free DAMNº A Matter of Perception 2016 GUIDE

Page 1

A Matter of Perception TRADITION & TECHNOLOGY / Palazzo Litta, Milan 12 - 17 April 2016 / featuring:


A Matter of Perception 2016


Diébédo Francis Kéré

Anton Alvarez / Maarten Baas / Belgium is Design / Mattia Biagi / Andrea Branzi - Michele De Lucchi - Francesca Balena Arista: Politecnico di Milano / Enrico Corelli / DECHEM / Leo Di Caprio ECAL / Formafantasma / Koichi Futatsumata / / Garcia Cumini / hettler.tüllmann / Love Hultèn Chris Kabel / Jan Kath / Lanzavecchia + Wai / Alberto Meda / mist-o / Jasper Morrison / muller van severen / Francisco Gomez Paz / Danilo Premoli / Filippo Protasoni - Claudio Larcher / Francesca Raccolti - Daniele Lotti / Matteo Ragni / Robbrecht & Daem / Daniel Rybakken / Gino Sarfatti / Ilkka Suppanen / Atelier Ternier / Vittoriano Viganò


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


A Matter of Perception: TRADITION & TECHNOLOGY .04





#aintnopartylikeadamnparty #palazzolitta #salonedelmobile #damnmagazine A Matter of Perception: TRADITION & TECHNOLOGY Open each day from 11am to 9pm PRESS PREVIEW Monday, 11th of April, 3pm to 7pm OPENING PARTY (by invitation only) Tuesday, 12th of April, 7pm to 11pm 5 VIE LATE NIGHT Wednesday, 13th of April, 6pm to 11pm VENUE Palazzo Litta, Corso Magenta 24, Milan MORE INFO PRESS CONTACT Stefania Silvestri AN EVENT

Walter Bettens Valerio Castelli Veerle Devos Emma Firmin Jodie Hruby Caterina Mosca Stefania Silvestri

“Mosca Partners always looks for quality contents that give value to companies and designers as well as to project and research themes to promote design in the territory where the events take place.” MOSCA PARTNERS Corso San Gottardo 22 20136 Milano, Italy

Caterina Mosca Valerio Castelli

DAMN° is a magazine on contemporary culture PUBLISHER DAMnation Ltd Bellevuestraat 41 9050 Gent, Belgium EDITORS Walter Bettens Siegrid Demyttenaere

SUBSCRIPTIONS Bruil & van de Staaij Subscriptions 6 issues of DAMN° good pleasure: Europe: 70 EUR Rest of the world: $172 Students: -20%

ADVERTISING DIRECTOR Bessaam El-Asmar +49 17632749677 DIGITAL EDITOR Veerle Devos



Ryan Mendoza Alberto Meda Love Hultèn Annabelle Selldorf Hicham Berrada The Moretti legacy Ryan Gander Erika Blumenfeld Laurent Grasso Rogier van der Heide Lighting Special: MORE THAN YOU CAN SEE


SUB-EDITOR Jodie Hruby


With a huge great thanks-so-much to all of our friends, colleagues, readers, partners, and sponsors for making this possible, and to all of the lovely people participating in the expo at Palazzo Litta…!

EUR 12 E UK 11 £






COVER IMAGE Kosmos, a handcrafted media/ gaming computer by Love Hultèn All rights reserved. Reproduction whole or in part without written permission is strictly prohibited. Copyright © 2016 All paper and inks used in the production of this magazine come from well-managed sources.

During the previous edition of the Salone, arranged under the title A Matter of Perception: Products & Materials, we invited a selection of top designers, producers, and brands to flaunt their best wares at Palazzo Litta, where over 15,000 people attended the various exhibitions, parties, and talks. Palazzo Litta is a true treasure in the heart of Milan, formerly owned by one of the city’s Casanovas. The building offers a poetic environment, in which this time we are showcasing a selection of newly designed products and projects under the umbrella A Matter of Perception: Tradition & Technology. In essence, a theme based on how home-grown traditions go hand in hand with modern technology. Palazzo Litta has always been an important meeting point for those engaging in all things cultural, economic, and political. Grand parties and receptions have taken place here for the likes of Margaret Theresa of Spain, Maria Theresa of Austria, and Napoleon Bonaparte; a fine tradition that we very much want to continue through the display of fresh ideas from Design Wonderland. And last but not least, with utmost pleasure we would like to share our meeting point in the Litta courtyard with you, a place to meet and greet in the shape of a Courtyard Village designed by Diébédo Francis Kéré. Awaiting you is a central pavilion set amongst a grassy landscape especially created for the occasion, in celebration of tradition & technology. Welcome!

Palazzo Litta

Nell’edizione precedente del Salone, dal titolo A Matter of Perception: Products & Materials, abbiamo invitato una selezione di designer, produttori e brand a proporre il meglio della loro creatività a Palazzo Litta, dove più di 15.000 persone hanno visitato le varie mostre, frequentato i party e ascoltato le conferenze. Palazzo Litta è un vero gioiello nel cuore di Milano, in passato di proprietà di uno dei Casanova della città. L’edificio offre ambienti poetici nei quali questa volta mostreremo una selezione dei più recenti progetti e prodotti sotto il titolo A Matter of Perception: Tradition & Technology. In sostanza un tema che racconta come lo sviluppo della tradizione cresca di pari passo con quello della tecnologia. Palazzo Litta è sempre stato un importante punto d’incontro per coloro che sono interessati alla cultura, all’economia e alla politica. Grandi feste e incontri sono avvenuti in questo luogo per soddisfare i piaceri di Margherita Teresa di Spagna, Maria Teresa d’Austria e Napoleone Bonaparte; una bella tradizione che vogliamo assolutamente continuare mettendo in mostra le nuove idee del Meraviglioso Mondo del Design. Ultimo ma non ultimo è con immenso piacere che vogliamo condividere con voi il cortile di Palazzo Litta, un luogo di incontro e di piacere reso ancor più attraente dal progetto del Courtyard Village di Diébédo Francis Kéré. Vi aspettiamo nel padiglione centrale tra le canne lacustri di un paesaggio creato per celebrare tradizione e tecnologia. Benvenuti!


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


FRANCIS KÉRÉ’S “COURTYARD VILLAGE” IN MILAN “I very much like the power of Palazzo Litta’s architecture, the welcoming courtyard and the spacious rooms where in every corner you discover surprises. This is an excellent setting in which to show contemporary design”, says Berlin-based Burkinabé architect Diébédo Francis Kéré, who designed the central pavilion in the courtyard of the Palazzo. The installation is a conceptual elaboration of a typical African village, defined by an elevated platform surrounded by a landscape of wild grass. It is warmly intended as a hangout for visitors who want to relax in-between the various Salone events, somewhere to meet friends and colleagues and to enjoy design-talks in the afternoons.

Diébédo Francis Kéré Rendering of the Courtyard Village by Diébédo Francis Kéré

“Sono molto affascinato dalla forza che esprime l’architettura di Palazzo Litta, dall’accogliente cortile alle ampie stanze dove in ogni angolo si rivelano sorprese. Questo è un posto eccellente dove esporre il design contemporaneo” afferma Diébédo Francis Kéré l’architetto del Burkina Faso residente a Berlino, che ha progettato il padiglione centrale nel cortile del Palazzo. L’installazione è un’elaborazione concettuale del tipico villaggio africano, circoscritto da una piattaforma sopra elevata e circondato da un paesaggio di canne lacustri. Vuole rappresentare un luogo accogliente per tutti i visitatori che vogliono rilassarsi tra un evento e l’altro durante il Salone del Mobile, un posto dove incontrare amici e colleghi godendo dei diversi design-talk pomeridiani.

Kéré’s oeuvre is all about humanism: the passionate architect builds for the people, close to the people, and, if at all possible, with the people. Warm relationships, hospitality, basic rights, personal development, empowering the locals, strengthening the community, and encouraging closeness to nature are among his trademarks. All this is reflected in the pavilion Kéré has designed for the Palazzo Litta courtyard. Circular stone structures are positioned atop a platform that is skirted by a carpet of locally grown grasses, with a singular bamboo canopy protecting the whole. The structure of the pavilion is open and transparent – welcoming, from the very first glance. “It radiates human warmth, something we here in the West need to relearn, urgently. We have to open ourselves to others once again and to welcome them with all our heart.” These words ring very true indeed in our current time, with the plight of refugees, rising indifference, and border closures. “You see the surroundings and the surroundings see you. While you’re there to meet friends and acquaintances, you stay connected to the area. The pavilion is open, not rigid; it is informal, like the human mind should be. I want visitors to immediately feel comfortable and at ease”, Kéré says. The installation is a reference to his roots in Gando, Burkina Faso. “My home village is a benchmark for the public architecture I design – where you feel part of the community and the surrounding landscape.”

L’opera di Kéré pone al centro l’ampio concetto dell’umanesimo: l’appassionato architetto costruisce per le persone, vicino alla gente e, se possibile, con la gente. Rapporti umani, ospitalità, diritti elementari, crescita personale, emancipazione dei residenti, rafforzamento della comunità e incoraggiamento alla vicinanza alla natura sono tra i suoi marchi di fabbrica. Tutto questo si riflette nel padiglione che Kéré ha progettato per il cortile di Palazzo Litta. Strutture circolari in pietra sono posizionate sopra ad una piattaforma costeggiata da un tappeto di canne coltivate ​​ localmente, protetta da una tettoia realizzata da singole canne di bambù. La struttura del padiglione è aperta e trasparente - accogliente, fin dal primo sguardo. “ Irradia di calore umano, qualcosa che qui in Occidente dobbiamo re-imparare, velocemente. Dobbiamo aprirci agli altri, ancora una volta e accoglierli con tutto il cuore”. Queste parole suonano molto vere specialmente in questi tempi, con la difficile situazione dei rifugiati, l’aumento dell’indifferenza e la chiusura delle frontiere. “Si vede l’ambiente e l’ambiente vede te. Mentre sei lì tra amici e conoscenti, rimani in contatto con il luogo. Il padiglione è aperto, non rigido; è informale, come la mente dell’essere umano dovrebbe


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016








6 1



Mock-up of the Courtyard Village by Diébédo Francis Kéré

Visitors to the exhibition A Matter of Perception: Tradition and Technology will arrive in the courtyard and step onto the grass, where they can relax in and around the pavilion on furniture by Belgian designer-duo muller van severen. “Their furniture is so simple and elegant! I love their work – it fascinates me. It also corresponds to my own aesthetic – simple things that work.” Kéré’s ZIBA stool, designed especially for the occasion, is also presented in the pavilion. It references traditional African stools, shaped by carving solid logs from the shea tree with handmade tools. “The ZIBA stool reinterprets this process using advanced technology applied to cedar logs. Its playful and soft shape evokes faraway worlds, as does its name, which refers to an ironic Burkinabé expression meaning to encourage the avoidance of indolence.”


essere. Voglio che i visitatori si sentano a proprio agio” afferma Kéré. L’installazione è un chiaro riferimento alle sue origini di Gando in Burkina Faso. “Il mio villaggio natale è un punto di riferimento per l’architettura pubblica che ho progettato - in cui ti senti parte della comunità e del paesaggio circostante.” I visitatori della mostra A Matter of Perception: Tradition & Technology entreranno dal cortile, attraverseranno il prato, dove potranno rilassarsi dentro e fuori dal padiglione sulle sedute della coppia di designer belgi muller van severen. “Il loro design è così semplice ed elegante! Mi piace il loro lavoro - mi affascina. Corrisponde anche al mio criterio di estetica – oggetti semplici che funzionano”. Viene presentato nel padiglione anche lo sgabello ZIBA di Kéré, progettato appositamente per l’occasione. Fa riferimento agli sgabelli tradizionali africani, realizzati intagliando i tronchi dell’albero di karitè con strumenti fatti a mano. “Lo sgabello ZIBA reinterpreta questo processo utilizzando le nuove tecnologie applicate ai tronchi di cedro. La sua forma ludica e morbida evoca mondi lontani, così come il suo nome, che fa riferimento ad un’ironica espressione burkinabé che incoraggia a non essere indolenti.”

5 4









A Matter of Perception 2016


DIÉBÉDO FRANCIS KÉRÉ 1 Courtyard Village Taking its cues from the social and spatial dynamics of a typical African village, the Courtyard Village that Francis Kéré has conceived for A Matter of Perception: Tradition & Technology aims to carve paths for social encounters and gatherings among visitors. Defining this communal ground is an elevated platform surrounded by a ground cover of wild grass. Overhead, a singular canopy of bamboo protects and shades the village community below. Atop the platform stand three open, circular shelters made of stone, whose shaping and materiality dually express a sense of transparency and mass. The primary method of construction of these pavilions highlights the use of stone as both a primitive and innovative building material. The instinctive and primal act of stacking is reinterpreted and expanded to underscore the material’s potential for lightness and transparency. Reminiscent of traditional African textiles, a bold pattern of alternating horizontal and vertical elements creates a playful ‘hide and seek’ effect in Palazzo Litta’s historic courtyard. Francis Kéré is a German-trained architect from Burkina Faso. He is the founder of Kéré Architecture, a Berlin-based firm whose focus is to develop innovative construction by integrating traditional building techniques and materials with modern engineering methods. Kéré’s community-focused projects have won international acclaim with awards including the Aga Khan Award for Architecture, the BSI Swiss Architectural Award, the Global Holcim Award, and the Schelling Architecture Prize.

