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editorial

Equipo Editorial Dirección Editorial: Carola Moya Corrección de Textos: Beatriz Burgos Comité Asesor: Juan Carlos Fau, Manuel Figueroa, Juan Pablo Fuentes, José Korn, Mauricio Léniz, Ariel Núñez, Dr. Zombie, Gabriel Zamora. Colaboradores: Marcelo Celis, Pau Giaquinta Sebastián Hermida, Carlos Loyola, Emilio Pino, Violeta Rates, Sue Wang, Felipe Zapata. Empresa Ufano Ediciones Antonio Varas 536 / (562) 2368838 www.criterioindependiente.com revista@criterioindependiente.com

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Siempre he creído que la cultura de un país la hacemos quienes formamos parte de él, por eso no puede ser privativa, todos participamos de ella. Nuestra cultura es la que nos da identidad, entonces... porqué hay tan poco de ella en nuestros medios?. Basta de la exaltación de lo extranjero, en Chile pasan cosas y hay talento. Con la intención de terminar con el mito de que Chile no tiene identidad, nace esta revista. CI es un medio independiente que busca ser el promotor de nuestros artistas, de quienes nos dan identidad, quienes con sus obras reflejan nuestra idiosincracia.

La cultura no es soberbia ni arrogante, hay que terminar con el pensamiento de que pertenece a una elite superior, la cultura es transversal. “La cultura es para todos”, dice el lema del gobierno, entonces porqué discriminar al grafitero, al diseñador, al arquitecto, al artista callejero, ellos también contribuyen a darle identidad a nuestro país y se merecen el mismo espacio que todos los otros artistas. En esta revista se abre un medio transversal y equitativo, que le da espacio a todos los artistas y creativos. Con CI se inicia un nueva tendencia, la de la cultura de masas, no esa basada en la TV, sino la de una actividad interdisciplinaria masiva, repleta de actividades y movimientos emergentes, una cultura que mueve y construye a un pueblo, al nuestro. Revista CI – criterio independiente se presenta como un magazine de tendencias culturales, donde podrás encontrar todo sobre la escena local, lo último en vanguardia, todas las ideas y artistas alternativos que no encuentran espacio en otros medios. No hay que tener un C.I elevado para comprender la cultura sino criterio independiente. Carola Moya


sumario 06 Social Literatura

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Arte Callejero

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Diseño Industrial

38 Arte

Indumentaria

66 Cine

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Arquitectura

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Portada: My evil is strong, óleo sobre tela 50 x 50 de Víctor Castillo

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Iconomía

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www.anuarioarte.com

www.inoxidable-neopop.cl

Este Portal – Galería surge con la intención de desarrollar un libro con el trabajo de artistas chilenos de la última década, dedicados a la ilustración, fotografía y el diseño. En cada capítulo se reúnen 7 artistas que producen una pieza de arte con un formato impuesto: pizarra y tiza para los ilustradores, cámara Polaroid para los fotógrafos y platos de loza para los diseñadores. Estos trabajos se pueden descargar en formato PDF.

En este sitio reúne una investigación teórico plástica acerca del lenguaje Neo Pop Iberoamericano, con la intención de crear una nueva escena itinerante de artes visuales que se realiza en 4 ciudades de diferentes países: Buenos Aires, Santiago, Bogotá y Barcelona. Dónde en cada lugar se presentan diferentes montajes realizada por distintos artistas locales e internacionales. Las obras resultantes se pueden ver en este sitio web.

www.portaldelarte.cl

www.lacaja.cl

Portal dedicado a la difusión del arte nacional y la educación cultural sobre el patrimonio pictórico nacional. En él se pueden encontrar entrevistas, calendario de exposiciones, directorios de artistas visuales, publicaciones culturales y un diccionario dedicado al arte.

Sitio dedicado a la difusión de iniciativas artísticas multidisciplinarias chilenas. Creada por los diseñadores gráficos: Gustavo Rodríguez, Gerardo del Río y Miguel Allamand.


Cultura a un

click

La escena cultural se ha unido para difundir sus trabajos, creando portales web que actúan como galerías virtuales, poniendo al alcance de todos iniciativas culturales de diferentes áreas. Muchos artistas se quejan de la falta de espacios para mostrar sus trabajos, en respuesta a ellos algunos con alma de gestores culturales, han desarrollado portales en Internet para difundir la escena cultural emergente. Estos sitios se presentan como una alternativa a los medios de comunicación y a las galerías de arte tradicionales, abriendo un espacio donde promocionar movimientos, eventos y disciplinas culturales independientes. Al pertenecer a un mundo virtual sin fronteras, estos portales – galerías abren un circuito ilimitado de posibilidades para difundir y dar conocer la escena cultural local. Ofreciéndoles un espacio abierto a los artistas

www.revistacalle.cl Portal dedicado a las expresiones culturales urbanas: Stencil, intervenciones, graffitis, instalaciones, ciclismo, engrudo. Dónde además, se publican entrevistas a personajes locales que realizan actividades en la calle como, cuidar autos, vender Super8, etc. Creada por: Tomás Nader y Constanza Baeza.

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para que muestren sus obras y a la vez, al público la oportunidad de descubrir un mundo cultural al que pocos tienen acceso. Estos portales congregan distintas disciplinas artísticas, como también diferentes conceptos. Algunos buscan ser una vitrina, otros promover alguna iniciativa cultural, pero sea cual sea la disciplina o el perfil del sitio, todos coinciden en la misma base ideológica: “Promover la cultura”. Buscan abrir espacios, fomentar el diálogo, difundir la escena local dentro del medio nacional e internacional, lo que consiguen gracias a ese mundo virtual que les ofrece la web. Un mundo que no discrimina y no limita.

www.colormagenta.cl Es una vitrina para el diseño nacional y latinoamericano, desarrollada por: Miguel Ángel Vivanco (Valparaíso), Pedro Figueroa (Stgo.), Marcela Mohammad (BCN), además cuenta con colaboraciones internacionales desde Finlandia, Argentina, España y El Salvador.

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Dime con quién te acuestas y te diré como te vistes

Por Gabriel Zamora

“Que gay!” , es una expresión con la que más de una vez habrás oído definir un tipo de actitud, un producto e incluso un servicio. La verdad es cada vez que lo escucho me hago la misma pregunta: Será posible que la sexualidad este tan relacionada con la definición del resto de los gustos de una persona? Es decir, si soy gay, todos mis gustos son gay?. Es entonces que me parece fundamental intentar definir esta estética y las implicancias en otros aspectos de consumo a partir de las preferencias sexuales. No olvidemos que en general en nuestro país cualquier tipo que se escape de la regla del vestir masculino es un potencial gay, que ridículo, no?. Lo que en otros países se considera un valor - el buen vestir y la preocupación estética - en Chile pareciera ser un riesgo, uno que muy pocos hombres están dispuestos a correr: “No vayan a pensar que soy gay!”. A mi me asusta más que vayan a pensar que soy otra persona, que me confundan con cualquiera de esos hombres que caminan por el centro con camisa de Oxford celeste y pantalón beige. El término “Camp” define lo relacionado a la cultura gay, iconos como Grace Kelly, los zapatos de rubí del Mago de Oz, Kylie Minogue, la ciudad de San Francisco, entre muchos otros referentes conforman la larga lista de simbolismos idolatrados por la comunidad homosexual. Aunque a estas alturas ya habrá quienes objeten la pertenencia de algún conocido gay que escapa a la regla, a la estética, a sus cánones o incluso a los valores 8

que asociamos con la gente homosexual. Tal vez, podría sí ser una característica del hombre homosexual un mejor sentido estético que el del hombre heterosexual, como también la marcada preocupación por el aspecto físico y las condiciones ambientales, pero no necesariamente por dormir con hombres, un hombre tiene mejor gusto para vestirse. Como en toda clasificación, la idea es homogeneizar al grupo, sin embargo creo que dentro de este clasificación genérica -homosexual- debemos reconocer mas variables de las que normalmente se han planteado. Si pienso en un tipo musculoso, con camiseta y jeans ajustados, podría estar en la definición estilística del gay promedio, pelo rapado, grandes anteojos de mica continua y en general una silueta totalmente descriptiva y sinuosa. Gay de 90°, maricón maqueta, el que cumple cabalmente con transmitir el mensaje. Pero también los hay de muchas otras clases, y definitivamente hay quienes corren en un sentido diametralmente opuesto, ya sea por agitación propia o para huir de esta estética tan definida. Pero como en todo existen tantas variables como individuos, lo que está claro es que no debemos clasificar el vestir masculino en 2 grandes grupos dependiendo de su orientación sexual. Démosle la oportunidad a ese hétero fome de jugar con su ropa, y al homo de ser muy gay, disfrutarlo y no parecerlo.


RODRIGO ALONSO “El Fabricante de Juguetes”

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Rodrigo Alonso, es sin duda uno de los más destacados diseñadores de nuestro país. Es un profesional inquieto y talentoso, versátil y jugado, que vive y respira el diseño, crea sin parar nuevos proyectos, experimentando en su taller como si se tratara de un laboratorio. Basta con entrar a su oficina para sentirse en el taller del Viejo Pascuero, unos jóvenes diseñadores, cual duendes, prueban prototipos, arman renders y empacan productos multicolores y de formas lúdicas, mientras Alonso en la suya, trabaja sin parar sobre una mesa repleta de productos que parecen juguetes. “Cuando niño jugué solo, disfrutaba con los juguetes que me hacía yo”, cuenta Rodrigo. Esta fascinación por inventar juegos es algo que para él no para, sus diseños los define como juguetes para gente grande. La Fábrica de la Felicidad. “Busco que las cosas tengan alma”, cuenta el diseñador. Intenta que las personas interactuén con los objetos, para ello dice que trata de hacer de sus diseños, objetos que nos recuerden cosas, que nos provoquen emociones, que logren entregarnos “algo” más que sólo utilidad. Rodrigo Alonso, define su taller como “Un Laboratorio de Ideas Felices”. “La gente feliz es más atractiva que la gente que no lo es”, dice Alonso, por lo que crear diseños que evoquen emociones felices es su forma de colaborar con un mundo más bello. MÜSUC es la marca con la que comercializa sus diseños, éstos van desde mobiliario, indumentaria, luminaria, hasta joyas, su última incursión. Ellas nacieron a partir de un proyecto en conjunto con una joyería nacional, que no funcionó, pero que él siguió investigando hasta que logró darle vida.

