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15 DE ENERO DE 2008

EDICIÓN Nº 01

FOTOGRAFÍAS DE LOS AÑOS

LA PINTURA EN TIEMPOS DE GUERRA MAITENA Y SU CÓMIC EVOLUCIÓN DE LA TIPOGRAFÍA EL DISEÑO PUBLICITARIO


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¿Quién es Armando Reverón?

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Diseño publicitario

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La Revolución y el arte Mexicano

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Cómic: Maitena

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Fotografías de los años 60

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Mujeres alteradas por Maitena

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La Tipografía y su evolución

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El Graffiti


La Vida de un Artísta ARMANDO REVERÓN

Las obras del Artísta Plástico Armando Reverón, vida y muerte

Armando Reverón Nace en Caracas el 10.05.1889. Muere en Caracas el 18.09.1954.

Art

ista y pintor, la obra de Armando Reverón, realizada en gran parte en el Litoral Central de Venezuela, capta y transmite toda la luminosidad del trópico. Asimismo, Reverón fue miembro sobresaliente de la Academia de Bellas Artes, junto a figuras de la talla de Manuel Cabré, Antonio Edmundo Monsanto y César Prieto. En cuanto a su infancia, se sabe por testimonios de la época, que a los pocos años de haber nacido en Caracas fue dado en crianza por su madre a un matrimonio de Valencia, los Rodríguez Zocca, quienes se ocuparon de su primera educación. Su tío-abuelo materno, Ricardo Montilla, quien había estudiado pintura en Nueva York, fue la persona que contribuyó de manera definitiva a despertar su vocación artística.

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En 1904, vive con su madre en Caracas y en 1908, se inscribe en la Academia de Bellas Artes, donde tiene como profesores a Antonio Herrera Toro, Emilio Mauri y Pedro Zerpa. Su rendimiento le valió la recomendación de sus profesores para obtener, al finalizar el curso de 1911, una pensión de estudios en Europa. Este mismo año, viaja a España y se dirige a Barcelona, donde ingresa a la Escuela de Artes y Oficios. En 1912, hace un breve retorno a Caracas; de nuevo en España, entra a la Academia de San Fernando en Madrid. De acuerdo con algunos estudiosos de su vida y obra, la capital española dejó una profunda huella en su espíritu; siendo cautivado además por el universo de Francisco Goya. Más tarde, recordará su paso por el taller de Moreno Carbonero, pintor un tanto extravagante, maestro de Salvador Dalí. Regresa a Venezuela a mediados de 1915. Ya en Caracas, retoma su trabajo mientras asiste a las sesiones del exclusivo Círculo de Bellas Artes.

Aunque estaba ausente de Caracas para el momento de la creación del Círculo, los fundadores de éste le consideraban como uno de los suyos. En 1916, Reverón pinta al aire libre sus primeros paisajes resueltos dentro de una tonalidad azul. Poco después se traslada a La Guaira donde vive de dar clases privadas de dibujo y pintura. Allí conoce en el carnaval de 1918 Juanita Mota, quien sería su modelo e inseparable compañera. También en La Guaira, se encuentra al pintor de origen ruso Nicolás Ferdinandov, a quien había conocido en Caracas el año anterior. Durante este tiempo Reverón visita con frecuencia el rancho de pescadoresque el pintor ruso ocupaba en Punta de Mulatos. Siguiendo los consejos de Ferdinandov, Reverón decide instalarse en el litoral, iniciando con esto una nueva etapa en su vida y en su obra. Para 1921, vive en un rancho de la playa, en el sector de Las Quince Letras.

