mariano fueron los artistas foráneos que pusieron eufórico al mar de gente que se congregó, nuevamente, en el Fundo Mamacona –local que se convertiría también en el elegido para las posteriores versiones– el sábado 14 de noviembre del 2009. Destacaron entre los exponentes peruanos los ya habituales Rodrigo Lozano y Christian Berger, así como Theremyn_4. El evento se convertía en una cita imperdible para los amantes peruanos de la electrónica y para nuestros vecinos más cercanos, atraídos por el Creamfields Lima, uno de los eventos con mejor cartel en este género de la región.

O 2010 ROMPIENDO RÉCORDS

Por tercera vez en el Fundo Mamacona, nuevamente en noviembre (20) y desde luego con la calidad de siempre, se dio el cuarto Creamfields Lima. El cartel estaba encabezado por Dubfire, Ferry Corsten, Calvin Harris, Nick Warren, Marco Carola y muchos más. Por Perú, Rodrigo Lozano y Christian Berger –como dijimos líneas arriba– se convertían en caseritos infaltables. Más de 13,000 personas dijeron: “¡Presente!”, ¡casi el doble de las que disfrutaron la primera versión en el Club Hebraica!

O 2011 NO HAY QUINTO MALO

Ha pasado un año (19 de noviembre) desde vez que unos 20.000 amantes de la música reventaron el Fundo Mamacona durante esta quinta fiesta de la electrónica. El festival tuvo como invitado estrella al DJ del momento: David Guetta, quien nos visitaba por segunda vez. El lineup lo completaban Pan Pot, Art Department, Guti, Dan Ghenacia, Marcus Fix, DJ W!ld, Loco Dice, John Digweed y muchos más. Nos representaron Andrés Dyer, Israel Vich, Danny eM, Jumi Lee, entre los más importantes. ¿Te la perdiste y te quedaste con la miel en los labios? Sereno, moreno, que viene más.

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O 2012 ¿LA FIESTA DEL FIN DEL MUNDO?

Ya pues, no les vas a creer a los Mayas –o mejor dicho a los que especulan con sus grabados–, peeeero… igual, este sábado 17 de noviembre no te debes perder la sexta versión porque estará, como siempre, buenaza ¬–y además, no vaya a ser que la chunten por ahí y te vas a la otra en diciembre sin darte el gusto–, será espectacular. ¿No nos crees? Apunta: Armin van Buuren, Dubfire, Hernan Cattaneo, James Zabiela, Steve Lawler, Nervo, Miss Kitin, Mandy, Claude Vonstroke, Mathias Kaden, Tale of Us, Henry Saiz, Livio & Roby, Sasha Dive, Dorian P., Rodrigo Lozano y Christian Berger, estos últimos con su nuevo proyecto Deaf Pilllow. ¡Imperdible!

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Por Luis Casassa

ALMOHADA

Guillermo Vilcherrez

ELECTRÓNICA

Desde hace mucho, Rodrigo Lozano y Cristian Berger ayudaron –cada uno por su lado– a que la movida electrónica en Lima se convierta en una ola musical que inundó la capital, llevando consigo a los felices amantes del género. Ahora, han unido fuerzas y experiencias con su sello discográfico Audionumb Music, con el que promueven a figuras locales de la tornamesa, y su nuevo proyecto Deaf Pillow, con el que estarán presentes en la sexta edición de Creamfields.

¿Qué los motivó a unirse como una sola fuerza? RL: Primero, la suerte de poder trabajar juntos. Nos conocíamos mucho tiempo atrás pero nació el bichito de tocar unas cuantas veces y luego, de ahí, decidimos meternos al estudio a hacer música. ¿Y en qué inspiraron su nombre, Deaf Pillow (Almohada Sorda)? RL: En que él duerme mucho (jajajaja). CB: Fue un brainstorming que hicimos por teléfono y, entre varias cosas, salió Deaf Pillow. Buscamos transmitir que las cosas no son tan serias, sino algo más relajado. ¿Cuál es el resultado de la unión de estos estilos distintos? RL: Unir 12 años de experiencia es bueno, con artistas que tienen, cada uno por su cuenta, una carrera sólidamente construida. En esto de la música electrónica mucho tiene que ver el bagaje musical que tiene uno, con los años de experiencia,

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roce internacional y la colección de música personal. CB: Lo que hacemos en nuestro set es poner bastante de la música que estamos produciendo. Ya sea terminada o en proceso, para ver la reacción de la gente. Y también promovemos música del sello que tenemos, que se llama Audionumb Music, de artistas locales. ¿Qué artistas están promocionando? CB: Tenemos a Danny eM, He did, José Luis Tapia, cosas de Rodrigo, cosas mías, cosas de Deaf Pillow… RL: …Huber Gómez, Rodrigo Dyer, hay un abanico de artistas que estamos manejando con el sello. ¿Hay algún secreto para “leer” qué tipo de música ponerle a la gente en una tocada? CB: No hay ninguno, pero más o menos sabes a qué tipo de fiesta vas, qué artista viene después o estuvo antes. Según eso ya se ve qué poner, siendo fiel a tu estilo, y sin ser tan condescendiente con el público, porque

a veces la gente te pide música que esté “más arriba” pero tienes que respetar al artista que viene después. ¿Cuál es la diferencia de tocar como solos, y hacerlo como Deaf Pillow? CB: Es diferente, cuando toco solo puedo poner algunas cosas que no pondría cuando tocamos juntos. RL: Por ejemplo, yo puedo poner un track muy vocal que sé que a Cristian no le va a gustar o él puede poner uno muy minimal que no necesariamente va conmigo. Pero, de hecho, la base, la esencia está ahí. Rodrigo Lozano solo, suena como Rodrigo Lozano, y Cristian Berger solo, como Cristian Berger. Ambos tenemos un punto de vista similar en cuanto a la música que tocamos y la que nos gusta. Dentro de las influencias de cada uno, existe un punto intermedio, una intersección. Y es ahí donde nace Deaf Pillow. Si fuéramos totalmente diferentes no podríamos haber tocado juntos ni haber formado este proyecto.


QHDN MÚSICA

Por Brandy Chango

GENÉTICA MUSICAL

¡EL SKA EN LAS

!

Time bomb

Te hacen falta vitaminas

Burritos

Esta rola tiene una base ska bien marcada en las líneas de bajo y el rasgueo upbeat, aparte de la genial voz del veterano punk Tim Armstrong. Trata sobre un tatuador, amigo de la banda, que fue asesinado nada menos que por sus patas, los rudísimos Hell’s Angels, por meterse con la esposa de uno de ellos. Así que ya sabes, nunca traiciones a tu manchita si no quieres ser una verdadera bomba de tiempo.

Considerada la primera de Soda y la última en sus conciertos, esta canción te incita a bailar y saltar sin esperar que alguien venga a despertarte. La letra crítica y motivadora es acompañada por un contagiante ritmo ska que te hará perder la cabeza y no encontrarla jamás. Si no las has escuchado aún y te sientes medio debilucho como tu amigo Pepe Lucho, bájatela en una. Fuerza Gustavo.

Burritos es una locura, probablemente si la has escuchado te debes sentir identificado con esta canción en esos días en los que te llega todo y no te quieres levantar de la cama (o sea siempre). Bradley Nowell te lo pinta de la mejor manera con un burrito en una mano y la guitarra en la otra. Esta banda logró ser el sello de un nuevo estilo y dejó una escuela bien instruida. Totalmente sublime.

Smoky town

V Centenario

La tarantela

(LOS FABULOSOS CADILLACS)

(LLANTAS NEGRAS)

Más conocidos como Ska-Para, estos diez veteranos de la escena underground japonesa despliegan energía, elegancia y clase alrededor del mundo. Con una sólida base ska, esta canción instrumental te pondrá a bailar como un descocido y una vez que la escuches generará adicción en tus oídos. Sí, algo así como un chute musical. Deja de malograrte las orejas con el baile del caballo y pégate con esto.

Este es uno de los dos temas “nuevos” que aparecen en el disco vasos vacíos de 1993. La letra de la canción fija la posición de la banda respecto a los 500 años de la conquista de América por Colón y compañía. La intro le da un contraste perfecto para el cambio a ska con el que se desarrolla la canción. La energía que destila esta canción en vivo es para patear tu fabulosa cabeza con bastón y todo.

Llantas Negras debe ser una de las mejores bandas que ha existido en el sur del Perú, lo decimos en todo el sentido de la palabra pues encuentras talento, energía y mística. La canción es un viaje delirante entre un predominante ska con toques de música criolla y tarantela, o sea un tripsazo. Actualmente no se sabe si la banda está viva o muerta, pero se dice que en Arequipa las llantas todavía hacen ska.

(RANCID)

(SODA STEREO)

(TOKYO SKA PARADISE ORCHESTRA)

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(SUBLIME)


Sea cual sea tu tendencia musical, mientras explores dentro de la música te encontrarás inevitablemente con ritmos universales, como el sabroso ska. En el siguiente ranking, la Brandy Chanco hace un conteo de canciones de bandas o artistas que se dejaron influir por los encantos de este ritmo y nos sorprendieron con verdaderas joyitas.

*BONUS TRACK*

You’re wondering now

El stranger

Esta diosa que vivió perdida en sus demonios nos deleitó con más de un cover ska, pero vamos a rescatar el que más se puede identificar con ella. You’re wondering now coincide con la temática usual de Amy, siempre dependiente y despechada. Su música estuvo mucho más ligada al jazz pero no fue impedimento para que nos sorprenda con joyitas como ésta. Escúchala ahora y te sorprenderá.

A todos nos gusta este grupo, si a ti no, es porque no lo has escuchado aún. Esta banda muerta de punk que fuera liderada por Nekro pasa por muchos estilos. En El stranger deja notar su influencia ska y reggae. Esta canción pertenece al que para nosotros es su mejor álbum, the art(e) of romance, y es una de aquellas producciones de las que se puede decir que todas las canciones son buenazas.

(AMY WINEHOUSE)

(FUN PEOPLE)

Jenny

(BRANDY CHANGO)

What happened to you? (THE OFFSPRING)

Esta canción es simplemente genial, y la banda, aunque no es la de hace 15 o 20 años sigue estando en el corazón de cualquiera que disfrutó los últimos años serios de MTV. What happened to you? es un ska muy a su manera, con su marca. El género principal de la banda sería el punk alternativo, pero dejó notar parte de sus influencias en canciones como ésta. Esta joyita pertenece al smash de 1994.

Failing, Flailing

(STREETLIGHT MANIFIESTO)

Solo escuchen esto, no hay mucho que decir, una tremenda banda, te enferma hasta el tuétano con sus melodías bien elaboradas y sobre todo en esta canción, que nos gusta tanto. Failing, Flailing en particular es una máquina de hacerte mover. Ya deja de perder el tiempo y escúchala ya.

La letra cuenta lo que pasó al reencontrarme con Jennifer, amiga de la infancia de quien estaba enamorado desde los cinco años. Con tanto que hablar después de 15 años que no nos veíamos, terminé resumiéndole mi historia con un “blah blah blah” para escucharla. Fue una de las primeras canciones que compusimos juntos y no calculamos el resultado, nos salió como se escucha, una mezcla rockanroller con algo de ska.

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QHDN MÚSICA

Por Fernando Alayo Orbegozo

LOS 10 QUE Muchas cosas sucedieron en el 2002: la Unión Europea puso en circulación el Euro, en Japón y Corea se celebraba el Mundial de Fútbol, y Alejandro Toledo era nuestro presidente tras un turbulento regreso a la democracia. ¿Y en la música? Diversos artistas se consolidaban y algunas revelaciones aparecían. Estos son los 10 discos que cumplen una década de vida en este 2012, los cuales nos demuestran una gran verdad, si los gozaste como nosotros cuando aparecieron: ya estamos viejos.

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Química pura

El nombre de este disco es paradójico, porque lo que menos sobraba entre los hermanitos Gallagher era precisamente la química. Con un sonido más depurado que sus dos discos anteriores, Oasis se mandó en julio del 2002 con heathen chemistry. No se puede decir que es su mejor disco, pero sí uno que lo acercó a públicos diferentes con canciones como Songbird (la primera canción compuesta por Liam) o la megarchiconocida Stop crying your heart out, parte de la banda sonora del film efecto mariposa. Como disco no logró tantas ventas. Fueron los sencillos mencionados los que se colaron en el top 3 de los charts ingleses.

4

El disco que casi no sale

En el 2001, Wilco había concluido con su cuarto álbum de estudio. La disquera, Reprise Records, se negó a ponerlo a la venta. La razón: ninguna de las canciones era comercial. Así que los liderados por Jeff Tweedy lo ofrecieron por Internet como descarga gratuita en setiembre de ese año. Recién en abril del 2002, cuando cambiaron de disquera, fue lanzado oficialmente. Hay muchas cosas por decir del yankee hotel foxtrot, un disco uniforme, con letras melancólicas y un sonido inexplorado hasta entonces por el rock alternativo. Revistas como la Rolling Stone y Pitchfork lo han colocado en el top 5 de la década del 2000. Por algo será.

El debut soñado

Seguramente, Norah Jones ni se lo esperaba: grabar su primer disco, vender más de 20 millones de copias en todo el mundo y ganar ocho premios Grammy. Eso fue lo que sucedió con come away with me, lanzado en febrero del 2002. Algunos dicen que reinventó el jazz; otros lo califican dentro de un pop recontra light. Hay quienes la colocan entre el soul, el folk y el country. Lo cierto es que en el 2003, Don’t know why, tema que abre el álbum, se hizo con un Grammy como Canción del Año. Nos visita el 2 de diciembre y ha prometido todos sus clásicos del 2002, así que aprovecha la oportunidad de oírla en vivo.

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3 ¡Moby, ya nadie escucha techno!

Esa frase del tema Without me, sencillo promocional del álbum the eminem show, solo reafirmaría que el rapero continuaría el camino que había iniciado dos años antes con the marshall mathers lp: ser el rey de la irreverencia. Ni la censura de la industria por sus letras explícitas ni la molestia de los artistas afectados por ellas (Cristina Aguilera, Britney Spears, Limp Bizkit, N’Sync y, por supuesto, Moby) lo detuvieron. Lanzada en mayo del 2002, esta placa debutó en el número uno del Billboard y vendió casi 300 mil copias en tan solo una semana. Eminem se consagraría en ese año, aunque el brillo duraría poco.

Una invitación química

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Era el cuarto disco de los Chemical Brothers y aun así nos seguían sorprendiendo. come with us fue lanzado en enero del 2002 y debutó instantáneamente en el número uno de las listas inglesas. Era de suponerse: con solo tres discos ya habían consolidado el nombre de la banda en el mundo del big beat y la electrónica. Muchos fanáticos tuvieron (y seguro siguen teniendo) opiniones encontradas respecto a este álbum, aunque el dúo dejó en claro con esta placa que seguiría explorando sonidos. Algo que confirmarían con los discos posteriores. Si viste lost in translation, recordarás sin duda el tema The state we’re in.


CUMPLEN 10 Esclavizando el sonido

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¿Qué es un “súper grupo”? Pues una banda conformada por grandes músicos de otras bandas. Y si en Audioslave estaban Chris Cornell (Soundgarden) y Tom Morello (Rage Against the Machine)… pues lo era. El disco debut homónimo de esta agrupación se lanzó en noviembre del 2002, aunque el sencillo Cochise salió a la luz un mes antes. Luego seguiría Like a stone, quizás su tema más conocido. Con un sonido característico del rock más duro, similar al de las bandas a las que pertenecían, audioslave no terminó por convencer a la crítica. Sin embargo, ya habían esclavizado los oídos de muchos fanáticos.

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Un chorro de sangre

Una semana después de los atentados del 11 de setiembre del 2001, Coldplay se encerró en el estudio para grabar el que sería su segundo álbum. Por ello, la composición de los temas de a rush of blood to the head

se verían de alguna manera influenciados por este incidente. Puesto a la venta en agosto del 2002, el disco logró vender más de 15 millones a nivel mundial, lo que catapultó a la banda a la estratósfera de la industria musical. Canciones como In my place, The scientist y Clocks se posicionaron en lo alto de los charts internacionales y hasta el día de hoy nos siguen recordando lo bueno que fue este año.

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Un viaje psicodélico a lo oriental

Wayne Coyne, voz principal de la banda, no tardó en aclararlo: “No es un álbum conceptual”, dijo. Y es que con un título que parecía hacer referencia a una historia épica, The Flaming Lips confundió a todos en el 2002. yoshimi battles the pink robots, lanzado en julio de ese año, logró que la crítica se rindiera a sus pies (o a sus tracks, para ser más exactos) con un sonido muy particular. Neopsicodelia, psicodelia pop o hasta indietronica fueron algunos de los subgéneros a los que se tuvieron que recurrir para definirlo. Do you realize?? fue el sencillo promocional, pero nadie podría olvidar que la banda le dedicó el tema homónimo del disco a la carismática Phobe de la serie friends.

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¿A la octava es la vencida?

¿Cómo lograr un buen disco después de haber lanzado uno demasiado bueno dos años atrás? Bueno, si tienes a Kiedis en la voz, a Flea en el bajo y a Frusciante en la guitarra… sí es posible. by the way, el octavo álbum de estudio de los Red Hot Chili Peppers, salió a la venta en julio del 2002 y confirmó el gran momento de la banda tras el éxito logrado con californication. Aunque el funk rock estaba presente, las líneas melódicas fueron el hilo conductor de un disco que demostró la versatilidad sonora de los californianos. “Estaba en una de las etapas más felices de mi vida”, dijo Frusciante en una entrevista. Se notó, estimado… se notó.

10 El rosado le sienta bien

“Soy un perdedooooooooor”, cantaba en los noventa. En el 2002, era todo lo contrario. Dos meses demoró Beck en grabar su octavo disco de estudio. Bajo la producción del gran Nigel Godrich (Radiohead, Paul McCartney), sea change confirmó la madurez musical del cantautor inglés. Quizás algunos hasta el momento solo lo recordaban por su hit noventero Loser, pero este álbum marca un antes y después en su discografía. Tiene de folk, tiene de alternativo y tiene de country. Puesto a la venta en setiembre del 2002, sea change logró la unánime aprobación de la crítica. Para muestra, un botón: la Rolling Stone le dio cinco estrellas de cinco, la segunda vez que lo hacía en su historia.

BONUS TRACK

Rock made in perú

¿Y qué escuchábamos los peruanos por ese entonces? La Internet no era tan masiva y aún se vendían discos. Era un buen momento para el rock nacional. Zen aparecía en la escena local con su disco debut homónimo y Campo de Almas publicaba su segundo álbum tardes frías de verano. Lo mismo hizo Ni Voz Ni Voto con su no antisocial, con el que consolidaba su sonido duro pero uniforme. Mientras, Libido lanzaba quizás su disco más exitoso: pop*porn. Canciones como Frágil y No será lo mismo sin ti sonaban en las radios. También aparecían bandas como Catervas y Por Hablar. Diez años después, siguen en vigencia.

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LOS CUATRO JINETES DEL APOCALYPSHIT Por: María Jesús Zevallos

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entrevista a

PACO AYALA (DE MOLOTOV)

EL PUTO LE QUITA EL VOTO LATINO AL FRIJOLERO, Y EL AMATEUR DEL CERDO LE DA EL POWER A LA PERRA RABANERA. Y MIENTRAS QUE EL MUNDO ESPERA POR EL APOCALYPSHIT, MOLOTOV SIGUE CON SU COCKTAIL PARTY. LLEVAN LAS RIENDAS DEL DESENFADO LATINO POR MÁS DE 17 AÑOS, Y ESTE 24 DE NOVIEMBRE LLEGAN AL PERÚ A PRESENTARSE EN EL CONCIERTECHO, COMO PARTE DE LA GIRA DESDE RUSIA CON AMOR. PARA ESTA ENTREVISTA, CONVERSAMOS CON PACO AYALA, UNO DE LOS JINETES, QUE EN POLKAS PALABRAS NOS HABLA DE LOS INICIOS DE MOLOTOV, EL TRASCENDER FRONTERAS CON LA MÚSICA Y EL MENSAJE QUE LA BANDA LLEVA CONSIGO HACE YA CASI 20 AÑOS: MUCHA LIBERTAD, POCO MIEDO.

