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THE FLAMING LIPS : DIEZ AÑOS DE VOLVERSE REFINADOS Y ESTRAMBOTICOS LA MOSCA EN LA PARED Y SU COMEBACK THE KILLERS EN MONTERREY U2 EN YOUTUBE ENTREVISTA A THE MOCKS PERSEPOLIS

CAFÉ TACVBA DIEZ AÑOS DE VOLVERSE AL REVES

STEREOLAB ACORDES QUIMICOS PARA DEGUSTAR

COLDPLAY-HOLY FUCK-SEÑOR AMABLE-MUM-SUFJAN STEVENS-ELLA TIENE DOS ANDROIDES PEPEPE-LA MUSIQUE POP-RAMMSTEIN-EELS-SUPERFURRY ANIMALS-YO LA TENGO.


THE KILLERS EN MONTERREY-RESEÑA PUNTUAL U2 EN YOUTUBE O YOUTUBE EN U2-LAS BARRERAS DESDE HACE MUCHO SE QUE SE ESTAN ROMPIENDO POR QUE LA MOSCA YA NO VUELA TAN ALTO-UN TEXTO ATRONADOR SOBRE UN REGRESO ESPERADO Y ¿FALLIDO? COLDPLAY-VIVA LA VIDA DALE MATE A TUS HATERS COLDPLAY-VIVA LA VIDA Y REBUSCA EN TUS DISCOS PASADOS 10 AÑOS DE OIRSE REFINADOS Y PSICODELICOS-LOS FLAMING LIPS Y SU OBRA MAESTRA CUMPLEN DIEZ AÑOTES. ACORDES QUIMICOS A LA SPACE AGE POP-LAS ANDANZAS DE UNA BANDA LLAMADA STEREOLAB. 10 AÑOS DE UN DISCO INCOMPRENDIDO EN MEXICO-¿EL MEJOR DISCO EN TODA LA HISTORIA DEL ROCK DE POR ACA? WE ARE THE MOCKS-BANDAS ELECTRONICAS…DE A MADRE…UNA CHIDA? ESTA QUE SE DEJO ENTREVISTAR. EL MTV EL NOBEL Y OTROS PITORREOS-UN TEXTO MORDAZ LA BALADA DEL PELON Y EL DIABLO-UN CUENTO DIABOLICO PERSEPOLIS-ANIMACION EN TIEMPOS BELICOSOS DISCADA-COMO DIRIA EL VIEJO PAULINO “NO OYERON POR QUE NO QUISIERON HAY DISCOS DE A MADRE!” UN RECUERDO PARA DICKIE PETERSON-SE FUE UN MUSICO SUBVALORADO DEL HARD ROCK

Director del Changarro, escribidor, compilador y hacedor de tru tru Luis Alberto Gonzalez Macias beatnik7@gmail.com Diseño Grafico El Oso Polar decirevesrevist@gmail.com

Dicese fans de Coldplay Emiliy Noanan Yosh Gonzalez Daniel Franco Luis Baez Laura Avalos Arturo Perez Moran Laura E Caceres Luis Alberto Gonzalez

Decireves Mes Septiembre Octubre Numero 11 Para su distribución en la red Sin intermediarios, sin pagos, totalmente libre Con la única consigna de hacerte llegar la música que te gusta o te puede llegar gustar Imprime, distribuye y da a conocer este zine online a todo mundo

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Este 3 de noviembre se efectuó el concierto de THE KILLERS en Monterrey fue un de los conciertos mas esperados del año. Los boletos se vendieron con anticipación 3 o 4 meses antes. Toda la gente glamorosa y amante del Indie Rock iba estar presente en ese gran concierto. Yo iba tardísimo del trabajo porque salgo a las 9:30 y nadie de mi grupo de la mañana podía hacerme el cambio de horario porque tenían cosas que hacer ogetes es la palabra entonces pues dije ni modo era llegar tarde a el concierto. Iba diciéndole al taxista peroo piqueleee! apúrele! porque tengo que llegar pague por ese boleto y no voy a ver nada mas medio concierto. y el señor me decía pero en martes??? quien hace un concierto en martes? jajaja y lo mismo me preguntaba yo en la mente. Le marque a mi hermanito para ver como iba el concierto. Me dijo vente tranquila acaba de terminar Sexy Marvin y están haciendo los cambios de equipo. Igual de mi trabajo a la Arena Monterrey no esta tan lejos. son 10 minutos pero el concierto comenzaba dizque a las 9. Total llegue subí por la puerta que no debía jajaja y tuve que recorrer todo el lugar hasta llegar al punto donde era mi lugar. Llegue justo antes de que comenzara el concierto unos 15 minutos antes. y yo decía creo que va empezar cuando pongan todas las letras jajajaja que digan the killers pero no. era solo la "K" (que oso conmigo). había puro guero, fresa, indie rockero, niña nice uno que otro poser. Me manda un mensaje Julio Turner preguntándome si ya había llegado. se lo conteste 10 minutos después para decirle que si ya estaba lista. Y 5 minutos después salio The Killers con su canción de Human. Y ese mismo día estaba platicando con la Carlangas estábamos platicando de las canciones que nos gustan y salio el tema de "I Can't falling love with you" y justo a la mitad del concierto que la van tocando jajaja me encanto. esa parte! Y yo mandando mensajitos al twitter desde Twiteame pero ni sabia si llegaban o no. preguntándole a @Artillera @chrono_x y a @Ausserkraft si es que llegaban mis mensajes pero ni me respondían jajaja y yo con la incertidumbre y pensé seriamente en comprarme un celular de esos caros de esos que la gente dice mira tiene wireless y estoy en el internet. Pero la verdad el concierto estuvo de poca madre. si se la rifo toda la banda. Le mande mas mensajes a Julio Turner pero ya no los regreso para ver si nos topábamos en la salida jajaja se le acabo la pila como siempre... hay Julio!! La verdad yo pensaba vender ese boleto jajajaja neeel! que bueno que si fui!. Canciones que me acuerdo: Human Spaceman Bones Mr Brightside This is your life I can't stay Read my mind I can't help falling love with you When You were young Shadowplay Las mejores de la noche: Human, Bones, Mr Brightside, this your life When you were young Y para rematar con ese final una de mis canciones favoritas When you were young con el espectáculo de fuegos artificiales. El concierto duro una hora con cuarenta minutos =)

Por Emily Noanan www.corajitos.blogspot.com


Yosh “Panda” González (www.labohemianegra.blogspot.com) Muchas cosas evolucionan con el paso del tiempo; sin embargo, en mi muy humilde opinión, nada crece tan rápido como lo hacen las comunicaciones, particularmente las de carácter virtual. La página favorita de los ociosos y los que buscan la popularidad efímera warholiana, el popular sitio de videos You Tube, transmitió el pasado 25 de octubre completamente en vivo el concierto que el grupo irlandés U2 ofreció desde el Rose Bowl en Los Ángeles, California. Sin lugar a dudas estamos ante un acto que promete bastante y parece iniciar una nueva revolución en cuanto a la manera de compartir la música… algo típico de la internet que siempre pone a temblar a los ejecutivos que sirven de mediadores entre el artista y el melómano. Es verdad, U2 no hizo algo original o nunca antes visto, tan sólo unos meses atrás los cibernautas fanáticos al rocanrol pudieron gozar del festival de Pitchfork a través de la página de internet del mismo. Pese a eso, la importancia del concierto de los creadores del Achtung Baby radica, primero, en la calidad artística de la banda, quienes en definitiva son el grupo más importante del mundo en la actualidad y se caracterizan por la espectacularidad de sus presentaciones en vivo; un concierto de U2 tiene la fama de no ser nunca igual al otro. Hablamos de músicos talentosos con mucha experiencia, creatividad y virtuosismo como para crear siempre una presentación mágica en la que fluye la música exacta, el performance visceral, la habilidad emotiva del grupo. Segundo, es notable que un grupo de la talla de U2 haya decidido transmitir completamente gratis un concierto de casi dos horas y media de manera completamente gratuita a todo el mundo y lo haya hecho a través de una de las páginas más concidas, comunes y accesibles del planeta. Tercero, se esté de acuerdo o no con él, hay que reconocer que Bono ha sabido crear discursos muy inteligentes en pro de las causas más nobles. Sabiendo eso, era natural del vocalista de U2 aprovechar la atención masiva de esta presentación para hondear una vez más la bandera de la conciencia social. El melodrama, las reflexiones, las caras de preocupación estudiadas… tenían que estar presentes y, para bien o para mal, son una marca indispensable del U2 de estos días. El principal aporte es ése: U2 le ha demostrado al mundo la importancia real y la enorme utilidad de la internet, una herramienta que está prácticamente al alcance de todos, que no conoce la censura o represión clásicas de otros medios electrónicos, que se encuentra ahí con sólo dar un click y, pese a esa naturaleza sencilla, ha demostrado ser el artífice de una revolución mediática. Parece ser que no sólo la industria discográfica, sino también el régimen de la televisión agoniza ante el monstruo de la web. Escribo esto mientras corre en mi explorador otra vez el concierto. U2 canta “Beautiful Day” y no puedo evitar pensar que, en efecto, éste parece ser uno de los días más bellos para quienes consumimos música… la cual es cada vez más fácil de disfrutar y todo gracias a la red.