Poco tiempo después se muda y comienza a construir, un poco al sur, el castillete que le serviría de morada para el resto de su vida. Esta decisión coincidió también con un cambio de conducta y por supuesto, una transformación de sus conceptos artísticos. En este período, al adoptar hábitos primitivos y desvinculado de la ciudad, Reverón pudo desarrollar una percepción más profunda de la naturaleza y esto lo llevó a emplear un método de pintar, así como a adoptar procedimientos y materiales que se adecuaban a su afán de representar la atmósfera del paisaje bajo efectos del deslumbramiento producido por la luz directa del sol. Además, creó valores cromáticos e ideó nuevos soportes, utilizando elementos autóctonos. Entró así a lo que el crítico Alfredo Boulton llamó su “Época Blanca”, ubicada aproximadamente entre 1924 y 1932. En 1933, se le hizo un primer reconocimiento, al realizarse una exposición de su obra en el Ateneo de Caracas, que luego fue presentada en la galería Katia Granoff de París. A comienzos de 1940, inició su “período sepia”, al que correspondería un conjunto de lienzos pintados en el litoral y en puerto de La Guaira y en donde los tonos marrones del soporte de coleto constituyen el valor cromático dominante de la composición; paisajes de mar y tierra donde destacan las marinas del playón, a los que siguió un período depresivo tras sufrir el artista una crisis psicótica que obligó a su reclusión en el sanatorio San Jorge, de José María Finol. Recuperado, no volvió a pintar como antes. La última de sus crisis tiene lugar en 1953, siendo internado nuevamente en la clínica de Báez Finol, el mismo año en que le era conferido el Premio Nacional de Pintura. Confortado por este tardío estímulo, trabajaba con ahínco para una exposición que había anunciado el Museo de Bellas Artes, cuando le sobrevino la muerte mientras se encontraba en el sanatorio San Jorge.

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Revolución y Arte XILOGRAFÍA MEXICANA

XPRESIÓN DEL ARTE EN LA GUERRA

“La revolución que hace arte” (Título de un grabado de Leopoldo Méndez, 1929)

En los primeros años del siglo XX, a la par que el surgimiento de las vanguardias artísticas, apa recen los grandes debates en torno a la relación entre arte y sociedad. Se trata de un periodo de gran creatividad, tanto en la actividad artística como en el pensamiento crítico. Surgen

las corrientes internacionales al tiempo que en algunos países se van construyendo las bases ideológicas de su arte “nacio nal”. El mundo de la gráfica es muy sensible a todos los movimientos políticos y soc iales. No olvidemos que durante mucho tiempo la gráfica fue el único ámbito de expresión artística de temas ideológicos, revolucionarios, eróticos, etc. que no tenían cabida en otros soportes. 6


Maestro de l a fotografí a de los años 60

Cecil Beaton

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n México la imagen de la creación gráfica tiene un representante fundamental, José Guadalupe Posada (1852-1913), cuya obra constituye el modelo de gran par e e a gra rca que se liara posteriormente. Posada realizó 900 gráficos que conforman un completo retrato de la sociedad mexicana y que sintetizan la tradición de la gráfica y la literatura popular, abarcando desde sus aspectos costumbristas hasta los religiosos, pasando por la crónica sentimental o de sucesos, los corridos, las hojas volantes o las calaveras. José Guadalupe Posada (1852-1913), cuya obra constituye

el modelo de gran parte de la gráfica que se hará posteriormente. Los grandes artistas del muralismo mexicano vieron en Posada un modelo a seguir. La obra gráfica y el muralismo enlazan en la medida en que se trata, por lo menos en intención, de medios que, al contrario que la pintura de caballete, tenían una difícil o nula comercialización -en esto eran “anti-burgueses”y que posibilitaban la educación de la clase trabajadora a través del arte. Tanto el grabado como los murales respondían perfectamente a la narración social y a la ética revolucionaria que propugnaba el nuevo estado mexicano.


Cecil Beaton

tales como; Gary Cooper, Johnny Weissmuller, Dolores del Río. Hacia 1930 escribió “El libro de la belleza”. Al cumplir los 30 ya era el retratista preferido del mundo de la moda, el cine, el teatro, las artes visuales, la literatura, la música y el fotógrafo oficial de los Windsor y a mediados de los años 50 termina su contrato con su querida revista Vogue. Audrey Herpburn

El londinense será recordado sobre todo por sus retratos de Marilyn Monroe, Audrey Herpburn, Greta Garbo o Picasso entre otros.

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ecil Beaton nació en Londres en 1904 en el seno de una familia aristócrata inglesa. Creció bajo la fascinación de de las revistas de sociedad y las fotos que allí encontraba. Cuentan algunas fuentes que Beaton, siendo sólo un niño, y estando sobre la cama de su madre, queda fascinado por una fotografía-postal de un actriz (Lily Elsie). La admiración por las fotografías de las actrices de la época se fue reforzando. Las comenzó a coleccionar. Coco Chanel por Cecil Beaton.

En 1915 le regalan su primera cámara fotográfica una Kodak 3A de fuelle, que en su momento era la típica cámara para aprendices y aficionados. Fue guiado por Alice Collard quien le enseñó las técnicas del revelado y fijado. En los años 20 era muy normal que las mujeres de la alta sociedad se dejaran fotografíar en los estudios e incluso pagasen por un retrato justo, elegante y “ensalzador”. Este ambiente de glamour, de la élite y las estrellas del cine envolvieron a Beaton desde entonces y fomentaron un

Marlon Brando por Cecil Beaton.

