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Portada "La Comedia Humana" Abraham Martinez Villegas


colaboradores Mónica Badillo Arumaz Nancy García Gallegos Fernando Valadez Edgar Barroso Irma Rivera Víctor Marín Valeria Cruz Rucksi TengoRaro Cristina Palapa Edgar Zayas Xosué Martínez Grego Applegate Edwards Pedro Omar Rivera Andrea Tomas Prato César Román Abraham Martínez Villegas Miguel Ángel Guzmán Salas Oscar Belmontes Alejandro Jaramillo Benjamín Hurtado Nancy Salazar Erik Montañez Yuriana Lara

Revista CODA Información y ventas Sandra Hernández email: sandra.hernandez.coda@gmail.com cel. 477.221.63.50


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El ocho recostado, tal vez uno que cayó inerte, se asemeja a un infinito. Concepto que desde nuestros límites nos es imposible abarcar, que hoy se aprecia como lejano, inabarcable incluso por la imaginación; en éste momento pareciera que lo único infinito es el ciclo constante entre el comienzo y el fin de las cosas, ese fascinante proceso que da continuidad a la existencia pero que implica la muerte de algo. Así pues, el fin no es sólo fin, también es comienzo. Algo semejante a la imagen mexica de la Cihuateteo, que manifiesta el momento sagrado en que una mujer muere y al mismo tiempo se convierte en madre al dar a luz; poderoso acontecimiento donde la vida y la muerte se funden. El presente número de la Revista CODA en cierto sentido para aquellos que estamos tras su realización es algo que ha llegado a su término; en contraste, para ti amado lector, apenas da inicio con éstas líneas… aunque…

- Benjamín Hurtado

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"El regreso" Mariel Gutiérrez (Rucksi) Técnica: Bordado

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en esta isla hay un silencio que escribe su canto desde las piedras

Por: Nancy GarcĂ­a Gallegos

ana miro en tus pupilas el naufragio de mis estrellas suicidadas y esa atroz imagen del hundimiento hace que mi torso se aferre al viento que se pierde en tus cabellos de agua. Abrir tus tendones florecidos de fuego angular. pero tĂş duermes y yo respiro tu sueĂąo para tranquilizar las piruetas confusas de la memoria. intento un gesto para cada poro tuyo. Una herida generosa que te haga abrir los labios. imagino hormigas espirales tatuadas en tu lengua. tus piernas como caminos incendiados de palabras que no te digo.

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ana el relato de tu abismo es la conciencia de una infancia entristecida de huellas polares. hay algo en tus ojos que me aleja de ti. me conmueven las formas sedosas de tu aliento cristalizado. si quisieras podrías escribir el cuerpo de mis alas

ilustración: césar román

pero soy reptil que se estrella frente al ocaso.


Uroboros bulímico Por: Benjamín Hurtado “En el círculo se confunden el principio y el fin” Heráclito

El ser humano se sabe condenado casi desde que nace, o dicho con más precisión cuándo adquiere cierta conciencia de sí y de su naturaleza, constitución y sustancia. Aprende que la muerte es su ineludible destino y que comparte con todo lo existente un carácter finito y efímero.


Como bien plantea la religión hinduista todo, absolutamente todo, se reduce a un ciclo constante de creación, preservación y destrucción, esencias personificadas por Brahma, Visnú y Shiva. A partir de esta lógica el hombre a través de las épocas en los 5 continentes, da continuidad a ese proceso llegando incluso a obsesionarse con el fin, el término: la muerte. El mileniarismo es un claro ejemplo de ello, siendo los mitos escatológicos de suma importancia como lo plantearon Bertrand Russel y Lévi-Strauss; ejemplos de ello hay varios, el enfrentamiento final de Aura Mazda y Arimán, el Juicio Final Católico o el Ragnarök nórdico, por supuesto todo ello materializado ante los ojos humanos gracias al arte. Es posible que en el mundo actual estemos más familiarizados con la idea de que todo, absolutamente todo, está destinado a la destrucción, a diferencia de la generación de Rilke que aun lamentaba lo inevitable “No puedo superar el hecho de que un día todo esto se va a morir”. Lo anterior tal vez sea responsabilidad en parte del sistema de la moda, cuya dinámica ha permeado a casi todos los campos y actividades desarrolladas en la cultura occidental con la marca de lo cambiante, de lo efímero como bien plantea Lipovestsky; o por el perverso binomio conformado por la obsolescencia planificada y su hermana la obsolescencia percibida, ambas nos han sentenciado a conllevar la existencia confinados en un mundo donde nos encontramos rodeados de objetos nacidos muertos, atrapados en la fugacidad. El mismo Arte que se suponía inmortal y capaz de trascender en el tiempo tiene fecha de caducidad, pese a la ampliamente citada (de forma descontextualizada) “Ars longa, vita brevis” hipocrática. Primeramente en términos de su materialidad, pese a los esfuer-

"Garden" Claire Morgan

"El mismo Arte que se suponía inmortal y capaz de trascender en el tiempo tiene fecha de caducidad" zos de las diferentes escuelas y corrientes de restauración por prolongar su subsistencia; segundo, por la aparición en la segunda mitad del siglo pasado del Arte Efímero, el que es pensado, producido y apreciado en el aquí y ahora; y tercero, por la expiración que sufren la inmensa mayoría de las obras de arte, incapaces de sobrevivir más allá de la época propia de quienes las produjeron, ya por su pertinencia específica que las ata a un momento determinado, ya por su irrelevancia que con el paso de los años se vuelve cada vez más patente o debido a la desaparición de aquellos para quienes fue realizada y únicos poseedores del código para interpretarla. Si bien aquí se podría desatar un debate bizantino con aquellos que se invisten de paladines defensores de la idea del Arte Eterno y Universal, habría 11


...flotemos gozosamente sabedores de nuestra impermanencia...

"Down time'" Claire Morgan

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solo que preguntarnos en lo individual si es posible la lectura, reacción o interpretación, ya no digamos idéntica y exacta, sino al menos semejante entre nosotros y un “Olmeca” del preclásico mesoaméricano ante una de las monumentales cabezas monolíticas encontradas en las zonas colindantes de Veracruz y Tabasco; o ante la visión que pudieran tener de una obra de Jeff Koons o Damian Hirst un hipster neoyorkino, un aborigen del amazonas o un policía rural mexicano. Que tanto pesarían o jugarían un papel determinante en la “muerte” de las obras de arte los relativismos geográfico-espaciales,

temporales e incluso (aunque suene muy mal) de clase – dicho no necesariamente en términos económicos-. Permitámonos parar unos minutos de la vorágine cotidiana para masticar un poco más éstas y otras ideas al respecto, a fin de cuentas solo nos queda el reconocer nuestra transitoriedad en el mundo; la única petición que les hago es que mientras pensemos (¿y existamos?) en ello, flotemos gozosamente sabedores de nuestra impermanencia, hagámoslo disfrutando de todo aquello que nuestra naturaleza finita nos permite disfrutar: sexo, mar, música, tacos, libros, brisa, sueños, chocolate…arte.


