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saco6 semana de arte contemporรกneo contemporary art week a n t o f a g a s t a / c h i l e julio/septiembre 2017

AMOR: decadencia y resistencia Antofagasta / Chile: Muelle Histรณrico Melbourne & Clark Centro Cultural Estaciรณn Antofagasta Fundaciรณn Minera Escondida Biblioteca Regional de Antofagasta Artequin - INACAP ISLA / Instituto Superior Latinoamericano de Arte Quillagua / Chile: El Lugar Mรกs Seco del Mundo www.proyectosaco.cl


SACO6, Quinta Semana de Arte Contemporáneo AMOR: decadencia y resistencia / julio - septiembre 2017 ARTISTAS Fernando Foglino / Uruguay Nicholas Jackson / Chile Paz Castañeda / Chile Oscar Pabón / Venezuela Adriana Ciudad / Perú Lucia Warck-Meister / Argentina Ana Mosquera / Venezuela EQUIPO directora / Dagmara Wyskiel productor general / Christian Núñez vinculación, archivo y contenidos digitales / Francisco Vergara periodistas medios nacionales e internacionales / Elisa Cárdenas y María Elena Cárdenas medios locales / Christian Godoy mediación con colegios y comunas / Carmen Núñez plataforma web, base de datos y boletín / Juan Troncoso asistente de mediación / Catalina Lobos asistente de producción / Lilyan Pizarro registro audiovisual y vídeo documental / André Salva fotógrafo / Cristian Ochoa editor de contenidos / Francisco Bravo traducción / Kevin Hagen y Eliana Olivares encargado de montaje / Héctor Valdebenito

JURADOS Rodolfo Andaur / Chile Marcos Figueroa / Argentina Alejandra Villasmil Venezuela / Chile Raquel Schwartz / Bolivia Dagmara Wyskiel Polonia / Chile críticos Marcelo Mellado Claudio Pereira Alejandra Villasmil

SACO6 es organizada por el Colectivo SE VENDE, Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo. Financia el Gobierno Regional de Antofagasta con recursos del Fondo Nacional de Desarrollo Regional, F.N.D.R., 2 % Cultura, año 2017, Instituto Superior Latiniamericano de Arte (ISLA) esta finaciado por el Programa Otras Instituciones Colaboradoras del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Presenta Minera Escondida, operada por BHP. Agradecemos el apoyo de: Balmaceda Arte Joven, Fundación Minera Escondida, Museo Artequin / INACAP, Centro Cultural Estación Antofagasta, Biblioteca Regional de Antofagasta, Embajada de la República de Polonia en Santiago, Museo de Artes Visuales (MAVI), Dirección Regional Ministerial de Educación, Corporación Municipal de Desarrollo Social de Antofagasta, Radio Bío Bío, El Mostrador, Artishock, Antofagasta TV, El Mercurio de Antofagasta, CP Comunicaciones, mor.bo, r2tv, CNC Medios. Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales. edición / Elisa Cárdenas y Dagmara Wyskiel diagramación / Christian Núñez Creado y producido por Colectivo SE VENDE, Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo Antofagasta, agosto 2017 www.proyectosaco.cl www.colectivosevende.cl


saco6 semana de arte contemporรกneo contemporary art week a n t o f a g a s t a / c h i l e julio/septiembre 2017

AMOR: decadencia y resistencia


EN EL ESPECTRO DE LOS AFECTOS América Latina es la tierra de un sincretismo de afectos. Continente oficialmente católico, donde la mayoría de los niños nace fuera del matrimonio, donde las religiones originarias conviven pacíficamente con el pecado y la culpa, y el clímax patriótico se experimenta no en un debate ideológico, sino frente a un partido de fútbol. Cultura estigmatizada en el exterior por la imagen del latin lover, un polígamo compulsivo pero irresistible, y de un sinnúmero de sus variables, clichés culturales y sentimentales de exportación, como el mariachi, un obseso machista; el negro caribeño, rey de la salsa; el impecable y masculino bailarín de tango, entre otros. Varios de estos iconos son gays. Muchos son creyentes y tienen hijos con varias mujeres, lo que sigue siendo en algunas partes sinónimo de macho. La hija de la mujer sacrificada, de madre de familia abusada y engañada, sale de la casa sin ganas de formar la propia, o por lo menos ya nunca más el nido tradicional. Se abren estructuras familiares alternativas. Lo que ayer se consideraba repugnado, hoy frecuentemente está de moda y atrae para experimentar, tanto en lo espiritual como en lo carnal. Los círculos conservadores y los transgresores se miran mutuamente con asco y a la vez con un poco de atracción. A veces el mirar conduce a algo más. Con el amor se sufre, dicen las viejas sabias, y es aquí donde la tasa de delitos con brutalidad y por razones pasionales es una de las más altas. Y es aquí también donde la lucha y la resistencia por la libertad, la igualdad y la tolerancia han generado cambios inimaginables hace medio siglo. Paralelo a la violencia, América Latina es la tierra de la devoción. Fiestas religiosas con sus bailes, ofrendas, ritos y estados de trance, hablan de experiencias del amor transcendental, que se oponen cada vez de manera más clara a la lógica de los sacramentos eclesiásticos, correspondiendo en su esencia a rituales chamánicos. Cosmovisiones politeístas en una procesión detrás de una cruz resultan coherentes dentro la lógica latina y se unen con la imagen de la Virgen en la esencia de la búsqueda. Lo mestizo resulta lo más puramente identitario. El teórico Gustavo Buntinx, de Perú, habla de “asociaciones ilícitas e insólitas, pero no ajenas a las que ofrece nuestra vivencia permanente de simultaneidades aparentemente inconexas”1.

