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HISTORIA DEL

Diseño II

UNITEC 2014

DANIEL ARGUMEDO 66131046

Édouard Manet

Nacimiento y Primeros Años. Era Victoriana Mitad Siglo XIX 1837/1901 Non-Sense Características Principales Art Nouveau Siglo XIX - XX Van Gogh Cuarto de Van Gogh

Y MAS HISTORIA Contada de otra forma!


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INFOGRAFÍA ÉDOUARD MANET

El BAR DEL FOLIES BERGÉRE


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Édouard Manet 1832 - 1883 Primeros años: Sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y terminó su formación sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho, para decepción de su padre, que era magistrado. A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia Naval Francesa.

De todos los artistas de su tiempo, Manet era quizás el más contradictorio. Aunque se le consideraba un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y lo que quizás sea más importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra.Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos».4 Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

Se interesa por el arte: Cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, casi seis años como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano y Rembrandt, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier.3 De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido. Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un extraño ecléctico. Viaja por Europa: Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros. Contrae matrimonio: El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff, con la que mantenía relaciones desde 1850. A pesar de la boda, el que casi con seguridad era su hijo, León, nacido en 1852, siguió llevando el apellido de la madre, y pasando por hermano de ésta.

Descubre a Diego Velázquez: En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la pintura barroca española, en particular a Diego Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra. Su única alumna: En 1869 tomó como discípula a Eva Gonzalès, hija de un conocido novelista, que le había sido presentada por un marchante de arte. La joven, que no carecía de talento, pero a la que le faltaba iniciativa, fue la única alumna de Manet, quien la retrató en 1870. Guerra Franco-prusiana: Al estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto con otros impresionistas, fue movilizado. envió a su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos, y envió trece cuadros a Duret, antes de entrar como teniente al servicio de la Guardia Nacional durante el sitio de París.Tras la declaración del armisticio, en 1871. Primera exposición: En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos veinticuatro obras de Manet y organizó la primera exposición de pintores impresionistas, que no tuvo éxito comercial. Muerte: El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad circulatoria crónica, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde falleció a los 51 años de edad.


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ILUSTRACIÓN ÉPOCA VICTORIANA


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Época Victoriana 1837 - 1901 Sociedad: La sociedad en la época victoriana estaba exacerbada de moralismos y disciplina, con rígidos prejuicios y severas interdicciones. Los valores victorianos se podrían clasificar como "puritanos" destacando en la época los valores del ahorro, el afán de trabajo, la extrema importancia de la moral, los deberes de la fe y el descanso dominical como valores de gran importancia. Los varones dominaban la escena tanto en los espacios públicos como en la privacidad, las mujeres se debían a los lugares privados, con un estatus de sometimiento y del cuidado de sus hijos y del hogar, referente de ello es la novela Ana Karenina mostrando que la sociedad no permite el resquebrajamiento de la moral. Otro claro ejemplo fue la condena por sodomía a Oscar Wilde con Lord Alfred Douglas a dos años de trabajos forzados. Quizá por la acentuada moral de la época sea la observación del psicoanalista Jacques Lacan, quién dice que sin la reina Victoria el psicoanálisis no hubiera existido, ella fue la causa del deseo de Sigmund Freud13 y la que hizo necesario lo que Lacan llamó el "despertar". Las condiciones como la pereza se vinculaban con los excesos y la pobreza con el vicio. Por ello, la castidad era una virtud a resguardar.

Las clases sociales: La imagen cotidiana de la época victoriana es la de una sociedad burguesa y proletaria. La burguesía inglesa se llamaba a sí misma "middle class" limitando con la "upper class", que era la nobleza y los grandes aristócratas con renombradas familias. Su número estaba constituido por apenas cinco millones de personas sobre un total de 25 millones. La alta burguesía estaba compuesta por banqueros, hombres de negocios y financieros, herederos de quienes habían arriesgado su capital en pos de la nueva forma que tomaba la economía. En cuanto a la clase media común y la clase media baja, intentaban emular a la clase alta siendo pequeños tenderos y empresarios, médicos, abogados, comerciantes. El establishment de la sociedad estaba compuesto por la clase alta. Los aristócratas poseían propiedades de más de cuatro mil hectáreas en las que pasaban los meses de verano, yendo a vivir en invierno a la ciudad de Londres. También disfrutaba de la misma consideración la gentry, grupo social formado por, aproximadamente, tres mil familias que poseían propiedades de un tamaño superior a cien e inferior a cuatro mil hectáreas. En su conjunto, la clase alta para 1873 controlaba casi el 80% de la superficie de Inglaterra, disponía además de representación en el Parlamento y el gabinete de ministros, llegando a tener picos de 80% y 60%