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Encantamientos de vigilia y de sueĂąo: La FotografĂ­a de Andrea Tomas Prato Por: Pedro Omar Rivera


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“no sé qué encanto hacia usted me lleva” Pierre Corneille

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La Fotografía de Andrea Tomas Prato

Entre 1894 y 1985 la Casa dei Vetti fue rescatada en Pompeya. Entre los frescos recuperados en esta residencia, se encuentra uno que representa a Dédalo mostrando la falsa vaca que serviría a Pasifae para seducir al toro blanco enviado por Poseidón al rey Minos. La fuerza implacable del Vesubio hundió la antigua ciudad romana bajo una oleada de cenizas y lava, pero no acabó con su belleza. Entre las maravillas que sepultó el volcán se encontraba esta residencia. Conocemos la historia: para que la reina de Creta pudiera gozar con la belleza de aquel animal, debía seducirlo. El desafío fue el motor con el que el dios de las aguas impulsó a Pasifae para que sedujera a la blanca criatura. Por esto, para que la seducción se realice es necesario que exista un desafío. Si no existe debe ser provocado. Escondida en las entrañas de aquel artefacto de madera la reina consumó su fantasía: recibió las embestidas de la hermosa bestia en su cuerpo disfrazado de vaca. Después, el Minotauro.

"Seducir no es atrapar ni someter, es encantar"

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La seducción —dice Jean Baudrillard en El otro por sí mismo— es la dinámica elemental del mundo. Sin embargo, en la dinámica que actualmente vivimos, la automatización nos ha llevado por un camino lejano a la seducción: la producción. Producir es imponer, manipular, corromper. El terreno de la producción es la realidad tal cual: cuantificable y medible: verificable. Pero si la automatización produce; la seducción, crea. El espacio de lo superficial es donde la seducción se desarrolla: en la apariencia. El esfuerzo por aparentar es el quid de la seducción. “¿De qué te sirve, Pasifae, ponerte preciosas vestiduras, si tu adúltero amante desconoce el valor de esas riquezas?”, escribió Ovidio en El arte de amar. No fue el cuerpo de Pasifae lo que sedujo al toro, fue su apariencia.


Seducir no es atrapar ni someter, es encantar. Encantamiento del mundo, del otro, de sí mismo. El encantamiento, no es casualidad, tiene connotaciones relacionadas con la magia y la hechicería. Encantado es aquel que está en trance; en el terreno de lo mágico, de lo secreto. El encantamiento es la consumación de la seducción. Se requiere de un pharmakón para lograr esa manera de estar—que en la magia es un hechizo o conjuro que se expresa de manera verbal y Paul Valéry en Encantos nos recuerda que encantar es cantar—. Sin embargo, como Pasifae, la seducción también puede valerse de otros recursos.

"El encantamiento es la consumación de la seducción."


La Fotografía de Andrea Tomas Prato La vista, a diferencia de los otros sentidos, no depende de la cercanía con lo percibido, sino de la cantidad de luz reflejada por los objetos. La iluminación es un disfraz del que también se vale la seducción. Destellos, reflejos, sombras: la luz es la materia prima de la que Andrea Tomas Prato se vale para seducirnos. Aunque radica en la Provincia de Alessandria de la región del Piamonte, sus fotografías no tienen un territorio fijo dónde ser, sino un tiempo. El mundo que nos presenta no está congelado en un instante; transita entre el sueño y la vigilia; entre lo natural y lo mágico. En la mayor parte de su obra, al igual que lo hizo Dédalo, sólo nos muestra un fragmento de lo que está presente. Esta aparente ausencia permite que los objetos y fragmentos del cuerpo mostrados, dejen de estar en la imagen para ser en ella. Sus fotografías —parafraseando a Juan García Ponce— no son un objeto, son una acción del objeto que lo trasciende: son creación.

"Si de la vista nace el amor, es en la mirada donde se realiza el encantamiento."

Los pies, las piernas, una pantaleta, pueden ser ese fragmento que nos muestra y que nos incita a la búsqueda. El desnudo es otro personaje que ocupa un papel importante en la obra de Tomás Prato. Pero el cuerpo sólo es mostrado parcialmente. No hay sobre exposición ni exageración, no hay obscenidad. Sin embargo, a diferencia del erotismo que se relaciona con el instinto sexual, el lenguaje erótico de estos desnudos no es convencional en sí mismo; es intencional. No surge del deseo, es un recurso del que se vale la seducción para atraer —no para atrapar— al espectador: es encantamiento. Este erotismo nos conduce por ese tránsito, entre el sueño y la vigilia, en el que no distinguimos si ya hemos despertado o aún estamos dormidos; si aún estamos despiertos o ya hemos dormido.

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"La iluminación es un disfraz del que también se vale la seducción. Destellos, reflejos, sombras: la luz es la materia prima de la que Andrea Tomas Prato se vale para seducirnos." Si bien el erotismo no está presente en todas sus fotografías, lo que sí permanece es la seducción. En gran número de éstas, el centro de atención no ocupa la mayor parte de la imagen; se encuentra cargado hacia un extremo de la composición y rodeado por un amplio espacio negativo que enmarca su presencia. Espacio que, sin embargo, no está deshabitado. Los cuerpos, los rostros y los objetos se sumergen en un fondo que conduce nuestra mirada en el espacio donde los objetos no permanecen: flotan y, por momentos, nos recuerdan a las esculturas humanas del Jardín de los fugitivos: casi piedra, casi sueño. El piso, la cama, la pared y el cielo, se extienden en segundo plano y crean un contraste de texturas por el que se desliza nuestra mirada. Si de la vista nace el amor, es en la mirada donde se realiza el encantamiento. Al contemplar sus fotografías, somos seducidos por un mundo que Andrea Tomas Prato ha encantado.

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Yuriana Lara nos llevó a un lugar místico, donde la espiritualidad y la metafísica reinaban; sus pinturas realizadas en formatos que permitía una cercanía más íntima con el espectador, explotaban el color de forma singular y potente, con acentos de suma intensidad, que sumados a la geometría entremezclada a elementos de la naturaleza se conjugaban en un todo armonioso, que pudimos acompañar y disfrutar con una exquisita música electrónica y mapping mezclada en vivo.