1

Lo impuro y lo contaminado III: Pulsiones (Neo)Barrocas en las rutas de Micromuseo. Catálogo Trienal de Chile 2009 p. 237. Santiago, Chile, 2009.


Perplejidad provoca la convivencia omnipresente del mundo afectivo estructurado por el patriarcado, hoy ya en cierta decadencia, con la explosión simultánea de libertad y diversidad en las formas de relacionarse y amar. En ecosistemas sociales híbridos, todos los amores mutan: desde ése que nos relaciona con los más cercanos y define nuestra constelación cotidiana inmediata, o desde la identificación emocional con el territorio al cual pertenecemos, sea éste demarcado en el mapa, ideológico o virtual, hasta aquello que evoca algún más allá, ya sea el amor religioso, espiritual, pachamámico o al universo. Experiencias transformativas muy aceleradas y significativas nos permiten pensar que estamos frente a una revolución netamente latina, sin cortes de cabeza ni hogueras, pero sí, irreversible y transcendental. Vemos que es posible mezclar el agua y el fuego, y generar un nuevo elemento, profundamente originario de aquí. Esperamos que este híbrido multidimensional constituya la materia prima de las obras para SACO6. ¿Cómo es el amor latino hoy? Dejamos abierta la pregunta. Dagmara Wyskiel Directora SACO


Tiempos de Maduración Cinco años movilizando a un equipo cada vez más profesionalizado y afiatado, cinco versiones que han puesto a la Semana de Arte Contemporáneo de Antofagasta SACO, en un lugar prominente, acaso único en su tipo en Chile. Una semana de acción, creación y mediación; una semana que se ha extendido a meses, por el impacto generado en la región y que ha traspasado nuestras fronteras, estimulando el apoyo concreto del sector privado e instituciones estatales como el Consejo de la Cultura y las Artes, que incluyó al Colectivo SE VENDE - las mentes detrás de SACO - en el Programa Otras Instituciones Colaboradoras del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (POIC). Un reconocimiento a la convicción y a la persistencia, en una ciudad privada de estudios superiores en artes visuales, como secuela de las transgresiones a la academia durante el régimen militar. La artista polaca Dagmara Wyskiel y el productor chileno Christian Núñez encabezan el trabajo de equipo del Colectivo SE VENDE. Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo; juntos crearon el Instituto Superior de Arte Latinoamericano ISLA, respondiendo a esa orfandad en la formación artística que percibieron en la ciudad que habitan. Desde esta casa de residencia para la creación e investigación han surgido talleres, seminarios, visitas de artistas chilenos y extranjeros, workshop, visionados de portafolios, etc. Asociado a estas actividades, nace en el año 2012, SACO, que hoy se instala con fuerza en la escena de la visualidad latinoamericana. Esta sexta versión quiso dar un paso arriesgado, abriendo una convocatoria a artistas latinoamericanos para proyectos inspirados en el tema Amor. Decadencia y Resistencia. La idea superó todas las expectativas y cerca de 300 postulaciones fueron revisadas por un jurado especialista, trabajando incansablemente hasta decantar en las siete iniciativas de los artistas Carmen Paz Castañeda y Nicholas Jackson (Chile), Lucia WarckMeister (Argentina), Adriana Ciudad (Perú), Fernando Foglino (Uruguay), Ana Mosquera (Venezuela) y Oscar Abraham Pabón (Venezuela). Todos trabajarán por una semana en ISLA para concluir desplegando sus propuestas en el Muelle Melbourne & Clark de Antofagasta. Pero SACO se inicia antes, en el mes de julio con el Aluvión Visual, un circuito en varios espacios de la ciudad, con muestras simultáneas de artistas chilenos, incluyendo a los provenientes de la II Región, ganadores de la convocatoria Ven a mi Casa. Esta y otras actividades conforman el programa En Marco de SACO, haciendo cada vez más extensivos y transversales los alcances de esta iniciativa. Seis versiones en seis años consecutivos hablan de insistencia y maduración. Ante un medio nacional de precarias condiciones para los proyectos culturales, SACO sólo avanza sin vuelta atrás, logrando desde una región la


continuidad que no manifiestan otras instancias más centralistas, incluso con inyección de presupuesto institucional y privado. Hoy, SACO es un referente que está motivando a otras regiones, como un efecto de contagio, dada la constatación de los buenos resultados. Pero ¿qué es un buen resultado para una Semana de Arte Contemporáneo? la difusión creciente, sí; captar el interés y apoyo de las principales instituciones (locales y nacionales), sin duda; traer a destacados artistas extranjeros a la región, evidentemente. Pero lo que hace a SACO tan particular es una vocación mediadora o pedagógica, diferentes formas de definir una acción de la que se habla mucho en el arte actual, algo que hoy parece ir a la par con la concepción de obras y sus procesos. El mostrar, comunicar, educar y enseñar a ver fue un imperativo del Colectivo SE VENDE, removidos por la ausencia total de referentes formativos en las artes de la región. Esa precariedad y necesidad local ha sido el gran motor que reactiva la operatividad de SACO en cada nueva edición, como una remembranza romántica de la frase del dirigente Carlos Dittborn, organizador de la Copa Mundial de Futbol en Chile en 1962: “Porque no tenemos nada, lo queremos todo”. Ese estadio periférico y ajeno al tráfico centralizado de las artes es, quizás, el gran secreto del éxito de SACO. El encuentro hace confluir a gente de todas las edades en una variada programación, en los distintos espacios culturales y educacionales de Antofagasta, activando a la ciudad en torno a las artes de la visualidad y al debate desde y sobre las imágenes. SACO funciona como una Bienal internacional, de esas que transforman y resignifican los lugares donde se realizan, que atraen públicos distintos, que estimulan el turismo, aspecto que tiene su punto alto con la visita anual de toda la delegación de SACO a Quillagua, oasis a 280 Km. de Antofagasta, considerado el lugar más seco del mundo. Mediación, Educación Artística, Comunicación Visual, Pedagogía del Arte, diferentes nombres para una acción incubada en la naturaleza de SACO y aplicable a todo público interesado en conocer, apreciar o incursionar en las prácticas de la visualidad. SACO asume este rol espontánea pero responsablemente, no desde la mera transmisión de conocimientos sobre arte, sino desde la articulación de un pensamiento artístico en lo local, en ese entorno y en ese territorio. Elisa Cárdenas O. Periodista Cultural


