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Esos dos enamorados

GUSTAVO CERATI EN MONTERREY EMBRYONIC-EL DISCO DEL 2009 QUIEN LE TEME A SELMA OXOR? TECHNICOLOR FABRICS REVISTAS EN LINEA THE HAN RICKROLLEADO?


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GUSTAVO CERATI EN MONTERREY-EL TIPICO CONCIERTO GRATUITO EN UNA REFLEXION BARBARA MONTERREY JOHN Y YOKO ESOS DOS ENAMORADOS LOS MEJORES DISCOS DEL 2009: 2009 NUESTRO SEGUNDO CONTEO ANUAL CON LO MEJORCITO DE ESTE AÑO Y UN TEXTO QUE PUEDE LEVANTAR AMPULAS EMBRYONIC-EL DISCO DEL 2009 (UN TEXTIN PEQUEÑO Y CONTUNDENTE) EMBRYONIC QUIEN LE TEME A SELMA OXOR?-REFLEXIONES SOBRE LA BANDA Y EL DISCO DEL 2009 MEXICANO OXOR? TECHNICOLORS FABRICS-UNA BANDA MEXICANA INDIE CON NOMBRE EN INGLICH FABRICS THE ZOMBIES-EL ARRIBO DEL POP SESENTERO A LOS TERRENOS DEL CLACISISMO ZOMBIES THE ANIMALS-DESDE LA CASA DEL SOL NACIENTE ANIMALS TE HAN RICKROLLEADO?-SI RICKROLLEADO? NO HA SUFRIDO ESTA BROMA EN INTERNET LEA ESTE ARTICULO DEL PAPEL A LA RED-TRES PROPUESTAS TRES DE REVISTITAS EN LINEA RED PHIL SPECTOR-SI SPECTOR WAGNER SE MOVIERA A LA MUSICA POP DISCADA-DISCOLINES PARA DEGUSTAR AUNQUE SEAN POQUITOS DISCADA LOS GORRONES-NO ESTUVIERON EN EL ANTERIOR PERO VUELVEN CON UNA AUTOCRITICA GORRONES

Decireves Es una publicación totalmente gratuita Para su distribución en la red Sin intermediarios, sin pagos, totalmente libre Con la única consigna de hacerte llegar la música que te gusta o te puede llegar gustar Imprime, distribuye y da a conocer este zine online a todo mundo Colaboran en este numero Yosh Gonzalez Laura E Caceres Laura Avalos Luis Alberto Gonzalez


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

El lugar, día y hora estaban fijos, y todo empezó como un rumor cortés proveniente de un amigo filosofo quien preguntó: —Oye ¿te gusta Cerati?— me preguntaron -—Pues tengo el disco de Bocanada—Contesté sincera —Ah, es que va a venir al estadio de futbol y va a ser concierto gratuito— “Chido liro” pensé. Más amigos de filosofía me llegaron con la noticia. También el editor de la revistuca a cada momento me preguntaba si nos íbamos a ceratiar. Me dijeron que viera las bases en facebook y twitter, que ahí me enterara de todo, que siguiera instrucciones, instrucciones tan ahuevadoras que desilusionaron a muchos. Pero en la actitud valemadres esperé y pensé “muchas veces así pasa con estos eventos, te dicen lo inalcanzables que son cuando al final terminan regalando los boletos por otras vías. El día en que se celebraban los veinte años de la caída del muro de Berlin llegué a la facu de filosofía y letras y Lauren, una amiga reciente, me dijo “¿quieres ir a ver a Cerati? Están regalando boletos si llevas la etiqueta de una botella de coca cola zero”. El golazo estuvo claro, y tenía lo exacto para comprar eso, pues me quedé sin dinero para el resto del día. Fue un intercambio sencillo y justo, las expectativas se levantaban entre compañeros, hubo de los que dijeron que se quedaban con el disco Bocanada, y otros más ingenuos que esperaban que tocase canciones de Soda Estereo. Y para cuando llegó el día yo ya pensaba en pretextos para faltar a clase de géneros literarios: “Oh, profe, lo que pasa es que debo salir temprano porque una bandada de aves atacaron un hermano y necesito ir a verlo ¿no me cree, profesora? Bueno, le doy su número para que me crea y…” de pronto llegó el aviso, la profesora no daría clases ¡Vientos! Mi suerte se acomodaba de maravilla. Para esto desde en la mañana ya estaba enterada que lo que Cerati planeaba hacer, y su twitter decía así: ¡Hoy debut Monterrey! El show va a tener 2 partes, la primera todo FN, la segunda una selección de discos anteriores.


Por lo tanto me atuve a que iba a llegar sin saber cómo estaría su disco nuevo. Mi única referencia era la nueva canción “deja vú”, sencillos de discos anteriores, y todo “Bocanada”. Para cuando llegamos yo esperaba un estadio completamente lleno, pero apenas llegaba a la mitad, y eso que se veía lleno porque la gente estaba repartida por todos lados, cosa extraña para un evento gratuito, fue así que recordé el comentario de muchos, la hueva que les causó la forma en que tenían que ganar los boletos. Cuando empezó el show muchos de los que estaban sentados en el piso se levantaron y se acercaron, pero hubo los aplausos forzados de la gente que fue invitada sin saber que iba a haber. Con todo y esto se podía decir que había una sensación más personal. Fuera de dos o tres chavas imbéciles que no me dejaban pasar y de otro que trató de ligarme, disfruté el concierto, con todo y el desconocimiento de las nuevas canciones, no puedo asegurar si las tocó en orden a conforme sacó el álbum o no. En algún momento, calculo que como en la cuarta o quinta canción, Cerati se dio cuenta del público tan soso que tenía en la lejanía y reiteró lo que había escrito en twitter, y que eso lo hacía para los verdaderos fans, para que estos no se fueran tan enojados por no haberlos complacido (y de estos fans calculo que a lo mucho serían unos cincuenta, que estaban mero enfrente). Cabe destacar que lo interesante del show fueron los videos proyectados que iban a la par de la música, y los cambios de ropa que Cerati hizo varias veces, t también el cómo estaban acomodadas las luces para con los beats. Entre pláticas con el público y sus reflexiones hizo una excelente interpretación de todo, y por supuesto que mostró a la banda que hacía posible todo, sobretodo Ana, la vocalista rubia que confundió cuando la gente le gritó “vuelta, vuelta” con “güera, güera”. Y todo finalizó con el mayor éxito “puente”. Tranquilidad, calma, buena onda, entusiasmo por la vida es lo que se pudo sentir después de su presentación. La gente tuvo que volver a la vida rutinaria después de eso. Quisiera pensar que por lo menos ya no habrá ingenuos que piensen que la carrera en solitario de un músico es una extensión de lo que solía hacer con su grupo, cuando en realidad no es así, pero a veces tengo demasiadas esperanzas por la gente que asiste a conciertos gratuitos.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

Jonh y Yoko, los conozco, son sólo dos amorosos Aquí una historia comienza el argumento lineal de una buena historia: dos amantes que no les molestó mostrarse desnudos frente a la cámara, que se conjuntaron con ideas y sentimientos, y al parecer de inmediato hicieron “clic” entre los dos. Y hay que aclarar que para esto ambos ya habían pasado por divorcios y rupturas. Se puede decir, bajo las circunstancias de aquella época, que los dos se habían casado muy jóvenes y muy a prisa, a lo largo de toda su vida se pueden ver coincidencias remarcables que ya decían desde mucho antes que estaban destinados a encontrarse y a seguir. Yoko por su parte había pasado por un compositor, con el que pudo obtener el divorcio después de pasar un periodo en un hospital mental por un intento de suicidio, y después por un jazzista con el que tuvo una hija, y entre esas experiencias de igual forma pasó por Nueva York. John, por su parte, se casó con una compañera que conoció en la escuela de artes, con quien tuvo un hijo, y no se separaron hasta dejarla con la llegada de Yoko ¿Y cómo es que pasó esto? Pues supongo que la mayoría que tenga algo de cultura general lo sabe pues inclusive este encuentro se parodió en un capítulo especial de “Las Chicas Superpoderosas” que se trató de una exhibición de arte contemporáneo hecha por Yoko, que consistía en subir una escalera, agarrar una lupa, y ver en letras pequeñas la palabra “yes”.


