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FOTOGRAFÍA PAOLA SPALLETTI


ÍNDICE

JANUARY 2019

ISSUE NO. 84

CONTENTS 04 10 16 22 24 36 42 48

PAG.

PAG.

PAG. PAG.

ESPECIAL

PAG.

TOM

SZAKY30 PAG.

PAG.

PAG.

PAG.

LAURA VAZQUEZ MORALES HELIODORO NOH UC DANIELA OVALLE TIRA EL CHICLE - TERRACYCLE CLAUDIO CALVA NORIEGA HORACIO FERNÁNDEZ RIGOBERTO GUEVARA CONSTANZA YAÑEZ


FOTOGRAFÍA PAOLA SPALLETTI


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Contacto: laura_vazquezmorales@yahoo.com.mx Facebook/lauravazquezmorales1 el arte de laura vazquez

VAZQUEZ MORALES ARTISTA VISUAL

Artista visual nacida en la ciudad de Toluca, Estado de México. Su obra en la acuarela, impregnada de color, luces, texturas y matices, aborda temas que incluyen el paisaje, el entorno urbano, la naturaleza, la figura humana, y la abstracción de éstos. También domina -otras técnicas como carbón, pastel, óleo, acrílico, grabado y encáustica. Alumna de artistas distinguidos entre los que se encuentran Ignacio Barrios, Fernando Cano, Magda Torres Gurza, Ana Elena Madrigal, Patricia Guzmán, Anastasia Sergeevna, Mauricio Turu, Jorge Salort, entre otros. En su formación y desarrollo ha participado en talleres del Museo Nacional de la Acuarela, del Museo de la Acuarela del Estado de México, de la Casa de la Acuarela del Maestro Ignacio Barrios, así como de la Scuola Internazionale di Gráfica en Venecia, el taller de grabado del maestro Henrik Bøegh en Capileira, España, y el taller de Arte Abstracto en la Universidad Iberoamericana. Ha presentado su obra en el Estado de México, en la ciudad de México y en Sudamérica, en más de 60 exposiciones colectivas y 6 individuales, destacando de éstas: “Destellos”, en el Museo de la Acuarela del Estado de México; “El Oficio Cotidiano”, en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Autónoma del Estado de México; “Ir y Venir : Verano del 2011” e “Historias Íntimas”, ambas en el Museo de Numismática del Estado de México. Presidenta de la Asociación Amigos del Museo de la Acuarela del Estado de México, por el periodo 2010-2012, donde ha impartido talleres para los asociados por más de 5 años. Miembro de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas, así como de International Watercolor Society, organización con la que ha participado presentando su obra en los certámenes realizados en Portugal, Indonesia, Eslovaquia, Dubai, República Checa, Ucrania, Italia y, próximamente, en Nepal y Vietnam. Es arquitecta por la Universidad Autónoma del Estado de México, impartiendo distintas materias en la Facultad de Arquitectura y Diseño.

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¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? En mi formación académica, en mi paso por la entonces Facultad de Arquitectura y Arte de la Universidad Autónoma del Estado de México, con materias como dibujo al natural, dibujo al desnudo, dibujo a mano alzada y técnicas de representación, fue creciendo mi interés por conocer más de éstas. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Desde muy joven encontraba en cualquier papel un medio para expresarme usando lápices de colores, acrílicos o lo que hubiera a la mano. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? William Turner es uno de mis pintores favoritos: la penumbra, la sombra y un dominio de la luz en todas sus atmósferas logran provocar en mí una hipnosis mágica. Me atrae enormemente el auge que ha cobrado el hiperrealismo, que es una de mis corrientes favoritas con gran número de magníficos exponentes, muchos de ellos mexicanos.

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¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Paso a paso; la necesidad de expresar me ha llevado a experimentar con diversas técnicas, con oficio cotidiano tocar diferentes temas: realismo, figurativo, paisaje... llenan mi necesidad de plasmar en un lienzo luz, sombra, penumbra, reflejos de la vida cotidiana que encierran un mundo de emociones, sentimientos. percepciones.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Definir un estilo sería algo pretencioso. Encontrarlo es el hacer cotidiano.

EL REFLEJO DE LA LIBELULA 60X80 OLEO 2018


¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? La pintura es mi forma de vida, la aprendo, la vivo, la transformo, me transforma. Me regala grandes satisfacciones con cada obra plasmada. Me reúne con personas llenas de sensibilidad. Un estilo de vida que me sumerge en la observación, la contemplación de todo lo que te rodea. ¿Por qué la pintura? Es algo que llego sin darme cuenta. Uno no despierta y decide ser pintora, creo que la pintura me encontró a mí. No lo sé, es una habilidad adquirida con el ejercicio diario: encontrar los contrastes del carbón, modelar con el pastel, la seda del óleo, la transparencia de la acuarela, la rapidez del acrílico, todas ellas fascinantes llenan todos mis sentidos. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El arte para mí es parte de mi hacer cotidiano, se ha convertido en toda una forma de vida. Cada cosa, cada vivencia, historias de la gente son pretextos para un nuevo proyecto, nunca alcanza el día el mes el año para plasmar. Tu frase favorita. La pintura es mi forma de vida, la transformo, me transforma.

PARDEANDO LA TARDE, TEQUISQUIAPAN 53 X 35, 2018

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¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? El Jardín de las Delicias, del pintor holandés Jheronimus Bosch (el Bosco), realizada a principios del siglo XVI. Es realmente interesante todo ese cúmulo de sensaciones que te provoca la obra: locura, burla, regocijo, instintos primitivos, pasiones. Despierta el ánimo a la creatividad, llena el espíritu, refleja la incongruencia de la humanidad y placer en lo mundano. ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Pretendo motivar en el espectador sensaciones y percepciones, que pueden empezar por un me gusta o un no me gusta, y que le asignen un juicio de valor: luminosa, apacible, ridícula, obscura, simétrica, rítmica, colorida; cualquier impacto a la vista del espectador. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Dejen que las cosas fluyan; habrá momentos de frustración antes de llegar a la satisfacción. Es el oficio cotidiano el que los llevará a crecer en el mundo del arte.