ARTISTAS

Fernando Foglino (1976, Montevideo, Uruguay) Poeta y artista visual. Recibe formación académica en la Facultad de Arquitectura UDELAR entre los años 1994 y 2006. En el 2004 publica el libro de poemas Kate 500 Km (Editorial Artefato). En el 2007 aparece Vodka, poesía (Premio Casa de los escritores). En el 2009 es premiado con una beca a Berlín (Alemania) por sus Clipoemas, pieza audiovisual en el marco del 53 Premio Nacional de Artes Visuales. En el 2011 obtiene el segundo premio en el Grand Prix Paul Cezanne residiendo en Paris durante los meses de abril y mayo del 2012. Se desempeña como jurado oficial del premio nacional de literatura Juan Carlos Onetti edición 2012. En el 2013 publica La máquina del movimiento continuo, narrativa (Editorial Estuario). En el 2014 incursiona nuevamente en la poesía con Link, (Una temporada en Isla Negra, Chile). Durante el año 2015 en un trabajo colectivo junto a Valentina Cardellino, exponen la obra Relaciones Bilaterales (Premio Intemperie, Museo Figari) en Montevideo y Beijing, realizando una residencia artística entre los meses de abril y mayo del 2016 situándose en la localidad de Hunan al sur de China. En el año 2016 obtiene el Premio Mercosur de Artes Visuales. Desde el 2008 realiza exposiciones individuales y colectivas en diferentes museos del país y el exterior. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas. http://www.tsabboud.net/

IDEA DE OBRA Infraestructuras para el Amor Aludiendo a un refugio para el sol, se construye en el extremo más boreal del histórico muelle salitrero, una capilla contemporánea, capaz de albergar cualquier creencia. Un refugio, un faro, una glorieta, una pirámide, un espacio de contemplación, un reloj de sol. Las mantas de emergencia servirán para reflejar el sol (cara plateada) y crear cobijo (cara dorada). Los obreros salitreros de Chile eran capaces de cargar


30.000 bolsas a diario, solo protegidos del sol por un saco de salitre a sus espaldas. Si la pirámide no estaba perfectamente construida, los barcos podrían naufragar en el Cabo de Hornos. La pirámide, símbolo de la unión entre cielo y tierra, simboliza un refugio como un gesto de amor y reparación para los antiguos trabajadores del norte de Chile.

Infraestructuras para el Amor, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo Mario Bahamonde Silva A-15, Antofagasta, miércoles 9 de agosto, 10 am.) Post-Internet: 10 obras, 10 problemas con 10 posibles soluciones que están sujetas al cambio de paradigmas. Dos hombres sometidos a un mismo estímulo visual tienen impresiones diferentes ¿pato o conejo?


Nicholas Jackson (1984, Viña del Mar, Chile) Artista visual y docente. Titulado de Ingeniería de la Universidad Adolfo Ibáñez. Magister en Artes de la Universidad Católica de Chile. Diplomado en Docencia de Educación Superior por la Universidad Andrés Bello. Ha realizado exposiciones en Santiago, Valparaíso y Santa Cruz. Actualmente se desempeña como profesor en la Escuela Camaralúcida, Instituto Arcos, y en el Campus Creativo de la Universidad Andrés Bello. El año pasado guió proyectos de título en la Facultad de Artes de la UNAB y acompañó la escritura de memoria a los fotógrafos profesionales de Arcos. En el 2014 dirigió el proyecto Unco, iniciativa interdisciplinaria que integró el arte contemporáneo en una comuna rural de la sexta región gracias al apoyo del FNDR. En el 2015 participó como artista residente en la galería Nekoe y Cancha Santiago, donde lanzó su primer libro financiado por Fondart. Ese mismo año fue seleccionado por el CNCA para participar en una muestra de fotografía contemporánea en el Centro Cultural Palacio La Moneda y un taller con Alfredo Jaar. El año pasado inauguró muestras individuales en Worm Gallery y Balmaceda Arte Joven de Valparaíso. También participó de talleres y visionados con los curadores Montserrat Rojas, Rodolfo Andaur y Carol Illanes. Actualmente prepara trabajos para una exposición colectiva en la Sala CCU y una individual en Galería Tajamar. www.nicholasjackson.cl

IDEA DE OBRA Soportar los Golpes Elegir un amor sufrido y brutal significa vivir una paradoja, una compleja utopía íntima que resiste los golpes. Pese al desgaste, este amor insiste en sostener el ideal que lo llevará a lograr eso más hermoso. Visto así, podría comprenderse como esquema donde un arreglo sostiene al peso muerto, un encuentro de dos fuerzas y desgaste de una estructura por insistencia de lo sostenido. Manifestando esta idea de amor/ resistencia, una instalación en la que anaqueles metálicos, dispuestos en la explanada del muelle, sostendrán en sus repisas pesadas rocas del desierto. La idea es posar las rocas de manera que su peso deforme los


muebles, sin derribarlos, y así demuestre la resistencia de la estructura, la que se mantiene en pie y erguida pese a todo.