Con esta afirmación se vendría el cambio que muchos odiaron en los Beatles en aquella época… y aquí hago una pausa para dar paso a la subjetividad pura: esto se los digo a los fanáticos puristas que le echan la culpa a la mitad de una pareja ¿por qué carajos siempre dicen que Yoko vino a arruinarlo todo, cabrones? ¿Por qué se quedan en ese plan tan cerrado y cuadrado? Y no crean, obviamente John estaba enamorado de su vieja ¿y qué les importa si estaba fea? Él la amaba, podías decir eso y asegurarlo ¿o cuantas veces un hombre y una mujer se desnudarían ante las cámaras para demostrar la inocencia primigenia del amor? Ya, bien, sin tapujos o idealismos románticos. Ahora regreso al plan serio de este artículo, antes que nada deben de saber que Yoko llegó cuando ya había desacuerdos musicales entre Paul y John, y por eso es que la famosa balada de John y Yoko tuvo la oportunidad de colarse cuando todavía eran un grupo, y no olviden que Paul también estaba en pasos de embarcarse con Linda. Fue en esa vorágine de ideas y desacuerdos en donde se notaba la forma tan apresurada y pasional con la que se casaron John y Yoko, yendo de un lado a otro, de prisa y escondiéndose para buscar algo de paz. Y ahí se comenzaron a colar las ideas alucinantes que Yoko tenía, y de igual forma esto fue parodiado en los Simpsons cuando Homero hizo a los Borbotones. Pero incluso, en esta misma época, en mil novecientos setenta, cuando John dejó de negar el hecho sobre su necesidad por los lentes, y seguramente Yoko influyó un poco en ello pues era una forma de abrir su persona y no fingir ser otra cosa ante los medios. Como ya sabrán, más adelante se vino la separación de los Beatles, en la que muchas personas se rasgaron las ropas y lloraban por ello pues decían que con ellos habían crecido y que no volverían a ser igual, y consideremos que en esa época el concepto de la separación de un grupo era algo cabrón, casi definitivo, no cómo ahora en donde cada banda por su lado, pero luego vuelven a tomar las riendas. E incluso supongo que algo así hubiera pasado si no hubiera sido por las circunstancias que todos conocemos. Antes de contar la tragedia iremos a la vida de la pareja en cuestión, ambos, después de los Beatles, tuvieron la oportunidad de quererse y amarse, y de no temer demostrarlo, seguramente porque eran celebridades muchas cosas se les criticaron en su momento, pero su historia ahora sería la historia de cualquier ser humano con mucha suerte; esto incluyen las vicisitudes de toda relación duradera, y en ella viene “el fin de semana perdido”. Este es un dato que si vale la pena ponerlo porque muy pocos o casi nadie lo conoce, en el documental “Imagine” Yoko lo dijo, para mil novecientos setenta y tres los dos vivían separados, ella en Nueva York con su carrera artística a tope, sin poderse dar abasto, y John aburrido y sin nada que hacer. Fue una conversación que tuvieron, él dijo que quería darse la vuelta a Los Ángeles un fin de semana, y como ella fue muy comprensiva y no le importó le dio luz verde, así se la pasó andando de parranda durante dieciocho meses nomás, en ese periodo vivió en varios lugares con Mary Pang, su asistente personal, y pues ya saben, con todo y eso ya se vienen las malas lenguas, pues si fue cierto el amorío que tuvo con ella, y además estuvieron los excesos, quizá otros encuentros con las drogas suaves, y quien sabe, tal vez hasta arrestos. John dijo que quizá cuando chavo hizo lo mismo que llegó a hacer en esa época, pero ahora por ser conocido era más fácil que lo arrestaran, y aún así, aunque Yoko estaba dándole duro al trabajo, no se dejó amedrentar por celos o por convencionalismos en una relación a la antigüita, porque conste que seguían casados. Además de la fiesta, John también tuvo un encuentro con Paul, en donde lograron una grabación, y con esto, en mil novecientos setenta y cinco John y Yoko regresaron a la relativa normalidad de una pareja feliz, y después de que Yoko sufriera un aborto, fue cuando llegó el saquito de amor llamado Sean, he aquí, en este tiempo, cuando parece ser que John deja la guitarra por siempre y se dedica a ser padre, o al menos eso dijo en una entrevista, que por cinco años había dejado la música, nada más que eso fue puro cuento pues hizo grabaciones dedicadas para Sean (“Beautiful boy”) y otras para Yoko (“Oh, Yoko”, “woman”). Y aquí hablamos del lado dulce, meloso y normal en la pareja, porque si había un lado casi oscuro, eso se notaba en las composiciones de Yoko, que eran la equivalencia a darle martillazos a un piano, y esto es algo que pocos conocen, ella se adelantó a su época y hasta se pueden hablar de sonidos electrónicos minimalistas, pero bueno, dejando de lado la rudeza digna de una perra, John Lennon cooperó con guitarras, teclados y arreglos musicales, y sobre todo la dejó ser y siempre la defendió, y ella por igual, sin importar que saliese aunque sea como extra en los videos. Hasta se puede decir que uno calmó al otro y se complementaron. Como les adelantaba, ocurriría la tragedia, y aún así, esta misma sería la que consumaría su amor. El ocho de diciembre de mil novecientos ochenta la fotógrafa Annie Leibovitz fue a casa de John y Yoko en Nueva York para tomar una sesión fotográfica en donde quería que Lennon apareciese solo, pero él insistía en estar con su esposa, de ahí surge la famosa fotografía en donde él está desnudo y ella vestida, con una actitud tranquila, dejándose besar. Tendría una última entrevista, y entonces, entrada la tarde-noche, un fanático le pediría un autógrafo, y su vida. Sería disparado por el extraño llamado Mark David Chapman, y este lo confesaría sin más. John moriría por la pérdida de sangre, y Yoko lloraría en el próximo funeral y durante el resto de su vida. Se han cuestionado algunas actitudes, como el hecho de hacerse rica con su muerte o haber subastado los lentes de John, solo ella sabrá que tan devastada se siente, supongo que esto lo demuestra al haber pasado casi veintinueve años de la muerte de su esposo, y aún así continúa sin casarse o en alguna relación, y sigue por ahí inaugurando cosas que le hagan recordar a John, eso sin dejar de lado el activismo y las reconciliaciones para con otras personas relacionadas con John que tanto vienen a hacer bien en esta vida, pese al dolor de la ausencia que se percibe a veces por lo pasado.


