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Título Original: Cultura Colectiva Primera Edición: Enero 2013 Impreso en México Lumen

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Introducción El tiempo transcurre, un año se dice fácil, pero durante nuestro trabajo nos hemos dado cuenta de que en este tiempo pueden ocurrir un sin numero de situaciones. CLTRA CLCTVA cumple un año, un año de brindarle a sus usuarios lo mejor de la cultura y el arte a través de la mirada de nuevos creadores y celebrando dicha ocasión estamos presentando este libro el cual compila los temas mas sobresalientes e inéditos de todo el año. Cultura Colectiva nace del deseo de construir una plataforma de apoyo a artistas emergentes, pero ¿a que nos referimos con artistas emergentes? cuando nos referimos a artistas hablamos de cualquier persona que se dedique a una disciplina creativa, pueden ser actores, escritores, diseñadores etc, y cuando decimos “emergentes” no necesariamente tienen que ser jóvenes, puede ser alguien que este iniciando su carrera artística y que en este momento necesite de apoyo. Cultura colectiva inicio siendo un proyecto digital, el cual poco a poco se convirtió en una referencia y un medio de comunicación que no solo alberga los proyectos, sino también las noticias culturales mas sobresalientes de nuestro país y el mundo. El apoyo a los artistas está dividido en tres fases, la primera la difusión digital manteniendo abierta durante todo el año la convocatoria a cualquier artista mediante la pagina de Internet. La segunda fase después de

indentificar los proyectos que se presentarían en la página de Internet, se paso a organizar dinámicas artísticas y proyectos de divulgación, y para terminar se realizo este proyecto aunado a su vez con la apertura de la galería CC/186, la cual brinda la oportunidad a los artistas de presentar sus obras en un espacio físico en una de las colonias mas representativas, la colonia Roma ubicada en la calle de Chiapas 186. Este libro le brinda a sus usuarios la oportunidad de tener dentro de sus hogares, lo mejor del mundo artístico y cultural, con artículos de diferentes ámbitos, como el arte, la fotografía, arquitectura, diseño entre muchos otros, dentro de estos artículos podrán disfrutar de imágenes de cada uno de los artistas seleccionados así como material inédito y propuestas completamente nuevas. Durante este tiempo Cultura Colectiva se reestructuro para hacer de su información mas manejable y amigable al público y de esta manera surgió la idea de crear lo que hoy les presentamos. Este libro es una visión que estuvo albergada en la mente de nosotros sus creadores durante mucho tiempo y que hoy en día se hace realidad gracias al apoyo y participación de cada uno de nuestros usuarios los cuales forman parte de la comunidad de Cultura Colectiva y del cual nos sentimos orgullosos.

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Índice Capítulo 1

Capítulo 2

Fotografía

Arte

1.1 La Historia de la Fotografía Erótica

2.1 Los Muralistas Mexicanos

1.2 Fotografías coloreadas por Jan Saudek

2.2 Omar Ortiz, La belleza de lo real

1.3 Jaime Martínez Sensualidad y Fotografía

2.3 Daniel Lezama, Provocador Mexicano

1.4 Cuauhtémoc Suárez, La esencia de la intimidad

2.4 Gabriel Moreno, La sensualidad Femenina

1.5 La muerte “Pop” de Daniela Edburg

2.5 Leonardo Partida, La visión más joven de Louvre 2.6 Las mujeres hiperrealistas de Ana Teresa Fernández vi


Capítulo 3

4.3 Julianna Brion, Ilustraciones llenas de fantasía y color

Arquitectura 3.1 Javier Senosiain, Arquitectura Orgánica

Capítulo 5

3.2 Luis Barragán, Arquitectura Moderna

5.1 Apertura de la galería CC 186

3.3 La Naturaleza del espacio por Olafur Eliasson

5.2 La compleja construcción gráfica de Råbjber

Capítulo 4

Diseño 4.1 El ilustrador de más de 100 portadas, Jason Brooks 4.2 Color, elegancia y sencillez por Malilka Favre vii


FOTOGRAFÍA La fotografía no solo es presionar un botón y que la cámara capture lo que en ese momento el lente te revela, la fotografía es mucho mas que eso. La inspiración a la hora de fotografiar varía dependiendo del ojo con que se mire, muchos encuentran dicha inspiración en la luz, los colores, la música, una idea, un sentimiento, pero al fin y al cabo cada fotografía es un fragmento, un recorte de la realidad que se vive en ese momento expresada a través de una mirada.Es sorprendente como algo corriente, algo cotidiano puede convertirse en algo fascinante cuando lo miras desde un punto de vista personal. La fotografía nos permite revelar y descubrir eso que siempre estuvo ahí, explorar y congelar momentos únicos, expresiones y detalles que nos rodean y que están cargados de belleza, de misterio, y repletos de significado. Es la simple apreciación de un escenario y la luz de un momento que será único e irrepetible. "Uno se convierte en fotógrafo cuando ha superado las preocupaciones del aprendizaje y en sus manos la cámara se convierte en una extensión de uno mismo. Entonces comienza la creatividad." Carl Mydans.


La Historia de la Fotografía Erotica La curiosidad por el erotismo es natural en los seres humanos. Desde la antigüedad, representaciones de desnudos como la Venus de Milo o las diosas de la fertilidad en paredes prehistóricas son evidencia de este interés. El desnudo en representaciones visuales ha sido constante en todas las culturas. Este artículo se dedicará a la historia de un formato en particular que propició la reproducción masiva de estas imágenes y diversificó sus usos, popularizándola hasta nuestros días: la f o t o g r a f í a e r ó t i c a .


Los primeros pasos en este nuevo arte los dio Lois Jackes Daguerre en 1839, el célebre inventor del daguerrotipo (un primer tipo de fotografía impresa en cobre plateado), quien retrató esculturas de figuras desnudas. Obtener un daguerrotipo es caro y tardado pues se revela con luz solar, pero la veracidad obtenida comenzó a llamar la atención en cuanto a los retratos de personas desnudas.