Jocale Bajo el nombre de Jocale, que en latín significa “juguete”, lanza su primera colección de joyas hechas en plata 925 rodinada. Jocale consta de 8 piezas que representan la capacidad que todos tenemos de explorar, experimentar, comunicar sin palabras, seducir, exhibir y finalmente jugar. Así surgen anillos y colgantes que reinterpretan objetos cotidianos, como el caso de Bi-sagra, un anillo con “doble personalidad”, Ctrl + Z, en donde el concepto es el de borrar el pasado, un anillo parche curita llamado AAY!, y otros diseños más interactivos como el anillo Toy, que posee una manilla que gira sobre su eje, esto actúa como pieza anti estrés, evocando el acto de “dar cuerda”. También está el colgante Dulceguevara, donde la “piedra” central del colgante es un caramelo, el que debe consumirse para descubrir la joya, añadiéndole una cuota de sensualidad al diseño. Si bien, todas las piezas son muy llamativas, el anillo Rubbed Trust, es el más controvertido. Este anillo es una joya “preservativa de parejas”, se usa en el pulgar simulando un condón roto, símbolo de riesgo, pero a la vez de confianza cuando se tiene una sola pareja. Símbolo de fidelidad, este anillo está proyectado como anillo de compromiso o matrimonio, pensado para parejas jóvenes, cosmopolitas y vanguardistas, para personas que necesitan decir algo a través de su imagen. Al igual que todos los productos diseñados por Rodrigo Alonso, sus joyas reflejan una parte de él, de su versión de la vida, reinterpretando códigos actuales con reminiscencias nostálgicas de nuestro pasado, de la infancia principalmente, época en dónde sólo nos dedicábamos a jugar y a ser felices.

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Existe una nueva generación que ha decidido rescatar la nostalgia de la infancia sin complejos, utilizando muñecas para decorar sus hogares. Estas muñecas, no son para niños, son pensadas para grandes. Llenas de simbolismos y estéticas adultas vuelven a formar parte de nuestros espacios. §

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Muñecos a crochet www.flickr.com/photos/ piupiupiu/

Estas muñecas son la versión moderna de un Ekeko, mucho más glamorosas y contemporáneas, fabricadas en tela con aplicaciones de cristales., lentejuelas y chiches decorativos.

Muñecos de trapo crea versiones de ti, tu familia y amigos. www.flickr.com/photos/munecostrapos munecostrapos.blogspot.com

Los puedes encontrar en www.siempredigna.com, su valor va desde los $8,000 a los $14,000.

www.flickr.com/photos/loopy_boopy 13


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Libros de Mentira

“la Muerte del Cuerpo” La creación de formatos electrónicos que permiten almacenar miles de libros en un solo aparato ha hecho cuestionarse cuántos días le quedan de vida al libro, será que ya es hora de enterrar al cuerpo y darle vida eterna al alma?.

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El futuro del libro se ha vuelto tema recurrente dentro del medio editorial estos últimos años. Muchos sienten preocupación por la falta de lectoría, otros temen por la pérdida de los derechos de los autores en el mundo virtual y a su vez, todos se preguntan si el libro tal, como lo conocemos, cerrará sus tapas para siempre. La creación de formatos electrónicos que permiten almacenar miles de libros en un solo aparato ha hecho cuestionarse cuántos días le quedan de vida al libro, será que ya es hora de enterrar al cuerpo y darle vida eterna al alma?. Libros de mentira, un cuerpo virtual Luis Cruz, Gabriel Oyarzún y Mauricio Sanhueza desarrollaron un proyecto editorial diferente, una librería virtual, y no me refiero a un lugar donde se compran libros por internet, sino una especie de biblioteca en donde puedes leer y hojear libros que no existen. Libros de mentira nace en la universidad, estos tres estudiantes de periodismo de la Universidad de Santiago, deciden realizar una tesis que reuniera su amor por la literatura y su pasión por la difusión cultural. Querían realizar un proyecto que no tuviera límites y la red se convirtió en su mejor aliada, aunque debieron sortear horizontes desconocidos, un medio poco explotado en Chile, un mundo virtual que ofrece nuevos formatos pero que debe seducir al mismo lector y aún más, aquél que está por venir. Este lector virtual no reacciona ni actúa de igual forma que uno convencional. Hay ciertos códigos, caracteres, cantidad de palabras, luminosidad y herramientas que muchas veces en un libro de papel no tienen tanta importancia, pero en el mundo virtual son vitales. 16

Tras investigar este nuevo terreno y vislumbrar hipotéticamente cómo será el futuro del libro, llegaron a la conclusión de que a pesar, de estos nuevos aparatos denominados e-book, como el Kindle de Amazon o Sony Reader, los libros tal como los conocemos aún tienen mucha vida en nuestra sociedad. “Mientras sigamos aprendiendo a leer con un libro de papel, siempre asociaremos la lectura a ese objeto. La metáfora de hojear un libro es algo que tenemos grabado desde la infancia, es nuestro primer acercamiento con la literatura, por lo mismo es difícil terminar con este formato”, comenta Luis Cruz. Fue este gesto, el hojear las páginas, una de las primeras características que asumieron en este reto. Pero tal como habían cosas que debían mantener del formato clásico, existían nuevas herramientas que el mundo virtual ofrecía para potenciar la creación de estos nuevos libros. Con la ayuda de programadores y diseñadores lograron darle vida en un formato virtual a una serie de libros que forman parte de la colección de esta librería. Cada tomo posee un diseño editorial propio, el que en


algunos casos recrea la forma que imaginó para este, el autor del relato. Uno de esos casos fue el de Ramón Díaz Eterovic, quien al preguntarle cómo se imaginaba el libro para su obra llamada Chumangos, les dijo a los editores que lo veía como libro grueso, añoso, de hojas amarillas. A partir de esta idea, el equipo de Libros de Mentira desarrolló un diseño que recrea de forma virtual la imagen que el autor tenía en su mente, logrando un libro que a pesar de leerse en la pantalla del computador logra reflejar un libro con atmósfera que al hojearlo, utilizando el mouse, se puede incluso imaginar cómo huele y qué textura tiene cada una de sus hojas. Otros libros presentan música, videos e ilustraciones creadas, especialmente para cada cuento. Este valor agregado que no ofrece la tinta electrónica ni los equipos para leer e-books, muestra una faceta intermedia, de transición, entre el libro de papel y este mito electrónico que crece en el circuito editorial 2.0. Autores 2.0 A pesar del miedo que existe en las editoriales por este nuevo mercado virtual, abierto, en donde aún no se establecen las leyes ni cómo resguardar la propiedad intelectual, los escritores ven en este medio una forma casi infinita de poder difundir sus obras. Sin importar a qué generación pertenezcan, coinciden en que este soporte es la forma de promocionar sus textos y conquistar lectores sin importar los límites geográficos. Camilo Marks ha sido parte importante en el desarrollo de Libros de Mentira, él no solo fue quien guío la tesis de estos tres periodistas, sino el encargado de seleccionar, recomendar y contactar a gran parte de los autores que participan en esta colección. Esta librería está formada por 15 tomos de autores nacionales, que van desde Diamela Eltit y Germán Marín hasta generaciones más nuevas como Zambra, Gumuzio y Fuguet, he incluso por un escritor nuevo, Nicolás Sepúlveda. Este autor fue el ganador del concurso literario creado por Libros de Mentira para cerrar la colección. “La idea siempre fue incluir un autor desconocido, así que pensamos en realizar un concurso para encontrar el relato que completaría nuestra ócoleccin de cuentos”, cuenta Gabriel. Al preguntarle al autor y crítico literario, Camilo Marks, cómo se involucró en este proyecto y qué piensa del resultado responde: “Antes, durante y después del proyecto de Luis Cruz, Gabriel Oyarzún y Mauricio Sanhueza tuve, por decirlo de alguna forma, una opinión interesada, porque ellos tres me convencieron del valor y viabilidad de su tesis, mejor dicho, el resultado de ella, que es la librería virtual con 15 relatos de autores chilenos actuales y relevantes. Dicho sea de paso, ellos tres también impresionaron, y muy favorablemente, a Diamela Eltit, que es una persona con altos niveles de exigencia y me dijo, en persona, que le habían llamado la atención la solidez y vocación de Cruz, Oyarzún y Sanhueza”. Fue esta misma solidez la que convenció a todos los autores que participan en el proyecto, quienes cedieron de forma gratuita los derechos de publicación a Libros de Mentira. Muchos vieron una forma de entrar en un medio poco conocido a través de una paltaforma bien resuelta, otros colaborar con un proyecto indepen-

diente. “Mal que mal a todos les (nos) gusta que se los (nos) lean”, dice Camilo Marks en relación a la colaboración del grupo de escritores. Este proyecto ya ha tenido beneficios, tanto para los editores como para los autores, algunos de estos últimos consiguieron interesar a una editorial de publicar el cuento de esta colección virtual como parte de un libro, como es el caso de Diego Muñoz. Por su parte los editores ya cuentan con varios nuevos proyectos en carpeta, dentro de ellos la realización del mismo proyecto con escritores peruanos, sitio que se les pidió realizar desde una entidad cultural de ese país. Mientras que para nuestro país la librería virtual prepara una nueva colección, la que reunirá 15 poetas chilenos con la colaboración de bandas musicales que realizarán una especie de “banda sonora” para cada obra. 17


“A los cuatro años, Gabriel comenzó su instrucción formal con profesores particulares que iban cada mañana a la casa, de lunes a viernes. Los fines de semana, después de almuerzo, el padre lo tomaba de la mano y lo guiaba hasta la biblioteca. El corazón de Gabriel ya comenzaba a palpitar con más fuerza cuando la empleada ingresaba al comedor para retirar los platos de la mesa. al separarse las puertas de la enorme sala repleta de libros, los ojos del niño se abrían desmesuradamente. El padre le tomaba la mano y le decía anda, ve, busca uno que te llame la atención y revísalo, lo lees, tú ya sabes leer, no importa cuántas páginas ni cuáles sean, solo importa que leas y recuerda que no debes tener cuidado, porque los libros son para abrirlos y rayarlos y maltratarlos, son la sola condición de que los leas. entonces el padre se a mirar el diario o algún nuevo tomo recién adquirido, mientras Gabriel recorría las paredes tapizadas de hermosos lomos, de todos los colores y tamaños, que iba rozando con sus dedos, hasta que se detenía en uno, casi al azar, y lo sacaba con la vehemencia que le inspiraban las palabras recién vistas...”

Extracto “Las primeras líneas”, de Nicolás Sepúlveda, ganador del primer concurso realizado por Libros de Mentira, 2008.

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Infancia Mutilada Varias de nuestras generaciones han crecido con una TV repleta de caricaturas extranjeras, para algunos ha sido una tierna infancia llena de colores y canciones pegajosas, para otros como Compulsive – seudónimo del ilustrador Oliver Contreras - , estos dibujos animados son una mafia devoradora de mentes inocentes. A continuación una selección de sus trabajos, donde con talento e ironía nos muestra su versión de la verdadera personalidad de sus compañeros de infancia.

