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Tom Kan. El arte de la explosión La vida puede convertirse en algo muy previsible si nos aferramos al esquema que nos dicta la sociedad. Pero algunas personas no están hechas para seguir las normas establecidas y optan por poner a prueba su destino. Este es el caso de Tom Kan, un artista que empezó a destacar en la escena underground de París en los años 90 y enseguida tuvo claro que quería cambiar el mundo con sus diseños vanguardistas. Una aventura sin rumbo aparente que lo ha llevado a crear portadas de discos, a hacer fotografías para grandes marcas y a dirigir spots publicitarios de éxito internacional. Estos son los tres pilares de una carrera fascinante, que todavía se debate entre el sueño de libertad y la disciplina de las multinacionales. A continuación, una entrevista a quemarropa con este aclamado diseñador, en la que nos descubre sus influencias, nos cuenta la importancia de los viajes y reflexiona sobre el mito de Hollywood. Por David Moreu

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Antes de adentrarnos en tu universo visual, ¿puedes contarnos de dónde eres y cómo surgió tu interés por el arte? Podría decirse que soy un diseñador medio francés y medio japonés que vive en París. Hace diecisiete años me gradué en Penninghen (Escuela Superior de Diseño y Artes Gráficas) y empecé a crear logotipos, portadas de discos e imágenes para la industria musical. Poco después me lancé a dirigir videoclips y eso me llevó al mundo de la publicidad. A principios de los años 90, cuando era un adolescente, me pasaba el día haciendo grafitis en los suburbios de París y algunas de mis obras aún forman parte del “Hall of Fame” del street art francés. Aquella

escena era muy rebelde y no se basaba en ninguna moda, como sucede hoy en día. Pero me ayudó a descubrir el diseño y fue lo que me motivó a matricularme en la escuela de arte. El año pasado me ofrecí para enseñar fotografía a los estudiantes de cuarto curso y fue una experiencia increíble. Después de haber mezclado de forma promiscua el diseño, la fotografía y el cine publicitario, ¿crees que el arte aún puede ayudar a cambiar el mundo? Todo lo que nos rodea está basado en el diseño y éste moldea nuestra percepción. Sin duda ha contribuido a cambiar el mundo, haciendo que las cosas sean mejores y más baratas. Nosotros tenemos cierta responsabilidad a la hora

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de crear, sobre todo cuando estamos dentro de la rueda empresarial. Por esto creo que deberíamos distinguir entre publicidad y arte. Como diseñador, fotógrafo y director siempre trabajo para una agencia y un cliente que quieren transmitir un mensaje con una finalidad concreta. Yo sólo intento encontrar la mejor solución visual para el mensaje. De esto trata la publicidad. Los artistas son distintos, puesto que tienen su propio mensaje y gozan de libertad de expresión. Además, sus obras hacen que la gente se posicione y pueden tener una gran influencia. Soy consciente de que los diseñadores rechazáis las etiquetas, pero ¿te atreverías a describir los entresijos de tu obra y qué importancia concedes a la tipografía?

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Mi trabajo es un poco “esquizofrénico” porque no quiero encasillarme en un único estilo. Me gusta tocar muchos temas y colaborar con distintos clientes. Necesito estar al borde del precipicio y experimentar cosas nuevas, puesto que mi profesión es como una sala de juegos que a veces se asemeja a un campo de batalla, pero nunca es una fábrica aburrida. Trabajo igual que un artesano, aportando mis habilidades para ofrecer un producto personalizado. Aunque ahora estoy más centrado en mi faceta de director y fotógrafo, sigo disfrutando con el trabajo de diseñador gráfico y la tipografía está muy presente en mi vida. En los años 90 fui un gran aficionado al diseño tipográfico, me pasaba horas creando tipos y me impresionaba el trabajo de Emigre. Además, los ordenadores eran muy diferentes.


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Muchos artistas intentan potenciar su lado rebelde e inconformista para crear obras originales. ¿Cómo es tu proceso de trabajo y dónde encuentras la inspiración? Mi trabajo siempre es la respuesta a una pregunta y empiezo tomando notas o haciendo bocetos en una libreta. Creo que debo perfeccionar mis ideas antes de plasmarlas en el ordenador. Miro muchos libros de diseño para encontrar una idea gráfica que me guíe en el trabajo. Tus creaciones serán originales si logras encontrar una manera propia de responder a la pregunta origin al, de este modo siempre puedes medir la fuerza de tu idea o de tus imágenes. Pero no es necesario comportarte como un rebelde, puesto que son las ideas las que pueden ofrecerte una imagen transgresora. Por eso la

gente se interesa por tu visión de las cosas y por la manera de plasmarlas en tu trabajo. Has participado en la saga de The Matrix y también en Speed Racer. ¿Cuál fue el encargo específico en cada película y cómo valoras la experiencia de trabajar en Hollywood? Como muchos otros diseñadores de la industria del cine, me encargué de crear plantillas con conceptos visuales. En la fase de preproducción buscamos ideas que ayuden al director artístico y en la fase de posproducción, trabajamos con el equipo de efectos especiales para encontrar recursos visuales que sean atractivos. En The Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions me encargué de buscar nuevos usos para los