Francis Kéré visiting the Casone showroom in Milan Photo: Siegrid Demyttenaere

Prendendo spunto dalle dinamiche sociali e spaziali del tipico villaggio africano, il Courtyard Village che Francis Kéré ha ideato intende favorire l´incontro e lo scambio fra i visitatori. La sua piattaforma dal profilo organico, circondata da un fitto tappeto di piante erbacee, definisce il suolo comune del villaggio, mentre un grande tetto di bambù protegge questa “comunità” sotto la stessa chioma simbolica. Sulla piattaforma, tre padiglioni in pietra esprimono allo stesso tempo massa e trasparenza tramite la loro materialità, mentre la loro forma circolare accoglie il visitatore in spazi permeabili e aperti. Il loro sistema costruttivo interroga le possibilità della pietra come materiale primitivo e allo stesso tempo innovativo, in quanto l´atto istintivo di impilare pietre viene reinterpretato in modo da esaltare l´insolito potenziale leggero e trasparente del materiale. Evocativo dei tessuti africani tradizionali, questo sistema che alterna elementi orizzontali e verticali crea un effetto ludico, rivelando e nascondendo la vista della corte di Palazzo Litta.


A Matter of Perception 2016

CASONE + MUTTI Tailored stone design In search of the material’s ideal form of expression, the close collaboration between Casone and Francis Kéré has aimed to reinterpret the most primitive construction method, the stacking of stones, in an innovative and audacious way. Six stone varieties have been selected from the company’s quarries: their warm and powdery colours are evocative of African landscapes. Casone, in collaboration with Mutti, has used the most advanced technologies to shape each individually designed element in the installation. Three pavilions have been built: made entirely of stone, they reveal the stones’ special features of lightness, transparency, and sinuousness. Casone is an expert in the field of stone and marble quarrying, cutting, and processing. In collaboration with internationally renowned architects, Casone works closely with its clients to enhance stone’s individuality. / Mutti is a family firm founded in 1960. Since then it has maintained the philosophy of the craftsman, with the objective of transmitting knowledge as well as the art of working with marble, to future generations. The skills of its artisans are now combined with new technologies to achieve the levels of quality and quantity needed today. /

Francis Kéré, architetto nato in Burkina Faso e formato in Germania, è il fondatore dello studio Kéré Architecture di Berlino. Il suo obiettivo è sviluppare edifici innovativi integrando tecniche e materiali tradizionali con soluzioni ingegneristiche moderne, coinvolgendo la comunità in tutte le fasi di progetto. Il lavoro di Francis Kéré è stato riconosciuto da numerosi premi internazionali, tra i quali l´Aga Khan Award for Architecture, il Global Holcim Award e il BSI Swiss Architectural Award.

Mock-up of the Courtyard Village by Diébédo Francis Kéré


Marble decoration by Mutti

A selection of stones by Casone

L’intensa collaborazione tra l’azienda e Francis Kéré nella ricerca dell’espressione ideale del materiale nell’ottica del progetto aveva come ambizione comune quella di reinterpretare il metodo costruttivo più primitivo, quello dell’impilare pietre, in una chiave innovativa e audace. Sei varietà di pietre pregiate sono state selezionate dalle cave dell’azienda: dai toni caldi e sabbiosi, sono evocative di colori e textures africane. Casone, in collaborazione con Mutti, ha impiegato le tecnologie più avanzate per modellare ogni singolo elemento, disegnato individualmente. Da questa lavorazione particolare nascono tre padiglioni circolari interamente in pietra, che hanno la straordinaria capacità di mostrare il materiale nelle sue caratteristiche più insolite di leggerezza, trasparenza e sinuosità. Casone è una delle aziende di riferimento del settore delle pietre nel quale opera da anni collaborando con i più importanti architetti del mondo. La caratteristica dell’azienda è quella di lavorare in stretto contatto con i propri clienti seguendo passo dopo passo il processo di realizzazione del progetto e creando opere in pietra su misura con le più sofisticate tecniche di lavorazione. / In questo progetto insieme a Mutti Francesco srl, un’azienda famigliare fondata nel 1960 che negli anni ha saputo mantenere la qualità della tradizione artigiana abbinata all’uso delle nuove tecnologie di lavorazione per aumentare il livello di qualità e quantità del mondo contemporaneo.


A Matter of Perception 2016


ETERNO IVICA Hidden strength “Francis Kéré’s beautiful design gives us the impression of architectural lightness and transparency, even if the weight of the stones used to build the pavilion structures represented a difficult challenge to solve, especially considering this is a temporary installation that has to be mounted and disassembled in just a few days.” Eterno Ivica’s structural elements simplified and resolved the difficulty of this challenge with extraordinary effectiveness. A flexible solution for supporting all the weight made it possible to realise the lovely round platform. Eterno Ivica has been working in the construction market for over 60 years. It produces accessories and components for many sectors, in each of which the company is distinguished by its high degree of specialisation and innovation regarding proposed solutions. Committed to innovation, development, and excellence of quality and service, its wide range of products are designed and produced entirely in Italy. Eterno Ivica is part of the Plastic+ Group, along with Italtronic and Plastic Planet.

Advertising shot by Eterno Ivica, representing the strength of the structure


A Matter of Perception 2016


EUROAMBIENTE Building landscape

Detail of floor construction

A landscape created by Euroambiente for Portello in Milan

“Il bellissimo progetto di Francis Kéré ci trasferisce l’impressione di un’architettura trasparente e leggera ma in realtà il peso della pietra con sui sono costruiti i tre padiglioni rappresentava una sfida difficile da risolvere, soprattutto pensando ad un’installazione temporanea che deve essere montata e smontata in pochi giorni.” Gli elementi strutturali di Eterno Ivica hanno semplificato e risolto la difficoltà della sfida con straordinaria efficacia. Solo con una soluzione così flessibile e con la possibilità di sostenere pesi al di sopra di ogni aspettativa è stato possibile realizzare la bellissima piattaforma tondeggiante disegnata da Kéré. Eterno Ivica opera nel mondo delle costruzioni da oltre 60 anni. Produce accessori e componenti per molti settori in ognuno dei quali l’azienda si distingue per l’alto grado di specializzazione e di innovazione delle soluzioni proposte. Sempre orientata all’innovazione, lo sviluppo e l’eccellenza nella qualità e nel servizio, la vasta gamma dei suoi prodotti sono progettati e prodotti interamente in Italia. Eterno Ivica fa parte di Plastic+Group insieme a Italtronic e Plasti Planet.

For Francis Kéré’s project, Euroambiente relied on one of the last artisans in Italy processing the erba palustre: a wild plant that grows spontaneously alongside Italian rivers. This material is commonly used for furniture (such as for woven seats), but thanks to the company’s collaboration with the architect, it has taken on a whole new shape: playful bundles of the plant cover Palazzo Litta’s courtyard, creating an abstract elaboration of an African landscape. Euroambiente is a branch of the Zelari Group, which consists of diverse companies that offer a wide range of products and services for plant nurseries, landscapes, building, safety, and territorial control. The group represents a benchmark for industry professionals and for public and private clients, especially in regard to the design and construction of major landscape works. Each of the companies works to the highest standards in technology and expertise in the fields of maintenance and management of green areas and real estate. /

Per il progetto di Francis Kéré, l’azienda si è appoggiata ad uno degli ultimi artigiani in Italia che lavora l’erba palustre, varietà di pianta selvatica che cresce spontaneamente sul corso dei fiumi. Questo materiale viene solitamente utilizzato per l’impagliatura di sedie, ma grazie alla collaborazione tra lo studio Kéré e Euroambiente, viene qui trattato in maniera del tutto insolita per formare dei fasci che, ricoprendo gran parte del Cortile d’Onore di Palazzo Litta, evocano in maniera astratta e concettuale un paesaggio africano. Euroambiente è un’azienda del Gruppo Zelari, che riunisce diverse aziende nel settore del vivaismo, del paesaggio, dell’edilizia e della sicurezza. Il Gruppo Zelari rappresenta un punto di riferimento per professionisti e committenze pubbliche e private nella progettazione e realizzazione di grandi opere del verde, quali parchi, urbanizzazioni e sistemazioni esterne in genere.


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


GAGGENAU Conviviality Pavilion

REGGIANI Courtyard atmosphere

Francis Kéré has conceived the Courtyard Village as a place for encounter, dialogue, and relaxation. Within this context is the Conviviality Pavilion, a circular structure like the others, but expressly designed for use as a bar for the serving of food and beverages. Here, Gaggenau’s outstanding range of ovens, wine cellars, and hobs is presented, a wonderfully surprising scenography in which to exalt the best appliances in the world. Gaggenau manufactures high-quality home appliances and is widely acknowledged as a leader in design and technology exclusively made in Germany. Founded in 1683, throughout the years the company has revolutionised the domestic kitchen with its internationally acclaimed products. Gaggenau’s success is founded on technological innovation and a clear design language, combined with high functionality.

Light is a key element for enhancing the architectural installation that Francis Kéré has inserted into the majestic Renaissance courtyard. Reggiani’s challenge has been to emphasise the contrast between the historic architecture of the building and the contemporary structure that magically appears from the grassy area in the first half of the courtyard. Reggiani is an international leader in the lighting industry, with products distributed in 80 countries worldwide. Its community of lighting experts provides customers with cutting-edge technological solutions, all by way of an open, collaborative, and problem-solving approach. The constant development of innovative products and an expertise gained from over 50 years of activity, has outlined an increasingly open exchange with the world of lighting designers and architects, establishing relationships founded on the sharing of ideas and best practices. La luce è un elemento fondamentale per valorizzare l’architettura dell’installazione di Francis Kéré inserita nel maestoso colonnato del cortile rinascimentale. La sfida di Reggiani è stata quella di enfatizzare la contrapposizione tra l’architettura storica del Palazzo e l’installazione contemporanea che magicamente appare dalla savana simulata nella prima metà del cortile.

Il Courtyard Village di Francis Kéré è pensato come un luogo d’incontro, di dialogo e di relax e quindi non poteva mancare il Conviviality Pavillon, una struttura circolare con la stessa struttura architettonica degli altri padiglioni ma disegnato in modo da poter essere utilizzato come un bancone bar per la distribuzione di cibo e bevande. All’interno dello spazio spiccano i prodotti Gaggenau, forni, cantinette e piani cottura top di gamma. Un inserimento inaspettato e un allusione scenografica per esaltare i migliori elettrodomestici del mondo.

Reggiani è oggi uno dei leader internazionali nell’industria illuminotecnica distribuita in 80 paesi sparsi in tutto il mondo, una comunità di esperti di illuminazione che fornisce ai propri clienti soluzioni tecnologiche all’avanguardia con un approccio aperto, collaborativo e di problem-solving. La costante proposta di prodotti innovativi e l’expertise acquisita negli oltre 50 anni di attività ha delineato un confronto sempre più aperto con il mondo die lighting designer, degli architetti e di progettisti, con i quali Reggiani ha stabilito un rapporto di condivisione e ai quali offre soluzioni e supporto per rispondere a ogni esigenza progettuale.

Gaggenau costruisce elettrodomestici per la casa di alta qualità ed è conosciuta ovunque come leader nel design e per la tecnologia prodotta esclusivamente in Germania. Fondata nel 1683, negli anni ha rivoluzionato la cucina attraverso la qualità riconosciuta a livello internazionale dei propri prodotti. Il successo di Gaggenau si basa sull’innovazione tecnologica e su un design semplice unito ad un’alta funzionalità. Vario cooktops 400 series, by Gaggenau

The new Yori lamp


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


KÉRÉ INSTALLATION: Technical partners

DIÉBÉDO FRANCIS KÉRÉ FOR RIVA 1920 Riva 1920 is the company selected by Francis Kéré to produce his first stool, ZIBA. Specialised in solid wood furniture, Riva 1920 proved ideal for the task, as the design of the stool is inspired by traditional handmade African stools carved in solid shea logs. ZIBA has been shaped from unique stumps of scented Lebanese cedar wood using Riva 1920’s advanced production technologies. Riva 1920 is a company specialised in the production of solid wood furniture. It is renowned for its use of American reforestation wood and reused woods like: Kauri, millennial 1920 wood from New Zealand, Venetian Briccole, and scented cedar wood from Lebanon. Riva 1920 products challenge O LITTA E 2016 timePERbyRIVA respecting nature, telling a story to each generation PROPOSTA 1920 VARIANTE about the excellence embodied in the label ‘Made in Italy’. COURTYARD VILLAGE - PALAZZO LITTA Enhancing FUORISALONE MILANO APRILE its 2016role, the company inaugurated the Museum of Wood in 2001, emphasising that wood is a renewable - but not infinite - resource.

Alu table and Alu chair, by muller van severen for valerie_objects

ZIBA, by Kéré Architecture Photo: Riva 1920

Disegni in scala 1:10

pettate. Copyright © Kéré Architecture dell´architetto. Tutti i diritti riservati

Note: -Tutte le dimensioni indicate sul disegno devono essere rispettate. -Nessuna modifica deve essere effettuata senza l´accordo dell´architetto.