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Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

UN AÑO FINISECULAR Como año musicalmente hablando el 2009 a mi modo de ver fue un año impecable, lleno de muchos contrastes en los que la buena musica independiente y de mainstream llego a los oidos de los escuchas gracias a todas las herramientas habidas y por haber que ofrece el maravilloso internet (al contrario de gente como Ray Bradury que se anduvo dando el rol en la FIL de Guadalajara y comenta que “hay que alejarse de ese medio ya que desinforma al por mayor”) herramientas como Facebook, Twitter, My Space (hoy a la baja) los blogs de musica, las revistas en linea, las estaciones de radio piratas en linea, el micro bloggeo, todo se conformo para difundir en gran medida lo avances y las propuestas mas novedosas de la musica indie que antes sin pensarlo se escucharian por estos lugares (concretamente el caso de Wild Beasts y The xx por mencionar dos tipicos casos de propuestas musicales que rayan en lo genial)


Caso contrario fue (para poner un ejemplo) las propuestas ya mas concretas como Sonic Youth y entes como lo son Depeche Mode que sacaron discos que pueden sonar a lo mismo, pero los fans ahí estan a la espera de sus materiales (el caso mas sonado podria ser el de Sonic Youth que se sale de Geffen y los contrata Matador para poder sacar The Eternal su nuevo opus discografico y sin duda alguna uno de los grandes discos del 2009) de el trio electronico solo podriamos decir que quizas tienen en su haber una gira accidentada con muchas fechas canceladas, un disco decente y un video y cancion para la posteridad (la estupenda Wrong) y nada mas. En el ambito indie muchas propuestas salieron a relucir, desde los ruidosos Wavves, Fever Ray, Sunset Rubdown, Wilco (bueno estos no son tan nuevos) Grizzly Bear, Tuneyards, Wild Beasts, The Horrors, YACHT, Bat for Lashes, etc...propuestas que en algunos casos sentaron lo bien cimentado de sus primeros trabajos y otros aventurados que sonaron con sus iniciales discos en espera de poder consolidarse en años venideros. El hype de Arcade Fire hace 4 años fue puesto de nueva cuenta con dos propuestas que sonaron en los circuitos indies , desde el rock orquestal de The Antlers, Picastro y los faramallosos Fanfarlo, con todo y su ampulosidad gozaron de un reconocimiento extraño ya que llevaban todas las ganas de ser las bandas de este año pero no hubo contundencia con respecto a los canadienses mas famosos de estos ultimos tiempos.

Animal Collective y Dead Weather fueron dos de las propuestas mas celebradas de este año pero sin un apice de critica, Animal Collective desde antes de que saliera su ultimo disco ya lo proclamaban como el disco mas grandioso de este año (un caso de sobrevaloracion similar a cuando pusieron el disco de los Arctic Monkeys junto con el Revolver de los Beatles según la NME en los mejores discos de todos los tiempos) si bien su disco se aleja del canon de los sonidos que imperan en las bandas que hoy rifan Merryweather no es sino un resabio de un monumental disco que salio en el 2005 y que se llama Feels, al cual hoy los escuchas en un afan progre mamilas de alto pedo ya ignoran olimpicamente y tampoco son los Beach Boys de este siglo, ni Brian Wilson ni Avey Tare se merecen esa confusa referencia sonica a sus trabajos. El caso de Dead Weather es lo mas ampuloso que puede haber en el mainstream, si juntas a miembros de bandas chidas pues obvio que el resultado podria ser fastuoso, ahí estan los Them Crooked Vultures, pero lo de Dead Weather raya en exageracion, no son la panacea del rock y como lo dije, podria ser un nuevo disco de los White Stripes, de los Kills, de las reynas de la edad de piedra o de los Greenhornes, pero no lo que todos los editores de revistas pregonan (desde Allan Jones de la Uncut hasta nuestro Allan region 4 Hugo Garcia Michel de La Mosca en la Red) en Mexico dos supergrupos estuvieron en boca de todos, los Concorde y los Odio (con su portada psicotica rabiosa gore) “rockearon” chido y nada mas.


El regreso que todos clamaban aparecio y volvio para hacer sufrir a los rockeros mexicanos, se trata de La Mosca en la Red que entra en un momento en el cual muchos blogs acaparan las noticias y las propuestas de vanguardia mientras esta pagina y su director y colaboradores amigos y cuates siguen enclavados en la idea del rock mediocre hecho en Mexico, cuando lo que deberian de hacer es escuchar para su pesar el rock que se hace en estas tierras y que se aleje de lo que hagan sus amigos y cuates como La Barranca, Monocordio, Muna Zul, Iraida Noriega y Malena Rouge. Y aunque la Mosca fue una influencia enorme para poder hacer lo que estamos haciendo hoy en dia y es algo innegable el hecho de que sus textos apabullantes y su diseño son un referente en el mundo de las revistas mexicanas no queda de mas resaltar que lo que es su pagina y su director con su eterna pose de chiste y su odio disfrazado de critica al rock hecho en casa para que pedirle que cambie. No todo el rock en ingles es lo mejor del mundo, aparte esa pose de gueva de “yo” lo se todo hacen que uno busque en otros lugares donde no se le trate a la gente como retrasado musical aparte de que el espacio ese se convirtio en el refugio de sus muchos amigos y novia en turno para poder escribir de cosas que a uno no le pasan por aquí (que me interesa cual cancion es la mejor de todos los tiempos de Jairo Calixto Albarran? Ni que fuera Paul Mc Cartney!) En Mexico las bandas se consolidaron con muchas grabaciones, por primera vez en la historia se dan a cooncer muchas propuestas de bandas que antes ni sabiamos de su existencia y con el peligro de acaparar mas los espacios vitales que las bandas establecidas en el mainstream mexicano donde abunda la cantidad y la calidad musical, no como ciertas personas que ignoran lo que pasa en la escena (por gueva o por lo que sea) y se limitan a decir que el rock que se hace en Mexico apesta. Gente como Album, Sr Amable, Blueshit, Soho Riots, Juan Son, Hello Seahorse, Mr Racoon, Natalia Lafourcade, XYX, La Musique Pop, The Mueres, Toy Selectah, NSM PSM, The Mocks, Radaid, Technicolors Fabrics, Le Butcherettes, Niña, D3ndron, Los Re, White Ninja, Alexico, Selma Oxor, 60 Tigres hicieron el mejor rock a mi parecer de este año, pesele a quien le pese, grabaciones de alta calidad listas para conquistar el mundo con la ayuda de San Pitchforkmedia aunque por ahí muchos blogs en afanes mamilas (incluido el nuestro) se advocan mas a hablar de bandas gringas en un afan condecci sangron malinchista (bueno el nuestro no tanto) me refiero concretamente a Me hace ruido por ser un blog de musica de manufactura mexicana y le da mucho enfasis a la musica anglosajona e ignorando las propuestas de rockeros mexicas (su lista pinchurrienta de discos puso a puros discos chilangos y en un afan de quedar bien no los puso en un orden de “cual es el mejor” para que no respingaran las bandas ahí citadas) El año que viene con todo y aumento de iva sera trascendental para el rock a nivel mundial, ese año si sera el fin de la decada y por ende ya hablaremos de lo que fue lo mejor de los diez años de esta primera decena (2001-2010) de mientras a disfrutar del rock por que el rock podra sonar a mambo, a chachacha a etno rock pero unas sabias momias satanicas ya lo dijeron alguna vez “es solo rocanrol pero a como nos gusta!”

Y el año que viene seguiremos hablando de La Mosca para ver su materia prima escritural y que sea fuente de bonitos articulos ludicos de este blog.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

A mi modo de ver el mejor disco del año es Embryonic de Flaming Lips, un trabajo ambicioso que supera lo hecho en trabajos anteriores del enloquecido trio de Norman Oklahoma, Embryonic exuda vitalidad, rock garagero, psicodelia, krautrock, ruidos inconexos y dispares, tufo Syd Barretiano y un sentido de la melodicidad bizarra que siempre ha caracterizado a Wayne Coyne y compañia pero enriquecido por los años de experiencia que dan discos como Soft Bulletin, Zaireeka, At war with the mystics y el fantabuloso Transmission from satellite to heart, una banda como esta ya no se dan en estos tiempos para que en años venideros cuando se retiren les presuman a sus nietos, “si, yo oi a esa banda y era una chingonada” asi como cuando los tios y los papas nos decian “Led Zeppelin era la onda del rock y los Stones tambien eran bien gruesos”