respectivamente y estando emparentados con la aristocracia. Además ocupaba los puestos directivos del ejército -con tres cuartas partes en 1838- y en la iglesia anglicana, que hacia finales de siglo, la mitad de los obispos estaban casados con mujeres de la aristocracia. La clase trabajadora, la baja, tenía un numeroso número de trabajadores domésticos: en 1851 alrededor de 1.900 individuos realizaban este tipo de tareas, en 1871 se acercaban al medio millón de personas y, a finales de siglo eran casi 2 millones y medio. Otro tipo de trabajadores se dividían en especializados, semiespecializados y no especializados, casi en proporción idéntica entre ellos. El obrero no obtenía beneficio alguno de la expansión capitalista, aunque como lado positivo los sueldos en general durante la época de prosperidad y laissez faire y su libre importación de alimentos, se cuadruplicaron. Para las masas trabajadoras no existía el beneficio social, salvo por la Ley de Pobres que seguía en vigor, aunque no resultaba muy alentante. Cultura: El ineludible sentido de la novedad dio como resultado un profundo interés por la relación entre la modernidad y la continuidad cultural. El Renacimiento Gótico en la arquitectura se convirtió en algo cada vez más significativo durante el periodo, llevando a la Batalla de los Estilos entre los ideales Gótico y Clásico.


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ILUSTRACIÓN NON-SENSE


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Non-Sense Características y resumen Características Principales: - Cosas sin sentido. - Exageraciones faciales o del cuerpo humano. - Satiras politicas principalmente - Animales y personas del mismo tamaño - Lineas definidas Nonsense es el sustantivo en inglés que significa sin sentido, absurdo o contrasentido y señala manifestaciones contrarias a la lógica. Esta palabra está formada por non (significa no, es un elemento de negación) y sense (que se traduce como sentido). Es común designar como nonsense un discurso tonto, sin significado o con poco sentido. Ejemplo: "His teacher grounded him because of all the nonsense that was coming out of his mouth" / Traducción: "Su profesor lo castigó por todo la tontería que salía de su boca." La palabra nonsense también puede designar una conducta o acción imprudente, insubordinación o cuestionable. Ejemplo: "I’m leaving because I’m tired of all this nonsense" / Traducción: "Me voy porque estoy cansado de todo este sinsentido." Nonsense es una figura literaria que puede ser en verso o en prosa, que busca generar, juegos de palabras que trasgreden las formas comunes de la sintaxis y la semántica, juegos que resultan extraños, comúnmente humorísticos y absurdos. Literalmente "nonsense" significa "sin sentido". También puede llamarse trabucación cuando se unen lexemas y morfemas de distintas palabras y jitanjáfora cuando se juega con la rítmica y la pronunciación. El nonsense está ligado con las rimas y formas de hablar infantiles que aparecen dilatadamente en rondas y juegos; y su creación data del periodo manierista de España, y aunque de aquella época sobreviven textos ricos de figuras, recursos y ejemplos, es en el siglo XX cuando podemos ver los recursos más asombrosos de las corrientes como el dadaísmo, el postismo y el surrealismo; que se consagraron a la explotación literaria de la lengua.