DISEÑO CHINGAPUPILAS PRESENTA:

Por Daniel Franco www.danielofranco.blogspot.com

Es algo que me pregunté mucho tiempo. Si bien sus primeros años fueron estupendos, creo que La Mosca en la Pared, aquella entrañable publicación menstrual de colección que dejó de ser de colección al paso del tiempo, el paso del tiempo dejó a su paso una pérdida de frescura. de creatividad, el paso de los años transformó a La Mosca en al pared en una fotocopia de baja resolución de si misma. Si bien sus primeras publicaciones se caracterizaron por el tono crítico que nunca perdió, un excelente diseño, excelentes columnistas y secciones diversas, que iban desde lo musical hasta el cine, teatro, literatura, el comic, y fungió como espacio para diversos escritores de ensayos, cuentos y reseñas, la revista no soportó el paso de los años manejando siempre la misma formula. Trece largos años pasaron con la revista en los anaqueles, sin embargo, no fueron todos de gloria, pues por lo menos los últimos cuatro estuvieron plagados de un diseño pobre, artículos complacientes, portadas engañosas (quién no recuerda la primera de The Mars Volta con información ridícula al respecto de la agrupación), artículos pobres, reseñas que decían nada y que se repetían mes a mes con diversos discos. He aquí sólo un ejemplo de cómo solían ser las reseñas: (Inserte aquí el nombre del disco a reseñar) Belleza en su máxima expresión. Solo son dos palabras para describir la perfección, finura y clase con la que se hizo está reciente placa del conocido cantante de Nueva York. Alejado de cualquier tendencia en boga y cobijándose en las auténticas raices del género, nos entrega un trabajo lleno de belleza, de pasión, de sonidos que evocan a la calidad. Con una producción y un arte envidiable, es definitivamente, lo mejor del año. Por otro lado, siempre hubo reseñas de este tipo: Una auténtica pérdida de tiempo. Obséquielo a su peor enemigo.

En el 2008, la Mosca cayó en silencio, lo cual no fue tan sorpresivo como se esperaba. La información musical de los últimos números era absurda, pobre, atrasada. La rapidez con la que el internet ofrecía información la convirtió en una fuente sumamente rezagada en noticias, y parecía más bien enlace publicitario de la banda de blues Los pechos Privilegiados, encabezada por Hugo García Michel, también director de la publicación. Sobran las declaraciones respecto al trato de este último con colaboradores de manera poco profesional. Aquí no se pretende juzgar sus andanzas, pero como director, la toma de decisiones que hizo se vio finalmente reflejada en la baja calidad de la revista y las bajas ventas de la misma (bien podría deberse la segunda a la primera), que la la llevaron a su extinción. Seguidores fieles exigieron su retorno, entre ellos yo, sin duda. Meses pasaron sin noticias, sin esperanza, hasta apenas el mes pasado de Septiembre, cuando se vio a la luz la nueva versión de la revista, “La mosca en la Red”.


Si bien dentro de este nuevo espacio cibernético están incluidos muchos de los colaboradores de antaño, la publicación sigue padeciendo los mismos síntomas que la llevaron a su parcial extinción en 2008: un desempeño pobre editorialmente; un diseño ofensivo por lo raquítico que además queda en ridículo comparado con el que alguna vez, en su formato impreso, tuvo; la base informativa lenta y poco nutritiva; el poco interés de los escritores y de los editores por las opiniones de los lectores y en términos generales, por esa egolatría disfrazada de humildad por considerarse la gran revista de rock en México, esa que critica a todos (menos a sus amigos) que tiene oidos a todas las propuestas (más no informa al respecto) esa que es fiel a sus ideales (más no a la calidad), esa que alguna vez fue y que hoy intenta volver a ser Ya lo dijo Dylan... los tiempos cambian... Alguna vez leí que el problema de La mosca fue el no haber aprendido a atraer a nuevas generaciones de lectores, por lo que únicamente se quedo con una base de fieles que crecieron con la misma y no la miraban con el mismo ojo critico con la que ésta veía al rock del que tanto hablaba y creía año con año, hundido en la desolación y la mediocridad más terrible. Como experiencia personal, un familiar mío me dijo que no le atraía la revista porque no hablaba de grupos actuales, manejaban un lenguaje poco atractivo para él, no tenían exclusivas importantes o entrevistas con los grupos que colocaban en portada. Además, no entendía como el papel era de tan mala calidad en algunas de sus páginas al precio que se ofrecía. La Mosca en la Red es un sitio nuevo, es cierto, pero eso no justifica la vaporizada salida al público que tuvo con la paupérrima calidad que hoy por hoy sigue teniendo . La revista que usted contempla ahora en su monitor, es mejor que la Mosca en la red cuando menos, dos aspectos, el diseño y el formato. ¿Dónde quedó la humildad en nuestro caso? La aventajamos con calidad. El resto de sitios web sobre musica deben sentirse aliviados, pues muchos de ellos ofrecen mucho más que la mosca en la red y pueden llevársela de calle en cuanto a la calidad. Si a todo esto le sumamos el caudal de declaraciones en contra de García Michel donde cabe de todo, incluido su periodismo favorecedor a sus amigos, la inclusión de féminas en la revista (basta mencionar el artículo escrito por su novia en turno, Denisse Berman, que se estrenó el día del lanzamiento de sitio. Cabe la pregunta malintencionada ¿Hubiera existido dicho artículo en el sitio si la mencionada fémina no fuese novia de García? Surge otra incógnita ¿Por qué dicho artículo no es legible hoy en el sitio? ¿Temor a las críticas?), la crítica fácil hecha siempre al rock hecho en México (del cual García no duda en criticar generalizando a la menor oportunidad pero del cual conoce pocas propuestas), la tendencia clásica del abuelo que dice que “El rock era mejor antes” y apaleando a grupos noveles que, como él bien dice, el tiempo coloca en su lugar como agrupaciones de calidad de verdad. Tal vez la ausencia de la mosca entre este y el año anterior ayudó mucho a ver, de manera mucho más clara sus defectos y virtudes como publicación. Es una lástima que los defectos hoy pesan mucho más que las pocas virtudes que aún conserva. O simplemente ya no soy el público objetivo que busca atraer como lector. Hoy la Mosca no me dice mucho. Me habla de un pasado increíble pero no de un futuro muy prometedor. Espero estar equivocado.


Yosh “Panda” González (www.labohemianegra.blogspot.com)

En mi muy humilde opinión, Coldplay es una banda muy buena dentro de las ligas menores. Con el paso de los años han demostrado ser capaces de crear canciones muy bellas, inteligentes, apasionadas. Han sabido hacerse de un sonido poco original aunque muy característico. Son capaces de jugar bien sus cartas en el ámbito de la imagen gracias a esos asuntos (¿reales? ¿pose?) relacionados con la conciencia social, la corrección política. Son un excelente espectáculo en vivo, sus discos poseen varios temas con posibilidades de ser himnos, destilan una sensibilidad artística real, se comunican perfectamente bien con aquellas almas que sufren, que se duelen. Sin embargo, hay un “algo” ausente en Coldplay, un elemento vital imposible de atrapar por Chris Martin, Will Champion, Guy Berryman y Jonny Buckland. Es como si esta banda oriunda de Londres fuera un inmenso rompecabezas de millones de piezas al que le hace falta una de éstas insignificante que, sin embargo, evita ver a la perfección la imagen a descubrir… Formada en 1998 en la ciudad capital de Inglaterra, Coldplay se ha caracterizado por ser la banda que encabeza el revival de ese sonido conocido como britpop. La University College of London fue testigo de cómo los jóvenes músicos comenzaban a idear lo que sería una de las bandas más famosas de hoy día. Al parecer, Chris Martin deseaba formar un grupo al estilo Nsync (de verdad), pero esta idea se fue desechando poco a poco. Como buenos rockeros ingleses, el sonido de Coldplay se caracteriza por su riqueza melódica, la pulcritud en su timbre, la simpleza técnica, tonadas suaves. Es palpable una fuerte y variopinta influencia por parte de gente como Echo & the Bunnymen, Kraftwerk, Björk, R.E.M., Johnny Cash, A-Ha, Depeche Mode, Jeff Buckley, Tom Waits y, esencialmente, de U2 y Radiohead, además del estilo de todas las bandas involucradas en la invasión inglesa y, obviamente, el rock británico de la segunda mitad de los noventa creado por bandas como Oasis, Pulp o Travis.


Siguiendo con las metáforas, la discografía de Coldplay es un intenso viaje en montaña rusa constituida por un inicio plano pero estimulante (Brothers and Sisters), una caída fuerte aunque efímera (Parachutes), una serie de rizos extravagantes casi místicos (A Rush of Blood to the Head), un sinuoso e incomprensible tramo sofocante (X&Y) y una prometedora caída final que lucía muy prometedora, pero termina siendo decepcionante (Viva la Vida or Death and All His Friends). Tanto el primer como el segundo álbum del grupo londinense están llenos de piezas de carácter íntimo, reservado, sin grandes pretensiones, con un sonido sencillo en extremo funcional. En mi opinión, es ésta la mejor etapa del grupo; un disco profético que anunciaba grandes cosas, las cuales llegaron con su siguiente trabajo. A Rush of Blood to the Head nos mostró a un Coldplay mucho más ambicioso, grandilocuente, extraordinario. Las canciones dejan de ser tímidas tonadas sensibles para convertirse en golpes directos al alma cargados de nostalgia. Se asoma el ansia por sonidos épicos, por canciones dignas de musicalizar la vida de los hombres heridos. X&Y ha sido el peor error en la historia de Coldplay. Un fallido intento de disco conceptual, vanguardista. El grupo sutil que cantaba a las emociones humanas ha quedado sepultado por siempre, convirtiéndose en una bandada de sujetos con actitud emo bailando atascados de anfetaminas en un rave. Un grupo destinado a hacerte llorar mientras bailas los pies (palabras del propio Martin). El peor disco de los de Londres, sin lugar a dudas.

