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ENSAYO 1. Modos de ver El hecho de mirar, no es un hecho banal en el que sólo interviene nuestra vista, sino que lo que sabemos o lo que creemos afecta al modo en que vemos las cosas. Debido a esto se dan como dos situaciones entre sujeto y observación:

La reproducción en masa es también responsable de que el significado de una obra de arte pierda su sentido original, inmersa en distintos contextos la obra adquiere diferentes significados. Esto beneficia y perjudica a la obra al mismo tiempo, por un lado le aporta flexibilidad y le da posibilidades de explotar todo su potencial, pero por otro lado la desintegra y de deja de lado su sentido primigenio.

- En un lugar, estamos nosotros observando a la realidad que nos rodea, entramando sus interre laciones y la relación de estas con nosotros.

La obra de arte permite dos formas de acercamiento, una vertiente más pura basada en los sentimientos y sensaciones que provoca, y otra visión academicista y técnica que se asienta sobre los presupuestos tradicionales y estáticos. Esta última es la que busca la discriminación del individuo a través de la obra de arte, y se aprovecha de los medios de reproducción para mantenerse en pie. La primera es la forma verdadera del arte, un medio libre al alcance de cualquier individuo.

- En otro lugar nos encontramos esa realidad observándonos desde distintos ángulos, situación de la que también tomamos conciencia en nuestra observación. El hecho de que podamos ver nos hace conscientes de que nosotros también podemos ser vistos, situación que da credibilidad al hecho de que formamos parte del mundo visible.

Es lamentable que aún se intente alejar al individuo corriente del arte, de este modo se coarta su libertad impidiendo el conocimiento de los testimonios de su historia y de su lugar dentro de ésta.

Toda imagen encarna un modo de ver y la observación de esta también depende de nuestro modo de ver, por lo que toda imagen posee una componente subjetiva del individuo que la produce. [IMAGEN: es una visión que ha sido recreada o reproducida.] El artista es un constructor de imágenes que son categorizadas como obras de arte. Por tanto, una obra de arte es la representación de la manera en la que un artista “X” vio un hecho “Y”. El problema de la categorización de la obra del artista reside en que en el arte existen numerosos presupuestos formados a lo largo de la historia que lo hacen rígido y alejado de su verdadera intencionalidad, es decir, cuando alguien mira una obra considerada obra de arte la mira a partir de una serie de hipótesis previas aprendidas acerca del arte. Estos presupuestos han servido de apoyo para la subsistencia de las minorías ricas y poderosas, convirtiendo el arte en un privilegio exclusivo para su círculo y rodeándolo de un halo místico de carácter casi divino al que solo ellos eran capaces de llegar. En la actualidad con la invención de la cámara fotográfica y la posterior aparición de la cámara de video, se hizo evidente que aquello que vemos se encuentra siempre enmarcado en un contexto espacio – tiempo; pero por otro lado también se rompió la unicidad de las imágenes, permitiendo conseguir infinitas reproducciones de cualquier imagen. De esta forma fue posible que la imagen fuera hasta el espectador y no al contrario, sustituyendo el significado por el material sobre el que se plasma el significado. Esta materialización del concepto de original en una obra de arte hizo posible que este también fuera cuantificable, el valor de las obras de arte pasó a ser un mero precio de mercado, aunque quienes manejan el comercio dicen que es un reflejo de su valor espiritual, así se vuelve a colocar el arte en un ámbito místico inexistente.

la clave de los sueños, Magritte.

La virgen de las rocas, Leonardo Da Vinci

Este cuadro muestra la brecha siempre presente entre las palabras y la visión

Es auténtico y por lo tanto es bello. Esta frase se ajusta perfectamente a la sofisticada cultura de los expertos en el arte. En el catálogo de la National Gallery, el apartado de la virgen de las rocas de catorce páginas no se habla para nada de la significación de la imagen sino que describe minuciosamente hechos que no hacen más que probar su autenticidad. Los historiadores franceses intentan demostrar lo contrario.

Trigal con cornejas, Van Gogh

Este es el último cuadro que pintó Van Gogh antes de suicidarse Es dificil definir exactamente en qué medida estas palabras han cambiado la imagen pero indudablemente lo han hecho.