Uno de los textos más notorios es el texto que aparece en el capítulo 68 de Rayuela de Julio Cortázar algunas de sus líneas son: Apenas él le amalaba el noema, a ella se le agolpaba el clémiso y caían en hidromurias, en salvaje ambonios, en sustalos exasperantes. Cada vez que él procuraba relamar las incopelusas, se enredaba en un grimado quejumbroso y tenía que envulsionarse de cara al nóvalo, sintiendo cómo poco a poco las arnillas se espejunaban, se iban apeltronando, reduplimiendo, hasta quedar tendido como el trimalciato de ergomanina al que se le han dejado caer unas fílulas de cariaconcia. El nonsense pertenece a una familia más grande de juegos de palabras, donde también cabe incluir a los limericks de Edward Lear y las palabras maleta de Carroll y las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, pero la característica más distintiva del nonsense es no tener sentido, ser decididamente absurdo. Otros grandes exponentes del género Nonsense son Eduardo Chicharro, Vicente Huidobro, León de Greiff, Julián Ríos, Oliverio Girondo, Jorge Enrique Adoum y Guillermo Cabrera Infante, entre otros muchos. Hay varios escenarios que son considerados como nonsense. Por ejemplo, en una ciudad, un barbero debe afeitar a todos los habitantes de la ciudad que no se afeitasen a sí mismos. De este modo, él solamente podría hacer su propia barba si no se la hace. En este caso no hay solución racional posible. Algunos podrían clasificar esta situación como ridícula o absurda, irreal o imposible, un nonsense. Gracias al humor, el sin sentido pasa a tener sentido (significad), llega a crear un nuevo sentido, y así la vida incorpora el absurdo a través del humor. El juego del sentido y no sentido existe porque la paradoja así lo permite. Esto – la paradoja – apunta a lo imposible, lo que no puede ser decidido, un campo donde no hay ninguna respuesta.


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ILUSTRACIÓN ART NOUVEAU


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Art Nouveau o Modernismo Siglo XIX - XX Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX, durante el periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos países recibió diversas denominaciones: Art Nouveau –en Bélgica y Francia–, Jugendstil – en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en Austria–, Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos– y Liberty o Floreale –en Italia–. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo) como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató de crear predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX. El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras.

Modernismo: En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesible a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El modernismo no sólo se dio en las artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), sino también las artes menores, aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, bancos, papeleras, urinarios ). Muchos artistas identificados con el modernismo son artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no sólo proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de contener. El modernismo no fue unánimemente recibido: una amplia corriente de opinión identificaba sus formas con el concepto de degeneración (una desintegración orgánica que corresponde a la desintegración social). Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

- Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. - Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. - Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista. - Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado). - Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el erotismo en algunos casos. - Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas. - Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el elemento que decora. La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de 1920 dio origen al denominado Art decó, con el que a veces se identifica, aunque tiene características marcadamente diferentes.


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ILUSTRACIÓN CUARTO VAN GOGH

ILUSTRACIÓN CUARTO VAN GOGH ORIGINAL


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Van Gogh 1853 - 1890 Pintó unos 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1.600 dibujos. Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares. A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor protestante y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.

Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años. A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas con un completo control. Primera etapa de su vida (18531869): Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el mismo nombre que le habían puesto a un hermano que nació muerto exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba. Durante la infancia acudió a la escuela de manera discontinua e irregular, pues sus padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos en Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y alemán. Dos años después se matriculó en el Instituto Hannik (Tilburg) y permaneció allí hasta que dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Allí nació su afición por la pintura, aunque durante el resto de su vida se enorgulleció de ser autodidacta. Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue triste, fría y estéril.»

El dormitorio en Arlés: Análisis: El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como la Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh. En ella estuvo en 1888-1889. Lo pintó antes de la llegada a Arlés de Paul Gaugin, amigo del artista: el encuentro habría hecho nacer luego un círculo artístico. La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina. Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes.1 Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura.


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ILUSTRACIÓN BASE DE TOULOUSE-LAUTREC


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Henri de Toulouse-Lautrec 1864 - 1901 Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse Lautrec, fue un pintor y cartelista francés que se destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se lo enmarca en la generación del postimpresionismo. Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. En su familia, como era habitual en muchas dinastías de la antigua aristocracia, muchos matrimonios se concertaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Este fue el caso de los padres de Henri, el conde Alphonse de Toulouse-Lautrec-Montfa y Adèle Tapié de Celeyran, que eran primos en primer grado. La endogamia hubo de condicionar la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro años nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año después. Por desavenencias, sus padres se separaron en 1868 y él quedó bajo el cuidado de su madre. Su infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.