Las primeras modelos nudistas de daguerrotipos solían ser prostitutas, pues a pesar del ambiente “liberal” de París a finales de 1800, eran las únicas mujeres que aceptaban inmortalizar su imagen a cambio de dinero. Un mercado conformado por altas esferas y círculos sociales adinerados rápidamente se interesó por las imágenes, que se movían en la clandestinidad a precios elevados. 9


Como no había precedente, las modelos adoptaban poses clásicas de pinturas: recostadas en divanes, erguidas con aire solemne o jugueteando como los personajes de las obras pictóricas antiguas. En retrospectiva, muchos historiadores concuerdan en que estas imágenes eróticas tienen un aire de “inocencia”, pues aunque eran para un público que las compraba para deleite visual, no estaban tan complejamente construidas como las fotografías eróticas actuales. Hacia 1845 el mercado ya era amplio y para darles legalidad, las imágenes comenzaron a venderse como piezas de estudio científico anatómico. Para 1850 la impresión en papel (fotografías propiamente dichas) abarató los costos de tal manera que comenzó la producción y reproducción en masa de las imágenes que satisfacían la demanda de un mercado creciente. Un híbrido interesante entre el daguerrotipo y la fotografía es esta especie de binoculares, que permitían ver la imagen erótica a contraluz y apreciar su textura y detalles con un aire personalizado y privado.  A finales del siglo XIX, ya existían tres grandes grupos de fotografías de desnudos: las antropológicas (que retrataban a mujeres de diversas razas con el fin de “catalogar” a los seres humanos), las pornográficas (ampliamente extendidas en el mercado negro europeo) y las incipientes imágenes eróticas artísticas (resultado de pintores interesados en la fotografía, que querían formar una nueva disciplina).   10


Posteriormente, el nacimiento de las revistas y las impresiones a gran escala en los inicios del siglo XX permitió el desarrollo estético de las fotografías eróticas, que ahora eran presentadas como imágenes artísticas. A esto se sumó el desarrollo del color en la fotografía y el movimiento “Pin-Up”, que de nuevo colocaba a las imágenes eróticas entre la línea de lo artístico y lo moralmente restringido, de lo culto y de lo mal visto. A partir de 1953, publicaciones como Play-Boy delinearon y establecieron permanentemente el mercado de imágenes pornográficas, industria millonaria que en términos monetarios ha producido más en su “corta vida” que todas las imágenes eróticas de las historia juntas. En contraste, la corriente artística delimitó y estableció su espacio acercándose a la narrativa de la imagen, contando historias con los cuerpos y alcanzando una elaboración conceptual elevada e intelectualmente muy valiosa. Hacia nuestros días, las múltiples herramientas digitales que están a nuestro alcance permiten retoques, iluminación y perfeccionamiento de la imagen a muchos fotógrafos nuevos que se interesan en el mundo de la fotografía erótica. La historia de la fotografía erótica es un pequeño fragmento en el amplio mundo del arte erótico a través del tiempo.

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Pero resulta una etapa muy atractiva por su cercanía con nuestro mundo actual (con tendencia completamente audio-visual) y naturalmente, se relaciona con ese instinto de curiosidad por el cuerpo desnudo; ya sea que nuestro interés sea el deleite visual, la apreciación por la construcción artística o el simple placer de dar rienda suelta a nuestra imaginación mientras admiramos un cuerpo ajeno que se ha desprendido de las cargas morales de la ropa.

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Fotografías coloreadas por Jan Saudek “El cuerpo humano me excita, el femenino sobre todo; pero soy bastante tímido y cobardón, y ese ha sido siempre el principal problema en mi trabajo. Tuve una infancia y una juventud desafortunadas, pero ahora, cumplidos los setenta, soy absolutamente feliz”. Jan Saudek nació en Praga, antigua Checoslovaquia, en 1935. Fotógrafo y artista plástico, Jan es un personaje muy  influyente y reconocido  por sus fotografías en blanco y negro coloreadas manualmente.  Estudió en la Escuela de Fotografía Industrial de Praga, ejerciendo diversos oficios en el campo y fábricas. En 1951 coloreó una fotografía y después de la crítica hecha por su madre, Saudek detiene su proceso fotográfico. Años más tarde decide retomar la fotografía, y es a partir de los años setenta cuando comienza a consolidarse, asociándose en la Fundación de Artistas Visuales Checoslovacos. La obra genera un vaivén de emociones: melancolía, alegría, atracción, aversión; voces ocultas y en cierto sentido “enfermas”. Enfermas de deseo y placer que respiran sensualidad.  En la belleza femenina encuentra su inspiración que  lejos de retratar una imagen estética, intenta transmitir el cuerpo humano de una manera sublime, mujeres desnudas de la vida cotidiana con un estilo de corriente barroco y surrealista. 14


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La percepción de algunas de sus obras se desenvuelve en la parte sexual, en el acto intimó con la pareja, la relación de sentimientos, sensaciones, intercambio de miradas, fluidos, la unión hombre y mujer o entre iguales, prevaleciendo el acto sexual inherente al ser humano. Resalta el acto de amantar con personas de diferente edad, recreando el contacto íntimo y natural con el pecho de madre. Inquietante y temeroso te hace involucrarte en la obra, imaginar, crear, y creer en un mundo ni lejano ni cercano, inmediato.

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Jaime Martínez Sensualidad y Fotografía Jaime Martínez es un fotógrafo mexicano conocido por sus fotos sensuales y urbanas que reflejan la cotidianidad de la juventud contemporánea. Su trabajo ha aparecido en publicaciones internacionales como VICE, Rolling Stone, Belio, Fifi Magazine, Errr magazine, Kinki Mag, entre otras. Martínez también ha exhibido su obra internacionalmente en exposiciones individuales y colectivas. Uno de los aspectos de su trabajo que le ha generado gran popularidad es su uso de imágenes tridimensionales y movimiento a través de GIFs.