Finalmente llegamos a su más reciente álbum, el controversial Viva la Vida or Death and All His Friends. Jugando un poco con la eterna comparación entre Radiohead y Coldplay, podríamos decir que, teóricamente, esta obra debería ser para Chris Martin y compañía lo que OK Computer representó para Thom Yorke y los suyos; tristemente, no es el caso. Coldplay tuvo entre sus manos la inmensa posibilidad de reivindicarse, de demostrar a sus fans que aún son la banda talentosa espectacular de los días del Parachutes, de probar a la crítica especializada su capacidad para escribir su nombre en las páginas doradas de la Leyendas del Rocanrol. El grupo lo intentó, debemos decirlo, pero fue tanta su búsqueda de la gloria, su experimentación temática, su obsesión creciente por hacer de sus temas cánticos sacros que el resultado no fue el deseado.

El caso de “Viva la Vida”: el mejor cover de Joe Satriani Tomemos como muestra de su fracaso por ser grandes la historia generada por la canción “Viva la Vida”. Como ya mencioné, la habilidad de Coldplay por hacer temas a manera de himnos se hace presente en el segundo sencillo de su más reciente disco. Un tema de carácter épico que narra la vida de un rey que ha perdido su puesto, muy probablemente a causa de un movimiento armado (el arte del álbum y del video del tema nos harían pensar en la Revolución Francesa). Una hermosa letra típica de Martin, cargada de emotividad, nostalgia, dolor se mueve sobre una melodía cuidadosa, melódica, hermosamente bélica. Campanas repicando, cuerdas llevando el ritmo, la voz del ya mencionado Martin… un tema que podría ser el mejor de este año de no ser por un diminuto detalle: la canción es idéntica a la de “If I Could Fly” del guitarrista Joe Satriani. Como se sabe, el músico demandó al grupo británico; sin embargo, el asunto no llegó a tribunales debido a un acuerdo (seguramente económico) entre ambas partes y todo quedó ahí. Lamentablemente el daño ya está hecho; Coldplay argumenta que la similitud entre ambas piezas es meramente accidental, pura coincidencia, pero la banda terminó decepcionando a no poca gente por este asunto. En conclusión, Viva la Vida or Death and All His Friends no es un disco horrible, pero tampoco es bueno. Coldplay tiene una de dos: reinventarse o morir. Dejar a un lado la pomposidad y pedantería para regresar a su simpleza emocional suprema o dejarse vencer por sus propios monstruos. El panorama luce difícil, pero es posible. Después de todo, Coldplay es un fallido intento por ser grandes del rock, pero es un intento extraordinario.


Por Luis Alberto González (www.decireves.blogspot.com) PARACHUTES-2000 Un album calmo, introspectivo, con un matiz melancolico dificil de igualar en sus trabajos posteriores, aqui la presion y la fama se veian alejados de Chris Martin y compañia, no hay arrebatos sonicos ni nada por el estilo, tomando como base el sonido que genero Radiohead con su obra magna Ok Computer de 1997,Coldplay y su primer opus transitan por mares tranquilos, tersos,desde la inicial y esplendorosa Don't Panic que comienza con un rasgueo caracteristico y se enfunda en capas y capas de guitarras, o la sutilmente restallante Shiver (oigase el trabajo percutivo) aunque para este escritor las joyas del album son las encantadoras y llenas de belleza Spies, Sparks, aunque ignorando un tanto esa sobrevalorada que lleva por titulo Yellow, quizas el punto mas alto sea la inmaculada, poetica y fuera de serie Trouble, tambien lo valen We never change o esos quasi homenajes pinkfloydianos High Speed y Everything's not lost (con su guiño a Syd Barret) un disco inicial que anunciaba las muy buenas cosas...que no salieron.

A

RUSH

OF

BLOOD

TO

THE

HEAD-2002

Si en Parachutes el aprovecho de las tecnicas de estudio y los guitarreos onda espacial fueron la marca de fabrica, en A rush...la onda fue mas de pronto acustica, sin tanta pirotecnia guitarrera y porfundizando mas en cuestiones de caracter politico (algo que revelarian con no muy buenos resultados en su muy politizado X&Y) aqui no hay temas que se incrustaron en la mente de los escuchas con la misma fuerza que un Yellow o un Trouble, de hecho un segundo disco que apuntaba para convertirse en el hit de ese año (aunque medios como Pitchforkmedia lo mandaron a la verga) solo contiene una cancion que es radiable como lo es la hermosisima The scientist (con su guiño-de nuevo-a Lennon) aqui la onda de repente viraba de la instrumentacion rockera a arreglos austeros en las guitarras (el inicial Politik es un muy buen ejemplo) In my place tiene un riff ñoño pero como quiera salva la cancion, God put smile upon your face es una pequeña obra maestra de 4:57 min, Clocks es una maravilla con una intro pianistica ya ahora clasica, Green eyes es un folk rock epico, Warning sing es una pequeña joyita y Amsterdam no tiene madre, un segundo album avasallante.

X&Y-2004 A toda banda rocanrolera de estas epocas (y que tuvo en su cabecera el Ok Computer con veladoras y todo el pedo) le entro en su cabeza la onda conceptual de altos vuelos, algunos lo lograron y otros no, Coldplay saco (por insistencias de EMI) un disco equivalente a tan añorado disco, ¿lo lograron? muchos dicen que no, otros aseguran que es la verdadera obra maestra de Coldplay, la verdad creo que es un disco de transicion, un muestrario de las capacidades instrumentales de los cuatro miembros para poder componer canciones epicas, poderosas, arriesgadas dentro del genero rockpop, para mi sin lugar a dudas se trata de un trabajo obscuro, con ciertos destellos pero no el caudal de sencillos de sus anteriores obras, aqui predominan mas los arreglos de sintetizadores (macabra premonicion de que Brian Eno les produciria el siguiente album?) como manera de refuerzo a las composiciones que ahora si estaban cargadas de ondas politicas (tan es asi que Bono casi los cataloga como los nuevos U2) las canciones son de bajo perfil, hermeticas, de matiz depresivo, ejemplos: la poderosa Square One, la demoledora What if? (con su arreglo instrumental final a la Sigur Ros, o mas bien decir, adentrandose en los sonidos del shoegaze britanico) White Shadows aunque suena mas "bailable" no deja de ser un portento de cancion, Fix you es un diamante en bruto (oigan las elaboradas armonias del coro) Talk es un rock pop a la U2 con un final estremecedor, Speed of Sound una burda copia de Clocks, las ultimas canciones no tienen la gracia de las primeras composiciones de este album, mucho menos una mediocridad como lo es The hardest part (y su tonto video), album bueno a secas pero hasta la septima cancion, como EP hubiera quedado chingon.

Pasele a la Discada


Por Luis Alberto Gonz叩lez (www.decireves.blogspot.com)

Noveno album en la carrera de este enrarecido y enloquecido trio de Norman Oklahoma (Wayne Coyne, Steven Drozd y Michael Ivins) The Flaming Lips y su noveno opus The Soft Bulletin, supieron crear un disco memorable, con arreglos magnificos y un sentido por la experimentacion que cierra el circulo perfecto una obra pomposa, grandilocuente y fascinante de principio a fin. Atras quedo la pesada carga tras un disco imposible y por ello extra単o como Zaireeka (Warner 1999) donde para poder escucharlo habia que tener 4 aparatos reproductores para poder sumergirse en una experiencia sonica sin igual, atras quedaron los conciertos para audifonos, atras quedaron sus canciones punks acidas (coqueteando con el estilo de Husker Du) ahora habia una reinvencion, ahora estaban mas de cerca las experimentaciones electronicas, los arreglos orquestales (cortesia del Phil Spector de estos tiempos, el gran Dave Fridmann),las letras harto delirantes y un sentido de interpretacion nostalgico y triste. The Soft Bulletin es sin lugar a dudas uno de los mejores discos de la decada de los noventa y su merito radica en que esa pronta pretension se queda fuera, como si todo estuviera planeado pero no les salio, por eso el andar inicial en la primera cancion del disco, la magnifica Rise for the prize con el arreglo orquestal bamboleandose a lo largo y ancho del tema y la bateria de Michael Ivins aporreandola sin misericordia (a que no saben quien toco los tambores en las canciones producidas por Dave Fridman para Cafe Tacvba en el excelso Cuatro Caminos del 2003?)despues sigue la tranqula A Spoonful weights a ton con su arreglo de musica dulce y suave y que irrumpe de inmediato con la entrada de las baterias tocadas en los dos canales de audio (Esquivel?) un poderoso y bizarro tema que seduce por el final orquestado con delicadeza y que se contrapone al incesante aporreo de los tambores, despues quizas una de las 3 mejores del disco, la chingonsisima The spark that bled con su arreglo que prefigura las ondas electronicas de Yoshimi's battle...del a単o 2002, luego se desprende una figura de bajo y bateria rapido que pareciera que fungiera como dos temas en uno (cabe aclarar que todas las canciones estan arropadas por sendos arreglos de cuerdas pero nunca hartan , no aburren) oiganse muy detenidamente las letras de todo este disco (surrealistas, divertidas y nada faciles) despues la deliciosamente extra単a The spiderbite song con su arreglo de baterias y tambores hasta el tope en cuanto al sonido ecualizado se refiere , esto complementado por un pianito muy dulce y unos coros que no vendrian mal en un musical de Broadway o una pelicula de Walt Disney (de hecho este podria ser un soundtrack ideal para un filme animado-hecho ex professo claro esta- de la casa del raton)


