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CREDIT IS JEFF DOW.


JUNE 2019 ISSUE NO. 89

PAG.32


Anna

MONTALTO

Mayra

DELGADO

04

26

Ignacio

10

Liliana

38

Luisana

CHÁVEZ

Gaspar TÉLLEZ

58

David

RODRÍGUEZ

LEÓN

16

ZAMBRANO

44

Verónica BUCCIO

Pao

SAENZ

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ANNA

MONTALTO ARTISTA VISUAL

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Anna Montalto es una artista italiana que comenzó su viaje al graduarse de la Escuela de Arte de Cagliari, especializándose en gráficos publicitarios, comenzó a trabajar en artes visuales, desde gráficos publicitarios, pintura, hasta ilustración digital y fotografía, creando una unión entre ellos. Una búsqueda continua del Ser y los viajes infinitos en el alma humana son llevados de vuelta a una exploración de estilos y multiplicaciones de emociones vívidas en los lienzos de Anna Montalto, que cuentan su forma de percibir la belleza de la Vida, haciendo su debut en 2008 con su primera exposición en Cagliari, participando en varias exposiciones colectivas en su tierra natal y en el extranjero. Participa en diversos eventos y proyectos artísticos que se trasladan a España y México, donde refina y extiende su interés por la pintura mural.

El arte de Anna Montalto es movimiento, exploración y evolución, con un espíritu de investigación continua, una personalidad dinámica y una curiosidad implacable experimenta y expande sus habilidades y habilidades artísticas día tras día, liberando su creatividad para dar forma a su creatividad. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Ya desde niña siempre lo que mas me gustaba era dibujar, mirar comics, manga siempre me llamaban mucho la atención. En la escuela mi materia favorita era la educación artística y siempre era la que más dibujaba bien así que a los 13 años decidí de hacer la escuela de arte y desde allá nunca abandoné este camino.

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TOTEM ELEFANTE-TÉCNICA MIXTA EN LONA-120X120CM

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Principalmente el primero que recuerdo desde mi adolescencia fue cuando hice una excursión por parte de mi escuela a Praga y fue cuando me enamoré de Alfons Mucha y de la art nouveau. Así como Klimnt que desde siempre me encanto, puesto que me gusta mucho su estilo que abarca en el tema de lo femenino. Así como también alguien que me ha influenciado es Milo Manara con su toque erótico dibuja mujeres maravillosas.

PERCEZIONI-TÉCNICA MIXTA-TINTA Y ACRÍLICO EN LONA.40X60 CM

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? ¡Si claro, nunca se olvida la primera vez! Fue apenas después la escuela, participe a una exposición colectiva y he creado mi primero cuadro: Lilith. Pura experimentación de técnicas, así como todavía sigo haciendo siempre. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? A base de experiencias, errores, vivencias, a veces fracasos y también fortuna. Viajes que nunca tienen que faltar para seguir inspirándome, abriéndome la mente y creando nuevas conexiones. JANAS - TINTA Y ACRÍLICO EN LONA-15X20CM

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CPMAGAZINE – BUSINESSWOMAN RADICAMENTO-TÉCNICA MIXTA 24X38 CM

A NUDO-TINTA Y ACRÍLICO SOBRE LIENZO-45 × 60 CM

INTROSPECCION-TÉCNICA MIXTA EN LONA, 25X120CM

EDEN-TECNICA MIXTA -150×150 CM

8 TOTEM GIAGUARO NEROTÉCNICA MIXTA-40X60 CM

DEAMADRE-ACRÍLICO SOBRE LIENZO. 45 × 60 CM


¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Busco la unión entre el mundo de lo real (físico) y el eterio (emocional) mezclando ambas formas en la misma pieza.

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Claro que sí, crear buena arte es una cosa, venderla es completamente otro trabajo.

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? No he elegido de pintar, ya estaba allá. Es un don que desde jovencita adquirí y donde me enfoqué a desarrollarlo.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? En mi arte lo que intento es mover conciencias y generar una conexión con nosotros mismos.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Si, yo pienso que si porque creo que el arte tiene una infinidad de propósitos y es la herramienta de comunicación más elevada que permite de romper paradigmas, limites y barreras.

¿Qué sigue para ti? Sigo creando, sigo desarrollándome, aprendiendo y creciendo ya que nunca se termina.

Tu frase favorita.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Yo les recomendaría que hagan lo que les apasiona y que tengan confianza en ellos mismos sin dejar que los fracasos afecten sus sueños, metas y objetivos.

Agradecimientos: Muchas gracias por la darme la oportunidad de participar a esta entrevista.

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IGNACIO DE JESÚS

CHÁVEZ SALINAS ARTISTA VISUAL

Contacto: Email: ignacio_chavez_art@hotmail.com Wedside: www.ignaciodejesuschavez.com Instagram: ignacio_chavez_art Facebook: Ignacio de Jesús Chávez

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Mi primer acercamiento al arte fue por medio de una biblia, la cual adquirió mi madre cuando yo tenía 4 años de edad, estaba repleta de imágenes religiosas, pinturas de Caravaggio, Rafael, Bouguereau, Miguel Ángel y Carl Boch. Era mi libro favorito sólo por esas imágenes.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? No recuerdo la primera vez que tomé un lápiz y un papel. Mi madre me cuenta que un día encontró una hoja llena de círculos hechos a lápiz, estaban tan perfecta la circunferencia que creía que los había dibujado mi padre, en cuanto supo que no, fue a felicitar a mi hermana mayor, pero ella negó haberlos hecho. Sorprendida se dio cuenta que su hijo de 2 años de edad los había hecho. Uno de los recuerdos más lejanos y bellos es cuando vi por primera vez a alguien mimetizar(copiar) una imagen en un dibujo. Lo hizo mi padre, era una caricatura de un patito que se trasmitía por televisión, tomó una libreta y lo comenzó a copiar, yo estaba muy emocionado y sorprendido al ver cómo podía reproducir una imagen solo con lápiz y papel.

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¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Mi principal influencia fue mi primer maestro de dibujo, Rafael Herrera, un pintor y escritor ludovicense, él me enseñó las bases del dibujo y del color. También Mario, un pintor Chichimeca, de quien aprendí algo de realismo en la pintura cuando niño. Luego, en la secundaria conocí el trabajo de grandes artistas de la historia del arte universal en mi clase de Artes Visuales, el que más llamaba mi atención era Salvador Dalí, el cual influyó mucho en mis primeras pinturas al óleo al entrar a la carrera de Artes Plásticas. Actualmente tengo a muchos amigos artistas a los que admiro y me encanta su trabajo, como lo son Kurt Wenner, Ramsés de la Cruz, Diego Glazer, Robert Eley, Eduardo Releros por mencionar algunos. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Ha sido un proceso largo, no encuentras un carácter pictórico de un día para otro, toma años de producción, eso sin tomar en cuenta todas las horas invertidas a la práctica de la técnica. La práctica constante en el ejercicio de la pintura realista evolucionó la manera en que percibo el color, la forma, el espacio. Siempre se me ha facilitado mucho el mimetizar o copiar de la realidad. Comencé a dibujar desde los 4 años, y aunque no lo hacía todo el tiempo sí practicaba mucho, me encantaba hacerlo. Fue hasta que entré a la universidad que me metí de lleno a la práctica y cuando comencé a pintar con Óleo. A partir de ahí durante un par de años estuve en una experientación muy abierta a en cuanto a técnicas y temáticas. No fue hasta que en mi serie Hipopercepción seguí una línea de carácter pictórico y temático en un conjunto de obras, siendo una exploración visual de la percepción humana. De esta serie nació un interés por los procesos de la sensopercepción y la representación del campo visual, experimentando con varios efectos visuales. Así como los son el anamorfismo, y otros efectos de perspectiva con la deformación de la superficie. Actualmente trabajo en una serie que tiene como tema la representación del campo visual. En la serie “Campo visual y virtualidad perceptiva” hago una analogía de las tres etapas de la imagen según Brea (imagen-material, imagen-film, eimagen), pero desde una sola representación pictórica.