“Something sacred about us” de Yuriana Lara


Galería CODA La Galería cerró el año 2015 con una triada de exposiciones individuales, que más allá de sus diferencias parecen señalar que hay algo en el ambiente que desea manifestarse y que está siendo traducido y filtrado a nosotros a través de la mente, ojos y manos de los artistas. La tercia de exposiciones a las que nos referimos son: “Something sacred about us” de Yuriana Lara; “Nuestros amados demonios” de Erik Montañez; y por último, “Otro día en el Paraíso” de Abraham Martínez Villegas. Dos de ellas desde la pintura y una girando en torno a la escultura. Yuriana Lara nos llevó a un lugar místico, donde la espiritualidad y la metafísica reinaban; sus pinturas realizadas en formatos que permitía una cercanía más íntima con el espectador, explotaban el color de forma singular y potente, con acentos de suma intensidad, que sumados a la geometría entremezclada a elementos de la naturaleza se conjugaban en un todo armonioso, que pudimos acompañar y disfrutar con una exquisita música electrónica y mapping mezclada en vivo. Por su parte Erik Montañez nos trasladó al infierno del deseo personal mediante una escultura que parecía hibridar la estética Ciberpunk con Giacometti. Con una nutrida serie de piezas nos iba presentando una a una aquellas cosas que anhelamos para “anestesiar la voluntad” pero que al mismo tiempo pueden estar en tensión entre aquello que deseamos y odiamos. Una exposición que además de la peculiaridad de conformarse enteramente por obras tridimensionales (lo cual es difícil de observar en galerías no oficiales), fue un enorme espejo en el cual los espectadores nos pudimos ver reflejados en nuestras manías y adicciones; donde pudimos ver a “Nuestros amados demonios” a los ojos. Finalmente, y como si fuéramos Dante, nuestro recorrido artístico en el espacio de la Galería CODA terminó en el Paraíso, donde pudimos estar un día más gracias a la obra de Abraham Martínez Villegas. Con piezas de una fina factura y un profundo discurso, conjuga fondo y forma, técnica y concepto, para hacernos reflexionar sobre una serie de problemáticas presentes en el mundo actualmente y donde la especie humana se debate entre la carnalidad, la tragedia, lo sensual, la voluptuosidad, el caos, la codicia, el placer y la catástrofe; tal vez para convertirse en una especie de enorme “Vanitas” contemporáneo. Tras un cierre de año tan estimulante tengan la seguridad que Galería CODA les traerá una serie de encantadoras exposiciones durante el 2016. Permanezcan atentos.

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Galería CODA


“Nuestros amados demonios” de Erik Montañez

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Galería CODA

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“Otro día en el Paraíso” de Abraham Martínez Villegas

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Preguntas a:


Abraham MartĂ­nez Villegas

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1– ¿Cómo fue que iniciaste en el arte? Desde niño aprovechaba cualquier espacio en blanco para poder dibujar, aunque nunca tuve una clase formal hasta la secundaría. Ahí descubrí la pintura y desde ese momento, me sentí muy cómodo con la técnica. Tiempo después inicié la licenciatura en artes, para estudiar profesionalmente, y desde entonces no he dejado de pintar.

ciedad y por ello tiene un compromiso con lo que comunica, es decir el artista es una voz pero no una voz que habla en soliloquio sino siempre en busca de que otro lo comprenda.

2–¿Cuáles son tus 5 artistas favoritos? Francis Bacon, Edward Hopper, Walton Ford, Magritte y Goya.

5–¿Qué disciplinas o técnicas son las que empleas? ¿Por qué? Me siento más seguro en el óleo porque me gusta la capacidad de detalle que se da en este medio, además se adquiere una gran gestualidad y diversidad de efectos pictóricos. Por otra parte, también hago arte objeto, pues los propios materiales colaboran con el mensaje de la obra, y hay resutados muy interesantes en esta técnica.

3–¿Qué es para ti él arte? ¿Y qué significa para ti el ser artista? El arte es un medio para comunicar ideas y pensamientos sobre la realidad; es una forma de ver el mundo y trasmitirla a los demás. Para mí el artísta no es un genio solitario, sino el reflejo de su so-

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4–¿Cómo definirías la creatividad? Como las diversas formas de comunicar y de crear. Es utilizar el pensamiento de una forma inusual.


6–¿En cuáles temas o ejes se desarrolla tu obra? Me parece que mi pintura contiene gran influencia pesimista, pues me interesa evidenciar la vanidad y la superficialidad del hombre respecto a la naturaleza; apuntar que el progreso es solo una fachada con la que el hombre esconde su fragilidad. 7–¿Qué caracteriza y distingue a tu obra? Desde el lado técnico me interesa rescatar el lenguaje figurativo, mediante la hibridación de imágenes y la geometría. Desde este tratamiento, creo que mi obra se distingue por la temática reflexiva sobre la condición humana. 8– ¿A dónde te gustaría llegar? ¿Cuáles son sus metas dentro del arte? Me propongo que el arte deje de ser

un ejercicio elitista, me gustaría que la gente tuviera empatía con lo que la obra le sugiere y para ello me esfuerzo por conseguir un lenguaje claro a través de la figuración. Pretendo así, llegar a un público amplio al que pueda contagiar la reflexión: me encantaría hacer pensar a la gente y fomentar su aspecto crítico. 9–¿Por qué le recomendarías a la gente comprar arte? Porque es una forma de apoyar al artísta, y de este modo ayudar al desarrollo cultural de una comunidad. Ciertamente hay más formas de hacerlo, pero desafortunamente la cuestión económica es algo de lo que en estos tiempos no puede eludirse, el artista no es “una divina cabeza alada” y necesita de su sociedad y de medios para substistir.

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Ciudad Histórica de León Participación ciudadana para construir ciudades más humanas Por Irma Angélica Rivera Vargas1 y Víctor Marín Meléndez2

Nunca dudes que un pequeño grupo de ciudadanos comprometidos puedan cambiar el mundo. Margaret Mead


El 27 de noviembre de 2014, Jorge Melguizo, ex secretario de cultura ciudadana de Medellín, Colombia, brindó la charla en León: “Ética ciudadana para nuevas sociedades”, compartiendo su experiencia en la transición de cómo la urbe más violenta del mundo pasó a ser un referente internacional de cultura ciudadana, de turismo social, una ciudad más humana. Melguizo destacó sus principios esenciales para el cambio de mentalidad en la metrópolis colombiana, a saber: la sacralidad del dinero público; la transparencia; la prevalencia del interés público sobre los intereses particulares; predicar con el ejemplo como principal herramienta pedagógica de transformación cívica; compromiso y honestidad; planeación sin improvisación; trabajar con eficiencia, eficacia, economía, solidaridad y cooperación; propiciar espacios de participación ciudadana; establecimiento del compromiso gubernamental-ciudadano para el desarrollo urbano; la confianza como requisito esencial para garantizar la legitimidad del Estado y la gobernabilidad; la vida como valor máximo. Sentenció que una ciudad sólo puede avanzar si lo público es tarea de todos sus actores sociales:

“lo público debe ser un nuevo valor, que construyamos colectivamente”. A manera de colofón, cuestionó a los asistentes sobre cuáles eran las palabras con las que se quisiera que la ciudad de León fuera identificada. El público respondió: segura, habitable, honesta, amable, equitativa, educada, participativa, congruente, justa, digna y transparente. De igual forma, en el Foro Citi • Ciudades Inteligentes: Territorios Innovadores, que tuvo sede en Irapuato en

Fotografía JLuis Paz

abril de 2015, diversos ponentes internacionales, nacionales y locales, sostuvieron que los núcleos urbanos deben buscar ser integrales: económicamente viables, socialmente influyentes, ambientalmente sustentables y territorialmente ordenadas.