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QHDN MÚSICA n un principio eran solo dos: Ismael Fuentes de Garay –el guitarrista–, más conocido como Tito, y Miguel Ángel Huidobro Preciado –un bajista–, el Huidos. Junto a otros dos músicos tocaban bajo el nombre de La Candelaria, una banda de la que casi no hay rastros. En un principio eran tímidos. Tito salía a tocar con una máscara tapándole la cara para no tener que ver las del público. En un principio no eran Molotov, pero eso cambiaría poco tiempo después. Los muchachos de La Candelaria –la que aún era una banda de tocar por aquí y por allá– entraron a una batalla de las bandas, organizada por la madre CocaCola. Tito, el Huidos, Jay de la Cueva –el otro bajista– e Ivan Jared –la batería– más conocido como la Quesadillera, se harían llamar Molotov. Eran una bomba de bajo presupuesto y hecha en casa, pero potentísima como ella misma. Molotov ganaría ese concurso, y el DF conocería su nuevo Olimpo musical. Pasó poco tiempo hasta que Jay y la Quesadillera decidieran dejar la banda para dedicarse a otros proyectos. “Tal vez no le tenían mucha fe a lo que estaban haciendo musicalmente”, diría Randy Ebright, el Gringo Loco, el nuevo baterista de Molotov, en una entrevista en el 2007. “Igual, estaban en su derecho, todos éramos chavitos”. Randy era el más “chavito” de todos. Tenía 16 años, una hiperactividad que descargaba en sus tambores y platillos, y una afición por el rap del que muy poco se conocía en el México de ese entonces. Finalmente, llegaría Paco Ayala, el multinstrumentalista, el que completaría el line-up que conocemos hoy. Molotov tenía un sonido frankensteiniano: tocaba un poco de hardcore, un poco de punk, un poco de polka mexicana, un acordeón, muchos vocalistas, y esos dos bajos que, como dice el Gringo Loco, “son como los testículos, dos son mejor que uno, ¿no?”. Pero la música no era lo único ajeno en ese entonces. Las letras, las pinches letras, que le dieron a los mojigatos algo con qué entretenerse y que dijeron en voz alta lo que todos pensábamos.

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Ustedes tienen un sonido muy particular no solamente como banda, sino también entre canciones. ¿Qué es lo que tenían en mente hacer cuando comenzaron con Molotov?

Pues, absolutamente nada, realmente. Cuando te juntas con tus cuates, con tu pandilla de amigos a hacer música, es muy complicado que previo a eso ya quieras definir qué quieres hacer. Por naturaleza aparecen influencias; naturalmente aparecen sonidos que se integran a lo que puede de repente ser. Al final lo que haces se termina resumiendo en una onda, pero no había ningún planteamiento especial ni ninguna situación pretenciosa de decir “hay que hacer esto”.

NOS JUNTÁBAMOS A TOCAR, NOS CAGÁBAMOS DE LA RISA, TOCANDO A CAMBIO DE UNAS CERVEZAS, A CAMBIO DE LA BARRA LIBRE DE ALGÚN BAR. ES MÁS, NOSOTROS BUSCÁBAMOS UN LUGAR PARA TOCAR PARA IRNOS A DIVERTIR Pero, imagino que, con las letras tan provocadoras y la música que hacían, tenían alguna idea de que su música iba a chocar un poco

Cuando comenzamos a tocar, les pedíamos a amigos que tenían antros o que tocaban en antros que nos consiguieran tocar. Posteriormente, la gente nos comenzó a escuchar y pudimos difundir la música. No sé ni en qué momento pasó todo eso. Por extraño que parezca, nunca existió una visión de decir “ah, vamos a lograr tantas cosas, vamos a llegar hasta tal lugar”. Nos juntábamos a tocar, nos cagábamos de la risa, tocando a cambio de unas cervezas, a cambio de la barra libre de algún bar. Es más, nosotros buscábamos un lugar para tocar para irnos a divertir. Entonces, creo que no es tan inocente. Si existía un

espacio para cantar rolas como Chinga tu madre o Puto, tocábamos y veíamos el reaccionar. Nos iban a ver nuestros familiares, nuestros amigos, y los amigos de nuestros amigos. Ya luego tocábamos para 50 personas, luego 100, luego 500. No teníamos idea muy bien de lo que pasaba porque tocábamos y no queríamos saber nada más. Entonces creo que de alguna forma, cuando empezó a crecer todo y empezó a explotar la bomba, nos causó mucha admiración ver lo que de repente habíamos hecho y no teníamos idea, pero nos dio gusto porque nunca lo planeamos. Creo que eso también nos ayudó a no volar con el cerebro y comenzar a pensar pendejadas. Pero la bomba en el DF había explotado mucho antes. Molotov había ganado una sólida base de seguidores por toda la Ciudad de México; muchachos y muchachas que coreaban sus canciones años antes que éstas sean grabadas o lanzadas en un disco. Aquí en el Perú, Molotov sonaba en algunas radios y en ciertos momentos del día. Si tenías suerte –y cable– , llegabas a ver alguno de sus videos por ahí en MTV, y si por ahí encontrabas alguna copia de dónde jugarán las niñas o apocalypshit, los podías escuchar en tu discman. Y sentías la rebelión en las venas y escuchabas a los adultos darles la razón a la banda por los reclamos políticos que uno recién comenzaba a entender.

Cuando ustedes salieron, llegaron con fuerza las canciones como Gimmi de power y Voto latino, entonces se les vinculó mucho con ser musica de protesta. Pero ustedes cantan sobre un poco de todo: mujeres, sexo, incluso tienen esta canción I´m the one, sobre una relación padre-hijo. ¿Hay alguna molestia con que los encasillen en ser una banda a lo Rage Against the Machine?

Pues, no. En principio, a nosotros nos encanta Rage Against the Machine, y cuando nos han comparado con ellos para nosotros ha sido como que, puta, bien quisiéramos, ojalá. Ellos sí fueron a la escuela, a la universidad… Son una banda muy importante en las últimas generaciones y en las últimas propuestas de música, y muy lejos de ser comparados, deberíamos como que ¿cómo creen?, ¿no? Seguimos admirándolos muchísimo. Pero a la vez dan un mensaje muy estudiado, muy elaborado. Aparte, creo que nuestra onda va, al mismo nivel de contundencia, pero del otro lado: de lo que dice el pueblo, de lo que piensa la gente en la calle, lo que la gente tiene en el corazón, en la cabeza y no encuentra el medio para


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PACO AYALA (DE MOLOTOV)

expresarlo. Entonces, nos dio mucho gusto, la verdad que nunca te imaginas que te van a comparar con una banda que tú admiras, pero está increíble.

¿Cómo ha cambiado la cara de la gente que los sigue? Yo los escucho desde mi adolescencia y los sigo escuchando, pero ¿han venido recolectando fanaticada más joven ultimamente?

Afortunadamente, siguen yendo los fans que nos han seguido. Muchos de ellos ahora van con sus hijos (jajaja). Yo creo que lo interesante de todo esto es que hay gente joven que le está entrando a las cosas de las que habla la banda. Chicos que les da curiosidad, que dicen “ah, este güey está diciendo esto”, y van y le preguntan a su papá y comienzan a indagar sobre la música y se dan cuenta que, bueno, el mensaje no es una novedad, y se dan cuenta que hace más de 10 años venimos hablando de esto. En el caso de México, entre los movimientos de protesta ahora que hubo elecciones (presidenciales del 2012), mucha gente decía “no, ustedes no se van a unir a ese movimiento”, pero pues, en qué año va, ¿no? Porque nosotros lo hicimos hace 17

años. Entonces, pues sí, es bueno que la gente joven esté abriendo la boca, se esté manifestando, y a la vez esté acercándose a lo que hace Molotov hace casi 20 años, nos da mucho gusto. El año pasado, Molotov lanzó desde rusia que recopila presentaciones en vivo de la banda por todo ese país. Y aún con un mensaje tan explícito en sus letras, no iba a ser igual de fácil ofender a nadie en un lugar que no entiende tu lengua materna.

con amor, un CD/DVD

De hecho la letra de ustedes es bastante esencial para su música. ¿Cómo han podido transmitir eso en lugares como Rusia, donde el idioma puede ser un obstáculo?

Bueno, por naturaleza, el choque cultural es fuerte. Es un lugar donde no hablan ni si quiera inglés, mucho menos español, ahí pues te das cuenta que todo tiene que ver con la comunicación musical. Es más, después de tocar vamos al camarín y nadie sabe una sola palabra con la que pueda ni si quiera entablar una conversación, ni un hola. Entonces, sí te das cuenta que la música ahí

tiene mucho que ver, no solo en las letras. Y bueno, en un momento nos criticaban la banda porque según alguna gente decíamos muchas groserías y que por eso llamábamos la atención. Pero, cuando llegas a tocar a Moscú y tienes tanta acogida, pues te das cuenta de que justamente es lo contrario. Hay gente que no entiende letra por letra, pero que sí siente la energía de la banda, eso corrobora que hay gente que se involucra mucho más que solamente escuchar una mentada de madre e ir a comprar el disco.

¿Recuerdas cómo fue la primera vez que tocaron allá? La primera vez fue todavía más fuerte, porque en Rusia estaban relativamente recién adaptados a la modernidad del occidente, de tomar refrescos, de tener lugares de hamburguesas por todos lados, cafeterías, todo ese materialismo occidental que allá prácticamente antes no existía, ni les interesaba, ni sabían que podía pasar eso. Es muy interesante; de repente comienzas a viajar y te das cuenta de que tu música está dando la vuelta al planeta, en lugares como Rusia. Te cuesta un rato como que entender. En las 20 horas de regreso tu mente está literalmente

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QHDN MÚSICA volando (jajajajaa), pensando “¿qué habrá pasado? ¿Habrá entendido la gente esto o no?”. Te vas cocinando muchas cosas. Está interesante, porque finalmente te das cuenta de que la música sí rompe fronteras; todos esos clichés de lo que es la música, de lo que significa socialmente, pues sí se aplican.

entrevista a

PACO AYALA (DE MOLOTOV)

Hablando del significado social de la música; ustedes están viniendo para el Conciertecho, que tiene detrás la causa social de la organización Un techo para mi país…

Sí claro. Para eso vamos. Vamos a tocar a Perú, pero por supuesto que cuando hay una finalidad ideológica y una propuesta y una finalidad y una postura, pues los conciertos toman otra connotación. Obviamente nos interesa muchísimo participar en eso, por eso estamos yendo.

Ya era tiempo que regresaran. No los vemos desde el 2010.

Pues sí. Nosotros ya hemos tocado unas seis o siete veces y creo que todos los conciertos han sido memorables. El contacto con la gente en Perú siempre ha sido muy bueno. Están entre las primeras ciudades en las que tocamos saliendo de México, que fue en el 97-98. Fue de los primeros países en los que corroboramos que había una empatía ideológica, social, cultural, había muchas cosas que necesitábamos manifestar en común. Hay muchísimos sitios familiares, muchas cosas que nos unen al Perú, entonces, desde la primera vez que fuimos, existía ya esa energía en común; esa opresión en común.

Claro. Ustedes vinieron en un momento clave acá. Estábamos bajo la presidencia de Fujimori, en la que la libertad de expresión era nula –entre otras cosas. Sí pues, fue un momento clave a la vez. Igual estábamos acá en México. Creo que por eso desde el principio nos entendimos tan bien con el público del Perú.

¿Y ahora, Molotov está preparando producción nueva?

Bueno, nosotros estamos constantemente componiendo y haciendo material, haciendo rolas, probándolas con la gente a ver si a la gente le gusta lo que estamos haciendo. Cuando tenemos algo medio listo lo tocamos en algún concierto, así lo probamos en vivo, con el público, es la mejor opción que puede haber, y aparte es una forma de no tocar lo de siempre, lo que ya crees que la gente se va a saber. Como para que la gente no se aburra. Así que llegaremos a Lima tal

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vez a probar algunas cosas, como para que nos ayuden a escoger material (jajajaja). Molotov fue una bomba lanzada, entre gritos desesperados, desde lo más profundo de la juventud mexicana. Fue el combatir bacterias come-cerebros como lo eran Kabah y su Calle de las sirenas y Fey, la que no se comería su Media Naranja hasta el matrimonio. Fueron los Sex Pistols para el Disco wonderland del país Azteca. Removió las vísceras de todos los adolescentes del DF y, eventualmente, a todos los de Latinoamérica. Su música era extraña, fea, malhumorada, eufórica y empapada en furia; en horror

a todo lo que supuestamente está bien. Hoy en día, la banda sigue viva, vigente, latente y potente. Llegaron para hacernos pensar, sonrojar y maldecir, y nos siguen llevando directo a disfrutar de la delicia que es probar, hacer, y tocar lo prohibido.

CONCIERTECHO VOL. 5 DÓNDE: EXPLANADA SUR DEL ESTADIO MONUMENTAL. CUÁNDO: SÁBADO 24 DE NOVIEMBRE.


QHDN MÚSICA

Por: María Jesús Zevallos

OCHO CANCIONES DE LED ZEPPELIN QUE NO SON DE LED ZEPPELIN ©

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¿Lobo estás?

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The lemon song es un tema original del gran blusero Howlin’ Wolf, aunque su canción tiene el título original de Killing floor. The lemon song fue grabada en 1969 bajo los créditos Page/ Plant/Jones/Bonham. A principio de los setenta, Wolf (cuyo verdadero nombre es Chester Burnett) demandó a la banda por derechos de autor. Después de esto, los créditos se leen Page/Plant/Jones/Bonham/ Burnett.

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Nos dejó confundidos

Led Zeppelin lanzó Dazed and confused en enero del 69, dos años después de que su versión original saliera en el disco the above ground sound de Jake Holmes. Page cambió suficientemente la letra y algunos acordes para no poder ser demandado por Holmes, pero mantuvo el mismo título, porque el ingenio no le alcanzó para encontrar un título nuevo.

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Be good, jimmy

El tema instrumental White summer, acreditado a Jimmy Page, es la versión del guitarrista Davey Graham de una canción tradicional céltica llamada She moved through the fair. Page también grabó esta canción con The Yardbirds, la banda a la que perteneció antes de formar Led Zeppelin. Los créditos también fueron a él.

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Se vio con ayudín

Para “crear” Whole lotta love, a Robert Plant se le ocurrió copiar la letra de un tema de –nada más y nada menos que– Willie Dixon, uno de los compositores de blues más importantes de la historia. Según Plant, el riff de la canción ya existía, y era su labor escribir la letra para la melodía de Page. Nada le vino a la cabeza, así que buscó ayuda en You need love, de Dixon, quién años después lo demandaría por derechos de autor.


LED ZEPPELIN ES UNA DE LAS BANDAS MÁS IMPORTANTES EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA QUE PERSONIFICA, COMO POCAS, TAN A LA PERFECCIÓN EL LEMA DE “SEXO, DROGAS Y ROCK N’ ROLL”. SIN EMBARGO, EL MÉRITO NO ES COMPLETAMENTE SUYO. DURANTE SUS AÑOS DE CARRERA, LOS ZEPPELIN SE APROPIARON DE MUCHAS CANCIONES AJENAS Y LAS HICIERON SUYAS, EN SU MAYORÍA, SUPERANDO INCREÍBLEMENTE A LAS ORIGINALES. TODO BIEN HASTA AHÍ, ¿CIERTO? BUENO, HUBIERA SIDO MEJOR SI ESTOS GRANDES MÚSICOS SE HUBIERAN ACORDADO DE DARLES CRÉDITO A LOS COMPOSITORES ORIGINALES EN VEZ DE OBVIARLOS COMPLETAMENTE. LAMENTABLEMENTE, LA GENIALIDAD MUSICAL A VECES NO VIENE ACOMPAÑADA DE ÉTICA O ENTENDIMIENTO SOBRE NEGOCIOS, PERO QUE ESTOS CUATRO TE COPIEN ES MÁS UN CUMPLIDO QUE UNA AGRESIÓN.

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Volver al futuro

In my time of dying es una canción gospel originaria de las calles de Louisiana, grabada por primera vez en 1927 por Blind Willie Johnson, y que Led Zeppelin grabó en 1975 para el disco physicall graffiti. Los créditos de la canción fueron a Page/Plant/Jones/Bonham. Solo estos cuatro pueden hacer que bluseros de los años veinte les hagan covers de canciones que todavía no habían escrito. Así de increíbles son.

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Mea culpa

Otra canción de gospel de los años veinte que existe bajo los créditos Page/Plant/Jones/ Bonham es Nobody’s fault but mine. La canción fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson –aparentemente, una buena fuente de material para Led Zeppelin–, quien grabó la canción bajo el título It’s nobody’s fault but mine… esperen, claramente debe tratarse de una canción completamente diferente, porque la de Zeppelin no tiene el “It’s”. Lo sentimos, error nuestro.

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Never say never

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La letra de Since I’ve been lovin’ you sale de la canción Never de Moby Grapes, claro que con algunas variaciones (como siempre) para despistar a los abogados. Aunque, para ser justos (como sucede en casi todos estos robos) la versión de Led Zeppelin es tan buena, que muy pocos recuerdan la versión original.

Babe, i’m gonna forget you

La estadounidense Anne Bredon compuso la canción folk Babe i’m gonna leave you cuando estudiaba en la universidad de California en Berkeley a finales de los cincuenta. Robert Plant y Jimmy Page decidieron grabarla cuando escucharon la versión de estudio de Joan Baez. Ni a Plant ni a Page se les ocurrió acreditar a la compositora, hasta que en los ochenta, Bredon se enteró de que existía esta versión de su canción. Desde 1990, los créditos de la canción van a Bredon/Page/ Plant. Cuatro décadas tarde, pero al menos Bredon recibió las regalías correspondientes.

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Por: María Jesús Zevallos

Guillermo Vilcherrez

ENTREVISTA CECIMONSTER

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Cuatro músicos peruanos que no se soportan pero que aman hacer música juntos: así se formó la banda Cecimonster vs. Donka. Este pasado octubre la banda sacó su segundo disco, titulado adentro/afuera, y en sus dos años de vida ha producido un sonido distintivo, logrado tocar en Inglaterra y conseguido un sólido legado de seguidores que encuentran en su música la combinación perfecta de lo brusco con lo sensible.

L

a tensión entre Sergio (voz), Patrick (batería), Alonso –más conocido como La Mula– (bajo) y Sebastián (guitarra), se volvió evidente cuando me atreví a hacer una simple pregunta: “¿Por qué en su página de Facebook están denominados como una banda de rock alternativo?”. Sebastián –conocido entre sus compañeros como “El rey de las redes”-, se encargó de explicarme que era lo más superficial posible, algo para no confundir a la gente. “Pero cuando la gente piensa en rock alternativo piensa en Creed, pues!”, responde Sergio, con cierta molestia y también con un aire de habitualidad. Y es que esta banda de Indie-post-punk –como ellos mismos se denominan– se mantiene sobre la base de dos pilares bastantes visibles: el entendimiento de que Cecimonster vs. Donka es un trabajo a tiempo completo y –a pesar de la fuerte amistad que los une– el desentendimiento por llevar la fiesta en paz.

Tienen dos años tocando juntos y dos discos. Es bastante para una banda nacional. Alonso: Dentro del promedio, sí. Acá las

bandas no son de sacar tan seguido discos. Pero es lo que nos sale. Por ejemplo, hemos terminado de lanzar el segundo disco y ya tenemos cuatro o cinco ideas para canciones nuevas. Nos aburrimos rápido y chambeamos al toque. No nos gusta estancarnos.

¿Cecimonster es muy diferente a las bandas que han tenido antes? Sergio: Las de antes nunca fueron nada serio.

Con una nomás me presenté en vivo. Ahora con Cecimonster es tomármela mucho más en serio. Patrick: Es que, de verdad hemos tenido mucho apoyo al comienzo. Un montón de amigos que nos ayudaron a mover la banda. Saito, por ejemplo. Sergio: Sí, pero yo creo que es simplemente

querer hacerlo. Conocemos otras bandas con las que compartimos escenario siempre y la rompen, pero la mayoría tienen solo un EP con cuatro o cinco canciones. Tal vez es porque sus miembros no están en la misma página. Acá, los cuatro queremos hacer esto y queremos hacerlo rápido. No presionándonos, pero si tu banda solo es tu huevada de por ahí, vas a tener un EP en cinco años. Si es tu algo esencial en tu vida diaria, vas a producir como producimos nosotros.

Imagino que han tenido una química bastante inmediata para haber producido tanto tan rápido… Sergio: En realidad nos mechamos un mon-

tón (jajajaja). Ahora parece todo bonito, pero hay unas cosas oscuras por ahí. Alonso: Antes, el apodo era Mechamonster, Cecidrama (jajajaja). Nos peleamos un montón, pero es bravazo. A mí me encanta cuando se pelean Patrick con Sebastián. Es el momento más divertido de mi día, porque es por estupideces como “oye, baja la luna”, “no, no quiero bajar la luna”, y ahí comienza todo. Sergio: Se han peleado por una frazada, y pelea de no hablarse unas horas. Alonso: Pero la química de hecho es chévere.

¿Y el concepto de lo que querían que sea Cecimonster estaba fijo o salió de la unión de todos ustedes? Alonso: Yo creo que la primera etapa de Ceci

no era como es ahorita. Ha sido una evolución, pero creo que esa evolución era lo que Sergio tenía en mente. Y fue natural. Sergio: De hecho al principio yo componía las canciones con Sebastián y se las mostraba a Patrick y a La Mula y ellos le ponían batería y bajo. Pero eso cambió muy rápidamente. En el último disco ya casi ninguna salió así. La mayoría ya salen entre todos. Eso fue el proceso más natural y paja que le pudo haber pasado a la banda.