CATEDRAL DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES, FLORENCIA 32X48 SF

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LA ARMONIA DEL CELLO

EL FLORERO DE ALICIA 55X75 2016

EXTASIS

Agradecimientos: Sólo quiero agradecer a mi esposo José Rodrigo Fajardo y a mi hijo Erick Rodrigo Fajardo, como soportes en cada paso que he dado. EQUUS ENCAUSTICA 30X20 2018

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CONTACTO: HTTPS//M.FACEBOOK.COM>HELIONOHUC

HELIODORO

NOH UC ARTISTA VISUAL

Heliodoro Noh Uc nació en Xcopteil Chankom, al oriente del Estado de Yucatán en 1985. En una comunidad pequeña de aproximadamente 800 habitantes: la dificultad económica y lejanía del poblado con los centros urbanizados, impiden que Elio pudiera comprarse un juguete, esto le da al niño de 6 años, la oportunidad de experimentar y a crear sus propios juguetes con barro, formando figuras caricaturescas o imitando imágenes que veía en libros. En su experimentación se da cuenta que también podía llegar a dibujar y posteriormente a pintar dichas imágenes. Su inquietud por imitar lo que a su paso veía, el paisaje y los colores hicieron que Elio tenga una conexión mucho más fuerte con la pintura. Durante su estancia en la primaria y secundaria: siguió dibujando y pintando. Pasión que lo acompañó siempre. A los 24 años, Elio decide inscribirse al taller de dibujo y pintura en el Centro Estatal de Bellas Artes de la ciudad de Mérida Yucatán, en donde gracias a sus maestros y compañeros aprende nuevas técnicas y habilidades para elaborar sus pinturas. A partir de entonces ya lo lleva de manera profesional.

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A través de su pintura busca resaltar el folklore mexicano, las costumbres y tradiciones del pueblo maya, sus vivencias rurales. Elio pinta lo que ve. Es muy recurrente ver en sus lienzos a niños: niños jugando o haciendo pequeñas actividades; pues para él, es la única forma de reflejar o volver a revivir como ha sido su infancia. En su corta trayectoria como pintor suma trece exposiciones colectivas y tres individuales. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde pequeño, desde los 6 años debido a la dificultad económica, tuve que improvisar o fabricar mis juguetes con barro. Lejos de verlo como un obstáculo, me dio la oportunidad de experimentar y de llegar a dar con el dibujo y la pintura.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Había restos de pintura vinílica que no se utilizaron para la fachada de la casa de mi abuelo, entonces lo agarré, lo fui mezclando sobre un cartón y así obtuve mi primer cuadro, mis amiguitos en aquel entonces lo chuleaban mucho.


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“Una pequeña en horas del almuerzo” Óleo sobre tela 100 X 100 cm 2018

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Quisiera aproximarme a las pinceladas de un Rembrandt, Goya, Baldomero Romero Ressendi, estoy muy lejos, claro. También eh frecuentado las pinturas del maestro yucateco Castro Pacheco. Me gusta José Royo y admiro los trabajos de Víctor Argáez, Manuel Lizama. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Pienso que va mejorando, tanto en técnica como en el manejo del color. ¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Siempre es una búsqueda constante, aunque en la mayoría de mi trabajo sobresale el costumbrismo. Cuando pinto, me siento libre, me da mucha paz y felicidad.

“Xoc bil chuuy” (Hilo contado) Óleo sobre tela 110 x 165 cm 2017

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“Los tres mosqueteros” Óleo sobre tela 120 x 130 cm 2016

“Susurros del Mayab” Óleo sobre tela 60 x 80 2018

¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Es lo que me atrapó desde un principio y quedé fascinado.

El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Para mí el arte es oxígeno puro, no podría vivir si ello. Transmitir nuestras emociones, vivencias y nuestra diversidad cultural. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Creo que todas han tenido un significado importante para mí, en su momento. “Lo que no volverá” Óleo sobre tela 120 x 120 cm 2016

¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Emociones, sentimientos, nostalgia, lo que veo, el color de mi entorno. ¿Qué sigue para ti? Hay varios proyectos en puerta, por supuesto que seguir trabajando con más intensidad, tengo muchas ilusiones de seguir pintando y de mostrar mi trabajo a más personas. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Todo sacrificio vale la pena, trabajar mucho y sobre todo amar lo que hacemos. Agradecimientos: A Arthur Elías y a CP Magazine.

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DANIELA OVALLE ARTISTA VISUAL Daniela Ovalle nace en la Ciudad de México en 1991. Su interés por la pintura y el dibujo comienza a temprana edad. Cursa la licenciatura en Diseño en la Escuela de Diseño del INBA, donde aprende y experimenta con diferentes técnicas como el dibujo, la ilustración, fotografía y los textiles. En el año 2011 gana el Premio Nacional de Diseño (México Diseña) a mejor tesis con un proyecto realizado para el Museo Arqueológico de Xochimilco. Al terminar sus estudios decide adentrarse al mundo del arte, algo que siempre ha sido su fascinación, experimentando con el realismo en pastel con la pintora Edith Ruiz, el cual despierta una profunda pasión por la pintura. A la edad de 26 años decide dedicar su vida al arte, algo que la hace sentir viva y feliz, sigue enriqueciendo su conocimiento mediante diversos talleres y cursos. El 2018 es un año muy importante para su carrera y formación personal y profesional, teniendo varias exposiciones colectivas en la Ciudad de México y otras cuantas en Irlanda. Actualmente se dedica a pintar el realismo en pastel como técnica principal y el abstracto. Daniela Ovalle Tel: 5526550787 danii.ovalle@hotmail.com Instagram: daniovallearte Fb: daniovallearte

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EXPOSICIONES COLECTIVAS • PREMIO NACIONAL MÉXICO DISEÑA Premio a mejor tesis de Diseño 2016 • Chiles, salsas y molcajetes /Exconvento de Culhuacán-Marzo 2017 • Día Mundial de Arte /Senado de la República-Abril 2017 • Fragmentos del cuerpo /Galería Aguafuerte-Marzo 2017 • México, Te amo /Restaurante Pan y Circo-Octubre 2017 • Juntos /InSpire Galerie Dublín- Irlanda Junio 2018 • Festival Colour of Mexico In-spire Gallery- Dublin Irlanda Julio 2018 • “El Grito Mexicano”- Trlamline & Grand Social Irlanda Septiembre 2018 • Independence Day- Dublin Irlanda Septiembre 2018 • Caminarte ArtWalk / Hotel FourSeassons México • Códigos de Luz Galería DLonggi Art- México Diciembre 2018

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¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde muy pequeña me encantaba pintar y crear, creo que es algo que traía conmigo y que siempre ha estado presente en mi vida. Hace algunos años decidí utilizar ese talento y esa pasíón como mi forma de vivir, como algo que me hace crecer y aprender, de esta manera puedo expresarme y sentirme plena. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Creo que como artista plástico el aprendizaje y la experimentación están siempre presentes, me encanta trabajar con diversas técnicas ya que cada una tiene su propia belleza .En diversos talleres y cursos he aprendido y enriquecido mi creatividad y mi forma de expresión.


¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Claro que lo recuerdo, la primera vez que realicé una obra personal, es decir; sin que fuera un encargo, fue hace unos 3 años en donde me di cuenta que era lo quería hacer el resto de mi vida, me entregué por completo al lienzo y lo disfrute de una manera inexplicable, la experimentación y la libertad de pintar y poder hacer que las formas y las texturas expresaran en ese momento mi manera de sentir fue realmente algo que me atrapó.

¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Es una pregunta muy difícil pero Leonardo Da Vinci, Miró, Gustav Klimt son algunos de ellos, con estilos muy diferentes pero un trabajo que no deja de asombrarme. Mis influencias actuales son los mexicanos Omar Ortiz, Edith Ruiz, el cubano Darian Mederos y el italiano Silvio Porzionato, aunque sin duda hay muchísimos más que me gustan.

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¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? Actualmente trabajo en su mayoría el realismo en pastel, pero creo que definir mi estilo es algo limitante, estoy en constante cambio y experimentación. Y podría decir mas bien que en la pintura me encuentro conmigo misma, me libero y puedo expresarme, me siento plena, encuentro una infinidad de posibilidades. Creo que toda persona tiene una necesidad de expresión y la mía es por medio del arte. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? La pintura es mi forma de expresión, es algo con lo que realmente me siento alegre y apasionada. Creo que ese es el fin de la vida misma.. amar lo que haces y hacerlo constantemente. Tu frase favorita. “No preguntes qué es lo que el mundo necesita. Pregúntate qué es lo que te hace sentir vivo, y hazlo. Porque lo que el mundo necesita es gente que se sienta realmente viva.” – Howard Thurman ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Creo que el espacio y la difusíón de nuestro trabajo siempre es importante. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Es una pregunta muy difícil, ya que en cada obra estoy plasmando un momento de mi vida, cada una de ellas tiene un gran significado para mi.

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¿Qué sigue para ti? Tengo muchos proyectos en mente, siempre estoy trabajando obra. Seguir desarrollándome personal y profesionalmente, poder participar en más exposiciones en el extranjero y sobre todo compartir mi pasión por la pintura.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que encuentren algo que los motive, que los haga sentir vivos y que los absorba por completo, sean pacientes y constantes, algo que se se sienta fiel a la esencia de tu ser y que valga la pena vivir por ello. Cuando te enfocas en el destino, pierdes de vista el recorrido, que es en donde se encuentra toda la belleza, la vida. Agradecimientos: Agradezco a mi familia y a mi novio, a todas las personas que han creído en mi trabajo todo este tiempo, que en los momentos de duda están para recordarme la razón por la que estoy dentro de este mundo. Siempre están presentes en mi corazón. Gracias Edith Ruiz por enseñarme a trabajar arduamente en lo que amo, a Arthur Elias Fundador y Director General de CP Magazine por la invitación a participar y compartir parte de mi vida.

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¿VALE LA PENA RECICLAR EL CHICLE EN EL CENTRO HISTÓRICO? Existen muchos tipos de desechos que afectan a la conservación del Centro Histórico de la Ciudad de México, y uno de ellos es el chicle. Sin embargo, ya existe un canal que, además de propiciar el reciclaje del material, busca evitar que el chicle se tire en las calles y que éstas se deterioren. Se estima que por la calle Madero del Centro Histórico de la Ciudad de México, pueden transitar hasta 150 mil peatones al día. Esta cifra aumenta cuando son días feriados, cuando se lleva a cabo un evento cultural en el área y, sobre todo, en fiestas decembrinas. El Centro Histórico es un destino turístico imperdible de los turistas nacionales e internacionales que abundan en la Ciudad de México a lo largo de todo el año. Transitando a pie, en coche o en uno de los tradicionales autobuses Turibus, el Centro Histórico de la Ciudad de México es un hervidero de vida y actividad.

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No obstante, toda esta actividad deja su huella en el Centro Histórico. La Ciudad de México es la segunda megaciudad del mundo que produce mayor cantidad de basura, según una investigación publicada en la revista científica de la Academia Nacional de Ciencias (PNAS por sus siglas en inglés) de Estados Unidos. Además, de acuerdo al Foro Económico Mundial, en México se reciclan únicamente el 5% de estos desechos. Esto quiere decir que de las 86 mil 343 toneladas de basura que se recolectan diariamente según el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI), solamente se reciclan 4.3 toneladas de basura.

Debido a que existe una gran cantidad de desechos que no se reciclan, Mondelez, con la marca Trident, y TerraCycle pusieron manos a la obra y tomaron responsabilidad del manejo de sus productos post consumo. Con el programa piloto #TiraElChicleAlBote que inició en agosto de este año, se proporcionó una manera para que quienes visiten el Centro Histórico puedan reciclar su chicle en vez de sólo desecharlo. Sin este programa, todos esos chicles recolectados se volverían parte de las toneladas de basura que no se reciclan y terminarán en vertederos por no considerarse reciclable bajo criterios económicos.


En la actualidad existen muchas iniciativas que pueden ayudar a reducir los residuos que se producen como el PET o el aluminio. Sin embargo, pocas veces se dedican recursos a reciclar desechos como los chicles, y esto se debe a que el proceso de reciclarlos y convertirlos en otro material no genera ganancia. Los desechos que no tienen un mercado de compraventa se consideran no reciclables. Por esta única razón, la económica, un sinnúmero de desechos se quedan sin ningún tipo de manejo, lo que causa contaminación y deterioro gradual de la ciudad (y del planeta). En grandes ciudades, como la Ciudad de México, se concentra la contaminación. La Ciudad de México, la capital territorial del país, es también es la capital cultural e histórica. Incluso, el Centro Histórico de la Ciudad de México fue reconocida por la UNESCO en el año 1987 como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Además de albergar más de 1,500 edificios históricos, alberga museos que también buscan preservar la cultura e historia tanto de México como del mundo. Sin embargo, ahora es también la capital de la contaminación y de la creación de basura. El reciclaje de chicles contribuyó durante los últimos 4 meses a que menos chicles ensuciaran las calles del Centro Histórico de la Ciudad de México, protegiendo así el Patrimonio Cultural de la Humanidad que éste representa para el mundo entero. Además, los chicles que se recolectan, serán usados para expandir el programa y que, en vez de que simplemente se desechen, puedan tener un uso permanente después de su consumo.

¿CÓMO SE RECICLAN LOS CHICLES? Una vez recolectadas, las gomas de mascar se limpian, se mezclan con diferentes plásticos y se convierten en nuevos polímeros que serán utilizados para crear productos reciclados.