Riva 1920 è l’azienda scelta dall’architetto Kéré per realizzare il suo primo sgabello, ZIBA. Specializzata nella produzione di mobili in legno massello, Riva 1920 si è rivelata ideale nel produrre questo sgabello che, ispirandosi agli sgabelli tradizionali africani, ricavati da ceppi di legno di karité tramite lavorazioni artigianali, rielabora questo procedimento in chiave moderna: con l’impiego di tecnologie produttive avanzate, Riva 1920 ha realizzato ZIBA da tronchi di legno di cedro profumato proveniente dal Libano. Riva 1920 è conosciuta per l’uso di legno usato per la riforestazione Americana e per il legno ri-usato come: il Kauri, millenario legno della Nuova Zelanda, le Briccole Veneziane e il cedro profumato del Libano. I prodotti Riva 1920 sfidano il tempo rispettando la natura, raccontando ad ogni generazione la storia sull’eccellenza innata del marchio Made in Italy. Nello sforzo di continuare a migliorare, l’azienda ha inaugurato nel 2001 il Museo del Legno, enfatizzando il concetto che il legno è una risorsa rinnovabile ma non infinita.

MULLER VAN SEVEREN FOR VALERIE_OBJECTS Featured in Kéré’s courtyard installation is Belgian designer-duo muller van severen’s new aluminium collection, Alu, consisting of round tables and chairs. Created for valerie_ objects, such familiar-looking designs are deceptively simple: “We’ve been intrigued with the process of anodising for a while. It’s a way to protect the aluminium from corrosion using electrolytic passivation. Interestingly, it is also a way to colour the metal. In designing this new round table, we opted for a couple of UV-resistant colours.”

ATELIER TERNIER FOR LABT The DISC.-series of platters was designed by Atelier Ternier for Labt. Depending on the time or the place, they can be used to serve, clear, gather, hide, or display. The recognisable materials add to their charm, the rough appearance of chipboard softly contrasting with the smooth look of porcelain. Not too large and not too small, the platters are easy to accommodate anywhere.

MULLER VAN SEVEREN FOR VALERIE_OBJECTS Uno dei protagonisti dell’installazione di Francis Kerè nel cortile è la nuova collezione Alu, di tavoli tondi e sedie in alluminio disegnata dal duo belga muller van severen. Progettati per valerie_objects con un design così famigliare da sembrare apparentemente semplice: “Siamo rimasti affascinati dal processo di anodizzazione. E’ un modo per proteggere l’alluminio dalla corrosione usando un processo elettrolitico ma è interessante sottolineare il fatto che è anche un modo per colorare il metallo. Nel progettare il nuovo tavolo tondo abbiamo optato per un paio di colori resistenti ai raggi UV.”

DISC.-series, by Atelier Ternier for Labt

ATELIER TERNIER FOR LABT Disc.-series è una serie di piatti disegnati da Atelier Ternier per Labt. A seconda dell’ora o del luogo, possono essere usati per servire, pulire, raccogliere, nascondere o mostrare. I materiali riconoscibili aggiungono fascino al prodotto, l’aspetto ruvido di morbido truciolare contrasta con quello liscio della porcellana. Né troppo grandi né troppo piccoli, i piatti sono facili da collocare ovunque.


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


LOVE HULTÈN 2 Handmade Tech

700, 2014 / A conceptual two-player arcade setup inspired by the Telechron Electrolarm 700 from 1929

THE RETRO-FUTURE OF DESIGN Love Hultèn’s well-crafted electronics

Swedish designer Love Hultèn’s handmade work is a magnificent mix of technology, craft, and design. His devices are made of precious materials like walnut and brass, and are mainly game related. On R- KAID-R (an elegant retro-futuristic portable arcade system), you can play retro games like Atari and Super Nintendo. These games are elegantly designed, with many references to the 1930s, 60s, and 80s. “I work with design and craft references from the entire 20th century, when material qualities were very important. This kind of design happens to go very well with my concept of quality in craft.” So it’s not down to nostalgia but rather a desire for quality. Moreover, Hultèn’s design is also a reaction to recent developments like touchscreens: “I’m not against touchscreens; they work very well for certain purposes, but they’re used for everything now. I want to go back to a more physical approach, and to more control: I want you to get instant feedback on your interaction.”

Love Hultèn with The Speaker, 2015

Pixel Vision, 2016 A handmade pocket-sized portable game system

IL RETRO-FUTURO DEL DESIGN L’elettronica artigianale di Love Hultèn Il lavoro fatto a mano del designer svedese Love Hultèn è uno straordinario mix di tecnologia, artigianato e design. I suoi apparecchi sono costruiti con materiali preziosi come il legno di noce e l’ottone e sono soprattutto legati al gioco. Su R-KAID-R (un elegante retro-futuristico arcade system portatile) potete giocare a vecchi giochi elettronici come Atari e Super Nintendo. Gli apparecchi sono disegnati con eleganza con molti riferimenti stilistici agli anni ’30, ’60 e ’80. “Il mio lavoro fa riferimento al design e all’artigianato del ventesimo secolo, quando le qualità dei materiali erano molto importanti. Questo tipo di design si sposa molto bene con il mio concetto di qualità artigianale.” Insomma non è nostalgia per il passato ma piuttosto desiderio di qualità. Inoltre il design di Hultèn è anche una risposta al recente sviluppo della tecnologia, come i touchscreen: “Io non sono contro i touchscreen; funzionano molto bene per certe necessità ma oggi sono usati per qualunque cosa. Io vorrei tornare indietro ad un approccio più fisico e ad un maggior controllo: vorrei avere un feedback immediato ad una interazione.”

Hultèn’s clients are mainly art and design collectors. But now he he wants to reach out to a slightly broader pool of customers – he’s currently on the brink of transforming his one-person studio into a collaborative unit that produces more than precious one-offs. And he has more plans for the future. “I love to work with game-related concepts, but I feel I shouldn’t get stuck in that field. I want to go more into making musical instruments.” That makes sense, since he’s a musician himself, playing in both a death metal band and a punk band. His modular, handcrafted wooden music devices inspired by LEGO already indicate the direction he would like to take. Let’s see what happens! Love Hultèn is a Swedish designer, craftsman, and innovator who has a knack for fusing modern technology with traditional artisanal knowledge, creating a unique blend of function and aesthetics. To provide strength and durability, he carefully selects the finest local materials. So far, he has produced, polished, and assembled everything himself.

I clienti di Hultèn sono soprattutto collezionisti. Ma ora sta cercando di allargare i propri clienti: attualmente è sul punto di trasformare il suo studio, composto da una sola persona, in un gruppo di collaboratori che riesca a produrre più di un singolo, prezioso, pezzo per volta. E ha molti progetti per il futuro: “Mi piace lavorare con concetti legati al gioco ma ho la sensazione che non devo rimanere bloccato in questo campo. Mi piacerebbe muovermi verso la realizzazione di strumenti musicali.” E’ un’idea sensata dal momento che lui stesso è un musicista che suona contemporaneamente in una band death metal e in una punk. Il suo strumento musicale, modulare, ispirato al LEGO e realizzato artigianalmente in legno, è già in questa direzione. Vediamo cosa succede! Love Hultèn è un designer svedese, artigiano e innovatore con un’abilità particolare nel mettere insieme la moderna tecnologia con il sapere artigianale, creando un mix unico tra forma e funzione. Per assicurare resistenza e durata ai suoi prodotti seleziona con attenzione i migliori materiali locali. Per questo produce, monta e lucida personalmente tutto ciò che fa.


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


VALERIE_OBJECTS 3 New pieces valerie_objects is a new design label initiated by Axel Van Den Bossche, Frank Lambert, and art director Veerle Wenes (valerie_traan design gallery), which combines their professional and personal tastes for all things good and beautiful. The Antwerp-based entity works with architects, artists, and designers, translating signature works into tangible objects and finding an appropriate audience for the pieces. Authentic thinkers, well-considered designs, and intelligent hands are at the heart of the label.


“This is micro-architecture.” The project follows on from Robbrecht & Daem’s 2009 exhibition at Bozar (Brussels), in which scenographic furniture was featured. Because the show then travelled to London and Johannesburg, the architects designed folding tables and stools to make it easier for visitors to look at the drawings, sketches, and texts. This ‘micro-architecture’ has now been translated for valerie_objects; the Ta Tish table is a folding, ‘invisible’ element that can be unpacked and used immediately. Robbrecht & Daem was established in 1975 by Paul Robbrecht and Hilde Daem, with Johannes Robbrecht joining in 2002 and becoming a partner in 2012. The interplay between architectural design and the visual arts is a unifying theme in its body of work, establishing a contemporary and humane position with constructions that make statements in the broad cultural context of science and art.


“The hidden vases are a paradox: they are hidden, but then again, they’re not.” Chris Kabel’s hidden vases project was originally conceived for the Spanish publication The Plant Journal (now The Plant). As Kabel explains: “I wanted to create an invisible non-vase. But of course it became an autonomous object that maintains itself. I love these kinds of contradictions. This is a recurring theme in my work.” A small collection of one-off vases was produced, based on his initial research. Three different models are now available at valerie_objects, formed of metal, glass, and ceramic.

valerie_objects è un nuovo brand di design nato dall’iniziativa di Axel Van Den Bossche, Frank Lambert e l’art director Veerle Wenes (Galleria valerie_traan), che unisce il loro gusto personale e professionale nella scelta di oggetti di straordinaria bellezza. Il brand di Anversa lavora con architetti, artisti e designer trasformando opere in oggetti quotidiani per un pubblico dedicato. Autentici pensatori, straordinario design e una spiccata manualità sono il cuore del brand. JOBURG E TA TISH DI ROBBRECHT & DAEM “Questa è micro-architettura.” Questo progetto è il risultato della mostra di Robbrecht & Daem del 2009 al Bozar (Bruxelles). Quando venne presentata a Londra e a Johannesburg, gli architetti progettarono tavoli e sgabelli pieghevoli per permettere ai visitatori di contemplare le opere. Questa ‘micro - architettura’ è ora interpretata per valerie_objects. Il Ta Tish è un tavolo pieghevole, un elemento ‘invisibile’ che può essere aperto e utilizzato a necessità. Robbrecht & Daem architetti è stata fondata nel 1975 da Paul Robbrecht e Hilde Daem; Johannes Robbrecht si è aggiunto nel 2002 ed è diventato partner dello studio nel 2012. L’interazione tra progettazione architettonica e arti visive è un tema molto sentito nel loro lavoro.

I VASI NASCOSTI DI CHRIS KABEL “I vasi nascosti sono un paradosso.” Il progetto hidden vases di Chris Kabel è stato originariamente concepito per la rivista spagnola The Plant Journal. Come Kabel spiega: “Ho voluto creare un non-vaso invisibile. Ma ovviamente è diventato un oggetto autonomo che si regge da solo. Adoro queste contraddizioni, è un tema ricorrente nel mio lavoro.” Tre diversi modelli sono ora disponibili presso valerie_objects, realizzati in metallo, vetro e ceramica.

Chris Kabel si è laureato nel 2001 alla Design Academy di Eindhoven. Dal 2002 ha aperto lo studio a Rotterdam. Lavora con brand di design, architetti, istituzioni culturali e gallerie. Il suo lavoro è esposto nelle collezioni del MoMA di New York e presso il Stedelijk Museum di Amsterdam.


“We immediately want to see how a piece looks and get a sense of its proportions. We want to see how humans relate to the object. So most of the time, we work live.” Belgian designer-duo muller van severen has launched a simple collection in aluminium called Alu: round tables and chairs (to be found in the courtyard). Here, too, valerie_objects is presenting a couple of muller van severen’s swivelling hanging lamps. Since 2011, muller van severen, founded by Fien Muller and Hannes Van Severen, has been on an inspired quest for sculpturally interesting furniture objects – items that are spontaneous and produced with apparent effortlessness. The universe they create dovetails quite naturally with their work as individual artists. muller van severen is the first artist-duo to work with valerie_objects.


“There is often a great deal of beauty in a quick sketch, but those spontaneous lines usually get lost in the industrial process.” Almost childlike shapes are present in many pieces by Dutch designer Maarten Baas. The knife, fork, tablespoon, and teaspoon created for valerie_objects seem to have gone directly from sketch to factory. An irregular-zigzag knife edge, for example, is an ostensibly simple intervention, but is actually the most difficult part of the production. Maarten Baas is an independent Dutch designer, often described as an auteur designer, with objects situated somewhere between art and design. His work, in turns called rebellious, humorous, intellectual, and theatrical, can be found in the collections of the MoMA, Victoria & Albert, Les Arts Décoratifs, San Francisco Museum of Modern Art, Die Neue Sammlung, Stedelijk Museum, and the Rijksmuseum.


“I was inspired by my favourite technical pencil.” Japanese designer Koichi Futatsumata’s cutlery set combines a flat surface with an octagonal stem. Cutlery usually has a flat surface due to its functionality. Here, the flat surfaces remain at the ends, while the main part of the body is octagonal in shape. As a result, the form, which fits one’s hand, adds individuality with a sculptural touch. The set is made of brass and resin and is one of the first two projects to go into industrial production. Japanese designer Koichi Futatsumata’s activities range from interiors, architecture, and furniture to product design. He is the founder of CASE-REAL, a company for space design, and Koichi Futatsumata Studio, focusing on objects. His designs are included in the permanent collections of the San Francisco Museum of Modern Art and of other public museums.