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com Por que decidi poner este disco en el primer lugar?...La verdad podrian ser muchas las cosas, pero en el mundo del rock regio la escena hierve y mas si se trata del rock independiente o underground, en este caso Selma Oxor es indie (por asi decirlo) pero sus canciones concilian un encanto bizarro pop que podria con ayuda de San Pitchforkmedia y ponerlas al nivel de propuestas como lo son Wavves, Yesayer, Fever Ray, algun grupo de surf y rockabilly rarito y las ñoñas de Vivian Girls. Pero como estamos en Mexico no existe un reforzamiento o algo que nos diga que estamos ante una gran propuesta que arremete contra todos, contra todo, hay el espiritu del rock, la electronica bizarra hecha con teclados Casio viejitos, hay loops reiterativos y repetitivos, hay vocalizaciones amaneradas, hay voces de mujeres, hay dialogos inconexos, hay ruido, hay encanto pop que podria someterse a a los designios televisos pero Selma tuerce este aparente desenfado pop (suenan como a Maria Daniela y su Sonido Lasser) con letras raras y divertidas. Que grupo de rock indie mexicano dice cosas como “Tu quieres un culo y yo quiero verga”? o tiene titulos tan estramboticos como Stoner Bitch o la iracunda e hipermega extraña Abrazame Demonio? Solo Selma Oxor. No se extrañe que cuando les pregunten a las muchachonas de esta banda y al guey que les ayuda (el Alexico que cada dia me gusta mas su disco debut) podrian responder que en sus influencias podria ser Frank Zappa por que todo ese tufo que permea en este primer homonimo esta sometido al juego, a la ironia, al sarcasmo y casi a la musicalidad juguetona de el oriundo de Baltimore (ese dialogo inicial antes de Enamorada de un camionero es como una mezcla de la Suzy Creamchesse pero en tierras mexicanas) Este disco es para mi el mejor de este año por que tiene rock, tiene electronica, hay desparpajo, hay cero solemnidad, que importa si en diez años no sea recordado como lo son el Hombre Sintetizador de Zurdok o el Aquamosh de Plastilina Mosh o el primer homonimo de Kinky o el Silencio de Caifanes,por lo pronto este disco es de este tiempo, te hace reir y cantar con sus coritos juguetones, te pone histerico con su feedback (que si tiene y de a madre) y punto, es anti rock pero es anti pop tambien.


Por Laura Avalos www.dipsomanias.blogspot.com

Guadalajara se ha caracterizado por ser semillero de una contracultura sui generis que incluye bandas que navegan por diferentes géneros musicales, algunas propuestas interesantes y grandes bodrios. Entre ellos se distingue Technicolor Fabrics. Inclinados más hacia el pop de buena manufactura, han logrado escabullirse a de las filas rockeras que insisten en reproducir los sonidos de los noventa, logrando que su disco debut RUN THE SUN IS BURNING ALL YOUR HOPES, exponga y defienda su punto de vista en un viaje de 10 tracks que se deslizan por programaciones y sintetizadores sencillos, armoniosos y bailables. Nacido en abril del 2007, Technicolor Fabrics está integrado por Abraham López (programación y batería), JP Corcuera (vocales y guitarra), Raúl Cabrera (guitarra, bajo y sintetizadores) y Joaquín Martínez (bajo y guitarra), quienes proponen mediante este proyecto un sonido interesante, fresco y novedoso, que los ha distinguido de entre las bandas que actualmente pululan en la escena jalisciense. A continuación una breve “cyber-charla” con Abraham:


*aeromusa*: En México es difícil escuchar algo que se salga de lo “establecido”, pero Technicolor Fabrics lo hace. ¿Cómo definirían su propuesta? Abraham: Consideramos que no hemos re-inventado ningún género ni somos música de "vanguardia" por decirlo así, más bien sentimos que la mayoría de la escena musical esta muy estancada en géneros que dominaron en los 90's. Nosotros nos atrevimos a escuchar nuevas y viejas propuestas que nos alejan de la tendencia de la mayoría de las bandas en México. **aeromusa**: ¿Qué o quienes consideran su influencia más fuerte? Abraham: Son varias, cada quien tiene sus gustos. Nos gusta mucho escuchar a Phoenix, los proyectos de ERLEND OYE, y en general las bandas que hagan buen rock bailable, no estamos casados con alguna influencia en particular. *aeromusa*: Siempre ha existido un debate cantinflesco sobre “lo que es” y “lo que no" es rock ¿ustedes son rock? ¿Son pop? ¿O qué? Abraham: No sabemos que somos jaja, creemos que los géneros ya no existen, todo es una mezcla de todo, pero nos gusta definirnos como entre rock y pop con tintes bailables. *aeromusa*: ¿Qué significa ser un grupo independiente, que canta en inglés y además hace un electro pop tan disfrutable y es de ¡!México!!? Abraham: Significa tener la libertad de construir lo que gustes y manejarte como quieras. El inglés abre muchas puertas y cierra otras también. No estamos casados con el idioma, de hecho ahora trabajamos en algunas canciones en español. Es un gran reto y también permite reflejar otras caras de la banda y de lo que nos gusta escuchar. *aeromusa*: Según su experiencia qué es lo mejor y lo peor de manejarse dentro de la escena indie mexicana. Abraham: No hay en realidad mejores ni peores... simplemente estas solo y eso significa que podrás avanzar al ritmo que gustes y conquistando los espacios de quienes valoren tu trabajo! *aeromusa*: ¿Proyectos a futuro? Abraham: Estamos trabajando en nuestro segundo material que saldrá el año que viene… buscando la producción de músicos reconocidos que aporten a nuestra propuesta actual. Se vienen varias cosas interesantes, apareceremos en algunos soundtracks y cosas por el estilo. …y por ultimo *aeromusa*: Si viajaran en globo aerostático alrededor del mundo, ¿qué música elegirían como acompañamiento? Abraham : Sigur Ros sería bastante bueno en las alturas!


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

La historia dicta que las cosas caen por su propio peso y tarde o temprano la fama o las cosas buenas se les daran a grupos, solistas y gente que en su tiempo fue tan avanzada que nunca fue comprendida por hacer algo que en teoria no cuadraba con los estandares... The Zombies son el tipico caso de la banda que se colgo de la fama de The Beatles, Rolling Stones,The Who..pero al contrario de algun grupito chafa de esa epoca como los insoportables Monkees o Herman Hermitts..o los primeros Beach Boys (pre Pet Sounds) The Zombies fue un grupo excelso, sin todo el aparato estrategico mercadologico detras de digamos...The Beatles, The Zombies hicieron un rocanrol muy efectivo, sofisticado, arriesgado, de tintes de pronto que coqueteaban con el jazz, la musica barroca, el clacisismo de los arreglos orquestales a la Mantovani, el pop sesentero (pero del bueno) los cantos a capella y las instrumentaciones de big band...como nunca fueron pelados por su disquera Big Beat en sus tiempos es casi imposible conseguir algun LP como por ejemplo ir algun mercado de discos y ver tan serenamente discos de Los Kinks o The Who en ediciones mexicanas y bara bara...en 1968 lograron su obra maestra, el inclasificable Odessey and Oracle, pero de ahi las cosas se fueron en picada, adicciones, desamor hacia la musica por no poder colocar hits en la radio,el disco del cual estoy hablando es esta joya que contiene 28 tracks que recorren la mas que fructifera etapa del quinteto comandado por Rod Argent en el estupendo Hammond y los diversos tipos de teclados que aparecen a lo largo de la casi treintena de canciones de este compilado, Paul Atkinson en la guitarra,Chris White al bajo, Hugh Grundy en la bateria y la voz eterea y hermosa de Colin Blunstone, este disco es tremendo recuento de cada una de las etapas de este grupo y asi podemos ver la etapa inicial con la clasica She's no there y su arreglo introductorio de Hammond y su bateria por momentos descuadrada, despues podemos pasar a la calma de temas como You make me feel good, el riff evanescente de Leave me be que parece un rock de avanzada, o el riff restallante a la rolling stone en la potente Woman o una referencia a The Kinks en Tell her no, despues la magia se dispara en varias direcciones y asi podemos escuchar un organo tipo iglesia en What more can I do, o la pre referencia a She's coming home (aqui la chica viene...en el Sargento ella se va de casa) o escuchar un folk con arpegios plagados de reverb en I must move, o teclados (oigan los arreglos ricos y brillantes de los teclados en cada tiema) poderosos en Whenever you ready, aunque de repente tengan que escuchar temas que pesar de ser harto 単o単os no dejan de ser interesantes como I love you y su cuadratura entre la guitarra punteada y las teclas delgadas del organo...y asi cada tema lleva una fluidez y una sofisticacion exquisita para su tiempo, desde la ritmicamente poderosa que es Is this the dream hasta uno de los verdaderos monolitos de este disco, la genial Dont go away y su figura de guitarra pre pink floyd, o cadencias que te hacen recordar a The Beatles (Remeber you-con una introduccion humoristica de Los Zombies dedicando este single a sus fans) u otro power pop como lo es Just out the reach, pero nada como esa magra, poderosa y atemporal cancion, de tan singular y extra単a casi nadie la conoce, se trata de Indication que en su marca lleva una guitarra espacial (piradisima) y un arreglo alucinante de mellotron y teclado electrico, o pasar a cantos a capella con moneda rodando en la mesa como lo es The way i feel inside o texturas ambientales hechas con xilofonos y teclados en Going out of my head, u otro tour de force que responde al nombre de She does everything for me con coros obscurisimos, o la pre pet sounds Friends of mine y su jugetona letra que termina con los nombres de todos los amigos de Los Zombies, podrian pasar los temas pero el tiempo que requiero es suficiente que este box set no seria tangible y distinguible de otra coleccion de este grupo sin la obra maestra y a su vez el Talon de Aquiles de este grupo, la inclasificable Time of the season (una de las 20 mejores canciones de rock de todos los tiempos) que suena a todo menos a rock pero sin embargo conmueve al escucha con su letra sobre un amor ambiguo ...una gran coleccion de canciones de parte de una de las bandas mas subvaloradas en la historia del rock.