En el caso del artista ocurre que se la atribuyen a este connotaciones ajenas a él y absolutamente subjetivas al crítico academicista. Su obra debe ser analizada desde ella misma y no a través de consideraciones personales, además, en algunos casos podemos entender la intención del autor gracias a las similitudes de su contexto histórico y social con el nuestro. El proceso de mistificación del artista así como de su obra entorpece la compresión de ambos aspectos y nos aleja rotundamente de ella.


ENSAYO 2. La mujer como objeto sexual en imágenes Las imágenes femeninas dentro de los medios de reproducción no están ajenas a tópicos tales como: ocupar un papel decorativo, ser objeto de los deseos masculinos o realizar cierto tipo de actividades destinadas a las mujeres en detrimentos de otras de las que se ven eximidas. Su principal función como imagen es la de símbolo sexual, explotando sus atributos y rodeándola de erotismo siempre en la búsqueda de satisfacer los deseos del hombre. Las mujeres en las imágenes jamás se presenta como un igual al hombre, sino que se convierten en objeto. En la publicidad es destacada en aquellas actividades en las que se ocupa de mantenerse atractiva siempre con el fin de general deseo en el hombre.

ENSAYO 3. La mujer y el desnudo La presencia de una figura masculina supone la presencia de una figura que ejerce su dominación sobre los demás en mayor o menor medida, en cambio la presencia de la figura femenina muestras las limitaciones de ésta y se restringe a su imagen física. Debido a la relevancia de ésta última debe estar continuamente cuidando de ella. Su opinión de si misma no es más que la suma de lo que los demás ven en ella por tanto ella debe acomodarse a satisfacer el gusto de los demás. El hombre examina a la mujer antes de tratarla por lo que la mujer se convierte en un objeto visual. En la pintura al óleo uno de los géneros que más se nutre de la imagen de la mujer es el desnudo. Este género comenzó sus andares con el tema de Adán y Eva, donde la mujer aparece como culpable de la desgracia de la humanidad, la expulsión del paraíso. Este tema es fundamental en el desnudo ya que supone el momento en que se toma conciencia de este al percatar cada sujeto la observación de otro en el momento de la desnudez. A lo largo del desarrollo de este género las protagonistas han sido utilizadas para complacer la vista del hombre, provocando en él un sentimiento de que puede dominarla y poseerla. Sin embargo, estas intenciones se intentaban ocultar bajo distintos elementos que hagan parecer que la es la mujer la que desea ser contemplada por su propia vanidad. Este fenómeno de mujer desnuda como posesión masculina no es tal en otras culturas distinta de la occidental. Existen notables diferencias entr e el desnudo del arte y encontrarse desnudo, el primero se diferencia por ser un momento en que el sujeto además de encontrarse sin vestiduras es consciente de que es observado siendo este el fin de su estado. En este tipo de desnudo, el sujeto habitualmente representado, la mujer, es objeto de deseo erótic o del espectador masculino sin embargo en ella son eliminados todos aquellos rasgos que la hagan parecer que ella también experimenta ese tipo de deseos. Su sexualidad es anulada y se la relega a un papel pasivo donde ella no es más que un medio para que el hombre obtenga placer. Cuando aparece acompañada de una figura masculina desnuda ésta no está ahí para satisfacer sus deseos sino para que el espectador pueda identificarse con ella y reafirmar su papel dominante. Sin embargo, en la tradición europea de la pintura al óleo existen algunas grandes excepciones donde el autor de la obra representa a una mujer cercana a él. Al pintarla vuelca en ella todos aquellos sentimientos que les unen construyendo unos lazos entre ambos que colocan al espectador como mero testigo. El desnudo de la protagonista está dirigido al pintor por su propia voluntad. La desnudez supone una muestra de complicidad y una entrega mutua.

Adán y Eva, Mabuse

Vanidad, Memling

Nell Gwynne, Lely Carlos II de Inglaterra mostraba este cuadro a otras peronas, servía para mostrar la sumisión de su amante y la envidia de los invitados

La gran odalisca, Ingres Hay una gran similitud entre ambas expresiones, la de la izquierda es una imagen de una revista para hombres y la de la derecha la gran odalisca de Ingres. Son las expresiones de una mujer que responden a su encanto calculado al hombre que ella imagina le está mirando. Olimpia, Manet en el arte moderno ha perdido importancia el desnudo. En esta imagen vemos a una mujer que representa el papel tradicional pero que lo empieza a poner en duda con cierto desafío


ENSAYO 4. Los grandes temas de la pintura al óleo En la pintura europea al óleo pueden distinguirse distintos temas surgidos a lo largo de su historia. Todos ellos han servido para satisfacer a las sociedades de su época y se rigen por ciertos tópicos. Aunque los más destacados consiguieron arraigarse en la cultura europea y sobrevivir a sus épocas. En algunos casos sus autores han conseguido transgredir sus márgenes de actuación y darles un toque innovador. A continuación recorreremos algunos de ellos:

• La mitología

• La virgen y el niño.