TÍTULO: AL CIELO TÉCNICA: ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 150 CM X 100 CM AÑO: 2015 COLECCIÓN PRIVADA

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Es un autorretrato de la percepción misma, pero también le da al espectador la posibilidad de él poder estar en los zapatos del artista, una nueva simulacralidad. La pintura que inicia con el estudio de la percepción visual y el campo visual ya no remite a una representación de la realidad por medio del campo visual, sino una representación del campo visual por medio de una realidad. Paralelamente a mi obra de carácter artístico he trabajado el madonnari desde hace 4 años como un pasatiempo. El arte Madonnari son aquellas pinturas que se hacen tradicionalmente con gises pastel sobre el suelo de sitios públicos. Sus orígenes se remontan al siglo XVI, en Italia, en donde se pintaban Madonnas, de ahí surge su nombre. En 2018 destaqué a nivel internacional al participar en algunos de los festivales de madonnari más importantes a nivel mundial y llevarme el 1er lugar en el 10° Festival Madonnari en la ciudad de Guanajuato, 1er lugar categoría Kopisten en el International StreetArt Festival en Willhelmshaven, Alemania y el 1er lugar categoría Semplici en el Incontro Nazionale dei Madonnari en Curtatone, Italia.

TÍTULO: HABITACIÓN TÉCNICA: ÓLEO SOBRE MADERA MEDIDAS: 100 CM X 80 CM AÑO: 2017

Trata de la representación de un ángulo de vista en toma subjetiva, el personaje como espectador y viceversa, pero comienza a representar el campo visual y no la realidad; al igual, la realidad aumentada estudia y trata de mimetizar no la realidad sino el campo visual. Pero estas obras además exploran el ángulo de vista del ojo y los fallos que se pueden dar en alteraciones de organismo que puede afectar a los procesos de percepción.

Presento una igualación en términos pictóricos a la realidad aumentada pero nuevamente desde la imagen-materia. La pintura trata de representar, al igual que la realidad aumentada, una virtualidad desde un campo visual, pero a su vez hacer un registro de éste, así es como esta pintura trata de encarnar la dinámica de movimiento REM, por esto es que vemos una captura de movimiento, un desenfoque característico de una captura fotográfica y que nos demuestra un porvenir en lo estático de la captura. Es decir, es una representación de un registro del campo visual, es estática, pero secuela un dinamismo y virtualidad en ella. Es una captura de imagen propia del campo visual e imposible por medio de una cámara, no solo por la implementación de una binocularidad en el enfoque de acuerdo a la distancia focal y la compensación de la deformación de la imagen que puede tener una cámara, sino por la posición que solo un ojo puede tener, el cual en todo momento puede ver la nariz, el piltrum, el cabello, cejas y otras partes del rostro de acuerdo a las facciones, y por supuesto el resto del cuerpo.

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¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Creo que aún no tengo un estilo completamente definido, pero sí una línea temática y de carácter pictórico que me interesa seguir, la cual está muy relacionada con la representación de la percepción. El engaño y la deformación del entorno por medio de la sensación me es algo muy interesante. Quisiera hacer una representación fiel de la percepción visual, y dé como resultado una imagen, así como si tuviésemos un botón de captura y la lente sean los ojos. Claro, aun así, estoy consciente que no hay una percepción absoluta, ni siquiera una igual en nosotros mismo, cambia constantemente, dependen muchos factores desde patológicos, hasta psicológicos, al final lo que vemos solo son interpretaciones. El campo visual y nuestra propia percepción desde un punto de vista fenomenológico es algo que muchas veces ignoramos. Así como en la representación por medio de la fotografía e incluso en la pintura.

Me parece injusto llamarme HIPERrealimo, cuando en realidad funciona como una lupa plana recortada de la imagen fotográfica. No hay una realidad absoluta y mucho menos una realidad perceptiva, pero sí puede haber un acercamiento de la representación en un sentido óptico del campo visual humano. Esto yo lo quiero llevar a un plano artístico. Quisiera cambiar la manera en que visualizamos nuestro entorno, que nos conozcamos, que dejemos de ignorar el hermoso mecanismo de la percepción visual. Hagamos una pausa y nos demos cuenta que las imágenes no solo resultan a través de una pantalla. A veces no somos siquiera conscientes de que todo el tiempo vemos nuestra propia nariz. En este periodo en donde nunca se había experimentado tal cantidad de información visual, necesitamos conocernos y luego ver el mundo desde diferentes perspectivas.

El hiperrealismo no se acerca a lo que realmente percibimos en el campo visual, pues se basa en una copia a detalle de capturas fotográficas, no de la misma percepción visual, y aunque el mecanismo óptico de la cámara fotográfica sea muy parecido al del ojo humano, sabemos hay muchas diferencias cuando implican los procesos de percepción.

¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Es un lugar que considero de aspecto formal y que bien es aceptado, al igual que adaptado no solo a una cultura del conocimiento estético, sino que también a un mercado del arte. y por mucho tiempo fue el principal medio de comunicación del arte. Sin embargo, creo que en los últimos años los medios de difusión del artista han cambiado bastante. Las redes sociales nos dan herramientas para compartir nuestra obra sin necesidad de exponerla en una galería. A veces, hasta es mucho más conveniente, pues puede llegar a casi cualquier parte del mundo y a un público enorme, que puede ser elegido específicamente.

Es un medio de difusión del cual debemos estar muy conscientes y aprovecharlo. Por otra parte, el arte, puede exhibirse en cualquier lugar, desde un hospital, hasta en una plaza pública, y justo en la calle es donde me gusta pintar los madonnari. Me encarta esa interacción con el público, gente común que solo pasa por las calles y quedan asombrados, al ver lo que se puede hacer con tan solo gis y suelo, sobre todo el público joven. Llegar a inspirarlos o despertar algo nuevo en ellos es mi mayor satisfacción. El madonnari es completamente efímero, se elabora en el suelo y no dura más de una semana, pareciera un performance callejero, pero lo que me interesa es que se tenga su momento, se aprecie, inspire y cultive al público. También considero que el madonnari es un descanso para la trascendencia material de la obra, un descanso de la galería.

TÍTULO: METRO CIUDAD DE MÉXICO TÉCNICA: ÓLEO SOBRE TELA MEDIDAS: 100 CM X 120 CM AÑO: 2018

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TÍTULO: CAPACIDAD DE ASOMBRO TÉCNICA: ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 120 CM X 90 CM AÑO: 2017 COLECCIÒ N PRIVADA

TÍTULO: SIN CONOCER TÉCNICA: ACRÍLICO SOBRE MADERA MEDIDAS: 81 CM X 64 CM AÑO: 2014

Tu frase favorita. Un día la escuché de un amigo mientras estudiábamos a Heidegger. “Dios no existe, Dios es”.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Tal vez Laoconte y sus hijos, por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas. Desde el día que la conocí me enamoré de ella. Pero creo que la obra que más ha repercutido en mi pintura fue “Sin conocer” una obra que realicé hace 4 años aproximadamente. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Quiero trasmitir asombro e interés, despertar algo nuevo en el espectador, cualquier cosa que cambie su tránsito mental, de esa manera pueda quedar el concepto particular de la obra más arraigado en el espectador.