Yo nunca me arriesgué a lanzarme con todo a la música y decir “me cago en todo, quiero hacer esta huevada, no importa lo que piense nadie, en verdad le voy a meter a fondo”, y por eso a los 24, cuando comenzó la banda, fue cuando lo pude hacer. Antes siempre era con miedo. Como que “puta, cómo me voy a dedicar a la música, no va a pasar nada”. No sabía si a la gente le iba a gustar mis canciones, porque nunca las había mostrado. Lanzarme de hecho ha sido la mejor decisión de toda mi vida, porque ahora estoy haciendo lo que quiero. Lo de la plata es otro tema, ¿no? (jajajaja), pero el feeling es una locura.

¿Y siempre has cantado de la misma manera? Sergio: No. Antes tenía un proyecto con

Patrick que se llamaba Flamingo Fiasco, y Patrick cantaba porque probamos mi voz como cantando y puta, era horrible, y él tiene la voz paja. Él cantaba antes en una banda de metal que se llamaba Todo Javier Prado. Cuando hicimos Cecimonster, yo tenía la idea de conseguir un cantante, pero mientras tanto yo iba a hacer la letra y componer la melodía, y Patrick jodía con que cantara. Yo le decía: “Pero no, si en Flamingo cantaba y sonaba mal”, y entonces me dijo: “Canta como si estuvieras gritando”. Y en esa época, tengo que admitirlo, estaba escuchando un montón de Plug-Plug, y se metió la huevada de ver qué tal salía, porque nunca había practicado gritando. Recuerdo que la primera vez me sentí como un imbécil y Patrick y La Mula me dijeron: “¡De puta madre!”. De ahí salió. Ahora me siento cómodo cantando, pero creo que en diez años no voy a tener voz (jajajajaja).

Esa voz le da bastante personalidad a la banda Sergio: Lo bueno y lo malo de la voz es que

sí, a mucha gente le puede gustar, pero el

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Por: María Jesús Zevallos

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ENTREVISTA CECIMONSTER

hecho de gritar nos saca de un mercado en una, sin escuchar la música por más buena que sea. Por ejemplo, mi tía piensa que estoy en una banda de metal (jajajajaja). Hay gente que piensa “ah, grita, ah no, esa huevada es diabólica”. Patrick: Hay mucha gente que me ha dicho: “Me encanta tu banda pero, ¿por qué grita?”. Si no gritara, sería mejor. Pero esa es la banda, ese es el elemento diferenciador. Es cuestión de cambiar hábitos. Sergio: A Sebastián le dijeron una vez: “De puta madre tu banda, pero saca al cantante”. Alonso: A mí un montón de gente me dijo: “Tu banda está maldita, pero saca a Sebastián” (jajajajajaja). Es que Sebastián comenzó a tocar guitarra en la banda, básicamente. Entonces, tú lo ves ahora y es un crecimiento exponencial a como cuando comenzó. Yo estoy muy contento con Sebastián, por ejemplo. Porque antes lo veía y me preguntaba: “¿Por qué toca así?”, porque yo no sabía que había aprendido a tocar en la banda. Pero, lo chévere es que, de no ser por eso, un montón de canciones de Cecimonster no existirían. O sea, un montón de las cosas del comienzo que hicieron que la gente se afanara, son cosas que Sebastián ha hecho, y yo no creo que con otra persona en la guitarra se hubiera podido lograr. Sebastián: Yo, en verdad, aprendí a tocar guitarra hace nueve años, pero tocaba en mi casa solo y tocaba canciones de blues que me gustaban, pero nunca había tocado con bandas, no sabía cómo tocar con una guita-

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rra encima. No tenía idea, y eso lo aprendí ya en la banda. Sergio: En verdad, Sebastián es una gran parte de la banda. No se lo decimos mucho, porque en verdad nos llega al pincho, pero es importante. Sebastián: Hay una parte de cada uno de ellos que me odia, pero me aman igual.

Pero eso va con todos, ¿no? Acá hay una relación amor-odio muy latente. Patrick: Pero es como toda relación. Alonso: Es que nosotros hacemos el esfuerzo

de vernos y mantener una vida en común. Otras bandas no tienen eso. Nosotros, aunque sea nos vamos a tomar una cerveza a algún lado, o a ver una película o a comer.

Y la vida fuera de la banda, ¿cómo la manejan para hacer tiempo para la música? Sergio: Yo no trabajo hace un año en algo que

no sea la banda. Sebastián: Yo me cachueleo por ahí. Veo lo que me pueda salir para sobrevivir hasta que algún día esto resulte. Alonso: Eso es lo que todos esperamos.

Pero van por buen camino. Sebastián: Sí, la hemos hecho bien en el

tiempo que estamos juntos, pero la realidad económica de Lima es otra historia. Sergio: Es la realidad. Nosotros podríamos tocar acá en un sitio gigante y lleno de gente, pero la plata igual no se ve. Es súper raro.

Alonso: Es que la gente asume que la música no es un trabajo. Que no hay por qué pagar el disco o la entrada a un concierto. Patrick: Ahora, toda la plata que hacemos como banda la reinvertimos para que las cosas no nos cuesten nada. Si mañana tenemos que hacer polos, no voy a pedirles dinero a ellos ni sacar de mi bolsillo, eso ya está cubierto gracias a las tocadas. Alonso: En el segundo disco no hemos tenido que poner un sol. Todo ha sido de tocar en bares y ferias, y todo va a la cajita. Sergio: Ha ido de negativo a neutro, y esperemos que un día vaya a positivo. Pero es loquísimo cómo acá, en una ciudad de nueve millones de personas, no se consume arte. Uno pensaría que es porque hay pobreza, pero la gente que tiene plata tampoco la invierte en arte. ¿Hay un feeling diferente con este segundo disco a comparación del primero? Alonso: De hecho. Es mucho más maduro.

Se ha definido mucho más el sonido de la banda, porque en el primero hay buenas canciones, pero son muy disímiles entre sí. En cambio creo que todo este disco sigue una misma línea en cuanto a lo que se quería lograr. Las influencias de cada uno están más presentes, pero no está cada una por su lado, sino ya es un todo. Sergio: Yo creo que este disco, es más difícil de escuchar porque no tiene esos hits inmediatos como Watch me o esas canciones que agarran de frente a la gente. Pero sí siento


que las canciones son muy pajas. De hecho me parece un mejor disco. Sebastián: No tiene tantos ganchos como el otro, no es tan pop como el otro. Patrick: Pero en conjunto suena mejor. Es mucho más redondo.

¿Y cuántas peleas hubo para hacer el disco? Alonso: En el estudio ha habido demasia-

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das porque para Patrick, la batería de una canción está muy rápida, y le decimos: “No Patrick, está bien”, entonces, Patrick lo va a hacer a regañadientes, pero lo va a hacer. Y luego cuando escucha todo va a decir: “Ah, ya, sí, tenías razón”. O Sergio dice que una canción está muy lenta o que no le gusta. Sergio: Sí, yo soy una persona muy complicada, y lo admito. Es que te pones tanta presión en hacer el disco, quieres que te salga tan perfecto, pero al final siempre vas a encontrar algo. Es que es tan jodido agarrar los tiempos perfectos de las canciones, y creo que todos nos hemos pasado de vueltas con eso. Es que estás grabando tu disco, o sea, es una cosa demasiado importante, entonces, te pasas de vueltas tratando de que salga perfecto. Alonso: Y luego está Sebastián, que nunca se equivoca. Sebastián siempre hace lo correcto. Y él te va a insistir con la idea de la canción hasta que le pruebas con hechos físicos, presenciales, que está equivocado. Eso puede demorar horas o días. Hay veces que sí funciona y que sí, queda bien como lo quería Sebastián, pero hay que dialogar bastante con él. Y yo tampoco soy fácil de llevar, de hecho hay cosas que tengo que cambiar en cuanto a la dinámica de la banda, pero es un proceso.

Hay personalidades fuertes en la banda, entonces. Sergio: De hecho. Pero nos asamos, nos deja-

mos de hablar por unos días, y fue. Alonso: es como que: “Oye, sabes qué, ahorita no estoy hablando con Sergio, llámalo y dile esto” (jajajajaja). Pero luego todo pasa.

Al final tiene que pasar por el bien de la banda. Alonso: Claro. Es que no es algo personal, es

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un motivo tercero que al final se soluciona. Sergio: Es como dijo una vez el papá de Patrick: “Ustedes se pelean porque les importa mucho la banda”. O sea, Sebastián puede ver a la agrupación de una manera y yo de otra, pero a él le importa, a su manera, sino no discutiríamos. El día en que a alguien acá no le importe, ese día habrá un problema. Alonso: El día que uno de los cuatro diga: “Sabes qué, hagan lo que quieran, no me interesa”, ahí se acabó la banda.

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QHDN MÚSICA

Por: Oscar Chong

La herencia

Musical De los

Dosmil

Los sesenta nos dejaron el sgt. pepper’s lonely hearts club band, de the beatles; los setenta, el the rise and fall of ziggy stardust and the spiders from mars, de David Bowie; los ochenta, el appetite for destruction, de Guns’n Roses; y los noventa, el nevermind, de Nirvana. ¿y los dosmil? desde el revival rock de los sesenta y setenta, pasando por el indie-folk, hasta el rock barroco; las bandas aparecidas en la primera década del siglo XXI han explorado una amplia gama de estilos con el fin de refrescar nuestra deteriorada escena musical y para darnos la tranquilidad de saber que podremos alardear sobre la música de nuestra generación ante nuestros hijos y nietos melómanos.

Is This It (THE STROKES)

Eran días de nu metal, emocore y pop barato; el grunge había agonizado tras la muerte de Kurt Cobain y el brit pop ya no era una novedad. Transcurría el año 2001 cuando Julian Casablancas y compañía se atrevieron a lanzar un disco que haría que el rock’n roll recupere su esencia: is this it. Sus canciones dejaban en claro una estrategia que a la larga se volvería la tendencia de la década: “el revival”. Sus once temas gritan a viva voz el deseo de volver a los sonidos sucios de antaño, de rendir homenaje a bandas como The Velvet Underground y The Stooges. Por algo les llaman “los salvadores del rock”.

Up The Bracket (THE LIBERTINES)

Si el sonido de The Strokes significó el regreso al sonido de finales de los sesenta, el de The Libertines marcó el retorno del desenfreno de finales de los setenta. Desde su nombre mismo, esta banda ya sellaba una clara declaración de principios: “mientras más salvaje, más sucio y más libertino, mejor”. La importancia de up the bracket, su disco debut, no solo estuvo en las letras del talentoso e infame Pete Doherty y en su actitud desenfrenada, sino también en el hecho de darle al Reino Unido un sonido capaz de competir frente a frente con el de los neoyorquinos The Strokes. El tiempo demostraría que el rock inglés estaba a punto de recuperar su trono.

Funeral (ARCADE FIRE)

La década pasada no fue solo simplicidad y crudeza. No. En el 2004, tres años después de la explosión del is this it de The Strokes, aparecieron estos canadienses que no dudaron en dar la contra y brillar con la mayor complejidad musical posible. Para ello no tuvieron reparos en usar violines, violas, acordeones, pianos y cuanto instrumento se les ocurriera para componer canciones de enorme riqueza compositiva. El resultado de sus esfuerzos quedó reflejado en funeral, un brillante disco debut clasificado como rock barroco, debido al amplio uso de arreglos musicales con instrumentos de música clásica.

Oracular Spectacular (MGMT)

Lanzado en el 2008, oracular spectacular, fue el nombre del primer disco de los estadounidenses The Management (MGMT); un álbum que combina estilos como el noise rock, la electrónica y el synthpop. Aclamado por la revista Rolling Stone como uno de los mejores discos del año, oracular spectacular se convirtió en uno de los abanderados del sonido definido como pop psicodélico, el cual fue muy explorado por muchas bandas inglesas y americanas aparecidas durante la década pasada.

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Fever To Tell (YEAH YEAH YEAHS)

El diario ingles Sunday Times hizo una descripción que refleja muy bien el estilo de esta banda: “un trío de artrock que hizo un inquieto ruido post-punk ameno para la pista de baile que mezcló Blondie con Siouxsie and the Banshees”. Sí, esta banda neoyorquina, liderada por la guapísima Karen O, irrumpió en el 2003 con fever to tell, una joya que consolidaría el nuevo sonido revival de La Gran Manzana, pero agregando finos toques de electrónica y synth-pop.

Whatever People Say I Am, That´S What I´M Not (ARTIC MONKEYS)

The Libertines aparecieron para reivindicar la grandeza del rock inglés, pero los continuos problemas entre sus miembros principales (Pete Doherty y Carl Barat) ocasionaron que esta banda no pudiera tener la continuidad necesaria para erigirse en la cima del mundo. Es en ese vacío donde aparecieron unos irreverentes ingleses, liderados por Alex Turner, cuyo sonido llevaría a la cumbre el postpunk revival iniciado por sus libertinos predecesores: The Artic Monkeys. Su primer álbum marcaría la pauta de la industria musical del momento, convirtiéndose en el disco debut con más ventas en su primera semana en el mercado, con más de 350 mil copias.

Fleet Foxes (FLEET FOXES)

Los admiradores del folk también encontraron su espacio en la década pasada. Una de las bandas más representativas de la movida indiefolk, estilo que surgió a inicios de los dosmil y que en la actualidad se encuentra en su apogeo con el éxito de bandas como Bon Iver y Mumford and Son, es Fleet Foxes. Estos estadounidenses, confesos admiradores de Bob Dylan y Neil Young, recibieron el clamor de la crítica con el álbum homónimo con el que debutaron. Su popularidad llegó gracias a la plataforma Myspace, lo cual dejó en evidencia una de las armas más poderosas y características de la industria musical contemporánea: la Internet.

Sound Of Silver (LCD SOUNDSYSTEM)

sound of silver, el segundo y más importante disco de LCD Soundsystem, demostró que en Nueva York, y en

el mundo, no todo era postpunk revival. Con un sonido catalogado como punk-funk, esta banda se erigió como una de las principales de la década pasada debido a sus rotundos singles bailables que conjugaban sonidos que iban desde el punk, el funk, la electrónica, el pop y el techno. Este disco fue aclamado como uno de los más importantes del 2007 y de la década en general.

Back To Black (AMY WINEHOUSE)

Tal vez la voz más brillante de la década pasada. La inglesa Amy Winehouse irrumpió en el 2003 con Frank un brillante disco que dejó en claro su talento innato para el canto; pero fue back to black, su segundo LP, el trabajo que la encumbró. Tomando destellos del soul, el jazz y el funk, Amy cuajó un estilo único, potente, rebelde e introspectivo. El resultado de su éxito: cinco Grammy. Sus malos hábitos la llevarían a la muerte, uniéndose al infame club de los 27, pero su talento no será olvidado nunca.

Elephant (WHITE STRIPES)

A pesar de haber debutado en 1999 con the white stripes, fue en el 2003, con elephant, cuando esta banda se erigió como una de las más importantes y poderosas de la década. Conformada por Meg White y por el talentosísimo Jack White, este dúo se impuso con un sonido crudo que iba y venía a través de estilos como el garaje rock, el punk rock y el blues de antaño. Incluso la revista Q llegó a considerarlos en su lista de las “50 bandas para ver antes de morir”. Lástima que se separaron.

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Por: María Jesús Zevallos

CÓMO CAMBIAR TODO UN GENERO MUSICAL Y SALIRSE CON LA SUYA licensed to ill, EL DISCO DEBUT DE LOS BEASTIE BOYS, CUMPLE 26 AÑOS

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EN 30 AÑOS JUNTOS HAN HECHO SOLAMENTE 7 ÁLBUMES, PERO CADA UNO HA SIDO EL MEJOR DE SUS CARRERAS. HOY EN DÍA, LOS BEASTIE BOYS ESTÁN INCOMPLETOS, DESDE LA MUERTE DE ADAM “MCA” YAUCH, EL PASADO MAYO, Y NO ES SEGURO SI ALGÚN DÍA VOLVERÁN AL ESTUDIO. PERO HOY NO CELEBRAMOS SU AUSENCIA, SINO SU LEGADO. LISENCED TO ILL CUMPLE 26 AÑOS DESDE SU LANZAMIENTO Y AQUÍ LES RECORDAMOS CÓMO ESTOS TRES CHICOS JUDÍOS DE NUEVA YORK HICIERON LO QUE QUISIERON Y LO HICIERON MEJOR QUE CUALQUIERA.

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QHDN MÚSICA ntre los honrados en la tercera ceremonia de los VH1 Hip Hop Honors se encontraban legendarios raperos y DJs como Russell Simmons, Ice Cube, Rakim y Afrika Bambaataa. A estas leyendas del Bronx y Compton se les juntaban Adam “AD-Rock” Horovitz, Michael “Mike D” Diamond, y Adam “MCA” Yauch, los también legendarios Beastie Boys. Como parte de la ceremonia, los raperos Puff Daddy (o P.Diddy o Diddy, o como se llame ahora), Q-Tip (rapero legendario en su propia ley, pero totalmente fuera de lugar en ese grupo) y Fabolous salieron al escenario en buzos Adidas de colores, zapatillas blancas y joyas de oro, asemejando al hip hop de antaño. Los raperos interpretaron canciones del LP licensed to ill, el primer álbum de los Beasties, lanzado en 1986. Los tres intercalaban las líneas juguetonas y hasta caricaturescas de esas canciones que los Beastie Boys grabaron antes de cumplir los 20, mientras Mix Master Mike, en la tornamesa, creaba la música con sus dedos en el vinilo. Fue en ese momento que muchos nos dimos cuenta de que lo que hicieron los Beastie

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Boys solo podía ser recreado por ellos mismos. Al finalizar esa presentación fofa y aburrida, fuente indudable de vergüenza ajena, un AD-Rock de cuarentaytantos salió al escenario. “¡Este es el nuevo estilo!” grita a todo pulmón con esa voz aguda que lo caracteriza. Mike D, descoordinado en el baile pero siempre sincronizado y pulcro al momento de rapear, lo sigue. Finalmente, sale MCA, con la misma casaca gris acolchada que estuvo usando en todas las presentaciones de ese año, y masticando chicle, como lo hacía cada vez que salía al escenario. Energéticos como lo fueron tres décadas atrás, cuando iniciaban sus carreras, los muchachos interpretan un par de canciones entre el griterío de la audiencia y las sonrisas y aplausos de la realeza del hip hop que se sienta en el balcón. Entre los comentarios hechos para este video en Youtube, destaca uno tan verdadero como políticamente incorrecto: “tres hombres negros tratando de rapear mejor que tres chicos blancos judíos… sin poder hacerlo”. Y es que los Beastie Boys no solamente fueron tres muchachos que se hicieron famosos cantando sobre tener el derecho a juerguear. Estos tres neoyorquinos se infiltraron en un género, hasta ese entonces, dictado por la pigmentación de la piel, y no

solo se hicieron parte de él, sino que lo cambiaron para siempre. En 1981, la subcultura del hip-hop estaba ganando una audiencia cada vez más grande entre los cinco distritos de la ciudad de Nueva York. Este mundillo, que se había iniciado casi una década atrás en fiestas de barrio de la zona sur del Bronx, estaba cruzando los puentes hacia Brooklyn, Queens, Staten Island y hacia la bella Manhattan. Grafitis, DJs y breakdancers se volvían cada vez más populares y el rap, la música que englobaba a este monstruo urbano, llegaba a los oídos del resto de la ciudad y a otras urbes de los Estados Unidos. Ese año, el grupo The Funky 4 plus One More se presentaría en el programa de variedades Saturday Night Live. Sería la primera vez que una banda de rap aparecería en la televisión nacional de USA. Mientras tanto, en esos mismos meses, dos amigos cocinaban la idea de formar una banda de hardcore. Michael Diamond, de 15 y con ya años de experiencia en bandas de hardcore punk, sería la voz. Adam Yauch, de 16, estaría en el bajo. Diamond llamaría al guitarrista John Berry y a la baterista Kate Schellenbach, con quienes había compartido banda anteriormente. Juntos, los cuatro


adolescentes serían los Beastie Boys, la banda que en poco tiempo se convertiría en la consentida de la escena punk-rock de Manhattan.

cultura urbana. Era la música del Bronx; la música de los negros; la música que hacían los que no tenían dinero para pagar lecciones y aprender algún instrumento; los que no tenían dinero para aprender a cantar. Ellos rapeaban. Las letras del rap hablaban de los problemas de pandillas, de enfrentamientos raciales, de embarazos prematuros, de falta de comida, y esas cosas no sucedían al otro lado del puente. Beastie Boys se encargó de llevar el rap a las masas, pero no de la manera que las masas lo esperaban.

Hacia el año siguiente, Beastie Boys ya había grabado y lanzado un EP llamado polly wog stew. Los cuatro neoyorquinos disfrutaban lo que ellos pensaban era el gran tope que alcanzaría su carrera, viviendo el sueño adolescente entre alcohol gratuito, fiestas interminables, y música por doquier. Ese noviembre, Beastie Boys tocaría en la celebración de cumpleaños de Phil Pucci, un compañero de universidad de Yauch. Pucci grabaría esta presentación para su cortometraje llamado Beastie. Esa misma noche, abriendo para los Beastie Boys, tocaba The Young and the Useless, una banda de Manhattan también de hardcore. Su guitarrista, un muchacho hiperactivo de 16 años, que todavía cargaba grasa de bebé en sus mejillas y que se había criado en una zona lujosa de la isla, se convertiría en miembro de los Beastie Boys, luego que Berry dejara la banda. Su nombre era Adam Horovitz.