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Oliver Contreras Un mirada particular a nuestra sociedad A pesar de sólo tener 20 años ya lleva una larga carrera como ilustrador. Es un nombre conocido dentro del medio nacional emergente y referente constante en foros y blogs internacionales, claro que no por su nombre real, sino por su seudónimo “Compulsive”.

Desde hace 5 años ya, vende sus trabajos en la galería virtual de deviantART, dónde es uno de los favoritos, tanto por sus técnicas como por el simbolismo de sus imágenes. Es su ironía crítica de la sociedad actual que lo hace diferente, no sólo es buen ilustrador, es un artista con opinión, la que vuelca sobre sus trabajos. Se ríe de la cultura estadounidense, crítica el racismo, ironiza el capitalismo y refleja el sentimiento depresivo característico de la tribu urbana EMO, a través de su personaje Compulsive Suicidal, del que adopta su seudónimo. 25


“Qué alegría!. He gastado todo el dinero de los alimentos en producto inútiles, lalalala!”.

Compulsivo y Crítico Oliver es un creador compulsivo, constantemente está ilustrando situaciones, mezclando técnicas y probando herramientas gráficas, lo que lo hace poseedor de un amplio espectro gráfico a la hora de hacer sus trabajos. Hace 3 años estudia ilustración, donde ha logrado descubrir nuevas técnicas y desarrollar nuevos proyectos. Entre ellos Robotintito, un cómics creado para un proyecto Bicentenario que tiene como propósito prevenir la delincuencia, claro que Oliver no deja su sello fuera, abordando el tema con una mirada crítica y un tono irónico a la sociedad del consumo.

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Beca de Creación Literaria

Crónica de un poeta emergente

por Emilio Pino

Emilio Pino, ha sido uno de los felices ganadores de la Beca de Creación Literaria. Como la mayoría de los ganadores de la categoría “emergentes” sabía poco o nada de lo que se vendría en adelante. Una serie de ilusiones y sueños fueron puestos en el proceso, lo que ganó y lo que quedó en el camino forman parte de esta crónica, un relato que representa la utopía de muchas plumas que sueñan con ver la luz.

Recuerdo una imagen cuando tenía unos 5 años: mi madre hojeando un libro, y encontrando un poema de Oscar Castro, “La Pequeña Elegía”, el que contaba de un hombre pobre, perdido en esa suerte de casi inexistencia, que a veces nos llega inmerecidamente, esa fue la primera imagen poética que se grabó en mi mente, casualmente se trataba de un Poeta Chileno de la 6ta Región, desde ese momento comencé a escribir casi por juego, pequeños versos dedicados a las estrellas o a las flores, costumbre que luego perdería por muchos años, hasta llegada mi etapa adolescente, donde vivo mis primeros amores y llegan a mis manos unos poemas de Vicente Huidobro, aún recuerdo como latía mi corazón al leer “Arte Poética”, desde ese momento, la poesía se volvió parte de mí, comencé escribiendo Epigramas que luego quemé por inconformidad, viví muchas rupturas con la poesía, pero finalmente el poema de Oscar Castro, y unos versos de Huidobro detenidos en la memoria se marcaron y fueron más fuertes en mi vida: “que el verso sea como una llave”, “cuanto miren los ojos creado sea”. Corría Junio del 2007, había postulado al Fondo Del Libro, Beca De Creación Literaria, gracias a una amiga que me había hablado de ello. Una mañana me llaman por teléfono y me indican que soy uno de los ganadores, en ese momento me emocioné, a pesar de no saber bien de qué se trataba, y la verdad, sólo me había informado de los requisitos y reglas, y así, me di a la tarea de crear algunos poemas en una máquina de escrbir prestada. Pensaba sólo obtener una opinión de los evaluadores, ese fue mi motivo 28

para postular, nunca pensé en ganar. En sí ese trámite fue sencillo, recibieron mi trabajo, revisaron conmigo que estuvieran todos los datos y documentos exigidos, luego me dieron un certificado de entrega de proyecto, todo ello no demoro más de 30 minutos. Recibido el llamado, me dirijo al Consejo Nacional De La Cultura Y Las Artes (CNCA), donde me explican que había ganado la Beca De Creación Literaria, y había obtenido una suma de dinero por mi poemario, pero que debía seguir escribiendo y completando este texto, en ese momento me presentaron quien evaluaría los avances, estaba emocionado, no entendía nada y me dijeron que mejor hablara con Don Jorge Montealegre, en esos momentos Secretario Ejecutivo del Consejo Nacional Del Libro, él me explicó que un texto de poesía debía tener por lo menos 300 versos, y me habló del premio que había ganado, y que yo era el concursante más joven en obtenerlo (21 años). Así me di a la tarea de juntar los documentos que me pedían, (certificado de residencia, letra de cambio, fotocopia de carnet), cuando los reuní tuve que firmar el contrato de ejecución de proyecto, y comente que mi intención era la de editar un libro con mis poemas, pero me dijeron que editar era demasiado costoso, que gastaría todo el dinero de la beca en la edición, y por mi situación económica que pensara mejor en cosas que me ayudaran porque la beca era mía, me la había ganado, y se justificaba su uso, así con ese dinero compré mi primer computador, y pague un año de la universidad.


Fue una buena época, sin ella tal vez abría ahogado en mí la poesía, en los problemas, las deudas, los estudios, y el ritmo de vida que nos envuelve. Completé mi texto, mejoré el ritmo y la cadencia de los poemas, aclaré algunas imágenes literarias presentes, aumenté los poemas y con eso el número de versos superó a los 300. En ese momento como escritor emergente sentía que mi trabajo era importante, serio, que estaba siendo respaldado por la gente idónea, y que se lograría un trabajo que me proyectara a futuro con lo que yo esperaba mostrar de la poesía, me sentía apoyado, cualquier duda me la aclaraban, podía hablar con mi evaluadora, pero luego de terminado el texto, con el tercer informe de avance, envían a mi casa una carta de evaluación que indica que el trabajo logrado con los poemas, “contiene una elaboración de imágenes claras, de alta calidad y de esencia rural, algunos de lenguaje simple pero feroces, que es un trabajo pulcro y que pese a proponer una gran variedad de temas, la muestra de textos evidencia una importante unidad y calidad del estilo, siendo algo muy difícil de conseguir en una escritura inicial”. Así se me felicitaba por medio de una carta por el trabajo logrado, “maduro de poemas bien construidos y conmovedores, que esperaban pudieran ser prontamente editados y que contaran con el éxito y la difusión que estos merecían”. Finalmente sólo me recordaban que al momento de editarse esta obra, debía indicar que contó con el apoyo del Fondo Nacional del Libro y la Lectura, y además debía retirar mi letra de cambio, después de eso todo el contacto se perdió, y muchas de las expectativas que se habían cultivado en mí durante todo este tiempo, también lo hicieron. De todas formas no puedo criticar el trabajo vivido en esos meses, me sentía exigido como escritor emergente, se me pedía cierto número de versos, y al momento de presentar mis avances, se me entregaba una carta con un informe de evaluación donde se me criticaba el ritmo, algunas imágenes y se me aconsejaba realizar ciertas revisiones. Como escritor emergente sentí que vivía una época dorada, incluso me pidieron una entrevista para una página del Fondo Del Libro, donde contaban mi historia, como había ganado, y en cierta parte creo que fui utilizado para alivianar las críticas que surgieron ese año, de hecho en el primer párrafo de la entrevista decía: “El Fondo Nacional Del Libro, privilegiando escritores emergentes a pesar de la crítica. Si esto es falta de criterio evalúelo usted”. Claro mi historia era bonita, hijo de temporeros, primer estudiante universitario en la familia, era una buena historia para ellos, y una buena ventana para mí. Actualmente creo que gané esta beca muy joven, no tenía experiencia, creo que si la hubiese ganado unos años después, habría invertido el dinero en editar mi libro, pero lamentablemente las expectativas con las que postulé no superaban a las de un joven que deseaba saber en qué etapa se encontraba su proceso creativo. Con todo lo anterior pienso que falta apoyo y difusión al Fondo Del Libro, los escritores emergentes debieran tener la oportunidad de mostrar su trabajo, existen los

recursos y se cuenta con las personas idóneas para ello, justamente para no dejar a los ganadores, inmersos en un medio difícil, carente de oportunidades y tremendamente clasista como lo es la literatura, estos concursos debieran tender a masificar la creación literaria, evitar la piratería y estimular la industria librera nacional. Ya no se cuenta como en aquellos años románticos con la oportunidad de realizar un manuscrito, editar unos números de éste en una imprenta de barrio, para que un librero lo muestre en sus vitrinas y luego un crítico literario lo comente en su crónica de diario el fin de semana, ya no se cuenta con esas oportunidades, y no costaría tanto trabajo ni dinero al CNCA pedir a los escritores emergentes, lo que ellos consideren sus mejores escritos, para que luego un comité de evaluación incorpore estos en un texto que se convierta en una vitrina y muestre lo mejor de los escritores emergentes y sea repartido en cada biblioteca DIBAM, fomentando la lectura, el arte, y la industria. A pesar de todo, debo decir que la beca del CNCA ayudo a motivarme, a desear aprender e involucrarme más en el arte literario, si los fondos fueron creados con ese objetivo por lo menos en mí lo lograron. El año 2008 volví a participar, obtuve una buena calificación pero mi proyecto no fue seleccionado, a pesar de ello sigo empeñado en la poesía, cada vez que puedo escribo y trato de componer textos para nuevos poemarios, con la firme intención de ganar nuevamente la beca, y de esta forma, con el dinero obtenido editar mis textos para que estos sí puedan ser mostrados. E. P

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FRATICIDA Confundido entre las señas y anuncios de las largas horas de vida, bajo tantos rostros que acompañan las oscuras heridas que se sobrepasan en melancolía pura, guardándose, contaminadas, y amargas tras el polvo. Los ojos recuerdan, repasan pesadamente, disímiles cada uno al saliente y poniente , pretendiendo alcanzar un olvido imparcial de corazón bajo piedras sepultado, bajo golpes solo entregados amablemente sin una sola bofetada, como el consuelo de un beso a la mejilla, o como el eterno anhelo abandonado a lo irreal, y al llanto innecesario. ¡Sufro!; condenado a lo dolorosamente humano, inmerso en el eco de algunos que ya son propiamente eco de otras voces que sufrieron, y fueron olvidadas torpemente tras su sepulto, pues persisten eternamente sus mismos reclamos, y sus mismos dolores. Entonces busco una pobre solución a mi dolor: Por un momento lo abandono todo, y camino cegado, ensordecido, camino sobre la sangre desapasionado, como reiterativo y cotidiano observador de tanta lluvia repartida bajo los cielos, llegando solo a colgar algunos rostros a mis murallas, uno tras otro, como simples paraguas conmovidos por la lluvia, o como fotografías de mis sonrisas simuladas, uno a uno, los rostros de mis hermanos, tan humanos todos, y en todos ellos he despreciado y repudiado sus llantos, tanto, que a veces lo olvido todo, y solo me quedan sus palabras.