Despues la powerpoperosa Buggin' y su incesante ritmo y secuencia electronica inicial muy fregona en verdad, despues una de las mas hermosa canciones de este disco: What is the light? con su hipnotico tambor y una de las mas bellas letras que he escuchado recientemente, la voz de Wayne Coyne con un megafono hace que se te salgan las lagrimas por la forma tan melancolica como recita esta pieza, el tom tom final (con una guitarra punteada y unos coros endemoniados) se engarza con la friki entre las frikis The Obsever, de ritmo ondulante, guitarra con reverb, coros gordos y apesadumbrados, un puente instrumental que deriva en Waitin for a Superman, uno de los Everest de este album, musicalmente convencional pero con una guitarra acustica direccionando y un piano extendido en el cuadro sonoro de la cancion,despues una cancion (quizas la mas triste aunque pensandolo bien...creo que es otra , ya les digo despues) tristona como lo es Suddenly everything has changed, con su ritmo hiphop bluseado, musicalmente austera,percusion minimalista, orquesta fantasmal de fondo y la voz susurrante para desembocar en la mas rimbombante, extravagante y poderosa joi de vivre de todo el disco, la gran The Gash, con su guitarra gorda, sus tambores tocados por una banda de maniaticos del sonido, la orquesta haciendo un arreglo espeluznante y los coros mas fieros de todo el disco, musicalmente a la altura de una extravagancia fuera de este mundo, los gritos de the battles on!! son sin lugar a dudas momentos en los cuales te quedas sin palabras, y esas palabras se batallaran para sacar despues de meterse, de arroparse y de guardarse en la mas intensa, sublime y melancolica expresion de tristeza, es Feeling yourself disintegrate se単ores y se単oritas, un sencillo trabajo vocal que se pasea por los dos canales de audio (Esquivel reloaded?) guitarra acustica, orquesta, la voz dialogando en el espacio sideral, coros envolventes, bateria tocando un estandar jazzeado, una delicia perversa y siniestra que es hermosa por el ropaje de dolor que permea a lo largo del tema, este tema es la continuacion para extenderse en un experimento que es quizas el puente entre The Soft y Yoshimi's...se trata de Sleeping on the roof que es quizas el sentimiento de alguien en un viaje de acido contempla los astros caer y haciendo musica al mismo tiempo, un final preciosista para uno de los discos que mas me han impactado en estos ultimos a単os. Una obra vanguardista y en extremo ludica, melancolica y poderosa de principio a fin.


Por Luis Paez Con permiso del blog www.loboob-oscillator.blogspot.com

Algunos acordes, por su efecto disonante, por su instrumentación, por su timbre o volumen, acaban desconcertando al oyente; nos hacen sentir que acabamos de escuchar una gran pared de ladrillos desmoronarse; a veces, por mas emoción que esto nos cause, el efecto no puede dejar de ser aturdidor, incluso violento, muy desgastante para cualquier alma sensible a los ruidos fuertes, a la disonancia tras disonancia (que en manos de un compositor no experimentado, puede caer en el cansancio y en la misma monotonía que provocaría el exceso de consonancia). Stereolab se inclina más por la consonancia agridulce; escuchándolos jamas ocurre esa sensación de aturdimiento que describía antes, ni siquiera en sus intentos más monstruosos y distorsionados; al final, Stereolab es de textura suave (para respiro de los que están exhaustos de los interminables sonidos martillantes de la ciudad).


Podríamos decir que Stereolab no dice nada nuevo... ¿y que? A finales del siglo XIX, el compositor francés Erik Satie, aquel excentrico gymnopèdista, tampoco parecía decir nada nuevo en aquel momento, pero él solo llegaria a influenciar toda la música francesa que estaba por venir (directamente a Debussy y Ravel, y estos a Messiaen y Boulez) y al músico-inventor estadounidense John Cage (a quien precisamente los Stereolab le rinden homenaje en su canción "John Cage Bubblegum"). A final de cuentas, toda la música nace libre e igual. ¿Quienes son Stereolab? La vocalista Lætitia Sadier y el tecladista-guitarrista Tim Gane, son la pareja al frente, quienes a través de los años han reclutado los músicos necesarios para darle vida a la banda. Sus influencias musicales van desde el krautrock (Can, Faust, Neu!), la música brasileña (Antonio Carlos Jobim), la música clásica (Debussy) los minimalistas (Glass y Reich) e incluso el peculiar compositor mexicano Juan Garcia Esquivel. El disco que quiero compartirles hoy es el Sound-Dust (2001), que a mi parecer es uno de los mejores de la banda, junto con el Emperor Tomato Ketchup (1996) (aunque el catalogo es muy amplio, si contamos la multitud de Ep's y compilaciones de rarezas que han sacado ellos mismos). Para este álbum la banda ya habrá encontrado toda la madurez posible de su rock-pop electrónico; las distorsiones disminuyeron pero las melodías se volvieron más sutiles. En una primera escuchada podemos apreciar la gran cantidad de teclados electrónicos usados en cada canción (muchos de ellos modelos ya antiguos: wurlitzers, órganos Farfisa, clavicordios electricos), las guitarras acusticas y eléctricas (tocando como música hawaiana), flautas ("Space Moth"), arreglos de metales en el fondo ("Captain Easychord", "Space Moth", "Baby Lulu", "Hallucinex"), percusiones tintineantes ("Gus the Mynah Bird"), arpegios que nos dan la impresión de escuchar harpas electrónicas, efectos sonoros que realzan el sonido de los instrumentos tradicionales, una marimba ("The Black Arts"), y la maravillosa voz de Laetita Sadier, siempre en perfecta comunicación con la segunda voz de la bajista, Mary Hansen (este seria el ultimo álbum en el que habría de participar antes de su trágica muerte en un accidente). Excelente trabajo de músicos y de instrumentación. Todos estos son los ingredientes perfectos para hacer un disco único, entre el futurismo, la música tradicional, el rock and roll y el pop. Stereolab empieza con una canción para subitamente cambiar por completo su sentido (ritmicamente, melodicamente). Ellos juegan, dan riendo suelta a su imaginación y a su mundo sonoro.

En sus letras (algunas en francés, otras en ingles, otras en ambos idiomas) nos cuentan acerca de la vida y la muerte, el bien y el mal, luz y oscuridad, el arte, ideas politicas, utopias, la necesidad de amar (esa eterna necesidad) y de aquellos momentos y placeres de la vida que a pesar de su simpleza nos son tan preciados como las grandes cosas. En la producción del album, tenemos a mentes como las de John McEntire (Tortoise, The Sea and the Cake) y Jim O'Rourke (quien en ese momento aun era un miembro de Sonic Youth). Decia el legendario Miles Davis que había muchos músicos que podían tocar realmente bien, como el mejor de los virtuosos, pero pocos que tuvieran un sonido único, ese sonido que los hacia sonar a ellos mismos y a nadie más. Stereolab siempre conto con uno propio y eso es lo que los hace tan grandes, emotivos e inspiradores. Es esta la música que se filtra en la vida, se mantiene en el corazón y le da esperanza al alma.


MEXICO YA NO ES EL MISMO Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com Cuanto ha cambiado Mexico, la musica, sus interpretes desde la aparicion de ese mitico disco? Cafe Tacvba incluso ya no es el mismo, dejando atras su lado autoctono (por llamarlo de alguna manera) para volverse digamos mas universal, ya el desmadre en el escenario no es el mismo y se van ahora mas por la introspeccion y la genialidad musical, atiborrandose de influencias y sonidos que no son calca directa aunque a la vez es una recibida con brazos abiertos a la musica que se pergueña en estos momentos, osea, trato de decir que Cafe Tacvba puede tener influencias de Flaming Lips (y mas por que en las rolas que les produjo el Dave Freedman se nota el acento orquestal de fondo) de Godspeed you Black Emperor, Wilco, Simian, Yes, The Who pero sigue sonando a Cafe Tacvba, algo de lo que muy pocos grupos pueden presumir, mantener la esencia a lo largo de 20 años y no perder el amor a la musica es un acto a todas luces heroico y mas tratandose de lo que es nuestro Mexico Horroroso y Quelindo...

DOS OPINIONES AL REVES

Pero al retroceder 10 años atras Mexico era otra cosa, no existia el indie,no habia tiendas establecidas de ropa tipo American Apparel para vestir a nuestro indies carentes de talento (salvo honrosas excepeciones) no habia revistas especializadas en ese genero, MTV todavia pasaba 120 Minutos y todavia pasaban a Pulp, Portishead, Nine Inch Nails y Fionna Apple por ese canal, de las revistas mainstream por ahi estaba la Switch, La Mosca en la Pared se encargaba de destrozar al disco en la pluma de Jose Xavier Navar (el critico mas recalcitrante de esa revista que o lo amabas o lo odiabas por poner en tela de duda hasta a las mismas deidades del rock urbano chilango de periferia) pocos lo defendian y casi nadie aclaraba las virtudes de tan magno disco, a diez años de distancia las cosas ya estan bien claras, NO ES EL MEJOR ALBUM DE ROCK DE TODOS LOS TIEMPOS MEXICANO pero la fuente primigenia y su materia musical es influencia palpable en muchos discos y experimentos sonoros no del todo logrados en muchas bandas que se las dan de sofis y tecnicamente impecables, desde el ruido procesado y destrozado de varios tracks del Reves podrian ser influencia directa de los trabajos de Album, Alexico, Sr Amable, Blueshit, las tonadas folkies yucatecas quizas las adopto La Barranca para su disco Providencia,o todo el trabajo de LABA (Alonso Arreola) que no niega la cruz de su parroquia tacbesca quizas estoy sobrevalorando de mas a este disco y no me lleve a ningun lugar, quizas es algo idiota pero puedo afirmar sin temor a equivocarme que de los primeros discos que llegue a comprar fue este hasta por lo ampuloso y maravilloso de su empaque que supero el estandar de muchos discos que se vendian por ese entonces. Sin lugar a dudas un antes y despues en el arido panorama del rock hecho en casa, la obra maestra incomprendida de Cafe Tacvba y un arponazo contra la estulticia y la conchudez del rock mexica que en este año cumple diez años de extrañezas sonoras para los incautos que piensan que todavia rola en Mix Up.