Chris Kabel (b.1975, Netherlands), graduated in 2001 from Design Academy Eindhoven. In 2002 he moved to Rotterdam, where he started a design practice. He works with design labels, architects, cultural institutions, and design galleries. His work is included in the collections of MoMA in New York and the Stedelijk Museum in Amsterdam. hidden vases by Chris Kabel for valerie_objects Photo: Athoz Burez

Cutlery, by Maarten Baas Photo: Senne Van Der Ven & Inge Rylant

I MOBILI E LE LAMPADE DI MULLER VAN SEVEREN “Vogliamo subito vedere come è un oggetto e dare un senso alle sue proporzioni. Ci interessa capire la relazione umana con il prodotto.” Il duo di designer belgi muller van severen presenta una semplice collezione in alluminio chiamata Alu: tavoli tondi e sedie. Qui verranno anche presentate una coppia di lampade a sospensione orientabili. Dal 2011, Fien Muller e Hannes Van Severen, hanno fondato lo studio muller van severen lavorando su una ricerca orientata verso scultorei pezzi d’arredamento, oggetti spontanei e apparentemente realizzati senza sforzo. muller van severen è il primo duo di artisti che lavora per valerie_objects.

LE POSATE DI MAARTEN BAAS “Le belle linee istintive di uno schizzo spesso si perdono nel processo di industrializzazione del prodotto.” Il coltello, la forchetta e il cucchiaio da tè sembra siano passati direttamente dallo schizzo alla produzione. Lo zig zag irregolare della lama del coltello, per esempio, è un intervento apparentemente semplice ma è una delle parti più difficili da realizzare.

Maarten Baas è un designer olandese indipendente ei suoi prodotti sono collocati a metà tra l’arte e il design. Il suo lavoro è presente nelle collezioni del MoMA, del Victoria & Albert, del Les Arts Décoratifs, del Museum of Modern Art di San Francisco, del Die Neue Sammlung, del Stedelijk Museum e del Rijksmuseum.

LE POSATE DI KOICHI FUTATSUMATA “Mi sono ispirato alla mia matita preferita.” Le posate del designer giapponese Koichi Futatsumata sono composte da una superfice piatta e uno stelo ottagonale. Di solito le posate hanno superfici piatte per un motivo funzionale. In questo caso, le superfici piatte sono solo nella parte finale della posata mentre la parte centrale è ottagonale. Il set di posate è realizzato in ottone e resina ed è il primo di due progetti che entreranno in produzione.

L’attività del designer giapponese Koichi Futatsumata spazia dal design d’interni all’architettura, dai mobili al product design. I suoi progetti sono presenti nella collezione permanente del Museum of Modern Art di San Francisco e in molti altri musei pubblici.


A Matter of Perception 2016



RUREDIL 4 Ruredil Ring The Ruredil Ring project involves the construction of a racing track for plastic balls (Ø 3.5 cm) to be built with X Plaster W-System™ Technology by Ruredil. During Milan Design Week 2016, the track is available to everyone for gaming, while on Saturday 16 April, the first ‘Ruredil Championship on Track for Architects’ is being held. Before the race, the Marketing Director will present the company to architects, journalists, and the public. Ruredil has been operating for more than 55 years in Italy and abroad. It researches, develops, produces, and sells concrete admixtures, products for concrete and masonry repair and protection, and special systems and technologies for the precast concrete industry and for the appearance and aesthetics of concrete. Ruredil S.p.A is able to quickly answer market requirements with its trademarks: Ruredil, Levocell, and Rurmec. It promotes its products abroad through the associated company Rurcem. Danilo Premoli divides his time between architecture, design, and journalism, and works with interior design, IT, and accessories companies. He designs for various brands, such as Stilnovo, Refin Ceramiche, Methis, De Castelli, San Lorenzo, Asus, Tucano, and Lorenz. He won the Smau Icograda Excellence Award in Milan (1999) and the Accent on Design award at the New York International Gift Fair (1996). Premoli is also a member of the Scientific Committee (final selection) for the ADI Design Index 2016 and 2017, and for the Compasso d’Oro 2018.


HETTLER.TÜLLMANN 5 The Malawi Collection

The Ruredil Ring project, sketch

Il progetto Ruredil Ring è stato pensato per realizzare una pista per biglie in plastica (Ø 3,5 cm) da costruire con la tecnologia X Plaster W-System™ di Ruredil. In occasione della Milano Design Week 2016 la pista sarà a disposizione del pubblico per giocare e divertirsi liberamente, mentre nella giornata di sabato 16 aprile avrà luogo il ‘Primo Campionato Ruredil di biglie su pista’ riservato ad Architetti che vedrà sfidarsi in gara i progettisti invitati. Prima della gara il Direttore Marketing di Ruredil presenterà l’azienda ai progettisti invitati, alla stampa e al pubblico presente. La società Ruredil opera da oltre 55 anni in Italia e all’estero. Ricerca, sviluppa, produce e vende additivi per calcestruzzo, prodotti per la riparazione e protezione del calcestruzzo della muratura, speciali sistemi per il rinforzo strutturale, tecnologie per l’industria dei prefabbricati e per l’estetica del calcestruzzo. Ruredil S.p.A. è in grado di rispondere a tutte le esigenze provenienti dal mercato dell’edilizia con i suoi marchi: Ruredil, Levocell, Rurmec. Ruredil promuove i suoi prodotti all’estero, attraverso la società collegata: Rurcem. Danilo Premoli divide il suo tempo tra architettura, design e giornalismo e come consulente per aziende di accessori e interior design. Progetta per diversi brand, tra questi: Stilnovo, Refin Ceramiche, Methis, De Castelli, San Lorenzo, Asus, Tucano, Lorenz. Ha vinto il Premio Smau Icograda Excellence Award (1999) e l’Accent on Design all’International Gift Fair di New York (1996). Fa parte del Comitato scientifico selezione finale ADI Design Index 2016 e 2017 per il Compasso d’Oro 2018.

The Ruredil Ring project

A Matter of Perception 2016

People of the Sun

Over the past years, hettler.tüllmann has followed traditional crafts in various parts of the world with great curiosity. As such, the discovery of People of the Sun was a fruitful encounter. The NGO fosters creative synergies between international designers and its network of artisan partners. Based on the resources that are available, hettler.tüllmann has designed objects combining basket-weaving and lathe techniques. hettler.tüllmann is a collaboration between designer Katja Hettler and architect Jula Tüllmann. After many years working abroad in Paris and New York, they both returned to Berlin. They founded hettler.tüllmann and the label redmaloo – accessories for electronic devices. The pair’s work focuses on furniture, accessories, and interior design, always integrating sustainable materials and craftsmanship as part of a philosophy that aims to be minimal, traditional, and modern. PEOPLE OF THE SUN This NGO is dedicated to helping low-income, highly-skilled artisans build sustainable businesses that raise their standards of living and preserve the cultural heritage for future generations. Thus far, the organisation’s work has been centred on committed and talented artisans in Southern Malawi, where a community-based model (including interest-free loans with which to invest in equipment and materials to establish and grow enterprises) partners up with talented designers and respected international brands, to raise its profile and promote brand awareness.

The Malawi Collection, by hettler.tüllmann

Negli ultimi anni lo studio hettler.tüllmann ha seguito con grande curiosità le tradizionali lavorazioni artigianali in varie parti del mondo. In questo percorso ha scoperto People of the Sun, una ONG che favorisce e promuove l’incontro fra le sinergie creative di designer internazionali e la rete di artigiani che rappresenta. E’ stato un incontro fortunato e produttivo da cui è nata The Malawi Collection. hettler.tüllmann, basandosi sulle risorse locali disponibili, ha disegnato oggetti che mescolano la tecnica del cesto intrecciato con la tornitura. hettler.tüllmann nasce dalla collaborazione tra la designer Katja Hettler e l’architetto Jula Tüllmann. Dopo molti anni di lavoro all’estero a Parigi e New York, le due progettiste sono ritornate a Berlino e hanno aperto lo studio hettler.tüllmann. Hanno lanciato il brand redmaloo di accessori per dispositivi elettronici. Il lavoro si concentra oggi su mobili, accessori e design d’interni, sempre integrando materiali sostenibili e artigianali in una filosofia che mira ad essere minimale, tradizionale e contemporanea. PEOPLE OF THE SUN E’ una ONG che si dedica ad aiutare artigiani altamente qualificati ma poco remunerati, a costruire imprese sostenibili che sollevano i loro standard di vita e preservano la loro cultura da trasmettere come patrimonio per le generazioni future. Fino ad ora il lavoro dell’organizzazione si è concentrato sugli artigiani di talento nel Malawi meridionale, dove si è creato un modello operativo di riferimento che agevola (ad esempio con prestiti senza interessi per investire in attrezzature e materiali per far crescere le imprese) e coinvolge la comunità locale mettendola in contatto con designer di talento e con aziende internazionali riconosciute, creando un rapporto che aiuti ad accrescere il profilo professionale e il valore dell proprio lavoro.


A Matter of Perception 2016



PUNKT. 6 Jasper Morrison For the first time in Italy, Punkt. presents its intriguing new mobile phone, the MP 01. Designed to be used in conjunction with a smartphone, it is for people who want to get some rare downtime in the digital age. It makes calls. It sends texts. And it knows when to leave you alone. Displaying beautiful minimalism both inside and out, the MP 01 is provoking debate around the world as people start to question the new ‘always-on’ regime. The focus on simplicity is reflected in the styling, which is the work of British industrial designer Jasper Morrison, Punkt.’s artistic director, who has been involved in designing the entire product range. In addition, the Punkt. Design Terrace allows visitors the chance to relax while making use of complimentary phone-charging facilities. The Punkt. UC 01 USB multi-charger combines practicality, power, and design elegance, and Punkt. is pleased to have been able to produce it in Ceggia (VE), Italy. For a more analogue experience, the Punkt. Library also allows visitors to browse through a range of books selected by Petter Neby and the Punkt. team, which reveal how modern technology is affecting us in ways we are perhaps not fully aware of. Headquartered in Switzerland, Punkt. was established by Petter Neby in 2008 with the idea of bringing a breath of fresh air into the consumer electronics market with outstanding, timeless products designed to do their job without intruding on their owner’s time and attention.


ECAL 7 ECAL x Punkt.

MP 01, by Jasper Morrison

Per la prima volta in Italia, Punkt. presenta il suo nuovo intrigante telefono cellulare, l’MP 01. Progettato per essere utilizzato in combinazione con uno smartphone, è per le persone che vogliono avere un po’ di tempo libero nell’era digitale. Chiama. Invia testi. E sa quando lasciarti in pace. Visualizzazione bella e minimalista sia dentro che fuori, l’MP 01 apre un dibattito in tutto il mondo su come la gente stia iniziando a mettere in discussione la nuova abitudine dell’ ‘alwayson’. Pieno stile britannico, opera di semplicità del designer industriale Jasper Morrison per il design di MP01, direttore artistico di Punkt., a cui è stato affidato il design dell’intera collezione di prodotti. Inoltre, la Terrazza di Design Punkt., nel cortile di Palazzo Litta, permette ai visitatori di rilassarsi mentre usa il telefono e lo ricarica gratuitamente. Il Punkt. UC 01 USB multi-caricatore unisce praticità, potenza ed eleganza, e Punkt. è orgogliosa di averlo potuto realizzare a Ceggia (VE) in Italia. La Biblioteca Punkt. permette inoltre ai visitatori di navigare e consultare una serie di libri selezionati da Petter Neby e dalla squadra di Punkt., per farci capire come la la tecnologia moderna ci coinvolga in modi di cui forse non siamo pienamente consapevoli. Con sede in Svizzera, Punkt. è stata fondata da Petter Neby nel 2008 con l’idea di portare una ventata di aria fresca nel mercato dell’elettronica di consumo, con prodotti eccezionali, senza tempo, progettati per fare il loro lavoro, senza disturbare o rubare tempo e attenzioni al loro proprietario.

MP 01, by Jasper Morrison

A Matter of Perception 2016

Photos: ECAL/Younès Klouche

Punkt. presents its recent collaborative project with students from ECAL, the leading Swiss university for art and design in Lausanne. The semester-long programme kicked-off at the beginning of the academic year and saw 15 students from the 2nd-year Master’s programme in product design working on creating prototypes for Punkt. The ECAL design programme is part of the company’s commitment to combining education and industry, creating opportunities for talent and creativity in order to bring mindful technology products to the global marketplace. In January 2016, members of the Punkt. team went to ECAL with John Tree from the Jasper Morrison design office, for an initial presentation of the work. The brief was to propose product designs that expressed the brand’s view on taming technology to create marketable products defined by simplicity of design and function. Ultimately, something a Punkt. customer would like to buy. The results laid out by Professor Augustin Scott de Martinville and the students at the school immediately reflected this, with ideas ranging from weather stations to wall printers, and from torches to televisions. To showcase the results, Punkt. has selected eight designs from the project.

Punkt. presenta il suo recente progetto realizzato di collaborazione con gli studenti di ECAL, la più importante Università svizzera d’Arte e Design con sede a Losanna. Il programma semestrale partito all’inizio dell’anno accademico ha coinvolto 15 studenti del 2 ° anno del Master in Design del Prodotto sulla progettazione e realizzazione di prototipi per Punkt. Il corso di design di ECAL fa parte dell’impegno dell’azienda per collegare l’istruzione con il mondo del lavoro, creando opportunità per il talento e la creatività di giovani che desiderano portare nel mercato globale prodotti tecnologici intelligenti. Nel gennaio 2016 il team Punkt. è andato con John Tree, dell’ufficio di design di Jasper Morrison, presso ECAL per una presentazione iniziale del lavoro. Il brief era quello di proporre idee per prodotti che esprimessero la visone del brand nel domare la tecnologia creando pezzi accessibili al mercato, estremamente semplici nel loro design e nelle funzioni. In definitiva qualcosa che il cliente Punkt. desiderasse acquistare. I risultati ottenuti dal Prof. Augustin Scott de Martinville e dagli studenti sono allineati perfettamente con il brief, con idee che spaziano dalle stazioni meteorologiche alle stampanti a muro, dalle torce ai televisori. Per questa mostra Punkt. ha selezionato otto progetti.