Emilio Pino, 2007 Poema inédito, extraído del Poemario que el autor realizó para el Fondo del Libro.

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La compañía de teatro aéreo Dementia Praecox, creada en 1997 por Nicanor Molinares, ha sido pionera en desarrollar espectáculos a gran escala, donde mezcla circo, teatro, danza y acrobacias aéreas, lo que se conoce como circo de vanguardia. Sus obras presentan un mensaje a través del movimiento y la expresión corporal, donde prima la estética y el simbolismo, lo que hace que el montaje se asemeje a una secuencia de imágenes fotográficas en movimiento como si se tratara de una secuencia cinematográfica. Sus puestas en escena combinan distintas técnicas aéreas: la escalada, el teatro extremo, la danza, el mimo drama, la música electrónica industrial, la plástica y la proyección de video en tiempo real. Esta compañía ha realizado varios montajes destacados como: La Trilogía de las Alucinaciones, La Juventud Fulminada, Suspiria de Profundis y, Afasia, su última producción. En esta obra explora los problemas de comunicación que sufrimos en el vertiginoso ritmo urbano de la vida de hoy. En este espectáculo urbano - industrial se deja ver influencias de los catalanes de la fura del baus, los argentinos de la guarda y la plástica escénica del iconoclasta polaco Tadeusz Kantor. Tras una exitosa gira en el invierno del 2008 por las ciudades de Valparaíso, Quilpué, Villa Alemana, Tomé, Talcahuano y Chillán, se vuelve a presentar la obra este 20 de marzo, a las 20hrs, en la Plaza de la Constitución dentro del marco de la clausura del programa Verano en Buena del Consejo de la Cultura Regional. NOTA: Para aquellos interesados en aprender esta disciplina podrán hacerlo a partir de fines de marzo en los talleres de Teatro Aéreo impartidos por la compañía. + info: www.demtioteka.com

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diseño futurista por mentes chilenas

Diseño 3.0

por Juan Pablo Fuentes

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De la unión del sistema de modelado Rhinos y la mente creativa de los arquitectos Guillermo Parada y Tamara Pérez, nace GT2P: un estudio dedicado al diseño paramétrico y a la fabricación digital. Su última creación es una colección de muebles de formas orgánicas diseñadas con la vanguardia en modelado digital, logrando productos con una imagen futurista, situando su trabajo dentro de las tendencias mundiales de avanzada. La primera vez que vi su trabajo recordé los diseños de Zaha Hadid o de Karim Rashid. Sus propuestas de muebles eran bien locas, extrañas y vanguardistas, sólo vistas en diseños extranjeros, ya que en Chile este tipo de ideas solo quedaban en eso, ideas, era casi imposible llevarlas a cabo, sólo funcionaban en la pantalla del computador porque no existían las herramientas para llevarlas al plano físico, menos en nuestro país, hasta ahora. Cuando me contaron sus ideas, les pregunté si estaban seguros de poder lograr una calidad digna a tan rebuscadas formas, a lo cual respondieron que ésa era su fortaleza. “Nuestro diseño se basa en reglas y algoritmos las cuales permiten establecer una suerte de meta/diseño, diseñar reglas para diseñar nuevas cosas”, según palabras de Parada. Lo que en el plano práctico le permite a cualquier persona participar en el diseño de sus muebles desde la Web, y así decidir si desea 5 o 10 espacios en su estanterías solo con programarlo, desarrollando su idea en un corto tiempo.

¿Qué es Rhinos? Rhinos 4.0 es una herramienta para modelar proyectos con precisión, desde piezas milimétricas hasta automóviles o diseños a gran escala, y dejarlos listos para el renderizado, la animación, el dibujo, la ingeniería, el análisis y la fabricación de la idea inicial. Este programa permite convertir una idea loca en un proyecto viable, ya que se encarga de mostrar y solucionar los problemas de ensamblaje de las piezas y su equilibrio volumétrico como objeto, al presentar la imagen como será en la realidad pero en 3D. Guillermo comenzó a trabajar con este programa en uno de los talleres


que se hicieron en la Universidad de Chile a cargo de profesores del MIT (EE.UU), sobre fabricación digital RhinoScript, en el que ganó el premio al mejor trabajo y presentación. Luego como parte de su magíster en la PUC, ha realizado una exploración con modelamientos paramétricos en base a lo aprendido con RhinoScript. A partir de esta experiencia, junto a su pareja, Tamara Pérez, han proyectado desde su estudio GT2P, varias propuestas usando la capacidad paramétrica de Grasshopper, un potenciador de las capacidades del programa Rhinos. A principios del mes de Abril esta pareja de arquitectos lanzará en Cómodo| tienda de diseño los primeros prototipos de su colección de muebles paramétricos. Inspirados en formas orgánicas, han reproducido en sus muebles estructuras similares a las de los panales de abejas, lo que ofrecerá al cliente una estructura espacialmente atractiva, futurista y funcional, ya que tiene la ventaja que se pueden adaptar en volumen y distribución según los requerimientos del usuario. Este lanzamiento contará con el auspicio de MILESI, RHINOCERO CHILE y SABIC, entre otras marcas.

"diseñar reglas para diseñar nuevas cosas" www.gt2p.cl - www.comodo.cl - www.rhino3d.cl

VOROMIX El próximo Salón Satélite de la Feria del Mueble en Milán 2009, será la ocasión en que Guillermo Parada medirá su talento en el mercado internacional, presentando su proyecto Voromix: una lámpara desarrollada en conjunto con Luxia y The Anemix. Con una marcada inspiración futurista y siguiendo con las formas orgánicas, Guillermo ha desarrollado este diseño utilizando toda la tecnología de Rhinos y los efectos 3D conseguidos por el sistema de iluminación The Anemix. Logrando un producto atractivo que cumple con las exigencias de diseño e innovación internacionales.

www.theanemix.com 35


VĂ­ctor Castillo

Surrealismo Pop por Alex Brahim


La irrupción de Victor Castillo en el panorama artístico barcelonés vino “rodada”. Seleccionado desde Chile para participar en la edición 2004 del festival BAC! (Barcelona Arte Contemporáneo), cuyo tema era “la piel”, Castillo sorprendió con Postizo, un mural en que dos indios pielroja de cartoon bailaban una danza tribal; la dulzura e inmediatez de los personajes despertaba empatía sin obviar la claridad del mensaje: el color de la piel marca profundamente la condición social de los individuos. En un tono jovial el artista ponía sobre la mesa temas como la diferencia racial y geopolítica, la mirada exotista del centro a la periferia y la dialéctica simbólica que el constructo cultural ha establecido a lo largo de la historia a partir la pigmentación de la epidermis, una mera condición biológica. Esta suerte de comedia de situación -con aire de gagentre personajes de cómic, reflejaba el entonces mecanismo de apropiación, recontextualización y subsecuente relectura de iconografías populares a las que articulaba apelando a su carácter de códigos simbólicos; eran las pistas base con las cuales construía sus melodías, sus personales “Merrie Melodies” (son estas clásicas caricaturas fuente esencial en su obra). Mediante geografías espaciales –lo compositivo- y semánticas –lo conceptual e ideológico-, estas melodías visuales planteaban con fuerza y literalidad una ambigua posición, más comprometida con la provocación detonante que con la crítica tradicional, revelando su carácter artístico y su circunscripción a aquello que tras la post-modernidad y sus demás post agregados entendemos por “contemporáneo”. Un contemporáneo que en aquel entonces le había valido en su Chile natal una ambivalente posición, la de un “outsider” academizado, a quien la crítica y la escuela habían resistido, por no estar en consonancia con ciertos cánones decimonónicos aún imperantes en el circuito artístico oficial chileno e hispanoamericano en general. Un contemporáneo acusado de americanista y europeísta y muchas veces criticado también desde otros sectores y latitudes, por no cumplir las cuotas supuestamente intrínsecas de exotismo visual y temática de subdesarrollo o periferia. Pero hay cierta cultura que, pese a las condicionantes propias de los contextos, sí puede clasificarse de global, aquella que los medios masivos, las telecomunicaciones en general y el consumo han hecho de ciertos imaginarios, postulados y posiciones, en una omnipresencia quizás no homogénea pero si generalizada. Como muchos de sus compañeros de generación, Victor Castillo defendía su sintonía con

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una mirada propia de modernidad -los códigos internacionales- que aunque lejana no le era ajena, que aunque no le envolviera del todo le era habitual y que por lógica y por derecho también le pertenecía. Era esa pertenencia y también su pertinencia –contingente y actual- la que defendía en muestras como Masacre (Centro Cultural de España en Santiago, 2003), con la cual alcanzó, desde la independencia, una prominente visibilidad en el círculo artístico nacional, gracias al impacto ante el público y las notables réplicas de la prensa. Mediante el rastreo y yuxtaposición simbólica de heterogéneos referentes, Castillo proponía una borrosa y abierta agenda política bajo una superficie de 40

apariencia amable, cercana a la cultura visual del entretenimiento. Por aquel entonces su técnica, el collage de recortes y papeles mezclado con dibujo y pintura con rotuladores, lápices, témperas, acrílicos y esmaltes, dislocaba preceptos técnicos tradicionales del arte y se presentaba además con gramáticas que conjugaban arte pop, surrealismo, graffiti y street-art, corrientes en cuya convergencia se ha resuelto el proceso creativo de Castillo. En Postizo (Galería Balmaceda, Santiago, 2004) Castillo demostraba su habilidad espacial y su eficaz capacidad para conjugar múltiples soportes, mediante intervenciones que ocuparían las paredes y columnas del local al completo y que habrían de repetirse más


adelante, ampliándose al suelo o revistiendo habitáculos en muestras posteriores. Es entonces cuando aparece por primera vez un rasgo hoy reconocible en su obra: los huesos cruzados que simulan esvásticas. “Pintura a quemarropa”, titularía en su día Jenny Cáceres un texto en torno a Masacre. Por aquel entonces, la violencia y su presencia como estratagema política-histórica en el sistema de perpetuación de estructuras de poder, eje fundamental en la obra de Castillo, era ya una clara evidencia. En parte reflexión personal, compromiso con su propio reflejo del mundo, esta constante coincide también con sus referencias de infancia: una global cultural –la omnipresencia del facto