La era dorada del rap –según la Rolling Stone, Spin, The New York times, y probablemente cualquier artista de la cultura del hip hop– se concentra entre la segunda mitad de los ochenta y la primera mitad de los noventa. Comienza en julio de 1986, cuando raising hell, el tercer disco de Run DMC llegó al puesto número uno en las listas de R&B de Billboard y terminaría en la época post-gangsta rap, cuando alguien le dijo a Fred Durst que era buen músico y Eminem comenzó a escribir correos electrónicos y a rapearlos en el escenario. Beastie Boys estuvo en ese inicio, donde se encuentran los discos con los que se refutan a los ignorantes que dicen que “el rap es una mierda” por-

Horovitz, Diamond, Yauch y Schellenbach seguían tocando sus rifs pesadí-

A LOS BEASTIE BOYS NO LES INTERESABA SER “STREET”; NO QUERÍAN GANARSE UNA REPUTACIÓN DE ESTAR CON EL PUEBLO; DE QUERER SER MALOS; DE QUERER SER NEGROS. ELLOS ERAN ROCKEROS QUE AMABAN EL RAP, Y SOBRE ESA BASE CREARON MÚSICA. simos y ganando popularidad, cuando los beats de hip hop comenzaron a tocar las puertas de los bares que ellos frecuentaban. De pronto, los tres muchachos se interesaron cada vez más por estos sonidos extraños y primitivos, pero la muchacha no estaba tan interesada. “Cookie Puss” fue el último sencillo que grabarían juntos. Era una canción extraña; una llamada bromista a una tienda de helados en la que Diamond demandaba saber por número de teléfono de un tal Cookie Puss –que en realidad era el sabor de una de las tortas favoritas de los muchachos. No había voz cantada en el track, y la música era un funk repetitivo, muy diferente a su trabajo anterior. Esto llamó la atención de Rick Rubin, DJ RR, estudiante de la NYU, entusiasta de la música rap, y el hombre con los mejores contactos en el creciente submundo del hip hop.

nueva disquera de Rubin, co-fundada con Russell Simmons, manager de Run DMC. Schellenbach no participó en esta contratación. Éste fue el comienzo del trío que este año entraría al Rock n’ Roll Hall of Fame.

Llegado el 84, Horovitz, Diamond y Yauch firmarían con Def Jam Records, la

Antes del nacimiento de este disco, el rap se volvía cada vez más popular… entre la

licensed to ill, se convertiría en el primer

disco de rap en llegar al tope de la lista de Billboard Hot 100 en la sección pop. Y, mientras que contemporáneos como Public Enemy y EPMD sampleaban a Aretha Franklin y James Brown, y rapeaban sobre los problemas raciales del ghetto, Beastie Boys sampleaba a AC/DC y cantaba sobre “fotos autografiadas y putas con clase”. La música era pesada y la letra era bromista. No era una banda que trataba de solucionar los problemas mundiales –todavía–; eran tres jóvenes tratando de divertirse en el escenario y fuera de él. Pero la gente se lo tomó en serio.

que han escuchado a Lil’ Wayne. Pero los Beastie Boys, los niños blancos y pulcros, no lo eran. Eran muchachos que habían estado haciendo de las suyas en la escena punk-rock de Manhattan desde que tenían 13 años. A los Beastie Boys no les interesaba ser “street”; no querían ganarse una reputación de estar con el pueblo; de querer ser malos; de querer ser negros. Ellos eran rockeros que amaban el rap, y sobre esa base crearon música. Música que no iba con sus caras inocentes. Ellos no querían llegar a las masas; las masas los acogieron porque no se veían como los amenazantes chicos que les robaban sus carteras, se veían como los chicos del Centro Comercial, inocentes, comiendo papas fritas y hamburguesas. Tipper Gore, madre consternada, exsegunda dama de los Estados Unidos, exesposa de Al Gore, ama de casa aburrida, fundó en 1985 el ahora desaparecido Parents Music Resource Center, o

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QHDN MÚSICA

PMRC; la organización que se encargaba de regalarle a cualquier banda que use la palabra “mierda” esos stickers en blanco y negro que leían “Parental Advisory: explicit lyrics” (Advertencia a los padres: letras explícitas). A unos meses de lanzado licensed to ill, Tipper Gore se presentó, junto a Jello Biafra, el vocalista de la banda Dead Kennedys, antiguo compañero de tocadas de los Beastie Boys, y Bob Guccione, Jr., fundador de Spin Magazine, en el programa de la todopoderosa Oprah Winfrey. Biafra y Guccione defendían la letra de “Hold it now, hit it”, uno de los singles de los Beastie, en el que se habla de tener amigos que lo mantienen “elevado” y llegar a casa porque está bajo libertad condicional. Tipper estaba consternada por estas letras. Ella, quien había llegado al programa con el propósito de advertirles a los padres de familia sobre los explícitos y grotescos Beastie Boys, no entendía “el nuevo estilo”. ¿Por qué esta música no se quedaba en los barrios marginales? ¿Por qué tenían que expresarse tan abiertamente? licensed to ill, hablaba de drogas, chicas, juerga y ese deseo juvenil de desobedecer a cualquier autoridad posible. Eventualmente, el disco sería víctima del ya conocido “Tipper Sticker”, como todos los álbumes que grabaría luego la banda. ¿Cuál fue la respuesta de los Beastie? Salir de gira con gigantes del rap como Run DMC, Whoodini y LL Cool J

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(quien, sí, antes de hacer duetos con Jennifer López era un rapero muy respetado). Las presentaciones en vivo, en las que había muchachas en bikinis bailando en jaulas y un pene gigante de fondo, eran las respuestas imprudentes y potentes de los muchachos ante los enojos absurdos de tantos. El mundo del hip hop tenía un lugar especial para los Beastie Boys, aunque los medios y la mitad mojigata de su propio país hubiera preferido que nunca existieran. Habían logrado con éxito que el hip hop tenga otro tono, en todo el sentido de la palabra. licensed to ill, se consagraría a su debut

como el disco pop del año y el segundo mejor disco de R&B y Hip Hop, según Billboard. Sus reseñas no bajaban de las cuatro estrellas y hoy en día se encuentra entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. A este le seguiría paul’s boutique, su segundo álbum, el más celebrado de su carrera, mucho más pesado y con letras maduras, y que ganaría reseñas excelentes desde Pitchfork hasta NME. Cinco grabaciones más saldrían durante los años de los Beastie; cada uno fue su disco más esperado; cada rapero que sale de Nueva York lleva su influencia en la espalda. Para el verano del 2009, el rapero de Brooklyn Jay Z inauguraba el All Points West Music and Arts Festival de New Jersey. A pesar su popularidad indiscutible, Jay Z era un mero suplente de quienes habían sido

contratados para encabezar el line-up de esa tarde; los originales, los Beastie Boys. La presentación se canceló ya que MCA fue diagnosticado con cáncer de la glándula salival un par de semanas antes. Jay Z abriría su set en el All Points West con un cover de “No sleep ‘til brooklyn”, el que por el año 1987 fue el sexto sencillo de licensed to ill. El video original de esta canción embotella la esencia de los tres, en ese entonces, jovencísimos Beasties, quienes aparecen llegando a tocar a un club. En la puerta del local, el organizador incrédulamente los atiende: “¿dónde están sus instrumentos?” pregunta el caricaturescamente obeso y barbudo personaje. AD-Rock le muestra un vinilo, el gigante organizador le rompe el disco en la cabeza. “¡Nosotros solo tocamos rock aquí!” responde, y tira la puerta con enojo. Inmediatamente, la puerta vuelve a sonar; son los chicos, guitarras y bajos en las manos, y unas pelucas que asemejan esos ridículos grupos de hair-metal que invadieron la segunda mitad de los ochenta. “¡Rock n’ Roll!” grita Mike D. El organizador, emocionado, los invita a pasar al escenario. Y el desmadre –en versión hip hop– comienza. En ese video, como en toda su carrera, los Beastie Boys se burlaron de sus alrededores; de los que se tomaban las cosas muy en serio, y se salieron con la suya, mientras el mundo los aplaudía y les pedía una canción más.


Por Beto Kanaffo

NO

MADONNA 2.0

L

a gente está emocionada porque ya llega, se siente, se le huele a la copia más rochosa que hemos podido ver en el pop mundial –más aún que los plagios del tío Bryce Echenique o que el berrinche de Paolín en Asunción–. Sí, nos referimos a Lady Gaga, la imitación más descarada de Madonna (basta escuchar su canción Born this way, igualita a Express yor self). Nacida como Stefani Joanne Angelina Germanotta, ilustre ítaloamericana –hasta en eso se parece a la reina del pop– se ha hecho famosa por su voz, sus pegajosas melodías y sus extravagantes atuendos, alucinados videos y una actitud irreverente tanto en los medios como en sus presentaciones en vivo. Ganadora de cuanto premio se le puso por delante, se hizo ultra archiconocida con Poker face, a la que le seguirían hits, que son infaltables en cuanta juerguita se arma en Lima y aledaños, como Just dance,

VAYAAAAAN

Bad romance, Judas, entre otros. Fuera de jodas, es innegable la importancia de su llegada al Perú porque es una artista que ha vendido cuchumil millones de discos, reconocida mundialmente, y lo más importante, se encuentra recontra vigente (aunque parece que se ha dedicado a comer cinco pizzas diarias porque está un poco subida de peso), es decir no tendremos que esperar 20 años para que se acuerde de Perú –recordemos cuando llegó mi tía Cindy Lauper o Deborah Harry de Blondie, parecían la viejita de Titanic. Dónde: Estadio San Marcos. Cuándo: 23 de noviembre. 7:30pm. Boletos: Teleticket de Wong y Metro y en Ripley, desde 178 soles hasta uffffff, mejor ni digo los precios.

LA RUMBA DEL AÑO

¿

Sí o no señores? Vuelve al Perú la orquesta más grande de salsa de la historia de la música, la Fania All Stars. Una verdadera selección de constelaciones que regresa a nuestro terruño para hacernos bailar –así como lo hacen con nuestros 11 seleccionados–, con chela en mano, en el gramado del Coloso José Díaz. Mientras tanto, que nos alegren monstruos del sabor y el saoco como Johnny Pacheco, Bobby Valentín, Larry Harlow, Papo Lucca, Roberto Roena, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Adalberto Santiago y, después de más de 10 años de no tocar juntos, Rubén Blades. ¿Lo conocen no? Ese panameño llegó a la Fania como cartero y terminó siendo uno de los puntales del sello. Para colmo vuelve Richie Ray y Bobby Cruz, todos acompañados

por la Spanish Harlem Orchestra. Se esperan canciones como Anacaona, Quítate tú, Sonido bestial, El ratón, No me digan que es muy tarde (temón) y Juan Pachanga con el maestro Blades. Si no fuiste al concierto de la Fania en marzo del año pasado, pues tienes que ir obligatoriamente a ver a estos bravos, y si fuiste, obvio, tienes que repetir el plato. Además cae viernes, así que la chupeta será todo un éxito. Dónde: Estadio Nacional. Cuándo: 23 de noviembre. 8:00 p.m. Boletos: Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda, desde 70 luquitas.

EL AMOR DESPUÉS DEL AMOR Vuelve Fito para tocar íntegramente su obra maestra, o en todo caso, el disco que lo catapultó a ídolo de la música en habla hispana. Estamos hablando de el amor después del amor, que cumple 20 años. Para celebrarlo, Fito se ha embarcado en la gira Veinte años después del amor. Páez tocará el disco completo en el mismo orden, además de otras grandes canciones que forman parte de su extenso repertorio. Escucharán desde Dos días en la vida hasta A rodar mi vida. Obvio, también sonará la canción que le da nombre al disco. Provecho Meier. Dónde: Explanada Sur del Monumental. Cuándo: Jueves 29 de noviembre. 9:00 p.m. Boletos: Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda, desde 110 luquitas. battleship: batalla naval FULL ELECTRÓNICA Por sexto año consecutivo se realizará el festival más grande de música electrónica en el Perú, Creamfields, en el Fundo Mamacona. Acá han llegado bravos de bravos de la escena electro mundial gracias y este año no será la excepción. Estarán presentes, entre otros, Armin Van Buuren, Dub Fire, Hernán Cattaneo, James Zabiela, Steve Lawler, M.A.N.D.Y y mi favorita Miss Kittin. Dónde: Fundo Mamacona. Cuándo: Sábado 17 de noviembre. 6:00 p.m. Boletos: Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda, desde 140 lukas.

EL RETORNO DE LOS DOS PÁJAROS Regresan los tíos Sabina y Serrat, quienes hace cinco años la rompieron por estos lares. Su espectáculo se llama Los Dos Pájaros Contraatacan y contrariamente a lo que se podría pensar por la edad de estos ilustres ciudadanos provenientes de la Madre Patria, ambos dicen estar bien paraditos, por lo que vuelven al Perú a avasallar a su público con la desfachatez, en caso de Sabina, y la elegancia, en el de Serrat. Presentarán su nueva producción titulada la orquesta del titanic, además de temas propios de su repertorio. ¡Que se prepare La Noche de Barranco que el tío Sabina viene con sed! Dónde: Jockey Club del Perú. Cuándo: Miércoles 5 de diciembre. 9:00 p.m. Boletos: Teleticket de Wong y Metro, desde 185 lucas.

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QHDN TV

Por Luis Casassa

A N I H C A D I R E U Q I M , L A T ELEMEN Todos los jueves, 10:00 p.m. (La serie empezó el 25 de octubre pero puedes ver los dos primeros capítulos los jueves 1, 8 de noviembre desde las 9:00 p.m.; y el 15 a las 3:30 p.m., el primero y 9:00 p.m., el segundo) UNIVERSAL CHANNEL Puntaje :

Elementary ¿

Programa de Universal Channel en el que un varón poco tolerante, adicto, de gran intelecto, resuelve los casos más difíciles utilizando la deducción? Fácil, dr. house. Cerca, pero no. Hablamos de elementary, la nueva serie detectivesca del canal del globo terráqueo. Ok, fue una pregunta con truco. La confusión es entendible: tanto Gregory House como el protagonista de esta nueva serie están basados en el mismo personaje, Sherlock Holmes. ¿El nombre de nuestro nuevo héroe? Pues precisamente ese, Sherlock Holmes. Pero no es “exactamente” el icónico personaje de Arthur Conan Doyle que regresa a las pantallas en otra adaptación de época. Aunque mantiene el mismo nombre, este Holmes (Jonny Lee Muller) es un exconsultor para Scotland Yard con problemas de adicción que llega a Nueva York en el 2012 para entrar en un centro de desintoxicación. Una vez fuera, su padre le contrata a un ayudante posrehabilitación

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para evitar que vuelva a pepearse. Este personaje será Watson, quien mantiene la carrera de médico cirujano del conocido Dr. John H. Watson de la novela, aunque con una pequeña diferencia: es una mujer llamada Joan, encarnada por Lucy Liu. ¿Una mujer interpretando a Watson? Ya no seas machista que la idea no es nueva: Margaret Colin dio vida a la compinche de Holmes en la película para la televisión el regreso de sherlock holmes bajo el nombre de Jane. La nueva Watson acompañará a un irónico, ingenioso, arrogante, y a veces hasta ofensivo, cerebrito que resolverá, con su ayuda, casos imposibles, mientras ella trata de hacer la misma operación con la vida que Holmes se empeña en ocultar. Ambos formarán un ‘bromance’ –término que se refiere a esas amistades entre hombres tipo la de Keanu Reeves y Patrick Swayze en point break– porque,para Sherlock, Watson es un pata antes que una mujer. Así que si aguardas un romance tradicional entre ambos, espera sentado.

La crítica ha tratado muy bien a la serie. La página Metacritic señala que el 73% de ésta fue favorable, en un universo de 29 comentaristas, entre los que destacan Tom Gliatto, de People Weekly, quien la calificó de una “actualización altamente satisfactoria” y Hank Stuever, del Washington Post, quien afirmó que “elementary exhibe suficiente estilo e ingenio en su sentido del humor que rápidamente se distingue de la última serie británica sherlock”. Para Jonny Lee Muller, actor que le da vida a este moderno Holmes, ni pegarla de cráneo ni de adicto le resulta nuevo, ya que interpretó a Dade Murphy, alias Zero Cool, en la película hackers y a Sick Boy en trainspotting. Con esas dos chambas en el currículum no hubo duda, cuando se presentó al casting, de que era el indicado para encarnar a Holmes… o para hacer una reversión de dr. house.


La cita

IMPER DIBLE

Jane Forrest Jane Forrrest (Ellen Barkin) es abuela de Goldie y bisabuela de Shania, pero como buena adicta a cirugías plásticas y al botox, prefiere que ninguna se lo recuerde en público. Sin embargo, aparentar su edad no es su mayor problema, la incorrección política lo es, al punto de que esta homofóbica, arrogante y xenofóbica facha es la principal causante de que los sectores más pacatos de la industria televisiva no miren con buenos ojos new normal, la serie de la que forma parte, calificándola de “ofensiva” (ver recuadro). Mira estos ejemplos y te darás cuenta del porqué.

Jane: (A Goldie, que está a punto de convertirse en madre de alquiler para la pareja gay David y Bryan) ¿qué haces ayudando a estos fumadores de Salami? David: ¡Vaya! Bryan: Esa es buena, y es nueva. Jane: Resulta que me encantan los gays: no podría hacer que mi cabello luzca así si no fuera por ellos.

Jane: Hoy he tenido que coger el autobús, ¡el autobús! He ido sentada al lado de un hombre sin brazos. Estaba bebiendo de un termo lleno de sopa de champiñones con esas cosillas colgando de sus hombros. Era como ver a Flipper intentando beberse una cerveza. Tabita: (Consultando Internet para ubicar a Shania y a Goldie) Están en Venice Beach, California. Twitter ha guardado su localización. Jane: Ustedes (los asiáticos) son tan buenos con las computadoras. Ah, y gracias por ayudarnos a construir los ferrocarriles. Jane: (Luego de discutir con Rockie, la drag queen negro que trabaja para Bryan) Me siento como si acabara de comer un guiso de negro y gay antes de dormir. Esto es una pesadilla.

ADICTOS

A LAS SERIES

¡Salud, fantasma!

El título no alude a las personas como tú, que se pasan los fines de semana con el control remoto en una mano y una bolsa de piqueos gigante en la otra mientras se pegan a cuanto maratón exhiban. No, es más bien el llamado que parecen haber hecho los guionistas para incluir entre sus personajes principales a drogadictos y alcohólicos. Sherlock Holmes, de elementary, es el más reciente pero no él único. Los dealers y las licorerías ahora se ubican cerca a las cadenas de tv.

The doctor is in the house

Dios odia a Hank

rescue me, 2004.

dr. house, 2004.

californication, 2007.

Tommy Gavin necesita que alguien lo saque del profundo hoyo traumático en el que cayó tras vivir in situ el atentado del 11 de setiembre del 2001. Lo único que le permite mantenerse en pie es entregarse a la bebida. Su primo, Jimmy Keefe –muerto durante el ataque contra las Torres Gemelas–, se le aparece continuamente. ¡Qué bravo, causa! Nosotros con las justas vemos doble cuando tomamos.

Si este adicto a la vicodina llamado Gregory House no fuese cínico, sarcástico, ofensivo y ególatra, probablemente se aburriría como una ostra en el Hospital Universitario Princeton-Plainsboro de Nueva Jersey. Y con él, nosotros. Pero para felicidad nuestra este malcriado médico es tan ocurrente como vicioso. En la sexta temporada deja las drogas, pero no la habilidad para maltratar gente.

Luego de que su best seller, dios nos odia a todos sea llevado al cine y termine convertido en un mamarracho, Hank Moody soltó un “¡Ya qué chucha!” y se entregó al sexo, las drogas y el alcohol. En esta vida viciosa el novelista tratará de educar a su hija y reconquistar a su pareja. Claro, nada mejor para traer al ser amado que emborracharse, drogarse y levantarse a cuanta mujer aparezca. Suerte Hank.

¡Enfermera, las pastillas son para mí! nurse jackie, 2009.