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¿Qué sigue para ti? Por lo pronto quisiera terminar mis proyectos artísticos, como los son mi serie pictórica “Campo visual y virtualidad perceptiva”, al igual que un conjunto de pinturas anamórficas, y disfrutar en 2020 dos exposiciones individuales. También tenemos en mente traer un festival de madonnari a la ciudad de Querétaro, lo pensamos constituir como el más grande festival de arte madonnari en México. Este año quiero ganar el título de “maestro madonnari” en Italia, pues ya soy “cualificato”, al haber ganado el año pasado en categoría “semplici”; ahora tendría que ganar primer lugar en esa categoría cualificato. Participaré en el Incrontro Nazionale di Curtatone en agosto. En unos años quisiera irme a vivir a Italia y seguir haciendo lo que me gusta, pintar.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Les aconsejo que sean disciplinados y pinten mucho. Relaciónense con otros artistas, se nutrirán mucho de ellos. Visiten galería, vallan a diplomados de arte y estudien los temas que más les interese. Tengan paciencia, la constancia les traerá muy buenos resultado. Agradecimientos: A mis padres que siempre me ha apoyado en mi carrera artística, María Elena Salinas y José Ignacio Chávez, así como a Arthur Elías por invitarme a participar en esta revista. TÍTULO: DANZANTES TÉCNICA: ÓLEO SOBRE TELA MEDIDAS: 100 CM X 120 CM AÑO: 2018

TÍTULO: IMPEDIMENTOS EN UN PROCESO CREATIVO TÉCNICA: ÓLEO SOBRE MADERA MEDIDAS: 80CM X 60 CM AÑO: 2016

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Liliana León es nacida en la ciudad de Bogotá, Colombia, siendo Economista de profesión, Asesora de Imagen y cuenta con un título americano en Nutrición Fitness avalado por ISSA (International Sports Sciences Association). Es Modelo y Actriz profesional, actualmente esta en el desarrollo de su marca Lima León, siendo amante de los deportes y un estilo de vida saludable, usa sus redes sociales con el seudónimo en Instagram @lima.leon y Facebook Lima Leon, porque le gusta motivar a las personas a cuidar de su salud, donde les ofrece rutinas de entrenamiento y así promuevo un estilo de vida saludable.

Además de que le encanta viajar alrededor del mundo, por medio de las redes sociales documenta sus viajes y les da tips a las personas para visitar lugares, probar comidas y ver atracciones en los países a los que viaja; podría definirme en el mundo digital, cómo una blogger de viajes, moda y estilo de vida saludable, una de sus mayores pasiones es actuar, por ello se preparo durante 2 años en La academia de actuación Cica en la Ciudad de Panamá, y se graduo como actriz con énfasis en manejo de medios audiovisuales.

Ha sido modelo por más de 7 años, ha hecho algunos catálogos para ropa y ha participado en algunas publicaciones en revistas, entre la más destacada, represento a Panamá cómo modelo del año para la edición de la Copa de Oro para Univisión Deportes en la Ciudad de Miami; además participo en el concurso de fitness en la Ciudad de Panamá, y ocupo el tercer lugar. Actualmente está trabajando en su Línea de Ropa Casual y de alta costura con su marca Lima Leon que está pronta a ser lanzada en la Ciudad de Panamá y posteriormente Colombia. Instagram @lima.leon Facebook Lima Leon

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VERÓNICA

BUCCIO ARTISTA PLÁSTICA Contacto: www.veronicabuccio.com veronicabuccio@gmail.com Redes: Veronica Buccio Art

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Técnicamente me gusta la mezcla de la plasticidad de la pintura y el peso del dibujo en una sola imagen, de tal manera que al juntarlos en muchas pruebas y técnicas encontré mi técnica química personal que denominé “pintura de hilo” porque además de esa fusión dibujo-pintura, buscaba poesía, erotismo, movimiento automatista sin control, que fuera itinerante y poético al borde del caos y la estética., y en base a esta técnica lograr desarrollar mis temas.

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¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Me gusta la poesía, la escritura, la ópera, pero la pintura me reta a crear mundos inexistentes, a expresar mejor lo que quiero decir, creo que la pintura es resiliente y es de las pocas en que el autor no pasa de moda, aunque muera, siempre está vigente, donde se construyen grandes museos permanentes como si fueran templos para mostrarse nunca termina la función.


¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Por supuesto fue toda una revelación, una gran impresión, sentí en mi estomago una revolución., el arte lava y depura el espíritu y reconoces tu luz y sombra internos fuera de ti al plasmarlo y eso finalmente te integra en tu etapa de madurez artística.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Comencé de manera autodidacta en Michoacán, después de la mano de mi mentor Héctor Zambrano en Guanajuato, hice la Licenciatura en Artes Visuales en la FPBA de Morelia, tengo un Máster en España de la Scola Catalana Forma, en Técnicas antiguas y Escultura, he estado en talleres de grandes maestras y maestros mexicanos. He expuesto mi arte pictórico, grabado, fotografía y proyectos artísticos en México, Cuba, España y Estados unidos (Texas y California). Tengo más de 90 exposiciones de las cuales son más de 20 exposiciones individuales. En 2005 Fui promovida por la Alianza francesa en México y el Festival Internacional Cervantino.

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LAS HUELLAS DE TU FUEGO TÉCNICA MIXTA S/ PAPEL ALGODÓN NEGRO INGLES

En 2016 y 2019 Recibo 2 reconocimientos Internacionales por exposición, en 2016 en el 13th Women Internacional Event, Día Internacional de la Mujer en el Latin Art Museun por la California State Legislatura Assembly, por mi Exposición Individual y tesis sobre el Machismo y la Misoginia, la segunda en 2019 por la Exposición Internacional “The Colors of we Universe” por el Gobierno del Distrito de Pomona California. De mis mayores satisfacciones han sido el lograr constituir en 1999, a los 23 años el organismo social de arte, cultura y humanidades Arte y Cultura Verbuac, AC., para incentivar el arte, la estructura para artistas, su capacitación, proyección y desarrollo humano en Michoacán, Guerrero y Guanajuato, por lo cual en 2014 en base a ese trabajo recibo el título de Embajadora Cultural en CDMX por la Fundación Nacional de Artistas, y hoy después de 20 años de trayectoria y con este proyecto para artistas de las nuevas generaciones más humanistas, recibí el Premio Nacional de la Mujer 2019 en CDMX por la Cámara Nacional de la Mujer, El salón de la Fama México, El Claustro Mundial Universitario y La Organización de Equidad de Género de las Naciones Unidas. Me encanta trabajar en colectividad, aprender y compartir con otros lo que me funciona., amo mi país y el arte me ha permitido vivirlo de cerca con formar, apoyar, capacitar y reestructurar tejido social durante estos 20 años, a través de los 15 proyectos de proyección para los grupos y artistas que represento que hoy viven el arte en todas sus manifestaciones., además del privilegio encontrarme a mí misma en este proceso creativo de inclusión y vivirme más sana en todas mis formas, el haber entendido que la creatividad es la madre de todas las soluciones y en base a ello, auto renovarme todos los días.

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¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Creo que hay etapas para cada proceso de un artista, al principio el artista busca la participación como inclusión en la sociedad en cualquier foro, lo importante es mostrarte, ¡con el tiempo vas creando nuevas metas y te importa superarte a ti mismo de tal manera que en la madurez de tu carrera la Galería si importa!

¿Cuál ha sido la obra creada que más te ha marcado? Todas las del tema del origen de la misoginia y las de tema de control mental, “Eva Cayendo de la Gracia de Dios” de la Colección “Las Mujeres de Adán” y “El emisario Hibrido” de la Colección “El mesías el Jinete de la Psique” de mi autoría.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Por supuesto, sensibilizar mentes, espíritus y corazones., encontrar una dignidad o indignidad al expresarlo y contemplarlo, sin el arte la humanidad no existe de manera exaltada, no existiría inspiración ni expresión autentica sin límites, de lo interno a lo externo, lo que no se puede decir con palabras ni expresar con la mente, el arte es necesario para quien lo libera, lo crea y para quien lo recibe, y lo revive y goza en su interno, el arte es la conciencia de la sociedad en cada tiempo y en cada época y el artista el responsable de expresar esa conciencia de mil maneras.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Después de un proceso de expresión intuitiva ahora busco coadyuvar en elevar la conciencia de la sociedad con temas más humanistas y de revolución espiritual. Comencé por los mitos cosmogónicos y temas sociológicos, ahora busco incidir responsablemente en generaciones la que ya están listas para ver otras cosas con más sentido en el contexto actual a las más altas expresiones del espíritu, que mi arte sirva a un propósito revolucionario, tengo esa necesidad en esta etapa.