BREVE HISTORIA DEL CHICLE El chicle surgió en México. En sus inicios se obtenía de un árbol llamado Chicozapote y los indígenas lo usaban para limpiarse los dientes. Su nombre en náhuatl es tzictli, que significa “cosa pegajosa”. En la actualidad su proceso de producción es totalmente diferente y se le agregan distintos sabores.

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CALVA NORIEGA ARTISTA VISUAL

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¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Por medio de formas, colores y dibujos que yo pintaba.

¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Si de muy chico para una tarea en clase de Dibujo. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? Pollock y en la actualidad pudiera ser Richter y Felgueres. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Pintando y visitar museos, charlando con pintores y experimentados.

¿Cómo definirías tu estilo? Abstracto. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Porque es la mejor forma de expresar tus emociones. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Si, el expresar lo que siento y ve el resultado y no entenderlo. Tu frase favorita. Insistir

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¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Lo que tiene que importar es la pintura y la galería da la oportunidad a los espectadores y al artista. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Una que fue la que decidí continuar y pintar para sentir.

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¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Nada, que el espectador lo decida.

¿Qué sigue para ti? Lo que me pongan en el camino. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que no es fácil y que transmitir y sentir la pintura es muy personal, no pintar por pintar.

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ESPECIAL

Tom

Szaky FUNDADOR & CEO DE TERRACYCLE

Tom Szaky nació en Hungría en 1982, pero se mudó a Canadá a una edad temprana. Comenzó sus estudios universitarios en las carreras de psicología y economía en la Universidad de Princeton en los Estados Unidos. Sin embargo, en 2001, Tom tuvo la idea de comenzar una empresa y decidió abandonar la universidad en 2002 para dedicarse a comenzar TerraCycle. TerraCycle comenzó sus operaciones vendiendo fertilizantes hechos con excrementos de gusano en botellas recicladas a tiendas como Home Depot. Después de casi 17 años de existencia, TerraCycle es un líder mundial en la recolección y reutilización de residuos considerados difíciles de reciclar. Actualmente opera en 21 países alrededor del mundo, ofreciendo servicios que ayuden al medio ambiente y a organizaciones sin fines de lucro. TerraCycle trabaja en conjunto con algunas de las marcas, minoristas, ciudades y fabricantes más grandes del mundo para crear plataformas nacionales de reciclaje. Estos programas se enfocan principalmente en productos y empaques que generalmente se consideran difíciles de reciclar, por lo que normalmente se envían a vertederos o incineradores.

Los innovadores procesos de gestión de residuos aunado al modelo de negocios de TerraCycle posicionaron a Tom como pionero. Esto se debe a que el manejo que la empresa le da a los desechos genera soluciones circulares que involucran tanto a fabricantes como consumidores. Estas soluciones pretender dar un nuevo uso a colillas de cigarrillos, desechos de laboratorio, cápsulas de café usadas, pañales sucios, goma de mascar, guantes de plástico viejos e incluso envases flexibles de alimentos. Desechos como los mencionados no tendrían una alternativa para ser reciclados de no ser por TerraCycle, que junto con Tom Szaky pretenden Eliminar la Idea de Basura®. Como un ejemplo, TerraCycle desarrolló y opera la mayor cadena de suministro de plástico oceánico en el mundo, asociándose con compañías como Procter & Gamble para integrar este material en sus empaques. El modelo de negocio de la empresa también premia a las personas que reciclan. El cliente clasifica y deja los residuos en puntos de recolección, que son desde escuelas hasta casas, o los envía sin cargo. Por cada kilo de basura que recibe, TerraCycle dona un pequeño monto a una organización sin fines de lucro que el cliente elige.

CONTACTO: VÍCTOR MOLINA, DIRECTOR MARKETING & COMUNICACIÓN MÉXICO, 8181853084 VICTOR.MOLINA@TERRACYCLE.COM

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El proceso se paga mediante asociaciones con marcas como Febreze, Colgate y Bic. De esta forma, estas marcas mejoran su imagen y reducen las sanciones financieras que se les aplican por los desechos que producen. La compañía también está forjando lazos más fuertes con los gobiernos locales en todo el mundo, lo que le permite jugar un papel importante en la recolección de desechos no reciclables (bolígrafos, cápsulas de café y más) en veintiún países. TerraCycle "existe debido a dos cosas. La primera es el consumo, compramos mucho más de lo que necesitamos y no guardamos lo que compramos. La segunda son los materiales complejos. La naturaleza no sabe qué hacer con la mayoría de las cosas que el ser humano fabrica y luego desecha. Si se suman estas dos cosas, el resultado es el moderno concepto de desperdicio" dice Szaky. Los límites para el reciclaje, por ejemplo, que se reciclen las latas, pero no las tapas de las botellas. Esto se debe simplemente a eficiencias de costos. No es negocio reciclarlas. El aluminio en las latas vale más que el costo de recolectarlo y derretirlo, al contrario que el plástico de las tapas. En teoría, todos los materiales pueden y deben usarse nuevamente. En todas las oficinas de TerraCycle alrededor del mundo, los escritorios, sillas y accesorios de pared, y todos los demás elementos, excepto las computadoras, están hechos de material reciclado. Tom y TerraCycle han recibido numerosos reconocimientos sociales, ambientales y empresariales por parte de diferentes organizaciones. Las Naciones Unidas otorgaron el premio de Actividades del Faro por la iniciativa anunciada a principios del 2017 entre TerraCycle, Procter & Gamble y SUEZ para crear la primera botella de champú totalmente reciclada hecha con plástico recolectado de la playa. También recibió el Premio al Logro de una Empresa Verde/Sostenible de La Cámara de Comercio de EE. UU por su aportación a la economía de Estados Unidos.