¿Cómo financiar tu adicción a la vicodina –para detener un intenso dolor lumbar– y al adderall –para soportar el día día del hospital¬– con un sueldo de enfermera? Jackie Peyton tiene una fórmula: usa su cuerpo. Esta serie fue acusada de tener demasiadas coincidencias con dr. house, y de hecho, como has visto, las tiene, aunque House pagaba en efectivo su vicio y no se bajaba el pantalón fácilmente.

new normal

¿

Qué era lo normal antes con las series polémicas? Que la cadena que la aprobó las emita, junto a todas sus afiliadas, y que los críticos, el público y cuanto cucufato se cruce en el camino, sean los encargados de fiscalizarlas. La situación que vive new normal, y que en su momento pasó the playboy club, es distinta: la KSL-TV de Utah, afiliada a la NBC –la cadena principal creadora de este programa– consideró que la serie era “inapropiada para emitirse en horario familiar”. KSL-TV, administrada por la Iglesia mormona, ya había hecho el plantón con la serie sobre las conejitas. Pero, ¿qué puede exacerbar a estos broadcasters mormones en una serie de Ryan Murphy, el mismo creador de glee? Para empezar, su trama y sus personajes están lejos de la cucufatería: Bryan y David son dos homosexuales que deciden contratar a un “vientre de alquiler” para que engendre a su futuro retoño. Goldie es una madre soltera que acepta el trabajo para iniciar una nueva vida con el dinero que reciba, mientras que Jane (a quien puedes conocer mejor en “la cita imperdible”) es un personaje que, por intolerante, se burla precisamente del conservadurismo extremo. La serie ha logrado altos índices de rating durante la emisión de sus primeros capítulos, aunque es difícil señalar si éste se debe a que el público se ha enganchado con esta especie de modern family extremo o si el efecto del escándalo sigue atrayendo curiosos. La comedia que transmite FOX para Latinoamérica, al menos ya aseguró temporada completa (suerte distinta a the playboy club que fue cesada después de tres capítulos). Veamos si le alcanza para una segunda.

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QHDN QHDNMÚSICA MÚSICA

Por Por: MaríaMaría JesúsJesús Zevallos Zevallos

OCHO MÚSICOS QUE SE CAMBIARON EL NOMBRE QUE YA SE HABÍAN CAMBIADO

Si te llamas Pancracio, Sortibrando o Neurona H2O, de seguro maldecirás cada día a tus padres por haberte bautizado con un nombre que te expone al más despiadado bullying. Felizmente, hoy en día, el cambio de nombre es tan fácil como crearte una identidad nueva en Facebook. Pero algunos van demasiado lejos en eso de rebautizarse. Aquí les dejamos a 8 artistas que se cambiaron de nombre cuando incursionaron en el mundo de la música y que lo siguieron cambiando ya sea por aburrimiento, conversión religiosa, batallas legales o quién sabe qué. Sigan así, señores, que así ya no sepamos qué nombre usar para buscar su música, igual nos entretienen.

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SNOOP DOGGY DOGG SNOOP DOGG - SNOOP LION

CAT STEVENS YUSUF ISLAM

PRINCE THE ARTIST FORMERLY KNOWN AS PRINCE – PRINCE

OL’ DIRTY BASTARD BIG BABY JESUS

Era solo cuestión de tiempo antes que Calvin Cordozar Broadus Jr. se cambiara de nombre a cualquier cosa que no comenzara con el nombre “Calvin”, así que optó por Snoop Doggy Dogg, un derivado de “Snoopy”, su apodo de pequeño. Luego, después de haberse hecho conocido como Snoop Dogg, en julio de este año las cosas se pusieron raras cuando se bautizó como Snoop Lion con un sacerdote rastafari.

Steven Demetre Georgiou era un típico hippie inglés de los setentas merodeando por el mundo con una guitarra, una barba y un discurso casi social y casi existencial, hasta que una experiencia que casi lo mata hizo que se convirtiera al islamismo en 1978. Entonces cambió su nombre por Yusuf Islam y se alejó de la música. No grabaría por 28 años hasta que regresó con el disco An Other Cup bajo el nombre artístico Yusuf. Hippies, quién los entiende.

¿Existe algo visualmente más extraño que Prince? Sí, . Este símbolo, que según el artista se debía pronunciar: “Love Symbol #2”, fue el que Prince Rogers Nelson recogió como su nombre luego de tener problemas legales con Warner Bros. Records. Sin embargo, para la prensa y la mayoría de público, el músico se hizo conocido como “The Artist Formerly Known as Prince”, hasta el 2000, cuando Prince volvió a usar su nombre después de que su contrato con la disquera expirara.

Como miembro fundador del Wu Tang Clan, Russell Tyrone Jones tenía casi la obligación de tener un nombre tan achorado como la música de Wu Tang, una de las mejores bandas de hip hop que ha existido. Pero en 1998, cuando Ol’ Dirty Bastard comenzó una carrera como solista, expresó que “ya no sería ODB no más”, y cambió de nombre a Big Baby Jesus. El MC moriría de una sobredosis 6 años después.

MOS DEF YASIIN BEY

SANTOGOLD SANTIGOLD

LIZZY GRANT LANA DEL REY

PUFF DADDY P. DIDDY – DIDDY

Aquí otro artista convertido al islam. El MC Dante Terrell Smith, conocido como Mos Def adoptó esta religión en su adolescencia, pero no fue hasta fines del año pasado que decidió cambiar su nombre a Yasiin Bey, como referencia al verso 36 del Corán.

Santo Gold, un cineasta que nadie conoce, demandó a Santogold en el 2008 por usar su nombre. Como consecuencia, Santogold se convirtió en Santigold. La transición no debe haber sido muy difícil, ya que el nombre de la cantante es Santi White.

Hay un chiste flotando por la internet. Este chiste se llama Lana del Rey, aparentemente gracias a la combinación de la actriz Lana Turner, una actriz del Hollywood de los años cuarenta, y el modelo de automóvil Ford del Rey, descontinuado desde 1991. Creemos que dentro de muy poco, la alguna vez conocida como Elizabeth Woolridge Grant se cambie el nombre a Marilyn El Camino.

Aparentemente era cada vez más difícil para este rapero el recordar su propio nombre, así que cada año lo fue achicando un poco. Sean John Combs es su nombre de pila, y el que usa para su exclusiva y carísima línea de ropa masculina, Sean John. Pronosticamos que para el fin de la década será conocido simplemente como “D”.

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Por César De María

FAEL: TEATRO DE TODO EL MUNDO PARA TODO EL MUNDO

(EN LIMA)

QHDN Tablas

(O de cómo la cultura sirve también para detectar delincuentes)

L

a cultura y el arte son el bastión de la izquierda progresista y de la derecha auténticamente demócrata. Educar al votante es algo que no hacen los populistas, los fachos ni los extremistas porque quieren gente obediente y no pensante, en resumen, televidentes. Por eso Andrade o Villarán coinciden, como Alcaldes de Lima, en su brillante apoyo al fenómeno ardiente e indomable que es la cultura viva, esa sangre hecha de ideas que corre por las muchas calles que los Castañedas y similares infartaron con cemento, placas, obras falsas y escaleras amarillas. El apoyo a la cultura ha sido siempre la mejor señal para saber cuán ignorante, tiránico o cutrero es el líder, el alcalde o el presidente de turno, de la APAFA o del país. Quien no quiere cultos cerca es porque esconde cosas muy feas. Digo esto a propósito del FAEL, el Festival de Artes Escénicas de Lima, que reúne espectáculos peruanos

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so, kimba fá: suena barrio, la agonía

de rasu ñiti, pampa

santa, velorio y yo, río, unipersonal

del brillante César Golac. Si esto ya es mucho, agrégale más: producciones como ícaros y allin munay de la Residencia Danza o muru, la fuerza de lo inevitable, creaciones del Colectivo OIE y Pauchi Sasaki, se suman a una interminable lista de grandes espectáculos a precios realmente ínfimos. Busca todos los datos en Facebook o en la web y súmate a esa masa creciente de gente que consume cultura para no parecerse a la elite de ignorantes que dirige al país y que tan bien se representa a sí misma con un cuy. Sé cóndor, loco, vuela, reina, sube. de primer nivel –muy bien seleccionados– con notables puestas de elencos extranjeros que prestigian al evento y a nuestra ciudad. Se presentarán, del 27 de octubre al 18 de noviembre, compañías de

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nivel mundial como Momix de Estados Unidos, Fundación Mapa Teatro y Colegio del Cuerpo de Colombia, Macunaíma de Brasil y Malayerba de Ecuador, además de dos extraordinarias puestas dirigidas por el argentino Daniel Veronese.

Representando muy bien al teatro peruano veremos astronautas del proyecto teatral Vía Expresa, criadero de Mariana de Althaus, escrito por una gallina

(co-creación de Guillermo Castrillón y Jimena Lindo), este sol es fal-

Cuándo: Del 27 de octubre al 18 de noviembre, Dónde: Teatro Municipal de Lima, Auditorio AFP Integra del MALI, entre otros. Boletos: Teleticket de Wong y Metro.


MIENTRAS TANTO, EN LOS OTROS TEATROS No todo el mundo es festivalero ni quiere comer el gran buffet que es el FAEL. Para ellos la cartelera limeña tiene muchas otras opciones, de las que escojo y recomiendo estas tres. NUESTRA GISELA Chela de Ferrari dirige nuestro pueblo en el teatro La Plaza de Larcomar. La experiencia es diferente desde que uno entra a la sala, que han cambiado por completo y es ahora un escenario en forma de U en el cual, apenas llegas, te integras a la acción: puedes cantar con la gente de esta pequeña ciudad, reírte de sus eventos simples y cotidianos y hasta stalkearlos tomándote una foto con ellos como si te los hubieras encontrado en la calle, dependiendo de cuán impertinente o curioso seas. Hay gente a la que vi pidiéndoles que los agreguen al Facebook.

directora (maestra), el autor (Thornton Wilder, premio Pulitzer por esta obra) y Gisela Ponce de León (ídola), cavan en tu pecho sonrisa a sonrisa y al final terminan sacándote el corazón y haciéndote llorar de alegría o reír de pena. Yo, que en un eterno spleen muriendo vivo, amé y agradecí su actuación y la de toda esta fiesta de actores reunidos: Rómulo Assereto, Gabriela y Ricardo Velásquez, Haydee Cáceres, Alfonso Santistevan, Sofía Rocha, Paul Vega, Rolando Reaño, José Miguel Arbulú, Alejandro Escudero. Ojalá no olvide a nadie. Les debo algo.

Pero toda esta intimidad es solo el inicio de un viaje al fondo de tu propio corazón en el que descubres el valor de la vida minuto a minuto y disfrutas encontrando, detrás de cada momento nimio, una lágrima escondida como una flor bajo una piedra. Y es que el elenco (elencazo), la

Cuándo: Del 20 de octubre al 18 de diciembre, de jueves a martes 8:00 p.m. Dónde: Teatro La Plaza (Larcomar , Miraflores) Boletos: Teleticket de Wong y Metro.

EL SISTEMA SOLAR Mariana de Althaus, con viada y talento, estrena el sistema solar, otra puesta que nos mete en la acción y que transcurre en una casa a la que, como público, estamos integrados y en una Navidad a la que ninguno de los personajes puede sentirse muy integrado que digamos. Actúan Katerina D’onofrio, Sebastián Monteghirfo, Valeria Escandón y Mariano García Rossel. Vamos a ver cuán frío está el sol en esa época y cuántos planetas desaparecidos se nos cruzan entre villancicos y regalos mal abiertos.

Cuándo: Del 26 de octubre al 3 de diciembre, de viernes a lunes 8:00 p.m. Dónde: Galería 80 mt2, La Casona Proyect, Malecón Pazos 252Barranco (paralela a la cuadra 2 de prolongación San Martín). Boletos: Escribir a viaexpresacolectivoteatral@gmail.com para comprar o reservar sitio. S/.40 (General) y S/.20 (estudiantes y jubilados). Lunes populares.

¿QUÉ TORTURA? Christopher Durang ha escrito una obra criticando la susceptibilidad y el desengaño imperantes en Estados Unidos desde que ese humeante 11 de setiembre les cubrió de cenizas la confianza. Y pese a ser un tema durísimo, lo hace con risas y sorna, como podríamos esperar del autor de las urticantes el matrimonio de bette y boo o la hermana maría ignacia te lo explica todo. La monta Plan 9 para matarnos –de risa– con esta versión cómicamente cruel y políticamente incorrecta de los fokkers o encuentros similares entre yerno infeliz

y suegro salvaje. Va con Daniela Sarfati, David Carrillo, Óscar López Árias, Luis Alberto Urrutia, Masha Chávarri, Oscar Meza –que parece sacado de The big bang theory– y Vania Accinelli, que se luce bien para ser su primer estreno como actriz profesional. Cuándo: De jueves a lunes, 8:00 p.m. y domingos, 7:00 p.m. Dónde: Teatro Larco (Av. Larco 1036, Miraflores). Boletos: Teleticket de Wong y Metro.

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DEDO QUIEN

VIDA ANIMADA

Guillermo Vilcherrez

EDUARDO SCHULDT

Él ha sido director de las películas animadas piratas en el callao, dragones: destino de fuego, el delfín: historia de un soñador, lars y el misterio del portal y los ilusionautas. Desde hace casi 10 años se dedica a este rubro y se ha convertido en uno de los pocos expertos en esta materia en la escena latinoamericana. Ya lo sabes, estimado lector: cuando tus viejos te digan que madurez y que dejes de ver televisión todo el día enséñales esta entrevista. Crear personajes ¿es como tener hijos? Es genial cuando ves que uno de ellos cobra vida, cuando nace de un par de líneas, de un guión. Lo vas trabajando y de pronto tienes un ser rico, con vida, que habla, que se comunica. Eso es maravilloso. Se ve que eres un apasionado de la animación Si, desde pequeño me encantaron los videojuegos y quería hacerlos. Creía que todo empezaba por la animación. Así que empecé a trabajar con una Commodore 64, y poco a poco me fui metiendo en

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este mundo. A los 20 años hice mi primer comercial. ¿Y tus viejos?, ¿normal con que te dedicaras a esto? Antes me veían como la oveja negra. Decían: “Oye, éste ve todo el día dibujos” o “Tiene 20 años y sigue viendo animaciones”. Ahora que llevas varios años en esto sin problemas con tus padres, ¿qué es lo más paja de hacer estas pelas? El proceso es maravilloso, hay muchas cosas distintas que ves: desde la historia,

cómo será el personaje, los encuadres de la cámara… ¡Es muy divertido! no es nada monótono, todo el tiempo va cambiando. Además, se mezclan mucho el arte con la tecnología, cosas que me encantan. ¿Qué es lo que más te llena de tu trabajo? Lo que tratamos de hacer es animar al público, que pase un momento entretenido y se relaje. No es que en cada película quiera contar algo predefinido, simplemente quiero hacer algo divertido y que la gente la pase muy bien.


EL MUNDO DESDE ARRIBA

Guillermo Vilcherrez

EVELYN MERINO REYNA

Lima Más Arriba es un proyecto de fotografía aérea que pretende capturar a nuestra ciudad tal como la ven los limeñísimos gallinazos. Desde el 2005, Evelyn Merino Reyna se trepa en parapentes, helicópteros y avionetas para retratar las más alucinantes imágenes, las cuales demuestran que nuestra capital sigue creciendo… en lo urbano y en lo social. ¿Cómo alguien que le tiene fobia a volar emprende un proyecto como este? El miedo es mi mejor aliado. Por eso empecé con un vuelo en parapente. Justo tenía mi cámara y esa combinación “foto-aire” me atrapó. Así empezó esto. Si no fuera por esa fobia no habría sido tan insistente en los temas de seguridad. Hasta tomé un curso como piloto privado, por si acaso. ¿Qué pasa por tu cabeza cuando estás en el aire? Es irónico, pero estar arriba me da mucha paz. Me siento totalmente suspendida

en el tiempo antes de tomar la foto. No te niego que en el prevuelo me quiero morir. Poco a poco lo he ido superando. ¿Y qué ves desde arriba que nosotros no vemos? Hay un punto que me enganchó con este proyecto: descubrir que todo, hasta el caos, se puede ver bien desde arriba. Esa idea de poder transformar el smog, el tráfico y los techos sucios en algo distinto. Pero con nuestro clima tan loco, ¿cómo te aventuras? ¡Sí! Una vez quería fotografiar el Golf de

San Isidro, pero una nube gigantesca se interpuso. Aunque creo que eso también es genial… las nubes y el clima gris son parte del paisaje limeño. ¿Cuál es la zona de Lima que creas más interesante de fotografiar? Parecerá un cliché, pero todas son interesantes ante la cámara. Aunque no puedo negar que cuando volé sobre Villa el Salvador y Villa María del Triunfo pude observar cómo nuestra ciudad está insertada en un gigantesco desierto. Es impresionante.

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una nueva experiencia musical ¿Te imaginas ser parte de la producción, grabación, mezcla y todo el proceso creativo de un tema electrónico a través de las redes sociales? Gracias a Miller Musicology esto fue posible. Y, por supuesto, el Perú estuvo presente.

S

i sabes en que consiste el proyecto Musicology de Miller, y participaste de él, podrías pedir que te incluyan en los créditos si deciden sacar el disco en físico. Es que para la creación del tema Feel the night, fueron necesarias cinco sesiones, seis músicos latinoamericanos y miles de internautas a través de sus cuentas de Facebook, Twitter y del sitio

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millermusicology.com. La creación, inspirada en la noche de las grandes ciudades de nuestro continente, hoy se comparte a través de las redes sociales. Este proyecto colaborativo llegó a su fin con el estreno del videoclip del tema. En sus imágenes aparecen artistas de Colombia (Alejandro Flórez, vocalista de Soundacity), Ecuador (Paola Galvez, considerada la primera Dj del país vecino del

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norte), Panamá (el DJ Edward Allen), Paraguay (Guille Preda, vocalista de la banda DIVA), Argentina (Matías Faint, DJ y productor que forma parte del dúo Heatbeat) y, por supuesto, de nuestro país (representado por Ezio Oliva, de Ádammo). Y como dijimos líneas arriba, a ellos deberíamos sumarle al público que dejó de darle “like“ a fotos de gatos para elegir la melodía, la letra, los

instrumentos y la mezcla de la canción desde Internet, para finalmente ponerle nombre al tema. Ingresando a la página millermusicology.com, puedes participar de la particular celebración por la conclusión de este proyecto, descargando gratis el Musicology pack con contenido exclusivo. ¡Salud a tu nombre si te sumaste a esta campaña!


QHDN PANZA

Por Beto Kanaffo

10 puntos H

El 10 mantiene como su fuerte a las parrillas –dobles triples, premium, especial– pero ha virado hacia la preparación de platos de procedencia argentina, española y claro, peruana. Cuenta con entradas –que parecen fondos, como su suave pulpo a la gallega o su sabrosa tortilla de patatas I (la clásica) y II (con chorizo ibérico). También se puede optar por unas jugosas salteñas. Para engreír el paladar, unas mollejas de ternera a la brasa con dosis de chimichurri nos suben la presión. Salivamos con su paiche con langostinos al cava acompañado de arroz arrisotado con champiñones. Nos marean con su suave y jugosa entraña sobre cama de papa rallada bien frita y un asado de tira con su grasita bien pegada al hueso. Atención, los que estén con el colesterol bajito, se recomienda la parrilla entera de lomo de 1 kilo y medio envuelto en fetas de tocino crujiente, espárragos y papas a las brasas, acompañado de porción de papas fritas y bueno, ensaladita como para engañarle al cuerpo. Una maravilla. Para bajar las revoluciones, nada mejor que un mousse de chocolate con lúcuma. El 10 pinta espectacular en sus tres locales (Miraflores, Plaza Norte y ahora Mega Plaza) para pasar un agradable almuerzo o cena de fin de semana con amigos, con buena comida y unos buenos vinos, pero también para ver los mejores partidos de futbol internacional en sus pantallas gigantes. Está 10 puntos.

EL 10 – CARNES Y VINOS »MIRAFLORES: Av. Petit Thouars 4599 Teléfono: 717 6610 e-mail: miraflores@el10.pe »PLAZA NORTE: Centro Comercial Plaza Norte Teléfono: 715 6027 e-mail: plazanorte@el10.pe

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»MEGA PLAZA: Centro Comercial Mega Plaza Teléfono: 715 0910 e-mail: megaplaza@el10.pe www.facebook.com/el10carnesyvinos Estar atentos que continuamente van lanzando promociones en su página de Facebook. Se aceptan todititititas las tarjetas.

JeanMarco Córdova

ace algunos años lo conocí –quedaba a escasas cuadras de mi antiguo trabajo– y era, sin duda, un lugar agradable para carnívoros empedernidos como yo. Se llamaba El 10 Carnes y Parrillas. De esa primera visita han pasado siete años y agradezco haber caído nuevamente por ahí ya que he quedado gratamente sorprendido. El nivel de la carta, así como la calidad del servicio, se encuentra en un puntaje muy elevado. Acaban de estrenar nuevo nombre y nueva carta: ahora se llama El 10 Carnes y Vinos. Obvio, si cuenta con una variedad de 180 vinos.