Tu frase favorita. “Nadie puede enseñar el camino que no tiene andado” y también agregaría ésta que es mi discurso actual “No es tiempo de hombres ni de mujeres, es tiempo de humanidad”

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LAS VÍCTIMAS DEL SÁTIRO TRÍPTICO EN TÉCNICA ÓLEO S/ TELA 60 X 80 CMS

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¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Como un escape o una evasión a mundos inexistentes y la férrea necesidad de plasmarlos. Ahora comprendo que el artista se concibe artista desde que ve la realidad, no le gusta, se da la vuelta y genera su propia realidad., me encanta esa frase de Emmanuel Kant. ¿Qué sigue para ti? Creo que para mí es tiempo de gratitud y cosecha, vienen reconocimientos, nuevos proyectos y creación de foros de expresión más contemporáneos fusionados para otras disciplinas artísticas, más exposiciones, celebraciones por los 20 años de trayectoria, además de seguir explorando la conciencia de polimatía y manifestar la poesía, la escritura y seguir capacitando, profesionalizando y promoviendo a otros artistas.

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Generar obra de alta vibración con artistas plásticos, músicos fotógrafos y otros escritores más humanistas que ya estamos más interesados en una revolución de cambios en la expresión artística, donde prime el arte con propósito. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Definitivamente Egon Shielle, Elizabeth Sonrel, Cezzane, Klimt y Francisco de Goya, contemporáneos Maia Ramishvili entre otros fotógrafos e ilustradores que me inspiran.


¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que sean conscientes de que no todo es el talento nato, que hay que ser humildes y adquirir las herramientas necesarias para no quedarse en el camino. Que no adopten estereotipo de “artista” lleno de un camino de caos, vicios e informalidad, que rompa esas creencias y resignifiquen el valor de un artista que actualmente no debe morirse de hambre, porque ya conocemos el camino y los atajos de los antiguos maestros, ya no podemos repetir lo que no funciona. Agradecimientos: A toda la gente maravillosa que ha creído en mí y que ha influido en mi vida, a mis mentor@s y maestr@s, mi familia, mi amor, mis alumn@s, mis amig@s y personas que me sostienen en amor y bendición.

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Fotos: Alejandra Briones

Mayra Delgado MADEL GRESS ARTISTA VISUAL CONTACTO: FANPAGE FB: MADEL GRESS INSTAGRAM: MADELGRESS MADELGRESS@HOTMAIL.COM

Nace en la cuna de una familia de Pintores, siendo ella la tercera generación, sus maestros Armando Ahuatzi, Antonio Del Mar Gress, y la pintora María Gress, despiertan en ella el amor por el arte y la pintura. Enamorada del color, plasma en sus obras las emociones más importantes del ser humano. Cuenta con más de veinte años de carrera artística, con numerosas exposiciones en México y en el extranjero; en 1993 presenta su obra por primera vez en la exposición “Del Aquí y el Ahora” en la Universidad del Valle de Tlaxcala. En 1994 participa colectivamente en el Centro Cultural Israelita en México, D.F.

En el año 1995 expone de manera internacional en El Salvador en la Galería Zandunga, en los años 1999 y 2000 es invitada para ilustrar con sus obras la revista Bien Común y Gobierno. En años subsecuentes expone algunas de sus obras en las Galerías “Casa del Ángel”, “Puerta Bonita” y “Galería Puerta Vieja”. En San Miguel de Allende y Tlaquepaque respectivamente. En 2014 participa en la exposición “La imaginación y los sentimientos” en el Centro Cultural Ágora en el Edo. De Mex. Así mismo en 2016 en la exposición “Pintando Sonrisas” en el mismo centro. En el presente año participa en la exposición colectiva “Entonaciones” en la Galería Aguafuerte sede Val ’Quirico, Puebla. En la Galería DLonngi Art participa en la exposición del “Dia Internacional de la Mujer” y en Marzo la Fundación Nacional de Artistas Plásticos de la República Mexicana le otorga un reconocimiento por su participación en la exposición “La mujer en el Arte“.

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¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Crecí en un entorno familiar artístico; mi abuelo Carlos Ayala Vallarta poseía el don maravilloso de poder plasmar la belleza de la vida por medio de la pintura, la cual heredaron cinco de sus seis hijos, incluyendo mi madre Mary Gress. Recuerdo la felicidad que sentía desde niña al dibujar todo aquello que llamaba mi atención. Fue así como mi ambiente artístico empezó a hacerme más sensible ante el color y la forma de lo que nos rodea y así tener un canal de expresión diferente.

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ALEGRÍA DIFERENTES TÉCNICAS

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Claro, desde muy niña me encantaba dibujar a lápiz, después empecé a utilizar lápices de color; pero fue a la edad de nueve años cuando asesorada por mi madre pinté mi primera obra al óleo. La figura principal era una hermosa mariposa con un colorido muy especial. CONTRASTE ÓLEO SOBRE LIENZO

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CIELO INFINITO ÓLEO SOBRE LIENZO

Paraíso Acrílico

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Han sido varios los pintores que han influido en mi percepción del arte; me encanta la simplicidad en las obras de Mondrian, el sentido mítico y mágico de Leonora Carrington, y su amiga Remedios Varo, la forma de combinar lo abstracto con lo geométrico de Carlos Mérida. En el arte contemporáneo me entusiasma ver el gran talento y diversidad de varios pintores, como la originalidad y el manejo del color de Frank Stella, y la simplicidad armoniosa de Britto. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Me he desarrollado a través de varias etapas durante mi vida artística. Los primeros años me incliné por pintar animales, posteriormente me obsesiono por plasmar la belleza de haciendas, pueblos y paisajes con un toque más realista. Hoy en día me siento identificada más con la explosión de colores dándole un toque surrealista combinando en algunas ocasiones con cuerpos geométricos. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Lo definiría en esta etapa de mi carrera como una especie de expresionismo abstracto por el manejo de emociones y sentimientos a través del color, combinada en algunos casos con cierta abstracción geométrica por el uso racional de distintas formas. Busco despertar ciertas emociones a través del color, al igual que mis obras tengan la autonomía para cambiar la sensación de espacios donde habitan. Creo que hay emociones que se pueden transformar de forma positiva al observar la combinación de color en las obras. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Todas las expresiones artísticas incrementan nuestra inteligencia emocional entre otros muchos beneficios, pero la pintura además nos permite jugar con los colores por eso es que es mi favorita. Tu frase favorita. “El color es un poder que influencia directamente al alma. El color es un teclado, los ojos son un martillo, el alma es una cadena. El artista es la mano que juega, tocando una tecla u otra, para causar vibraciones en el alma” Kandinsky. FUERZA Y LUZ ÓLEO

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¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Así es las galerías y los artistas nos complementamos. Hoy en día existen también innumerables foros físicos y virtuales que nos ayudan para que más gente conozca y valore nuestra obra.

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Me gusta transmitir el poder que tienen los colores sobre nuestras emociones. Cuando mis obras despiertan alguna emoción o logran transforman un estado de ánimo en el espectador por medio del color, cumplo con mi objetivo.

¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Sin duda fue mi primera obra. La cual titulé “Libertad”; como había comentado antes, se trataba de una hermosa mariposa en pleno vuelo. Este marcó la pauta para lo que vendría en mi vida, ahí supe que la pintura y yo estaríamos ligadas para siempre.

¿Qué sigue para ti? Seguir disfrutando cada día de lo que más me gusta hacer, que es pintar. Tengo en mente varias ideas que espero poder plasmarlas y así convertirlas en obras. Mi meta es seguir creciendo en lo profesional y en lo espiritual. Continuar con exposiciones y así difundir mi obra. Por lo pronto tengo varios proyectos entre ellos una invitación a exponer en España, Los Ángeles y otra en el Salvador nuevamente.