Se debe pensar además en un concepto de Ciudades Humanas, con esquemas de movilidad centradas en el peatón, cuidando el espacio público y medio ambiente, propiciando barrios sustentables a través de la redensificación junto a la gestión social. La Ciudad Humana debe ser accesible, diversa, saludable, atractiva, segura. Para lograrlo, es necesario un modelo de planeación estratégica, visión de largo plazo, integralidad, gestión concertada y algo muy importante, la participación social. El retorno a la ciudadanía así como a la generación de espacios de la memoria, que la identidad cultural se vuelva un factor clave para construir este tipo de ciudad. En este sentido, en León se ha concebido a la Ciudad Histórica como un “núcleo urbano patrimonial, de varias zonas diferenciadas por sus particularidades morfológicas e históricas” que contienen “manifestaciones culturales materiales e inmateriales que se han formado a partir del siglo XVI, y que han prevalecido a pesar de los riesgos a que han sido sometidos, sobre todo a partir de las últimas décadas del siglo XX” . Adscrita a la Dirección General de Desarrollo Urbano, la Dirección de la Ci-

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Ciudad Histórica de León udad Histórica de León, posee el objetivo de preservar, regular y promover el patrimonio cultural del centro a la par que los barrios antiguos —Barrio Arriba, El Coecillo, San Juan de Dios, San Miguel—, para valorar nuestra historia recobrando la memoria colectiva.

En poco tiempo esta Dirección presenta resultados tangibles, que se verán acrecentados de manera exponencial en la medida que se continúen sumando diversos actores ciudadanos, políticos, sociales, culturales y económicos, en una dinámica de corresponsabilidad social y participación ciudadana. Entre los avances más relevantes se cuentan: • Creación del Consejo consultivo para la protección y promoción del patrimonio histórico del municipio de León. • Rescate patrimonial de Plaza de Gallos, inmueble del siglo XVIII único en su tipo, que ha sido testigo de la memoria sociocultural de nuestra ciudad. Cine en tu Barrio • FICC

• Implementación de un modelo transversal de Conserjería del Centro Histórico.

• Gestión del patrimonio edificado. • Gestión de 12 plazas públicas con 1 mil 495 solicitudes de uso temporal atendidas. • Establecimiento de 57 alianzas institucionales con organismos públicos y privados, internacionales, nacionales y locales, dentro de las que se cuentan: Conaculta, Cineteca Nacional, INAH, festivales internacionales —Cervantino, Cine de Guanajuato, Cine en el Campo, Shorts México, Cine de León—, Forum Cultural Guanajuato, Instituto Cultural de León, Cine Colectivo Guanajuato, universidades, instituciones culturales, colectivos y observatorios ciudadanos. • La creación de una plataforma de comunicación en redes sociales y la elaboración del Mapa León Polígono Poliforum • Centro Histórico en versiones impresa y digital, con 52 puntos de interés cultural tanto para leoneses como para visitantes. • Realización de 213 acciones de promoción cultural (Cine• Música• Teatro• Poesía en tu Barrio, Bazar Cultural, Festival Internacional Cervantino), con más de 37 mil asistentes. • Foros académicos: charlas y ponencias de divulgación sobre la Ciudad Histórica de León. Te invitamos a que participes con nosotros para continuar difundiendo y rescatando nuestro patrimonio histórico y cultural, haciendo juntos la ciudad humana que queremos.


Incidencia del pensamiento filosófico en el quehacer y resguardo artístico Por: Miguel Ángel Guzmán Salas

¿Para qué sirve el arte? ¿Qué es el arte? ¿Cuándo es artesanía? ¿Cómo se relaciona la forma y el fondo, en palabras de Roland Barthés? ¿Es entonces la Especialización arte? ¿Cuándo la técnica toma distancia del sentimiento, de la reflexión, del pensamiento? ¿Cuándo rompe fronteras? Hay muchas dudas que pululan ensombreciendo la vida del artista. Yo hablo sólo desde mi opinión. Creo que el artista es un ser altamente sensible. Creo que la sensibilidad es igual a inteligencia. Creo que la inteligencia es igual a sufrimiento trascendido. Sublimado, que nos diría Freud. Creo con él que nos crecemos al dolor. “Toda carencia me perfecciona”, así reza Gandhi, en un video de Capusotto. Y yo le creo, que al superar una carencia nos trasciende y de ésta manera lo que fuera un mal se convierte en una nueva fortaleza: la independencia de lo que nos ataba. 36

De esta manera, considero que el auténtico quehacer del artista es la trascendencia personal. Con los medios a su disposición. Que el abogado, el político y el policía, por decir algunos, tienen también sus propios medios para ello, incidiendo cada cual de distinta manera. Así como las hay distintas profesiones, así también las hay distintas técnicas. Que el dibujante no es pintor, necesariamente, aunque pintar sea dibujar con la mancha. Y esculpir dar tres dimensiones a la idea. O actuar entrar en el ser de quien no es: el libreto. Cada uno tiene sus propios medios


a disposición, pero eso no quiere decir que ninguno de ellos no sea arte o que sea más arte que otro. Son distintos.

En resumen, que lo importante es trascender, sublimar.

Parte 2.

Una vez que se delimitan las fronteras entre el arte y las diversas artes, distinguiéndolas así mismo de aquellas que colindan con las otras profesiones, en el lecho social… decía, que una vez que nuestro objeto de reflexión ha sido definido, todavía queda hacer la dis-

tinción de la artesanía, el arte popular. Es repetitivo. No busca trascender. No apuesta por la idea. No da la vida por la realización. Se me ocurre pensar en Rimbaud. Una persona como no hay otra y no la habrá. Un artista en vida. Un artista de la vida. En mi muy personal opinión, sac37


Insidencia del pensamiento filosófico rificó su existencia en aras de otra existencia, aquella que creaba él solo. La del arte que sucedía dentro de él, en su experiencia, en sus recuerdos, en sus fantasías, en lo más íntimo de un alma exquisita, la de un artista de la vida. Nos deja en vida parte de sus pensamientos, lo más fino: su poesía.