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tipos de letra (con la intención de crear los virus informá ticos que afectan al sistema). Aunque creo que fueron propuestas demasiado arriesgadas y no se utilizaron. En el caso de Speed Racer me encargué de diseñar los logos que aparecen en el paisaje urbano, pero cuesta mucho apreciarlos en la pantalla. Trabajar en la industria cinematográfica es increíble, puesto que te ofrecen total libertad para imaginar y diseñar cosas. Es una experiencia única y excitante. También he participado en la nueva película de los Wachowski, titulada Cloud Atlas. Los títulos de crédito están de moda y una de las secuencias más aclamadas es la que creaste para la película Enter the Void de Gaspar Noé. ¿Cómo definirí-

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as la magia de este formato? ¿Te ha marcado de algún modo el trabajo de Saul Bass o de Kyle Cooper? Es un formato que no deja de sorprenderme y engloba todo lo que me gusta del arte: imágenes en movimiento, música, tipografía y diseño. Los directores son conscientes de que es una parte esencial de la película y que puede tener una función narrativa. Saul Bass y Kyle Cooper han sido una gran inspiración en mi trabajo. Por ejemplo, la secuencia de créditos de Seven es increíble y está totalmente integrada en el filme, además de contar con una gran dirección artística. También me gustan los créditos de la saga de James Bond porque son muy sofisticados y hacen un gran uso de la tipografía. Trabajar con Gaspar Noé en Enter the Void fue muy


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especial. Él tenía la idea de hacer flashes con grandes letras que sumergieran al espectador en un mundo alucinógeno, como si se tratara de un paseo nocturno por Tokio. Recuerdo que pasamos muchas noches sin dormir y que trabajamos hasta el último minuto, justo antes de terminar el montaje de la película. ¿Crees que tu trabajo como diseñador gráfico te ha ayudado a la hora de realizar anuncios de televisión? ¿Has pensado en dar el salto y dirigir una película? Por supuesto. Mi experiencia en el mundo del diseño gráfico me ha ayudado en mi faceta como director, aunque se trate un trabajo completamente distinto. Es algo muy excitante, pero la presión también es mucho mayor. Tienes que ser muy

preciso, puesto que trabajas con un equipo muy grande y cada técnico necesita estar involucrado en el proyecto. La preparación es la clave del éxito en los rodajes y no hay tiempo para improvisar, puesto que las consecuencias pueden ser desastrosas. Eres el capitán de un barco enorme y dispones de una buena tripulación… no puedes hacer el trabajo solo, pero si que depende de ti que todo salga bien. Me encantaría hacer una película, por eso leo mucho y busco historias que me motiven. También estoy estudiando técnicas de narración y es algo que haré paso a paso. La primera vez que hablamos, me comentaste que siendo joven viajaste a Nashville (Tennessee) y descubriste la legendaria imprenta de Hatch Show Print.

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¿Crees que recorrer mundo te ha ayudado a crecer como artista? A principios de los años 90 me perdí en Nashville con un amigo, descubrimos la imprenta de Hatch y hablamos con su dueño, que nos regaló varios pósteres artesanales. Recuerdo que había unos clientes que querían encargarle las invitaciones de su boda, pero su estilo en serigrafía no encajaba con lo que querían sus padres. Actualmente tengo la oportunidad de viajar mucho por trabajo, puesto que hacemos sesiones de fotos y rodamos anuncios en sitios increíbles alrededor del mundo. Creo que es muy importante viajar porque te abre la mente y te hace apreciar cosas nuevas. Es algo que me inspira a nivel visual y emocional. Además, siempre hay algo que te llevas de

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vuelta a casa, como las conversaciones con otros artistas y con gente de lugares remotos. Te das cuenta de que el arte y el diseño tienen un alcance internacional. Actualmente, el street art vive una época de esplendor y ha logrado entrar en los mejores museos. Considerando tu pasado como escritor de grafitis, ¿ha cambiado tu visión de este fenómeno con el paso de los años? Me alegra que ahora sea tan popular, puesto que en los años 90 apenas se consideraba arte. Entonces era algo antisistema y las instituciones no lo aceptaban. Algunos artistas se merecen el reconocimiento masivo y es muy interesante apreciar que hay una “selección natural” dentro de la escena. Para


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mí existen dos clases de artistas. Por un lado están los de la vieja escuela, que se convirtieron en leyendas y marcaron el camino a seguir con su sus grafitis (Jon One, Delta, etc.). Por otro lado están los más conceptuales, que se centran en ideas y no utilizan aerosoles (Banksy o Shepard Fairey). Es un arte que empezó a despuntar gracias a mi generación, pero ha avanzando mucho y me encanta ver cosas nuevas. El mercado está muy interesado en estas obras y las galerías son fáciles de convencer… pero sólo el tiempo se encargará de poner cada cosa en su sitio. Para terminar la entrevista me gustaría preguntarte por alguna imagen que te haya marcado en tu carrera y no hayas podido desprenderte de ella…

Es una pregunta con trampa porque existen demasiadas imágenes que me fascinan y tengo carpetas llenas de fotos que he ido recopilando con el tiempo. Las miro como si fuesen libros y me sirven como fuente de inspiración. En mi casa nunca colgué pósteres ni cuadros, pero debería empezar a hacerlo, como si fuera un “Hall of Fame” de imágenes que me gustan. Creo que esta pregunta no tiene respuesta, porque cualquier imagen que nos impresiona puede considerarse válida. Por ejemplo, me parece idílico un atardecer en el mar en época de vacaciones, justo antes de una cena íntima. Es algo que vives en persona, puedes sentir los últimos rayos del sol y siempre lo recordarás. A veces olvidamos que en otras partes del mundo la vida es completamente distinta. ß

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