Jaime Martínez nació en Monterrey en 1978 y desde muy joven, empezó a experimentar con la fotografía, considerándolo siempre un hobby más que una carrera. A sus 27 años, después de graduarse de la carrera de Letras Españolas, decidió hacer un curso profesional y una maestría en fotografía, a lo que desde entonces, se dedica exclusivamente.

El trabajo de Martínez logra capturar momentos con una fuerte carga emocional y una cierta intimidad de la cual convierte al espectador en partícipe. La serie “recuerdos inventados” que se encuentra en su página Bright Light Bright Light Bright Light! es una colección de fotografías que Martínez tomó en Austin, Monterrey y la Ciudad de México. 18


El trabajo de Jaime se ha convertido también en parte del mundo de la música ya que en 2009, Martínez fue invitado por M.I.A a unirse a su gira y a documentar lo que ocurría en el escenario. Desde entonces Martínez es parte de sus sello N.E.E.T y ha fotografiado a numerosas bandas como Sonic Youth, Deerhunter, Kurt Vile, Crystal Castles y Kap Bambino. Recientemente Jaime Matínez dirigió videos musicales de Mentira Mentira y Lorelle Meets the Obsolete Jaime Martínez explica que la intención de su obra es capturar momentos, gente que le atrae (mujeres) y que prefiere generar misterios que preguntas. Su intención no es documentar el mundo tal y como es sino capturar sus sueños sobre éste y otros mundos. En repetidas ocasiones, el fotógrafo ha mencionado su deseo por lograr capturar imágenes de eventos supernaturales y de magia real.

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Cuauhtémoc Suárez, La esencia de la intimidad

Cuauhtémoc Suárez es un fotógrafo mexicano reconocido por retratar mujeres en situaciones íntimas. La obra de Suárez ha sido exhibida en diversas ciudades de nuestro país y publicada en diversas revistas internacionales. Estudió Psicología en la Universidad Autónoma de Nuevo León, por lo que su trabajo fusiona las imágenes con aspectos personales de sus protagonistas en las fotografías. A través del uso de la luz, los espacios y los objetos en la composición de la imagen, el fotógrafo penetra la mente de las personas retratadas y las combina con su propio estado de ánimo. Suárez ha comenzado a incursionar en el video, manteniendo el estilo que lo representa. Es originario de Monterrey; actualmente reside y trabaja en la Ciudad de México, donde es editor de fotografía de nwla.tv

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La Muerte “Pop” de Daniela Edburg Daniela Edburg es una artista mexicana conocida principalmente por su construcción de fotografías con hermosas mujeres muertas. A pesar de tocar la muerte como tema dentro de su obra, las mujeres en las imágenes de Edburg no tienen expresiones de sufrimiento y aunque utiliza objetos que hacen referencia al consumismo en imágenes claramente sarcásticas, Edburg niega ser una crítica de la sociedad. Nacida en Houston en 1975, Daniela estudió Artes visuales en la  Academia de San Carlos en la Ciudad de México. Desde entonces, ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero y su trabajo ha sido publicado internacionalmente. En 2006, recibió una mención honorífica en el XXVI Encuentro Nacional de Arte Joven. La artista ganó gran notoriedad con su exposición "Muerte Glamorosa" en 2008 y en abril de 2012, inauguró su exposición "Proof " (Prueba) en la galería Enrique Guerrero del Distrito Federal.  La construcción de los retratos de Edburg ha sido descrita como armoniosa e inteligente. Cada una de ellos relata la historia de la víctima de forma irónica y narrativa, quizás porque a la artista le gustaba escribir cuentos cuando era niña.  Actualmente, Daniela Edburg reside y trabaja en San Miguel de Allende. 

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Chapter 2

Arte El arte es una de las pocas actividades humanas con las que todo ser humano puede relacionarse,no conoce de razas, religiones, preferencias o sentimientos, es la simple expresión de una mente creadora, porque que son entonces los artistas sino creadores de sueños , de imágenes, de realidades fabricadas las cuales nos ayudan a desconectarnos de la caótica vida que llevamos. El arte nos invita a participar en una liberación de todos nuestros sentidos ya que una obra puede ser interpretada desde casi todos los ángulos, esa es la belleza del arte, ese es el regalo que nos brindan sus creadores, la libertad de poder interpretar una obra y adaptarla a tu propia realidad.Es la belleza interpretada en los ojos de quien la mire. “El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad” Pablo Picasso


Los Muralistas Mexicanos Siendo Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Jose Clemente Orozco los principales representantes del pintoresco movimiento, su propósito era hacer llegar e inculcarle al pueblo mexicano, no tomando en cuenta raza o clase social, la historia del país por medio del uso de paredes internas y externas de edificios públicos como lienzos para transmitir dichos mensajes. Otros reconocidos pintores pertenecientes a este movimiento son Rufino Tamayo (considerado como el cuarto gran muralista mexicano), Roberto Montenegro, Federico Cantu y Jorge Gonzales Camarena Fue en 1922 que el presidente de México Álvaro Obregón y su secretario de Educación José Vasconcelos, inicialmente impulsaron el movimiento en espacios de los edificios de la Secretaria de Educación y la Escuela Nacional Preparatoria. Hoy en día, hay murales en la mayoría de los edificios públicos de la Ciudad de México, así como en otras ciudades de la República e incluso distintos países, como Chile, Argentina y Estados Unidos. Cabe destacar que los muralistas mexicanos fueron de los principales contribuyentes en el perfeccionamiento de la técnica muralista utilizada durante el Renacimiento. Puesto que era práctica común utilizar las paredes exteriores de los edificios, se debía adaptar la pintura a las cualidades climáticas del lugar; la respuesta fue cambiar del óleo al acrílico debido a que éste soporta mejor los cambios climáticos.

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Los temas principales de este movimiento de enormes pinturas con gran destreza incluían la Revolución Mexicana, la conquista, la industrialización, las tradiciones populares, la sociedad civil, el capitalismo, el socialismo, la política y los principales personajes de la cultura popular.

