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Análisis : Arte &

Diseño Contemporáneo Asignatura: Historia del Diseño Profesora: Susana Rioseras Alumno: Daniel Senovilla Curso 1º Fecha: 14/03/14


H.del Diseño

Indice

Modernismo Klimt J.Galliano A.Mucha J.D.Baizley Prerrafaelismo J.W. Waterhouse R.electrónicos H.del Diseño

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Modernismo

E

l modernismo fue una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX y fue meramente complementaria a la arquitectura. El modernismo se caracteriza por la floritura en sus obras y el exceso de curvas. Trabaja, fundamentalmente, la vidriera y el papel pintado, así como el cartel para espectáculos. El Modernismo es ante todo un arte decorativo. La vidriera es lo más característico de la pintura modernista.

El modernismo es un arte muy caro, al que sólo podía acceder la burguesía, y por lo tanto refleja el gusto burgués, como se puede observar en el cartel que es el otro gran motivo modernista. Sirve para anunciar los espectáculos a los que asiste la burguesía, pero también de propaganda política e ideológica, y de anuncio de productos industriales. El gran cartelista es Toulouse-Lautrec, que ejercerá su influencia durante mucho tiempo.

Utiliza colores planos, cristales grandes y vidrieras de poco peso. Su actitud decorativa es tan radical que en otros países el modernismo se llama art decó, estilo moderno, Sezessión o art nouveau.

Moulin rouge - La Goulue (1891)

San Cirilo y San Metodio, diseñado por Alfons Mucha en 1931

MODERNIsMO Antoni Gaudí.foto por Casa Batlló

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Modernismo


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Modernismo

La arquitectura es el arte donde se engloban todas las artes, y todas están subordinadas a ella: rejería, cerámica, escultura y, por supuesto, pintura.

Predominan los temas naturales, flores y pájaros que se repiten a lo largo del plano, los motivos japoneses, los arabescos y las formas contrastadas.

Su sentido decorativo le lleva a potenciar el dibujo geométrico y la decoración abstracta.

De los grandes pintores modernistas -Gustav Klimt- (1862-1918) es el más representativo: El beso, La espera, La primavera, Judith.

No existe una clara separación entre artes mayores y menores, por lo que la cerámica, la orfebrería y el diseño de muebles entran dentro del arte modernista.

Pero también están Egon Schiele: Mujer con dos niños, Max Klinger: Cristo en el Olimpo, Franz von Stuck: La guerra, Alfons Mucha: Medea, ilustra libros, Henri Jacques Edouard Evenepoel: El español en París, Theodore van Rysselberghe: La lectura, Aubrey Beardsley: ilustraciones para libros, William Morris: La reina Ginebra, y Henry Clemens van de Velde.

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Modernismo

Madre con dos niños

Español en París, 1899


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En España destacan Ramón Casas: etiqueta de Anís el mono, Cabeza de un bandolero, La carga, cartel de Codorniú. Santiago Rusiñol: Jardín de Aranjuez, Escaleras del Generalife, Joaquín Sunyer: Paisaje de Mallorca,. Hermenegildo Anglada i Camarasa: En el baile. Joan Brull: Las ninfas. Ricard Canals:Un palco en los toros. Xavier Gosé: Señoras con sombrero. José María Sert i Badia y Miguel Utrillo. La mayoría de ellos son catalanes, ya que el modernismo arraiga, sobre todo, en Barcelona.

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Anis del mono, Ramon casas

Jardín de Aranjuez 1908 , Santiago Rusiñl

Xavier Gosé , Señoras con sombrero


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G

ustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862 – Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más notables representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Relacionado a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz.

Quiza la etapa mas representativa fue La “etapa dorada”. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del Art Nouveau centroeuropeo. Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles.

Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales “de café”. Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público.

Judith con la cabeza de Holofernes, 1901. Belvedere, Viena. H.del Diseño

Modernismo


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El beso (1907-1908) H.del Dise単o

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J

ohn Galliano CBE (Gibraltar, 28 de noviembre de 1960) es un diseñador de modas hispano-británico. Nacido bajo el nombre de Juan Carlos Antonio Galliano-Guillén, su padre era gibraltareño y su madre española.

Le fue otorgado el premio Diseñador Británico del Año en 1987, 1994 y 1995. En 1997 compartió el premio con Alexander McQueen, su sucesor en la firma Givenchy. Ha trabajado también con Susannah Constantine.

Se trasladó a Londres cuando era niño y recibió educación en la Wilson’s School de Wallington. En 1984 se graduó en diseño de modas de la St. Martin’s School of Arts, con una colección inspirada en la Revolución francesa. Tras ello estableció su propia marca, con su nombre, iniciando así una sólida carrera como diseñador de modas.