EL REINO DEL REVES Yosh “Panda” Goznález (www.labohemianegra.blogspot.com) Café Tacuba (¡con “U”, no con “V”, por lo que más quieran en esta vida!) es una agrupación generadora de dos opiniones opuestas: para unos son la banda prodigio de rock del país; para otros, tan sólo un puñado de niños nice sobrevalorados. Que si son la propuesta más original de la música popular hispana, que si se fusilan a Los Xochimilcas, que si rinden tributo a sus raíces culturales, que si funcionan como un juguetito a la mexican curious, que si son enormes letristas, que si se roban la obra de Jaime López, Botellita de Jeréz, Juan Luis Guerra… Podríamos hablar horas sobre el fenómeno (en todas las acepciones de la palabra) llamado Café Tacuba y organizar debates para ver si son la esperanza de nuestro rock o un cuidado producto de consumo masivo. Sin embargo, hay algo en lo que tanto fanáticos como detractores deben estar de acuerdo: existe un rock mexicano antes del Revés/Yo soy y un rock mexicano después de éste. Corría el año de 1999 y Café Tacuba se encontraba en un punto cumbre de su carrera. Sin lugar a dudas, eran (y aún lo son, probablemente) la agrupación de rock mexicana más conocida dentro y fuera de nuestro país. Los fanáticos estaban al pendiente de su trabajo, elogiándolo constantemente y la crítica especializada reconocía su talento por completo, alabando todas y cada una de sus producciones discográficas. Representaban un éxito comercial pero también se les veía como artistas serios en el ámbito musical. Por estos antecedentes resulta interesante la aparición del Revés/Yo soy. Afrontémoslo, un grupo del mainstream sacando a la luz un álbum doble cuya mitad está compuesta por piezas instrumentales, de ambiciones experimentales, pensadas para ser todo menos sencillos para colocar en la radio no es algo común en México. Parecía ser un suicidio mercantil por parte de estos jóvenes mexiquenses, aunque mostraba también una necesidad de demostrarle al mundo una propuesta creativa, inteligente, atrevida, artística.

El fracaso del LP (desde el punto de vista comercial, claro) fue algo que anticiparon los ejecutivos de Warner Music, su disquera de ese entonces, quienes insistieron a la banda sacar un álbum con voz, argumentando que ése era el sello distintivo en el sonido de Café Tacuba. El grupo, al verse en una encrucijada, optó por lanzar un álbum doble: la primera parte estaría compuesta por canciones descartadas durante la grabación de uno de sus discos anteriores, Re, a fin de darle gusto a la disquera; lo titularon Yo soy. La segunda parte, Revés, la constituiría el experimento sonoro alternativo ideado por Rubén Albarrán, Emmanual del Real, et al. La gente de Warner Music demostró conocer muy bien al creciente aunque cerrado público consumidor de rocanrol nacional: Si bien el álbum fue premiado con el Grammy Latino al Mejor Álbum Rock, Revés/Yo soy gozó de muy pocas ventas y la disquera se vio obligada a retirarlo del mercado, además de terminar con el contrato con Café Tacuba. Sin embargo, como suele pasar en estos casos, el tiempo ha ido dándoles la razón a los artistas en cuestión. Justo es decir que Yo soy, el disco capricho exigido por la disquera, es una colección de canciones buenas, bien hechas, lindas, pero prescindibles. Su aporte es nulo; en ocasiones, incluso aburrido. Por otra parte, Revés ha resultado ser una obra mucho más interesante, propositiva, arriesgada, ambiciosa… lamentablemente, fallida, pero llena de matices prometedores, asombrosos, gozosos. Un colaje de melodías meticulosamente elaboradas donde lo mismo convergen las guitarras eléctricas, las jaranas, los zapateados de la Compañía Nacional de Danza Folclórica del INBA, las cuerdas estilizadas del Kronos Quartet, los clarinetes del Cuarteto Arghül y el silencio incomprensible. Amasiato forzado por radicales en pos del arte, mezclando al rock con techno, ambient, folk, son… Una audaz de sonidos poco explorados por sus contemporáneos, una desesperada muestra de un estilo que se presume único. Seamos objetivos, Revés no es el mejor disco del rock en español, tampoco es el más original ni la unidad de medida del rocanrol hispano; sin embargo, sí es un proyecto de ambiciones artísticas que muy pocos grupos se atreven a realizar. Mientras las otras bandas se dedican a crear música que les deje dinero en sus cuentas de ahorros, Café Tacuba demostró con ese álbum una necesidad y un compromiso artísticos con ellos mismos. Admitámoslo, este álbum doble suena muy influenciado por The Flamming Lips, Wilco, Radiohead o los propios Beatles. No es un experimento al nivel de Frank Zappa ni la obra cumbre del rock mexicano. Pero hay algo muy importante que sí es el Revés/Yo soy; el artífice de un rock más pensado con ambiciones artísticas que ha influenciado a muchísimos otros músicos serios dentro del género. Quizá algún día se halle el hilo negro en nuestras tierras, quizá no pase… aún estamos muy lejos de saberlo, pero Café Tacuba nos dio una primera pista: debemos buscarlo al revés.


01.-Antes que nada por que The Mocks? Por Luis Alberto González (www.decireves.blogspot.com)

Ely- Estábamos en el departamento diciendo que íbamos a hacer un grupo que se pareciera a cualquier grupo equis entonces iba a ser como una imitación o parodia de un "grupo equis" pero nunca se nos ocurrió ese grupo equis entonces le pusimos The Mocks por lo que significa la palabra "mock". [B] La mofa de la mofa; es en plural. - osea que no es mofa, pero pudiendo ser cuando así nos plazca.

-Cuanto tiempo tiene la banda como tal y de donde viene la idea de concretar un proyecto así, de que bandas vienen? Ely - desde el 2005. los dos hacíamos cosas solos por nuestro lado antes de conocernos. y luego cuando nos conocimos empezamos a hacerlas juntos hasta que se nos ocurrió ponerle nombre y eso. [B] Desde que hicimos canciones juntos hace 8 años.

La mofa de ser un mock Una entrevista con este sorprendente dueto de electro avecindado en Monterrey


02.-Cual es la idea detrás de las canciones de uds, que pretenden decir con sus letras?

10.-Que tal su participación en Animal Nocturno, como ven este tipo de espacios aunque sea muy “comercializados” por así decirlo.

Ely - cuando hago las letras casi siempre es pensando en "que diría si estuviera en tal o cual situación" pero en realidad no pretendo decir mucho más de lo que dicen en sí. No tengo tanta imaginación.

Ely - muy chistoso, es una invitación que no nos esperábamos y la pasamos bien, fue como ir a tocar a una isla rara con habitantes super exóticos y buena onda todos. En cuanto a lo comercial, pues, la verdad no nos fijamos mucho en eso, si la gente hace dinero de lo que le gusta está bien. Feo tener que hacer algo que no te gusta por dinero :S haha [B] Yo tocaría en cualquier lugar que nos inviten si hubiera buena vibra y sin complicaciones.

03.-Como elaboraron todas las canciones de su disco M is correct? Ely - Algunas empezaba blodo con los beats y el bajo algunos leads y yo le ponía melodía y letra y luego se le agregaban detalles o al revés, le decía yo "hey mira tengo esta melodía y letra" y el le ponía música. Así siempre le hacemos :D [B] Todo lo que no es voz es una computadora o a veces bajo eléctrico. Ela hace todo lo que es voz. Cuando no nos gusta algo lo decimos y lo borramos al instante. 04.-Las reseñas de ese disco son harto favorables, como las toman? Ely - Pues nos dan emociones que le guste a la gente algo que a nosotros nos gusta mucho. Es muy bonito eso. [B] Yo quiero puras cosas favorables siempre. 05.-Como le hacen para lidiar con las ideas de la banda y de pasada como le hacen para lidiar con los pensamientos de Ely por ser del mal llamado sexo opuesto o débil.

11.-Cuando veremos a The Mocks en algún festival , les gustaría una cosa así o prefieren mantenerse en bajo perfil? Ely - bueno, a mi me gusta hacer cosas diferentes siempre. Ojalá nos inviten a más tipos de eventos pronto. [B] Me gustaría ser de bajo perfil, pero masivamente. 12.-A que se debe que sus rolas sean en ingles? Ely - La verdad soy bien tímida para decir cosas en mi propio idioma. En inglés me suena menos personal. Tampoco no me gusta mucho la idea que mis papás me pregunten "que quisiste decir con 'bla bla bla'" Es la verdad... que oso.

Ely - no se como me aguantan a veces. [B] Laissez faire.

13.-Bandas regias que les gusten?

06.-A pesar de la experimentación oigo mucho encanto pop en sus melodías, esto es premeditado?

Ely - Alexico, Uvi.Lov, Bam Bam, Elektrik Diva, Chiquitiwow, Re# etc [B] Me gustan varias. Las ultimas que me gustaron fueron White Ninja y Mentira Mentira.

Ely - nah, no lo podemos evitar, nos sale muy natural. Creo que es por tantos años de oír pop de todo tipo. [B] De niño oía mucho a Tchaikovsky. En todo caso tiene más que ver con las melodías. Hay cosas que le gustan a todo mundo, por mucho que nos resistamos. En cuanto a que sea premeditado, no creo. Es mas fácil no hacer pop en todo caso. 07.-Que tal va el nuevo disco, que les han dicho? Ely - que nos apuremos ha ha ya tenemos todas las canciones y falta más que nada detalles que afinar. [B] A veces lo oigo y me gusta, otras no. En general casi siempre me gusta lo que hacemos.