Los cuadros mitológicos están rodeados de controversia en cuanto a su finalidad. Se puede decir que son la forma en la que las clases pudientes intentan demostrar su cultura sobre las menos favorecidas. La interpretación de estos cuadros requiere de un previo conocimiento de cultura clásica, por tanto no son accesibles a todo el mundo. Sus posibilidades eróticas son fuertemente explotadas y colocan nuevamente al cuerpo femenino en un escaparate destinado a los hombres.

Esta temática precede a la utilización de la técnica al óleo, podemos situarla ya en el Imperio Bizantino y del modelo que aquí se empleo se heredaron varias de las convenciones de la representación. La virgen se sitúa en el centro de la composición, su rostro es terso y su expresión pasiva y sumisa. Los modelos del niño son variables, pero se le rodea de un halo de luz que simboliza su divinidad. Este tema tan recurrido es consecuencia del enorme poder del iglesia hasta hace pocos siglos atrás. Virgen y niño, Rafael

Virgen y niño, Lippi

• El retrato

• La muerte

Los retratos fueron un medio para los hombres poderosos de dejar testimonio de sí. Representados con sus lujosos atuendos, en posturas altivas y con expresión severa, no solamente buscan ser recordados, también una exaltación de sí mismos y de su poder. Pero algunos pintores emplearon este género para representar a gentes corrientes, estos retratos suponen una forma de retratar a la colectividad en uno de sus representantes.

Las formas de aproximarse a este tema tabú son diversas ya que en cada momento histórico el hombre se enfrenta a él de forma distinta. Se suele representar el momento de la agonía, en los comienzo de la pintura al óleo con mayor sutileza, exceptuando algunas Pasiones, y alcanzando su apogeo con el realismo que se empleo como una forma de denuncia de los males de su época. • Los bodegones

Cronos devorando a sus hijos, Francisco de Goya

El triunfo de la muerte, Brueghel

Suele tratarse de una manifestación de opulencia o de un ejercicio pictórico. Han recibido grandes elogios aquellos en los que el naturalismo de los objetos representados alcanza altos niveles. Su contenido de agresividad, al menos en las imágenes que encontramos en el libro, es sutil pero intenta demostrar la amenaza del propietario de los alimentos para quien intente arrebatárselos (cuchillos, escopetas,...)

Bodegón, Francisco de Goya

Retrato de Descartes, Fran Hals


ENSAYO 5. La pintura al óleo como ENSAYO 6. Excepciones en la pinmedio de exaltación del poder tura al óleo La aparición de la pintura al óleo no se debió únicamente a una necesidad técnica, también a la necesidad de un vehículo que expresara la nueva forma de ver la vida. La nueva sociedad burguesa deseaba poseer el arte y no solamente su contemplación, para esto era necesario que las obras se encontraran en un formato transportable. El burgués rico fue el impulsor poniendo el capital para conseguir el desarrollo de la nueva técnica y el pintor fue un simple complaciente de los deseo de la clase dominante. Su éxito radica en su aproximación al naturalismo y la posibilidad de contener objetos dentro del lienzo. Una pintura con tales características resulta claramente materialista, y sus pretensiones de trascender su materialismo son casi siempre vanas e inútiles.

No podemos olvidar que dentro de la pintura al óleo también hay excepciones. Ciertos autores satirizaron temas que demostraban la fuerte influencia de las clases ricas en las obras producidas. En el caso de la esclavitud encontramos la obra de Blake Europa sostenida por África y América, que simboliza la explotación del viejo contienen hacia el hemisferio sur contraponiéndose a obras de su tiempo que muestran a los esclavos como otro objeto dentro de las pertenencias del los ricos. También encontramos el caso de las representaciones de la gente, por un lado una línea que representa al proletariado y la clase campesina dentro del mundo hostil al que debían enfrentarse como el cuadro de Nicholas Maes, Moza durmiendo y su ama y por otro los personajes adinerados disfrutando de sus posesiones. El Archiduque Leopoldo Guillermo en su galería privada de cuadros, Teniers