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También se recibieron premios de parte de medios de información, como la revista Fortune, la cual reconoció a TerraCycle como una de las siete empresas que pueden cambiar el mundo que hay que observar. TerraCycle ganó también el premio de cambio climático de las Naciones Unidas. A los premios ya mencionados se les suman cerca de 200 premios. En el camino, su compañía aumentó sus ingresos consistentemente a los $ 35 millones de dólares actuales. Ese crecimiento dio paso a una ola de contratación que llevó a TerraCycle a contratar alrededor de 250 empleados. Al mismo tiempo, la compañía hizo su primera adquisición este año, al comprar un reciclador de bombillas fluorescentes con sede en Chicago. Este es un logro importante si se tiene en cuenta que TerraCycle es un caso atípico en una industria que está en declive debido a que las tendencias mundiales no incluyen el reciclaje. "Reciclar es una industria que está muy mal alrededor del mundo", dijo Szaky. "Creo que es algo terrible para el planeta en general". Tom es el autor de tres libros, “Revolution in a Bottle” (2009, Portafolio), "Outsmart Waste" (2014, Berrett-Koehler) y "Make Garbage Great" (2015, HarperCollins). Se espera un cuarto libro para otoño de 2018 para el cual estableció una conexión con Christie Whitman, ex gobernadora de Nueva Jersey. El libro trata sobre eliminación de desechos y se llama "The Future of Packaging: From Linear to Circular". Tom creó, produjo y protagonizó el reality show de TerraCycle, “Human Resources”, que emitió tres temporadas de diez episodios en Pivot de 2014-2016 (sindicado en más de 20 mercados extranjeros y también disponible para transmitir en Amazon e iTunes). También escribe regularmente para los medios de comunicación del New York Times y Treehugger para HuffPost y Entrepreneur Magazine, etc. Tom es miembro de la junta directiva del Product Stewardship Institute, la Fundación D'Addario, The World Economic Forum (Junta de Future of Consumption) y la Fundación Ellen McArthur (junta directiva de CE100). El CEO de TerraCycle es además un conferencista global frecuente que hace apariciones frecuentes en la Universidad de Princeton, Wharton School of Business, Harvard Business School y Yale.

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Contacto:

horacio.fernandez@moldecor.cl

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Horacio Fernández (Santiago de Chile, 1960), es un pintor formado a partir de las clases libres que en sus años de juventud tuvo con el maestro muralista chileno Gregorio de la Fuente (1910 - 1999), el pintor Mario Neyra y su padre Horacio Fernández Meriggio. Sin embargo, durante varias décadas dedicó sus esfuerzos al trabajo empresarial, desarrollando en paralelo una labor como coleccionista de arte chileno contemporáneo. El año 2004 funda junto a su hermano Rodrigo Nevsky Fernández la Galería de Arte Trece, la que por espacio de diez años fomentó el arte emergente y consagrado en la escena cultural de Santiago. Asimismo, ha desarrollado un sostenido trabajo de apoyo a la cultura, mediante el auspicio de obras de arte en el espacio público, destacando el mural del pintor chileno Rodolfo Opazo (Premio Nacional de Arte 2001), instalado en la estación del ferrocarril subterráneo Metro el Golf el año 2004. A partir del año 2015 retoma su trabajo como artista de tiempo completo, actividad que complementa con el coleccionismo y la gestión empresarial. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Mi padre, Horacio Fernández Meriggio, era un pintor chileno formado en la Escuela de Bellas Artes en el Chile de los años cincuenta, que incursionó en variadas facetas del arte, como el teatro, el galerismo y otras actividades que lo convirtieron en un ser excepcional para la época, pero al mismo tiempo en un ejemplo a seguir. Desde muy niño conviví con la pintura de mi padre y la de sus pares. Las visitas a galerías y museos eran frecuentes y muy educativas. En ese orden de cosas no dejo de pensar en las conversaciones y visitas que hice al taller del pintor y muralista Gregorio de la Fuente o bien los encuentros con ese gran artista que era Mario Neyra. Toda esta primera experiencia generó en mí una fascinación por el arte de los pinceles, lo que se reforzó por el permanente estímulo que sentí tanto de mi padre como de sus colegas para que plasmara mis ideas a través de la pintura.

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¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Era el Chile de los años setenta, recuerdo que vivíamos en un departamento frente al Parque Forestal, el cual estaba cerca del Museo de Bellas Artes y de la Escuela de Bellas Artes en donde mi padre había estudiado, y en cuyo lugar a diario pasaba sus días. Menciono esto porque una vez al año se realizaba una feria de arte en el Parque Forestal en donde exponían los artistas jóvenes, los profesores de la Escuela de Bellas Artes y también los niños que queríamos abrazar el oficio de la pintura. Tengo grabado en mi memoria una de esas ferias en donde estoy pintando un pasaje inspirado en ese parque de estilo francés, pintura que fue destacada por los amigos artistas de mi padre y por una artista y periodista muy reconocida de la época, Gaby Garfias, quien hizo un elogioso artículo en un periódico local sobre la feria y sobre mi talento con los pinceles. Si pudiese regresar a esos días, trataría de embeberme de ese ambiente diverso, bohemio y pleno de ideas, algo que trato de revivir cada vez que me junto con mis colegas artistas en el Chile de hoy. ¿Qué pintores han influido en tu vida, y quién te gusta de los actuales? En términos formales y conceptuales, la obra del pintor alemán Gerhard Richter ha calado hondo en mi pintura. Tanto por la certeza de su gesto como por los recursos con que va dotanto a cada una de sus obras. Siempre que viajo trato de ver su obra en algún museo o bien, si estoy en Santiago, busco en las redes sociales los videos o documentales sobre su obra. Respecto a la predilección por uno u otro artista, me considero un pintor de gusto amplio, por ejemplo Rodolfo Opazo, pintor chileno ligado al surrealismo, me interesa por sus temas y como se maneja diestramente en torno a la forma y el color. De hecho, el año pasado con mi hermano visitamos al hijo de Rodolfo y no pude resistir la tentación de comprar un óleo de su padre, fechado en los años noventa, precisamente por la fascinación que ejercen en mí su modo de ver el mundo.

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¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? No fue fácil retomar la pasión por los pinceles y la emoción que durante mi niñez sentía ante la posibilidad de crear una obra, sobre todo si pasas varias décadas de tu vida dedicadas a la gestión empresarial, y solo disfrutas del arte por medio del coleccionismo o la gestión cultural, que con mi hermano Rodrigo desarrollamos a través del proyecto Galería de Arte Trece. Entonces retomar ese trabajo de la infancia sin la presencia de mi padre y sus amigos fue un desafío no menor, porque las responsabilidades de la adultez no siempre son compatibles con los proyectos de la niñez. De ahí entonces que el apoyo y la presencia de mi hermano haya sido decisiva al momento de retomar el oficio de la pintura. Algo de lo que estoy muy agradecido por el cúmulo de estímulos, vivencias y desafíos con los que a diario me enfrento. Lo anterior me lleva a pensar que esa pausa en la pintura ha sido fructífera, porque me ha permitido enfrentar a la tela en blanco con la distancia de quien tiene el tiempo y la energía para darlo todo en cada obra, sin una vuelta atrás, que es algo muy propio de los jóvenes pintores de hoy. Ahora bien, cuando hablo de pausa pienso en esa distancia que uno toma con la faena de la pintura, pero no con el deseo de observar una obra, conversar con los artistas y saber en qué va el arte.