No nos engañemos, que lo que el artista deja detrás de sí es sólo un pálido reflejo de lo que ocurre dentro de su ser. Bien se expresaba Escher cuando decía que las intuiciones que le venían antes de dormir, en el estado de duermevela, eran tales que sus trabajos, a veces enloquecedores, eran apenas un diez por ciento del total de aquello. Así es el artista. No es así el artesano. El artesano tiene familia y demás. Obligaciones que el artista sacrifica en pro de su experiencia interior. Aunque es cierto que el Artista puede hacer Artesanías, aún de su propio arte, en la repetición. Y el Artesano puede llegar a Trascender. Por tanto, sus trabajos todos puede ser Arte, pero sería más que todo, por Casualidad, que si no, en realidad es un Artista Repetitivo. Lo que los Artistas nos legan, en el lenguaje del arte que sea, muchas veces es más de lo que pueden entender. Ello nos lleva a otro tema: La Metafísica del Arte. Así mismo, está el problema de la intuición, magistralmente abordado por el Señor Kant. Y coronado con Don Arturo 38

Schopenhauer, el fino. Estos dos temas (Intuición y Metafísica) se relacionan íntimamente de tal manera que resultan indisociables si se quieren abordar plenamente. Así que, sin más, empezaré con la metafísica y seguiré con la intuición, que es un proceso un poco más complejo, porque conlleva nociones importantes y necesarias de objetividad. Y ésta es un tema que por sí solo da para mucho. Así pues, la metafísica es aquello inteligible, lo que está más allá del plano físico, llámese pensamiento. Sensaciones y emociones serían el punto intermedio de trascendencia hacia lo inteligible. El pensamiento, mientras más fino, más elevado, más puro, más se diferencia de la materia orgánica, por no decir de la inórganica, que en campo del arte, también es importante. En ella colindan fronteras la vida y la forma, por ejemplo en la pintura, donde el color alguna vez estuvo vivo. Sea pues, que el pensamiento, mientras más abstracto, mejor. En todo sentido. Y lo podemos llamar metafísico, porque expresa, aún por medios físicos (amén de las artes escénicas, música y literatura) aquello que está más allá de este plano. El físico. Esto es, pues, la metafísica. Más arriba comentaba que el artista tiene lo que podemos llamar Intuiciones Totales, de las cuales sus trabajos son sólo pálidos reflejos. Y si no, pregúntenle a cualquier artista si acaso está satisfecho con sus trabajos. Exceptuando a unos cuantos que se sienten muy bien consigo mismos, los demás les comentarán que desearían que sus trabajos expresaran mejor sus Ideas. Es decir, lo que hay de metafísico en el arte es lo que escapa al artista y sin embargo, está ahí, pero más que todo sugiriendo. No afirma, porque no sabe. ¿Cómo sabría, si el Artista no sabe? Intuye, pero no sabe. Bien, se ha planteado el tema de la intuición, porque sin ello el artista está un poco ciego, como todos estamos bastante ciegos hasta no abordar el problema de la objetividad.


Qué es la objetividad y por tanto, cómo podemos llegar a ésta? Ser objetivo significa hacer un análisis pleno. Para ello hay una clave sin la cual no se puede iniciar un proyecto y decir que lo estamos haciendo objetivamente. Hemos de distinguir entre el objeto de estudio y el estudiante. Bueno, el observador. Pero es más correcto decir que es el Estudiante. Pero es también el Maestro. Porque Intuir es enseñarse a sí mismo, ahí donde uno es y nadie más es, es decir, en el propio pensamiento, en nuestra propia esfera de realidad, ahí donde somos jueces absolutos y admitimos lo que queremos y lo que no, no. Ahí donde desacreditamos a nuestros maestros de la realidad. Ahí donde les agradecemos cada nueva enseñanza porque sabemos que nosotros quizá nunca hubiéramos dado con la solución que se nos brinda. Ahí donde habitamos, que es lo que somos. Por tanto, si sabemos hasta dónde somos nosotros, El Estudiante del Objeto de Estudio, sabemos entonces la contraparte. Pensando por dicotomías, todo lo que no es blanco es negro. Si no es perro, es perra, dicen. Así que una ecuación nos da un resultado, sólo tenemos que resolverlo, pero la ecuación ES el resultado. Pero no siempre el Resultado nos da la Ecuación. Trasladándolo al arte, no siempre podemos resolver las intuiciones. Pero siempre nos puede llegar una intuición mientras resolvemos problemas que nos planteamos.

Igual que para resolver una ecuación matemática, también en el arte se necesita hacer un ejercicio concienzudo de reflexión, mientras mejor sea éste, mejor será el resultado del mismo.

A diferencia de las matemáticas, el arte es un ejercicio del Ser Humano. No son números, que una computadora pueda graficar. Eso sería demasiado simple. Y como las computadoras no necesitan por necesidad reflexión, las personas son sólo eso: Reflexión. Autorreflexión. Y ahí es donde se tuerce el asunto. Porque ese punto de ruptura es nuestra experiencia personal. De tal manera que ahí duele todo, es donde ocurre la sensibilidad. Y es por ello que sensibilidad es igual a inteligencia, porque mientras más sientes, más te duele y más consciente te vuelves, aún del dolor. Esto, hablando de lo más exquisito del Ser Humano. Donde se distingue al ser humano y al animal, donde nosotros tenemos reflexión ellos tienen reacción. Ellos no inteligen como nosotros lo hacemos. Por lo tanto, sufrimiento es igual a dolor y dolor es igual a reflexión. Regresando al ejemplo de las computadoras, sus procesos son lineales, por no decir

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Insidencia del pensamiento filosófico que nunca son pensamiento, pues no ocurren en una consciencia, mientras que los procesos del Ser Humano SON al mismo tiempo, en numerosas conexiones sinápticas. Además que los procesos, en las personas, son el propio pensamiento y consciencia. Somos. Así, podemos decir que el pensamiento humano ocurre cuánticamente, mientras que los procesos de las computadoras son lineales (y simplemente electrónicos). Por ello podemos modificarlo, porque ocurre en la realidad, por tanto, cuánticamente, con toda la riqueza de la realidad y de la vida. No está muerto, no es frío, cambia porque está vivo. Crece. Se desarrolla según cómo lo hagamos evolucionar. Y bien, para la objetividad entonces necesitamos hacer un ejercicio de distinción, de reconocimiento y evaluación. Posteriormente, de Selección, dependiendo de la intención del reflexivo. Arte, Ciencia, Política, Etc.

Ser Objetivo es distinguir entre Objeto y Sujeto. El único Sujeto posible es el Pensante. En este caso: el Artista. En el caso de la Metafísica, se puede seguir a Kant, quien no lo aborda desde el punto de vista del arte, sino en tanto que Lo Inteligible. En el caso de la selección que se hace con las intuiciones, recomiendo leer a Schopenhauer, en su libro El Mundo como Voluntad y Representación. Como todo, debe ser sometido al criterio del lector. Que es la gracia del asunto, donde ocurre el propio pensamiento, donde somos nuestro maestro y el propio alumno. En la Reflexión. Quisiera rematar con el Resguardo. Esto es importante, porque la curaduría y la protección del patrimonio cultural