Por Laura Avalos www.dipsomanias.blogspot.com

Se dice que el rock inventaron los gringos y lo perfeccionaron los ingleses…

A finales de los 50´s y principios de los 60´s el panorama del rock se nutría fundamentalmente de la esencia del Rhythm and Blues, hecho por gente como John Lee Hooker, Jimmy Reed, Ray Charles, entre otros. Este tipo de música era considerada por debajo del estándar de “las buenas costumbres norteamericanas”, y cuando entraba en los medios, generalmente se “pasteurizada” al momento de ser interpretada. Sin embargo, cuando el R&B cruzó el charco, la historia fue distinta. Las bandas de jóvenes blancos insistían en sonar como “negros” dando como resultado algunos buenos covers, pero sobre todo dándole a la nueva generación un motivo para buscar un sonido propio. El nuevo ritmo, impulsó a toda una generación de músicos que posteriormente darían vida a bandas como The Rolling Stones, The Beatles, The Yardbirs, The Kinks.


El caso de The Animals no fue diferente, considerados en un principio como simples amateurs tocando covers de R&B, pronto convencieron al nuevo mundo musical con sus presentaciones en vivo. La banda se había formado en Newcastle a principios de la década y tenía a Eric Burdon en la voz, Alan Prince en como tecladista, John Steel en la batería, Chas Chandler en el bajo y Hilton Valentine en la guitarra. Su primer sencillo “Baby, let me take you home”, comenzó a escalar posiciones en las listas de popularidad haciendo que la fauna londinense los comenzara a identificar. Pero su verdadero brinco al estrellato fue con su segundo sencillo, “The House of the Rising House” un blues oscuro de dudosa procedencia que había sido creado alrededor de 1934 (según algunos historiadores) y que hablaba de las andanzas de un jugador en un lugar de mala nota de Nuevo Orleans, este tema ya había sido grabado por diversos interpretes, entre ellos Joan Báez y Bob Dylan. Sin embargo, la versión de The Animals sonaba totalmente atemporal, desgarradora, e hipnótica: la fuerza de la voz de Burdon, demostraba su franca devoción por el R&B, y en conjunto con los arreglos musicales de Valentine y el órgano de Prince, exponían por primera vez un blues electrificado que conmocionó a la audiencia y se plantó como un parteaguas en la cultura musical, llevando a muchos músicos a experimentar nuevos horizontes, incluyendo al mismísimo Dylan, quien se distanció definitivamente de su fachada folk para entrarle de lleno al nuevo sonido eléctrico. En 1964, “The House of the Rising House” se convirtió en el número uno tanto en Inglaterra como Estados Unidos, consolidando la “invasión Británica”; gracias a esto The Animals convencieron a propios y extraños que habían dejado de ser una banda improvisada. Su popularidad los llevó a participar en eventos como el NME**, en 1965 en donde compartieron el escenario con las bandas del momento, Herman's Hermits, The Kinks, Donovan, The Rolling Stones y The Beatles, popularidad que se vería respaldada por sus siguientes éxitos: I´m crying, Dont let me be misunderstood, Bring it´on home to me, entre otras. Para 1965, la fama y la lucha por el liderazgo entre Price y Burdon, provocaron la salida del primero, entrando como reemplazo el tecladista Dave Rowberry, quien a pesar de ser un excelente músico, no pudo proveer el mismo sonido a la banda. Sin embargo, crearon Animalisms en 1966, que despediría la influencia R&B para dar paso a sonidos más pop. Este fue el principio del fin. El baterista John Steel y el bajista Chad Chandler, ya no comulgaban con el nuevo sonido, y dejaron la banda. Aunque Valentine y Burdon siguieron, era un hecho que The Animals había terminado. Sin embargo, The Animals marcó para siempre la historia de la música, con tan solo 3 años de formación, 3 LP´s, y caso curioso, con apenas media docena de canciones propias, ya que la mayoría eran covers de sus influencias R&B, pero que ellos reinventaron haciéndolas suyas.

The House of the rising sun Probablemente, el cover, como muchas otras cosas ha sufrido una degeneración casi normal por el uso y el tiempo que le toca vivir. Actualmente para muchos es considerado como un agravio una falta total de creatividad; y no lo niego, en la mayoría de los casos así es. Pero ¿qué pasa cuando el cover sobresale de la versión original? Cuando como por arte de magia se expone como una verdadera joya, evolutiva en el desarrollo musical de la época, venciendo al tiempo mismo para nunca parecer vieja ni pasada de moda. The House of the rising sun, es sin lugar a dudas el mejor ejemplo. Llamada también Rising sun blues, se cree que nació en el siglo XIX, pero su origen y autoría es aun en nuestros días una incógnita. El registro mas antiguo que se tiene es de 1934, en una interpretación del cantante folk Clarence Ashley, quien contaba que la había aprendido de su abuelo. La canción narra la desafortunada historia de un apostador que deambula por un lugar “non santo” llamado “the house of the rising sun”. Aunque la interpretación varía, pues en ocasiones el personaje principal de la canción es una mujer. Con respecto al nombre, no se tiene un registro real de que el título corresponda a algún prostíbulo o casa de juegos de la ciudad de Nueva Orleáns. La canción ha sido interpretada por infinidad de artistas desde Muse hasta Los cinco latinos, pasando por Bob Dylan, Sinéad O'Connor, Alejandra Guzmán (zas!!), Toto, The Doors, The Speakers, Nina Simone, entre otros. Pero es la versión de The Animals la más sobresaliente, rompiendo con los esquemas de la época, y sonando hasta nuestros días, totalmente contemporánea y desgarradoramente eficaz.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

De entre mis viajes por internet me he encontrado muchas cosas interesantemente jocosas, y el rickrolling es una de ellas ¿y qué demonios es esto? Una bromita de internet que le puede pasar a cualquiera que esté en un viaje por cualquier canal de videos, por supuesto que el más famoso es el youtube, pero también lo encuentras en dailymotion y tu.tv. Pondré un ejemplo con el que conocí por primera vez este fenómeno: en uno de esos días ociosos me puse a ver videos de los Muppets, pasé desde el “cookie monster metal”(mi favorito) hasta el Conde Contar censurado cada que en inglés decía la palabra “count”, entonces, entre las listas recomendadas, vi un videíto que decía “Muppets bloopers”, hice clic sobre tan atractivo link pues quería seguir con la diversión de tan absurdos videomontajes. Lo que se me reveló fue el personaje de Basilo cantando el tema “Never gonna let you down” seguido de un letrero sostenido por otros muppets que decía “you’ve been rick rolled”. Fue aquí cuando cibernéticomentalmente dije “WTF?!” (o en la traducción en su equivalencia mexicana “¿Qué chingados es esto?”). Y Basilo, junto con la banda, seguía cantando la susodicha canción ochentera.