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Fuego interior Óleo sobre tela

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Les diría que el poder plasmar las emociones en un lienzo es un don y deben de aprovecharlo. Es importante que se sientan seguros de sí mismos que se esfuercen y disfruten el camino con sus altas y bajas. Seguros de lo que quieren lograr. Agradecimientos: A mi abuelo que sin saberlo fue pieza clave al introducirme en el mundo de la pintura, a mi madre, por ser la mejor maestra de vida logrando contagiarme su amor al arte, a mi padre por enseñarme a disfrutar cada día como si fuera el último. A mi esposo, por siempre apoyarme y compartirme su fuerza. A mis hijos, por ser el motor para seguir mis sueños. Y de forma especial a las personas que adquieren mis obras y confían en mí. Agradezco también a CP MAGAZINE por este espacio y ser un importante foro para promover el arte.

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Mauricio y Ricardo son un dúo de hermanos compositores e intérpretes nacidos en Venezuela y criados en Miami. Estos innatos de la música comenzaron a explorar su arte desde muy temprana edad. En el año 2010 decidieron dedicarse completamente a lo que ya sabían era su devoción, formando el dúo que hoy en día se reconoce a nivel internacional como Mau y Ricky. Mau, de 24 años, y Ricky, de 27, además de intérpretes y compositores, son músicos y productores. Como compositores, han compuesto éxitos para artistas como Ricky Martin, Juanes, Karol G, Jason Derulo, Becky G, Thalía, Miguel Bosé, Sofía Reyes, Natti Natasha, entre otros.

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En el 2016, el dúo estrenó el sencillo “Voy Que Quemo”, el cual luego formó parte de su primer EP Arte, lanzado en mayo de 2017. Arte está compuesto por 6 canciones de la autoría de los hermanos. Este EP los llevó a recibir una nominación al GRAMMY Latino 2017 por “Mejor Nuevo Artista”, y donde además tomaron el escenario para interpretar el tema con el cual romperían los esquemas de la música latina, “Mi Mala”, además de su nominación como “Canción del Año” por su composición en “Vente Pa’ Ca”, interpretada por Ricky Martin y Maluma. A finales del 2017, Mau y Ricky estrenaron un tema con un ritmo totalmente distinto titulado “Mi Mala”. El tema contó con la colaboración de la artista colombiana, Karol G. La canción ha recibido certificación Disco de Platino y de Oro en distinos países de Latinoamérica, como también en Estados Unidos y Puerto Rico.

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Durante el mes de junio 2018, Mau y Ricky se voliveron virales con el estreno de tres temas, “Mal de la Cabeza” ft. Becky G, “Japonesa”, y su sencillo “22”. Mau y Ricky luego volvieron a impactar con el estreno de “Ya No Tiene Novio”, tema con Sebastián Yatra. El video musical acumuló más de 100 millones de views en YouTube en tan solo 18 días, y hoy en dia sobrepasa los 330 millones de reproducciones [noviembre 2018]. Este tema alcanzó Platino en 8 países de América Latina. Los hermanos fueron invitados especiales en la gira por México de Camila Cabello, y acompañaron a Sebastián Yatra en su serie de conciertos por México y Estados Unidos. Además Mau y Ricky celebrarán el cierre de un año monumental como invitados especiales de la gira norteamericana de Marc Anthony "Legacy".

En febrero 2018, se estrenó “Mi Mala” Remix. Esta vez junto a Karol G, Becky G, Leslie Grace y Lali Esposito. En sus primeras 24 horas de estreno, el video sobrepasó 1.8 millones de views en YouTube, y hoy en día el tema cuenta con más de 207 millones de reproducciones en YouTube en combinación [noviembre 2018].

En mayo 2018, Mau y Ricky y su equipo “Kiss The Chief Music” [formado en adición por Jon Leone y Camilo Echeverry] sobresalieron como lo mejor de la música latina con un versátil listado de siete canciones de su composición colocadas simultaneasmente en el listado BILLBOARD: Top 100 “HOT LATIN SONGS”- "Mi Mala" [Mau y Ricky], "Di Que Sientes Tú" [Chayanne], "Sin Pijama" [Becky G, Natti Natasha], "El Clavo" [Prince Royce], "123" [Sofía Reyes], "Duro y Suave" [Leslie Grace], y "Cuidao" [Play-NSkillz]. Adicionalmente, Kiss The Chief Music fueron acreditados por escribir uno de los temas más calientes de Juanes “Pa Dentro”.

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Su más reciente sencillo “Desconocidos” junto a los artistas colombianos Manuel Turizo y Camilo Echeverry ha acaparado las plataformas digitales y redes sociales. El tema actualmente cuenta con más de 46 millones de views en tan solo un mes [noviembre 2018], y domina los listados radiales en las primeras posiciones. Mau y Ricky sin duda alguna son el dúo mas prometedor en la música latina hoy, además de su impresionante legado como compositores. Mau y Ricky están reventándolo todo con sus canciones, frases y colaboraciones a lo largo de su carrera; el par ha crecido muy cercano al mundo de la música, su reconocimiento en la industria ha resultado por un proceso de varios años de trabajo; seguramente has bailado y disfrutado los temas de este par y sus colaboraciones en muchas oportunidades, acá te traemos una entrevista privada junto a ellos solo en CP MAGAZINE. ¿Qué se siente ser uno de los dúos más influyentes actualmente? Es definitivamente un sueño hecho realidad. Siempre soñábamos con ser reconocidos por nuestra música, y ahora que todo se nos está cumpliendo sentimos que seguimos soñando. Cada día le agradecemos a Dios por permitirnos hacer lo que amamos.

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Aid Live 2019, ¿Ha sido el concierto más importante en su carrera? Aid Live es algo que guardaremos en nuestros corazones por siempre. El haber tenido la oportunidad de aportar nuestro granito de arena para nuestro país, Venezuela fue algo increíble. Hacer lo que amamos frente a una multitud de miles, y a la vez poder contribuir fue indescriptible.

¿Su familia te sigue apoyando? Claro que si, somos todos muy unidos y afortunadamente todos compartimos la misma pasión por la música. ¿Qué pasa arriba del escenario? ¿Qué espectáculo les ofrecen a sus fans?, ha de ser algo inolvidable. Cuando cantamos intentamos transmitir toda nuestra energía y conectarnos con nuestras fans. Dejamos el alma y el corazón en cada tema que cantamos.

¿Han contemplado su participación en causas humanitarias junto con colegas? Nos encanta participar en causas humanitarias. Nuestro padre tiene su propia fundación, La Ventana de los Cielos, y cada vez que podemos ayudamos.

¿Qué ha sido trabajar con otros artistas reconocidos musicalmente? De cada artista hemos aprendido muchísimo. Cada uno nos enseña cosas distintas, perspectivas distintas. Es una bendición poder aprender de otros grandes colegas.

¿Cuál es su pasatiempo favorito? Escribir música y estar en el estudio. Es algo que nos transmite mucha paz.

¿Con que artistas les gustaría realizar alguna próxima colaboración? Uff con muchos, nos encantaría hacer algo con J Balvin, Ed Sheeran, no tenemos limites.

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¿Practican algún deporte? A veces jugamos fútbol cuando se nos da la oportunidad.

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¿Les gustaría experimentar en otro género musical? Si, pensamos que experimentar y dejarnos llevar en otros géneros nos puede enseñar mucho. Antes de ser urbanos nos dedicábamos más a las baladas, y fue algo maravilloso.