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es importante. Sin ello, le estamos dando en toda la torre a la labor de los Artistas. El caso es que a veces las intuiciones de los artistas son verdaderamente geniales. A tal grado que a veces todos lo pueden ver excepto el propio artista, cegado de sí mismo. A esto hay que decir lo verdaderamente importante: los medios de expresión expresan. ¿Por qué esta evidencia tan inmediata resulta importante? Porque el Artista que intuye eso que es genial está en un tiempo dado, después vienen otros tiempos con nuevos conocimientos aprehendidos, íntimamente estrechados en el tejido de la realidad. De tal manera que ahora todos sabemos de la gravedad, pero antes era un misterio. Como los artistas nos legan sus intuiciones de las que no pueden ellos ser plenamente conscientes, podemos reestudiarlas bajo la nueva perspectiva, sin olvidar contextualizar a través de un pensamiento hermenéutico, por aquello del contexto histórico y tal. Que la Hermenéutica es más que eso, pero de momento nos ayuda a entender que podemos repensar desde una óptica nueva los trabajos del pasado. Por no decir de los grandes misterios de los egipcios, por ejemplo. Ahí se guarda, en el arte, conocimiento que no puede ser expresado más que por intuiciones. Es lo Metafísico del Arte, lo inefable. Lo aún ignoto. Debemos preservarlo. Trabajo de las Naciones el Patrimonio Cultural. Debemos Distinguirlo. Trabajo de la Curaduría. Más allá de lo que me guste o no, de lo bonito o feo que sea, de lo moral o inmoral que me parezca, más allá de mi juicio, está la cuestión de la trascendencia, lo que yo considero verdaderamente importante del arte. No creo que la experiencia personal en tanto que tal sea más importante que el vaciado del conocimiento personal de la propia experiencia. Por ello, la Curaduría debería ser más


sensible al tema. También la Curaduría puede darle en toda la torre al trabajo trascendente del artista. ¿Pero a quién debemos responsabilizar? ¿Al Curador, al Público o al propio Artista, por su torpeza? Yo creo que al Artista, por su propia y estorbosa torpeza. La de creer en otro juicio que no sea el suyo. La de someterse a la Opinión, que se es Artista para ser libre. ¿No es una experiencia personal? ¿No fueron sus manos las que crearon? ¿Su Voz, su Pensamiento, Su Historia? ¿No fue su tiempo y su vida lo que realmente se invirtió? ¿Entonces qué ir a preguntarle a nadie? Sin demeritar el trabajo de la curaduría, que debidamente abordada es muy útil, quiero decir que la verdadera responsabilidad de la no trascendencia de lo sublime en el arte es por culpa de la falta de la propia fe. Si el artista no cree en su trabajo, ¿es sincero o quiere el aplauso? ¿O el dinero? ¿Quiere la fama o qué? Por tanto, el artista puede fiarse de su propio trabajo. Que es suyo.

Un curador que sabe hacer su trabajo es de gran ayuda para los artistas, porque distingue la paja del grano. Pero el propio grano distingue a la paja aunque esté arriba en la jerarquía burocrática. Sólo el grano puede saber qué es brizna. Un buen curador se prepara. Es un curador, que no un Artista. Aunque pueda perfectamente ser ambas cosas, claro. Como médico y enfermo es a veces la misma persona. Sólo que el médico no se opera a sí mismo, pero sigue siendo un médico en cirugía, sólo que

en el quirófano estará anestesiado por esta vez. Así el Curador que también es Artista, no puede ser Artista mientras hace Curaduría, también estaría intoxicado de sí mismo, anestesiado como el médico enfermo. Y seguramente no está pensando en el valor de la propia obra, en la intención del autor y su valor en el mercado, mientras está sublimando su existencia como Artista. Mientras se mantengan las fronteras puede ser ambas cosas y es deseable que lo sea. Pero no es necesario, porque la curaduría es otro tipo de sensibilidad que la del artista y distinguir esto es básico. Es mejor un buen curador que un mediano artista-curador. En conclusión, que el Artista es el Juez, no el Acusado y Juzgado. No hay Juicio para él, es Su Propia Realidad.


Edgar Barroso: Inmersion Absortion Connection Por Grego Applegate Edwards

¿Cómo se puede evaluar la música clásica contemporánea? me preguntaba cuando era joven la primera vez que estuve expuesto a música nueva, tenía un criterio simple. “¿Qué es esto tan raro?”. Dejé de hacerme esa pregunta cuando me di cuenta que eso “raro” me estaba cambiando. Una vez que "Rite of Spring" se volvía familiar, perdía su rareza, y alguien como Roy Harris no era en absoluto raro, pero por supuesto que era importante. Así que eventualmente reuní un conjunto de factores a considerar cuando me expongo a una obra de música inédita. ¿Hace un uso innovador y eficaz del color del sonido? ¿un tipo de cohesión estructural? ¿es armónicamente interesante (no siempre aplicable)? ¿es melódicamente memorable (no siempre ésto es necesario)? ¿hay un flujo en ésta música? ¿una narración en su sintaxis musical? ¿o es inconexo a propósito? Estas son sólo algunas cosas que ahora considero, pero los tiempos cambian, de modo que hay diferentes sonidos y 42

formas que entran en juego hoy en día. Pero todo-en-todo lo tiendo a escuchar con un conjunto básico de factores como éstos en mente.

Al exponerme a la gran cantidad de música contenida en los 3 CD´s retrospectivos de Edgar Barroso, Immersion Absorption Connection (Ravello 7917), era necesario una evaluación. 19 obras se presentan en el conjunto de discos, la mayoría ensambles de música de cámara. Barroso es un producto musical de Harvard y fue el


Director del “Grupo de Harvard para la Nueva Música” de 2010 hasta 2012. En 2015 se convirtió en miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México. El interior del disco describe sus composiciones como: “colaboraciones transdisciplinares, alusivos flujos de sonido, tecnología, energía en conflicto y encarnación del sonido a través de objetos y gestos." Eso puede sonar algo revoltoso, pero es lo que identifica a Barroso, un alto modernista en su uso de la terminología descriptiva, casi científica. Describen su interés por la ciencia contemporánea y la tecnología, las costumbres sociales y la espiritualidad entre otras más cosas. Por supuesto este tipo de lenguaje comprimido lo deja a uno con un conjunto de posibilidades en cuanto a lo que se podría oír, y es hasta el escucharlo cuando nos damos cuenta de lo que su música hace con estas ideas. Un alto modernista, post-serialista, con un avanzado color musical, armónica música expandida. Quizá no sea casualidad que trabajó con Ferneyhough en Har-

vard, porque la música de Barroso tiene la calidad sin concesiones que alguien como Ferneyhough ha defendido consistentemente. Más allá de que hay demasiada música como para poder resumirlo con facilidad, y que es necesario escucharlo concentradamente durante un período de tiempo para lograr comprenderlo. Una vez hecho esto empezarás a ver el rigor y la visión que combina en su música. Esto no es una comida ligera. Es un proyecto ambicioso, una forma muy seria de lograr unir la modernidad a la gran tradición. Es algo que vale la pena escuchar. Por todo esto es una excelente y amplia introducción a su música, interpretada con cuidadosa exigencia y lleno de riqueza musical. Me alegro de tener la compilación y encontrar que es una adición esencial para mi sección de la biblioteca dedicada a la nueva generación de modernistas. Muy recomendado para aquellos que aprecian abstracciones avanzadas.