Pasó un tiempo para que entendiera que había sido aquello, y todo me lo recordó un amigo hacker, quien me dijo a través del messenger que tenía algo interesante para mostrarme, me pasó el link a un video, y como normalmente me pasa documentales relacionados con la Revolución Mexicana, pues pensé que a lo mejor sería algo como eso; clickee en el link y se apareció la cara de Richard Astley volviendo a cantar la misma canción, nuevamente volví a reaccionar con un “guatafak” y le pregunté qué diablos había sido eso. “Pues eso, te he rickrolleado por que estaba aburrido” y de hecho el video así se llamaba “rick roll’d”. Entonces me dije “a ver, a ver ¿qué fregados es esto del rickrolled? Quisiera saber para que ya no me estén molestando con puras babosadas”

Por supuesto que cuando algo me obsesiona, por muy simple que sea, quiero saber su origen. Y la wikipedia y otras páginas me lo hicieron entender completamente, hasta hay una página completa dedicada al fenómeno del rickrolled que incluye una entrevista con Rick Astley, el autor original de la canción que es ocupada para la broma. Su origen empezó en los foros de la página 4-Chan, es la página gringa más famosa por difundir memes y videos virales, que es lo que viene a ser la tan mencionada broma; todo comenzó por gamers obsesionados que querían un adelanto del, para ese entonces, nuevo videojuego de Grand Theft Auto, de lo poco que pude masticarle a las páginas en inglés es que se les decía que si hacían clic en ese enlace podrían ver un video para saber cómo sería el videojuego, para cuando hacían clic ya caían en la broma. Y para los que son obsesivos de internet se puede presentar de muchas formas, y suele ser disfrazada bajo otra cosa, pues es su intención, aunque no lo quiera suelo encontrarlo, pero consideremos que me pasa solo cuando llevo de seis a diez horas conectada a internet, y no es algo que todos lleguen a aguantar. Se me ha presentado cuando busco videos de los setentas o buscando pornografía gratuita, es lo que me saco, ni modo. No me queda más que reír al igual que Rick Astley, así es, él está enterado de cómo uno de sus éxitos está siendo usado como broma de internet, le llama la atención y le gusta. En la misma página dedicada a esta broma de internet se hace mención a que en un show masivo rickrollearon a todos los que estaban presentes.

Y aunque no esté en internet cada que me topo con la canción, sea en espacio libre, en la radio, o cambiando furtivamente los canales de televisión, no puedo evitar decir que en esa ocasión he sido “rickrolleada” y quedarme riendo por una broma que he sacado desde la ficción de internet a la absurda realidad en la que vivo.


Por Luis Alberto Gonzalez www.decireves.blogspot.com

Con todo el poder que implica el tener a la red como aliado para dar a conocer propuestas dentro del ambito del rock de un tiempo para aca muchas paginas y blogs han optado por llevar esa informacion a la usanza de las revistas de rock pero para ser vistas desde una computadora sin salir a comprarlas en algun puesto de revistas, aunque de repente la nostalgia invade al lector al no poder encontrar lo que tanto deseaba en papel para devorarlo la tecnologia facilita a esos avidos lectores/escritores para poder leer lo que en años anteriores era practicamente imposible, hoy con facilidad revistas de todo el mundo estan presentes en la red y algunas ya estan entrando en este formato (caso concreto de Marvin y la Rocka de Monterrey) he aquí el ilustrativo caso de tres propuestas revisteriles que abundan en calidad, abrumador diseño y son gratuitas!

Oh Dear es un colectivo que radica en Guadalajara Jalisco , el motif de la revista es la moda DIY, cosas vintage,fotografia, entrevistas etc... aunque de algun modo rayan en el modo de vida hipster de ropitas tipo American Apparel aqui el detalle importante es la cantidad barbara de gente que esta haciendo cosas por su cuenta, una revista con un diseño impecable, tierno, de matices infantiles, dibujos muy alucinantes o como sacados de la mente de un Lewis Carrol , aparte de que muestran tendencias hacia la musica que mas esta sonando en el under mexicano, ya llevan dos numeros y se les augura un futuro bastante brillante.

Esta revista me la recomendaron y ahora se las hago llegar a ustedes, enteramente hecha en Monterrey con puro talento en la pluma R for Release (con su subtitulo The Aesthetic Rock Magazine) es un proyecto revistero de una calidad impresionante, con un diseño sobrio y elegante (nada que ver con Decireves que insiste en copiarse a la Mosca en la Pared) que en sus mejores momentos recuerda a la extinta Switch de la decada de los noventa, lo mas interesante del asunto es que ya llevan cuatro numeros y minimo dos de estos se los dedican a bandas digamos no tan comerciales, con un trabajo fotografico impecable (basta ver el numero donde hablan del Hellow Fest ) y aunque de repente coquetean con ciertos modismos medio fresas la revista es interesantisima con mucho camino por recorrer. Lo unico evidente y que salta a la vista es la sempiterna obsesion de usar frases en ingles para diseñar un articulo, vamos muchachos! el español es rico y no hace daño!

Este blog/colectivo/estacion de radio tiene su centro de operaciones en Ensenada Baja California, la revista que editan (aunque si Decireves se tarda mucho estos cuates estan mas colgados ya que no sacan el pdf desde junio del 2009) bueno, con todo y eso Brillo Monthly es un agasajo visual por donde quiera que se le vea, una revista eminentemente DIY en su concepcion y su hechura, con un uso barbaro de recursos economicos hacen de lo minimo un verdadero arte para conjugar fotografia, letritas, reseñas, diseño...no es una revista tipica de rock si no como un "triptico" vintage hecho en la decada de los 50's pero con info de primera mano, un concepto barbaro de diseño de la vieja/nueva escuela al cual le quedan muchos años por venir. http://brillo-monthly.blogspot.com


Yosh “Panda” González (www.labohemianegra.blogspot.com) Una de las injusticias más grandes cuando se habla de música es la de ignorar a las mentes que habitan detrás de una consola de audio. Cuando hablamos de Radiohead pensamos siempre en el hombrecillo de Oxford con el ojo defectuoso. Nirvana nos remitirá indudablemente al rubio pandroso suicida. El genio indiscutible es Bob Dylan, nadie más. Cierto es el hecho de que son los artista quienes poseen los sentimientos, el talento, la energía. El virtuosismo está en su manera de tocar guitarra, su voz casi angelical, su precisión milimétrica en la batería. Muchos de ellos son verdaderos poetas, no simples letristas. Otros incluso han puesto a pensar a miles de personas mediante algo tan bello como estimular su percepción con el arte musical; sin embargo, de no ser por los productores, la obra de muchos músicos hoy legendarios jamás les habría ayudado a alcanzar ese estatus. Para darse una idea de lo que digo, traten de imaginarse las décadas de los sesenta y setenta sin el genio, la inteligencia y el estilo innovador de Phil Spector. Afrontémoslo, pocos hombres en el planeta se pueden jactar de haber colaborado con gente como John Lennon, Leonard Cohen, Tina Turner, Joey Ramone y demás nombres que fungen como pilares del rocanrol, ayudándolos a sacudir las mentes de millares de jóvenes mediante el fino arte de la postproducción… algo así como pulir una escultura perfecta aunque manchada o darle forma estética a un diamante en bruto. Phil Spector consiguió un logró sin precedentes: elevó la labor de la producción a niveles artísticos, haciendo de ésta una tarea de igual importancia que la interpretación y la composición; eso es algo que no muchos pueden presumir en un currículum.