14.-A estas alturas del asunto, creen que todavía exista un centralismo donde lo que impera es lo que se hace en el DF cuando hay mas variedad y mas creatividad en otros estados (por no hablar de Tijuana y Monterrey) Ely - pues es que en el DF tienen más acceso a otras formas de difusión pero la realidad es que ahora no necesitas tanto los métodos old-school para que la gente se fije en lo que haces. [B] Supongo que es como todo en México: en cuanto a gremios, el DF es el líder. En cuanto a creatividad, pues eso es cuestión humana y poco tiene que ver con donde estés. 15.-El cine, la literatura, influye a The Mocks?

08.-Que creen uds que va a explotar en este 2009 en el rock a nivel regio?

Ely - si, My Heart la escribí después de ver "The Skeleton Key" y hay otras que están como basadas en "Manchurian Candidate" y cosas así

Ely - quien sabe, la gente es impredecible. Ojalá que más gente vaya a más tocadas y se interesen por escuchar más música de todo tipo. [B] No tengo la menor idea.

16.-Cincos discos para guardar después de una hecatombe nuclear??

09.-Que opinan del rock hecho en México y del rock en general Ely - Hay cosas padres en todos lados. En general a mi me gusta "la canción" no importa el género, si es una canción buena, el género es lo de menos. Hay canciones de rock que me gustan mucho. El "mundo del rock" no lo conozco a fondo pero se vé peligroso, aunque también tiene su encanto.

Ely - bueno para que la gente del futuro sepa lo que pasó en el pasado yo dejaría cosas muy cónicas como Thriller de Michael Jackson, Space Oddity de Bowie, The Velvet Underground & Nico, Computer World de Kraftwerk y alguno de The Mocks hehe con una carta que diga "siiii nosotros también lo hicimos" [B] Tendría que escoger algo de Bach, Rameau, y así, si no hubiera opción de llevarme mejor un ipodo.


Por Laura Avalos (www.dipsomanias.blogspot.com)

Mis bajos instintos me piden a gritos que luche por un premio. Viviendo en una sociedad consumista, competitiva, de progreso, ¿cómo negarme? Si soy una lumbrera, cuasi chingonsísima escribiente (aunque yo más bien diría insipiente, pero bueno), cómo no ganar un premio de 20 mil pepos y un diploma que nada mal se vería en la sala de mi madre, junto a mi primera y única abejita trabajadora conseguida en el preescolar. En un mundo donde el devaluado y vomitivo MTV en su versión latina tiene como su máximo exponente, es decir artista del año a Winsin y Yandel, y no solo eso también compitieron por la canción del año, pues su poesía mítica, no merece este mundo, mucho menos su ritmo incandescente de tres tiempos (tu tata tum). Desgraciadamente perdió ante la genialidad de Poker Face de Lady Gaga. Snif! Y doble Snif! Claro, sólo así entendemos porque los del grupo Motel merecen estar junto a un Calamaro que mucho tiene que aprender de los rockerísimos mexicanitos hijos de papi. Pero los Video Music Awards ya habían dejado un precedente, el mejor video del año se debatía entre los mejores exponentes de la música contemporánea: la curvilínea Beyoncé con su sonsonete que es ¿¿R&B??, la resucitada y esperada Britney “Crazy” Spears, y el experimento ese que no acabo de entender Lady Gaga, junto al repetitivo y cansado chiste de Eminem y el superhéroe Kanye West quien gusta de defender a todo mundo de las niñas roba premios como Taylor Swift.

Oh si, la vida da vueltas mientras los cerebros púberes se regodean, al saber que “si ellos pueden, no veo por qué yo no”. Viva la excelencia, las estrellitas en la frente y los besos en las alitas como cantaba Don cuate Chabelo, viva la magnificencia y los mass media que aseguran los premios fueron entregados de este modo porque la gente así lo quiso. No vale la innovación, ni la experiencia mucho menos la calidad, no, no esos conceptos pasados por agua nunca nos otorgaran un premio. En tiempos en que Obama por sus “extraordinarios esfuerzos para fortalecer la diplomacia internacional y la cooperación entre los pueblos” ha ganado el Premio Nobel de la Paz, es bien sabido que valen más las intentonas, los “ya merito”, por no decir las mediocridades, que los hechos constantes y sonantes. ¿A poco no son más importantes las “buenas intenciones” que quitar a un dictador del poder? ¿A poco no es más importante vender discos que tener calidad musical? ¡Pues claro! Sólo espero que después de tantos intentos, de tantos “ya casi”, la Selección nacional de futbol gane el mundial de Sudáfrica en 2010, total en eso del “ya merito” somos expertos ¿no?


Por Arturo Perez Moran www.yellowfacewarrior.blogspot.com

El Pelón decía que soñaba con el Diablo. Pero no sentía miedo y eso decía. Y todos en la escuela nos divertíamos. Pero nos asustaba Pensar en soñar con el Diablo Oyendo lo que el Pelón nos contaba. La mamá del Pelón decía Que el Pelón soñaba que el Diablo se lo llevaba. Pero no era verdad El Pelón decía que el Diablo en sueños lo visitaba Y nomás su mano le extendía El Pelón golpeaba a sus hermanas Pero que con él se fuera no le pedía. Cuando ellas no hacían lo que él quería. Y decía que sabía que el Diablo era Pasó el tiempo Por su cara color rojorojorojo El Pelón creció y se hizo hombre. Y su olor asqueroso. Le gustaban las fiestas y los bailes. Ese color rojorojorojo Y las muchachas y los caballos y la cerveza. Rojo carmesí era. Y machetear perros callejeros Yo siempre fui un niño listo Cuando con alguien se enojaba. Y conocía bien los colores. Ya no le gustaba que Pelón le dijéramos. La mamá del Pelón antes de dormir lo persignaba El Pelón se hizo grande y alto Y el Pelón seguía soñando al Diablo. Y nos pegaba si Pelón le llamábamos. La mamá del Pelón rezaba mientras el Pelón dormía Gerardo era su nombre Y el Pelón seguía soñando al Diablo. Y Estrella su apellido. La mamá del Pelón lo llevó con el cura del pueblo Se enamoró de Mariela Para que con agua bendita lo rociara. Y se la robó una noche de fiesta. Y el cura del pueblo a la mamá del Pelón le cobró dinero. Vivian en el monte Y el Pelón dejó de soñar con el Diablo. En una casa que el papá de Pelón tenía. La mamá del Pelón quería mucho al Pelón Y las vacas de su papa Su papá también lo quería El Pelón cuidaba por las mañanas. Por que ya tenía tres hijas El Pelón tomaba todos los días En la casa del Pelón se comía Y le pegaba mucho a Mariela Lo que a Pelón se le antojaba. Y ella nada decía. Pero Mariela una noche Dijo que se largaba. Y Pelón la golpeó con más fuerza Loco de rabia Pelón sacó su machete. Y al día siguiente Con el olor a sudor y vómito Y el color rojorojorojo En la cara de Mariela Reconoció el rostro Que en sueños lo visitaba.


Hace poco tuve el placer de ver esta obra maestra que causó furor en el jurado de Cannes hace un par de años, y ha ganado alrededor de quince premios en diferentes competencias a nivel global. Y el encuentro con tan excelso material fue por provocada por un botón en el control remoto: personas grises en un país gris, una chava que platica como es que su cuerpo se deformó hasta hacerse bonito, y de ahí vi a la personaje ligando con un francés. Fue más adelante cuando pude ver la historia completa, el viaje de una hija de padres iraníes que sobrevivió a la destitución del sah persa y las guerras que Irak hizo a Irán, todo comenzando en la época de los setentas.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Las memorias graficas de una extraña “Persepolis” antes de ser llevada a las pantallas era reconocida como una novela gráfica que habla de lo anterior, la creadora Marjan Satrapi logró llevar sus memorias al cine gracias a la ayuda del director Vincent Paronnaud, quien la había asesorado en las novelas gráficas. En ella vemos la mayoría de las vicisitudes que tuvo que pasar nuestra autora Marjane, quien cuando niña admiraba a Bruce Lee, le gustaban las papas con cátsup y tiene ilusiones de convertirse en profeta. Le toca vivir las nuevas imposiciones del partido islámico, mucha parentela desaparece o muere por esto mismo, y es así que corre a dios de su vida. Es una niña tan crítica que su familia teme por ella pues siempre pregunta, siempre cuestiona, y eso no es permitido en el Iran que le tocó. Con esto viaja a Viena, ahí comienza el desarrollo de la adolescencia, las lecciones de su abuela quien le reitera sobre el valor de la integridad. Y es que ya resulta difícil ser mujer en un país donde ellas no tienen la palabra o la presencia que deberían. La película en sí es un flashback que coquetea con la realidad a color desde el principio, y el resto es en blanco y negro. Es la adaptación de cuatro libros dibujados por la autora, con coqueteos a Godzilla y a la famosa canción “eye of tiger” que es puesta en el momento en el que es más difícil hundirse y hay que luchar. Críticas a políticas represivas y a las libertades básicas son hechas, sin necesidad de tomar juicios, el objetivo de Strapi es mostrar que en Irán no todos son personas gritonas y persignadas que matan a la menor provocación. La visión femenina, inocente, con humor blanco ensangrentado por la guerra, todo está en esta película, demuestra que lo humano todavía existe, y de igual forma el buen cine, y si hay oportunidad de que la vean desde cualquier medio, ya sea DVD, internet o televisión, hay que dedicarle el tiempo, es algo bien invertido y nadie nos lo quitará.