Tu frase favorita. La vida te da y también te quita. Esta frase puede sonar a uno de los tantos “clichés” con los que a diario convivimos, pero a mi me hace mucho sentido en como se han ido dando cada uno de los acontecimientos que han constituido mi forma de ver y vivir la vida. Por ejemplo, como empresario he tenido momentos altos y no tan buenos, que más allá del éxito o pérdida en términos monetarios, me han permitido retomar un rumbo personal y familiar que me ha enriquecido en lo afectivo y ello trato de reflejarlo en mi pintura.

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¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? La abstracción ha sido mi camino desde siempre, no sabría explicar muy bien como el gesto y la mancha detonan una forma de traducir el paisaje, o una atmósfera o simplemente un estado de ánimo, porque lo que a fin de cuentas define mi pintura es esa manera de trabajar el color en relación al gesto, mucho más allá de toda consideración estética o estilística. De ahí entonces que los títulos de mis trabajos son muy determinantes para que el espectador se introduzca en mi obra. Esto no quiere decir que cuando doy un título a un cuadro, ello busque ser un juego ilustrativo de lo que plasmo. Todo lo contrario, el título para mi es una llave de entrada a la pintura, de ahí el espectador tiene la misión o bien la voluntad de poder hallar asuntos profundos e intuitivos que son la génesis de mi obra. Otro aspecto que define mi estilo, es que pinto de noche, en solitario, lo que podría explicar que para mí el taller no es otra cosa que una caverna milagrosa en donde el color cobra sentido dependiendo de cómo lo aplico sobre el lienzo. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Las galerías siempre tienen un rol preponderante en el mundo del arte, pero a mi lo que realmente me interesa es hacer mi trabajo y tratar de exponerlo. Ciertamente que tanto la galería como el artista se han visto enfrentados a la bienalización o ferialización del arte, lo que ha cambiado drásticamente las reglas respecto a como se exhibe la visualidad hoy. Esto lo digo con conocimiento de causa, debido a que con mi hermano Rodrigo fundamos Galería de Arte Trece, la que durante una década se dedicó a tomarle el pulso a la creación visual en el Chile del nuevo milenio, y tuve una mirada privilegiada de cómo se fue transformando el concepto mismo de galería y de su relación con las instituciones y coleccionistas. ¿Cuál ha sido la obra que más te ha marcado? Siempre el arte me sorprende, pero como no soy muy adicto a manejarme con los nombres o tendencias, realmente no podría decir cual obra me ha marcado de manera especial. Esto que puede parecer un asunto poco riguroso como artista, me ha reportado buenos dividendos porque siempre estoy encontrando una obra o artista que me interesa y cuando estoy con mis colegas, les pregunto y quedo asombrado por los datos que ellos pueden manejar sobre el particular. Ahora bien, si tuviera que nombrar una en particular sería el cuadro de Rodolfo Opazo que compré el año pasado en casa de su hijo y que es una obra del año 1994, cuya continuidad creativa está en otro óleo que pertenece al Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago en Chile. Algo que me llena de orgullo es poder admirar la obra en el estar de mi hogar y saber que su continuidad creativa yace en un espacio museal al alcance de cualquier persona que desee verla.

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¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Me considero un defensor de la intuición y de la pintura o el hacer visceral, algo que en el hoy de la visualidad contemporánea está eclipsado por los conceptualismos y el activismo en nombre del arte. Asunto que respeto, pero que no tiene nada que ver respecto a como yo vivo el arte y el oficio de la pintura, al 100% de la emoción e intuición vertido en el gesto y la mancha. ¿Qué sigue para ti? Roma y Madrid han sido dos ciudades muy generosas para mi pintura, las galerías que han acogido mi trabajo nos han invitado a otros proyectos paralelos de orden colectivo muy atractivos. Ello ha significado una carga de trabajo no menor pero que disfruto mucho. También acabo de saber que expondré durante la primera parte del 2019 en Lisboa y en una colectiva en Nueva York. Dos ciudades que son siempre muy estimulantes para el arte. Además, tengo compromisos de exposición en varias ciudades del norte, centro y sur de Chile, lo que también me parece muy relevante, porque exponer en tu país siempre es positivo.

¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? El norte que nutre mi forma de comprender el oficio de la pintura es la pasión por este trabajo que implica la faena de hacer un cuadro. Entonces es importante que los artistas jóvenes entiendan que sin trabajo no pasa nada en cualquier nivel o lenguaje del arte de hoy. En ese sentido es igual que la vida del empresario, siempre hay que estar innovando, emprendiendo y tomando los riesgos necesarios para hacer de la idea una realidad tangible. Agradecimientos: A mi madre Nena Munizaga Dey por darme a luz, protegerme y brindarme su permanente afecto materno; a mi padre Horacio Fernández Meriggio por su ejemplo de vida y por heredarme su permanente compromiso y pasión por el arte. A mi familia por el apoyo incondicional en cada uno de los proyectos que he emprendido como artista.

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ARTISTA VISUAL Rigoberto Castro, también conocido como “Rigo-Art”, nació un 21 de Marzo en la ciudad de Monterrey, Nuevo León. Desde muy temprana edad, su fascinación por el dibujo se hizo presente, siendo uno de los dibujantes preferidos durante su estancia en la educación básica. A los 18 años inicio sus estudios de Licenciatura en Diseño Gráfico, donde conoció y practicó con la técnica del óleo. A diferencia de otras técnicas, el óleo le permitió plasmar con detalle, emoción y satisfacción lo que deseaba expresar en cada una de sus obras, surgiendo un estilo que a futuro le identificaría. Fue a la edad de 21 años, cuando concluyó su carrera en Diseño Gráfico, seguidamente ingresando a una Maestría en Negocios. A pesar de los grandes conocimientos que obtuvo durante su estancia, él sabía que su verdadero gusto y pasión seguía siendo pintar al óleo. Tras los siguientes años su dedicación fue enfocándose cada vez más al arte, produciendo más obras, dando a conocer su estilo por medio de redes sociales y participando en eventos. A finales del 2017 forma parte de la Asociación Plástica de Monterrey, A.P.M. Actualmente cuenta con 2 temas de obras catalogadas como “Entornos Oscuros” y “Dolls”, donde los ambientes negros y la figura femenina se relacionan entre sí. En ellas se pueden apreciar su gusto por los fuertes contrastes sumergidos en basta oscuridad, y a su vez, elevados al mayor brillo y bondad. Rostros llenos de inocencia, libres de malicia, libres de engaño, de sentimiento expresivo y transparente, son los factores que brindan la esencia del detalle al óleo en sus obras de la línea catalogada “Dolls”. Título: Rostro del Maíz Técnica: Óleo sobre Bastidor Medida: 50 x 50 cm. (4 cm. borde) Creación: 2018 Autor: Rigoberto Castro (Rigo-Art) Colección: “Dolls” Descripción: “Secuela de la obra “Chica del Maíz”.