A Matter of Perception 2016



PLH 8 Exploiting OLED PLH is presenting an expansion of its MakeUp and Skin collections by Enrico Corelli. Both series of command devices are made in Italy and break free from traditional switch-plate patterns, which, thanks to their aesthetics in combination with their functionality and technology, turn them into decorative wall pieces. These developments are fully consistent with the PLH style, enhancing the dialogue between lighting and commands that in the past has produced the Neo collection (selected by ADI Index in 2013 and winner of the Iconic Awards 2016: Interior Innovation). The occasion will also see the fruits of PLH’s collaboration with LG DISPLAY, which introduces a new, technologically multi-layered OLED (organic LED). This signals a real revolution in mood lighting, as conjugating commands and lights means switch plates become much more than lighting devices but rather control and comfort elements. Enrico Corelli, CEO of Epic srl, has a technical background in industrial engineering and has always maintained his passion for art alongside his interest in electrical engineering, lighting design, and building automation. Having the opportunity to collaborate with Archistar, he discovered his passion for product design, first designing several lighting devices and then creating a line of PLH commands, that today are among the most recognisable products of their kind on the market. Enrico Corelli believes in Made in Italy and in Italian design. The PLH brand from Epic Srl was created in 2006 to meet the end user’s need for the customisation of products whose design had barely changed over the years. PLH has put together a team of young Italian professionals who contribute their specific knowhow to the success of the project as a whole.


DECHEM 9 Post M.

Enrico Corelli_PLH

PLH si ripresenta in occasione del Fuori Salone di Milano, con un ampliamento dei prodotti delle collezioni MakeUp e Skin. Entrambi apparecchi di comando Made in Italy, MakeUp e Skin escono dallo schema tradizionale della placca grazie alla loro estetica che, abbinata a funzionalità e tecnologia, diventa elemento di arredo sulla parete. Pur mantenendo la stessa coerenza dello stile PLH, viene ora sviluppato un ampliamento della gamma MakeUp e Skin, dando spazio al dialogo tra comandi e luci, in passato già esplorato con NEO (segnalata ADI INDEX 2013 e vincitrice del premio ICONIC AWARDS 2016: Interior Innovation). Al Fuori salone 2016, grazie alla collaborazione con LG Display, viene inserita e presentata la nuova tecnologia ‘a strati’ OLED (LED organico): nasce Mood Light. Questo segna un vera e propria rivoluzione perché coniugando comandi e luci, le placche diventano elementi d’illuminazione ma anche di comfort e di segnaletica. Enrico Corelli – CEO di Epic srl – in possesso di una formazione tecnica come Perito Industriale, ha mantenuto nel tempo la sua passione per l’arte senza disdegnare la professione tecnica di progettazione elettrica, illuminotecnica e di building automation. L’opportunità di collaborare con Archistar, ne contamina la visione e decide di cimentarsi anche nel design di prodotto, prima disegnando alcuni apparecchi illuminanti e poi dando vita ad una linea di apparecchi di comando oggi tra i prodotti migliori e più riconoscibili nel mercato. Enrico Corelli crede nel ‘Made in Italy’ e nel design italiano. Il marchio PLH di Epica Srl è stato creato nel 2006 per soddisfare le esigenze dell’utente finale nella personalizzazione di prodotti la cui progettazione non era cambiata radicalmente nel corso degli anni. PLH ha messo insieme un team di giovani professionisti italiani che contribuiscono insieme al successo del progetto apportando all’interno ognuno il proprio know-how.

MakeUp and Skin designed by Enrico Corelli

A Matter of Perception 2016

Post M., by DECHEM

DECHEM: Michaela Tomišková and Jakub Janďourek Photo: Laco Babuščák

Prague-based DECHEM is presenting a new interior collection of postmodern-inspired furniture and glass vases. In its industrial design practice, DECHEM has recently developed a new collection of furniture made of DuPont™ Corian®. The result is a remarkable set of tables and stools based on iconic aesthetics, using bright, translucent colour inlays set in deep, dark material. The collection is completed with colourful vases and lights, where every piece is hand-blown into beech wood moulds and decorated by hand. The exhibition is supported by Technicor and DuPont™.

Con sede a Praga, DECHEM presenta una nuova collezione di mobili di ispirazione postmoderna e di vasi in vetro. Nella sua ricerca progettuale, DECHEM ha recentemente sviluppato una nuova collezione di mobile in Corian® DuPont™. Il risultato è un interessante set di tavoli e sgabelli che fanno riferimento ad un estetica iconica con un uso del colore brillante e traslucido intarsiato nella profondità di un materiale scuro. La collezione è completata da vasi colorati e luci dove ogni pezzo è soffiato a mano in stampi di legno di faggio e decorati a mano. La mostra è realizzata in collaborazione con Technicor e DuPont™. DECHEM studio was established in Prague in 2012 by Michaela Tomišková and Jakub Janďourek. Since then, the pair has focused on product design, maintaining a special attention to glass, exploring traditional Bohemian craft techniques and the surprising connections of its various forms. The most well known Dechem creations include Glass Town, poetic and playful objects evoking decorative landscapes made of cut crystal; pendant lamps combining hot shaped glass with laboratory glass components (for Kavalier); and sophisticated yet simple coloured vases. Great attention was received in 2014 with the Material vase designed for Křehký gallery using a combination of marble, leather, wood, and copper, which was later awarded at the Trends of Ambiente exhibition.

Lo Studio DECHEM è stato fondato nel 2012 a Praga da Mychaela Tomišková e Jakub Janďourek. Da allora la coppia ha concentrato il suo lavoro sul design di prodotto con una particolare attenzione verso il vetro, esplorando la tradizione delle tecniche artigianali del vetro di Boemia e le sorprendenti relazioni con le forme più disparate. Il più noto lavoro tra i progetti di DECHEM è la Città di Vetro, una serie di oggettipoetici e giocosi che evocano i paesaggi realizzati in cristallo tagliato; lampade a sospensione con vetro soffiato mescolato con pezzi di vetro da laboratorio (per Kavalier); sofisticati e semplicissimi vasi colorati. Hanno suscitato grande interesse nel 2014 i vasi Material disegnati per Křehký gallery realizzati combinando marmo, cuoio, legno e rame e che poco dopo hanno vinto un premio alla mostra Trends of Ambiente.


A Matter of Perception 2016


A Matter of Perception 2016


ARTIGO !º Neverending evolution



!º @§

!¡ ARTIGO. Neverending evolution, by Matteo Ragni Photo: Max Rommel

Artigo is staging its history and evolution at Milan Design Week, under the art direction of Matteo Ragni. The impressive staircase of Palazzo Litta unfolds the story with cascading layers of rubber flooring material. On the first landing, visitors are welcomed by a large mural installation, perfectly grafted onto the architectural structure of the building and exposing the origins of the company’s connection with design, namely the collaboration with Studio Albini and its memorable rubber-dot floor that characterises Milanese metro stations and train interiors. The ribbon then leads to the last landing, where an effective installation and a display of new products celebrate a collaboration between Artigo and Sottsass Associati. The award-winning Artigo company was founded in 1961 by Gruppo Pirelli, from which it inherited an invaluable industrial culture; in 1992, it was taken over by Mondo. Artigo has obtained, among others, the Greenguard Gold certificate and the Der Blaue Engel environmental label for most of its range, with its rubber floors exemplifying design excellence, functionality, performance, sustainability, and durability. Matteo Ragni (b.1972), is a two-time winner of the Compasso d’Oro prize together with Giulio Iacchetti: once in 2001 with Moscardino for Pandora Design – now in MoMA’s permanent collection, and again in 2014 with a series of manhole covers for Montini. In 2015 he won the Good Design Award prize, awarded to the HUB system he designed for Fantoni.

Artigo si presenta per la prima volta sul palco della Milano design week e con la direzione artistica di Matteo Ragni. Il suggestivo scalone di ingresso di Palazzo Litta diventa lo spazio dove far scorrere la storia del marchio, attraverso la creazione di un lungo nastro visivo, che accompagna il visitatore dall’ingresso al piano nobile del Palazzo. Composto da una moltitudine di campioni di pavimento in gomma, il nastro conduce il visitatore fino al primo pianerottolo dove un grande murales, perfettamente innestato sulla struttura architettonica del palazzo, racconta l’importante punto di partenza dell’intreccio tra l’azienda e il design, ossia la collaborazione con lo studio Albini per la posa dello storico pavimento in gomma coi ‘bolli’ che caratterizza da sempre l’aspetto delle metropolitane milanesi. Il nastro conduce poi all’ingresso delle stanze del Palazzo e qui un’installazione semplice ed efficace celebra, oltre alle novità di prodotto, la preziosa collaborazione tra Artigo e Sottsass Associati. La pluri-premiata ARTIGO nasce nel 1961 dal Gruppo Pirelli, di cui acquisisce l’eredità culturale, e nel 1992 viene acquisita da MONDO. Ottiene, tra le altre, le certificazioni Greenguard Gold e l’etichetta ambientale Der Blaue Engel per buona parte della gamma. I pavimenti in gomma di ARTIGO sono nella fascia più alta del mercato per funzionalità, prestazioni, durata e sostenibilità. Matteo Ragni, classe 1972, due volte Compasso d’Oro con Giulio Iacchetti, nel 2001 con Moscardino per Pandora Design, oggi nella collezione permanente del MoMA, nel 2014 con la serie di tombini per Montini. Del 2015 il premio Good Design Award assegnato al sistema HUB disegnato per Fantoni.


!£ !™

@¢ @£

!¢ !∞



@™ @¡ @º




A Matter of Perception 2016


ASTEP !¡ by Alessandro Sarfatti

Candela, by Francisco Gomez Paz

Lighting has always been at the centre of life for Alessandro Sarfatti, who worked closely with his father Ricardo Sarfatti at Luceplan and studied the work of his grandfather, Gino Sarfatti. Each generation has brought an innovative direction to lighting and design. Candela, designed by Francisco Gomez Paz, continues the long tradition of Scandinavian flame luminaires while advancing the product using 21st-century technology. From the heat of the flame, Candela produces its own electricity, providing a cosy level of LED illumination whilst harvesting enough energy to charge mobile devices. Honouring the evolution in design, Astep will also be presenting re-edits of timeless works by Gino Sarfatti and Vittoriano Viganò.

L’illuminazione è sempre stata il centro della vita professionale di Alessandro che ha lavorato con suo padre Riccardo in Luceplan e ha sempre studiato e ammirato il lavoro di suo nonno, Gino Sarfatti. Ognuno di loro è riuscito a portare nel mondo dell’illuminazione di design un forte contributo di innovazione, seguendo queste orme Alessandro Sarfatti presenterà la sua nuova avventura imprenditoriale, Astep che riassume le caratteristiche che da sempre accompagnano il suo lavoro: innovazione, bellezza e attualità. Il primo prodotto di Astep sarà Candela, ideato da Francisco Gomez Paz. Candela proietta nel XXI secolo la tipologia tipicamente scandinava delle lampade a olio: grazie ad una particolare tecnologia il calore della fiamma si trasforma in elettricità restituendo una luce calda grazie a delle sorgenti LED e dando la possibilità di caricare un telefono cellulare attraverso una presa USB. Evoluzione significa anche rispettare e apprezzare quanto fatto di buono prima di noi. In questo senso Astep riporta sul mercato anche oggetti senza tempo pensati da Gino Sarfatti e Vittoriano Viganò. Sarfatti ha studiato scienze economiche e si è unito Luceplan nel 1996, l’azienda italiana di illuminazione di design fondata dai suoi genitori nel 1978. E ‘diventato amministratore delegato di Luceplan nel 2005, dedicando gran parte del suo tempo al processo di creazione del prodotto, fino ad aprile 2013, quando ha lasciato l’azienda . E’ membro del Comitato Direttivo ADI ( Associazione Design italiano) nell’ambito del quale attualmente lavora su una serie di progetti. Alessandro Sarfatti studied Economic Sciences and in 1996 joined Luceplan, the Italian lighting design company founded by his parents in 1978. He became CEO of the company in 2005, devoting much of his time to the process of product creation, until 2013 when he left the company. Sarfatti is currently working on a number of projects and is also part of the ADI (Italian Design Association) national steering committee.


A Matter of Perception 2016


TOUCHING TALES !™ The Alcantara® Experience

Strata, by Formafantasma

Two maverick design studios have been invited by Alcantara to experiment with the Alcantara® material and create unusual, surprising installations. The result is a very tactile, contemporary show. Formafantasma presents Strata, a project that highlights the versatility of Alcantara® through a series of simple elements evoking different applications of the material while emphasising its contrast with natural substances such as marble, metal, and stone. The installation consists of a series of simple pieces that suggest diverse interpretations. / In his piece New Skids on the Block, Anton Alvarez plays with Alcantara®’s vast variety of colours to devise upholstered creations consisting of soft sticks. A skin of Alcantara® overlays a structure of wood and aluminium covered in foam. The objects’ human-scale elements appear to be ‘alive’: “The pieces are like bodies wrestling or holding onto each other.” / /

Alessandro Sarfatti

Italian designer-duo Andrea Trimarchi (b.1983) and Simone Farresin (b.1980) graduated from Design Academy Eindhoven in 2009. Under the name Formafantasma, based in Amsterdam, they explore the relationships between object and user, tradition, local culture, and industry. / Anton Alvarez (b.1980) studied fine art, cabinetmaking, furniture design, and interior architecture. The Swedish/ Chilean artist uses this knowledge to create systems, tools, and processes for producing objects that offer a new view on design, durability, and creativity.