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especial gusto por el retoque fotográfico y la sugestión de ambientes como fondos de los fantásticos retratos.

Durante los años 60 dedicó todo su talento y energía al muno del cine y el teatro. Además fue un notable escenógrafo y diseñador de vestuario para cine, destacándose en “Gigi” por las que ganó dos Oscars.

Marilyn Monroe una de las musa de Beaton El característico toque de Beaton, su capacidad para sugerir mundos frágiles, sofisticados y sensuales, hicieron del artista un genio de la escenografía teatral, un fotógrafo de la moda más sugerente y un famoso retratista. La publicación de su retrato del joven Lebas en el Photographs o the Year de 1922 fue para él la primera consagración oficial. En las páginas de Vogue y en sus portadas descubrió, Beaton, un gran referente, el retratista Barone de Meyer, a quien describiría años más tarde como el “Debussy de la máquina fotográfica”. Meyer era famoso por aquel entonces por conseguir crear atmósferas luminosas con toques artificiales y esplendorosos orientadas a fotografiar el mundo de la moda y la alta sociedad. Tal es su admiración que tomó como

Andy Warhol por Cecil Beaton inspiración estos ambientes y trucos fotográficos de Meyer, pero no sólo tomó eso, además adoptó el mismo tipo de letra con el que firmaba él, para firmar sus retratos. Otro de sus referentes y maestros fue George HoyningenHuene de quien diría “Estoy agradecido a George por haber dado una nueva dimensión a mi oficio de fotógrafo”. En 1924 se introdujo en el mundo de Vogue con un retrato retocado de su amigo George Rylands. Durantevarios años después, reúne material suficiente y abre una exposición en el West End, en 1926 empieza a dedicarse exclusivamente a la fotografía. Los numerables famosos posaron ante su objetivo entre decorados

innovadores: técnicas de luces y sombras, manipuladas con gran sensibilidad, se funden en escenarios decorados con un estilo de elegancia muy personal. Juegos de espejos y de figuras, estatuas y vestidos extravagantes.

“Estoy agradecido a George por haber dado una nueva dimensión a mi oficio de fotógrafo”.

Jardines, palacios, estaciones, paisajes destruidos por la II Guerra Mundial, fotografías a través de cristaleras… Su obra está marcada no sólo por los protagonistas de sus retratos sino también por sus ambientes, por las atmósferas y por la sutil forma de transmitir su opinión y sensibilidad. En Hollywood y aprovechando la deslumbrante luz de California y sus pintorescos claroscuros realizó una serie de retratos a personajes

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La tipografía y su evolución

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efinimos la tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras.

La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo tipográfico se ha considerado como uno de los miembros más activos de los cambios culturales del hombre.

En los primeros signos de escritura, cada signo nos expresa una idea, un concepto o una cosa; estos signos se combinan entre sí para comunicar ideas más complejas. Estos sistemas de escritura son los pictogramáticos, jeroglíficos e ideogramáticos. El campo tipográfico, abarca la realización de libros, periódicos, anuncios publicitarios, revistas, etc... y cualquier otro documento impreso que se comunique con otros mediante palabras.

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onocer y comprender los colores y lo que nos transmiten, es importante y básico para trabajar con los tipos y en el mundo del diseño gráfico. Normalmente, cuando nos encontramos diseñando una presentación y partimos de poco espacio, utilizamos el color para enfatizar las letras. Para conseguir una buena legibilidad cuando se diseña con tipos y color deberemos equilibrar cuidadosamente las tres propiedades del color (tono, valor e intensidad) y

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Recordamos que los colores pueden dividirse en dos grupos: colores fríos y cálidos. Los colores cálidos van desde el rojo al amarillo, y son colores muy impactatnes, ya que destacan mucho sobre un fondo. El rojo o el naranja son colores muy vistosos y llamativos, por este motivo se usa el color rojo en los semáforos y muchas señales de peligro. Los colores fríos, se utilizan en la decoración infantil, centros de estudio, hospitales. El blanco, gris y negro, no nuede incluirse en los grupos de cálidos y fríos.