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Omar Ortiz, La belleza de lo real

Omar Ortiz es un artista hiperrealista mexicano cuya intención es recrear la realidad. En su obra predomina el uso de la luz natural, el blanco y el minimalismo. La temática central de su trabajo es el desnudo femenino, su pasión. Omar Ortiz nació en Guadalajara en 1977. Desde su infancia mostró interés en el arte, por lo que estudió diseño gráfico y aprendió diversas disciplinas de dibujo. Más tarde, Ortiz cursó un taller con la pintora Carmen Alarcón y desde entonces el artista trabaja con óleo, técnica que considera “la más noble”. La obra de Omar Ortiz sucede bajo la noción de que son los excesos los que nos empobrecen y es en los detalles de la realidad donde se encuentra la verdadera belleza. Su trabajo ha sido exhibido y publicado internacionalmente.

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Daniel Lezama, Provocador Mexicano Daniel Lezama es un artista contemporáneo cuya obra propone tomar lo cotidiano y llevarlo al mito. Su trabajo frecuentemente retrata a mexicanos envueltos en actividades simultáneamente sórdidas y enternecedoras. Altamente controversial, Lezama ha sido reconocido por críticos y rechazado por galerías y coleccionistas. Nacido en la Ciudad de México en 1968, Daniel Lezama estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma Nacional . Desde entonces, el artista ha utilizado la tradición nacionalista del muralismo mexicano comoreferencia para crear imágenes que narran eventos actuales que confrontan al espectador. Lezama ha provocado fuertes reacciones a través del uso del nudismo, la cultura pop mexicana y la desconstrucción de las imágenes consideradas sagradas en México (como la Virgen de Guadalupe).   La obra de Lezama se ha exhibido, coleccionado y publicado en México, Estados Unidos y Europa. Actualmente, el artista reside y trabaja en la Ciudad de México.

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Gabriel Moreno, La Sensualidad Femenina A lo largo de la historia, las mujeres han sido musas de grandes pintores como Da Vinci, Dalí o Goya. La sensualidad de la mujer es un arma poderosa que puede desatar guerras, pero también servir como motor para producir arte; esto le sucedió a Gabriel Moreno, un artista visual español que ve en las mujeres la motivación para desarrollar sus ilustraciones. Moreno egresó de la licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, trabajó durante mucho tiempo en despachos de diseño y en agencias de publicidad en Andalucía, hasta que una mujer se cruzó en su camino y en el intento de seguirla se trasladó a Madrid donde descubrió el mundo de la ilustración y su vocación para ello. Con técnicas como el rotulador, la tinta y la acuarela, Gabriel Moreno es un ilustrador, grabador y pintor que en 2007 fue seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración por la revista londinense Computer Arts y desde entonces su carrera ha ido en ascenso.  A Moreno lo inspiran las mujeres: su cuerpo, su rostro. La figura femenina despierta en él su vena artística y es una constante en su obra. En sus ilustraciones prevalece el uso del blanco y negro (como colores base en los que están dibujadas las mujeres) y la inserción de colores que resaltan detalles específicos de la ilustración, como el rostro, la vestimenta o la expresión.   34


“Me gusta mirar a una mujer y me gusta pintarla. Puede parecer todo lo superficial o profundo que uno quiera y según las vueltas que se le quieran dar. […] hay dos cosas que me llegan al estómago, ver imágenes del tipo de las que abren los telediarios en las últimas semanas y ver el cuello de una mujer, una boca, no tengo capacidad para reflejar en mi trabajo la primera parte, pero sí la segunda. Es así de sencillo”. Moreno ha colaborado con numerosas publicaciones nacionales e internacionales como la editorial norteamericana Los Angeles Times Magazine, para la que elaboró la portada de alguna de sus publicaciones. 

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Leonardo Partida, La visión más joven de Louvre Con esta frase el joven promesa de la pintura mexicana Leonardo Partida nos explica un poco de donde nace su inspiración al pintar. Leonardo puede decir con una sonrisa orgullosa que es el mexicano mas joven en haber expuesto en el prestigioso Museo del Louvre en la ciudad de París a la edad de 27 años. Con la alegría y humildad que lo caracterizan Leonardo nos brindo unos minutos de su tiempo para compartirnos como ha sido su trayectoria dentro del mundo del arte, este camino comenzo a la corta edad de siete años cuando su abuelo empezó a introducirlo en el mundo de la pintura. Leonardo egresado del Centro de Estudios en Ciencias de la Comunicación y licenciado en Publicidad nos cuenta que su primera exposición fue en año 2007 dentro del CECC contando siempre con el apoyo incondicional del Lic. Jesus Cuevas y su hijo Mauricio Cuevas el cual al poco tiempo se convirtió en su representante. A partir de ahí su obra se ha montado en centros comerciales dentro de la república como en Plaza Loreto y Plaza Cuicuílco , exposiciones colectivas y privadas, una de ellas en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Poco después se puso en contacto con el curador general de las obras del artista brasileño Romero Britto en una galería en la ciudad de Miami, el cual quedo fascinado con su obra y lo invito a participar dentro de dicha galería, poco después de esto su obra “ Serenity” fue 36


expuesta de manera permanente dentro de la galería Ward-Nasse Gallery de SoHo. Leonardo nos cuenta que a través de una compañera brasileña la cual manejaba la galería de SoHo se entero de la convocatoria para poder participar en la exhibición dentro del Louvre, pasaron meses de espera y finalmente Leo recibió el mail que cambiaría su vida, su obra había sido aceptada. En los primeros días del mes de Diciembre Leonardo partió a París, “me sentia solo y algo perdido” nos cuenta como eran sus días en esa ciudad desconocida, comía solo, prácticamente no hablaba con nadie ya que de los expositores no había ninguno que hablara el español por lo tanto era difícil para el mantener algún tipo de contacto, pero al final logro su cometido, conocer a Romero Britto y ver su obra expuesta en uno de los museos mas importantes del mundo. Leonardo nos contó un poco de su visión acerca del nuevo talento muchas veces desperdiciado que encontramos en nuestro país y les brindo un gran consejo: “No comprometas tu obra, o define hasta donde lo harías porque a final de cuentas esto es un trabajo”. Al hablar un poco acerca de su estilo e inspiración al pintar Leonardo la describió de esta manera “No me gusta encasillarme en un género, pero si tuviera que hacerlo diría que mi obra se inclina un poco mas por el Pop Art ” “No busco llegar a hacer algo como Dalí de llegar a lo surrealista, ni a repetir algo que parece sacado de una fotografía es simplemente ver una idea y darle mi toque personal”, Leonardo cerro con una frase acerca de lo que viven los artistas hoy en día “Todo artista se encuentra con baches, yo tuve uno hace unos 37