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Dentro de la música, es muy importante ser el número uno? Para nosotros lo más importante es que a nuestros fans les guste nuestra música. Transmitirles nuestro mensaje y sentimientos a través de nuestras letras, y ver como ellos se identifican es algo sensacional. ¿Cuál es su nuevo mercado para este año? No tenemos un mercado fijo que quisiéramos abordar. Nos encanta llevar nuestra música a distintos países a nivel mundial, desde Japón hasta México, etc. ¿Cuál es su responsabilidad social como figura pública? Pues yo creo que como figura pública nuestra responsabilidad es ser un ejemplo a seguir, demostrando los valores que nos enseñaron en casa e intentar de mantener nuestra esencia. ¿Tienen algo en mente para el futuro, un próximo álbum o más giras? Acabamos de estrenar nuestro debut álbum “Para Aventuras y Curiosidades” a principios de mayo. El álbum tiene muchos de nuestros temas como “Desconocidos”, “Mi Mala” y nuevos temas también como nuestro sencillo más reciente “La Boca”. Hemos tenido la oportunidad de presentarnos ya en distintos países este año. Hicimos una gira por México con nuestro hermano Abraham, estuvimos en Bolivia, Guadalajara, y más adelante llegaremos a Italia y España. ¿Dónde podemos escuchar lo nuevo de sus temas? Nuestros temas están disponibles en todas las plataformas digitales, desde Spotify, Apple Music, hasta YouTube. Para los jóvenes que leen la revista e inician en el ámbito musical, ¿Qué les compartirían, para que crezcan y puedan estar donde ustedes están? Nunca abandonen sus sueños. Mucha gente les pondrá obstáculos en el camino, pero cree en ti mismo y sigue adelante. No dejes que nadie te diga que no puedes. Nosotros luchamos por estar donde estamos.

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Gaspar

ESCULTOR CONTACTO: GTDESIGNER@MSN.COM WWW.GASPARTSTUDIO.COM

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Nace en la Ciudad de México. Siguiendo su sueño en el ámbito de las artes, se inscribe en la Escuela de Artes Plásticas (EDA) en la Plaza de la Ciudadela, recibiéndose como Oficial en Artes Plásticas en 1979. Al poco tiempo se muda a Los Ángeles, California, con el objetivo de continuar sus estudios, y logra acumular experiencia trabajando con una variedad de materiales, empezando por el vidrio, la cerámica, los metales y, finalmente, la madera.

En 1985 abre su propio estudio de ebanistería fina, llamado “Gaspart Designs Arts and Crafts”, fabricando sus propios diseños en una variedad de materiales, incluyendo maderas finas, metal, papel, resina, acrílico y barro. Durante sus años en Los Ángeles, buena parte de su trabajo es para clientes en Beverly Hills, Hollywood, Malibu y Venice Beach. Recibe pedidos de un número de tiendas-boutique de la zona poniente de Los Ángeles, como “Civilization”, “Empiric”, “Mortise and Tenon”, “Seva” y “Shelter”. Sus piezas son exhibidas y vendidas en el Beverly Hills Design Center por muchos años. También es contactado por la industria del cine y la televisión para fabricar muebles y artículos para sets de películas y series de televisión, principalmente para Sony Pictures, Walt Disney Studios, y Paramount Pictures.

En 2002 obtiene el título de Maestro en Ebanistería Fina (Master Craftsman) por parte de la Universidad de San Diego. Veintiocho años después de haber abierto Gaspart Designs Arts and Crafts, en el 2011, Téllez regresa a su país y se ubica en Valle de Bravo, Estado de México, donde funda Gaspart Studio – Escuela de Ebanistería Fina y Cerámica.

FRAGMENTO DE "AILE Y AIRE", MADERA DE AILE, MADERA RECUPERADA DE UN MISMO ÁRBOL CAÍDO Y APOLILLADO

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El entorno natural mexiquense influye significativamente en la exploración que Téllez realiza dentro de la dimensión plástica y escultórica de la madera, impartiendo a sus obras los principios de sencillez y elegancia que siempre han marcado sus creaciones.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Fue muy paulatino. Desde niño me ha gustado crear cosas con las manos, utilizando diferentes materiales. Quizás me di cuenta de que esa actividad creativa se me daba, quizás por eso cuando tuve la edad decidí entrar a la Escuela de Artes Plásticas en la Ciudad de México.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de plasmar tu creatividad sobre un material? Tendría yo unos 10 u 11 años cuando hice una serie de figuras de animales para mis hermanos (somos diez) en lo que llamábamos piedra poma (o piedra pómez). Mi papá tenía una tienda de pinturas y en esa tienda guardaba costales de este material. Me acuerdo de haberme divertido mucho creando animales de piedra poma para mis hermanos más chicos, de darme cuenta de la facilidad con que mis manos daban forma a ese material.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la ESCULTURA? Yo creo que son otros los que definen los estilos de los artistas. Mi búsqueda en este ámbito del arte plástico se define por el placer de transformar un material para darle una vista insospechada. ¿Por qué escogiste la ESCULTURA y no otra expresión artística? No fue una decisión consciente o a propósito. Simplemente me ha gustado siempre el volumen de las cosas, las tres dimensiones. Y la madera además tiene una cualidad vital, se siente vivo, se siente cálido --eso no lo encuentras con la piedra, el metal o el vidrio, por ejemplo.

"ÁNGEL", MADERA DE BOCOTE Y ACRÍLICO TALLADO

TÉLLEZ DURANTE EL PROCESO DE ARMADO DE SU ESCULTURA "EL RIZAL NO. 1"

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TÉLLEZ EN COMPAÑÍA DE SU MASCOTA GRAN DANÉS "BULLET", AL LADO DE SU ESCULTURA "ÁNGULO PERFECTO"

¿Qué ARTISTAS han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Fue ya como alumno de la Escuela de Artes Plásticas que me topé con un libro de la obra de Salvador Dalí, que me dejó muy impresionado. Más recientemente he admirado mucho la obra del maestro tornero David Ellsworth, el escultor en madera Mark Lindquist, la obra en vidrio soplado de David Chihuly, las pinturas y fotografías de David Hockney, y las esculturas y paisajes de Isamu Noguchi, entre muchos otros que podría seguir mencionando. TÉLLEZ TRABAJANDO EN EL TORNO DE MADERA DURANTE EL PROCESO DE SU ESCULTURA "AILE Y AIRE"

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? He usado diferentes tipos de materiales a través de los años, desde la piedra poma de mi niñez a la madera de hoy, pasando por metal, vidrio, resinas, cerámica y textiles. Hoy, mi obra es de madera. Al principio mis creaciones eran más realistas, y ahora mi obra tiende a ser abstracta, y en mi obra se puede decir que el material—la madera-- es el protagonista. La forma viene siendo una excusa para lucir sus colores y texturas. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Siempre la última obra es la que me marca más en ese momento. Cada obra señala un momento especial en el camino. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Quiero que las personas aprendan a ver la madera de otra manera. Quisiera pensar que mi obra contribuya a que la gente, los mexicanos, antes que nada, vuelva a apreciar la riqueza forestal de su país. Cada tipo de madera tiene su propia belleza. No todo es pino o cedro. Es más, el pino y el cedro son de las maderas más aburridas que hay, visualmente hablando. Pero son las maderas que la gente conoce. Ve, en cambio, el colorido y la veta del aile, del encino, del aguacate, del mango...

"LA MUJER CON BROCHE", MADERA DE OYAMEL, MADERA RECUPERADA DE UN EDIFICIO DE MÁS DE 150 AÑOS

TÉLLEZ AL LADO DE SU ESCULTURA "EL RIZAL NO. 1"

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"EL RIZAL NO. 1", MADERA DE AILE, PAROTA Y TZALAM

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El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Expresión. Poder expresar pensamientos y sentimientos que están ocultos porque no me siento capaz de expresarlos con palabras.

Tu frase favorita. Es una frase en inglés que aprendí durante los años que viví en Los Ángeles:

O sea, hazlo sencillo, no te compliques. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Claro que sí, la presentación y el contexto es muy importante. El respeto hacia el artista es fundamental.

¿Qué sigue para ti? La verticalidad. Me está intrigando el ejercicio de construir una pieza que sea un reto de verticalidad y equilibrio en ese eje, alejado de la tierra, jugando con la fuerza de la gravedad. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo DEL ARTE PLÁSTICO? Ponte a trabajar. Asegura primero tu estabilidad, tus recursos y tu fuente de ingreso, aunque eso signifique sacrificar por ahora tu quehacer artístico. En el futuro tendrás tus recompensas.