bélico en lo mediático- y una política local, es decir, el hecho de haber crecido en el entorno de una dictadura militar y bajo su indeleble marcación en el cotidiano, en la sociedad y en sus individuos. Fue precisamente el carácter “conflictivo” de su obra en su entorno (representar desde una imaginería supuestamente banal temas francamente trascendentes, proponiendo equívocos juegos y asociaciones y hacer uso de herramientas, materiales y estrategias de comunicación disímiles, o incluso antitéticas desde la tradición artística) el que inspiraría su intención escapista, su opción de fuga si se quiere, llevándole a Barcelona. Fueron probablemente estos también los elementos que facilitaron la rápida comprensión y asimilación de su propuesta en Europa y fue la suma de estos sucesos, tras el mural de Postizo y una muestra colectiva en 2005 en Iguapop Gallery, la que inspiraría el título de Tabú y exilio (Iguapop Gallery, Barcelona, 2005), primera exposición individual de Victor Castillo en Europa. Dicha exposición sería un cierre y apertura, el punto de partida desde el cual Castillo asumía un nuevo rumbo personal y autorial en otra geografía. Es entonces cuando aparecen y se suman a su iconografía elementos que, al reiterarse, se harían presencias constantes en su trabajo y eventualmente marcas de casa: ojos vaciados (ceguera, inconciencia, ausencia, vacío, soledad), narices de salchicha (masificación impositiva, producción en serie, Pinocho, Alex de A clockwork orange), cruces cristianas invertidas, antropozoomorfismos simbólicos de la bestialidad humana y textos y rótulos de longaniza retorcida (el continuum del sistema). La estructura compositiva del collage y el dispositivo de comunicación en formato “manifiesto” propio del street-art coexistían, aplicados ahora básicamente a través de la técnica pictórica y el dibujo. Este esquema de “manifiesto”, se haría constante en sus lienzos y habría de mantenerse patente en sus trabajos de formato mural: Pan y circo (Brigadas al muro, La Santa Proyectos Culturales, Barcelona, 2005), Veritas odium parit (Whatever? Cinismo colorista al límite del discurso, Sala Muncunill de Terrassa, Barcelona, 2006), Oil Party (Whatever? Cinismo colorista al limite del discurso, Off Limits, Madrid, 2007) o Babilonia (Bac! 07 Babylon, CCCB, Barcelona, 2007). La relación dialéctica de los textos y títulos con el contenido e imaginería de las piezas, las eleva entonces a la categoría de ecuaciones conceptuales en clave visual, aislando entre paréntesis, subrayando y concatenando elementos desde el compromiso con el mensaje, acercando su arte al modelo efectivo de la publicidad –pop-, mediante la formulación de coloristas y gamberras pesadillas –surrealismo-. Las anteriores cartografías icónico-simbólicas habían dado paso a nuevos y más sintéticos ensamblajes sígnicos, que trascendían las antiguas melodías para proponer renovadas odas neuróticas, en franca consonancia con la delirante y seductora estridencia del cotidiano. La obra de Castillo emprende entonces entre 2004 y 2007 dos intensos recorridos en paralelo. Uno de fondo: el compromiso con la voluntad de narrar mediante una reconstrucción ideológica y conceptual con múltiples elementos, la viciada complejidad de la actual 41


sociedad humana, y uno de forma: la resolución de una mirada personal para reconstruir dicha narrativa, sin renegar influencias (Gary Baseman, Manuel Ocampo, Paul McCarty, Equipo Límite) y basándose en la apelación al registro común de la memoria mediática (Merrie Melodies, Little Autrey, Ren & Stimpy, Looney Tunes, Mickey Mouse, Porky Pig, Casper), la memoria histórica moral (cruces, esvásticas, escenarios de guerra, ejercicios de colonización) y el consumo (Ronald McDonald, teléfonos móviles, salchichas, caramelos, paquetes de regalo, videojuegos). Desde la conjunción entre intuición y experiencia, de la aprehensión en la distancia se dirigiría hacia el sentido incorporado de pertenencia, del transplante literal y la apropiación hacia la generación de un código estético propio, de las primeras melodías que yuxtaponían pistas y bucles hacia notables sinfonías delicadamente orquestadas, donde el mapeo simbólico mutaría a metáfora elaborada, donde el “pintor a quemarropa” habría de convertirse en un francotirador con pincel y paleta de alta definición. En Children Off revolution (Galería Off Ample, Barcelona, 2005) recuperaría la instalación espacial, utilizando todas las superficies del recinto, mezclando materiales collage con pinturas, una proyección y una serie de grabados antiguos intervenidos, donde ciudades europeas en estado de guerra eran invadidas por bélicos juguetes animados o amenazantes personajes globo. Es con esta muestra con la que aparecen las primeras imágenes de niños, que habrían de ocupar en adelante un foco esencial en el trabajo de Castillo: la perversa inocencia de la infancia sumada a su carácter de construcción cultural la hacen portadora de la herencia, el mundo que viven los niños de hoy es, por defecto, el reflejo desde el cual 42

se construye a los hombres y al mundo de mañana. Allí aparecerían también los falos nariz, símbolos de poder y primera referencia sexual explícita en una obra ya cargada de tensión; estos falos se repetirían eventualmente en una de las piezas de Music for children (BAC! 05 Violencia, CCCB, Barcelona, 2005), serie con la que a su vez reiteraría en las composiciones manifiesto, llevándolas al límite en Cartoon generation (Galería Off Ample, Barcelona, 2006). Obsesionado con sus protagonistas infantiles e infantilistas y tocado por el encuentro personal con la obra de Goya, un aire sombrío y mistérico se abre paso de repente en sus escenarios, dejando de lado la saturación cromática y la dureza de superficie de sus fondos anteriores. En Un mundo feliz (Galeria Marita Segovia, Madrid, 2006) una renovada concepción de la pintura, entendida ahora como un espacio atmosférico y envolvente, ampliaba la profundidad de campo y reenfocaba la noción de perspectiva de sus secuencias visuales. El oscuro entorno que ahora habitaban los seres de Victor se haría aún más plausible en Animal profane plutonic (No New Enemies Gallery, Bruselas, 2007) y en Iguapop (Helliumcowboy Artspace Gallery, Hamburgo, 2007). Entretanto, en un peculiar paréntesis, el proyecto itinerante (Santiago, Barcelona, Bogotá, Buenos Aires) germinado en Santiago Inoxidable Neopop (2007) le confrontó con el pasado, permitiéndole redescubrir la nostalgia –la geográfica y la de lo puramente pop- como un vínculo de reafirmación, como chispa de la creación colectiva y como retorno al trabajo de concepción espacial. Dichos elementos habrían de manifestarse también en Le jardin des dèlices (Desig, Barcelona, 2007), instalación conjunta con la artista francesa Diva, en la que un jardín mágico y artificial de plantas naturales habitaba


los bajos de una tienda erótica, albergando la única serie estrictamente en torno a la sexualidad de Victor: situaciones en clave de humor ácido protagonizadas por personajes de cuentos tradicionales (Caperucita roja y el lobo, Blanca Nieves) y cartoons famosos (Bambi, los Tele Tubbies, Campanita). Es también en Inoxidable Neopop que Victor retoma años después la producción de una pieza 3D: Esclavo, obrero, cliente (mantener frío), un ser cúbico de piel sintética que asemeja las longanizas retorcidas de sus textos y que tiene nariz de berenjena, al cual emularía posteriormente en Modart at the BMX Master (Jugenpark, Colonia, 2007) transformando un container, al pintar su exterior, en la versión habitable de dicho personaje. Producto también de la influencia de Goya había sido la noción del fuego no sólo como elemento simbólico, sino también como componente espacial, que vería la luz en el tríptico A music revolution has started (Iguapop Gallery en Feria Swab, Barcelona, 2007) y que actualmente es parte esencial de su imaginario. Ésta pieza sería el preámbulo de la consolidación de su lenguaje autónomo y marcaría el paso acelerado que adoptaría su pintura, en una dirección sombría pero a la vez incandescente, donde el claroscuro sería el tono de colosales fábulas celebrativas y dolorosas, de tintes claramente apocalípticos. En un nuevo giro, la recuperación de la carga gestual del ejercicio pictórico clásico y academicista se sumaba a la composición de los fondos, mientras conservaba la literalidad gráfica de sus personajes icono. De nuevo aparecía la dislocación en los tiempos oficiales de la representación artística, estableciendo el escenario preciso: un festivo y paranoico decorado surrealista de estética transhistórica, donde la contemporaneidad

de los actuantes habita bucólicos entornos de antaño, poniendo simbólicamente de relieve el carácter perenne del cinismo del poder y la inmutabilidad de la diferencia, la conquista, la dominación, la guerra, la violencia, el racismo, el estatuto militar o el clasismo. Es la suma y síntesis de todos estos elementos la que habría de condensarse y disponerse en Explicit Lyrics (Iguapop Gallery, Barcelona, 2007), exposición individual homónima de esta publicación, con cuyo título rinde homenaje a la música como fuente de inspiración y telón de fondo de su creación. Doce lienzos, una serie de grabados intervenidos y una instalación que incluye mural, vídeo y dos niños en escultura, repasan y reafirman sus constantes conceptuales e icónicas y revuelcan todas sus obsesiones, entablando una compleja crónica general de nuestra época y situándola en armónicas y precisas composiciones, portadoras de un rasgo de madurez pictórica de carácter nítidamente personal, inconfundiblemente Castillo. Pasión de la representación, idolatría y frenesí hacen de los asesinos adolescentes de instituto futuras nuevas estrellas, de los violentos fanáticos deportivos desgarrados militantes de lícitas causas; la perversa alianza de política y religión legitima a los asesinos de bien, mientras hace de sofisma de distracción al neocolonialismo del poder económico; la globalización sectorizada homogeneiza paisajes en una aparente mutación de superficies, mientras perpetúa estructuras elementales. La indolencia con la que ciertas poblaciones entienden su supremacía sobre otras, abre vía hacia un mundo feliz y descabellado, donde la gloria se nutre de valores carismáticos, materiales y vanidosos; ególatras, sectarios o patrióticos, extrañamente despóticos o hipócritamente demagógicos.

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Rodrigo Henríquez por Carola Moya.