Contacto: www.rigoart.com www.rigobertocastro.com Facebook: @arterigo

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Hoy día, su carrera como Artista Plástico crece constantemente, con la creación de obras al óleo y su activa participación en distintas exposiciones nacionales e internacionales, mismas que le han facilitado conocer grandes amistades y el reconocimiento de su obra a nivel internacional. En el transcurso de los años, ha llegado a la conclusión de que su vida no tendría sentido si algún día dejara de pintar. “Omitir la creación de un cuadro, es como romper el crecimiento de un Artista Plástico, es eliminar una página importante de tu forma de ver y expresar la vida en aquel entonces. Cada cuadro al óleo que termino es como dejar una parte de mi vida adherida a los pigmentos, algo que yo fui en un momento, y ahora me acompaña a un lado mío, es algo placentero.” - Rigo-Art. TRAYECTORIA: Integrante de la Asociación Plástica de Monterrey “APM” y Asociación de Artistas Plásticos de México, A.C.

PREMIOS & RECONOCIMIENTOS: - “PREMIO INTERNAZIONALE RAFFAELLO Oct.2018” / BOLOGNA, Palazzo ISOLANI, ITALIA / Curador: Sandro Serradifalco y Vittorio Sgarbi / Obra Premiada: “Destello Nocturno”. - Reconocimiento otorgado por Destacada Participación / El Club de Golf Las MISIONES CC / Exposición y Venta de Arte.

Título: Incertidumbre Técnica: Óleo sobre Bastidor Medida: 60 x 80 cm. (4 cm. borde) Creación: 2017 Autor: Rigoberto Castro (Rigo-Art) Colección: “Dolls” Descripción: “La oscuridad y sus destellos de esperanza.” Representación de la oscura vereda, un camino incierto que aprieta a toda presa que carece de una esperanza. Entre la maleza surge un destello alentador, únicamente claro para aquellos que lo buscan. (Contiene efectos de brillo esparcidos en ciertas áreas de la obra.)

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INTERNACIONAL - 2018: “ART CARD POST INTERNATIONAL ITALY 2018” / Gallery Atelier Casa Mexicana / BA, ITALIA. “IL GATTO” / Cantina Gentile “Fiesta del Novello” / Bari, ITALIA. "EL COLOR DE LA POESÍA" / Hotel Windsor, “VIII CONGRESO UMSOI COLOMBIA” “FUNDACIÓN ACACIA” / Barranquilla, COLOMBIA. "EXPO-POSTAL OPA, LA NIÑEZ" / Optimum Artis Internacional / COSTA RICA, COLOMBIA, MÉXICO, PANAMÁ, entre otros. Expo PAÍS VASCO - “Mujer y Violencia de Género” / Casa Museo Victor Hugo, San Juan, PAIS VASCO. Expo-Venta Internacional de Arte PAÍS VASCO - “Contra la Violencia a la Mujer” / Sala de Plenos del Ayuntamiento, PAIS VASCO. "EL COLOR DE LA POESÍA" / Museo del Atlántico, Barranquilla, COLOMBIA. "EL COLOR DE LA POESÍA" / Museo Histórico de Cartagena de Indias, COLOMBIA. "UNA IDENTIDAD, VARIAS MIRADAS" / Consulado de México, Cd. MCAllen, Texas, USA.

DONACIÓN A BENEFICIO: Donación a beneficio - Sismo y derrumbe edificio Emiliano zapata #252 / Marstelle Galería de Arte, Cd. de México. Donación para Sorteo - Expo Venta de Arte MISIONES / El Club de Golf Las MISIONES CC / Villa de Santiago N.L.


Título: Riqueza y Miseria Técnica: Óleo sobre Bastidor Medida: 50 x 70 cm. (2 cm. borde) Creación: 2018 Autor: Rigoberto Castro (Rigo-Art) Colección: “Entornos Oscuros” Descripción: La “brecha urbana”, una línea que en su recorrido divide a la localidad, en un contraste entre “ricos” y “pobres”; Una ciudad con un panorama dañado por las desigualdades en el crecimiento y desarrollo económico de la sociedad. A lo largo de los años, factores como la mala distribución de la inversión pública, han generado la falta de seguridad social, educación básica y calidad de empleo en una misma sociedad

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde que era niño mi fascinación por el dibujo se hizo presente, me gustaba mucho dibujar en mis tiempos libres y también en horarios de clase. Cuando ingresé a la licenciatura de Diseño Gráfico fue cuando tuve la oportunidad de experimentar con nuevas técnicas como la acuarela, carbones, tinta china, entre otros. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? Recuerdo que fue precisamente cuando usé por primera vez un pincel con óleo. Es algo inolvidable; en aquellos tiempos ya había manejado la pintura acrílica, pero la sensación de plasmar el óleo en mi primer lienzo fue algo único, una gran emoción, mucha sorpresa y asombro de que no hay límites con esta técnica. Desde ese momento supe que el óleo es mi técnica preferida.

¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Desde mis primeros trabajos hasta la actualidad he ido implementando más detalles estéticos, experimentando y escogiendo cada combinación de colores con mayor responsabilidad. También pensando con más calma cada composición y lo que deseo transmitir en la obra.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? En una palabra, podría ser “Fantasía”. Es una combinación entre la figura femenina al estilo “Doll” con una dosis de ambientes fantásticos.

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Título: Bella Ensoñación Técnica: Óleo sobre Bastidor Medida: 60 x 80 cm. (2 cm. borde) Creación: 2014 Autor: Rigoberto Castro (Rigo-Art) Colección: “Dolls” Descripción: "En el gran bosque durante la media noche, la luz de la luna pintará el paisaje y surgirá una bella chica disfrutando la ocasión para ensoñar." Tomarse un momento para pensar con placer, es lo que representa la obra de “Bella Ensoñación”. Una hermosa figura femenina disfrutando el gusto de imaginar y crear un propio mundo a su alrededor sin temor alguno, a través de la ensoñación. Una práctica a favor del desarrollo de la creatividad.