Carrera en Paris: Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y con el apoyo de su tío Charles y unos pintores amigos de la familia, como Princetau, John Lewis Brown y Jean-Louis Forain, fue a vivir a París en 1881. Allí, fue alumno de Léon Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, Fernand Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de Vincent van Gogh. En 1884 Henri fue a vivir al barrio de Montmartre, donde tuvo vecinos como Degas. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos como el Salon de la Rue des Moulins, el Moulin de la Galette, el Moulin Rouge, Le Chat Noir o el Folies Bergère. Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A estas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica. Al contrario que los artistas impresionistas, apenas se interesó por el género del paisaje, y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Muy observador, le atraían la gestualidad de los cantantes y comediantes, y le gustaba ridiculizar

la hipocresía de los poderosos, que rechazaban en voz alta los mismos vicios y ambientes que degustaban en privado. Los dueños de los cabarets le pedían que dibujara carteles para promocionar sus espectáculos, algo que entusiasmó mucho a Lautrec, ya que en sus largas noches en estos locales dibujaba todo lo que veía y lo dejaba por las mesas. Al contrario que el incomprendido Vincent van Gogh, Lautrec llegó a vender obras y fue reconocido, si bien su popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios más que en la pintura al óleo. Tuvo grandes amigas como la bailarina Jane Avril, a la cual dedicó varios cuadros y carteles. Conoció a bailarines reconocidos como Valentín el Descoyuntado, payasos y demás personajes de las fiestas y espectáculos por los suburbios. Este mundillo de vicio y extravagancia fue un refugio para Lautrec, quien se sentía rechazado por la nobleza a la que pertenecía por origen. Su minusvalía causaba rechazo en los salones chic, y en Montmartre pudo pasar desapercibido y dar rienda suelta a su bohemia. Criticaba a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus cuadros, ya que él opinaba que lo que verdaderamente valía la pena eran las personas, el pueblo. Se consideraba a sí mismo un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo. Pintó grandes obras como "La inspeción médica" En 1886 abandonó el estudio de Cormon y arrendó el suyo propio.


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UTILIZACIÓN DE LAS PROPAGANDAS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL, PARA PODER REALIZAR UNA QUE FUNCIONE EN COLOMBIA, LA PROPAGANDA UTILIZADA FUE CREADA POR EL REINO UNIDO PARA CALMAR A SUS HABITANTES, YA QUE ESTABAN TEMIENDO DE UNA INVASION POR PARTE DE LA ALEMANIA NAZI, EL ORIGINAL DICE "keep calm and carry on"


Historia II - UNITEC 2014 | 15

SELECCIONAR UN ESTILO DE VARIOS VISTOS EN UN VÍDEO, EL ESTILO O MOVIMIENTO QUE SELECCIONE FUE EL DE STIJL, A PARTIR DE ESTO SE TUBO QUE REALIZAR UNA ILUSTRACIÓN O PROPAGANDA BASÁNDOSE EN EL ESTILO SELECCIONADO, EN ESTE CASO EL ESTILO STIJL. PUBLICIDAD, MARCA UTILIZADA "VANS".


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IMPLEMENTACIÓN DE LO VISTO Y APRENDIDO EN CLASE SOBRE EL ESTILO DE ANDY WARHOL, Y BASÁNDONOS EN LO QUE EL HIZO CON LA FOTOGRAFÍA DE MARILYN MONROE, TRATAR DE IMPLEMENTARLO Y RECREARLO CON UNA FOTOGRAFÍA PROPIA, DE UN FAMILIAR O UN AMIGO, REPETIRLA 9 VECES EN UNA MISMA PAGINA CON DIFERENTES UTILIZACIONES DE COLORES.


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CREACIÓN DE UNA HISTORIETA A PARTIR DE LOS CONOCIMIENTOS APRENDIDOS EN CLASE SOBRE LA CONSOLIDACIÓN DEL ESTILO AMERICANO, LA HISTORIETA DEBERÍA CONTAR DE ALGUNA FORMA LOS PRINCIPIOS O IDEAS PRINCIPALES DE LA CONSOLIDACIÓN DEL ESTILO AMERICANO, AQUI SE MUESTRA EL TRABAJO REALIZADO.


Historia II Daniel Argumedo | UNITEC - 2014

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Daniel argumedo - Historia II [REVISTA]