El nino incomprendido del circuito independiente Rodrigo (22) es un precoz diseñador. Cuando cursaba su 2do año de Diseño de Vestuario en el inacap, ingresó al tan apetecido circuito de la moda independiente, lo que despertó en algunos de sus pares envidia, críticas y distancia. A pesar de ello, Rodrigo sigue adelante, creando, aunque las críticas le afectan en lo personal no dañan su talento. El Ku Klux Klan fue el concepto gráfico que inspiró la segunda colección de este joven diseñador. Basada en el blanco y negro con reminiscencias de los ‘70, surge la colección Klan RH otoño/invierno 2009, presentada en las siguientes páginas. 44


Producción General: Carola Moya; Fotografía y Retoque Digital: Felipe Zapata; Producción Fotográfica: Sue Wang; Maquillaje: Marcelo Celis; Modelo: Joanna Ferrrari, Agencia Elite; Locación: Cómodo| Tienda de diseño

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Un talento

Independiente Rodrigo Henríquez fue descubierto por Majo Arevalo, creadora del sitio web Viste la Calle. Su look y personalidad fueron los que llamaron la atención de la modelo, la que al descubrir que parte del vestuario que la hizo fotografiarlo eran creaciones propias le pidió sus datos, para conocer más de su trabajo. Este episodio desencadenaría una secuencia de hechos que más adelante la llevaría a invitarlo a participar en la pasarela que ella produce, Santiago D Moda, en la cual mostró su primera colección, inspirada en el look de los ‘60, con una estética de muñecas. En aquella ocasión acaparó la atención del público, periodistas y cazadores de tendencia nacionales, quienes de inmediato lo incluyeron dentro de sus datos y blogs de tendencias como el gran descubrimiento de la temporada. La colección fue todo un éxito, vendió todas las piezas, pero de regreso a su vida normal de estudiante ésto parecía no traerle tantos triunfos. Sus pares resentían su éxito, lo percibían como soberbia y arrogancia de parte de Rodrigo, provocando un distanciamiento entre ellos. Esta experiencia lo llevó a una introspección que dio como resultado una revalorización de lo básico, de lo mínimo, lo que finalmente se tradujo en esta colección en blanco y negro.

Muchos comparan a este diseñador con Pola Thomson y su marca Pituqui Pinaqui, también con el inglés de moda, Henry Holland, la verdad es que todos ellos, incluido Rodrigo, pertenecen a la misma tendencia y están orientados al mismo público. Apuntan a un segmento alternativo, desenfadado, con guiños punky y de los ‘8o, lo que ante ojos menos experimentados podría confundirse con simples copias. La verdad es que todos los diseñadores copian o se inspiran en algo, que finalmente termina coincidiendo con las ideas y creaciones de otros, así es como surgen las tendencias, un detalle que poco a poco se va repitiendo. Rodrigo en la colección Klan RH, inspirada en el Ku Klux Klan, copia formas gráficas del grupo racista y las reinterpreta con una estética que recuerda al futurismo de los ‘70 y las colecciones de André Courrèges, presentando una colección con un sello personal claro, el mismo que lo ha llevado posicionarse dentro del quisquilloso circuito independiente de la moda en Chile. 51


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Mientras antes se introduzca a los niños en el arte es más fácil que asimilen los primeros conocimientos que formarán la base de su cultura, por lo que no es raro ver a los padres iniciando a sus hijos a muy temprana edad en el arte, la música, el teatro o la danza. Casi todos los museos tienen actualmente talleres pedagógicos que buscan guiar a los niños en sus primeros pasos en el mundo del arte, lo que se presenta como un panorama alternativo a tardes frente al televisor o encerrados en un mall, que cada vez cobra más adeptos.

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Existe una nueva generación de padres (28-40) que busca compartir con sus hijos sus intereses por la cultura , ven en ella una forma de crear nexos familiares, ampliar conocimientos, despertar percepciones sensoriales y la capacidad imaginativa en los niños. Entregándoles lo que serán las bases para su cultura, la que podrán aumentar y consolidar a lo largo de su vida. Despertar tempranamente en los niños la atracción por las artes les entrega un mundo de posibilidades para comunicarse, no hay que olvidar que el arte es una “expresión personal”, y como tal una forma de reflejar sus percepciones del mundo. En la medida que sientan el arte como algo cercano les será más fácil relacionarse con la cultura en el futuro en todas sus expresiones. En la actualidad casi todos los museos cuentan con programas de iniciación en el arte, con talleres infantiles y familiares educativos, en conjunto conocen y experimentan, de forma creativa y entretenida, temas relacionados con el arte. Donde el uso del vocabulario correcto es fundamental para una adecuada educación, el lenguaje debe ser asequible pero utilizando definiciones concretas, de lo contrario sólo será un juego sin un trasfondo cultural. En nuestros museos se han creado espacios y programas, destinados a desarrollar en los niños una apreciación por las artes, con talleres y visitas guiadas se busca iniciar tempranamente la cultura en ellos. Combinando la observación de reproducciones, diapositivas, videos, obras teatrales, con la realización de una obra plástica creada en conjunto entre hijos y padres, se busca poner en práctica lo aprendido. 56


En general todos los museos ofrecen visitas guiadas a colegios o agrupaciones infantiles, pero hay algunos que han tomado una iniciativa más activa en la incorporación de los niños en el arte, para lo cual han creado programas educativos participativos. En Santiago existen dos opciones: El Museo de Artes Visuales (MAVI), ubicado en la Plaza Mulato Gil, y el Artequín, que se encuentra en la Quinta Normal, ambos llevan un buen tiempo ofreciendo un calendario variado de actividades que cambia todos los meses, con talleres pensados en niños de 4 a 11 años. Por lo que es común ver a los padres junto a sus hijos los sábados y domingos participando en actividades relacionadas con el arte. Arte + Familia El Artequín busca a través de sus talleres lograr la unión del arte y la familia, donde conozcan y

experimenten de forma creativa e interactiva diversos contenidos artísticos y culturales, combinando distintas disciplinas como el arte, el teatro, la fotografía y los medios audiovisuales. Cuya finalidad es crear una obra en conjunto mostrando su propia versión de lo aprendido. Cada actividad se intenta relacionar con alguna fecha importante del mes relacionada con alguna efeméride o algún movimiento cultural. Los talleres duran una hora y media, se imparten los sábados a las 16:00hrs, y domingos a las 12:30 y 16:00hrs. Tienen un valor de $500 para los niños y $800 para los adultos. Esta iniciativa del Artequín de Santiago se ha llevado también a Concepción, Artequín en el Parque, la cual es la primera sede fuera de la capital. Inaugurado el 2005 en el Parque Educativo Jorge Alessandri, imita la propuesta cultural y educativa que la sede santiaguina lleva impartiendo con éxito desde el ‘93. Los talleres se realizan los días sábado y domingo en tres horarios (9:00, 11:00 y 15:00hrs), con una hora y media de duración. Apreciación y Creatividad En pleno barrio Lastarria, el MAVI invita a “una cita con la creatividad”, donde ofrece a niños y jóvenes, actividades relacionadas con las exposiciones que el museo exhibe. El objetivo de la actividad es desarrollar una opinión a través de la creación de una obra de lo visto en el museo. Para ello se realiza una visita guiada por el lugar previa a la actividad, donde se les explican las obras, los movimientos y las técnicas, intentando por medio la observación y el diálogo entre los niños y el profesor-guía, apreciar y comprender las obras, lo cual se usa como base para la actividad posterior del taller: crear una obra propia. Las técnicas, temas y materiales con los que trabajan varían, lo que asegura un calendario atractivo para que los niños participen de forma continua. Debido a que los conceptos enseñados son más avanzados y requieren una mejor comprensión, los niños deben tener entre 6 y 13 años para acceder a las actividades que el MAVI ofrece. Los talleres se realizan los sábados de 10:30 a 13:00hrs y tienen un valor de $ 5.000 por niño, valor que incluye materiales. Desarrollar una relación a temprana edad con el arte asegura una mayor cercanía con la cultura a lo largo de la vida, por lo que iniciativas como éstas, además de crear lazos entre padres e hijos, ayuda a que los niños crezcan más involucrados con la escena cultural.

Acercar tempranamente a los niños al arte activa su apreciación por la cultura, percibiéndola como una forma de expresión.

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Aunque el equilibrio sobre la cuerda lleva varios siglos practicándose, los orígenes del Slackline, la disciplina que se practica en la actualidad, empezó en los años 80. Una pareja de escaladores del valle de Yosemite en California, iniciaron esta práctica de equilibrio sobre cintas tensadas en altura, esto se expandió e incorporó nuevas técnicas acrobáticas. Para practicar Slackline se necesitan cintas tubulares, anclajes y mosquetones, herramientas utilizadas para tensar las cintas y darles estabilidad. Esta disciplina se realiza en espacios urbanos, en medio de parques, plazas y estacionamientos, donde se reúnen jóvenes a practicar y “sacar trucos” sobre las cintas.

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FotografĂ­as Pau Giaquinta

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Frente al Parque Bicentenario de Vitacura, se levanta el proyecto: Jardín Botánico Chagual, destinado a preservar el patrimonio vegetal y el ecosistema mediterráneo, propio del Chile Central. Su diseño mezcla el interés botánico con la eficacia y la unión armónica al Parque Metropolitano. Este proyecto está en manos del equipo paisajístico de la Universidad Católica de Chile a cargo de Cristina Felsenhardt, ellos son los responsables de crear el nuevo pulmón de Santiago. por Sebastián Hermida

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Santiago es una ciudad altamente contaminada, necesita con urgencia mejor calidad de vida, lo que sumado al avance del desierto y la destrucción de especies endémicas en nuestro país provocan la urgencia de proyectos que solucionen en parte estos problemas. Esto nos obliga a recuperar nuestras áreas verdes, así surge el Parque Metropolitano como el gran pulmón verde en medio del monstruo gris que es Santiago. Como una forma de recuperar y potenciar sus terrenos nace el Jardín Botánico Chagual, el que estará ubicado en la ladera oriente del Parque Metropolitano. Este además de elevar la calidad de vida de la capital, tiene como principal objetivo desarrollar un centro integral de investigación y conservación de especies endémicas en extinción, además tiene la misión de difundir el valor de la flora y fauna entre la población, desarrollando espacios y programas educativos para este propósito. El proyecto: Jardín Botánico Chagual, es un parque desarrollado pensando tanto en el paisaje arquitectónico como en la investigación y el resguardo botánico. Éste es un trabajo en paralelo de la directiva del Jardín Botánico Chagual y el equipo paisajístico de la Universidad Católica de Santiago, a cargo de Cristina Felsenhardt. A ellos se les ha encargado la misión de promover la cultura por la naturaleza, proyectando un espacio donde se valorice el patrimonio natural del Chile Central, exhibiendo las especies representativas en sus ecosistemas. Para poder llevar a cabo este enorme proyecto se ha necesitado de un equipo multidisciplinario que se encargue de ejecutar el plan maestro diseñado. Este equipo está formado por 68