meses pero siempre pueden superarse como por ejemplo, el estar enamorado me ha ayudado a pintar mejor”. Definitivamente la carrera de Leonardo Partida tiene un futuro brillante y desde lo mas profundo le deseamos el mayor éxito en cada una de las cosas que emprenda y le agradecemos el habernos enseñado que el arte es personal, humano y que la inspiración la poseemos todos, la finalidad siempre será enfocarnos en nuestros sueños y empeñarnos día con día en hacerlos realidad.

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Las Mujeres Hiperrealistas de Ana Teresa Fernández “Para las mujeres contemporáneas, a menudo es difícil conciliar la imagen omnipresente de la virgen y la puta en nuestra cultura: limpia vs sucia” - Ana Teresa Fernández El trabajo de Ana Teresa Fernández se define por un agudo hiperrealismo. Su producción al óleo tiene como protagonistas a mujeres, con la particularidad de que éstas nunca muestran su rostro; se encuentran en el anonimato, quizás en la búsqueda de no personalizar situaciones y dejando que sea el cuerpo, las prendas o el escenario los que hablen y evidencien el concepto tan arraigado que todavía algunos tienen acerca de la mujer, a la que aún consideran estandarte del trabajo doméstico.  Nacida en Tampico, Ana Teresa expresa en su obra una ambivalencia en cuanto al papel de la mujer. Por un lado, sus pinturas reflejan esa abnegación que se deja ver en la realización de labores típicas del hogar, y por otro, las protagonistas aparecen enfundadas en modernos vestidos y elevadas en prominentes tacones en el cumplimiento del estereotipo de la mujer moderna impuesto por el cine y la televisión. Su técnica se basa principalmente en óleo sobre lienzo, pero también trabaja otras como el carbón vegetal sobre papel.

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Su técnica se basa principalmente en óleo sobre lienzo, pero también trabaja otras como el carbón vegetal sobre papel. “Los hombres quieren a una dama en la mesa y a una puta en la cama, es una afirmación que escuché a los 15 años y que aún suena en mis oídos". Desde muy joven, Ana se percató de la doble moral impuesta a las mujeres y su sexualidad, dentro de la cultura mexicana. Sus pinturas son una especie de denuncia a esta falsa rectitud en la que, de manera hiperrealista, logra combinar la sensualidad de la mujer con las actividades cotidianas que todavía muchas acostumbran realizar. 

“Mi trabajo investiga cómo las mujeres identifican sus puntos fuertes y su sensualidad, desempeñando su labor sin un visible valor económico ni social y que a menudo está considerado como ‘sucio’" Las pinturas de Ana Teresa se dividen en seis series: Ablution, Telaraña, Pressing Matters, Bay Area Now 5, Equilateral y Galería de la raza. En toda su obra, las mujeres aparecen siempre como el personaje principal, dejando ver cierto erotismo en las poses y escenarios. Además de desempeñarse como pintora, Ana Teresa tiene algunos trabajos en escultura y performance. . 41


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Arquitectura Espacios y lugares inmensos que toman forma, en donde también se crea arte, porque la arquitectura también es un reflejo del estado espiritual del hombre y su tiempo. El tiempo y la época son marcados por esos enormes edificios que a su vez son testigos y poseedores de tanta historia, donde siguen transcurriendo esos años, décadas y siglos; son esas paredes y fachadas, las que hacen y reafirman ese arte plasmado por sus grandes creadores.

“Solo la sociedad que demande buena arquitectura podrá tenerla”. Julio Cano Lasso.


Javier Senosiain, Arquitectura Orgánica “El artesano trabaja con las manos y la cabeza y el artista trabaja con las manos, la cabeza y el corazón” Esta es la frase como el arquitecto Javier Senosiain describió que es para él arte y como describe las obras arquitectónicas de su creación. Cabe aclarar que él nunca pensó estudiar arquitectura sin embargo, fue en la preparatoria que después de descartar ingeniería, la arquitectura fue la carrera escogida y en cual ha sobre salido y ha sido reconocido por su talento. La arquitectura denominada orgánica o bio arquitectura, se basa en la formación de espacios que proporcionen armonía entre hombre, naturaleza y en el cubrir sus necesidades físicas y psicológicas, otra de las características utilizadas en este tipo de arquitectura es el adaptarse a los patrones establecidos y marcados por el ambiente. “El ser humano no debe desprenderse de sus impulsos primigenios, de su ser biológico. Debe recordar que él mismo proviene de un principio natural y que la búsqueda de su morada no puede desligarse de sus raíces; es decir, debe evitar que su hábitat sea antinatural” La arquitectura que trabaja y crea Javier Senosiain no es nueva, se ha conocido con diferentes nombres, pero que igual han dejado un importante legado, el trabajo del Sr. Senosiain a menudo es comparada con obras de Paolo Soleri, Friedensreich Hundertwasser,

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Buckminster Fuller, Antoni Gauidi, Rudolph Steiner y del pionero Frank Lloyd Wright. Uno de sus proyectos, el cual, podría considerar como una de sus favoritas, es la casa orgánica la cual tiene un significado laboral de su comienzo en la bio arquitectura. Los hábitats orgánicos en los que trabaja utiliza materiales diversos en su construcción como conchas, piedras, maderas, cenizas volantes, celulosa, fibra mineral, jeans y papel periódico reciclado, compuesto de resinas de bajo tóxicos entre otros. Actualmente trabaja como profesor en la carrera de arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México de la cual es egresado, en la cual lo que le gusta transmitir a sus alumnos es la motivación, la motivación a crear, diseñar e innovar, porque partiendo de eso ellos solitos encuentran la inspiración en la arquitectura, también se encuentra trabajando en varios proyectos, como la continuación de los jardines del Nido del Quetzalcoalt. La imponente arquitectura “El Nido del Quetzalcoalt” te acoge de diversas formas, colores y estructuras en un encuentro rodeado con la naturaleza el cual brinda diversas sensaciones: calma, tranquilidad y paz, localizada al norte de la ciudad de México, recordando que esta y otras de sus obras se encuentran habitadas.