Les Incroyables H.del Diseño

Modernismo


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C Adele Bloch-Bauer I 1907

omo podemos observar, se encuentrar una clara influencia del diseñador Galliano, con su con la obra de Klimt. Se pueden atisbar referencias en el color , dorados marrones colore cálidos en su mayoría, las formas geométricas triangulos cuadrados y diversas formas más. Una vez más diseñadores han demostrado que han tomado el estilo de Klimt como fuente directa de inspiración. Dior, Lanvin, Missoni o McQueen han creado prendas que homenajean sus pinturas, rindiéndose a sus inagotables dorados y a sus imaginativos estampados.

Dior,Primavera 2008 H.del Diseño

Modernismo

Aunque sin duda el que lo interpretó con más dramatismo fue John Galliano, para Dior, en su desfile de Alta Costura en la primavera de 2008, y que fotografío de Peter Lindberg-. Para la editorial de Harper’s Bazaar, USA.


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Judith con la cabeza de Holofernes, 1901. Belvedere, Viena.

Dior,Primavera 2008

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Modernismo

Serpientes acuáticas

Dior,Primavera 2008 H.del Diseño

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A

lphonse Mucha ( 18601939) artista checo, fue el autor más conocido de su época, de los primeros en utilizar el arte a la publicidad y padre del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas fueron admiradas en Paris, y contaron con imitadores alrededor del mundo ya que sus obras inspiran belleza, y crean esa atmosfera de misterio, llenos de símbolos que le caracterizan. Mucha es de los artistas más representativos del Art Nouveau, sus diseños por líneas dinámicas que juegan con la composición, con las mueres de largas melenas y retorcidas posiciones jugando con el espectador, dando lugar a líneas sinuosas.

Su impulso a la fama lo logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel publicaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica impresión. Sarah Bernhardt brindó rápidamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles ejecutados para ella ayudaron a divulgar la notoriedad de la actriz más allá de los límites de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los anuncios propagandísticos, sino también de las decoraciones y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Obra, con su forma atrevida y elegante del momento.

La Dame aux camélias (1896. H.del Diseño

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Cuatro estaciones 1895 H.del Dise単o

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J

ohn Dyer Baizley es un diseñador y músico que nacío en Georgia en 1980. Diseñador gráfico notable por sus portadas de CDs y camisetas en grupos como Kvelertak, Kylesa, Pig Destroyer, Darkest Hour, Daughters, Skeletonwitch, Torche, Cursed, Black Tusk, Vitamin X, Flight of the Conchords, The Red Chord, Gillian Welch, Metallica. O en su propia banda Baroness. El trabajo de Baizly e muy detallado y recrea imagenes con connotaciones iconicas y elementos esotéricos. Utiliza a la mujer estilizada, como hacian los artistas del movimiento modernista, donde la mujer es la máxima expresión de sus obras.

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Modernismo

Obras para diversos albums


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Modernismo

Champenois , 1897

C

omo podemos observar, se encuentrar una clara influencia del diseñador Mucha con John .Se pueden atisbar referencias en el color , dorados marrones colore cálidos en su mayoría y colores planos . Utilización de la mujer como método de expresión, en el que utliza esa femenidad para transmitr elegancia y a la vez sensualidad. Ornamentación florida utilizado tanto por los modernistas, se ve reflejada claramente en las obras del diseñador del siglo XXI.

Portada de álbum 2009

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Modernismo


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Modernismo

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Modernismo


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Modernismo

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Prerrafaelismo

E

l el Medievo que popularizan los prerrafaelistas, sus contemporáneos y seguidores. El contexto de esta visión no es superfluo: nos encontramos en pleno apogeogótico en Inglaterra, que se había iniciado en la década de 1740, cobrando la máxima intensidad en el siglo XIX. Las causas de este entusiasmo por la Edad Media son diversas, como el miedo que suscitaban la industrialización, las revoluciones y el racionalismo, a lo que se une a la necesidad de recuperar un pasado glorioso . A todo esto se vincula estrechamente una admiración por la caballerosidad que pone de moda el código de conducta supuestamente seguido por los caballeros medievales, con valores como la valentía, la honestidad, la lealtad, el compromiso, la cortesía, la autenticidad, etc.

Sin duda, los victorianos contemplan el Medievo con una mirada idealizante y, poco a poco, el heroísmo, los caballeros con sus armaduras, los cruzados, la galantería, etc. comenzaron a verse reflejados en poemas, libros de historia, decoración interior, esculturas, etc. llevando incluso al renacer de los torneos y las justas medievales. Este entusiasmo por el Medievo impulsó un interés por el gótico que se plasmó en todas las artes. La estética alentada por los anticuarios y decoradores, que rememoraban este periodo de la Edad Media por medio de los muebles, se reflejó en la arquitectura y, durante la segunda mitad de siglo y el comienzo del s. XIX, se construyeron numerosos castillos.