A puerta cerrada U

na nueva moda se viene imponiendo en Lima. Es la de comer en casas tradicionales, adaptadas como restaurantes, a puerta cerrada, manteniendo un toque de reserva, de secretismo. Es el caso de Nací Caliente (no nos referimos a la Mujer Boa o a Maribel Learde –perdón– Velarde), proyecto generado por Marissa Aguayo quien conjuntamente con algunos familiares, amigos y chefs extranjeros ha iniciado este negocio en Jesús María. Una casa tradicional de inicios del siglo pasado –con pileta incluida en el patio– ha sido acondicionada para recibir a comensales que solo pueden ingresar con una contraseña que te dan previamente por Internet, así como la dirección, y que es corroborada en la puerta, mismo Súper agente 86. La idea es que sientas que eres un invitado a comer, (claro, con la salvedad de que te cobran por ello. Tampoco te pases pues). Acá no hay apuros ya que puedes comer a la hora que quieras. Además, mientras degustas un aperitivo, puedes conversar con los jóvenes chefs al momento que cocinan. La propuesta culinaria es una fusión de sabores peruanos pero con cocinas internacionales como la española, búlgara, inglesa o griega (¡Asu mare!), ya que se invita eventualmente a chefs de diferentes partes del mundo que recaen en el Perú para estudiar a fin de que puedan ofrecer sus conocimientos para beneplácito de nuestros paladares. Por 50 soles te sirven aperitivo de manera ilimitada –sangría italiana o traguitos a base de café–, luego viene una sopa o entrada –como una Pizca Andina (chupe de papa venezolana)– o un Rocoto relleno pero acompañado de una Tortilla Española (reemplazando al pastel de papa). Como fondos puedes encontrar un delicioso adobo de res con puré de perejil y arroz árabe, o un espectacular viande rouge et mangue. Guat? Traducción: Asado de res en reducción, en salsa de mango acompañado con zucchini relleno con papa amarilla, cuatro quesos, pollo y hierbas frescas, coronados con mozzarella gratinada. Espectacular. Conocedores del gusto peruano, te dan gratis una generosa porción de arroz para remojar las salsas. Muy recomendable.

NACÍ CALIENTE Solo viernes. Los domingos hacen almuerzos por 25 soles, bajo la misma modalidad. Reserva previa. Reservas por los siguientes medios (te dan la contraseña y la dirección exacta): Telf: 994766605 Email: admin@nacicaliente.com Facebook: Naci Caliente

JeanMarco Córdova

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. LA MUERTE .

Jack Skellington

Randall

Beetlejuice

Por José Villaorduña

E

stá bien, tampoco es que te la tengas que pasar leyendo libros todos los días. De hecho soy probablemente tan adicto a la televisión como tú, así que no te voy a venir con hipócritas golpes de pecho: muchos hemos descubierto que enchufarse a la caja boba puede tener propiedades terapéuticas. Pero hay cosas que, por salud mental, he elegido no ver jamás de la televisión abierta. Y eso es televisión abierta. Incluso cuando una breve ojeada a la bestia me haga creer que el solo entretenimiento no tiene nada de malo, la solución es saltarse los primeros 13 canales del espectro. Mi primera recomendación es escoger siempre ver películas, pero para aquellos que han sido inoculados con el virus de la telebasura local, mi consejo es aplicar una terapia de reemplazo. Por ejemplo, antes que ver tristes imitaciones de karaoke perpetradas por cantantes pretendiendo ser otros, mejor sintonizar algunos de los mejores covers que vas a escuchar en tu vida en programas mejor producidos como the voice , the sing off , y por qué no, también american idol . Si te van más bien los interrogatorios que hurgan en la verdad ajena, nada como ver las repeticiones de entrevistas de ese señor con apellido de infusión, James Lipton, en inside the actors studio , las de Elvis Costello (en spectacle : elvis costello with ...), y hasta shatner ’ s raw nerve , con el ex star trek William Shatner. ¿Quieres ver baile de verdad? dancing with the stars y s o you think you can dance muestran verdaderos espectáculos de baile en los que, aunque te parezca extraño, los participantes ensayan y son entrenados en serio y hasta… bailan. Y por último, si lo que te pone son los concursos en los que las tensiones y las relaciones humanas terminan desplazando el estrés de la competencia, está uno de nuestros favoritos: top chef . Las mismas peleas, los mismos roces e intrigas, y la misma claustrofobia de convivir con extraños que te encuentras en los teatralizados realitys competitivos locales. Pero ojo: en top chef la carga dramática y el suspenso puede ser mayor: los concursantes andan siempre con un filoso cuchillo en la mano. ¿Qué te parece, eh?

EDITOR

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bailarines deThriller

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VENTAS PUBLICIDAD DEDOMEDIO JOSE MONTOYA PORTELLA / GERENTE GENERAL AV. OSCAR R. BENAVIDES N°340 (EX DIAGONAL), OFICINA 28 MIRAFLORES, LIMA 18-PERÚ TELÉFONOS: 446-0615 / 444-3311 (511) 99 830*8930 Gerencia@dedomedio.com Rodrigo Salazar / Ejecutivo Comercial rsalazar@dedomedio.com / Telf: (511) 98 147*6062 Jorge Segura / Ejecutivo Comercial jsegura@dedomedio.com / Telf: (511) 98 147*5406

DEDOMAYOR Pepe Villaorduña /// DEDITOR Luis Casassa /// COMITÉ DEDITORIAL: Carlos Meléndez, Jaris Mujica y, Carlos Torres /// DEDO GRÁFICO Rocío Santos /// REDACTORES: John Campos Gómez, César de María, Beto Kanaffo, Luis Navarro, María Jesús Zevallos /// COLABORADORES: Randi Chango, Ana Sofía Janampa, Rodrigo La Hoz, Oscar Chong, /// FOTÓGRAFO Guillermo Vilcherrez, JeanMarco Córdova /// ILUSTRADOR DE PORTADA Jorge Ramos /// CORDINADORA María Vargas /// DIRECTOR EJECUTIVO Iván Vecco /// GERENTE GENERAL Jose Montoya /// IMPRESIÓN World Color Perú S.A. /// DISTRIBUCIÓN: Compañía Distribuidora Nacional de Revistas SAC/// Depósito Legal: 2007-09349.

OK, PRENDE DE NUEVO LA TELE (pero solo si tienes cable)

DIRECTOR Cadaver novia

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BETO, SUSANA Y LA MÚSICA CRIOLLA Amigos dedomedieros, soy un antiguo lector y suscriptor de su irreverente y divertida revista con la que, por cierto, muchas veces estoy de acuerdo, como con la última columna del director Villaorduña de apagar la caja boba y hacer huelga de ojos caídos ante tantos programas basura (realitys), especialmente ese de B. Ortiz “el valor (sic) de la verdad (doble sic), así como que también discrepo de algunas de sus posiciones políticas, como fue su apoyo a la entonces candidata Susana Villarán, quien se ha convertido, a mi parecer –y al de más de las dos partes de la población– en el(la) peor alcalde(sa) del(la) que tengamos recuerdo, no más escucharla a ella y a su séquito en sus idas y venidas sobre La Parada, ese asqueroso exmercado mayorista. Pero bueno, al margen de estas opiniones quería aportar una cosita sobre el excelente artículo de María Jesús Zevallos sobre nuestro excelso guitarrista y la música criolla en vías de extinción. Al respecto de esto último, me parece importante informar algo, que por cierto muy pocos peruanos –creo– conocen y al parecer tampoco la señorita Zevallos: que nuestra gran Chabuca Granda, allá por mediados de los sesenta, y con una mentalidad previsora y futurista empezó a fusionar el vals criollo con la bossa nova, que estaba empezando a ser furor, y lo llamó “paracutá”, lo que no fue casi nada difundido especialmente por la férrea oposición de los conservadores detractores puristas que no aceptaban ninguna modificación o modernización al género y creo –espero equivocarme– que entre ellos se encontraba nuestro ilustre guitarrista. Creo que sería bueno para nuestra música criolla que la señorita Zevallos investigue al respecto, quizá podría servir para relanzar, especialmente en nuestra juventud y con nuevos bríos, nuestra música peruana y criolla innovada y modernizada. Fernando Becerra fbecerraw@yahoo.com

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DEDOMEDIO ED. 57

CARTAS

Hola Fernando, pareciera que tu carta la hubiese leído la tía Susy porque apenas hablaste de La Parada se mandó a cerrar dicho mercado mayorista. ¿Habrá sido eso o las firmas revocatorias? Bueno, nos parece sano que discrepes con nosotros en ciertos puntos y que estés de acuerdo con otros. Nos ha quedado una duda: en tu carta le das un pequeño jalón de orejas a María Jesús Zevallos, pues nos cuentas de un ritmo que Chabuca Granda fusionó, que ella no mencionó. No entendemos qué tan relevante sea ese dato para la nota que escribió, a la cual, por cierto, calificas de excelente. En todo caso, queremos hacerte una pregunta: ¿Cómo es eso de “me parece importante informar algo, que por cierto muy pocos peruanos conocen y al parecer tampoco la señorita Zevallos”? Aguanta, ¿quién te ha dicho a ti que María Jesús desconoce ese tema? Bueno... en realidad no lo sabemos, porque no se lo hemos preguntado, pero queríamos saber quién te lo había dicho, porque nos parece interesante. DEDOMEDIO AROUND THE WORLD Qué tal mis queridos Dedos lorchos. Aquí pues jodiendo otra vez y no me digan ahora que lo hago nomás por sacar cachita. La firme es que los extraño un c_lo... y bueno nada aquí otra fotito de su embajador number one, esta vez desde Cambodia, desde las ruinas de Angkor Wat, alucinante la verdad. Y andaba yo por ahí con mi Dedomedio para los breaks correspondientes, cuando se me acercó esta parejita y me dijo “choche préstanos tu Dedomedio un ratito pe’ que estamos aburridos haciendo hora”... y yo, buena gente se la preste un ratito nomas, pero con su fotón correspondiente pe’ varón... Bueno mis queridos choclones, les mando un abrazo grande desde el c_lo del mundo y avisen cuando cambien al encargado de las suscripciones :-)... Ahhh, y otra cosa, cuando me respondan mándenme un correo extra (pa’ reirme un poco) ya que no me entero de nada como se pueden imaginar, en enero que caigo por limonta voy

a darme una vuelta por ahí para solucionar un par de cosas... ja, ja, suerte y nos vemos en verano... Martín Ponce martinponce3@yahoo.com ¡Martín, cómo estás! Qué bueno tener noticias nuevas de nuestro corresponsal número uno. Nos alegró que nos mandases la foto de la pareja con la revista… bueno, para serte francos, nos alivió que nos mandases esa imagen más tranquila y no el fotón que les tomaste cuando le prestaste tu dedo… hay menores que también leen la revista. Te somos sinceros, en un primer momento, nos agradó leer que nos extrañabas un c_lo (aunque no sabemos por qué no pones “culo” si solo te falta una letra), pero la pensamos mejor cuando seguimos leyéndola: ¿Qué es eso de tener tu Dedomedio para los breaks? No, espera, no nos respondas. Preferimos seguir sin saber qué haces con tu dedo durante los descansos.

CUESTIÓN DE UNIVERSOS Un pequeño error de información (bueno, dos: los que salen en la leyenda de Velvet Revolver son Slash’s Snakepit) Linterna verde es un personaje de DC comics, ¡no de Marvel! Y no me vengan con que en el universo paralelo de fringe el personaje no solo cambió de color sino de editorial, puede ser, pero no se entiende así. Eso nomás. De ahi todo bien, saludos por casa. Ricardo Barandiarán S. punkaka@hotmail.com


Ricardo, con tu “puede ser” perdiste. Tú no sabes si Linterna Roja pertenece a Marvel en el universo paralelo de fringe, así que no puedes calificarlo de error solo porque no lo entendiste. De hecho, de existir un multiuniverso, con un número infinito de universos, en alguno de ellos Linterna Roja habrá sido creado por Marvel, en otro el presidente Humala es igual al candidato Humala y en un tercero la selección encabeza la tabla rumbo al Mundial de Brasil. Lo de Velvet Revolver no es un error, en algún universo los miembros de Slash’s Snakepit integraron esta banda. Cuando vi el comentario en la edición de octubre grité como Flanders al ver sus cortinas nuevas, jajaja (bueno, no tanto). ¡Gracias, Dedos! Daniel Porles Ingar Daniel, acabamos de ver el video de Flanders con sus cortinas nuevas color púrpura y no sabemos si alegrarnos por tu comentario… solo atinamos a mirarnos entre intrigados y nerviosos. Al punto que no sabíamos si responder nuevamente este correo. Al menos tu “no tanto” nos hizo pensar que era una broma. Así que... ¿De nada?

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Hola, Dedos: Otra vez escribo en pie de guerra, porque aún no hacen la entrevista prometida a St. Vincent. Espero que hagan lo mismo que cierto exdictador japonés y me manden un autorretrato del staff pidiéndome disculpas por “lo que no hicieron”. Tengo sentimientos encontrados, porque, por un lado, debo felicitarlos por el último número, por la entrevista a Kasabian (que debió quedarse, carajo) y por la revista en general. Por otro, darles el pésame a causa de la nota de Óscar Avilés, que me hizo temblar, de verdad. Y es que es doloroso que crean que lo criollo se va a salvar vía Mistura o conciertos de Damaris y Gianmarco. Christian López Hola Christian, ya hicimos un cuadro de todo el staff con la oración: “Pedimos perdón por las entrevistas que no llegamos a hacer”, aunque entenderás que, como en el caso del Chino, eso significa “me importa un carajo pedir perdón”. No mentira, intentamos entrevistar a St Vincent, pero nos dijeron que ese clérigo español había fallecido en el 304 d.C. Para que no te quedes con las ganas, vamos a intentar entrevistar a Annie Clark, una cantante norteamericana que adoptó ese seudónimo. Seguro que te gustará.

Saludos Dedomedio, hace un tiempo les envié una cosa mía, de Manolo y la migración española, gracias por publicarla. Espero no se moleste por volver a escribirles por esta vía, aquí les envió otra regurgitación mía, espero les complazca como para que no la eliminen del disco duro, jajaja. La próxima que les envié será sobre cómo festejar el fin del mundo, espero que alisten un número especial del fin del mundo y el calendario maya para antes de Navidad. Hans Herrera (Dr. Messenger) Hola Hans, esperamos que esa “cosa tuya” que nos enviaste no venga en un frasco con formol porque nos da escalofríos solo de imaginarlo. Ahora, si te refieres al artículo de “Manolo, vente a Lima”, los agradecimientos van a ti por enviarla. Como verás, estamos más apretados que trusa de stripper, por lo que solo publicamos esta parte del mensaje. La frase de Woody Allen que pones en él (“Los japoneses no miran, sospechan”), al aludir a los ojos rasgados de estos, se aplica a su esposa surcoreana (e hija adoptiva de su expareja, Mía Farrow) Soon Yi Previn. ¿Se la habrá soltado alguna vez? Nos hizo recordar al capítulo de los Simpson en el que Woody Allen le dice a una Soon Yi molesta: “Pero, ¿qué hay de malo en adoptar a Scarlett Johansson?”.


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Mitos

URBANOS

loco por ti /

La merfi:

Algunos hablan de adicciones severas a los videojuegos y otros sostienen que estos últimos son solo el detonante de un trastorno más serio, como la locura. En el 2011, el diario sensacionalista británico The Sun publicó el estudio de la científica Baroness Greenfield, que sostenía que la dedicación continua a los videojuegos podría causar “locura temporal” debido a que el cerebro podría quedar desconectado cuando se realizan actividades con “fuerte contenido sensorial” y así se perdería la noción de la realidad. Según el Centro de Información y Educación

EL

mito: Existen videojuegos que pueden causar desordenes mentales

“oe’ apa ga tu cor ta dora ” / 10

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para la Prevención del Abuso de Drogas (Cedro), si la dependencia a los videojuegos no es tratada a tiempo, podría derivar en un desorden mental mucho más grave, como la ludopatía y la adicción compulsiva, considerada una enfermedad psicomental por la Organización Mundial de la Salud (OMS).

Conclusión: Por

lo tanto, el mito es real. Así que cuando te digan que juegas demasiado… no te hagas el loco.

EL

mito: Las gráficas de algunos videojuegos pueden causar la muerte. La merfi:

Todo empezó en 1981 con un supuesto videojuego llamado Polybius. Según afirmaban, las figuras poligonales y luces destellantes, que tenía este juego, provocaban pesadillas, insomnio y epilepsia. Se hablaba incluso de una muerte registrada en la ciudad estadouni-

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dense de Portland. Éste es quizás el mito más difundido respecto a las gráficas de los videojuegos, aunque no existe confirmación de si realmente existió este arcade. Pero aguanta, no te seques el sudor de la frente aún, según algunos neurólogos, un

videojuego podría matar a alguien como consecuencia secundaria de una epilepsia fotosensitiva, cuyos ataques se originan por estímulos visuales que forman patrones, a través de una convulsión severa o un golpe en la cabeza en plena chiripiolca.

Conclusión: Solo

si estás completamente sano neurológicamente, no tienes de qué preocuparte. Aunque valgan verdades, las gráficas de algunos videojuegos sí que están para morirse.


to po pla yer / EL

mito: Jugar con estas máquinas durante muchas horas continuas puede provocar ceguera.

La Merfi: ¿Quién no se ha enviciado por horas tratando de salvar a la princesa en su Super Nintendo jugando Mario Bros? ¿A quién no le ha dicho su vieja: “Si sigues jugando tanto te vas a quedar ciego”? Pues bien, esto parece ser una exageración. La especialista Daphne Bavelier de la Universidad de Rochester, quien ha estudiado el impacto de los videojuegos

sobre la visión humana, comprobó que jugar durante varias horas no tiene ningún efecto dramático sobre la agudeza visual. Es más, sostiene que una hora con un videojuego de acción equivale a mejorar en un 20% la visión a largo plazo debido a que se requiere de una destreza para encontrar objetivos de dimensiones pequeñas. Por ejemplo, un videojuego

tipo Counter Strike, en el que te conviertes en un francotirador y tienes que matar enemigos a grandes distancias. Se podrá cansar la vista, pero eso depende de cada uno. Sin embargo, no es recomendable que los menores de ocho años realicen esta actividad por mucho tiempo, ya que podría desencadenar una miopía en la adolescencia.

Conclusión: Todas

las mamás exageran y (como imaginamos que eso no es novedad), en este caso, más de la cuenta. No está demostrado científicamente que los videojuegos causen ceguera parcial o total en quienes suelen pasar horas frente a las pantallas. Incluso parece ser beneficioso en algunos casos. Así que ya tienes la excusa perfecta para seguir buscando a la princesa.

Publicaciones

New Century, Old Disparities: Gender and Ethnic Wage Gaps in Latin America Hugo Ñopo IDB

El economista del BID –y amigo de esta casa– Hugo Ñopo presenta nueva criatura: New Century, Old Disparities. En un estudio sobre disparidades en la región encontró por ejemplo que las mujeres de la región ganan menos que los hombres, incluso a pesar de ser más educadas. En promedio, un hombre gana 17% más que una mujer que tiene la misma edad y el mismo nivel de educación. Las minorías indígenas y afrodescendientes de siete de los países estudiados ganan en promedio 28% menos que la población blanca de la región, cuando tienen la misma edad, género y nivel de educación.

Carboncito Nº 15

La publicación de Renso Gonzales llegó a su número 15 y el cambió con respecto a sus primeros números se ve en su pasta encolada y en la calidad del papel, pero el trazo y el ingenio se mantiene. El Muy muy imbécil y Las figuritas de Langer y son humor simple pero efectivo.

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Mapamundi Islandia

EE.UU.

Es la potencia mundial de la industria del porno. Sin embargo, según su legislación, las violaciones simuladas, la zoofilia y la coprofilia o “scat” (sexo utilizando heces y/u orina) están prohibidas.

La publicación de material pornográfico en este país se pena con una multa e incluso con el encarcelamiento por seis meses.

Guyana

Es el único país sudamericano en el que la pornografía es completamente ilegal. El solo hecho de poseer una revista pornográfica puede ser castigado hasta con 2 años de cárcel.

Cuba

El Gobierno cubano mantiene una restricción vigente sobre la pornografía y los sitios pornográficos por Internet (para aquellos que tienen acceso), a los que califica como “negativos”.

Perú

En el 2010, el congresista Ricardo Belmont presentó un proyecto de ley que censuraría la pornografía en cualquier publicación, aunque aún no ha sido aprobado.

leyenda

ILEGALES CON RESTRICCIONES EN TRANSICIÓN

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Malta

En esta isla se prohíbe la fabricación, impresión, importación, circulación y exportación de material pornográfico u obsceno, lo cual se castiga hasta con 1 año de cárcel y una multa de 1,000 euros.

Ucrania

Desde el 2009 se consideró ilegal esta industria, la cual es descrita por la Constitución como “una muestra cínica del coito”. La sola posesión de este material se castiga hasta con 3 años de cárcel.

Noruega

La legislación noruega establece que la producción, venta y distribución de pornografía es ilegal. Pero la compra e importación no, por lo que poseerla por Internet y televisión está permitido.

Rusia

El estatus legal de la pornografía aquí es incierto: la ley condena la producción y venta ‘ilegal’, un término redundante que podría malinterpretarse y determinar que, a veces, son actividades legales.

Corea del Sur

El Gobierno ha bloqueado el acceso a todos los sitios web con material pornográfico desde el 2009. Según las autoridades, el 39.5% de los niños surcoreanos ha visto algún video porno.

China

En el 2002, el Partido Comunista Chino determinó una estricta censura a la pornografía. Dos años después, se dispuso el encarcelamiento de cualquier mujer que sea parte de esta actividad.