Spector dio sus primeros pasos en el trecho de la música como compositor y guitarrista del grupo de rocanrol The Teddy Bears, quienes gozaron de un mediano éxito en 1958 gracias al tema “To Know Him Is to Love Him”. Se dice que el título de la melodía proviene del epitafio del padre de Phil Spector, quien cometiera suicidio en 1949 debido a una inmensa cantidad de problemas económicos. Si bien el tema logró posicionarse en el número uno de la Billboard Hot 100 Single Chart el año de su lanzamiento, Spector se dio cuenta de que su verdadero talento, el instrumento que dominaba de manera casi innata era la mesa de control, específicamente la de los Gold Star Studios de Hollywood.


En el año de 1966 uno de los duetos legendarios del soul, Ike & Tina Turner, grabaron “River Deep-Mountain High”. Una vez más el visceral Muro de Sonido hizo su espectacular aparición otorgando otra joya descomunal a la escena musical. Spector afirmaba que su minuciosa labor durante las sesiones de esta pieza había sido su máximo logró, lo mejor de su carrera. Lamentablemente la canción no triunfó en el ámbito comercial de la manera en la que el neoyorquino esperaba, hecho que lo deprimió inevitablemente. A sus 26 años de edad Phil Spector decidió enclaustrarse en su lujosa mansión, retirándose así del negocio musical por un tiempo, acto se convertiría en hábito autodestructivo que iría mermando poco a poco el equilibrio mental y emocional del productor.

Se erige el Muro de Sonido Gracias a un poco de experimentación, meditación, búsqueda, Phil Spector descubrió algo que revolucionaría el sonido de los nacientes sesenta. Con la ayuda de ingenieros de audio como Larry Levine, el joven productor logró hacer sonar al mismo tiempo un gran número de instrumentos (podía llegar a ser semejante al de una orquesta sinfónica) tanto acústicos como eléctricos, mismos que interpretaban complejos arreglos musicales dentro de cuartos con una cuidada acústica para generar eco. El resultado era una atmósfera sumamente densa, fortísima, casi viva, con múltiples sonidos en un ruido meticulosamente estructurado que desbordaba energía acompañado de un efectivo reverb que aportaba intensidad y sentimiento a las melodías. Dicen los que saben que Phil Spector tenía en mente un sonido dinámico exacto, perfecto para reproducirse en la radio AM y en los tocadiscos de la época… y el hombre lo logró, ¡vaya que lo logró! El instrumento estaba listo, era perfecto; sólo hacía falta ponerlo a trabajar. Phil Spector decidió probar con un grupo femenil de soul. The Ronettes grabaron en 1963 uno de los temas más representativos de la época, “Be My Baby”, el cual adquirió una fuerza desbordada, épica gracias a la sabia mano de Spector. Funcionaba, era intenso, poderoso, asertivo; había nacido el Wall of Sound. Phil Spector siguió perfeccionando el toque de Midas que era su nuevo estilo de grabación y volvió a ser utilizado en otra canción vital de esa década de importancia innegable. “You’ve Lost that Lovin’ Feeling” de The Righteous Brothers cautivó los oídos de las quinceañeras calcetonas gracias a sus intérpretes, pero también enamoró a los melómanos insaciables debido a la herramienta sacrosanta del Muro de Sonido. Esta etapa creativa del oriundo del Bronx representa un hito dentro del universo de la música pop, pues Spector consolidó a los grupos de aquellos días (principalmente a su colección selecta de grupos integrados por féminas) de una calidad avasalladora. Phil Spector consiguió rociar con intensidad y poderío la aparentemente cursi canción romántica de 1960.

Poco se supo del productor de obras de arte rocanroleras hasta principios de la década de los setenta, cuando el gran John Lennon le solicitó su genio a fin de hacer de las grabaciones del álbum Let It Be algo digno de sacar a la luz. Spector salió de su opulenta vivienda con todos los ladrillos de materia gris que portaba en su cabeza para, una vez más, levantar el mítico Wall of Sound. Como era de esperarse, el uso de múltiples pistas de coros e instrumentos hizo su aparición una vez más, lo cual hizo que el sonido de varios temas del disco cambiara. El resultado fue alabado por Harrison, Starkey y Lennon, mas es de todos conocida la molestia que esto provocó en Paul McCartney, quien jamás estuvo de acuerdo con el empleo del Muro de Sonido para la grabación de sus temas; el resultado de “The Long and Winding Road” le resultó particularmente malo; una huella de inconformidad se apoderó del ex Beatle, quien no pudo conciliar el sueño hasta 2003, año en que sacaría Let It Be… Naked, una versión del álbum de 1970 en el que se suprimió la mano de Spector y su Muro de Sonido. A estas alturas del partido, Phil Spector era considerado un artista de la postproducción. Muchos músicos brillantes de 1970 le admiraban y admitían influencias del mismo en sus obras. Spector fue requerido por gigantes del rock como los ya mencionados Harrison y Lennon para sus trabajos en solitario, el poeta Leonard Cohen, la diva Cher y los míticos Ramones, por mencionar algunos. Tristemente el exilio voluntario del productor dentro de su mansión terminó su carrera en el ámbito musical. Aunque corta, la obra de Phil Spector ha sido tan magnánima, extraordinaria, precisa, hermosa, intensa, elegante, fina, meticulosa que un sitio en el Rock n’ Rol Hall of Fame era innegable. Mucha gente aplaude a los Jimmy Page capaces de construir excitantes solos de guitarra cargados de virtuosismo y pasión. Una desgarrada Janis Joplin hace enchinar nuestra piel mientras debemos limpiar nuestras lágrimas. Incluso creemos en los súpergrupos, reuniones magistrales de dioses paganos. Sin embargo, Spector demostró que la figura que orquesta el sonido parido en el estudio es también una artista capaz de construir los rieles por los que ha de correr el torrente de genialidad espiritual de la música. Ya lo dijo él mismo: “Mis discos tienen la estructura de una ópera de Wagner: empiezan con sencillez y acaban con fuerza dinámica, significado e intención”


SOHO RIOTS SOHO RIOTS PONI REPUBLIC 2009 A pesar de su gore portada que nos dice que estamos ante un disco de garage a la Cramps no hay nada de ese sonido en este EP de esta banda oriunda de Guadalajara, por el contrarios dos encontronazos fuertes (la psicodelia sesentera y el lo fi conviven en un matrimonio con felices e infernales resultados) que retumban en los cuatro tracks de este disquin altamente recomendable, desde la inicial Get lost con su andanada percutiva incesante e hipnotica con unas guitarras que le deben mucho a la escuela del Syd Barret como al post rock de My Bloody Valentine, o la extra単eza de Coffee Shop Devil o el caos total de The day of the days que comienza como una pachecada hippie y termina en una voragine de ruidos, efectos de sonidos perturbadores y demoledores, el final es una revisitacion al clasico tema del gran Bob Dylan Mr Tambourine Man(aunque la mejor y definitiva version es la de los Byrds de Roger Mc Guinn que le dio el toque exacto a esa cancion con el hiperpopular riff inicial-uno de los mas memorables en la historia del rock-y del cual Soho Riots hace una version que lleva tanto de la forma clasica pero con elementos "mas modernos" como lo son el lo fi en su maxima expresion y unas ondas por ahi de feedback que se cruzan en ciertas partes de la cancion), un EP buenisimo que da pistas para ver el potencial de esta banda, buen disco sin lugar a dudas.