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Luis Barragán, Arquitectura Moderna El 22 de noviembre de 1988, muere en la Ciudad de México uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, Luis Barragán, quien fue el único arquitecto mexicano en recibir el Premio Pritzker en 1980. Después de complementar su formación profesional en Europa, Barragán viajó a España, país que despertó en él la idea de que los jardines deberían ser lugares diseñados especialmente para la meditación y la relajación; esta idea que se ve reflejada en cada uno de sus proyectos, que empiezan a concebirse como un juego de planos, luces y texturas que envuelven a los habitantes en una atmósfera de confort. Estos juegos de planos, luz y color se presentan en el edificio de apartamentos en la plaza Melchor Ocampo (1936-1940), su casa-taller en Tacubaya y dos obras en el campo del paisajismo: los jardines del Pedregal (1945-1950) y los del Predio del Cabrío (1944), ambos en la ciudad de México, donde se percibe la huella profunda de los jardines islámicos, así como la insistente presencia del sonido del agua. Entre las últimas creaciones que el arquitecto realizó destacan: la capilla de las Capuchinas Sacramentarias (1952-1955 en Tlalpan), las torres de la Ciudad Satélite (1957), proyectadas junto con Mathias Goeritz, el barrio de las Arboledas (1955-1961) y la Casa Gilardi (1972-1980). 52


"En proporciones alarmantes las siguientes palabras han desaparecido de las publicaciones de arquitectura: Belleza, inspiración, magia, hechicería, encanto, y también serenidad, misterio, silencio, privacía, asombro. Todas ellas han encontrado un hogar amoroso en mi alma" "Desde el silencio puedes hacer música con agua. Después, esa música nos rodea". - Luis Barragán

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La naturaleza del espacio por Olafur Eliasson Agua, aire, tierra, luz... elementos que conforman el espacio en el que nos movemos, desarrollamos, en el que vivimos. Espacio físico que se convierte en parte fundamental de lo que somos. Destellos de luz, colores reflejados y movilidad, aspectos que se ven reflejados en el trabajo de Olafur Eliasson y que nos transportan a un nuevo horizonte dentro de estructuras ya establecidas. De origen danés, Eliasson ha destacado en años recientes por sus trabajos de instalación, arquitectura y diseño los cuales tienen como principal característica incorporar elementos naturales como la luz, agua y aire, así como un extenso empleo de figuras geométricas tomando como elemento fundamental el correcto uso del espacio Formado en la Real Academia de las Artes de Copenhague, Olafur Eliasson se ha involucrado en diversos proyectos realizados para espacios públicos entre los que destacan  el proyecto Green River, llevado a cabo en diversas ciudades (1998-2001), el pabellón temporal Serpentine Gallery en Londres (2007) y las Cascadas de Nueva York (2008) Desde 1993 Olafur reside en Berlín, donde maneja un estudio en Prenzlauer Berg, el cual funciona como un laboratorio permanente para investigaciones sobre el uso del espacio, arquitectura y arte. En él participan arquitectos, ingenieros, constructores y asistentes quienes trabajan directamente en el desarrollo de nuevas instalaciones y proyectos a gran escala.  54


Elliasson es conocido por procurar reunirse con expertos para el correcto diseño y realización de cada uno de sus proyectos. De esta manera, en 1996 comienza a trabajar con los arquitectos Buckminster Fuller y Einar orsteinn, expertos en geometría y en quien Elliasson se inspira para sus diseños y uso del espacio. Esta influencia se refleja principalmente en el diseño de corredores, túneles, fachadas, lámparas y trabajos de cámara oscura. Su capacidad de realizar estructuras bellas y simples a la vista, pero llenas de la  complejidad que ofrecen la figuras geométricas, permiten al espectador analizar el uso del espacio en relación con los elementos naturales y la luz. Sus instalaciones están previstas para convertirse en un espacio agradable y  habitable. Finalmente, el público se convierte en parte de la obra, ésta está hecha para él y por él. Su interacción es la que logra darle un significado.

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Diseño El diseño es el alma de todo lo creado por el hombre, debe seducir, educar y quizás lo mas importante, provocar una respuesta emocional, diseñar es el único método de juntar forma con contenido, puede llegar a sonar muy simple, pero precisamente eso es lo que lo vuelve tan complicado. Mas allá de lo técnico o comercial, los sueños y los deseos de las personas son las que se plasman en cada proyecto considerado obra.

“Diseño no es lo que ves, sino lo que debes hacer que otras personas vean”. Edgar Degas


El ilustrador de más de 100 portadas, Jason Brooks Jason Brooks nació en Londres en 1969; siendo adolescente comenzó a dibujar y pintar recibiendo sus primeras remuneraciones. Cursó la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Central Saint Martins, participó en el Vogue Sotheby´s Cecil Beaton Award, en el que ganó el premio a la ilustración de moda. Comenzó a trabajar para la revista Vogue y posteriormente ingresó en la Universidad Real del Arte donde cursó una maestría en ilustración. Considerado uno de los precursores en el uso de las computadoras, creando y publicando ilustraciones, ha establecido un estilo influyente mediante sus representaciones visuales apegadas a la realidad en las que resalta vectores, glamour y elegancia, generando así atractivas clasificaciones en el ámbito de la moda, interiores y estilo de vida. Su trabajo ha sido expuesto en el museo Victoria and Albert en Londres. Al igual que ha ilustrado más de 100 portadas para la compañía discográfica Hed Kandi, especializada en música house. Brooks lanzará en 2013 su primer libro titulado A Sketchbook de Paris, publicado por Laurence King.