Agradecimientos: Doy gracias a mi padre Palemón Téllez, que en paz descanse, quien no me apoyó cuando le dije que quería ser artista, sino que insistió en que siguiera trabajando hasta que me volví independiente de la economía familiar. Le agradezco que me haya enseñado a trabajar duro porque sólo así alcanza uno sus metas. Y en este momento quiero decir que estoy muy agradecido a mi esposa Fatimah quien me ha brindado mucho apoyo en estos últimos seis años.

"SULIBAO", TRIPLAY Y PALO DE ROSA

TÉLLEZ AL LADO DE SU ESCULTURA "AILE Y AIRE"

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LUISANA Nació hace 25 años en Venezuela, pero a los 19 años emprendió vuelo a Panamá buscando mejores oportunidades, allí fue modelo de protocolo en eventos publicitarios y corporativos privados de grandes marcas como Samsung y Audi, hizo parte de las modelos del Tour de la copa Champions League y también participó en diferentes comerciales de Banco Banesco y El Costo. Luisana, mide 1,67 cm y su mayor atractivo físico son sus piernas, caderas y ojos, rasgos indudablemente latinos. En su personalidad encontramos una mujer extrovertida, ocurrente, apasionada e imparable. El mundo artístico corre por sus venas y sus sueños no se quedan cortos, ella se visualiza en una alfombra roja a la altura de Hollywood.

Para lograr ese sueño se radicó en México donde ha venido trabajando fuertemente y ya ha participado en diferentes producciones televisivas como el “Señor de los cielos”, “La bella y las bestias”, “La piloto 2” y su última participación fue en “Falsa Identidad” que en estos momentos se encuentra en Netflix, la cual considera su mayor logro hasta el momento.

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Como bailarina también ha movido sus caderas al ritmo de diferentes artistas en tarima y videos musicales de cantantes como Kafu Banton, Chino y Nacho, y KC Rebell en su última producción “Quarterback”. Pero no solo la verás bailando, también como protagonista en un videoclip de Los Huracanes del Norte y pronto en el video de la canción “Señorita” del cubano Sian. Ahora… ¿Cómo mantiene Luisana su cuerpo atlético con una agenda tan ocupada? Desde pequeña ha sido amante del gym y siempre ha bailado, es muy constante y mantiene una alimentación balanceada, a veces practica boxeo para salir de la rutina, además, su contextura delgada también le ha ayudado a mantenerse incluso después de tener una hija a los 18 años, quien a propósito es su mayor motivación día a día para luchar por sus sueños. Luisana quiere dejar su huella en el mundo como una mujer guerrera y soñadora, y alcanzar su más grande sueño: ser una gran actriz.


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ARTISTA VISUAL Pao SĂĄenz, is a self-taught artist since she was a girl, born in Mar del Plata, province of Buenos Aires, Argentina. At the age of 18 he settled in San Isidro, where she currently resides. Starting in 2008, motivated by her friends and family, she began to show her works of art to the world, participating in different and important individual exhibitions, art exhibitions, biennials, galleries and fairs both nationally and internationally, mentioning the United States , India and Uruguay in the countries that have managed to sprea her art. The year 2017 marked her departure from the corporate world, since then she has poured all his energy into her artistic career and the evolution of her art that has allowed her to achieve great personal achievements. In this way and with the past of the time, she has been able to enrich her work by attending several art competitions and seminars and obtain important prizes in her works of art. Her paintings often gravitate towards warm tones and vivid colors and her art injects an explosion of energy into any room. The idea is always to innovate in her works of art, provoking thought and inspiration in the spectator.

How would you define your style and what do you look for in painting? In my work the abstract work predominates, my style is very free ... I paint what I feel and it arises in the moment. That's why I usually have a hard time following a series and the ones I'm putting together do not tend to be based on many works. With the abstract I let myself flow, to be free, it is something that emerges and I live it as a meditation; because when I am in contact with some paintings, a brush or just my hands, I feel that I move to another dimension and my soul is liberated, giving rise to expressing feelings and situations in a super free way. Once my works are finished, I love watching the reaction of the spectators and knowing what each of them produces and how they connect with my work. Contact: Email: artesae@hotmail.com Cel: +54 9 11 5931 1978 Instagram: @paosaenzart Facebook: Pao Saenz Artist Plastica Web: www.paosaenz.com Twitter: @Pao_Snz

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Why did you choose painting and not another artistic expression? Well ... actually I did not choose the painting ... The Painting chose me! It's that simple ... Painting arises alone within me, as a means of expression ... I am Art! Do you remember your first glare, your first time of needing to capture, spill, dump on a surface? I do not have a glare that I recognize as such, since art in me has been a natural talent. I never had to work hard to achieve a work. But I can recognize that my first oil painting, as a child, was my first development to show. What painters have influenced your life, and who do you like today? I do not have painters that influence my career, I recognize the good talents of each one, but I do not follow one in particular. I like very much the artists that use color and texture in their works, I like the simple works, that leave you thinking for hours, without having much work in itself; but I also admire complex works.

How was your approach to the art world? My approach to art has always existed. I do not have a date or an exact moment ... Since I was a girl I liked art in all its expressions and it was always part of my life. I took drawing and painting classes when I was very small and already at that time I was able to make my first works in oil, pastel and pencil. In school it was the subject that I enjoyed the most and in which I excelled the most. How has your work developed? My work actually began as a hobby ... a need to express with my hands and paint something that comes from inside, that I do not know how to really explain it. I feel that over time it has been evolving a lot, because I myself evolved. I like trying new techniques, playing, having fun ... I consider myself a multifaceted artist.

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Does art, for you, have an end in itself? The art, as I mentioned before, is my meditation, my space and time to free myself from everything. It is a necessity, it is like breathing, it becomes almost essential, I feel it in my blood. Your favorite phrase Ufff I have several phrases ... the one that identifies me most often is "Live Today". I am convinced, and every day more, that in order to enjoy life and "Be Happy" we must put aside our fears and encourage ourselves to fulfill the dreams we pursue; Besides, many times those fears do not even belong to us! There are no impossible ... When you dream strong, the universe has! Do you think the Gallery matters a lot in an exhibition? Of course, the gallery matters a lot for the artist and his/her exhibition. It influences a lot in how each work is handled and manipulated, the curatorship, the place that the gallerist offers the artist, the lighting, the diffusion ... and many other things ... In all these years I have run into a great variety of gallerists. Some who really care very much to take care of the artists and provide the best for them. But I have also met others who are interested only in profit and profit, discrediting both the artist and his/her work ... The reality is that in this area there is everything, the important thing is that one as an artist can and know how to assert yourself!

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What has been the work that has marked you the most? Well the work that marked me most was and is "My Big Wave", a work that I did during the last year (2018). It was the work that took me the longest, 4 months to be exact and is the one that marked me the most because it took me to another place ... When I started working on it, it was with an idea totally opposite to the one that finally became. It was a work conceived in warm palettes. But when working the texture that I was using it transported me to a "Big Wave", hence its name "My Big Wave" added to that I recently returned from a wonderful trip through the islands of Indonesia and Thailand and I think that my step in those countries They have been what gave me that inspiration that led me to visualize that change in my mind. It was then that I had to rethink on the fly the palette to use and change the project. It took me a long time to achieve what my soul connected and visualized. It was a work that went through all the stadiums ... Enjoy, hate, love ... For me it was a great challenge, since it is a very complex work .... A work of 2 meters by 80 cm. Composed of 10 frames of 40x40 cm each and a lot, but a lot of texture and material in it. So much that it generates a 3D effect. But when I finally saw it finished, I felt a huge satisfaction and that's when I started to love it, to enjoy it and to feel proud of myself for having achieved my challenge.