Puedes escuchar Immersion Absortion Connection en Spotify

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El Arte Hasta en la Sopa Fotograf铆a de Alimentos Por M贸nica Badillo H.


Pon en práctica estos sencillos consejos y verás que en estas fechas de fiestas y banquetes, tus imágenes serán la en envidia en redes sociales. En días pasados tuve la invitación de una amiga muy querida y gran fotógrafa, Cris Martínez, a ser apoyo para su clase de “Fotografía de Producto y Comercial” en el ITESM Campus León. Ella me pedía que es explicara a sus alumnos cuáles son las reglas de montaje de los platillos, los aspectos a tomar en cuenta al momento de fotografiar correcta y profesionalmente alimentos. Una de las inquietudes era que los futuros mercadólogos supieran realizar una buena sesión, con bases gastronómicas y no simplemente estéticas, que cayeran en lo falso o irreal por crear simplemente belleza y composición. Como hemos comentado en artículos anteriores y básicamente de lo que trata ésta sección, es hacer resaltar la interrelación que tienen el arte y la gastronomía y cómo potencializar ambas para crear. Así que me di a la tarea de buscar ele-

mentos fundamentales para lograr este objetivo. Aún siendo chef desde hace varios años, aquello de las “reglas y excepciones”, con la práctica y el paso del tiempo se olvidan o se dan por sentado, como cuando algún extranjero te pregunta el porqué de una regla gramatical o cómo se dice en español esto o aquello… tienes que reflexionarlo y si fuiste muy bueno en primaria, quizás te acuerdas, pero si no, pues encoges los hombres y le dices: -¡porque así lo digo y punto!- Pues justo eso me pasó (me río de mi misma), así que decidí en esta ocasión darles algunos tips acerca de la fotografía de alimentos emplatados. Partiendo de la premisa de que se come primero por los ojos, nuestra meta será que el espectador se quiera comer la imagen de lo suculenta que la presentamos.

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Debemos dejar espacio entre el borde del plato y el final de nuestro platillo, ya con salsas y guarniciones, recuerda que los espacios en blanco también son importantes

a) De las primeras cosas que aprendí al emplatar en la Universidad fue que los elementos para tener una mejor estética, nunca debían aparecer en número par, siempre impares. Si vas a fotografiar galletas, usa 3 o 5, nunca 2 ni 4. b) En tu plato todo debe armonizar, debe tener una justificación el por qué se encuentra ahí, no ponemos elementos sólo por color o por crear volumen. Por ejemplo, para decorar un pastelito de chocolate, no uso una rama de romero para darle contraste, si es necesario un toque de verde uso hojitas de menta o de hierbabuena, tampoco de albahaca que se usa más para platillos salados, ya que el cerebro no lo identificará como “correspondiente” al alimento en cuestión. c) Acerca de la vajilla a usar: de preferencia que sea de un color neutro, 46

si tiene manchas o pinceladas o algún diseño impreso, quitará la atención de la comida en sí. También debe tener el tamaño suficiente para que no se desborde la comida si es demasiado pequeño o al contrario, que se vea una preparación minúscula en medio de un gigantesco plato. d) Debemos dejar espacio entre el borde del plato y el final de nuestro platillo, ya con salsas y guarniciones, recuerda que los espacios en blanco también son importantes y nos ayudan a descansar la vista. e) Jugamos con todos los ingredientes, con texturas y alturas para darle vida y dinamismo a nuestro platillo. Combinamos colores. Usamos diferentes formas y figuras en las preparaciones para dar volumen y equilibrio al platillo. f) En cocina contamos con diferentes


Tips prácticos de fotografía de alimentos: La iluminación: éste tema es muy vasto y sumamente interesante pues es el que nos ayudará a dar volumen y textura a nuestros alimentos y por lo tanto, se vea apetitoso. De preferencia usar luz natural con difusor, ya sea lateral o posterior. Si se necesitan luces de relleno artificiales, difuminar muy bien cuidando las sombras muy marcadas. Nunca usar flash para evitar que parezca comida de plástico.

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Ten cuidado con la nitidez y el enfoque, para tener unas fotos de 10, usa un tripié.

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Intenta con muchos ángulos, no te encasilles con uno solo, así podrás después escoger la mejor toma, recuerda que los alimentos rápidamente se desjugan, pierden su brillo, se remojan, etc. Hazlo lo más rápido posible.

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ilustración: oscar belmontes

técnicas de cocción, colocamos alimentos preparados con dos o más de ellas. Por ejemplo un filete frito con verduras al vapor y un puré de camote (cocido con agua), adornado con una rodaja de betabel deshidratado para dar color y una ramita de romero fresco. g) Muy importante es colocar el alimento principal, puede ser la proteína (pollo, res, cerdo, pescado) o algún otro elemento, en uno de los puntos de intersección en nuestros tercios, a esto se le llama Punto focal, es donde llamará más la atención y de ahí podrá partir nuestra imagen. h) Si algún elemento necesita ser cocinado, no sobrecocer, dejar un poco crudo para que ni las verduras pierdan sus colores vibrantes ni las proteínas mermen su tamaño ni se desjuguen. Lo queremos lo más vistoso posible.

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Puedes crear un bodegón sencillo para ayudarte a dar una mejor composición, usa elementos de atrezzo para dar realce a tu platillo, pero siempre mantén un encuadre cerrado quitando todo lo que no aporte a la foto y distraiga.

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Llego un punto en el que sentía que me moría. texto e ilustración: cristina palapa

Emocional y físicamente no estaba bien. Nunca imagine que algo así pudiera pasarme. Nadie se lo imagina. Fui diagnosticada con Lupus ( trastorno autoinmunitario en el cual el sistema inmunitario del cuerpo ataca por error el tejido sano. Puede afectar la piel, las articulaciones, los riñones, el cerebro y otros órganos ). Tenia miedo. Aceptarlo fue difícil, nadie quiere estar enfermo. Pero nunca me encontré sola, la gente que me quería siempre estuvo a mi lado apoyándome. Fue entonces cuando comprendí que el estar enferma no era el fin del mundo, sino una oportunidad para verlo de una manera distinta.  A partir de mi diagnóstico mi vida cambió, pero no todo es negativo. Me volví mas valiente, me atreví a hacer cosas que nunca pensé que haría. De verdad aprendí a vivir el día como si fuera el último, a disfrutar cada momento. 

Lupus. Ese fue mi comienzo.  49


del mundo Por XosuĂŠ MartĂ­nez


Una mañana ocurre la creación del mundo Estruendo El goce de llenar todas las esquinas de la cama Esquirlas La increíble lentitud del tiempo Aliado del momento. Se agradece la calma, la resaca de perfume el cuerpo bañado en un dulce salitre Permanencia. Ocurre así que la creación del mundo no es un beso como la paz manda en sus oficios

es la espera

el recorrido

la distancia

La gravedad ante s de de sper t ar. Luego ocurre la luz. Ese paraíso perdido que se encuentra cuando se puede observar la piel que se toca Cuando te encuentras cara a cara los lunares aves estáticas que decidieron no migrar ese año y formar en silencio una parvada, galaxia, puntos para jugar y unir en la ebullición del mundo.