Soportar los Golpes, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Escuela Armando Carrera F-60, Antofagasta, viernes 11 de agosto, 10 am.) El Arte como revisión del Mundo. Intuición ¿Qué significa trabajar con esta facultad tan personal? ¿Qué pasa cuando produzco para mostrarla a otros? ¿Para qué sirve mostrar la propia visión de mundo?


Paz Castañeda (1965, Lota, Chile) Licenciada en Bellas Artes, Universidad Arcis (Santiago). Estudios de Periodismo en la Universidad de Chile (Santiago). Vive y trabaja en Viña del Mar. Durante su formación universitaria trabaja como ayudante de los artistas Alicia Villarreal y Enrique Matthey (en las cátedras de Dibujo y Pintura, respectivamente). Se ha desempeñado como docente en Universidad Arcis, Universidad Católica, UNIACC, UVM y Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar. Ha expuesto en forma individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Sala de la Universidad de Concepción, Centro de Extensión UC y Sala Gasco. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Galería Isabel Aninat, Galería Cecilia Palma, Centro Cultural Palacio de La Moneda, Museo Histórico Nacional, Factoría Santa Rosa, Centex y salas de exposición en Lima, Mendoza y Santa Fe (USA), entre otros. Ha recibido el financiamiento del Fondart en cuatro oportunidades, una de ellos respaldando su exposición individual en Sala Gasco el 2014. En noviembre de 2015 participó en la exposición internacional De madonna a Madonna [De]construcciones de lo femenino en la sociedad contemporánea, curada por Paco Barragán en Matucana 100. El 2016 participa en diversas exposiciones colectivas y es seleccionada para el Fondart 2017 con su proyecto Nuevas Ruinas, a exponerse en Santiago, Valparaíso y Concepción durante el 2018. IDEA DE OBRA Fragmentos de un Discurso Amoroso Intervención en el sector entre las dos primeras grúas, en costados norte y sur del muelle, donde unas telas colgarán desde la baranda hasta el mar. Se utilizarán señales náuticas para reproducir frases del libro Fragmentos de un discurso amoroso del pensador/ensayista francés Roland Barthes. Las banderas “escribirán” las frases como se hace en las embarcaciones (de arriba hacia abajo), como si fueran a ser leídas desde el mar. Cada lienzo llevará pintadas las banderas que corresponden a las letras y será sumergido al final del día, exponiendo la pintura al posible borrado del agua. Parte de la obra será volver a insistir en que aparezcan las


palabras nuevamente, volviendo a pintarlas, como una metáfora del proceso del amor, en permanente riesgo entre la disolución y el rescate.

Fragmentos de un Discurso Amoroso, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo Domingo Herrera B-13, Antofagasta, miércoles 16 de agosto, 10 am.) La obra y el paisaje Proceso de obra y reconocimiento del paisaje: Un relato sobre el proceso creativo de la obra Fragmentos de un Discurso Amoroso, y la noción de paisaje, tema de sus últimos trabajos.


Oscar Pabón (1984, San Juan de Colón, Venezuela) Es arquitecto y artista visual. Su trabajo combina intereses en la filosofía, la historia del arte y el espacio público. Cursa estudios de Arquitectura entre el año 2003 y 2008 en U.N.E.T., Venezuela. Entre los años 2006 y 2011 estudia en el Taller de Arte Contemporáneo (T.A.C.) y actualmente, en el Master of Urban Design: Art, City, Society en la Universidad de Barcelona (UB), en España. Sus investigaciones pretenden estructurar desde el arte contemporáneo una plataforma de estudio en torno a la arquitectura y la conformación del espacio público. Pabón traduce su preocupación por el detalle a gran escala, desarrollando diseños para espacios públicos a través de la sincronización de lo funcional con lo ornamental. Ha expuesto diversas muestras individuales. En el año 2004 Synthesis I y II, 2005 Sensibilidad Geométrica, Art Gallery Demetrio Silva, Cojedes, Venezuela. En el año 2016 presenta Double Crochet Project room, WOW Amsterdam, Holanda y Representation of a Piano, en el MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. Actualmente vive y trabaja en Barcelona, España. www.oscarabraham.blogspot.com IDEA DE OBRA Melancolía: el Pabellón del Despecho El proyecto consta de 5 estructuras metálicas intervenidas con materiales reciclados, las cuales servirán como cajas de resonancia para los archivos de audio, reproducidos en su interior. Estos audios consistirán en las respuestas de los entrevistados a la pregunta ¿Cómo superar la melancolía producto del desamor? En el intervalo entre una y otra respuesta se le pedirá a la persona que recomiende una pieza musical que relacione con su propia experiencia,


la música se escuchará al finalizar cada respuesta. Para la buena aprensión del sonido se utilizarán materiales reciclados como: cajas de cartón, maderas, láminas de zinc, entre otros, configurando así una circulación entre los 5 altavoces.

Melancolía: el Pabellón del Despecho, maqueta

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo J. Muñoz Campos A-12, Antofagasta, jueves 10 de agosto, 10 am.) Arte & Espacio Público Las interacciones entre arte y espacio público a partir de la etología humana y animal evidencian pequeños signos, marcas y gestos sobre el territorio, configurando elementos sensibles de ser leídos y reinterpretados.