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What do you want to transmit with your works? With my works I try to be free. Express that freedom both by creating them and giving the viewer freedom when contemplating it. That is why I try not to name them, so that the spectators do not feel obliged to see what I saw when creating them. That they be free of their sensations and perceptions in each of my works. What's next for you? Whats Next?? Overcome me! I feel that I have no limits in art. I like constant challenges and evolve every day more in my works and in my life in general.

Acknowledgments: Ufff ... Many! I appreciate the good and the bad ... because that left me learning! First of all I thank my children, who, without understanding too much, have accompanied me to several exhibitions since I was very young ... I thank Diego, who was the person who most assures me of my transition and was the one who accompanied me the most in this new way that I decided to take. To my parents, who are always and have been in every important move in which I need them.

What would you advise young people who start in this complex world of painting? That they are encouraged, that they do not follow a prototype, that they are unique and genuine, that they take risks, that they try, that they reinvent themselves, that they go for their dreams. Everything is achieved with effort and putting the heart in what one does.

Friends, colleagues, teachers ... also the first two people who motivated me to exhibit my works for the first time, Carlos and Ana ... I think that with their support at that first moment was that I get to where I am today and obviously I must thank them my hands for being those that can finally express what my soul and heart let flow.

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David

Rodriguez La Rosa ARTISTA VISUAL Mi obra tiene sus referentes en situaciones sociales, en los conceptos que la sociedad transforma constantemente. Tiene que ver también con las innovaciones en la conciencia de valores de cada individuo en cuba. Mis piezas son concebidas muchas veces a partir de objetos de uso cotidiano o de uso personal, estos que le damos un valor de uso a si sea el nivel de satisfacción para nosotros (El valor de uso de un bien que está determinado por sus condiciones naturales, es la aptitud que posee un objeto para satisfacer una necesidad.). Otras veces parto de los estados psicológicos del ser humano, lo que reflejo a través de imágenes fotográficas de rostros o partes del mismo, que se mezclan en el lienzo con estos objetos prediseñados, que estén en relación formal y conceptualmente con lo que quiero reflejar. Pienso que cada pieza tiene un carácter simbólico y esto tiene que ver con mis experiencias como individuo de esta sociedad, donde nuestra ideología se ha ido apegando a lo emblemático o icónico.

David Rodríguez La Rosa CONTACTO MOVIL: 53440085 TELEFONO FIJO: 76996921 E-MAIL: DAVIDPINTOR8221@GMAIL.COM

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TÍTULO: DE LA SERIE: MULAÑE TECNICA: MIXTA, ÓLEO, ACRÍLICO Y TINTA SOBRE LIENZO MEDIDAS: 1.40CM X 1.40CM

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Exposiciones Individuales: Personal Details. Casa Museo José Lezama Lima, 9 de octubre. La Habana Cuba. La otra parte del silencio. Galería Centro Cinematográfico ICAIC, 9 de Mayo. La Habana Cuba. Variantes. Casa Museo Humboldt” agosto. La Habana Cuba. Momentos. Galería Teodoro Ramos, julio. La Habana Cuba. Exposiciones Colectivas: Décimo aniversario Panorama 42 Galería Wilfredo Lam, 8 de diciembre. La Habana Cuba. La costura. Galería Antonia Eíris 17 de diciembre. La Habana Cuba. Multivisión. Galería Wilfredo Lam, Agosto. La Habana Cuba. Celebrar con Té (sis), Galería de Arte Wilfredo Lam, abril. La Habana Cuba. Proyecto Comunitario Pogolotty, La Ceiba, Hotel Neptuno, febrero. La Habana Cuba. Todas las cosas son un tema, Galería Carmelo Gómez, abril. La Habana Cuba. ¿Como fue tu acercamiento al mundo del arte? Tengo que empezar por decir que mi familia no tiene relación con el arte. Mi padre fue abogado y mi madre trabaja en un colegio, entonces fue como la tipica historia de que los padres siempre quieren un futuro mejor para los hijos, una profesión provechosa y yo me desidi por las artes plásticas, la pintura. De pequeño disfrutaba de los comics y luego en la adolescencia las visitas al museo de bellas artes en mi pais eran muy gratificantes yo sentia que habia cumplido con mis espectativas después de observar tantas obras.

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TÍTULO: DIMENCIONES TECNICA: MIXTA COLLAGE, FOTOGRAFÍA DIGITAL, TINTA Y ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 2.20CM X 1.60CM


TÍTULO: LA FAMILIA TECNICA: MIXTA COLLAGE, FOTOGRAFÍA DIGITAL, TINTA Y ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 1.60CM X 1.60CM

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? De la pintura me interesaban mucho los abstractos y pense que mi primera pieza debia ser una abstracción y salio todo mal. El resultado fue horrendo, un lienzo completamente rosa, varios tonos de rosa que no significaban mucho, pero para mi fue el comienzo, la primera experiencia con un lienzo en blanco, lo que me llevo a pensar por primera vez en superarme. ¿Que pintores han influido en tu vida, y quien te gusta de los actuales? Antoni Tapies, Miguel Ángel, Nelson Dominguez, Robert Rauschenberg. Estos pintores no solo me inspiraron por su obra sino que al leer sus biografias me hicieron entender la magnitud de ser un artista.

¿Como definirias tu estilo y que buscas en la pintura? Siento que soy un moderno expresionista y trato todo el tiempo de hurgar en la psiquis del hombre evocandole recuerdos o sensaciones nuevas o conocidas con mis trabajos. ¿Porque escogiste la pintura y no otra expresion artistica? Esa primera impresión de crear tu propia paleta de colores es unica, después vienen otras razones. Creo que siempre vi el arte desde la pintura nunca la busqué en sus otras expresiones. TÍTULO: PENSAMIENTOS TECNICA: MIXTA COLLAGE, FOTOGRAFÍA DIGITAL, TINTA Y ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 1.60CM X 1.40CM

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El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte lo es todo. Es mi vía de comunicación con el mundo, expreso mi realidad. Es como el vínculo familiar, ese nexo viceral y directo que me sostiene, me define, me identifica. Tu frase favorita: Solo una mente educada puede entender un pensamiento diferente al suyo sin necesidad de aceptarlo. - Aristóteles

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¿Crees que la galería importa mucho en una exposición? Es importante. Es el complemento que necesita el artista para dar vida a su obra. El lugar donde la pieza interactúa con el público cerrando el ciclo que comenzó con la idea llevada al lienzo. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? La primera pieza de collage que hice, llamada Tensión.

TÍTULO: SICATRISES TECNICA: MIXTA COLLAGE, FOTOGRAFÍA DIGITAL, TINTA Y ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 1.70CM X 1.45CM

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TÍTULO: AUTORRETRATO TECNICA: MIXTA COLLAGE, FOTOGRAFÍA DIGITAL, TINTA Y ÓLEO SOBRE LIENZO MEDIDAS: 1.40CM X 1.10CM

¿Qué es lo que quieres trasmitir con tus obras? Mi forma de pensar, de ver la realidad y contrastarla con la realidad de otros. ¿Que sigue para ti? Crear. La pintura nunca termina. El arte es indetenible, siempre surgen nuevas ideas e interrogantes que tienen que llegar al lienzo. ¿Que aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? No dejar de trabajar, de producir, de buscar, de crear. No conformarse, siempre ir mas lejos. Agradecimientos a mi familia siempre que me entendió y respeto mis decisiones; a mis maestros del taller de Manero y la academia de San Alejandro.

CONTACTO MOVIL: 53440085 TELEFONO FIJO: 76996921 E-MAIL: DAVIDPINTOR8221@GMAIL.COM

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June 2019 | CP Magazine  

CP Magazine en el mes de Junio 2019 te presenta la portada y entrevista privada con el duo reggaetonero internacional Mau & Ricky, entre otr...

June 2019 | CP Magazine  

CP Magazine en el mes de Junio 2019 te presenta la portada y entrevista privada con el duo reggaetonero internacional Mau & Ricky, entre otr...

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