New Skids on the Block, by Anton Alvarez

Due talentuosi studi di design indipendenti sono stati invitati da Alcantara® a sperimentare il materiale Made in Italy a marchio registrato per creare inedite sorprendenti installazioni. l duo italiano Formafantasma con il progetto Strata pone l’accento sulla versatilità e sui punti di forza di Alcantara®, arrivando a ideare una serie di semplici elementi che suggeriscono diverse applicazioni per il materiale, enfatizzandone il contrasto con altri elementi naturali. Anton Alvarez per l’opera New Skids on the Block gioca con la variegata palette colori di Alcantara® per ideare originali complementi d’arredo. Composti da soffici bastoni con una struttura in legno ed alluminio rivestita in schiumato e completata da morbida Alcantara® gli elementi, di dimensione umana, sembrano ‘vivi’, come corpi che lottano o che si aggrappano l’uno all’altro. Andrea Trimarchi (1983) e Simone Farresin (1980), laurati entrambi alla Design Academy di Eindhoven nel 2009, sono il duo italiano Formafantasma. Con sede ad Amsterdam, il lavoro dello studio è quello di esplorare il ruolo del design nei mestieri popolari, nella relazione tra la tradizione e la cultura locale, nell’approccio critico alla sostenibilità e nel significato degli oggetti come vettori culturali. / Nato nel 1980 Anton Alvarez ha studiato belle arti, ebanisteria, furniture design e architettura d’interni. L’artista svedese / cileno sfrutta questa conoscenza per creare sistemi, strumenti e processi per la produzione di oggetti.


A Matter of Perception 2016



MILESTONE DESIGN !£ Continuum For its first collaboration, Milestone Design has called on mist-o, the talented design studio founded by Tommaso Nani and Noa Ikeuchi, based in Milan and Tokyo. In a scenographic set-up called Continuum, the duo is presenting a preview of two collections of furnishings for the bathroom. The designs explore the boundaries between furniture and architecture, between small and grand, vertical and horizontal, in a series of harmonic compositions as minimalist as they are monumental. The starting point is a natural composite that represents one of the latest generation of eco-compatible, high-performance materials. The Horizon series is based on the concept of three single elements (sink, drawers, and shelves) with precious inserts in brass, to be composed into domestic micro-architectures in a maxi or mini-format; the Mass series plays with the extreme modularity of its elements (sink, drawers, containers, and shelves), creating monoliths in the space like sculptures, in dimensions small or large. Milestone Design is a new brand with decades of know-how originating from the expertise of Milestone Contract, a company that has long collaborated on creative projects by grand names in contemporary architecture.

mist-o: Tommaso Nani and Noa Ikeuchi Photo: Alberto Strada

Continuum, by mist-o

A Matter of Perception 2016


CESAR ARREDAMENTI !¢ Unit. Digital Recipes

Continuum, by mist-o

Milestone Design chiama come prima collaborazione mist-o, il talentuoso studio formato da Tommaso Nani e NoaIkeuchi con base a Milano e Tokyo. In una scenografica installazione chiamata Continuum, Milestone Design presenta in anteprima la collezione composta da due serie di mobili da bagno che indagano i confini tra l’arredo e l’architettura, tra il piccolo e il grande, tra il verticale e l’orizzontale, in una serie di composizioni armoniche, minimaliste quanto monumentali. Punto di partenza il materiale: un agglomerato naturale di ultima generazione, ecocompatibile e dalle alte performance. La serie Horizon parte dal concept di tre soli elementi (lavabo, cassetti e mensole), con preziosi inserti in ottone, da comporre in micro-architetture domestiche di maxi o mini formato; la serie Mass gioca sull’estrema modularità degli elementi (lavabo, cassetti, contenitori a giorno) che creano monoliti nello spazio come sculture, anch’esse disponibili in piccole o grandi dimensioni. Milestone Design è un marchio nuovo ma con un know-how di decenni, scaturisce infatti dall’expertise di Milestone Contract, azienda che da tempo collabora alla realizzazione delle installazioni creative di grandi nomi dell’architettura contemporanea.

Unit. Digital Recipes, by Garcia Cumini

Cinzia Cumini and Vicente García Jiménez Photo: Gianni Antoniali

Unit. Digital Recipes, by creative Italian-Spanish duo Vicente García Jiménez and Cinzia Cumini interprets the most traditional and altruistic of culinary moments: the preparation of food. Utilising contemporary audio-visual language, complete with a choreography of images and an array of sounds, the scenario is built around Unit, a new kitchen designed for Cesar by Garcia Cumini. It is a piece that translates and synthetically embodies technology and tradition while becoming the stage for a moving lyrical and contemporary performance.

Con Unit. Digital Recipes, il duo creativo italo spagnolo Vicente García Jiméneze Cinzia Cumini interpreta, con delicata poesia, il più tradizionale e altruista dei momenti culinari, la preparazione del cibo. Un contemporaneo linguaggio audio visuale, una coreografia di immagini e un gioco di suoni in cui Unit, la nuova cucina pensata da Garcia Cumini per Cesar, diventa l’interprete e la sintesi di tecnologia e tradizione ma allo steso tempo palcoscenico di una performance lirica e contemporanea capace di emozionare. Established in 1969 in Pramaggiore, Italy when the artisan workshop of Sante Vittorio Cester was transformed into a modern enterprise, Cesar Arredamenti has since distinguished itself as one of the most important producers of kitchens, garnering success in the international market with its dynamic and modern design culture. Heading the company since 1995 are Gina and Dante Cester, the second generation to be at the helm of the family firm, with design supervision entrusted to Garcia Cumini. Garcia Cumini was founded in 2012 in Udine, Italy by Vicente García Jiménez and Cinzia Cumini. The studio brings together experience in the fields of design, products, and communication. Poetic passion is inseparable from functionality and quality in the work of the associates, which despite the studio still being in its infancy counts Agape, Foscarini, Poltrona Frau, and Verzelloni among its clients.

Fondata nel 1969 a Pramaggiore (VE), quando il laboratorio artigianale di Sante Vittorio Cester si trasforma in una impresa moderna, Cesar Arredamenti si è distinta negli anni come una delle più importanti aziende produttrici di cucine, affermandosi sul mercato internazionale. A guidare l’azienda dal 1995 Gina e Dante Cester, seconda generazione al timone dell’impresa familiare. Con la Direzione Artistica affidata allo studio Garcia Cumini Associati. Lo studio Garcia Cumini nasce nel 2012 ad Udine da Vicente García Jiméneze Cinzia Cuminicome fusione di due culture dal carattere multidisciplinare in cui design, installazioni e direzioni artistiche vengono sviluppate seguendo la personale filosofia dello Slow Design. Garcia Cumini collabora tra gli altri con aziende come Agape, Foscarini, Poltrona Frau e Verzelloni.


A Matter of Perception 2016



AUCAP !∞ by Leo Di Caprio

Ziggy cabinet, by Leo Di Caprio

The Brazilian-Italian designer exhibits Ziggy along with three other cabinets. Ziggy is more of an installation than a functional piece of furniture. Constructed using marquetry techniques (intarsia), it is composed of 2008 pieces, individually lacquered and applied one at a time, in accordance with the design. A combination of industrial and manual production, Di Caprio has inserted different pieces to form a design that can be regarded as a garden or a city landscape. In this way, he makes a connection between the ancient inspiration of the indigenous jewellery worn in Brazil, translating its forms and colours into Ziggy’s contemporary language. Equally, he also recalls the origins of the material, clearly stating the link between the marquetry we see and the forests from which the wood was extracted.


STUDIO SUPPANEN !§ Digital meets handcrafted Il designer brasiliano-italiano espone Ziggy e altri tre pezzi della collezione. Ziggy è il pezzo centrale ed è più un’installazione che un funzionale elemento di arredamento. Realizzato secondo la tecnica dell’intarsio è composto da 2008 pezzi laccati singolarmente e applicati a mano seguendo il disegno geometrico. Una combinazione di lavoro industriale e manuale accanto al quale Di Caprio espone “agglomerati” di piccoli parallelepipedi diversi quasi a formare un ‘giardino’ o un ‘ paesaggio urbano’.In questo modo Di Caprio si ispira ai tipici motivi dei gioielli indigeni brasiliani creando una relazione e interpretando in chiave contemporanea gli stessi colori e le forme geometriche da cui è partito. Nello stesso modoil progetto ci riporta alle origini del suo materiale, indicando chiaramente il legame tra l’ intarsio delle superfici di Ziggy e le foreste in cui è nato. Dopo studi di diritto e avvocatura a San Paolo e New York, Leonardo esplora molti ambiti lavorativi prima di scoprirsi appassionato di storia dell’arte e del design. Frequenta un corso di design del prodotto, di interni e di storia della arte e nello stesso tempo acquisisce competenze trasversali in fotografia e cucina gourmet. Dal 2006 lavora sul design del prodotto ed di interni. La ricerca è parte fondamentale del suo modo di lavorare e dal 2015 è direttore creativo di Aucap. / Leo Di Caprio has had a busy career. In another life he worked as lawyer in São Paulo and New York, and after quitting, spent time rock climbing in California and then took a sabbatical in Italy to study design and art history - as well as cuisine and pastry, and has been working in design since 2006. Research plays a crucial part in the way he works.

A Matter of Perception 2016

Greta cabinet, by Leo Di Caprio

Porcupine suspension lamp, by Studio Suppanen

Quartet candleholder, by Studio Suppanen

Ilkka Suppanen is presenting a small series of 3D-printed and laser-cut objects at Palazzo Litta, which are nonetheless very much made by hand. “It’s absolutely wonderful that 3D printing enables us to experiment prior to manufacture, to avoid expensive moulds and enable the production of small series. But 3D-printed pieces still require a lot of craftsmanship because, after printing, you have to finish them. And on top of that, printing remains expensive”, says Suppanen, who is known to enjoy technology. “Indeed I’m a tech guy, but I always end up applying good old craftsmanship…” The three products he’s showing in the Grey Room at Litta – “which is actually a fabulous room full of gold!” – have required much polishing and assembling. Suppanen’s installation is not only a pleasure to view but also to smell, since his foldable flower vase comes complete with flowers that exude a rather strong scent.

Ilkka Suppanen presenta a Palazzo Litta una piccola serie di oggetti stampati 3D tagliati a laser e in buona parte finiti a mano. “E‘ assolutamente meraviglioso che la stampa 3D ci permetta di sperimentare prima della produzione, per evitare costosi stampi e consentire la produzione di piccole serie. Ma i pezzi stampati 3D hanno ancora bisogno di molto lavoro manuale perché , dopo la stampa, li devi rifinire. E per di più, la stampa rimane costosa”, dice Suppanen, che è noto per divertirsi con la tecnologia. “In verità io sono un tipo molto Tech, ma finisco sempre per applicare le buone e vecchie tecniche di lavorazione artigiana ai miei pezzi... ” I tre prodotti esposti hanno richiesto molto tempo nella lucidatura e nel montaggio. L’installazione di Suppanen non è solo un piacere per gli occhi, ma per l’olfatto: il suo vaso di fiori pieghevole è pieno di fiori che emanano un intenso profumo. llkka Suppanen (b. 1968) is one of the world’s best known contemporary Finnish designers. He studied in Helsinki: Architecture at the Technical University, and Interior and Furniture Design at the University of Art and Design. In 1995, he founded Studio Suppanen in Helsinki. Today, his studio offers integrated strategic design in the fields of interior design, product and concept design, and architecture and brand development. Suppanen has been teaching design at the University of Art and Design in Helsinki since 1996.

llkka Suppanen (1968) è uno dei più noti designer finlandesi contemporanei in tutto il mondo. Ha studiato architettura presso la Technical University e Interior and furniture design presso l’Università di Arte e Design di Helsinki dove nel 1995 ha fondato lo Studio Suppanen. Oggi il suo studio offre diversi servizi di design strategico integrato. Dal 1996 Suppanen insegna design presso l’Università di Arte e Design di Helsinki.


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


Exhibition supported by Vitra

JAN KATH !¶ Back to the roots

ALBERTO MEDA !• The story of Physix

Artwork carpet, by Jan Kath

Daydreamer lounge, by Jan Kath

Physix, by Alberto Meda for Vitra

Jan Kath presents his latest abstracts from the Erased Heritage and Artwork collections, in addition to his first venture into furniture, Daydreamer. The German designer is considered to be at the vanguard of modern carpet design, with interpretations that have developed an unmistakable signature. No two rugs are the same, as Jan Kath carpets are made of hand-combed and hand-spun Tibetan highland wool, Chinese silk, and stinging-nettle fibres, and are produced using a traditional hand-woven process. His concepts have earned numerous accolades and are shown in museums that showcase art and design, such as the Frankfurt Museum of Applied Art, the Beijing International Design Triennial, and the Museum für Gestaltung in Zurich. Jan Kath is also an active supporter of the fairtrade label STEP, which seeks to improve the the working and living conditions of carpet weavers and fights against abusive child labour. It also promotes environmentally friendly production methods.