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¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? La pintura fue un medio de expresión que tuve en aquel momento a mi disposición; aunque si me gustaría aprender a tocar un instrumento musical como el piano. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? Es un medio para poder comunicarse y expresarse artísticamente ante la sociedad.

Tu frase favorita. “Siempre habrá alguna persona que le apasione tu arte; Lo importante sería saber cómo llegar a ella.” ¿Qué es lo que quieres transmitir con tus obras? Transmitir distintos temas de la sociedad, personalidad y ambientes imaginarios con la figura femenina al estilo “Doll”, incluyendo un realce estético, dramático y fantasioso. ¿Qué sigue para ti? Seguir formando parte de nuevas exposiciones nacionales e internacionales y crear nuevas obras cada vez más ambiciosas en cuanto a composición. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Ser muy paciente y nunca dejar de pintar, experimentar, asistir a galerías, relacionarte con nuevas personas, formar parte de un grupo de artistas, publicar tus creaciones en redes sociales e ir desarrollando un estilo que te identifique. Cuando inicias en el mundo del arte, uno tiene que tomar el papel de artista plástico, community manager y vendedor a la vez. Agradecimientos: Mando un fuerte abrazo y agradecimientos a mi Familia, Amigos y a la Asociación Plástica de Monterrey por el gran apoyo que me han dado durante mi carrera artística, así mismo a las personas que han adquirido una de mis obras originales y/o reproducción. Muchas gracias a todas las personas que apoyan mi arte por medio de las distintas redes sociales.

Título: Creciente Abundancia Técnica: Óleo sobre Bastidor Medida: 60 x 120 cm. (4 cm. borde) Creación: 2018 Autor: Rigoberto Castro (Rigo-Art) Colección: “Entornos Oscuros” Descripción: “Abundantes cascadas surgidas del cielo.” (Contiene efectos de brillo esparcidos en ciertas áreas de la obra.)

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www.constanzayanez.com conyaglez@gmail.com +5215528851067 https://www.facebook.com/ConstanzaYanezPintora

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? Desde muy pequeña tuve el gusto por el color y la forma, en mis más tiernos recuerdos de infancia, me veo acostada en el piso pintando con mis acuarelas. Esta fascinación no terminó porque recuerdo mis cuadernos de primaria y secundaria siempre adornados con dibujos de personajes imaginarios y paisajes fantásticos. Siempre me gustó el comic, así que hacía mis propias historietas. Al iniciar la preparatoria por ahí de 1975, decidí ingresar a un taller de pintura con una maestra en Tijuana, Baja California, con quien estudié durante un año y medio aproximadamente. Al concluir nos unimos los alumnos a poner una exposición en Mexicali, y sorpresivamente vendimos toda la obra. A partir de ese momento decidí dedicarme de lleno a pintar, así que decidí estudiar la carrera y a meterme a cualquier taller que me aportara conocimiento sobre artes plásticas, ya sea en grabado, litografía, o en las diversas técnicas de pintura. ¿Recuerdas tu primer deslumbramiento, tu primera vez de precisar plasmar, derramar, volcarte sobre una superficie? En 1975, cuando compré mis primeros óleos, decidí comprar un lienzo especial para mí, en dónde hice un pequeño paisaje de un atardecer, con colores estridentes… todavía lo conservo. Había comprado mi material para ingresar a mi curso en el taller, pero quería hacer algo con toda la libertad, sin que nadie me dijera si estaba bien o mal. Era lo que yo quería plasmar. Y así lo hice. Después me fue muy difícil obedecer las reglas en el taller, pero por suerte, la maestra supo dirigirme dentro de mis propias inquietudes y mi propia manera de trabajar. Lo que le estoy inmensamente agradecida por dejarme ser y ella solo dar las directrices en mi trabajo. ¿Cómo se ha desarrollado tu trabajo? Mi trayecto ha sido un poco desafortunado en sus inicios ya que ha sido en base a mi propio esfuerzo. Es muy empinada la subida de aquellos que sin el consentimiento de la familia y sin el patrocinio de ninguna parte, se abre camino por la vida del quehacer artístico. Pero afortunadamente he podido caminar y no claudicar. Gracias a este esfuerzo he visto logros muy satisfactorios, mi obra ha sido apreciada en el extranjero y gracias a ello hay por ahí en la Unión Americana y en España algo de mi obra. Así como también en México he tenido la fortuna de que sea apreciada y adquirida.

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Tu frase favorita. El ARTE no es para “hacer artistas” sino para sacudir conciencias. ¿Crees que la Galería importa mucho en una exposición? Si, es la que debe resaltar el trabajo del artista. Darlo a conocer y por supuesto el intermediario entre el coleccionista y el autor. ¿Qué aconsejarías a los jóvenes que empiezan en este complejo mundo de la pintura? Que persistan, el camino es difícil pero no imposible. Y que no se banalicen ni se corrompan en el trayecto. Todo lo auténtico trasciende. Agradecimientos: Agradezco mucho a la revista CP Magazine por su deferencia. Y a todos aquellos maestros que en el trayecto de mi preparación creyeron y apoyaron. Y por último a mis hijos que siempre han visto con respeto y admiración mi trabajo y que han sido el motor de mi vida.

¿Cómo definirías tu estilo y qué buscas en la pintura? No sé bien en que escuela o tendencia o estilo puede clasificarse mi obra, pero supongo que sigo siendo expresionista. Mi búsqueda es en camino a la síntesis de la forma, hasta llegar a lo más simple y elemental, a la abstracción. Al sentimiento puro del color y que éste hable por sí mismo. A la expresión misma de la textura. En realidad, al principio de todo. ¿Por qué escogiste pintura y no otra expresión artística? Yo hubiera querido hacer muchas cosas, aunque incursiono en la fotografía, mis anhelos iban más allá. Siempre me gustó el Cine, y me hubiese encantado trabajar en animación o en efectos especiales. También me gusta el escribir, y no he quitado el renglón en ello. Estoy preparándome para poder hacerlo. La escultura también fue algo que aprendí en la carrera, pero siempre me sentí débil físicamente para hacer algo de gran tamaño. Amo el teatro y la dramaturgia, pero no me dejaron incursionar en esta disciplina. Y en ese tiempo era una hija obediente. Todo me llevó a la pintura y a la impresión. Así que canalicé todo mi esfuerzo en estas disciplinas. El arte, para ti, ¿tiene un fin en sí? El único fin del arte es despertar la conciencia de la humanidad. Es la sensibilidad de seres que aflora en los momentos que las circunstancias de la vida lo requieren. Por eso la verdadera obra de arte trasciende. Porque sacude el alma.

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January 2019 | CP Magazine  

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