En este contexto nace la Hermandad Prerrafaelita (The Pre-Raphaelite Brotherhood, también conocida por PRB) creada en 1848 por una serie de estudiantes de la Royal Academy que rechazaban la tendencia generalizada en el arte de la academia y abogaban por un regreso a los ideales del arte primitivo italiano. El objetivo de su renovación estética se plasmaba en su denominación: liberarse de Rafael y de los cánones estéticos que de su obra se habían extraído e impuesto. Los siete miembros fundadores fueron: William Holmant Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), John Everett Millais (1829-1896), James Collinson (1825-1881), Frederick George Stephens (1828-1907), William Michael Rossetti (1829-1907) y el único escultor del grupo, Thomas Woolner (1825-1892).

PRERRAFAELISMO H.del Diseño

Prerrafaelismo

Sol ardiente de Junio, Frederic Leighton,


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Prerrafaelismo

The Shrine 1895 Tambíen un interés por los temas literarios, sobre todo aquellos procedentes de la Edad Media, partiendo de fuentes directas o reinterpretaciones de sus contemporáneos. La fascinación por el Medievo se plasmó no sólo en la búsqueda de leyendas de esa época que sirvieran como inspiración, sino también en un constante interés por los manuscritos iluminados , de los que el British Museum poseía bellísimos ejemplares, y les llevó a recurrir a estudios como Dresses and Decorations of the Middle Ages de Shaw, en la búsqueda de un mayor rigor histórico en lo referente a los vestuarios.

JOHN WILLIAM WATERHOUSE

Lady Godiva 1885 H.del Diseño

Prerrafaelismo

The Lady of Shalott 1888


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Prerrafaelismo

1874 - Sueño y su hermanastro Muerte.

J

ohn William Waterhouse (Roma, 6 de abril de 1849 - Londres, 10 de febrero de 1917). Pintor británico hijo de artistas, sus comienzos como pintor estuvieron influidos por el neoclasicismo victoriano. En la fase siguiente es un pintor prerrafaelita. Más tarde estuvo atraído por el planairismo de los impresionistas franceses. Si al principio de su carrera se dedicó a temas de la antigüedad clásica, más adelante abordó los literarios, siempre con un estilo suave y misterioso, inmerso de romanticismo, que permiten encuadrarlo dentro del simbolismo

El estilo pictórico de Waterhouse se mantuvo prácticamente inalterable en toda su vida, pero en cualquier caso, la temática de sus obras va cambiando según la etapa que atravesaba. En una primera etapa podemos distinguir obras de temática clásica, correspondiente a los viajes de Waterhouse por Italia. A partir de 1880 inicia una nueva época basada en temas literarios, donde se ve una clara influencia de la mitología y literatura griegas. A partir de 1900, influenciado por el Impresionismo, se muestra más tranquilo y utiliza colores más claros y brillantes.

1889 - Ofelia.

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Prerrafaelismo


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Prerrafaelismo

Cleopatra 1888

1889 - Ofelia.

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Prerrafaelismo


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Prerrafaelismo

E

l diseño de producción de El Señor de los Anillos, con la primera obra que se enmarca en esta línea “prerrafaelista” de Waterhouse: The Lady of Shallot (1888, óleo sobre lienzo, 153 x 200 cm. Tate Britain, London). Podemos ver en la figura la influencia de la Dama de Shallot en la forma en que se nos presenta a Eowyn en la segunda parte de la trilogía cinematográfica “Las dos torres”. No se aleja tampoco, sin embargo, de la descripción de Tolkien en la obra original: Tenía un rostro muy hermoso y largos cabellos que parecían un río dorado. Alta y esbelta era ella en la túnica blanca ceñida de plata [ De hecho, las coincidencias entre ambos vestidos, cuyo diseño es prácticamente igual salvo por leves variaciones en el cinturón y el bordado en la parte superior de la manga, se unen a la similaridad en los peinados, creando una proximidad tal entre ambas mujeres que casi parece que la Dama de Shallot hubiera abandonado el cuadro para introducirse en el filme de Peter Jackson.

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Prerrafaelismo


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Prerrafaelismo

Muy semejante a la utilizada por John William Waterhouse en su interpretación del tema de Miranda, protagonista de La Tempestad de Shakespeare (Miranda - The Tempest, 1916 óleo sobre lienzo, 100.4 x 137.8 cm. Colección privada), que contempla la tormenta conjurada por Próspero para acabar con el barco de su hermano.

Nuevamente, si nos centramos una vez más en la figura de Eowyn, la influencia de las creaciones de Waterhouse es patente una y otra vez, tanto en sus vestuarios, como en los sentimientos y emociones que transmite tal y como es construida en el filme a partir de la novela. Y con ella, las situaciones en las que se le representa en el film emulan una y otra vez la visión del Medievo que se construyó a finales del s. XIX.

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Prerrafaelismo

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Prerrafaelismo


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Prerrafaelismo

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Prerrafaelismo

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