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Color, Elegancia y Sencillez por Malilka Favre

Creció en Paris, Francia donde estudió diseño gráfico. Más tarde, en 2006, se unió a Zona de Embarque, un estudio de diseño multidisciplinario en Londres donde reside actualmente. La obra de Malika refleja en dibujos compuestos por formas, colores y contornos planos e irregulares que carecen de volumen y fondos, la elegancia parisina, colmando a sus obras de un estilo inconfundible. En los últimos años ha realizado trabajos importantes para las revistas Wallpaper y e Sunday Times. Uno de sus trabajos más recientes fue la cubierta para el libro Kama Sutra realizado por la editorial Penguin Books. Malilka Favre cuenta con una tienda online en la cual podemos disfrutar del generoso portafolio de la ilustradora francesa.

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Julianna Brion, Ilustraciones llenas de fantasía y color Dibujos coloridos y diseñados con sencillez pero cargados de detalles que llaman la atención. Ilustraciones que describen y caracterizan situaciones o lugares fantasiosos. Julianna Brion es la creadora de estas ilustraciones, ella creció en Greenwich Connecticut y es egresada de e Maryland Institute Collage of Art. En cada uno de sus dibujos para niños los personajes son diferentes y únicos, llenos de gran colorido que con sencillos trazos hacen que identifiquemos esos cuentos de infancia; también se puede observar en otra de sus colecciones, trazos estilizados que forman figuras femeninas en situaciones íntimas, con fondos sólidos en colores neutros, que se complementan con toques de sutileza y elegancia haciendo que las ilustraciones cautiven nuestra atención. Su trabajo ha sido publicado en Plansponsor, e New York Times, AiCIO, Bust Magazine, y e Society of Children's Book Writers and Illustrators; reconocido por  publicaciones como e Society of Illustrators, American Illustration, CMYK "Top 100 New Creatives". Julianna Brion ha  expuesto en galerías como Gallery Nucleus y Light Grey Art Gallery. La diseñadora actualmente reside en Baltimore y tiene una página de Internet donde  se pueden ver y adquirir sus obras.

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Apertura de la GalerĂ­a CC 186


Las personas poseemos un espíritu que se materializa en prácticas. Es un desprendimiento de nuestra esencia que se ve definida por lo que sucede en un presente a veces inconsciente. El espíritu creador de algunos es la fuerza que definirá una obra marcada por las ideas y circunstancias de un mundo. Esos espíritus serán la ventana a los registros de su tiempo y contexto. Es en el camino del arte donde la fuerza del espíritu se manifiesta con intensidad, pues las obras parten, en muchas ocasiones, de universos etéreos que representan el sentir de quien lo hace, influenciado por momentos que quizá estén compartidos con otros espíritus. La obra no solamente es la representación física de esta fuerza creativa; para su culminación, ambos espíritus, espectador y creador, deben encontrarse. Zeitgeist: espíritu del tiempo (alemán, zeit: tiempo, geist: espíritu) Esta exhibición se propone como un espacio en el que se reúne el talento presentado a través de la plataforma de artistas de Cultura Colectiva (culturacolectiva.com) durante el último año. Es un recuento de las propuestas emergentes que son seleccionadas semanalmente para ser difundidas a través del portal, y que ahora ven su proyección en un espacio físico que es también un proyecto documental a largo plazo en el que se muestra el clima cultural, artístico e intelectual del contexto local. Dentro de Zeitgeist, el espíritu de las piezas se encuentra por primera vez en un mismo espacio con el espectador.

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CC186 busca promover y difundir el arte y la cultura desde un punto de vista joven y actual en el que nuevas propuestas y diferentes disciplinas artísticas convivan de manera libre e integral.

Zeitgeist estará abierta al público hasta el 17 de noviembre en CC186.

Es gracias a estos artistas y a su trabajo que CC186 se presenta como un testimonio de lo que se reflexiona en el presente y representa al futuro.

Chiapas 186, Col. Roma norte, entre Manzanillo y Medellín, México D.F.

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La compleja construcción gráfica de Råbjerg “Empecé a dibujar desde que tengo memoria. Mi desarrollo en el dibujo inició cuando tenía uno o dos años y hasta hoy no ha parado. Jamás he tomado algún curso o clase de dibujo, por tanto, no me es posible definir en qué momento mi carrera como dibujante comienza. Si no es al inicio de mi vida, lo es desde que tuve el conocimiento de que un lápiz pinta un papel.” Su nombre artístico, Råbjerg, fue tomado de la Råbjerg Mile, una peculiar duna de arena ubicada en Dinamarca que parece moverse o caminar. Durante los últimos ocho años se ha dedicado exclusivamente a la conceptualización y producción de su trabajo artístico. Con formación autodidacta y concentrado por completo en el uso del grafito sobre papel, no descarta la posibilidad de incursionar en nuevas técnicas en el futuro. Su obra consta de escenarios de origen imaginario. Escenas de laboratorios, escuelas y edificaciones específicas; como las calles y callejones de la ciudad de Bergen, Noruega, en donde se desenvuelve “la trama” narrada por su obra. A sus 23 años su trabajo ha generado intriga, preguntas y sorpresa. Aquí una entrevista que nos concedió esta semana. CC:¿Qué es lo que investigas en tu trabajo? 
 R: Dadas ciertas circunstancias, me he visto obligado a investigar 78