Adriana Ciudad Witzel (1980, Lima, Perú) Mitad alemana y mitad peruana. Nace y vive en Lima hasta los 20 años. A los 21 años parte a Alemania a estudiar en la Universidad de las Artes (UdK) en Berlín, donde recide y trabaja como artista por más de 11 años. Hace 3 años regresa a Sudamérica estableciéndose en Bogotá (Colombia), donde continuando allí con su labor de artista. Utilizando los lenguajes poéticos y visuales, su obra se orienta a tratar las preocupaciones sociales, políticas y ambientales de América Latina. Esta búsqueda la ha llevado a crear piezas que incitan reacciones viscerales y reflexiones críticas sobre la complejidad latinoamericana. Sus más recientes trabajos han sido exhibidos en la Casa del Lago – Ciudad de México, en Y Gallery – Nueva York y en NC-arte – Bogotá. Entre los reconocimientos que ha obtenido destaca la renombrada beca de proyecto del DAAD (Servicio Académico Alemán de Intercambio) el 2012 para realizar un proyecto en Los Ángeles. También recibió la Beca de Pintura de la Fundación Dorothea Konwiarz en Berlín, entre el año 2010 y 2011. Ha realizado Programas de Residencia en Commonwealth & Council Gallery en Los Ángeles el 2012 y en el año 2011 en TUPAC – Centro de Creación Visual en Lima. www.adrianaciudad.com IDEA DE OBRA Las Amazonas ¿Amor o Carne? La artista creará un Picó, caja musical del caribe colombiano, que emitirá sonidos del trópico natural, mezclados con beats y textos misóginos de reggaetones populares. La obra busca generar en el espectador una reacción visceral que lo conduzca a la reflexión sobre las ironías que presenta el actual paisaje tropical. La pieza expone la contradicción inherente que hay en el Picó: como elemento central de las fiestas tropicales, pero, a la vez, como un elemento que irrumpe el paisaje sonoro natural con melodías atractivas y líricas ofensivas que seducen con su decadencia a las


mujeres latinas. Las Amazonas será el primer Picó femenino de la historia y un símbolo de resistencia.

Las Amazonas ¿Amor o Carne?, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo Científico Humanista La Chimba B-36, Antofagasta, jueves 10 de agosto, 2 pm.) Procesos Creativos Adriana Ciudad compartirá diversas herramientas adquiridas durante su formación académica en Berlín, transmitiendo a los alumnos la comprensión de los procesos creativos y sus motivaciones, por sobre la dominación de cualquier técnica artística.


Lucia Warck-Meister (1962, Buenos Aires, Argentina) Titulada de Profesora de Pintura y de Escultura por la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Argentina. Sus obras han sido expuestas en Imago Mundi Exhibition, Bienal de Venecia; DUMBO Arts Festival, Nueva York; Palm Beach International Biennial, Florida; Exposición de Escultura en Espacios Públicos Bellevue, WA; Museo del Barrio, Nueva York; Museo de las Américas, Washington DC; Griffiss Sculpture Park, NY; Miura Art Museum, Matsuyama City, Japón; Briggens Museum, Bergen, Noruega; Deutsche Bank Foundation, Nueva York; Bienal de Piamonte, Torino, Italia; Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires; Museo de Arte Tigre, Buenos Aires; MUMBAT, Tandil, Argentina; Museo Timoteo Navarro, Tucumán, Argentina. Ha recibido los siguientes premios: 2014, Premio Ibermuseos; 2009 Pollock-Krasner Fellowship, Nueva York; 2007 Artista Visitante en la American Academy; Roma, Italia; En 2006 ganó el Primer Premio en la Bienal de Escultura en Espacios Públicos, Palm Beach, Florida. Lucia WarckMeister ha sido artista en residencia en el ArtCenter SF de Miami 2016; Sculpture Space, Utica 2007; School of Visual Arts: Public Art Residency, Nueva York 2005; CAMAC, Marnay-sur-Seine, Francia 2008; Programa de Mentores de la NYFA – Fundación de Nueva York para las Artes, NY 2008; Premio a la Creatividad, Fondo Nacional de Las Artes, Buenos Aires y Premio Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires 1999. www.luciawarckmeister.com IDEA DE OBRA Intersticios del Amor Un muelle es un lugar de partida y también de llegada. Un lugar donde se espera, a veces se derraman lágrimas, se buscan respuestas o se libera una pasión. Pero ni el amor ni el crimen del amor se pueden tapar o esconder. La obra Intersticios del Amor es sobre aquello que escapa, que se filtra y emerge por debajo de los largos tablones que componen el muelle;


aquello que quisiéramos mantener oculto por vergüenza, por venganza, por temor.

Intersticios del Amor, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo Complejo Educativo Juan José Latorre Benavente, Mejillones, viernes 11 de agosto, 3 pm.) La Memoria del Mar La relación entre la memoria y el desierto como espacio de lo real y lo irreal, lo visible e invisible, el recuerdo y la amnesia. Y la manifestación artística, elemento creador para reconstruir el pasado.