FLAMING LIPS EMBRYONIC WARNER BROS 2009 A que suena este malevolo disco? Suena a The Soft Bulletin, a Zaireeka, a Transmission from sattellite of heart, a Oh my gawd!, etc...la ambicion de una banda de punk psicodelico que no se detiene en las consecuencias de generar una musica tan toxica y surrealista que le vale pito lo que les digan los criticos, los fans y las revistitas de rock. Estos tres tipos que se curten en el arte de hacer como decia una musica que si fuera un color seria de un penetrante amarillo chillon se rifan con unas composiciones harto peludas y llenas de ruidos y capas y capas de efectos de sonidos tan hilarantes como tetricos y macabros. Si tomamos en cuenta que Wayne Coyne dice que para hacer Embryonic se inspiro en los dobles de anta単o como el Phyisical Graffitti de Led Zeppelin y el Album Blanco de Los Beatles pues hay que creerle por que un armatoste como Embryonic (que pareciera un disco doble por la sugerente cantidad de temas que vienen en el disco) se sostiene no por la unidad coherente si no mas por el compromiso de romper con el pasado inmediato de cada cancion, asi una cancion que suena a un experimento de Krautrock (la inicial Convinced of the hex) para pasar a una onda densa y pesada de los tama単os de The sparrows look up at the machine, (y no me refiero a que suena a maligno heavy metal si no a las densas atmosferas que se cargan en casi todos los temas) No me gusta decir lo que ya todo mundo dice, que si las colaboraciones de Karen O en la "Yo soy la Morsa" siglo XXI I can be a frog que se revienta una hilarante secuencia dialogo de alto voltaje a los MGMT que se ponen rudos y le dan gracias a sus maestros por los logros obtenidos en el Oracular Spectacular del 2008. Si a usted le gusta el krautrock, el rock de garage, las secuencias orquestales, el lo fi y la psicodelia no dude en escuchar este maravilloso disco que desde ya esta en el top del 2009 de este servidor, gracias a los Flaming Lips no tendremos que poner a alguna banda horrorosa en el lugar numero 1. Discazo sin lugar a dudas. (Si no vean a quien escogieron como el mejor disco de este a単o)


PUMUKY EL BOSQUE EN LLAMAS JABALINA 2009 Manejando un ambicioso post rock ensamblado con precision , con unos arreglos espeluznantes de guitarras, secciones de viento, efectos de sonidos perturbadores, atomsferas enrarecidas y a la vez con una calidez de la cual carecen discos de este genero, Pumuky destroza los oidos del escucha con una grabacion poderosa , sin amagues, efectiva, iracunda, de elevado arte donde convive el feedback con la melodia , los arreglos finisimos de guitarras acusticas, pianos fantasmagoricos y una sentida como seria interpretacion vocal , un disco bellisimo que podria ser una mezcla (sin ser una copia barata) de Radiohead tocando post rock con algo de Sigur Ros y el furibundo poder de la banda escocesa Mogwai (Mogai diria una amiga) Mucha oreja a temas como la inicial El innombrable (con su gui単o a Sigur Ros), la poderosa y a la vez hermosa Si desaparezco (con su atmosfera siniestra y su dulce y delicado compas de acordeon de fondo) la virulenta y estruendosa Tu marca (feedback a raja madre) y temas tan portentosos como lo son El electrico romance de Lev Termen y la Diva del Eter o esa peque単a maravilla como lo es Los enamorados con su musica obscura y llena de espaciales sonidos electronicos de pura vanguardia, Discazo y de lo mejor que he escuchado en este ya casi por fenecer 2009.

MENTIRA MENTIRA MENTIRA MENTIRA EP 2009 Grunge en pleno 2009? Pues si, el rock "mugre" sigue teniendo adeptos por este lado, dejando a un lado los cagantes sintetizadores que suenan de repente en muchas bandas hipsterosas electrosas hasta la madre este combo realiza una musica ampulosa, corrosiva, rock de garage en estado primitivo y puro, bajeos espeluznantes, solos con chingo de distor, baterias mal afinadas, tecnicas de grabacion bien punketas, ha de cuenta la Velvet se encuentra con los Ramones y graban sus rolas en un estudio pinchon mientras se avientan unos acid trips de alto voltaje, ojo a los temas como la inicial Turnaway, la ramonesca con algo de White Stripes (podria ser la Fell in love with a girl regia) We wait , la acida y corrosiva (con su entrada guitarrera a lo pixie) My LSD con sus grititos histericos y divertidos, un disco que sin ser la maravilla hace que respinguen los oidos de mas de uno con su rock pastoso.


ESTORBO MADURA CRIATURA INDEPENDIENTE 2009 Rock en lo fi? alternativo con bajo presupuesto? este disco a pesar de su precaria grabacion consigue momentos de buena musica (algo que se pierde a veces en cientos de grabaciones de chamacos hipsterosos electrosos que hacen musica de primer nivel pero a veces carente de la dureza de la cual esta hecho el verdadero rock) y aunque tambien de repente se cojea en la voz (una de las carencias mas grandes que existen en MUCHAS bandas que no tienen una preparacion para poder hacer vocalizaciones prodigiosas como muchas bandas gringas de garage y obvio que todo el respetadisimo rock ingles (del UK) hay en esta grabacion un sentimiento e intepretacion dignas de aplauso, rock, punk, alternativo, e insolitas melodias beatlescas (basta oir la melancolica/extraordinaria El Abuelo para comprobarlo) surf, garage, ska conviven de manera mas que agradable , el unico pero podrian ser de repente las letritas oligofrenicas (por Dios se me metio el espiritu de HGM saquese de aqui!) como la chistosona Emo Gordo, pongan oreja a esa ternuchona cancion con resabios skaseros llamada Explosion de paz con el sentimiento a flor de piel, una cosa es segura, el espiritu del Tatuajes de Polvora de los norte単os Cabrito Vudu es una influencia innegable de principio a fin, por el desmadre, por lo eclectico, por lo variado del disco, una joyita con muchas posibilidades de ser pulida para ser un discazo de alta calidad rocanrolera coahuitleca.

Cuando estaba mas chavito mi jefa siempre sintonizaba los Bellos Tiempos en FM (un programa donde pasaban rocanrolito mexicano de la decada de los 50's) amen de poner siempre a los Beatles, a los Cridens etc...habia un programa buenisimo que se llama Xlife de Noventayunoequis (la experiencia con el Ejejeeeeee! de Poncho Salda単a que tiene buenas ondas en su Museo del Rock) y ahi ponian puras baladas , rock pop, ondas romanticonas de gente como Styx, Journey, etc...de entre todo ese revoltijo habia una cancion que siempre ponian, se llamaba Eye in the sky y la tocaba una banda por mi desonocida que era The Alan Parsons Project, ni enterado (hasta tiempo despues via las revistas de rock) que el famoso Alan Parsons fue el inge de grabacion detras de varios discos de los Beatles y aparte el verdadero maestro capaz de sintetizar los sonidos celestiales amenazadores del Lado Oscuro de la Luna de Pink Floyd, es por eso que como conocia las rolas de los Floyd y luego oia a APP yo decia que habia plagio, pero no, no es plagio, es mas bien una extension de su obra que pasa por discos que han sido subvalorados por la critica, desde el imponente Tales of the mystery and imagination hasta I Robot (donde obra de la casualidad el arte del disco se lo aventaron los Hipgnosis que tambien le ponian veladoras a Floyd) Por que este choro mareador? Pues por la simple y sencilla razon que el vocalista de APP Eric Woolfson fallecio el dia 2 de diciembre a la edad de 64 a単os por una interminable lucha contra el cancer , una voz sentida y discreta que elevaba hasta la estratosfera los ojos en el cielo, ha partido para ir a juntarse con otros compas rockeros de alto calibre como el bajista de Blue Cheer Dickie Peterson , no esta de mas bajarse esa rola o comprarse un disco de el Projecto de Alan Parson para rendirle un peque単o homenaje a uno de esos tantos musicos que no acaparan tanta fama pero que en su arte iluminan el corazon de muchos avidos melomanos musicales, descanse en paz Eric Woolfson.


Por Laura E Caceres www.ciudadanaherzeleid.blogspot.com

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DECIREVES NOV DIC 2009  

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