Cuando tienes un disco con nueve canciones que se remueven entre un despedazado abanico de pop bizarro, extra単os titulos y musica que abreva del folk, la musica africana (los coros sobre todo) la electronica sugerente y acidita, el resultado es un candidato ideal para figurar en las listas de Pitchforkmedia, Spin, Filter, etc...Bitte Orca de los Dirty Projectors es un disco apto para esa masa ansiosa por hypear las cosas, tan es asi que ya lo catalogan como uno de los puntos mas finos y altos del pop de este a単o (por que de rock no me suena a nada) Conformado por Dave Longstreth, Amber Coffman, Angel Deradoorian, Haley Dekle y Brian Mcomber este quinteto propone una musica estridenciosa, barroca, inmisericorde, temas tan buenos como la inicial y hermosa Cannibal Resource, la extra単a Temecula, las fantasiosas The bride, Two doves, las preciosistas Remade horizon, No intention dan como resultado un disco que favorece al escucha con canciones para nada comerciales aptas para festivalitos de geeks y nerds y alternaquitos que se las dan de duros con la musica de este grupo, el disco esta interesante, mas no es la mamada que todo mundo ha hecho creer. Aun asi estara en la lista del Decireves al finalizar el a単o..jaja.


COLDPLAY VIVA LA VIDA OR DEATH ALL HIS FRIENDS EMI Disco sobrevalorado? disco de transicion? un petardo musical? cuarto disco de los ingleses consentidos de la musica actual mainstream este Viva La Vida rebosa de musica epica y poderosa, dejemos a los mamones que dicen que "ya no es lo mismo desde el Parachutes o del A rush of blood..." "que se volvieron los U2 de esta decada etc..." dejando a un lado todos esos prejuicios que la gente les endilga a esta banda como si tuvieran a guevo que sonar experimentales, nada convencionales o que hagan musica rara que solo le gusta a 3 gentes (como en el caso de varias banditas regias que se sienten a gusto tocando sus rolas para la misma gente y se sienten felices y bien por ellos ok?) estamos ante un disco de altos estandares musicales y de impecable grabacion donde suenan un monton de influencias que se amarran al sonido coldplayano para darle una patina de actualidad, baladas poprockeras de alto nivel y una intepretacion sentida en cada uno de los tracks y la mistica del afropop y el ambient de Brian Eno se mezclan con resultados fastuosos. en temas como la soberbia Life in technicolor, la petergabrieliana Cemetery of London la ritmica Lost! la radioheadiana y espacial 42(que piano y que interpretacion) con un delicado compas de cuerdas de fondo hermoso, canciones redondas que dejan en claro la ambicion de esta banda a expandir su sonido a muchas direcciones.

HOLY FUCK HOLY FUCK 2007

electronica, musica bailable, ruidismo,...esto y mas es Holy Fuck, dado a que a los ojetes del Hellow Fest se les ocurrio de ultimo momento quitarlos del line up nos perdimos de uno de los actos musicales mas explosivos de estos ultimos tiempos (a pesar de que por ejemplo con No Age la gente ni en cuenta con su paso en dicho festival pero que tal con Fobia??) , este disco cuenta con todos los elementos que lo hacen una demoledora experiencia musical de altos alcances, desde la abridora Super Inuit (grabada en vivo) pasando por Milkshake, Frenchy's Lovely Allen (con un estupendo trabajo de violin obra de Owin Pallet (el mismo de Arcade Fire y Final Fantasy)) el disco tiene momentos memorables pero a la vez alejados de intelectualismo pendejo, musica para patear traseros de manera inmisericorde. La otra cara de el mamadisimo math rock de Don Caballero, Foals y obvio Battles.


MUM FINALLY WE ARE NO ONE

SR AMABLE CUU

Fat Cat Records 2002 Explicar este disco es una verdadera hazaña, no por que sea algo intrincado ni rebuscado, tan solo por que de el emergen ciertas caracteristicas y sentimientos que se aprecian mejor si se escucha en las siguientes condiciones: -Cielos nublados -Cielos nublados y frios -Cielos nublados y frios y con lluvia -Cielos nublados con paisajes de verde follaje y una sensacion de humedad que se te introduce en los poros. -Cielos nublados en un bosque con una cabaña en lo mas profundo de la maleza mientras te estas aventando una pipa y le haces al intelectual mientras lees Tropico de Cancer de Henry Miller. Segundo album de una de las bandas mas extrañas de ese recondito lugar que es Islandia (la tierra de yasabenquien y de tambienyasabenquien ) es un conglomerado de sensaciones directas al oido y para disfrutarse en la soledad de un dia nublado con brisa fria y coposa, temas que emergen con una dulzura pero que a la vez son un dechado de fino arte pop de vanguardia (esto no es rock queridos mozalbetes) creado con campanitas, click and cuts, metales, melodias folk y un tufo extraño de rarezas que la vez son bellezas por lo extraterrenales que pueden llegar a sonar, desde el soberbio Sleep Swim como manifesto de tranquilidad pasando por la inconmensurable Green grass of tunnel o la eterea We have a map of a piano, o las acuosas Faraway swimmingpool y Now there's that fear again o la homonima Finally we are no one, son dechado de encanto pop para oidos fragiles y que no se clavan con Moderatto y el punk fake de Panda y Finde. Discazo que ya tiene tiempo de rolar en las tiendas de discos de su agrado.

2009 DELHOTEL RECORDS

Vaya sorpresa! despues del no del todo logrado Sr Amable Was Here ,regresa este musico proveniente de la bella ciudad de Chihuahua para entregar su mas reciente obra discografica plagada de hallazgos notables musicalmente hablando, con un filoso sentido del humor lo mismo que permea en titulos tan extraños y acidos como Tema oficial de la semana nacional de vacunacion de mascotas o el hiperacidisimo titulo de Lo balean y hacen carne asada (gulp!) el disco transcurre por mares procelosos de electronica vanguardista, reptante, ruidosa y caotica (como todo ente salido de la -para muchos- ciudad mas violenta de la Republica Mexicana) con temas tan buenos como la inicial Me carfa con su electronica gorda pesada que de algun modo por las vocalizaciones me recuerdan demasiado a Plastilina Mosh en el ya clasico Niño Bomba de 1998, (el del EP no el del disco) o la sugerente Feliz Cumpleaños con sus teclados alucinantes y secuencias que podrian pasar por tracks perdidos de Nine Inch Nails, las colaboraciones estan mas que buenas, desde el Alexico en Enero es un gran lunes con su musica hecha como un triphop de altos vuelos (atascadisima de sampleos y ruidos) o la gran Para Blueshit con sus guitarras acusticas en el que es quizas el mejor tema de todo el disco (a mi parecer) Lo balean y hacen carne asada es una oda melancolica apoyada por una secuencia inicial de lujo con sus atmosferas incitantes, (los ecos del Reves Yo Soy de Cafe Tacvba son mas que evidentes en este tipo de temas) o la bailable hasta cierto punto Pasale las armas a Bul, o la extension psicodelica de CUU desde el espacio, o la efervescente Betun con el gran Roberto Polo (60 Tigres, En Ventura, Mr Racoon) a dos voces, el penultimo track Tema oficial de la semana nacional de vacunacion de mascotas es un armatoste que da paso a la hermosura final de Carrie's Brian-se referira al cerebro de la tapatia causante de uno de sus post mas polemicos en el Noche Pasta??- una oda instrumental que le debe mucho al Aphex Twin mas tranquilo (ese del Druqks del 2001) un disco muy bueno que emerge de un lugar inhospito para colocarse dentro de lo mejorcito del 2009.


ILLINOISE SUFJAN STEVENS

ELLA TIENE DOS ANDROIDES TU MAMA Y TU PAPA SON ROBOTS

2005

DELHOTEL RECORDS 2009

Illinoise no es rock vanguardista, no son ritmos raros ni electronicos, por el contrario este musico originario de Michigan se abalanzo sobre ritmos en su completa mayoria diferenciados del indie en general (el a単o 2005 es el infame inicio del indie como etiqueta mas que como concepto musical) el disco es una paleta intensa e inmensa de colores de diferentes tonos. Album plenamente conceptual (en la epoca en la cual los albumes conceptuales ya casi no existen) dedicado enteramente a esa ciudad Illinois (aunque el titulo completo del disco sea Come on feel the illinoise!) con toda su pluriculturalidad, asi podemos oir una cancion basada en tonadas de guerra como una especie de sempiterna marcha en The Black Hawk! (los titulos de las canciones son un poco grandes) con sus coros grandiosos y rimbombantes, o la hermosura que da nombre al album con una introduccion portentosa de un teclado electrico para retumbar a la mas extra単a y friqueante belleza de John Wayne Gacy Jr (si, el celebre payaso asesino que inspiro a IT) y su letra provocadora donde el futuro mutilador serial dice que miraba a su papa alcoholico mientras golpeaba a su madre, una cancion en su construccion tan hermosa que no te fijas en la letra hasta que no te metes en lo mas profundo de sus recovecos, podriamos decir cada cancion, cada arreglo pero la verdad es mejor que se dejen llevar por esta hermosura de disco cuyos titulos repito son largos y muy divertidos (Casimir Pulasky Day, One last whoo hoo for Pullman) el disco no tiene momentos ruidosos y mamones como muchos de otros grupos y solistas que se dejan llevar por la pirotecnia guitarrera pero quizas el unico arreglo seria en El hombre de Metropolis se robo nuestros corazones, que hace obvia referencia a Superman.