Ana Mosquera (1983, Caracas, Venezuela) Estudió Fotografía y Media Arts en la University College of Arts, (2005) Kent/Reino Unido y fue nominada ese mismo año a las becas Ian Parry por su trabajo documental sobre el sincretismo religioso en Venezuela. En 2009 ingresa a la escuela de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, graduándose en 2015. Durante el curso de sus estudios participa en el concurso internacional Archiworld Academy donde gana una mención por su proyecto Granjas de Agua, una propuesta de espacio público para zonas en riesgo de deslizamiento por lluvias. En 2016 optiene el Primer Premio Nacional del 12° Salón de Jóvenes Artistas del Museo de Arte Contemporáneo del Zulia con su obra Usted siempre está en control de su experiencia, que explora la vulnerabilidad de los usuarios en la red social Tinder. Ese mismo año participa en el 19° Salón de Jóvenes con FIA, donde la Fundación Cisneros le otorga una beca para una residencia de artista en PIVO (Sao Paulo). Ha participado en distintas exposiciones colectivas, como Moving Light, Candid Arts Trust Gallery, Londres (2005); Ian Parry Scholardship, Tom Blau Gallery, Londres (2005); Puro Espacio, Centro de Arte Los Galpones, Caracas (2013); Cotidianidad Sublime, Museo Alejandro Otero, Caracas (2015); III Salón nacional de proyectos fotográficos, Espacio GAF, Museo de Arte Contemporáneo de Mérida (2015) y Galería de Arte Nacional, Caracas (2016). http://anamosquera.com.ve/ IDEA DE OBRA Paisajes Invisibles ¿Es posible pensar un lugar a partir de la sexualidad? ¿Es posible construir historiografías desde el análisis demográfico? El propósito de este proyecto es estudiar la posibilidad de usar nuevas tecnologías para mapear zonas de actividad de la ciudad, utilizando la aplicación geosocial GRINDR, para reconocer espacios invisibles dentro de un contexto urbano. La pieza consta de 6 lonas que reposarán sobre la estructura cubierta del muelle. Allí se dibujarán a mano 6 diagramas radiales. Los diagramas estarán vinculados a internet por medio de una aplicación


gratuita de realidad aumentada, que permitirá visualizar usuarios activos de GRINDR, una de las red sociales que utiliza el público gay (en este proceso se propone proteger la identidad de las personas).

Paisajes Invisibles, simulación

ENCUENTRO CON LOS ESTUDIANTES (Liceo Técnico A-14, Antofagasta, miércoles 9 de agosto, 2 pm.) La Ciudad después de Pokemon Go El debate sobre cómo las tecnologías gps modifican la esfera de lo público y lo privado, construyendo con ello una realidad híbrida entre lo virtual y lo físico.


JURADO

Raquel Schwatrz (BO) Artista visual, curadora y gestora cultural. Directora de Kiosko Galería, espacio de arte contemporáneo independiente que promueve el intercambio de experiencias de artistas internacionales con artistas bolivianos. Es miembro del comité asesor de CIFO, Fundación Cisneros Fontanals, Miami, EE.UU. Reside en Santa Cruz, Bolivia. Rodolfo Andaur (CL) Curador de arte contemporáneo. Su trabajo de campo se ha enfocado entre la contingencia política y los conceptos que rodean la antropología latinoamericana. Además, ha organizado una serie de seminarios y talleres que reflexionan en torno al arte contemporáneo y la práctica de la curaduría. Marcos Figueroa (AR) Artista visual, curador independiente, investigador. Conduce el TALLER C de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, donde fue decano en los períodos 1999-2002 y 2002-2006. Curador de Antofagasta para la Trienal de Chile en 2009. Curador de los Foros de arte contemporáneo y políticas culturales en Tucumán, Argentina. Alejandra Villasmil (VE/CL) Fundadora y directora de Artishock, una plataforma editorial para la difusión del arte contemporáneo latinoamericano. Mediante la organización paralela de talleres, charlas, exposiciones y conferencias, Artishock apunta a la puesta en valor, promoción y circulación del arte chileno y de la región. Dagmara Wyskiel (PL/CL) Doctora en Arte, presidenta y cofundadora del Colectivo SE VENDE. Directora de la Semana de Arte Contemporáneo, SACO. Fue editora de campo de la Trienal de Chile 2009. Su obra artística aborda acción de arte, instalación, arte objetual, gráfica, video, intervención en paisaje y espacio urbano.


Aluvión Visual es un circuito de arte contemporáneo En marco de SACO, que abarca los espacios expositivos más relevantes en Antofagasta. Se inicia antes de la exposición principal internacional, ofreciendo al público un diverso espectro de obras, de diferentes lenguajes y soportes, durante un periodo de seis semanas. Aluvión Visual se proyecta como una red en el norte de Chile, con enfoque en la formación y difusión de arte, conexión y puesta en valor de la creación y la reflexión, con énfasis en el público joven, capaz de cambiar los paradigmas. 1/8 Por el todo / Pilar Elgueta Fundación Minera Escondida / Sala de Arte Av. Bernardo O’Higgins 1280 Lunes a viernes 10 - 13 horas y 16 - 19 horas Polvo eres / David Corvalán Biblioteca Regional de Antofagasta / Sala Mezanina Jorge Washington 2623 Martes de viernes 10 - 20 horas / sábado y domingo 10 - 14 horas Efecto Perimetral / Juana Guerrero, María Inés Candia, Catalina González, Vania Caro Centro Cultural Estación Antofagasta / Sala Trocha 1 Jorge Washington 280 (entrada por pasaje Abaroa) Lunes a sábado 10 - 14 y 15 - 19 horas Ven a mi casa / Sebastián Rojas, Patricia Díaz, Jordán Plaza, Antonieta Clunes, Claudia León, Julio Morales, Francisco Vergara, Gabriel Navia, Pamela Canales Centro Cultural Estación Antofagasta / Sala principal Jorge Washington 280 Lunes a sábado 10 - 14 y 15 - 19 horas Exposición Lazos creativos: El amor en el arte / Colección Artequin Artequin / INACAP Av. Edmundo Pérez Zujovic 11092 Benito Ocampo S/N (entrada oriente) Lunes a viernes 10 - 13 y 15 - 17 horas


1/8 POR EL TODO Pilar Elgueta Parte de su título, por el todo, corresponde a un pedazo de la frase “la parte por el todo”, que describe el accionar de la Metonimia, figura retórica en la cual se designa un todo entero por una de sus partes, o viceversa, por relación de inclusión o continuidad. 1/8 por el Todo busca por medio de paisajes semánticos, alusiones, símbolos, estandartes, fracciones y tablas de equivalencias, dar cuenta de una subjetiva mirada sobre la ocupación humana de representar y/o presentar lo que nos rodea.