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El color en la tipografía y en la elección del tipo

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Cómo impacta el color

determinar el contraste adecuado entre las letras y su fondo Cuando se combinan tipos y color, el equilibrio entre estas características es importantísimo. El color tipográfico es una ilusión óptica, creada por las propias proporciones y formas de los diseños tipográficos. Éstas nos hacen percibir la sensación de un color distinto, aunque esté impreso en el mismo color. Aunque las palabras estén impresas en el mismo color, cada una de ellas puede poseer un tono diferente, debido a las características propias de sus

Los tonos marrones, tostados cremas y ocres, representan añoranza y son perfectos para representar productos naturales y clásicos. En diseños publicidad tipográficos. se emplea en anuncios en blanco y negro o escala de grises, para resaltar el producto o elemento protagonista. Los colores primarios se utilizan en productos infantiles, porque aportan alegría y juventud. Las tipografías doradas o plateadas sobre fondos oscuros nos evocan elegancia y sofisticación, y son muy adecuadas, si se trata de un proyecto donde se debe incluir el lujo, la elegancia o poder.

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Diseño Publicitario

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l diseño publicitario, es la creción, maquetación y diseño de publicaciones impresas, tales cómo; revistas, periódicos, libros, flyers, trípticos, etc

revistas. Después ya se extendió a la televisión, la radio. En esta fase desarrollo de los medios de comunicación, es cuando se une a su vez al desarrollo del mercado, los A lo largo del tiempo han ido productos de mercado, las apareciendo diversos métodos y empresas, seran puntos fuertes formas de comunicación, desde que defenderán en gran medida los grafitis, (las famosas pintadas de los diferentes medios. en la pared que realizaban Durante la historia, el los romanos para comunicar diseño publicitario ha ido alguna noticia), los carteles, evolucionando, constantemente, las primeras publicaciones de en un principio toda la prensa (diarios )y luego las técnica se elaboraba de forma

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Diseño publicitario: Las tendencias

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l diseño publicitario se encuentra en un punto imposible de determinar, ya que se encuentra reproducido en muchos ámbitos, con sus variables y tendencias.

La labor de un diseñador gráfico, es la de transmitir ideas mediante el uso de cualquier elemento, ya sea un texto, una imagen. No obstante la utilización de un elemento u otro, se encuentra marcado por las tendencias. Las tendencias, son las preferencias sobre los gustos, compartidos por diferentes

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manual, hoy en dia se usan tecnologías más avanzadas de diseño y producción. Antes de llevar a cabo un diseño publicitario, un diseñador y el resto del equipo de trabajo, deben tener en cuenta cuatro puntos muy importantes: El producto a diseñar, el grupo de personas, usuarios o grupo de individuos va dirigido, los medios por los cuales se va a realizar la publicidad y por último la competencia.

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grupos de personas, las cuales, coinciden al representar un diseño marcado por un estilo, que influye sobre el resto. En cada proceso, el diseñador deberà emplear distintos diseños del resto y dependiendo del elemento que se va a diseñar. Los diseños realizados por un mismo individuo, se encuentran marcados por su estilo personal, que lo diferencia del resto. Las modas, es otro de los elementos, por el cual se encuentra marcado el diseño, pero en gran medida las marcan los grandes diseñadores.


En noviembre de 2006 salió a la calle Mujeres Alteradas 1, 2, 3, 4, 5, una antología que reunió aquellos cinco libros de Maitena. Maitena Burundarena nació en Buenos Aires en 1962. Es la sexta de siete hermanos. Es autodidacta. Autora de la célebre tira Mujeres Alteradas, Maitena ya ha sido traducida a doce idiomas y sus tiras son publicadas, o lo han sido durante largos años, en diarios y revistas de más de treinta países, incluyendo a los más importantes de Latinoamérica, a prestigiosos medios de Europa (El País, La Stampa, Le Figaro) y a los de culturas tan distintas y distantes como las de Islandia, Grecia, Alemania, Holanda o Corea.