Medio Oriente (Arabia Saudí, Irak, Afganistán, Egipto, Libia, Líbano, Siria, Pakistán, Marruecos, Argelia, Sudán)

Como naciones regidas por las costumbres islámicas y la religión musulmana, la pornografía está absolutamente prohibida en cualquiera de sus formas y es considerada ilegal.

Sudáfrica

La ley establece que la creación de un sitio web pornográfico desde esta nación es ilegal, ya que, según las autoridades, “es difícil realizar una adecuada verificación de edad de los consumidores”.

Malasia

En este país es ilegal tanto vender como poseer material pornográfico impreso y se castiga con multas de hasta 3.200 dólares. Esto no es aplicable a la pornografía por Internet que es legal.

Japón

La marca registrada de las películas para adultos japonesas es el mosaico que no permite ver los genitales. Desde 1999, una ley de protección censura la muestra de vello púbico en su pornografía. Puedes encontrar ahí personas teniendo sexo con moluscos, peces y ranas, pero no verás sin estos mosaicos un genital masculino o femenino.

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Por: Charlie Townsend / Ilustración: Jorge Ramos

LA DERECHA ATÚN

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Aunque algunos de sus más preclaros exponentes pretendan negarlo, la izquierda caviar existe. Se define en la contradicción. Por ejemplo, esa izquierda que se reclama vocera exclusiva de los pobres, pero tiene un estilo de vida propio de los ricos. O aquella que exalta el igualitarismo cubano, pero jamás abandonaría los privilegios del clasismo peruano. Y de la misma manera en que identificamos a ese segmento del progresismo, existe un sector de la derecha al que también le es inherente la incoherencia. Por razones didácticas, y en línea con las referencias y analogías ictiológicas que esa misma derecha ha introducido en el debate nacional, hemos bautizado a esa porción del espectro político como “la derecha atún”. Y créannos que el apelativo le calza a la perfección. No hablamos, por supuesto, de toda la derecha: existe un sector diestro pensante y liberal que merece el mayor de los respetos. Estas reflexiones van dirigidas solo a ese sector de la derecha que, en su versión más extrema, es conocido como la DBA (Derecha Bruta y Achorada). A continuación, una reflexión alrededor de ella. atún. ). (Del ár. hisp. attún, este del ár. clás. tunn, y este del gr. 1. m. Pez teleósteo, acantopterigio, común en los mares de España, frecuentemente de dos a tres metros de largo, negro azulado por encima y gris plateado por debajo, y con los ojos muy pequeños. Su carne, tanto fresca como salada, es de gusto agradable. 2. m. coloq. Hombre ignorante y rudo. (Diccionario de la lengua española)

A

sí como la esencia de la izquierda caviar radica en la contradicción entre la condición del sujeto y el mensaje predicado; a la derecha atún se le reconoce por la poca coherencia entre el alto concepto que tiene de sí misma y lo que en verdad se refleja cada vez que pasa delante de un espejo. Dicho en términos más sencillos: se computa un cebiche de lenguado, pero a las justas llega a pan con atún y cebolla. No toda la derecha es atún, pero se podría creer eso porque los atunes son más bulliciosos. Los integrantes de la derecha atún son los que toman el micro, los que dirigen diarios, los que tienen pantalla. Y como escriben columnas de opinión en diarios nacionales se alucinan intelectuales, pero vamos… ¿a quién no le dan una columna en un periódico hoy en día? ¿No me creen? ¿Alguien se ha dado cuenta de lo mal escritas que suelen estar las columnas de un director de diario que se supone es el más influyente del medio? Si eres un atún probablemente no lo notes, pero créenos: están muy mal escritas. Y se cree un estratega militar por que dice cosas como “erizo circular” y que los conflictos se resuelven a balazos. Si a eso le añadimos que, aunque se precia de estar siempre al día con The Economist y de recibir consejos financieros de sus amigos imaginarios, no tiene idea de cómo calcular si una acción ganó o perdió plata, ni siquiera con reporte de la BVL, calculadora y plumón en mano. Nada de lo dicho impide, no obstante, que algunos miles de atunes lo sigan con devoción ciega, como si se tratase de una imposible mezcla de George Soros con Antônio Conselheiro.

O pensemos, por ejemplo, en el más gallito de todos los gallos del poder judicial: el iracundo juez Javier Villa Stein –el mismo que en un arranque de sobriedad, ordenó que se desplegara una alfombra roja y tronaran las trompetas para anunciar su arribo diario al Palacio de Justicia mientras fue presidente del Poder Judicial. Aunque tras su cuestionado fallo sobre la matanza de Barrios Altos se paseó por todos los canales de televisión defendiendo el mismo sin escatimar calificativos, apenas aparecieron abogados más preparados a refutar y señalar los errores de su sentencia, Villa Stein se escondió, dada su incapacidad para sostener sus argumentos. Sin embargo, éste es uno de los cerebros egregios de la atunería. El gran problema de los integrantes de la derecha atún es que cuando alguien les hace ver lo sobrevalorados que están, entran en depresión y desaparecen. Y es que en el debate intelectual, no tienen manera de contender. La derecha atún no lee libros, aunque eso no le impide citar con frecuencia a los autores que considera fundamentales –a los que por cierto, conoce solo por Wikipedia y Google–. La derecha atún cree que el colmo del cultivo personal es tener un MBA. Si en un arrebato por ilustrarse se fija como meta leer un libro durante el año, éste será un clásico de autoayuda firmado por David Fishman, Frieda Holler o Robert Kiyosaki. Raras veces leen ficción, y si tienen que hacerlo, será ficción de autoayuda (Coelho o Bambarén). Creen que música culta es escuchar a Gianmarco acompañado por la Orquesta Sinfónica (nada personal Gianmarco, solo queremos ser ilustrativos). Se llevan mejor con el Excel que con el Word, con el whisky que con el vino y con los realitys que con el cine. Creen que

el teatro es siempre comedia, y eso los lleva a reírse de los momentos trágicos de toda obra, así el director no sea Oswaldo Cattone o Ricky Tosso. Por si fuera poco, es tan miope que no sabe distinguir la derecha de la izquierda, y para evitarse problemas, todo lo que no comprende termina calificado como “comunistoide”, “caviar”, “rojo”, “zurdo” o “terruco”. Así que ni siquiera sudan cuando acusan, por ejemplo, a dos representantes confesos de la derecha como Rosa María Palacios y hasta a Fernando De Szyszlo, de ser casi comunistas, solo porque sospechan de cualquier persona medianamente culta. Se trata de una derecha que vive mirándose el ombligo y sorprendiéndose de conocer tan bien los pliegues y protuberancias de su propio nudo umbilical. Así, la derecha atún se convoca a sí misma para determinar quiénes son los personajes públicos más poderosos del Perú, y por supuesto, termina eligiendo a los propios próceres del atunismo como los más potentados entre los potentados. No interesa que el atunismo no haya podido ayudar a colocar en el poder a ningún gobernante nacional –ni siquiera regional– en los últimos diez años, ni que sus arengas mediáticas tengan el indeseado efecto de facilitar el ascenso al gobierno de aquellos a quienes estigmatiza. Y por supuesto que se sorprende, como si estuviésemos en el octavo día de la creación, de que cada cinco años se coloque la banda presidencial alguien tan incognoscible y tan distante de sus diestros y atuneros vientres. La derecha atún es achorada porque no sabe lo bruta que es. Y como los pescados, huele mal.

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Por: Carlos Meléndez Guerrero

LA SOLEDAD DEL CORREDOR DE FONDO (O POR QUÉ LOS POLÍTICOS BAILAN CON SU PROPIO PAÑUELO) Nuestro amigo Carlos Meléndez vuelve a las andadas, esta vez con la soledad de la política. transformaciones estructurales, intermediación política y conflictos sociales en el perú (2000-2012) (Mitin). La tesis central del libro, dicha como para dummies, es que la brecha entre las diferentes instancias del poder, así como la distancia entre la demanda social y el sistema político, hace de los políticos unos aventureros solitarios. “El actual presidente de la República, Ollanta Humala, es el más claro ejemplo del escalamiento al poder de esta soledad política. Su partido no existe más allá de las lealtades sobrevivientes al escrutinio de la Primera Dama; su pragmatismo destruye cualquier acatamiento ideológico; su proyecto político se reanuda cada día con la principal expectativa de que pasen las horas sin que nada pase. Humala no es político ni dirigente social, no tiene agrupación nacional ni bases locales; no tiene cómo cerrar las brechas de una sociedad más que apática, indignada, más que desafecta, movilizada. Su soledad se hace más evidente al ubicarse en los cruces de ambas brechas, en una suerte de agujero negro de la política —donde solo queda apretar el botón automático para escapar— que está en las antípodas de gobernar”, dice Meléndez en la introducción. Y en esta edición te presentamos el capítulo dedicado a los solitarios políticos de Cajamarca. 16

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ESPECIAL DEDO

C

CONGA Y EL CIERRE IDEOLÓGICO DE LA “DOBLE BRECHA”

uando Ollanta Humala y su hermano Antauro se sublevaron contra el gobierno de Alberto Fujimori en el 2000, la noticia era discutida entre un grupo reducido de izquierdistas en Cajamarca. “Ha surgido una vía para la izquierda”, sentenció un exdirigente estudiantil, por entonces promotor de ONG. Pasaron los años y cuando el actual presidente inició su carrera política por la vía formal, los integrantes de dicho grupo fueron los primeros que lo invitaron a visitar Cajamarca. “Fuimos a Lima a buscarlo y lo recibimos en Cajamarca a auditorio lleno”, recuerda uno de los primeros “nacionalistas” cajamarquinos. Desde entonces, la relación entre el actual presidente y su primer núcleo de simpatizantes y activistas cajamarquinos estuvo repleta de decepciones. Ninguno de ese grupo de fundadores regionales del nacionalismo logró ser candidato al Congreso por Unión por el Perú (plataforma electoral de Humala en el 2006) y tuvieron que optar por la vía propia para las elecciones regionales del 2006 y del 2010. Las alegrías fueron escasas y fugaces. La ruptura fue inevitable. El 15 de noviembre del 2011, desde Palacio

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de Gobierno, el presidente de la República anunciaba que “Conga va”. “Para serte franco, no lo veíamos venir”, dice otro de los miembros originarios de este grupo de apoyo político, que ahora parece más uno de apoyo psicológico. Como se sabe, el proyecto minero Conga ha sido una de las principales cortapisas políticas e ideológicas del gobierno “nacionalista” (sic) de Humala hasta el presente. Fue precisamente en Cajamarca donde Humala construyó su fama de radical, alentando a las masas campesinas y ubicando a la minería como el “enemigo” que explicaba la situación de postergación. En marzo del 2006, en plena campaña electoral, el hoy presidente fue lo suficientemente enfático al respecto, al punto de ganarse el aprecio de los ronderos de sombrero de paja y cinturón de cuero que habían concurrido para la ocasión a la Plaza de Armas de Cajamarca. La escena se repetiría en otras plazas regionales (Bambamarca, Celendín, Chota), en otros años, en otras campañas electorales. Hasta el día en que Humala guardó en su clóset su mote chavista y estrenó el traje de piloto automático.

La sociedad cajamarquina había iniciado un proceso de movilización antiminera cuando ocurrió el derrame de mercurio en Choropampa, todavía durante el gobierno de Alberto Fujimori. Desde entonces, la relación entre el campesinado y las inversiones mineras tuvieron más divorcios que comuniones. De hecho, la primera década de este siglo relata a Cajamarca como un escenario de protesta permanente, con ronderos que lideran marchas y con autoridades obligadas a las contramarchas. Así sucedió en Quilish en el 2004. Pero ya en el 2012 pocos actores políticos han permanecido (quizás solo el expadre Marco Arana y el actual presidente regional Gregorio Santos). Los cajamarquinos han encontrado en la movilización su nueva versión de dignidad regional, la cual se mantiene vigente cuando se los convoca a salir a las calles. No es materia de este texto explicar las razones del Congazo. Tampoco justificar los motivos ni culpabilizar a las injusticias. Sino, identificar detrás del conflicto los mecanismos de intermediación política que se han impuesto y, sobre todo, el cambio registrado entre el 2004 (Quilish) y la


actualidad (Conga). Esa doble brecha de mediación, entre lo social y lo político, entre lo local, lo regional y lo nacional empieza a cerrarse de manera imprevista, pero con un tamiz ideológico muy enraizado, lo cual permite resolver problemas de representación política, pero no soluciona la conflictividad social. LA BRECHA HORIZONTAL: LA MULTIPLICIDAD DE LA REPRESENTACIÓN SOCIAL Marco Arana colgó los hábitos de sacerdote, pero no su activismo medioambiental. Desde el 2002 lidera la ONG Grupo de Formación e Intervención para el Desarrollo Sostenible (Grufides), una de las principales organizaciones encargadas de crear conciencia de defensa al ambiente desde una posición política progresista. Como organismo no gubernamental no cuenta con bases sociales, pero sí con un trabajo de promoción que le permite el contacto con comunidades campesinas afectadas directa o indirectamente por la actividad minera. En el 2009, fundó el movimiento político Tierra y Libertad, con la intención de dar un paso más decidido y formal en la arena electoral. No ha mostrado grandes avances en este plano, salvo alianzas políticas con otros bloques de izquierda a nivel nacional. Con un pie en la ONG y el otro en un partido nuevo, Arana se mantiene vigente gracias a un discurso coherente y la administración de recursos (provenientes de la cooperación internacional) que aseguran sostenibilidad

a su protagonismo político, independientemente de militantes o seguidores, pero centrado en su impacto mediático. ¿Dónde están las bases sociales entonces? El Comando Unitario de Lucha ha logrado aglutinar, en la coyuntura del Congazo, a los sectores movilizados cajamarquinos, básicamente rurales. En un contexto nacional donde “no hay nada organizado” (Cotler dixit), el movimiento de los ronderos en Cajamarca es el mejor ejemplo de la persistencia de redes sociales –aún sólidas– que si bien pueden encontrarse orgánicamente fragmentadas ante la ausencia de liderazgos cohesionadores, cuando se pone en juego la dignidad regional, resuelve sus problemas de acción colectiva y se convierten en un actor social con capacidad de veto respecto a los poderes de turno, especialmente a nivel regional. Éstas son las bases sociales que terminaron dándole soporte al Comando Unitario de Lucha, que cuenta con tres voceros capaces de articularse temporalmente, pero no trascender la prueba del tiempo. Es una suerte de fuerza social prestada, ficticia, donde los dirigentes están detrás de las masas y no viceversa. Idelso Hernández, Milton Sánchez y Edy Benadives forman parte de un triunvirato forjado en las calles. El primero proviene de las rondas campesinas y es, a la vez, cuadro de Patria Roja. Algunos dicen que es el lugarteniente de Gregorio Santos; otros que es su ala más radical y su próximo

reemplazo. Milton Sánchez no es rondero. Coordina la Plataforma Interinstitucional de Celendín, eje articulador de las protestas en esta provincia. Dialogaba mucho con Arana, pero observadores locales consideran que se han distanciado últimamente. Es más un activista con vínculos con la cooperación internacional. En su página de perfil de Facebook, revisada el 22 de setiembre del 2012, sale en una foto en Francia, pero consigna su ubicación actual en Lafayette (Indiana, Estados Unidos). Es ciudadano del mundo y quiere ser alcalde de Celendín. Edy Benavides es profesor de biología, licenciado en la Universidad Nacional de Cajamarca. Desde el año pasado fue elegido presidente del Frente de Defensa de los Intereses y Derechos de la Provincia de Hualgayoc, plataforma que lidera las movilizaciones contra el proyecto Conga. Milita en el Partido Nacionalista del Perú y cree que el nacionalismo lo “lleva en la sangre”. Se manifiesta leal a este partido, por el cual fue candidato a la alcaldía provincial; argumenta que el proyecto minero Conga es una amenaza para su región. Las relaciones entre los tres no son necesariamente cordiales, pero constituyen un equilibrio político que les ha permitido sostener la movilización durante el último año. No tienen ascendencia sobre las bases, no pueden arrogarse la representación de ellas, pero son sus “voceros”; esa inocua palabra que les permite sobrevivir políticamente. Ocupan brevemente el espacio del líder

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ESPECIAL DEDO

ausente. Sus ambiciones son políticas; aspiran a ser alcaldes, legisladores, presidentes regionales. Santos demostró la factibilidad de esa vía. Por eso tienen también un pie en las organizaciones políticas (en Patria, en el MAS, en el PNP, respectivamente). Pero no cierran la brecha horizontal del todo porque no representan, solo intermedian. Son tres socios que no saben muy bien qué es lo que quieren conquistar. Pero en la sociedad cajamarquina hay espacio para una versión más radical aún. Wilfredo Saavedra, quien cumplió condena por su asociación con el MRTA en el pasado y lidera actualmente el Frente de Defensa Provincial de Cajamarca. Sus bases son más urbanas, aunque también cuenta con ciertos vínculos en las provincias de Cajabamba y San Marcos, donde la subversión fue álgida en los años noventa. De acuerdo con analistas locales sus seguidores pertenecen a las zonas periféricas de la capital regional, las “rondas urbanas”, nueva versión de la privatización de la seguridad ahí donde el Estado no la garantiza, pero en versión informal y lumpenesca. Se ubica más a la izquierda de todos los mencionados con anterioridad. No busca representar políticamente, sino una “salida a la boliviana”: la caída de un gobierno, promovida por una movilización social que escala, hasta poner en riesgo la gobernabilidad. Cada uno de estos personajes compar-

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te la soledad de la política. A pesar de estar rodeados de masas cajamarquinas movilizadas, cada arenga es una ilusión de representación. Están solos en un mundo donde la lealtad política se alquila y las demandas sociales no encuentran canales en la política. Sus emblemas políticos (salvo el de Patria Roja, como veremos a continuación) son excusas para el autoengaño o utopías de victoria electoral. Promotores medioambientalistas, movilizadores sociales y hasta exsubversivos antisistémicos deambulan en medio de calles pobladas de individuos insatisfechos con la situación en la que viven. Pero la indignación que vive el cajamarquino promedio es tan fuerte que estos operadores políticos importan poco. O en todo caso, menos de lo que dicen las portadas de la prensa limeña. La brecha vertical o el monopolio (por default) de la representación política Gregorio Santos se ha convertido en el principal opositor político del presidente Ollanta Humala. Ha sido identificado como el terror de los PPKausas, esa estirpe de yuppies de Starbucks que solo conoce el país gracias al zapping. Como presidente regional de Cajamarca ha liderado la opinión pública cajamarquina mayoritariamente opuesta al proyecto Conga. Su objetivo no es la gobernabilidad sino la representación. Se aferra estoicamente a una posición política que justifica ideológicamente. Es una excepción en nuestro país porque es el

único que, de algún modo, ha logrado cerrar esa brecha entre lo social y lo electoral, entre las bases locales y la política nacional. Santos fue rondero y dirigente del Sutep, dirigente local y candidato al parlamento y a la presidencia regional por Patria Roja. Sabe jugar en ambas canchas: las movedizas arenas de la movilización social y la lucha por los votos. Es una rara avis política en nuestros tiempos sin partidos. A diferencia de los casos anteriores, no está solo. Pertenece a un partido (Patria Roja), tiene una ideología (el marxismo), correligionarios (que comparten su visión del desarrollo), asiste a reuniones partidarias y a pesar de que es la figura más notoria de su organización, responde a un comité político. Sus colaboradores no son leales a él sino a su proyecto político. César Aliaga, el vicepresidente regional, tiene una larga trayectoria como abogado en la provincia capital asesorando sindicatos. Viajan mucho por la región (y últimamente por el país) haciendo política, esa actividad tan sospechosa para los que creen que basta tener un buen ministro de Economía. Por ahora, Patria Roja ha monopolizado la representación política en la región. Ha cerrado la brecha vertical desde sus bases locales, sus dirigencias provinciales y el gobierno regional de Cajamarca. La estrategia de subsistir en espacios claves como las rondas campesinas, el magisterio y las


dirigencias universitarias, le ha permitido producir cuadros cohesionados ideológicamente ahí donde las demás agrupaciones políticas simplemente tiraron la toalla. Por mérito propio, pero también por defecto, es la única organización política que intenta conexiones entre bases locales y dirigencias provinciales. La ideología le permite cohesión interna y disciplina. Gregorio Santos es la punta del iceberg de una organización todavía poco conocida. Sin embargo la brecha no está cerrada completamente. Desde la esfera regional a la política nacional hay todavía un paso más significativo que dar. La dirigencia nacional ha demostrado poca iniciativa de renovación, tanto generacional (sus figuras principales son las mismas desde los ochenta, comenzando por Alberto Moreno) como inclusiva en términos regionales (Gregorio Santos debe ser la primera figura de Patria Roja que no ha requerido hacer carrera política en Lima para alcanzar notoriedad nacional). Este Partido sigue siendo un viejo saurio, una agrupación aún gris que tiene que mostrarse atractiva para un público mayor que el campesino cajamarquino. Porque además, la brecha horizontal, es decir, sus vinculaciones con el movimiento social, es todavía una línea punteada, un proyecto, más que tierra firme. La multiplicidad de intereses sociales (con tantos matices ideológicos, a pesar de estar todos en la izquierda) es difícil de canalizar bajo un solo proyecto político.