Una de las obras que da el nombre a la muestra, consiste en una instalación dual: por un lado, el registro audiovisual de la travesía épica de un objeto pictórico, el cual es instalado en diversos escenarios, siendo sujeto a las fuerzas de la naturaleza. Y por otro lado, el mismo objeto pictórico como soporte a ese registro, atestiguando su propio desgaste.


Se investigan maneras de describir las limitaciones de la representación desde la representación. Con acciones que rayan entre lo poético y absurdo, se abre la pregunta hacia la futilidad. 1/8 por el Todo trae consigo la aparición de mano de obra humana que desplaza y emplaza, y con ello el esfuerzo físico y el despliegue de complejos mecanismos como actividad relacionada a la instauración de una imagen en un sitio. Nuestros intentos de representar el mundo no son del todo efectivos. Sólo somos capaces de capturar un pequeño fragmento, la parte de un todo, la manoseada metáfora de la punta de un iceberg. Pilar Elgueta (1989), artista visual residente en Santiago de Chile. Estudió en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile, en la cual se ha desempeñado como profesora ayudante en variadas ocasiones. Ha participado de residencias y pasantías de investigación artística dentro del país, en lugares como Tubul, Lota y Puyuhuapi. Ha expuesto en muestras colectivas dentro y fuera de Chile, fue seleccionada para el IV Concurso Universitario Balmaceda Arte Joven (MAC) y obtuvo el primer lugar en el Concurso X Premio Arte Joven / Minera Escondida (MAVI). Fundación Minera Escondida / Sala de Arte


POLVO ERES David Corvalán Con una materialidad precaria, David Corvalán construye su nueva serie – Polvo eres – la que mostrará por primera vez en SACO6. Después de Transparente desechable, un conjunto de formas de materiales sintéticos, atrayentes visualmente, llenas de colores y brillos, con las cuales ganó el concurso SACO FAXXI en 2016 y conquistó al público, vendiendo varias de las piezas, en la feria de arte contemporáneo en Santiago, realizada en abril de 2017.

En la Biblioteca Regional, David Corvalán nos propone compartir una reflexión existencial, con esculturas hechas de fósforos quemados, materializadas con un notable oficio. En esta acertada búsqueda de profundizar en la reflexión existencialista, el artista enfrenta el amor, entendido aquí como una entrega absoluta, hacia un orden superior, lleno de dogmas, llevándonos hasta una auto anulación, a un sacrificio.


A través de este montaje, David Corvalán cuestiona el sistema de valores impuestos por la religión católica fundamentalista y el patriotismo de la guerra, donde el sufrir y entregar la propia vida constituyen el único camino hacia la gloria y el sentido transcendental de la existencia individual. Pero la amenaza de entregar la libertad personal para que otros la administren no pertenece solamente al pasado, permanece siempre actual, hoy en forma de una acelerada competitividad y consumismo. Nos quemamos corriendo detrás de las metas ilusorias. Somos frágiles, expuestos al dolor y a la destrucción. La metáfora de Polvo eres nos lleva a reflexionar sobre la vulnerabilidad de nuestros cuerpos y mentes, pero también a cuestionar a qué entregamos nuestro tiempo, la energía y la vida. David Corvalán, artista visual chileno residente en la ciudad de Calama. Egresó como diseñador de la Universidad de Antofagasta el año 2003. En 2005 se recibió como Master en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas en la Universidad Complutense de Madrid, UCM, para luego cursar el Doctorado Espacio y Forma Escultórica en la misma UCM, obteniendo el Diploma de Estudios Avanzados de dicha especialidad en el año 2008. Se perfeccionó en escultura contemporánea y actualmente desarrolla un trabajo en torno a esa línea. El año 2009, ganó la beca Santander Europa. En el año 2011 participó con la obra Tres caracoles azules en una intervención urbana en la ciudad de Santander, España. El artista con todo el conocimiento captado en Europa, regresó a Chile en diciembre de 2012, y desde esa fecha reside en Calama, en donde ganó dos premios en el Salón de las Artes Alto Loa los años 2014 y 2015. Recientemente fue el ganador del concurso FAXXI-SACO 2017 con la serie escultórica Transparente y Desechable, que ha sido exhibida en Calama y que fue parte de la Feria FAXXI 2017 en Santiago de Chile. www.davidcorvalan.com Biblioteca Regional de Antofagasta / Sala Mezanina


EFECTO PERIMETRAL Juana Guerrero / Vania Caro Melo / María Inés Candia Pérez / Catalina González Una temática como la violación de los derechos humanos en nuestro país, siempre ha estado en nuestras inquietudes personales y artísticas, sin embargo, a veces necesita de complementos específicos para salir de la simple inquietud y de los lugares comunes y así poder abordarla como un campo de estudio más profundo. En este caso, han coincidido cuatro artistas mujeres en un territorio abandonado en la periferia, un lugar que carga consigo el peso de miles de deudas, en un país que sólo parece

querer olvidar. Estas artistas han resistido contra su propio olvido. Todas viven en la I Región y se plantean trabajar el arte contemporáneo desde la periferia, obedeciendo a su propia forma de vivir lo marginal y resistir a un centro. Así nació en Pisagua Efecto Perimetral, como un ejercicio de acercamiento y construcción, larga y extenuante, de significados en base al territorio, su historia, sus fantasmas y aquella responsabilidad que parece nunca haber pedido ser un ícono de la resistencia, el terrorismo de estado y las causas perdidas.