Jan Kath presenta le ultime opere astratte delle collezioni Erased Heritage e Artwork e in anteprima il suo primo elemento d’arredo, Daydreamer. Dal tratto inconfondibile che ne denota lo stile in ogni sua creazione, il designer tedesco è considerato un precursore dei tappeti moderni. Nessun tappeto è uguale all’altro con Jan Kath: realizzati in lana filata e intrecciata a mano nell’altopiano tibetano o in seta cinese o in fibre di ortica, i tappeti sono tessuti con un processo di lavorazione tradizionale. Le sue opere hanno guadagnato numerosi riconoscimenti e sono esposti in diversi musei tra cui il Museo di Arti Applicate di Francoforte, la mostra Beijing International Design Triennial, l’Art Museum Riga Bourse e il Museo del Design di Zurigo. Jan Kath è inoltre un attivo sostenitore di Label STEP, che mira a migliorare le condizioni di vita dei tessitori di tappeti, combatte il lavoro abusivo minorile e promuove i metodi di produzione rispettosi dell’ambiente.

Alberto Meda interprets the theme A Matter of Perception: Tradition & Technology by telling the story of one of his most recent projects for Vitra. In the last 100 years, many designers have explored the possibility of increasing the comfort of the seat. Physix also forms part of this research, a contemporary structure that combines flexible and rigid elements, resulting in dynamic sitting. The frame structure, made of polyamide, has rigid areas but deforms to become a flexible hinge so as to follow the movement of the body during its backward tilt. A unique knitted fabric, stretched between the side guides, is elastic so as to allow a three-dimensional deformation of the shell. A mechanism in which the seat and backrest move synchronously in a pre-determined ratio, brings the user back to their original position. Alberto Meda has worked with Vitra since 1994. During this time, his elegant designs for chairs and a variety of tables have made a significant contribution to the success of Vitra’s collection of office furniture. Jan Kath (b.1972) represents the third generation in a family of carpet dealers. Together with his father, he used to visit manufacturers in Iran and Nepal. These experiences trained his eye and awakened a fundamental understanding of colour combinations and proportions that he has since made his own.

Jan Kath (1972) è la terza generazione di una famiglia di commercianti di tappeti. I numerosi viaggi in Iran e Nepal insieme a suo padre alla scoperta dei produttori locali hanno formato la sua esperienza nel mondo dei tappeti arricchendo la sua sensibilità visiva nell’accostamento di colori e proporzioni.

Alberto Meda interpreta il tema della mostra A Matter of Perception: Tradition & Technology raccontando la storia di uno degli ultimi progetti realizzati per Vitra. Negli ultimi cento anni molti progettisti hanno esplorato la possibilità di aumentare il comfort della seduta. Physix si inserisce in questo filone di ricerca e, attraverso l’uso di materiali e tecnologie contemporanee, realizza una struttura che combina elementi flessibili e elementi rigidi con lo scopo di ottenere una seduta dinamica. La struttura del telaio, realizzato in poliammide, ha delle zone rigide ma si assottiglia per essere deformato come una cerniera flessibile in modo da seguire il movimento del corpo durante la sua inclinazione all’indietro. Un unico tessuto a maglia sagomato , teso tra le guide laterali, è elastico in modo da consentire una deformazione tridimensionale della scocca. Un meccanismo, in cui sedile e schienale si muovono in sincronia in un rapporto prefissato riporta l’utilizzatore nella sua posizione originale. Alberto Meda collabora con Vitra dal 1994. In questi anni, il suo design elegante di tavoli e sedie per l’ufficio ha dato un contributo significativo al grande successo della Vitra Office Collection. Alberto Meda (1945) è un designer dall’intensa carriera produttiva, che negli anni ha collaborato con aziende come Alias, Alessi, Alfa Romeo, Cinelli, Colombo Design, Ideal Standard, Kartell, Luceplan, Legrand, Mandarina Duck, Omron Japan, Philips, Olivetti e Vitra. / Alberto Meda (b.1945) is an Italian designer with a prolific career. Over the years, he has worked with the likes of Alias, Alessi, Alfa Romeo, Cinelli, Colombo Design, Ideal Standard, Kartell, Luceplan, Legrand, Mandarina Duck, Omron Japan, Philips, Olivetti, and Vitra.

Alberto Meda



A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


Exhibition supported by OIKOS


LINVISIBILE + MATTEO RAGNI @º L’invisibile bellezza

Caos (Chaos), by Politecnico di Milano, with Andrea Branzi, Michele De Lucchi, and Francesca Balena Arista

Linvisibile Bellezza installation, by Matteo Ragni

This exhibition, focused on the subject of chaos as an interpretation of the contemporary world, is the result of the Interior Design Laboratory, part of the first year Master’s course headed by teachers Andrea Branzi, Michele De Lucchi, and Francesca Balena Arista in the Design department at the Politecnico di Milano, under the supervision of Marco De Santi, Paola Silva Coronel, and Chiara Fauda Pichet. The students have been invited to think about the living spaces of people today, where habitats tend only to be partially organised according to traditional domestic functions; instead, they’re places of unexpected, changeable situations and activities. Realised by the students, the 14 models on display are made at a scale of 1:10. They describe evocative and narrative sceneries, and each is extremely different from the next. A new, revealing vision is emerging. Chaos is no longer seen as a disaster caused by an absence, but as a positive presence: once we thought that we needed rules, today we do not. Chaos is the law governing the Universe.

La mostra è il risultato del Laboratorio di Design degli Interni, primo anno della Laurea Magistrale, tenuto dai docenti Andrea Branzi, Michele De Lucchi e Francesca Balena Arista alla Scuola del Design del Politecnico di Milano. Il tema è quello del Caos come chiave di lettura del mondo contemporaneo. Gli studenti sono stati chiamati a riflettere sugli spazi in cui vive l’uomo contemporaneo che tende oggi ad interpretare il proprio habitat come un luogo solo parzialmente organizzato secondo le tradizionali funzioni domestiche: gli ambienti ospitano attività non previste, costituite dal lavoro creativo. I 14 modelli in scala 1:10, realizzati dagli studenti, sono scenografie evocative e narrative, estremamente diverse tra loro, ognuna portatrice di una particolare interpretazione del tema. Ne emerge una visione liberatoria. Il caos cominciamo a vederlo non più come un disastro causato da una mancanza di ordine ma come una presenza positiva. E’ il Caos la legge che governa l’Universo.

Linvisibile was created in 1994 out of the experience of Portarredo, an Italian company founded in the early 1980s that specialises in manufacturing doors and locking systems featuring exclusive designs and materials. Through close collaboration with architects and designers, Linvisibile has developed products that look into the future of home living, anticipating trends and needs. The Linvisibile system defines doors that exist in perfect continuity with their setting, as used throughout history to conceal from view openings whose existence we are not meant to be aware of. Matteo Ragni’s installation celebrates the fruitful energy generated between opposites, mimesis, and contrast. From the outside, the camouflaged volume reflects the magnificent beauty of the interiors of Palazzo Litta, with, in strong contrast, a majestic three-metre-high pivoting door made of brass and perfectly flush with the wall.

Andrea Branzi, Michele De Lucchi e Francesca Balena Arista con Marco De Santi, Paola Silva Coronel and Chiara Fauda Pichet Progetto di allestimento: Marco De Santi In collaborazione con OIKOS, colore e materia per l’architettura.

Matteo Ragni (b.1972), is a two-time winner of the Compasso d’Oro prize together with Giulio Iacchetti: once in 2001 with Moscardino for Pandora Design – now in MoMA’s permanent collection, and again in 2014 with a series of manhole covers for Montini. In 2015, he won the Good Design Award for the HUB system he designed for Fantoni. Andrea Branzi, Michele De Lucchi, and Francesca Balena Arista, with Marco De Santi, Paola Silva Coronel, and Chiara Fauda Pichet Exhibition design: Marco De Santi In collaboration with: OIKOS, colour and matter for architecture /

Linvisibile nasce nel ‘94 dall’esperienza di Portarredo Srl, azienda italiana fondata agli inizi degli anni ‘80 e specializzata nella produzione di porte e sistemi di chiusura caratterizzati da esclusivi design e materiali. Grazie alla collaborazione con architetti e designers, Linvisibile ha saputo sviluppare prodotti che guardano al futuro dell’abitare, anticipando tendenze e bisogni. L’Invisibile porte perfettamente inserite nell’arredamento, utilizzate nel corso della storia, per nascondere allo sguardo passaggi di cui si doveva ignorare l’esistenza. L’installazione di MATTEO RAGNI celebra il contrasto fruttuoso che si genera tra gli opposti, mimesi e contrasto, entrando in contatto con la location che la ospita. All’esterno si presenta come un volume mimetico ricoperto di specchi per riflettere la bellezza maestosa degli interni di Palazzo Litta, solo un elemento si presenta in forte contrasto: l’imponente porta bilico alta 3mt, in ottone, perfettamente filomuro, espressione della sapiente tecnologia de Linvisibile. Matteo Ragni, classe 1972, due volte Compasso d’Oro con Giulio Iacchetti, nel 2001 con Moscardino per Pandora Design, oggi nella collezione permanente del MoMA, nel 2014 con la serie di tombini per Montini. Del 2015 il premio Good Design Award assegnato al sistema HUB disegnato per Fantoni.

Matteo Ragni Photo: Max Rommel


A Matter of Perception 2016




A Matter of Perception 2016


J. HILL’S STANDARD @™ The Secant by Daniel Rybakken

Touch Me is OK, installation sketch by Mattia Biagi

Touch Me is OK, by Mattia Biagi

The Secant, sketches by Daniel Rybakken

Touch Me is OK is a work by Mattia Biagi produced in conjunction with Linvisibile at Palazzo Litta. It springs from a desire to create a sculpture that can finally be touched. The absolute rule of ‘don’t touch the works of art’ has been overturned in favour of the obligation to use, handle, and feel the pieces, both in a physical and emotional sense. The idea stems from the creation of bronze-coloured tiles in two different textures (called You and Me), which have been used to realise a modular and interactive sculpture.

Touch Me is OK è il lavoro presentato da Mattia Biagi, in collaborazione con Linvisibile nel boudoir di Palazzo Litta. Il progetto nasce dalla necessità di creare una scultura che possa essere finalmente toccata. Si rovescia il diritto categorico del “non toccare le opere d’arte” a favore dell’obbligo di usarle, manipolarle, sentirle, che vuol dire anche un po’ conoscerle, sperimentarle, assaporarle con i sensi. L’idea parte dalla creazione di piastrelle bronzee prodotte in due differenti texture (You e Me) che creano una scultura modulare e interattiva.

The Secant mobile designed by Daniel Rybakken moves within a state of counterpoise. Constructed from crystal glass discs, anodised aluminium, and rope, it demonstrates the strength, utility, and refractive qualities of glass used in a way that both builds on and usurps the tradition. It is lit from a single point above and functions both as an installation and light piece. The crystal disc communicates something pure, fragile, and elevated in value, whilst the machined metal parts and the pulley recall something more industrial. Using Secant and crystal discs as a point of departure, Rybakken has also designed three lights: wall, floor, and table. Restrained and minimal, their modular design allows crystal glass to be appreciated without any overbearing interventions. Such pieces reflect the ethos of J. HILL’s Standard, which was set up to help preserve glass-making skills in Waterford, Ireland and to re-establish the region as a centre for glass-making excellence. / Mattia Biagi (b.1974, Italy) lives and works in Los Angeles. Having studyied at the Institute Paci - Art and Design, he came into art after an intensive 10-year experience as a creative designer for exclusive brands such as Cappellini and Minotti, among others.

Mattia Biagi (1974, Italia) vive e lavora a Los Angeles. Dopo gli studi al ‘Institute Paci – Art and Design’, approda all’arte dopo un’intensa e decennale esperienza come figura creativa nel settore del design per aziende come Cappellini e Minotti. / Daniel Rybakken (b.1984, Norway) studied at the Oslo School of Architecture and the School of Arts & Crafts in Gothenburg, Sweden. After graduating in 2008, he started his own practice in Gothenburg and has since received a number of prizes, including the Bruno Mathsson Award in 2011 and the XXIII Compasso d’Oro ADI in 2014.

The Secant è l’ultimo progetto del designer norvegese Daniel Rybakken: un sistema di contrappesi, alluminio anodizzato e corda tengono in equilibrio dischi di cristallo purissimo in modo non convenzionale e ne consentono la mobilità. La sorgente luminosa solo dall’alto fa della lampada anche una installazione. La parte meccanica di pulegge e lo stile industriale ne esaltano la forza ove la purezza e la leggerezza delle rifrazioni del cristallo ne elevano la bellezza. Partendo da questo concetto Daniel ha declinato in tre tipologie il progetto di luce creando una lampada da terra, da muro e da tavolo che in modo modulare e minimale raccontano l’eleganza del cristallo nella sua essenza. Il prodotto riflette la filosofia di J. HILL’s Standard, un’impresa nata per preservare le competenze della lavorazione del vetro di Waterford, in Irlanda, e ridare valore al distretto come centro di maestria ed eccellenza vetraria. Daniel Rybakken (1984, Norvegia) ha studiato presso la Scuola di Architettura di Oslo e la Scuola di Arte e Artigianato di Gothenburg in Svezia. Dopo la laurea nel 2008 ha aperto lo studio a Göteborg ed ha ricevuto numerosi premi tra cui il Premio Bruno Mathsson nel 2011 e il XXIII Compasso d’Oro ADI nel 2014.