sobre el sistema educativo de Noruega, nación en la cual se desenvuelve mi obra actual, ya que he incluido como tema 'conceptual' la educación para niños y adolescentes, teniendo así, que investigar a detalle como son estos escenarios. La obra completa se desenvuelve en el interior de una enorme escuela imaginaria, por lo tanto, casi todos los interiores han sido inventados y no aluden precisamente a las escuelas noruegas, a excepción del "kinder graden". También he realizado investigaciones antropológicas respecto a la fisionomía de las personas de origen nórdico, utilizando esta información como factor determinante en las características de los personajes de la obra. CC: ¿Por qué tu interés en la cultura nórdica? R: Mi interés por la cultura nórdica, en especial de la región al norte de Noruega y Finlandia, viene desde la búsqueda de mis antepasados. Posteriormente, al conocer más a fondo el sistema contemporáneo de aquellas regiones tan lejanas a mi lugar de nacimiento, me he identificado con sus ideologías y sistemas políticos y educativos. En la parte personal, mi identificación con la cultura nórdica radica en mi independencia natural, de emociones rígidas y firme enfoque, lo cual suele atribuírsele a los nórdicos como "frialdad" o "sequedad", "mamones" en términos vulgares. Lo que más interés me causa de dichas regiones es el ecosistema, las regiones naturales, los paisajes, eso es principalmente lo que me llama, así como la cultura Saami, originaria del norte de Noruega y Finlandia. En fin, es tanto mi gusto personal adquirido, como mi identificación nata lo que me hace admirar y por tanto, representar a esta cultura y su región natural en mi trabajo artístico; un tanto vanidosa mi decisión al argumentar también que, a mi perspectiva, el panorama escandinavo es el más estético a nivel geométrico y 79


natural. CC: ¿Cuál es el tema personal subyacente que dirige tu trabajo? R: El tema, por ahora, es nada más que la creación y exposición de un mundo imaginario, donde sus habitantes cuentan de un gran coeficiente intelectual, haciendo posible una perfecta organización y un alto nivel productivo en materia tecnológica y social. Realmente, mi objetivo personal principal, es la práctica de formas compositivas o técnicas, por lo tanto, esta obra (y digo ésta porque es la única obra oficial con la que cuento) es un examen, el tema es solo el 'pretexto' para la resolución de imagen. Esta obra no pretende transmitir al espectador nada relevante a nivel social o de concientización, no hay ningún mensaje implícito que vaya más allá de la exposición de un pequeño fragmento de la "sociedad perfecta", si así se le quiere ver.  CC: ¿ En qué consisten tus autoevaluaciones?  R: Consisten en una amplia gama de factores que van desde la comprensión y producción de la iluminación, el volumen, la perspectiva y la textura, hasta la evaluación de los diversos medios creativos aplicados a la composición. En pocas palabras, evalúo qué tan bien entiendo lo que mis ojos ven y porqué lo ven de esa forma, qué tan capaz soy de reproducir esta información (realista) y qué tan creativo soy al generar una composición visual con estos elementos o medios.

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CC: Describe los pasos que tomas para conceptualizar e iniciar la producción de una nueva obra. R: Lo primero es definir qué es lo que se quiere lograr; esto puede variar muchísimo, ya sea, plasmar una emoción, se me ocurrió una escena bien padre y quiero dibujarla, quiero construir un mundo con características específicas, etc.. Pueden ser miles de motivos los que impulsan a un artista a crear imágenes. En mi caso, el objetivo está muy bien definido y es una evaluación personal, así que, cada elemento de cada escenario y los escenarios mismos están diseñados para cumplir los requisitos impuestos por estos sistemas de evaluación. De esta manera es necesario visualizar qué espacio, escena, elemento, textura etc. será el indicado. CC: ¿Cuál es el proceso para desarrollar estos escenarios?  R: El proceso consta de tres etapas; la primera es definir un espacio tridimensional, cuyas características están definidas por el tema que rige la obra; la segunda, es involucrar elementos y objetos dentro de dicho espacio que definirán la constitución cromática de la resolución final junto a la iluminación, misma que genera el espacio en sí; y la tercera es readaptar el resultado de estas a una última forma, sujeta a la modificación de patrones o perspectivas en un plano de composición "multi-espacial", para así, generar armonía entre los "espacios tridimensionales" o lugares como un Todo. Las etapas de este proceso se ejecutan mentalmente y no es hasta que se tiene definido todo y se han ubicado los puntos de vista, que se realiza el resultado sobre el papel.

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CC: ¿Cómo trabajas la perspectiva? 
 R: Una vez definido el o los espacios tridimensionales con sus elementos en orden, se ubican dentro el o los puntos de vista dependiendo el caso, lo cual definirá la perspectiva de dichos espacios tridimensionales. El punto de vista es capaz de rotar o desplazarse mientras 'observa' el espacio tridimensional, resultando así en una alteración de la geometría original de dicho espacio a nivel perceptivo, más no físico o material.

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Agradecimientos Jorge Armando Del Villar Díaz

Ana Paola López Arellano

Luis Andres Enriquez Arias

Silvia Aguilar Guiterrez

Lian Solana Tron

Adriana Cisneros Arizmendi

Rafael Martínez

Cuauhtémoc Rubio Alonso

Adolfo Cano Contreras

Antonio Blanco Zubiria

Ricardo Beard

Rodrigo Aguirre Villavicencio

Rosario Lugo Mónica Careaga Fuentes Luz Espinosa Flores Lucía Gonzalez Sofía Huerta Noguera  Amaury Berdejo Juárez Sabina Frank Emily Gómez Ramsey Mónica Barreriro Roseno lxxxiii


Referencias Bibiliogrรกficas Enero 2012: http://brightlightbrightlight.com

Septiembre 2012: http://www.juliannabrion.com

Febrero 2012: http://www.c-suarez.net

Octubre 2012: http://www.behance.net/raabjerg-atta

Marzo 2012: http://www.jason-brooks.com

Octubre 2012: http://www.malikafavre.com

Abril 2012: http://omarortiz.wordpress.com

Noviembre 2012: http://www.arquitecturaorganica.com

Mayo 2012: http://www.daniellezama.net

Noviembre 2012: http://www.saudek.com

Junio 2012: http://gabrielmoreno.com

Diciembre 2012: http://leonardopartida.com.mx

Julio 2012: http://www.casaluisbarragan.org

Agosto: http://www.olafureliasson.net/works.html lxxxiv


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