arquitectos, paisajistas, botánicos, ecólogos, ingenieros agrónomos, civiles e hidráulicos, geólogos y pedagogos, los que además cuentan con la colaboración de diferentes organismos e instituciones de las esferas pública y privada en el ámbito nacional e internacional. Jardín Botánico con Identidad Generalmente la gente asocia un parque a grandes extensiones de césped e hileras frondosas de árboles, todo acompañado, en lo posible, de un estanque o laguna artificial, concepción característica de zonas en donde el agua es abundante como Londres, New York e incluso, Buenos Aires, lo cual es una realidad opuesta a la local, donde el recurso agua, es un bien escaso. El desierto y lo árido debiera condicionar la sustentabilidad y economía de nuestras áreas de esparcimiento. Por ello se ha pensado en un proyecto que muestre y conserve nuestro paisaje endémico, en pro de nuestro patrimonio cultural, enfatizando la representación de la vegetación de las zonas áridas, componente emblemático escasamente representado en otros jardines botánicos de Sudamérica. El proyecto se divide en tres etapas: 2006 – 2010, 2011 – 2020, 2021 – 2030. El costo preliminar de los jardines temáticos de la primera etapa -que abarca un área de 9.740ha- se ha calculado en $US 2.248.376, dinero que se recaudará entre entidades privadas y gubernamentales nacionales y extranjeras. La primera etapa del proyecto (2010) estará destinada al patrimonio vegetal que se desarrolla en la zona central, en donde la influencia está marcada por el clima Mediterráneo. Esta zona en Chile,


comprende la vegetación nativa que se encuentra entre la regiones IV y VIII, como el maqui, espino, palma chilena, boldo, quillay, cuyos ecosistemas están entre las 25 eco regiones terrestres prioritarias de conservación en el mundo, las cuales son zonas que poseen el 75 % de los mamíferos, aves y anfibios más amenazados del planeta, de ahí su relevancia. Este proyecto además contará con “jardines temáticos”, dedicados a la conservación, experimentación y descubrimiento de especies endémicas, mostrando su evolución y génesis, como también sus usos medicinales y comerciales. Con la ayuda del equipo multidisciplinario de especialistas se proyectó un espacio que sigue las líneas naturales de la vegetación, considerando las quebradas, cuencas y montículos con las condiciones propias de cada una de las comunidades. En esta rigurosidad conjunta el plan maestro concibe un programa vegetacional, conformando pequeños valles orientados en el sentido de la pendiente, los que van variando desde los más húmedos a los más secos, según la orientación del sol, y el comportamiento de cada comunidad respecto de la altitud, desde el paisaje del valle, más cercano al río, hasta el paisaje de cumbre situado en el límite con el Parque Metropolitano. Estos espacios estarán unidos por un 12 kilómetros de senderos. El Jardín Botánico Chagual es un proyecto ecológicamente sustentable, tanto en su diseño arquitectónico y del paisaje, como en la gestión de sus recursos. En este sentido, el diseño específico de los jardines y el complejo arquitectónico se adecuarán a las condiciones climáticas imperantes y a las características topográficas y ecológicas del terreno, con especial enfoque en el manejo sustentable del suelo y el agua con tecnologías pasivas. Dentro de este espacio están proyectadas estructuras independientes tales como: un Restaurante Mediterráneo, un Puente Peatonal que unirá el Jardín Botánico al Parque Bicentenario y el Instituto de Botánica. 69


Un gran parque conectado El Jardín Botánico Chagual es un proyecto que viene a integrar y complementar los espacios ya existentes dentro del Parque Metropolitano – enoteca, piscinas, zoológico, jardines temáticos, teleférico, funicular, etc. –. Tomando en cuenta la ampliación de este circuito se ha pensado cómo unirlos de forma armónica para mejorar los desplazamientos entre ellos, potenciando el Parque como un todo, para ello se ha proyectado un tranvía que recorra todo el circuito, rescatando el tranvía que funcionó hasta 1978, que recorría gran parte del Parque Metropolitano, al que se le anexarían el Jardín Botánico Chagual como parte del nuevo recorrido. El circuito proyectado realizaría un recorrido desde el acceso al Parque por Pedro de Valdivia Norte hasta el límite nor-oriente por La Pirámide, pasando por el Jardín Botánico en paralelo a la caletera de la Autopista Costanera Norte, con vistas al parque Bicentenario y como telón de fondo el Paisaje urbano del sector oriente de la capital. Este recorrido en tren, a futuro contempla una circunvalación por ambas laderas del cerro lo cual debiera otorgar vistas generales de la ciudad. También está proyectado extender el sistema de Teleférico, para que pase por el acceso norte del Jardín Botánico y así conecte hacia el Parque Bicentenario, en la rivera Sur del río Mapocho, Comuna de Vitacura, uniendo de esta forma un circuito en teleférico de los dos parques de la ciudad que hasta ahora están divididos por el rió y la Autopista.

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Foto Alicia Scherson

BIENAVENTURADAS Dos mujeres amantes del cine se convierten en ejecutivas de la industria del séptimo arte. “La Ventura” es el proyecto que las une y que pretende convertirse en una comunión creativa de cineastas jóvenes. Porque la tarea de producir, promover e insertar películas en el medio internacional ya no puede seguir siendo llevada por manos amateurs. Para eso están ellas. Quieren hacerlo bien, a paso lento, sin tantos aspavientos. Y vaya que lo están logrando. por Carlos Loyola Lobo

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Sólo el cine podía juntar a Alicia Scherson y Macarena López. No hubo otra excusa. La primera, estudiante de biología que parte a Cuba por dos años a estudiar cine. La segunda, titulada de administración de empresas en la Universidad Católica. Pero ojo, Macarena después de titularse se embarcó a estudiar producción de cine a Cuba, a la misma escuela donde se encontraba estudiando Alicia, ubicada en San Antonio de los Baños. Todo estaba predestinado, las separan sólo tres años de edad. Esta incipiente sociedad se suspendió mientras Alicia realizó un máster en Bellas Artes en la Universidad de Illinois, Chicago. El destino les deparaba el proyecto de sus vidas: Play, la ópera prima de Scherson que se convertiría en la punta de lanza para esta unión, que desde su bautizo está predestinada al buen augurio: La Ventura Producciones. Sí, como un homenaje a la película de Antonioni estrenada a comienzos de los 60, L’avventura, también como una apuesta optimista, un llamado a la buenaventura. Alicia es la creativa y Macarena la ejecutiva, lo que se nota con sólo verlas. Alicia viste ropajes livianos, volátiles. Macarena en cambio es de líneas rectas, jeans, camisa, agenda: el orden. Vienen llegando de Rotterdam, Holanda, del festival de cine de esa ciudad, donde presentaron Turistas, la segunda película de Scherson, la segunda producción de La Ventura, una película alejada de localismos, llena de historias íntimas que tienen la gracia de ser universales. Ese cine que se viene haciendo en Chile post Machuca, el de las historias mínimas, cintas más cercanas a la figura del director como autor, dejando de lado “grandilocuencias medias pasadas de moda”, como lo explica la propia Scherson cuando habla de Turistas, película protagonizada por Aline Kuppenheim y Marcelo Alonso, y que en Rotterdam tuvo una muy buena recepción tanto del público como de la crítica. Registrar la historia de La Ventura significa remontarse a la pre-producción de Play, cuando Alicia trabajaba junto con Parox, otra productora audiovisual y que comienza a tener un rol secundario cuando Alicia y Macarena se les ocurre inventar La Ventura para acoger a Play y comenzar con ella una gestión de desarrollo, promoción y distribución con estándares de cooperación que hasta ese momento sólo se podía ver en el “nuevo cine argentino”, el mismo que aúna a realizadores como Lucrecia Martel y Pablo Trapero. Ni Alicia ni Macarena sabían adónde iban a llegar con La Ventura: “La mayoría de los directores arman sus 73


productoras para sus películas. Lo que se necesitaba al principio era una figura legal que me sirviera para amparar la producción de Play, las razones fueron bastante prácticas y nunca hubo un afán empresarial”, reconoce Alicia Scherson. La diferencia de La Ventura fue que después de Play, siguió existiendo durante el 2006 para apoyar la producción de Turistas –ya para ese momento, la sociedad con Parox se había disuelto, tomando ésta proyectos para televisión–, y luego para el nuevo proyecto de Alicia que es la adaptación de Una novelita lumpen del hoy encumbrado a la categoría de bookstar, Roberto Bolaño. El futuro como se llamará esta versión cinematográfica comenzará a rodarse durante el 2010. Cuando se estrenó Play y la película salió al mundo, presentándose en festivales y conociendo de primera mano el mundo del cine independiente, Alicia y Macarena descubrieron las posibilidades que se les abrían: “Hasta el 2005, Chile no había tenido mayor presencia mundial en los eventos de cine independiente siendo espectadoras de este nuevo panorama, nos entusiasmó la oportunidad de levantar gente joven, de “apadrinar” nuevos proyectos y de ahí La Ventura se abrió a algo mucho más grande, a darle una línea editorial y usar toda la experiencia aprendida con Play, en cuanto a distribución, promoción y exhibición en festivales, en lo nuevo que se estaba haciendo en Chile”, cuenta Macarena López. Casi como si fuese una definición extraída de la Real Academia Española, Alicia y Macarena definen La Ventura como “una empresa que está comprometida con la búsqueda de nuevas voces en la creación de cine independiente, que considera la tecnología como una herramienta clave para poder hacer de estas voces y sus películas una realidad y no teme de ella”. La Ventura parte de la premisa que cada una de estas películas tiene su audiencia repartida en el mundo, lo que ahora se podría definir con el término de “cola larga” (long tail), o sea estos pequeños nichos repartidos en un mercados y que sumados hacen una mayoría. Macarena reconoce que la producción de una película es sólo la mitad de la “pega”, que lo más importante –y lo crucial- está puesto en la distribución, en la promoción, en la salida al mercado y lograr instalarla en circuitos como muestras y festivales. “Antes del 2005 se hacían películas pensadas para el mercado doméstico, y de ahí algunas de ellas sobresalían por su calidad y eran solicitadas desde afuera para algún festival, pero ocurría cada cierto tiempo y nadie se hacía cargo de este circuito de manera profesional”, cuenta Scherson. Así, lo que Alicia y Macarena esperan con La Ventura es que llegue a formarse un medio ambiente proclive a la creación y la cooperación, una comunidad creativa entre los realizadores. 74

“Con Play nos costó mucho hacer todo, descubrir los agentes de venta para llegar a los distribuidores, por ejemplo. Ese conocimiento, como cada productora es de propiedad de un director, era una información guardada celosamente, salvo excepciones como Andrés Wood y Andrés Waissbluth que han sido muy colaboradores, pero en general la actitud es guardar esta ‘base de datos’ como algo privado. Nuestra actitud fue distinta, porque vimos lo que pasa afuera, en el propio circuito argentino donde están todos ‘apatotados’, todos se apoyan y se cruzan las experiencias con La Ventura estamos abriéndonos a una posibilidad de crear un movimiento de cooperación entre los realizadores jóvenes chilenos”, confiesa entusiasmada Alicia Scherson. Esta idea aperturista, de hacer de La Ventura una especie de multiproyecto ya tiene en sus manos cuatro títulos que se encuentran en etapa de producción. El más avanzado es el de José Luis Torres Leiva (El cielo, la tierra y la lluvia), que será su segundo largometraje de nombre Verano, el que ya se ganó el Corfo para financiarlo y, que tiene la particularidad de que los diálogos se trabajarán con los propios actores. Este proyecto verá la luz, según sus encargadas, no antes del 2011. Otro proyecto en carpeta pertenece a Dominga Sotomayor, alumna de Scherson y en la que oficiará de asesora en el guión. De jueves a domingo ha permitido que Sotomayor muestre su proyecto en la sección de jóvenes realizadores en la Berlinale y en el Festival de Cine de Biarritz. El guión está en desarrollo, “posiblemente le falte una última reescritura”, asegura Scherson. Ésta trata sobre una crisis matrimonial pero vista desde la perspectiva de los niños en el asiento trasero de un auto durante a un viaje al norte que realiza la familia. Otro beneficiado con los fondos de Corfo es Rodrigo Marín y su proyecto Mercedes ‘86, que cuenta la historia de un padre de la clase alta, separado, que lleva a su hija adolescente a un paseo a un cerro capitalino. Todo lo hace para disculparse por su falta de tiempo, forzando un acercamiento entre ambos. Comienza a llover y se pierden, ahí comienza la aventura. Y la lista de proyectos en los que se encuentran embarcadas sigue. El circuito de Román de Sebastián Brahms es una coproducción con Escala Humana, ésta es una película inspirada en el mundo de la academia, de la psicología experimental, de la memoria y los recuerdos inventados. Una suerte de Eterno resplandor de Gondry pero a la chilena. Se trata de una película que se construye a través a través de fragmentos. Una suerte de científico que es el protagonista usa su memoria como su propia rata de laboratorio.