Daniel Rybakken


A Matter of Perception 2016


LANZAVECCHIA + WAI @£ PLAYplay for Journey East


A Matter of Perception 2016


CLIQUE EDITIONS @¢ Pienievuoti Clique presenta la sua terza collezione, realizzata da T&D Robotics in marmo di Carrara lavorato tridimensionalmente. Questa nuova collezione rilegge la dicotomia tra pieno e vuoto secondo un duplice significato: il primo di natura funzionale, a partire dall’assunto che l’oggetto contenitore viene spesso utilizzato, in ottica decorativa, privato del suo naturale contenuto; il secondo aspetto è invece di natura formale, in cui il rapporto positivo-negativo viene affrontato spingendo al limite la lavorazione del marmo creando inedite trame traforate, svuotate al limite della capacità delle macchine per creare un’inedita leggerezza.

PLAYplay, by Lanzavecchia + Wai for Journey East Photo: Davide Farabegoli

Bringing together a confluence of inspirations, PLAYplay is distilled from the personality of its brand initiators Journey East, and skilfully brought to life by internationally acclaimed design duo Lanzavecchia + Wai. PLAYplay is a furniture collection crafted for compact, smart living spaces. It speaks to fun-loving, expressive, and playful people who are unafraid of colour and want to be surrounded by authentic possessions. This spirit informs the narrative behind each piece in the collection, which is also seamlessly juxtaposed with a touch of retro design influence: a homage to Journey East’s 20-year heritage as curator and restorer of rare vintage furniture. PLAYplay is proudly designed in Singapore and Italy, and equally proud to be crafted in South East Asia, making use of materials such as Indonesian mahogany, a standout wood of the region that binds the brand to its culture and collective memory. / Lanzavecchia + Wai is a creative collaboration between Francesca Lanzavecchia and Hunn Wai. To them, being designers means acting as researchers, engineers, craftspeople, and storytellers, all at the same time. Based in Italy and Singapore, the duo carries out limited editions for galleries and museums, mass-produced items for major companies, and special commissions for brands like Alcantara, Cappellini and AgustaWestland.

Francesca Lanzavecchia and Hunn Wai Photo: Davide Farabegoli

A new design object by Clique Editions

PLAYplay è il distillato da un lato della personalità di Journey East e dall’altro dell’ingegno di Lanzavecchia + Wai. PLAYplay è una collezione innovativa realizzata per spazi ridotti e smart. Lo spirito del gioco costituisce lo schema portante della collezione, ogni pezzo rappresenta consapevolmente la positività young-minded di una vita piena di divertimento e energia: omaggio al patrimonio culturale di Journey East ventennale curatore e restauratore di mobili rari d’epoca. Progettata tra Singapore e l’Italia, è prodotta nel Sud Est Asiatico. Per la collezione è stato scelto il Mogano Indonesiano, un bellissimo legno autoctono legato alla cultura e alla memoria collettiva.

Clique is presenting its third collection, made of Carrara marble and realised in three dimensions by T&D Robotics. This new collection expresses the dichotomy of the concepts ‘full’ and ‘empty’. The first of these is highlighted the object’s functional nature: from an aesthetic viewpoint, the object as container is usually deprived of its natural content. The second narrates the object’s formal nature: the relationship between positive and negative is confronted by pushing to the limit the processing of the marble, using the maximum capabilities of the machine to perforate the surface and thereby create an unprecedented lightness.

Lanzavecchia + Wai è una collaborazione creativa tra Francesca Lanzavecchia e Hunn Wai. Per loro il designer è allo stesso tempo ricercatore, ingegnere, artigiano e narratore. Con sede a Pavia e a Singapore, i loro progetti comprendono edizioni limitate per gallerie e musei, prodotti industriali e progetti speciali per marchi come Alcantara, Cappellini e AgustaWestland.

Born in Milan in 1971, Claudio Larcher graduated in Architecture from the Politecnico di Milano. He then worked as a design professional, founding Modoloco Design in 2002. He teaches in the Design department at the University of Bolzano. Among his many clients are Gianfranco Ferrè, Danese, and Muranodue. /

Product and interior designer, Filippo Protasoni creates products for important Italian brands such as Lago, Prandina, Miniforms, and Mirabello. He designs commercial and hospitality spaces as well as exhibitions and research-projects situated between art and design.

Nato a Milano nel 1971, Claudio Larcher si laurea in architettura al Politecnico di Milano. Svolge attività di libero professionista nel design fondando lo studio Modoloco design. Svolge attività di docenza presso la Facoltà di Design dell’Università di Bolzano. Principali clienti: Gianfranco Ferrè, Danese, Muranodue e tanti altri. Product e interior designer, Filippo Protasoni ha firmato prodotti per importanti brand italiani come Lago, Prandina, Miniforms, e Mirabello. Ha disegnato spazi commerciali e per l’ospitalità, allestimenti e progetti di ricerca a cavallo tra arte e design.

Clique Editions: Filippo Protasoni and Claudio Larcher


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016


BELGIUM IS DESIGN @∞@§@¶ Belgian Matters Belgium is Design is the label that unites the actions of regional organisations WBDM (Wallonie- Bruxelles Design Mode), Design Flanders, and Brussels Invest & Export. This joined-up approach has been active since 2011, stimulating and developing initiatives to showcase Belgium’s designers, manufacturers and producers in foreign markets. In Belgian Matters, visitors can see the results of pairings between 13 designers and companies from diverse backgrounds. Each project has been commissioned especially for the event, as the designers have used a range of materials (bluestone, leather, and wood) or techniques (glass blowing, tapestry, and 3D printing) with different degrees of familiarity. However, for the mix of manufacturers, artisans, industrial producers, and research centres, it was in many cases the first opportunity to experiment and encounter design as a collaborative act, or in a way that expands the potential of their role beyond that of a supplier of materials or the tools of production.

The exhibition concept has been conceived by Siegrid Demyttenaere on behalf of DAMN° for Belgium is Design, with scenography by participants Thomas Lommée & Christiane Högner.

DESIGNER & COMPANIES Kaspar Hamacher + Tannerie Radermecker Frederik Delbart + Van Den Weghe Damien Gernay + Delvaux muller van severen for valerie_objects + Alton Julien Carretero + Les Carrières de la Pierre Bleue Belge Unfold (Claire Warnier & Dries Verbruggen) + Materialise Maison Marie Mees & Cathérine Biasino + Van Caster Maarten de Ceulaer + Alton Julien Renault + Timber Group Ben Storms + Het Glazen Huis LeviSarha + Marcel Ziemons Mathias Vandewalle + Ralph Baggaley Thomas Lommée & Christiane Högner + OpenStructures

Belgium is Design è il marchio che unisce le attività delle organizzazioni regionali WBDM (Wallonie-Bruxelles Design Mode), Design Flanders e Bruxelles Invest & Export. Questo approccio integrato è attivo dal 2011 ed è stato creato per promuovere e sviluppare iniziative che valorizzino progettisti e aziende belgi nei mercati esteri. L’esposizione Belgian Matters presenta il lavoro risultante dall’accoppiamento di 13 designer con altrettante aziende, spesso insolite, non necessariamente attive nel settore del design o dell’arredamento. Ogni progetto è stato commissionato ad hoc per la mostra a Palazzo Litta, i designer utilizzano materiali (come la pietra blu, il cuoio o il legno) e tecniche (come la soffiatura del vetro, la tessitura di tappeti o il3d printing) con diversi gradi di familiarità. Per quanto riguarda il gruppo di fabbricanti, artigiani, produttori industriali o centri di ricerca selezionati, spesso si tratta di una prima esperienza per sperimentare e confrontarsi con il settore del design attraverso una collaborazione che valorizzi il loro ruolo, al di là di una semplice attività di fornitura di materiali o sistemi di fabbricazione. Progetto della mostra realizzato da Siegrid Demyttenaere per conto della rivista DAMN° per Belgium is Design, scenografia di Thomas Lommée & Christiane Högner, designer e partecipanti alla mostra.

Julien Carretero + Carrières de la Pierre Bleue Belge

Maarten De Ceulaer + Alton

Frederik Delbart + Van Den Weghe

Damien Gernay + Delvaux

Kaspar Hamacher + Radermecker

Thomas Lommée & Christiane Högner + OpenStructures

Marie Mees & Cathérine Biasino + Vancaster

muller van severen for valerie_objects + Alton

Julien Renault + Timber Group

Sarha & Levi + Marcel Ziemons

Ben Storms + Het Glazen Huis

Unfold + Materialise

Mathias van de Walle + Ralph Baggaley


A Matter of Perception 2016



A Matter of Perception 2016







A Matter of Perception 2016


ESTHEC + RENSON @• Urban Tapes

I nastri urbani, by architects Francesca Raccolti & Daniele Lotti

The Urban Tapes project interprets the theme of Tradition & Technology in the historical courtyard of Palazzo Litta through the use of an innovative, contemporary material (Esthec) and a highly technological structure (Renson). The designers wanted to combine the traditional context with a contrasting exhibition that emphasises the potential of products by two companies specialised in the outdoors. Exploring the potentiality of Esthec Terrace, high quality decking currently widely used on terraces and swimming pool surrounds, has demonstrated its flexibility and the possibility of using the material in the urban sector. The Renson pergola was deliberately stripped of every element to reveal its essence, hiding the lighting and sound effects; its lateral protection is perfectly concealed until summoned, whence it appears and creates a new volume.

Il progetto I nastri urbani interpreta il tema della mostra Tradition & Tecnology inserendosi all’ interno di una corte storica con l’ utilizzo di un materiale innovativo e contemporaneo (Esthec) e di una struttura altamente tecnologica (Renson). Nasce dalla volontà dei designers di coniugare un contesto carico di tradizione con un allestimento in contrasto che mette in risalto le potenzialità dei prodotti di due ditte specializzate nell’ Outdoor. I progettisti hanno voluto esplorare le potenzialità di Esthec Terrace, che attualmente trova largo impiego nelle pavimentazioni di terrazze e bordi piscina nel settore dell’ hospitality e delle residenze private, dimostrando la flessibilità e l’apertura di tale materiale anche ad altri settori (quello urbano) e funzioni. La pergola Renson è stata invece volutamente spogliata da ogni elemento di completamento e mostrata nella sua essenzialità nascondendo effetti luminosi, sonori e di protezione laterale perfettamente celati ma che possono comparire a richiesta creando un nuovo volume. Daniele Lotti si laurea in Architettura nel 1978. Avvalendosi della collaborazione di consulenti specializzati, opera a livello nazionale e internazionale in progetti di urbanistica architettura e design. Dal 2007 con Francesca Raccolti ha fondato DF5073 che si occupa prevalentemente di interiors, allestimenti per eventi ed esposizioni temporanee e design industriale. Francesca Raccolti si laurea in Architettura nel 1999. Nello stesso anno inizia la sua collaborazione con lo studio Architetto Daniele Lotti con il quale nel 2007 ha fondato DF5073 che si occupa prevalentemente di interiors, allestimenti per eventi ed esposizioni temporanee e design industriale. Contemporaneamente ha maturato esperienze all’estero e dal 2013 collabora con la Ditta Esthec.


A Matter of Perception 2016


ZIBO CUOCHI @ª Food Truck

Alessandro Cattaneo and Giulio Potestà with their Zibo food truck

Alessandro Cattaneo (b.1985) and Giulio Podestà (b.1987) are friends; they met for the first time in Milan in 2010 while attending Alma, the leading international training centre for Italian cuisine directed by master chef Gualtiero Marchesi. In June 2015, they met again and decided to become traveling cooks, creating a gourmet food truck called Zibo, a kitchen on four wheels, a new way of cooking based on traditional Italian recipes that have been renewed and tailored to meet street-food needs. Zibo, in addition to being a ‘mobile restaurant’ is a professional cooking lab, well equipped for catering, private dinners, and events.

Alessandro Cattaneo (1985) e Giulio Potestà (1987), sono due amici che si sono conosciuti la prima volta nel 2010 a Milano frequentando la “Scuola Internazionale Di Cucina Italiana” di Gualtiero Marchesi. Poi la loro esperienza formativa ha preso strade diverse e hanno lavorato in giro per l’Italia, e non solo, presso ristoranti di alta cucina. Poi nel 2015 si sono incontrati di nuovo e hanno deciso di diventare cuochi itineranti grazie al loro Food Truck Zibo, che porta su ruote l’idea di cucina che a loro piace e di cui sono appassionati: una cucina che si basa su ricette della tradizione italiana rinnovata e adattata alle esigenze dello Street food. Zibo, oltre ad essere un “ristorante itinerante”, è un laboratorio professionale, ben attrezzato per l’allestimento di catering, cene private ed eventi. / Daniele Lotti and Francesca Raccolti graduated in Architecture in Florence in 1978 and 1999, respectively. Collaborating with specialised consultants, Lotti has worked at a national and international level in architecture, city planning, and design. In 2007, Lotti and Raccolti created DF5073, which mainly focuses on interiors, event productions, temporary exhibitions, and industrial design. In parallel, Raccolti gained experience abroad and since 2013 has collaborated with the company Esthec.

Francesca Raccolti & Daniele Lotti

Opening party powered by Gaggenau and Bucci Wines