Mujeres Alteradas

Recopilada en forma de libros, la serie Mujeres Alteradas lleva vendidos, sólo en idioma español, más de un millón y medio de ejemplares. En sus comienzos, en la década del 80, Maitena publicó historietas eróticas en distintos medios europeos (como la mítica revista Makoki, de Barcelona) y, en la Argentina, en Sex Humor, Fierro, Humor, y Cerdos & Peces. Trabajó como ilustradora gráfica para diarios y revistas de Argentina y para diversas editoriales de textos escolares. Fue, también, guionista de televisión, tuvo un quiosco 24 17

horas, un restaurante y un bar. Su primera tira cómica, Flo, se publicaba en el diario Tiempo Argentino, de Buenos Aires. Esos trabajos fueron compilados en un libro de Ediciones de la Flor, titulado Y en este rincón, las mujeres. En 1993 la revista femenina líder de Argentina, “Para ti”, le propuso hacer una página de humor semanal. Así nace “Mujeres Alteradas”, la conocida serie de viñetas que actualmente aparece publicada en medios de todo el mundo. En 1999,“MujeresAleteradas” (traducida del “argentino” al español), comenzó a aparecer en El País Semanal, la revista dominical del diario El País, de Madrid. A partir de entonces y en forma creciente, comienza la internacionalización de Maitena.

Superadas Las viñetas de “Mujeres Alteradas también fueron recopiladas en una serie de cinco libros, cuya versión en lengua española actualmente publican las editoriales Randomhouse - Mondadori (España y Latinoamerica) y Sudamericana (Argentina).

MAITENA

Hasta el momento, la serie Mujeres Alterdas ha sido traducida al inglés por Penguin Books,al francés, por Editions Metailie; al italiano por Mondadori, al portugués por Presenca (en Portugal) y por Rocco (en Brasil); al griego, por Harlenic, al catalán, por Randomhouse – Mondadori; al alemán, por Lappan y al coreano por The Editor Publishing. Y están en preparación las versiones en polaco y húngaro. Desde 1998 y hasta mediados de 2003, Maitena publicó también un chiste todos los días en la página de humor del diario argentino La Nación, bajo el título de Superadas. Actualmente esos chistes aparecen publicados en otros diarios de Argentina, como La Gaceta, de Tucumán, El Día, de La Plata y en diversos medios internacionales, como el periódico Última Hora, de Paraguay, Folha de Sao Paulo, de Brasil, y la revista Joy , en México. Esta serie de viñetas también fue recopilada en forma de libros, bajo el título de Superadas 1, Superdas 2 y Superadas 3 cuya versión en español editan Ediciones de la Flor (Argentina) y RqueR (España).

Curvas

Peligrosas

EL HUMOR DE UN CÓMIC “Me gustaría tener tiempo para ver de qué estoy hablando, para pensar qué estoy diciendo y qué me gustaría decir...”.

Superadas ha sido traducido al catalán, por Columna, al alemán, por Ullstein, al holandés, por Sirene, al portugués, por Presenca (en Portugal) y por Rocco (en Brasil) y al italiano por Mondadori. En Junio de 2003 Maitena comienza a publicar todos los domingos una página de humor en la Revista del diario La Nación. Bajo el título de Curvas Peligrosas, esas páginas fueron recopiladas en dos libros que salieron a la venta

en diciembre de 2004 y diciembre de 2005, con notable éxito de ventas tanto en España como en Argentina. En noviembre de 2006 salió a la calle Mujeres Alteradas 1, 2, 3, 4, 5, una antología que reunió aquellos cinco libros de Maitena e incluyó un prólogo donde la autora hacía un repaso de su carrera y sus comienzos. Se agotó apenas lanzado y ya va por su tercera edición. En España, el volumen apareció bajo el título de Todas las Mujeres Alteradas, con idéntica suerte.

OBRAS PUBLICADAS Mujeres alteradas 1 Mujeres alteradas 2 Mujeres alteradas 3 Mujeres alteradas 4 Mujeres alteradas 5 Curvas Peligrosas 1

Curvas Peligrosas 2 Superadas 1 Superadas 2 Superadas 3 Toda Superada

Maitena Burundarena cumplió un viejo sueño: tiene una vida con vista al mar y disfruta del tiempo que compró con el éxito de sus dibujos.

Para felicidad de sus lectores, Maitena también llevó su creatividad y estética a agendas y tacos calendarios que se venden en toda Latinoamérica y en España y se renuevan cada año. La expansión de su creatividad a otras áreas es el desarrollo natural de una personalidad y una identidad que ya convirtieron a Maitena en una verdadera marca. Europa viene disfrutando ya hace cuatro años de carteras, bolsos playeros, urbanos, mochilas, toallas y ropa de cama con la inconfundible estética Maitena.

Mujeres Alteradas. La obra completa La ironía y la ternura van de la mano, convirtiendo el humor en una lección de supervivencia. 18


Mujeres Alteradas.