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Luego aparecen los inventos El motor que lleva prisa el histérico reloj el tiempo que se niega siempre a sí mismo. El mundo se descompone en segundos cuando llama el exilio y la sobriedad se convierte en el arma más punzante. El mundo se fragmenta en el último gemido cuando confirma que ha sido creado por la simple razón de poder ver a aquella mujer que dormita a tu lado y que ella también puede verte. Luego ocurre la mecánica

la lucha

la efervescencia

la ropa, eclipse para las aves. Llega la charla el café inventando la calma el frío afuera irónica la luz adentro. Irónica también la creación del mundo la despedida en el invento del beso. La increíble lentitud del tiempo que te ha traicionado. Justo ocurre el incendio el cabello en el piso combustible obsesivo y la historia explota.


El mundo sin forma ha sido creado trazo mal dibujado de espera, de horas. Pérdida de sueño, una sonrisa que se repite en el recuerdo incansable. Luego el mundo no importa: los dinosaurios, las guerras los ruidos, la cerveza la certeza de extinción es lo que sangra. Luego importa fuego cuando llega la noche y el mundo se apaga el eclipse abre sus rejas y las aves vuelven a conquistar su lugar visible en la galaxia vacía: y se vuelve a crear el mundo.

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¿Qué es RECI? RECI es la red de espacios culturales independientes (E.C.I), de la ciudad de León Gto., se conforma por directores e integrantes de los espacios culturales y Gestores culturales profesionales. La razón de ser de la red es crear una comunidad colaborativa entre gestores y dirigentes de los E.C.I., para fortalecer a estos centros existentes en la ciudad; el asesoramiento, la vinculación y difusión son las vías por las cuales se pretende mejorar. La inclusión social es un compromiso de la red, que pretende generar un impacto social. Dentro de la misión de RECI, es ser el ente legal modelo de comunidad colaborativa en el ámbito artístico y cultural con reconocimiento nacional, así como estar vinculados con otras organizaciones internacionales Ser una plataforma de apoyo para artistas emergentes y gestores que tengan intención de abrir espacios culturales y busquen generar mayor participación de la sociedad, que reafirmen el compromiso con una sociedad incluyente.

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cultural con los E.C.I. · Vincular a RECI con instancias de gobierno y el sector privado. · Generar diálogos entre la ciudadanía y los E.C.I para compartir información y atender sus inquietudes. · Crear el diálogo entre la comunidad de centros culturales independientes para lograr colaboraciones e intercambios de conocimientos y estrategias. · Gestar fondos para reanimar a los E.C.I y apoyar a los centros culturales independientes emergentes. · Conectar a RECI con otras redes de colaboración de carácter nacional e internacional.

¿Cuáles son sus objetivos?

¿Cómo surgió RECI?

· Difundir el trabajo de los espacios culturales independientes de la ciudad de León, Gto. · Fortalecer la creación de públicos a través de proyectos implementados en los E.C.I. · Vincular a profesionales en la gestión

Fue una iniciativa de jóvenes gestores de la licenciatura en Cultura y Arte de la Universidad de Guanajuato, Campus León, que tras una reflexión sobre la importancia de los espacios culturales independientes, se dieron a la tarea de crear un proyecto que en primera in-


stancia generara una comunidad entre los dirigentes y equipo de cada uno de los centros culturales de este perfil para crear un intercambio de públicos y fortalecer los espacios en distintos niveles a través de la colaboración, se trata de una red de aportación y recepción, y de la mano de gestores culturales, fundar una propuesta para el crecimiento mutuo. Es una red representada por 6 áreas, en Dirección se encuentra Edgar Zayas, enseguida se encuentran las coordinaciones de Vinculación y Promoción a cargo de María Fernanda Franco; Coordinación de asuntos Jurídicos y Administrativos por Karla Durán; en la Coordinación de Producción encontramos a Yadira Flores; mientras que la Coordinación de Atención a Espacios Culturales Independientes está a cargo de Vanesa Caicedo, finalmente encontramos la Coordinación de Marcadotecnia por Tatiana Quintero, egresada de la universidad de De la Salle Bajío. A través de estas áreas RECI busca el fortificar los cimientos de los E.C.I en primer lugar, con el reconocimiento jurídico y fiscal de centros culturales de este perfil, es decir, que exista una licencia para la apertura de un espacio independiente, más adelante se obten-

drán vínculos con otras redes como la Red Transibérica y además, ser un fondo de apoyo para la apertura de nuevos espacios que artistas o gestores emergentes quieran abrir en zonas de la periferia, lo cual estaríamos involucrando a este proyecto a sociólogos y antropólogos para conocer cada una de las zonas donde se encontrarán los nuevos espacios. Así es como el proyecto RECI surgió y trabajará para cumplir cada una de las metas aprovechando el potencial de una licenciatura en gestión cultural existente en nuestra ciudad.

¿Cómo conocer más del proyecto? Se puede tener contacto a través de nuestro correo: redindependiente. leon@gmail.com, o a través de nuestras redes: Fb RECI Red de Espacios Culturales Independientes León, Gto. en twitter como @RECILeon y en el canal de Youtube RECI León, Gto., con nuestros reportajes realizados a diversos E.C.I.

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David Bowie

El hombre que cayó a la tierra. Por César Román

La muerte pronto deja de ser noticia, pero estamos hablando de inmortalidad, y Bowie aprendió a ser inmortal. Bowie simbolizo como pocos el aislamiento, el abandono, el miedo, la ansiedad. Máscaras y mensajes encriptados fueron algunas de sus herramientas para morir-renacer una y otra vez. Nunca masivo, más bien un artista underground exitoso. Rock, soul, electrónica, pop, jazz, experimental, cine, teatro, danza, arte, moda. En todos respetado, porque pocas veces hemos visto tanta inteligencia, tanta elegancia. Bowie sabía con quien juntarse, la lista con quien se rodeo es inmensa, muchas veces inesperada pero siempre llena de talento. Por eso no es de extrañarse que se hizo amigo de la muerte, su aliado. Las mutaciones conducen a la inmortalidad, por eso Bowie lleva rato siendo inmortal.

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"Awakening of a Larvalstage" Fernando Valadez TĂŠcnica: acurela, lapiz y tintas.

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"Al Final esta el Comienzo" Alma Fuentes Zorrilla

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In memoriam

Jaime Santoyo "El se帽or del barro" 15/septiembre 1947 Guadalajara, Jal.-14/enero 2016, Le贸n, Gto.


Al final esta el comienzo.

Revista CODA no.8  

Octava Edición de la Revista CODA Comunidad de Diseño y Arte.

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