“FAILURE IS LONELY” Propongo pensar las relaciones entre la sociedad y la política como brechas que se cierran y se distancian. Si se sigue examinando la realidad con las herramientas de análisis convencionales solo se llegará a verdades a medias. Se comprobará que vivimos en una democracia sin partidos, que los outsiders son oportunistas, que los operadores políticos son azuzadores. Intento –a estas alturas, usted juzgará si con éxito o no– discernir los conflictos sociales con un marco que permita vincular las movilizaciones con las características intrínsecas de nuestro sistema político. Decidí poner el lente en los operadores políticos. Consciente del peso de las estructuras, el relato está centrado en políticos de a pie, anónimos por naturaleza, ambiciosos por vocación. Aquellos que forman parte de la historia contemporánea, pero que se perderán en la memoria como personajes secundarios, en el mejor de los casos. Recorriendo sus trayectorias políticas, en esos instantes que coinciden con la historia nacional, es posible palpar ese concepto teórico devaluado por nuestro lenguaje que llamamos “sistema político”. Pocas veces nos percatamos, si acaso, que éste es un sistema operado en su mayoría por individuos anónimos y que las excepciones son aquellas que ocupan Palacio o Congreso.

des partidarias, sin obsesiones ideológicas, sin compañeros de ruta, sin futuro. Esta es la soledad de la mayoría de políticos peruanos contemporáneos, desde un alcalde de un distrito rural hasta el inquilino de la Casa de Pizarro. Es una soledad política que no se resuelve con masas movilizadas sin pertenencia o primeras damas que elevan “al cuadrado” el desamparo presidencial. La soledad de la política es, a fin de cuentas, el fracaso de nuestra democracia como sistema político capaz de cerrar sus brechas horizontales y verticales, con la finalidad de canalizar las demandas sociales hacia el propio sistema y de solucionar la atomización política que desacopla las dinámicas subnacionales de la nacional. Es una democracia que cumple con las reglas de juego, pero que no va más allá de los formalismos impuestos por el conformismo de nuestra clase política. Ésta es la mitad de la historia. La restante es ubicar la actual conflictividad social bajo el visor de la evolución de las estructuras sociales y bajo los esfuerzos por construir proyectos políticos modernos para un país que sigue siendo una promesa. Es referirse más a los procesos sociales, a las reformas institucionales y a las multitudes. A esta labor dedicaré mis próximos esfuerzos.

He recurrido a la soledad como metáfora para describir a estos personajes sin lealta-

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Por: Fernando Alayo Orbegoso

Pierre Menard no plagió El Quijote… lo reinventó. Para lograrlo, “rescribió” la famosa historia de Cervantes, aunque sin cambiarle siquiera una coma o un punto. Era idéntico al original pero, debido al tiempo en el que fue escrito, totalmente distinto. Así retrató Borges su versión idílica sobre el plagio en la literatura, con este relato incluido en su obra ficciones. La realidad nos demuestra que muchos escritores se tomaron en serio la misión del ficticio Menard. Así que aquí te presentamos diez de los más sonados casos de plagio literario.

¿TENDRÁ CIEN AÑOS DE PERDÓN?

Ni siquiera uno de los libros más importantes en lengua castellana se salva de las acusaciones de imitación. Cuando en 1967 García Márquez presentó cien años de soledad, el Nobel guatemalteco Miguel Ángel Asturias lo acusó de plagio, argumentando que había copiado completamente a un personaje de la novela búsqueda del infinito de Honoré de Balzac. Según Asturias, el buen Gabo habría construido a su protagonista, el coronel Aureliano Buendía, gracias a un personaje de Balzac que buscaba fabricar un diamante. Ni en la utópica Macondo ocurriría algo así.

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HISTORIA DE DOS

Amado por muchos y odiado por muchos más. Paulo Coelho es uno de los escritores más leídos de la actualidad, a pesar de sus tantos detractores. Y el plagio no podría escapar de las acusaciones. Su obra más conocida, el alquimista, sería casi una versión extendida del cuento de Jorge Luis Borges titulado historia de los dos que soñaron. Defensor de la piratería y de la libre descarga, Coelho sostiene que cuando se copia algo, logra mayor difusión. Saquen sus conclusiones.

SHAME OF YOU, WILLIAM!

El autor más importante de habla inglesa se debe haber visto envuelto en todo un dilema al construir a personaje principal de Hamlet. Algunos investigadores creen que el célebre escritor anglosajón se basó enteramente en la obra gesta danorum del historiador danés del siglo XIII, Saxo Grammaticus, para concluir su famosa novela. No fue la única acusación de plagio que pesó sobre Shakespeare, ya que todas las obras de esa época solían repetirse hasta la saciedad entre la gente y tenían la misma base argumental. Más o menos como las telenovelas mexicanas.


NO SEAS SALVAJE

Stephan Ambrose es considerado uno de los mejores autores que escribieron sobre la Segunda Guerra Mundial, llegó a ser contratado por Steven Spielberg como asesor histórico de la película salvando al soldado ryan y de la serie band of brothers. El problema surgió en el 2001, cuando publicó su novela the wild blue, la cual resultaría ser una copia idéntica del libro wings of morning de Thomas Childers. Ambrose murió en el 2006, pero siempre se defendió argumentando que el plagio es la mejor forma de alabar una obra literaria. Tremendo…

(HIJO DE) GRAN POETA

the waste land es quizás la obra maestra

del poeta estadounidense T. S. Eliot y pieza fundamental de la poesía del siglo XX. La cuestión es que muchos aseguran que el concepto detrás de esta magistral pieza literaria fue usurpado a un desconocido poeta llamado Madison Cawein, quien (oh, ¡vaya coincidencia!) escribió un poema titulado waste land varios años atrás. “Los malos poetas imitan. Los grandes poetas roban”, dijo alguna vez Eliot. Aunque el supuesto plagio nunca se ha confirmado… bien dicen que el pez por la boca muere.

acusación del periodista mexicano Teófilo Huerta Moreno sobre el escritor portugués José Saramago, a quien acusó de haber copiado fragmentos de su cuento ¡últimas noticias! (1987) en su novela intermitencias de la muerte (2005). Huerta Moreno acusó inicialmente a Sealtiel Alatriste, un agente literario en común entre ambos autores, de haber facilitado su relato al Nobel portugués. “Ni siquiera toqué con la punta de los dedos la obra del reclamante”, dijo Saramago en su defensa. La acusación no pasó a mayores.

¡ERES UNA CHUPASANGRE!

ROWLING IN THE DEEP

La popular escritora británica J.K.Rowling fue acusada en el 2004 de haber tomado varios elementos del libro the adventures of willy the wizard nº 1 livid land, escrito en 1987 por el inglés Adrian Jacobs, para concluir harry potter y el cáliz de fuego, la primera novela de su famosísima saga literaria. Los herederos de Jacobs afirman que existen referencias idénticas a un tren y a una prisión mágica, así como escenas donde los protagonistas tratan de rescatar a sus amigos, prisioneros de unas criaturas humanoides. El monto reclamado: 500 millones de libras esterlinas. Veremos si la Rowling se salva de ésta, aunque sea por arte de magia.

Una gran polémica generó en el 2009 la

Stephenie Meyer es una caserita de las acusaciones por plagio. La autora de la famosa saga crepúsculo ha sido señalada en varias ocasiones de haberse “inspirado” (por decir lo menos) en historias sobre vampiros publicadas anteriormente. La más reciente denuncia fue realizada por la escritora Jordan Scott, quien argumentó que Meyer utilizó pasajes de su libro titulado the nocturne (2006) para concluir la cuarta entrega de la saga sobre vampiros, twilight (2008). Meyer, quien ha vendido más de 70 millones de copias de su famosa serie, fue respaldada por su sello editorial, aunque no dudamos que alguna de estas acusaciones le haya hecho hervir un poco la sangre.

¿MARCA PERÚ?

EL OTRO SANTO GRIAL

SARAMAGO ES LA MUERTE

y Richad Leigh, que en 1982 habían publicado la novela sangre santa, el santo grial que teorizaba sobre la descendencia de Jesús y María Magdalena. Parece que Dios está de su lado, después de todo.

En el 2006, el escritor estadounidense Dan Brown fue acusado de haber copiado ideas de la novela la hija de dios de Lewis Perdue, una obra basada en el supuesto de un mesías de sexo femenino, para escribir el código da vinci. Perdue publicó su historia tres años antes que Dan Brown, por lo que sustentaba su acusación en ese hecho. No fue la única acusación sobre Brown: en el mismo año, un tribunal londinense falló a su favor ante la demanda presentada por Michael Baigent

El Perú está en todas, desde luego. “El plagio es un homenaje”, fue la frase con la que nuestro laureado escritor Alfredo Bryce Echenique se defendió de las más de 32 acusaciones de plagio que pesaban sobre muchos de sus textos. En el 2009, Indecopi lo condenó a pagar más de 177 mil soles por el plagio de 16 escritos pertenecientes a 15 autores diferentes, varios de los cuales fueron publicados en diversos medios españoles como el diario La Vanguardia. ¿Qué hace más particular el asunto? Muchos de los afectados por el autor de un mundo para julius son algunos de sus más cercanos amigos y colaboradores. Con esos amigos… quién quiere enemigos.

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5 4 1.THE HOLLOW MAN Marcello Huaroto le muestra, orgulloso, a Yuriko Sifuentes la placa recordatoria que le regaló el hombre invisible. 2. ¿DE CABEZA? No, no es que Lyrico Fucking Clan tenga la cara al revés en esta foto junto a DJ Diego Yams, aunque pareciera que el cabello se le hubiese caído a la barbilla. 3. YO QUIERO EL PERFUME QUE ÉL ESTÁ USANDO Julissa Lanao en elocuente pose junto a Carlos Vásquez. Carlitos, danos la fórmula, pues… 4. RAYADOS No, no es que Cesar Siles y Ricardo Lazarte estén locos, nos referimos a su ropa. 5. HAZME CAPACHÚN Oscuro y Lyrico Fucking Clan, soportan la arremetida de Lliby Van Oordt. 6. OLLANTA STYLE El traje de Samantha Saavedra, en la foto junto a Diego Rodríguez, nos dejó la sensación de que votó por Humala en las elecciones pasadas. 7. NO TE METAS EL DEDO A LA NARIZ Axel Revilla, Luis Eduardo PFK, Claudio Zambrano y Sebastián Jugo. 8. SECRETEANDO ¿qué le habrá estado diciendo Ginna Andrade a Sherin Lanao, seguro le hablaba de los defectos de nuestro fotógrafo. 9. ORGÍA DE SEÑAS Los fans de la Gzuck Crew, junto a Javier Larco y Peter Chlebowski. ¡Tranquilos, muchachos! 10. ¡SUÉLTALO, SUÉLTALO! ¡Ah, no! Pensamos que David Romani estaba gomeando a su amigo Carlos Vásquez, pero solo se trataba de un abrazo de patas.

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1. ESE DE NEGRO Nuestro amigo, Pablo Saldarriaga, amonestándonos con la tarjeta roja… de Dedomedio. 2. SONRIE, PUES Daniela Galloso feliz de salir en Dedomedio. Gustavo Millla, no tanto. 3. ¡HAPPY BIRTHDAY, ARMANDO…! ¿Armando? Sí, Armando Paredes, la creativa empresa que cumplió cinco años. En la imagen Álvaro Chang-Say; Claudia Llamosas y Thait Chang-Say. 4. ¡SALUD, SALUD! Claudia Rua y Paola Bonilla hacen un brindis durante la inauguración de Manna Arte y Moda. 5. ¡BUENA, TÍA! Alan García felicita de extraña forma a Mara Seminario durante la presentación del libro de la exdirectora de PromPerú. 6. ¿VIVIANA Y ROBERT? No, no son la Rivasplata ni Roberto Martínez, se trata de Giulia Orlandini y Juan Manuel Umbert en el driving experience de Audi. 7. ENCUERADOS Al parecer, Diego Castro y Mera de la Rosa aman el cuero. Insbi Cruz y Pepe Torrejón completan la toma. 8. LOS SOLDADITOS DE PLOMO Dos artistas callejeros se dan un descanso durante su jornada de trabajo. 9. ¿MOISÉS? No, loco. Se trata de Pelo Madueño que con su banda, los Lovecats, le pusieron música a la fiesta de cinco años de Armando Paredes. 10. ¿A QUIÉN LE DICES HUACHAFO? Inmediata respuesta de Gerónimo Campos, Antonio Polo, Vicente Mosto, Pepe Torrejón, Paloma Ojeda, Paola Bonilla, Gabriel Aliaga luego de inoportuno comentario de nuestro fotógrafo.

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l 3 de mayo de 2011, los diarios dieron cuenta del misterioso hallazgo del cuerpo momificado de la conejita de Playboy Yvette Vickers en su casa de Canyon, California. Las circunstancias de su preservación no han sido esclarecidas hasta hoy. Los indicios apuntan a pensar que las condiciones que ofrecía su casa de piedra y madera pudieron hacer el trabajo, de hecho nadie (o casi nadie) supo de su muerte hasta que una vecina dio con el cuerpo. Pero otros sospechan de algún amante o fetichista consumado que quiso guardarla para siempre entre los vivos. Ésta no es la primera ni será la última historia vinculada a un cuerpo fallecido, las reliquias humanas cuentan con un largo inventario de casos, cada cual con su propia cuota de misterio y truculencia.

Cuenta la leyenda que el día que murió Mary Shelley la pena se convirtió en espanto cuando hallaron entre sus cosas el corazón de su marido envuelto en un papel que tenía copiado un poema de John Keats. Todo parece indicar que, al consumarse la cremación de Percy Shelley, el músculo cardiaco permaneció intacto. Lord Byron y sus amigos leyeron este fenómeno como una muestra del infinito amor que el hombre profesaba a su mujer, de modo que Mary guardó la pieza por casi treinta años. Sin duda, se trata de una imagen poderosa en el marco de ese romanticismo oscuro que practicaron, pero un examen más frío revelaría años después que el “milagro” había sido obra de un doloroso proceso de calcifi-

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cación que a la larga hubiera terminado con la vida de Percy, sino hubiera tenido la mala fortuna de morir ahogado antes.

El predio de los poetas y escritores es rico en este tipo de historias. Las cenizas de Dante fueron halladas por casualidad hace unos años en la estantería de la Biblioteca Nacional de Florencia, específicamente en el área de manuscritos extraños. Aquél que caminara con Virgilio por el infierno había muerto en Ravena en 1321 y seiscientos años después de su nacimiento, en 1865, algunos científicos abrieron su tumba y donaron una pequeña cantidad de sus cenizas a la biblioteca de Florencia, que se encontraba en la galería Uffizi. Esta reliquia fue exhibida durante un congreso internacional en 1929, pero desapareció poco después, posiblemente cuando la biblioteca se trasladó a su lugar actual, en 1935. Gracias a esto, Dante todavía existe –de alguna manera– como don Pedro Calderón de la Barca, cuyo metacarpo de la mano derecha se conserva expuesto en una vitrina del Centro de Documentación Teatral de Barcelona.

En el año 2003, un grupo de científicos de la Universidad de Tucson intentó reconstruir la forma del rostro de Petrarca partiendo de la estructura del cráneo que habían extraído de su tumba, pero grande fue su sorpresa al obtener el rostro de una mujer que vivió un siglo después que el famoso poeta. Alguien había hurgado en los restos de Petrarca antes que los científicos de Tucson. Quien también llegó tarde fue la esposa del poeta William Yeats: cuando fue a reclamar el cadáver, debió tomar al azar algunos restos del enorme osario común al que había sido arrojado, pues era imposible identificar qué era de quién. Sin embargo, esto no fue óbice para que igualmente fuera recibido en Irlanda con todos los honores y enterrado en el lugar que él mismo había fijado en un poema.

Las primeras y más preciadas reliquias tienen que ver con los santos y mártires de la iglesia católica. En un sentido estricto, una reliquia está constituida por el cuerpo entero o cada una de las partes en que se halla dividido éste, aunque sean muy pequeñas, de una persona ilustre o no. Pero la iglesia designó del mismo modo también a los ropajes y objetos que pudieran haber pertenecido o estado en contacto con el santo en cuestión, desde retazos de sus túnicas hasta las cadenas con que fuera atormentado. De hecho, la ley canónica exige que todos los altares contengan alguna, la cual se recibe del almacén de reliquias del Vaticano.


Por Giancarlo Cappello

fundador de la dinastía de los Borbones rodó de mano en mano hasta que un equipo de científicos confirmó que la calavera que reposaba en el armario de un coleccionista jubilado correspondía al monarca que los franceses apodaron “vert galant”, debido a su insaciable apetito por las mujeres.

En esta línea, el caso más sobrecogedor es el de los “incorruptibles”, cuerpos santos que sin haber sido sometidos a ningún tipo de proceso químico, permanecen apenas alterados por la muerte y el paso del tiempo. Tal es el caso, entre muchos otros, de Santa Bernadette Soubirous, la visionaria de Lourdes. Su tumba fue exhumada treinta años después de sus exequias y se le halló incorrupta, tal cual se le puede visitar hoy en Nevers, Francia. Pero el fraccionamiento de santos y mártires no ocurrió solo a mano de los infieles, también los cristianos obraron estas prácticas. En Padua, además de la tumba, puede hallarse expuesta la lengua del San Antonio, en memoria de su grandiosa facilidad de palabra y convencimiento. A Santa Catalina, patrona de Italia y doctora de la iglesia, se la disputaron buen tiempo Roma y Siena, dos poderosas ciudades de 1300. Al final, el cuerpo de la santa acabó en Roma, la cabeza en Siena y (no sé bajo qué artilugio) un pie se conserva actualmente en Venecia.

Dicen que en el santuario de Hazratbal, en Cachemira, se conserva un pelo de la supuesta barba del profeta Mahoma. El venerable filamento piloso fue sustraído por un fanático en 1963, pero meses después fue repuesto por el propio perpetrador, quien juró arrepentimiento y clamó perdón. Entre los líderes políticos más conocidos encontramos a Ho Chi Minh y a Vladimir Lenin, que permanecen embalsamados y son momias ilustres que los turistas pueden fotografiar en la plaza Ba Dinh de Hanoi y en la Plaza Roja de Moscú, respectivamente.

Y ya que hemos mencionado a Rusia, hay que hablar de Rasputin, fanático del dolor y de las orgías como modos imprescindibles para llegar a la fe, aludiendo que: “Se deben cometer los pecados más atroces, porque Dios sentirá un mayor agrado al perdonar a los grandes pecadores”. A los 47 años, Rasputin fue envenenado y baleado, envuelto en una alfombra y lanzado a un río. Sin embargo, la autopsia descubrió que había muerto ahogado y que le faltaba el pene. Tendría que llegar 1967 para que reapareciera éste (nunca mejor utilizado el término), perfectamente conservado por un anticuario de París. El Museo Erótico de San Petersburgo lo adquirió por 8,000 dólares y es el orgullo de la institución que, de tanto en tanto, monta polémica para provocar a su par en Estados Unidos, que guarda el pene de Napoleón. Al parecer, Rasputin era un aventajado con un miembro de treinta centímetros y Napoleón fue simplemente un grande de la historia universal.

Alejandro Magno siguió siéndolo 538 años después de muerto gracias a un embalsamamiento en mieles que lo preservó, dorado y reluciente, para los ojos de muchas generaciones posteriores, entre ellos un fiero competidor con pretensiones llamado Julio César. El rey Enrique IV de Francia, cuyo cráneo desapareció durante los tumultos de la Revolución, ha recuperado la cabeza hace poco, justo cuando se cumplían 400 años de su muerte. La perdió en el año 1793, después de que el pueblo levantado en armas profanara su tumba y su cuerpo momificado fuera exhibido ante la muchedumbre. Un sans-culotte lo decapitó, y la cabeza del

Otro cráneo famoso es el del jefe africano Mkwawa, líder de la tribu de los Hehe de Tanzania. En 1891, Mkwawa le hizo frente al avance colonialista de los alemanes, logró incluso vencer a un batallón solo con lanzas y flechas, hasta que los teutones tomaron finalmente Kalenga y Mkwawa se pegó un tiro antes de ser capturado. Se le cortó la cabeza y fue enviada como trofeo a Berlín. Algunos años después, entre los muchos párrafos del Tratado de Versalles (1919), la cabeza de Mkwawa reapareció: los alemanes estaban conminados a devolverla como parte de su derrota en la Primera Guerra Mundial. Pero esto ocurrió recién en 1953, cuando se descubrió en el Museo de Bremen una colección de 200 cráneos. El único que tenía un disparo en la cabeza fue devuelto al África Oriental.

Las reliquias nos rodean con su fascinación turbadora. Sabemos bastante de la vida y cómo tratar de preservarla, pero de la muerte, ese tópico ignoto, y de lo que ocurrirá con nosotros cuando nos llegue la hora, tenemos muy pocos datos, apenas los despojos y balbuceos de algún moribundo. Las reliquias son, en cierta medida, el último bastión de la memoria.

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