Estos burgueses también se representaron a sí mismos dentro del lienzo como exaltación de sus virtudes y testimonio de estas para el mundo, siempre observando desde un ámbito superior. Pero la actitud similar que adoptan de unas obras a otras hace que se mimeticen convirtiéndose en único modelo estándar. Las escenas mitológicas persiguieron la finalidad de demostrar la formación cultural de los burgueses ricos y buscar un ámbito en que respaldar sus valores. El género que pretende ser el más sincero es el paisaje. Este buscaba contraponerse a la posesión capitalista mediante la representación de la naturaleza libre e imposible de abarcar. Sin embargo con la introducción de las figuras de terratenientes en el paisaje se perdió este valor de independencia del capitalismo, y los paisajes representados pasaron a formar para de la exaltación del poder de los propietarios.

Los embajadores, Holbein

Europa sostenida por África y América, Blake

La pintura al óleo, hasta la aparición de las vanguardias, estuvo sujeta a un mercado comercial y por tanto se guió por las exigencias del medio, siempre teniendo en cuenta alguna que otra excepción.

El paisaje como algo inabarcable e infinito

Mr & Mrs Andrews, Gainsborough

La triunfo del saber, Spranger

Campesino sonriendo, Murillo

ilustración de la divina comedia, Blake

Paisaje, Jacob van Ruisdael

La dominación del paisaje por parte de la clase dominante

Moza durmiendo y su ama, Nicholas Maes

Towneley y sus amigos, Zoffany El óleo como medio de expresión de la burguesía dominante


ENSAYO 7. La supervivencia de la pintura al óleo en la publicidad En el mundo actual nos encontramos rodeados de imágenes publicitaria. Sin duda la publicidad es el mayor productor de imágenes de la historia. Pero estas nuevas imágenes suponen un sistema que juega con la atención del espectador con el fin de que este lleve a cabo el acto de consumir. El sistema empleado nos ofrece falsas alternativas para cambiar nuestra vida y hacer que los demás deseen ser como nosotros. Principalmente a través de este último factor es como consiguen atraparnos, ya que supone un modo reafirmación de uno mismo a través de la envidia que los demás sientan de nosotros. El sujeto renovado gracias al consumo de un producto se siente en un status superior y pone su atención por sobre los demás. Así es como se nos presenta al sujeto dentro la imagen publicitaria, sintiéndose superior a nosotros y es el deseo de vernos a su altura el que nos lleva a consumir.

Júpiter y Thetis, Ingres

Pan persiguiendo a Siringa, Hendrick Van Balen

La publicidad toma obras de arte del pasado para mostrar elegancia y acercase al ámbito de las pertenencias del rico. Los lenguajes de la publicidad y la pintura al óleo son idénticos, ya que el lenguaje de la pintura está arraigado en la sociedad de consumo y es efectivo sobre ella, y al ser la pintura un medio visual aporta todos los modelos necesarios para representar los objetos publicitarios. La diferencia entre ambos reside en que la pintura al óleo mostraba al propietario aquello de lo era poseedor y la publicidad muestra al futuro comprador aquello de lo que carece. El mundo del consumo y la publicidad se ven inmersos en otro más complejo, el mundo del dinero. Ambos se encuentran en función de él, por tanto en último término es el dinero el que nos otorga la fascinación. Los objetos de la pintura eran representados como duraderos, al contrario los objetos publicitarios y la publicidad que son transitorios, siempre surgirá algo nuevo y mejor por tanto nuestras necesidades jamás se verán satisfechas. Quién sucumbe con mayor facilidad a este juego es el obrero medio que inmerso dentro de la masa desea relucir sobre ésta. La publicidad es capaz de desviar las miradas de los individuos de los problemas reales para concentrar sus energías en sus deseos de consumo, mantiene al individuo atento a cada nuevo producto que pueda conseguir convertirle en el más deseable. Le hace sentirse libre a través de su elección de consumir el producto mientras le uniformiza y le somete. La publicidad supone una máscara tras la cual los individuos de las sociedades de consumo se esconden para sentirse no responsables por los males de sus semejantes.

Ola, Hokusai

Trabajo Composición III. Modos de Ver  

Trabajo sobre el libro "Modos de Ver" de John Berger

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