Rockpop aseptico producido por una banda de Tijuana, ritmos que se repiten sin cesar a lo largo de todo el disco, salvo dos que tres temas destacables el disco no presenta variantes, quizas lo unico que se salva son los temas en ingles (Blankets y Take my soul) en el primero el ritmo baja para hundirse en un mar de folk y el ultimo tiene quizas el unico momento de furia guitarrera de TODO el disco y no es que la banda sea mala, salvo que las vocalizaciones para bien o para mal me recordaron de pronto a Daniel Gutierrez de la Gusana Ciega, quizas esta es una muestra del potencial que pueden mostrar a futuro, quizas este sea su estilo y tengan sus seguidores y todos contentos, para que nos enojamos, por lo pronto dos cosas a rescatar: el nombre de la banda y la magnifica portada del disco, disponible para que lo bajen en esta paginita. Aunque si me preguntan a quien iria a ver en vivo y le compraria sus disco, sin duda no seria a La Gusana Ciega.


PEPEPE ROBA ORGON DE PLANTAS Y ANIMALES PONI REPUBLIC 2009 Carlos Pecina Siller es un nombre poco comun en la escena mainstream del rock hecho aqui, pero si oimos a sus seudonimos como Pepepe o Los Amparito estamos ante uno de los celebrados remixeadores, ejecutantes, musicos, de mas originalidad que ha dado Mexico. Este disco que se reseña (con un titulo rarito y por ende divertido) es un esfuerzo que se aleja de su placa anterior (la cual no tengo el gusto de conocerla) me acuerdo muy bien que en la Marvin le hacian una entrevista a este bato (la edad le ronda en 22 años aprox.) en el cual hablaba de todos sus experimentos sonoros, sus aspiraciones, sus apariciones como remixeador, su insistencia por usar el circuit bent en cada una de sus composiciones (el circuit bent es una moda entre los geeks para hacer sonar aparatos electronicos como si fueran instrumentos musicales, imagina que se pueden sacar notas desde un Game Boy modificado) pero bueno, este Roba Orgon...es un disco poblado de musica IDM (a la usanza de un Authecre pero en plan infantilon) house digital caseron, ruiditos divertidos, puro ejercicio de desmadre sin nada de intelectualismos pendejos, a de cuenta que la venganza de los nerds en su maxima expresion (como si un morrillo de gafas le pusiera el pie a un gorila y luego le echara la culpa al mas puño del salon) temas buenos? desde la inicial 1986 Valerie ,(un cover de una banda de Tijuana Unsexy Nerd Ponies) con su ritmazo apoyado en ruidos procesados, beats de techno suave, la sabrosura de Jacinto Cenobio (un cover de Amparo Ochoa) apoyada por las voces de una cantante llamada Cyane y envueltos en un tufo de ruidos, guitarras como su fueran bajosextos, acordeones que de algun modo me recuerdan al colectivo Nortec, o la extrañeza de Sleep with you que es para todo, menos para dormir, marejada de ruidos, chasquidos de dedos, percusiones que se oyen tocadas por alguien bien trippeado, el disco es una pequeña joya de orfebreria musical en el panorama de la musica electronica mexicana, un garbanzo de a libra que se pone al tu por tu con cualquier disco de manufactura extranjera y que hasta puede llegar a superarlos por el estandar y la elevada como bien llevada produccion dentro de un disco de este genero, sin duda uno de los discos de este 2009. Comete esto HGM!...

LA MUSIQUE POP LIGHTS AND EYES DELHOTEL RECORDS 2009 Si en su anterior disco (This Is An Essay About Robert Rauschenberg) es una placa que destila cierto aire Austintevesco este Luces y Ojos es una muestra palpable de un inusitado avance en la direccion sonora de esta banda oriunda de Monterrey, en este disco hay introspeccion, afortunados hallazgos sonoros y un mas que eficiente ritmo rocanrolero que se pasea en las cuatro piezas del disco, todas cargadas de estamina y buena vibra, desde la vibrante y galopante Red Smile pasando por las enjundiosas I am just an example, Coincidence y la concluyente Last Week ,un EP que muestra un prolijo avance con respecto a su grabacion anterior y nos hace ver y querer un disco completo para ver de lo que son capaces estos batos que se la rifan en grabacion, produccion y ejecucion, aqui piquele si quiere descargarlo que es gratis. Un disco de emocoreambientmalpedo a pesar de los emos que pululan por doquier.


RAMMSTEIN Liebe ist für alle da (2009) Despues de cinco años de espera, sale este álbum que da muchos deslices y coqueteos con diferentes cosas. Comenzamos con la ponchadota “Rammlied” que es la canción honorífica, ya que cabe aclarar que en sus discos está la tendencia de citarse a sí mismos, y siempre hay una letra que incluya alguna mención a la palabra homónima de la banda. Las canciones pasan a sonar garasheras, aunque también hay ternuras inevitables como “haifisch” y “fruhling in Paris”. En “pussy” queda esa sensación globalista que quisieron capturar en el disco “roter sand”, eso sin dejar de lado la polémica, ya que el mismo video, literalmente es una película porno. Y con cierta nostalgia e ironía dicen “take me now, oh don’t you see? I can’t get laid on Germany[…] just a little bit, be my little bitch” Si tú tienes una vagina y yo tengo un pene ¿por qué no lo hacemos rápido? ¡Que muchachones tan directos!. “Merh” llega a recordar los principios de Nine Inch nails con la posmodernidad de la primera década del nuevo siglo, y acá se llegan a reconocer los batacazos que publicaron en su página. Es notable la mejoría de la voz en Till Lindemann, claro indicio de prácticas vocales, así como la iniciativa por experimentar y regresar a sus sonidos básicos, con un poco más de electrónico que recuerda a “Sehnsucht”, es así como tienen esa recuperación artística que tanto les hacía falta. Y cabe aclarar que ninguna de sus composiciones se quedan sin el escándalo que les ha precedido, pues se habla del caso del violador vienés que mantuvo a su hija cautiva durante veinticuatro años (Wiener blut) hasta la historia de como una muchacha pierde su virginidad con una prostituta lesbiana (fruhling in Paris). Es notable que en Alemania todavía les queda un grito que es interminable, pues desde la caída del muro estos teutones continúan con la alzando la voz y dejando mucho de qué hablar.

EELS HOMBRE LOBO En un franco y desvergonzado afán por aprovecharse de la fama de otros, E (así jura que se llama el vocalista de Eels) presenta tramposamente su nuevo disco intitulado Hombre Lobo en franca alusión al nuevo disco de Shakira (la mejor cola de Colombia). Sin embargo el disco no está tan mal, incluso está mejor que el de la otrora pies descalzos. Aunque pensándolo bien Eels presento su disco casi cinco meses antes que la ballenata. En fin, que en este su séptimo disco de estudio, Eels nos presenta 12 canciones de deseo a ritmo de garage, folk, bluesesito y buen rock. Me encantó el diseño del disco haciendo alusión al empaque de los puros más caros y falsificados de Cuba. Que por cierto, en gringolandia, son tan ilegales como la marihuana. Eels ya prepara material para el 2010, así que mientras hagan de cuenta que traen pistola con balas de plata y éntrenle sin miedo al hombre lobo.


YO LA TENGO POPULAR SONGS

Me atrevo a decir que este doceavo disco de Yo la Tengo cierra una trilogía comenzada con I can hear the heart beating as one y continuada por I am not afraid and I will beat your ass. Las características sonoras son similares a los discos anteriores, la variedad y la calidad de la música también. Y eso no es malo, yo lo sigo escuchando como un complemento. Otra cosa curiosa son los tres temas finales. Si en I can hear... tuvimos a Spec Bebop y en I am not... tuvimos Pass the hatchet y The Story of como sicoactivos sonoros de 10:40, 9:47 y 10:48 minutos, respectivamente; en este su nuevo disco tenemos 3 piezas instrumentales llenas de matices, experimentación y sicodelia (agüevo) que casi ocupan la mitad de la duración total del disco. En fin que este trio from New Jersey ( o se dice trio nuevayerseiciano?) sabe lo que hace y lo hace muy bien.

SUPER FURRY ANIMALS Dark Days/Light Years

Los SFA atacan de nuevo y lo hacen con este su onceavo disco (aún no disponible físicamente en México) editado a mediados de marzo del presente. Se trata de 12 temas perfectamente ensamblados, producidos e interpretados. Tal vez estemos ante el disco mejor logrado de los Galeses, tal vez ésta sea evidencia del sonido peludo que tanto habían buscado. Como ya es costumbre, y es algo que se agradece, la calidad está en proporción directa con la sicodelia. Solo hay que escuchar Cardiff in the sun para perder la sensación espacio-tiempo y saber de que estamos hablando. En el disco conviven en armonía y pachequez el rock, el groove, el pop, la música electroacústica (¿!?), pasando por un poco de Raï y hasta un freestyle en alemán (cortesía de Franz Ferdinad). En fin, seria inútil tratar de describir la música de este disco (aparte me considero incapaz de hacerlo) solo escúchenlo, disfrútenlo y buen viaje!.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

Dicen que el primer guitarrazo del heavy metal fue de Los Kinks, luego The Who, algo por ahi de The Beatles, Led Zeppelin, Black Sabbath..y donde quedan estos Blue Cheer??...La historia ha sido injusta con este trio de enfurecidos musicos que le tupieron con rudeza al rock, proto heavy, rock stoner, rock acido, psicodelico...una maravilla que hay que revalorar a la de ya y mas al saber que el bajista de esta seminal banda de proto rock metalico Dickie Peterson fallecio el pasado 12 de octubre en Alemania por complicaciones derivadas de un cancer que al final acabo con su vida, el trio Blue Cheer fue la antitesis del rock hippie y su musica esta mas que adelantada a su tiempo y su disco Vincebus Eruptum es una obra de arte ruda, dura, hermetica, poderosa sin amagues y que muchas bandas el dia de hoy matarian por un sonido asi. Que descanse en paz uno de los miembros honorables del rock mas picudo de la faz de la tierra.

DECIREVES SEPT OCT NOV 2009  

REVISTA BIMESTRAL TRIMESTRAL? DE ROCK

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