Todos son proyectos para un plazo no menor a dos años. Cuatro filmes que intentarán evitar que dentro de este sub-género de “películas personales”, de ésas que caen fácil en el molde de “películas-hechas-para-festivales”. Se trata de forzar la mano y no caer en ese lugar común. Así, y con estos cuatro proyectos en carpeta que ya andan circulando en catálogos de Works in progres a nivel mundial, La Ventura intenta semejarse a la canoa de Chonos que caza una ballena, la es la imagen corporativa de su empresa, imagen que refleja el esfuerzo titánico que es hacer cine y promoverlo de manera profesional. “Porque aunque la imagen de cazar ballenas hoy suene un poco anti ecológica, así de utópico es hacer películas”, concluye Alicia Scherson.

“Porque aunque la imagen de cazar ballenas hoy suene un poco anti ecológica, así de utópico es hacer películas”

Imágenes de la película Turistas, facilitadas por La Ventura.

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4 décadas del Ballet en Chile

Hans Ehrmann, periodista cultural conocido por su pluma sagaz y honesta, registró durante cuatro décadas las historias de coreógrafos, bailarines y estrellas del baile clásico que han dado vida al mundo del ballet en Chile. Ril Editores junto al CNCA lanzarán un libro que recopila este patrimonio periodístico y cultural, material que ha sido reunido por su hija Karin Ehrmann, quien durante 7 años se dedicó a hurgar en los archivos de su padre, juntando fotografías, crónicas y apuntes que él guardaba. El libro Cuatro décadas de ballet en Chile, es el resultado de este trabajo, obra en donde se reúnen los escritos periodísticos que Hans Ehrmann publicara entre los años 1960 y 1999, fecha en que fallece. El lanzamiento del libro está fijado para el mes de abril, donde una serie de personajes destacados del mundo del ballet, como Sara Nieto presentarán la obra.

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Australia: el nuevo destino

por Violeta Rates / Ilustración: Axel Ascuy Kirsinger

En busca de oportunidades laborales, becas, perfeccionamiento y mejor calidad de vida los chilenos dejan la patria y migran a otros países. Australia promete eso y más, por lo que se ha convertido en el nuevo destino donde cumplir los sueños. Violeta Rates (26), estudió cine, trabajaba como asistente de dirección para productoras nacionales y extranjeras en Chile, buscando mejorar su inglés y su calidad de vida, junto a su pareja, decidieron viajar a la tierra de los koalas y los canguros. En la próxima página nos cuenta su experiencia, un relato que refleja los sueños y problemas que tienen los chilenos cuando toman la decisión de viajar a la isla prometida. 82


Creo férreamente que hay un tiempo para sembrar lo que se podría cosechar, depende de uno cómo hacer rendir la juventud para la ancianidad que te espera. Desde esa idea me movilicé y me propuse subir la apuesta rondando dos alternativas: Una tener una carrera cómoda y vivirla internacionalmente, y la otra desarrollar un oficio más simple que no te quite el sueño y vivir en paz, con una economía relajada como calidad de vida. Así nació la idea de viajar. Comencé a investigar destinos, becas, locuras, inmigraciones ilegales, todo. Durante la investigación fui depurando mis intereses, el primero: inglés. Con eso borré buena parte del globo terráqueo incluidos USA y Gran Bretaña completos porque son muy caros, estudiar allá está fuera de mis posibilidades y de ilegal ni me lo imagino, porque creo que no me dan visa ni de turista, ahí apareció Oceanía como el continente de las oportunidades. Chile tiene amplios tratados con Australia y Nueva Zelandia que además de cosas económicas incluyen muy buenas relaciones para con los estudiantes, además de la visa Work and holliday, que fue lo que más me interesó. La visa dura un año, puedes trabajar y estudiar, también puedes salir del país y volver dentro de ese período. El truco está en que estos países son muy grandes y les falta mano de obra, por eso nos invitan, para “negrearnos”, pero de una forma súper digna porque pagan bien. Entonces si eres ordenado puedes pagar el alto costo de vivir ahí, ahorrar un poco y viajar por los alrededores Asiáticos. Todo eso mientras tu vida es un curso de inglés intensivo. Desde este punto de vista es todo ganancias, pero hacerlo tampoco es tan fácil. Decidir entre Australia y Nueva Zelanda es cosa personal, tienen distintos requisitos para sacar la visa, finalmente ir a Nueva Zelandia es mucho mas sencillo que ir a Australia. La visa para Nueva Zelanda la puedes sacar por Internet y tiene muy pocos requisitos, la verdad es que no te exigen nada más que dinero. En cambio para Australia te piden el mismo dinero y además, exámenes médicos, papeles variados y un nivel de inglés básico, que hay que demostrar dando un examen (IALS o el TOEFL)o certificando que estudiaste en un colegio bilingüe o fuera del país, ese es el verdadero colador. Después, una vez que te dan la visa tienes 3 meses para ocuparla, o sea hay que estar decidido haciendo el papeleo, pero no confiado, porque quizás no te la dan. Todos los requisitos están en la página de la embajada, están en inglés y hay que leerlos con cuidado para que todo salga bien. No es fácil, pero tampoco imposible. Vivir en Australia te ofrece un nivel de vida mucho más alto, incluso para las Neo Zelandeses (Kiwis), las que viajan a Australia a trabajar porque les pagan mejor. Una vez acá les puedo decir: Australia es cara, bastante cara, eso agota un poco. Así que hay que llegar con plata, por lo menos para mantenerse un mes mientras buscas trabajo, eso debe ser algo de 1500AUD, viviendo barato y sin salir a bailar. La mayoría de la gente vive en backpaker, que son piezas compartidas para mochileros, que si bien son los mas barato, es caro igual, hay de distintas calidades y precios. Llegando hay que sacar el TFN (tax file number) para poder trabajar, también abrir una cuenta en el banco, que es fácil y casi gratis, y activar un celular. Lo recomen-

dable es traer hecho un curriculum – en inglés - , con cartas de presentación, de recomendación, y de distintos tipos para postular a diferentes trabajos. Acá todo se hace con curriculum y carta de motivación o presentación. Cuando llegamos a Australia, nos tocó enfrentar justo la incertidumbre de la crisis, lo que ha hecho más lento el encontrar trabajo. El verano tampoco es una buena fecha para empezar, pues hay muchos europeos que escapando de su invierno llegan hasta este país, además están de vacaciones los estudiantes universitarios trabajando en los mismos empleos a los que uno puede optar, así que al parecer desde abril hay mejores oportunidades de trabajo. El proceso de migración a este país es más engorroso de lo que se espera, pero puedes obtener muy buenas ganancias económicas, además, la experiencia de estar acá es increíble, en Sydney hay eventos de todo tipo todos los días, mucha movida cultural y deporte en todos lados, hay parques maravillosos y viajes increíbles para hacer en los alrededores. Vale la pena por donde se mire. Violeta Rates.

Páginas de utilidad: Mycareer.com.au Seek.com. Careerone.com.au Jobsearch.gov.au Jobsguide.com.au Alljobs.com.au Centrelink.gov.au 83


Se habla de un cambio en el mercado, de cómo el diseño se ha tomado las galerías y museos de nuestro país, mientras por otro lado, tal vez menos conocido, es el hecho de que algunos artistas han tomado sus obras y han llegado a las tiendas. Parece ser que la tendencia es migrar, hay que crecer y para ello dejar atrás los prejuicios. Antes, en las galerías y museos había una tímida tienda con catálogos y postales de las exposiciones y los artistas exhibidos en el lugar, poco a poco estas tiendas fueron descubriendo el mercado tras el arte y todos los productos publicitarios que podían hacer para subir sus bonos. Con el tiempo las tiendas abrieron sus puertas a nuevas disciplinas, las estrellas sin duda son los diseñadores. La verdad es que la línea que divide al arte del diseño es delgada, para algunos casi inexistente, fue así como su ingreso a las Galerías era predecible, como también su éxito en ventas. Tal vez sea porque resulta un producto más cercano y accesible que una obra de arte. 84

En nuestro país esta tendencia ha entrado con fuerza, la principal alianza entre diseño y arte es la que ha logrado el Mavi. En su tienda se pueden encontrar diseños de Alonso, Once Neto, MODD, Monito Diseño, entre otros, los que ofrecen productos de alta calidad 100% chileno. Otra iniciativa es la de la Galería MOTO, que realiza eventos, ventas y desfiles con diseñadores de vestuario del circuito independiente. Por otro lado, existe una nueva camada de artistas que mira sin prejuicios las tiendas como plaza de difusión, y porqué no, también de venta. Es que los artistas jóvenes han nacido en un mundo más abierto, y saben que para vivir del arte hay que llegar al público. Es así como algunos artistas de Sala Cero de la Galería Animal, encabezados por Margarita Dittborn, han llegado a Cómodo en busca de espacios más comerciales, donde exponer y a la vez vender sus obras. Otras alternativas son los bazares y colectivos itinerantes, como Bazar Siempre Digna, un colectivo de diseñadores y artistas que cada cierto tiempo abre sus puertas para vender sus productos. Esta tendencia democratiza el arte, ya que ofrece obras en formatos más pequeños, por lo tanto precios más accesibles. Además, el que sean lugares donde comprar es un acto cotidiano disminuye la sensación inalcansable y para algunos intimidante que probocan las galerías de arte.


2009 2006

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