La obra De Cilicios y Silencios de María Inés Candia retrata el pasado y el presente entre la historia y la tragedia en un trabajo creado desde la emoción que expresa el lugar en su desnudez y su deterioro. Necia de Juana Guerrero representa una acción que agita ante la desesperación de hallar tantas historias, como memorias calladas. Circunvoluciones de Catalina González muestra Pisagua escrita a través de símbolos que acusan al movimiento militar en todo el territorio y que, a pesar de los hechos ocurridos en el pasado, sigue siendo una inminente zona bélica de frontera y marginalidad. Por su parte, El Sonido de Vania Caro se presenta como una instalación en donde el ruido del mar pasa de ser un sinónimo de calma y plenitud, para presentarse como una pared infranqueable ante el encierro. Centro Cultural Estación Antofagasta / Sala Trocha 1


VEN A MI CASA Sebastián Rojas, Patricia Díaz, Jordán Plaza, Antonieta Clunes, Claudia León, Julio Morales, Francisco Vergara, Gabriel Navia, Pamela Canales Ven a mi casa es un proyecto de creación y exposición de doce obras visuales de artistas de la región de Antofagasta. Pretende ser una revisión del estado actual de las Artes Visuales locales, a través de una exposición de obras inéditas, creadas especialmente para este llamado. Considera una convocatoria regional inclusiva en todos los sentidos, aceptando propuestas de creadores profesionales y autodidactas, sin limitaciones relacionadas con edad, etnia, género, nacionalidad u otro. El certamen incentiva la producción artística, generando materialización de nuevas obras pensadas desde la ciudad. La curaduría se proyecta como una herramienta palpable y verificable de la visibilización y medición de la producción contemporánea local.

Fot. Julia Popławska

Se convocó a artistas de la región de Antofagasta para que, en cualquier lenguaje dentro de Artes de Visualidad, reflexionen sobre la urbe, la sociedad, los cambios que vivimos, las maneras de relacionarse, habitar y cohabitar para construir vínculos. Ciudad comprendida como el hogar en escala macro, la casa extendida. La urbe segmentada entre los lugares y los no lugares, barrios estigmatizados, ya no campamento ni puerto salitrero, sino un tejido diverso, ruidoso y con cambios acelerados de los cuales todos somos parte. Subordinada a la industria y sus recursos, gustos, conceptos de belleza y bienestar, la “Dubái de Latinoamérica” es orgullosa y acomplejada, incómoda consigo misma y soberbia a la vez.


Pero Antofagasta es también el espacio doméstico, íntimo, privado, el espacio de la memoria y de los pequeños rituales diarios, de la cocina, del patio, del baño. ¿Habrá algún sello particular en el espacio íntimo aquí? ¿Algo autóctono, singular? Las casas construyen calles, tramas y barrios. Ven a mi casa – la urbe que habito, con afecto. Centro Cultural Estación Antofagasta / Sala principal


LAZOS CREATIVOS: EL AMOR EN EL ARTE Curduría Carolina Contreras El Amor es seguramente, el tema más explorado, desde los albores de la creación simbólica de objetos hasta el arte en nuestra actualidad. Interminables pueden ser sus matices, hasta el punto que el hilo que teje su presencia se camufla con las intrincadas tramas históricas, icónicas y estéticas que componen una obra artística. Muchas veces obnubilado por la percepción unidimensional del amor romántico, el descubrimiento de sus formas menos obvias, construye un caleidoscopio contemporáneo compuesto por múltiples visiones que el pasado es capaz de mostrar, a través de las obras y creadores que han explorado las prodigas, destructivas o tiernas vertientes del Amor en la historia del arte universal.

Como propuesta de mediación el Museo Artequin Antofagasta ofrece parte de su colección de obras cuyo contenido es relevante a la temática del amor, con la formulación de una curatoría propia, para SACO6, entregando un marco de contenido histórico y de bagaje visual que permita a los espectadores comprender el tránsito entre la creación artística más tradicional y su evolución material y simbólica en lo que hoy se conoce como arte contemporáneo. Para esto se preparó una serie de tres mediaciones orientadas a público de distintas edades, separados en grupos, desde alumnos de prebásica hasta 4° año básico, desde 5° año básico hasta 8° básico y desde educación media a público adulto general. Artequin / INACAP


U N P ROYEC TO D E

P R ES E NTA

F INA NCIAN

PATRO CINA

P RO D UCE

CO L A BO R A N

ME D IO S A S O CIA D O S

ES PACIO S A S O CIA D O S

Esta iniciativa es financiada por el Gobierno Regional de Antofagasta con recursos del Fondo Nacional de Desarrollo Regional, F.N.D.R., 2 % Cultura, AĂąo 2017 aprobados por el Consejo Regional de Antofagasta. Instituto Superior Latinoamericano de Arte (ISLA) estĂĄ financiado por el Programa Otras Instituciones Colaboradoras del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.


AMOR: decadencia y resistencia Infraestructuras para el amor Fernando Foglino / Uruguay Intersticios del amor Lucia Warck-Meister / Argentina El pabellón del despecho Oscar Pabón / Venezuela Muelle Histórico Melbourne & Clark

Fragmentos de un discurso amoroso Paz Castañeda / Chile Soportar los golpes Nicholas Jackson / Chile Las Amazonas ¿Amor o carne? Adriana Ciudad / Perú Paisajes invisibles Ana Mosquera / Venezuela

acceso

Folleto mediación saco6  
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