Maitena

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finales de los sesenta los adolescentes en la ciudad de Nueva York empezaron a escribir sus nombres en las paredes de sus barrios, aunque en realidad utilizaban pseudónimos, creandose así una identidad propia en la calle. Estos chicos escribían para sus amigos o incluso para sus enemigos. Quizás el ejemplo más significativo y a la vez el más conocido por todos sea el 19

de Taki 183, un chico de origen griego que a la edad de 17 años comenzó a poner su apodo. Su verdadero nombre era Demetrius (de ahí el diminutivo “Taki”) y 183 era la calle donde vivía (poner el nombre de la calle fue un elemento usado por muchos más escritores). Taki trabajaba como mensajero y viajaba constantemente en el metro de un lado a otro de la ciudad. En

el trayecto estampaba su firma en todos los lados, dentro y fuera del vagón. El no lconsideraba como algo malo, de hecho respondía así a las preguntas que le formularon en una entrevista en el New York Times: “Simplemente es algo que tengo que hacer. Trabajo, pago mis impuestos y no hago daño a nadie”. Estos actos le convirtieron en un héroe y después empezaron a imitarle. 20


A

lgunos de los escritores también destacados de aquella época fueron: Frank 207, Chew 127, Julio 204, Bárbara 62. En principio no buscaban estilo, sólo querían aparecer por todos los lados. Es a partir de aquí cuando surgió el boom y cientos de adolescentes comenzaron a poner su nombre por toda la ciudad, haciéndose necesaria la creación de un estilo, tanto en la caligrafía, como en los métodos de ejecución o incluso los lugares utilizados para dicho fin. Por ejemplo, Soul 1, un escritor de la zona de Manhattan, se dedicó a escribir su nombre a media altura en los laterales de los edificios. Tracy 168 citaba: “Eran inalcanzables para el resto de los humanos. Parecía que podía volar”. También podríamos destacar la anécdota de Bama, cuyo deseo por superar a los demás en cuanto a emplazamiento de sus pintadas le llevó a intentar escribir su nombre en lo alto de una montaña situada en el norte del estado de Nueva York. Cual sería su sorpresa cuando al apartar los ramajes y limpiar la superficie vió que se le habían adelantado: “¡Mierda!”. Se lamentaba el muchacho. Un caso muy sonado fue el de Seen al pintar su nombre en letras gigantescas en el mismísimo letrero de la colina de Hollywood. En cuanto a la caligrafía, en principio se utilizaba una bastante legible, hasta la llegada a Nueva York de un graffitero de Filadelfia llamado Top Cat, quien afirmaba que todo que

Taki 183. Nueva York. Años 70.

sabía sobre graffiti lo había aprendido en el legendario pan de maíz de Filadelfia. Escribía su nombre en letras finas y alargadas muy juntas. Eran difíciles de entender, pero precisamente esto las hacía destacar de las demás y llamaban la atención del resto, por lo que un gran número de escritores de Manhattan adoptaron su estilo y lo bautizaron como “Broadway Elegant”. Como contra, algunos escritores de Brooklyn inventaron su propio estilo, que consistía en letras más separadas adornadas con corazones, flechas, espirales... Y, por supuesto, el Bronx también tuvo su periodo de popularidad de estilo cuyo resultado era la mezcla de los dos anteriores. Aunque hay que decir que al final cada escritor optó por la creación de su propio estilo. Llegó un momento en el que el amasijo de firmas era tal, que surgió la necesidad de

concentrarse en el tamaño y color de las letras, surgiendo así los primeros tags con “outline” (filete o línea de borde) iniciados por Super Kool y que más tarde Phase 2 perfeccionó dando como resultado unas letras más gordas perfiladas y coloreadas: bubble letters o letras pompa. De aquí posteriormente nacieron los ya famosos throw up o vomitados, que como su nombre indica, son piezas espontáneas y de realización rápida. Otro tipo de letras son las block letters, perfectamente legibles similares a los rótulos. Pero el afán competitivo va más allá, y la obsesión por conseguir popularidad y respeto llega a una complejidad artística tal que las letras empiezan incluso a ser difíciles de entender, culminando así en el estilo más genuino del Bronx: Wild style o estilo salvaje.

“Ya a finales de los setenta, el graffiti alcanza sus cotas más altas con la incorporación de imágenes de la iconografía popular tales como personajes de cómic o dibujos animados, e incluso retratos y autorretratos en forma de caricatura” 21

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Vanesa Mora  

Trabajo de maquetación de Vanesa Mora

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