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Desde siempre, dando la nota

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Introducción  Las mujeres músicas de las primeras civilizaciones  Las mujeres músicas en Grecia y Roma  Las mujeres músicas en la Edad Media  Las mujeres músicas en el Renacimiento  Las mujeres músicas en el Barroco  Las mujeres músicas en el Clasicismo  Las mujeres músicas en el Romanticismo  Las mujeres músicas en el Siglo XX

_______________________________________________________________________________________ Mercedes Arias González


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-2“Cualquiera que diga que puede ver a través de las mujeres se está perdiendo un montón de cosas” GROUCHO MARX Humorista y actor de EEUU

Cuando se habla de arte, personajes como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, El Greco, Velázquez, Beethoven, Mozart, por citar algunos, no escapan al conocimiento de una persona con un mínimo de cultura general. Todo el mundo ha oído hablar de ellos alguna vez. Pero, ¿podríamos dar con la misma facilidad un sólo ejemplo de alguna pintora, música o escultora, contemporánea a cualquiera de los artistas nombrados más arriba?. No es tan fácil ¿verdad? ¿Acaso no hay representantes del sexo femenino entre los artistas de épocas anteriores? ¿Acaso existen y por alguna circunstancia han quedado, tanto ellas como su obra, relegadas al cruel olvido? ¿Tendrían Rembrandt, Wagner o Goya algún "colega" del sexo opuesto?

Sí, los tuvieron. Introducción Hasta hace pocos años se creía que en el campo de la música clásica no había mujeres compositoras. En los últimos años los musicólogos han trabajado de manera que ahora tienen ya muchos datos que demuestran todo lo contrario.

Es necesario situar la contribución de las mujeres en la música en un contexto histórico y social amplio y general. Si hay muchas mujeres en la historia de la música, pocas han adquirido la categoría de compositoras reconocidas, y se ha de analizar el porqué en este contexto. Así, para poder una persona desarrollar su talento musical, debía contar con una buena formación, un mecenas y un entorno estimulante para su creatividad, pero pocas mujeres lo consiguieron y otras encontraron caminos muy difíciles para el desarrollo de sus facultades.

La notoriedad de algunas de estas artistas está ligada a hombres famosos en la música, bien como maridos, hijos, amantes, hermanos, amigos favoritos o mecenas; otras, han sido reconocidas por su calidad de primadonnas, por pertenecer a la nobleza o por su liderazgo espiritual, aunque desde el siglo XVIII hasta la actualidad puede hablarse, sin lugar a dudas, de una genealogía de mujeres músicas. Hasta hoy se han revelado más de 6.000 nombres de mujeres compositoras a lo largo de la historia.

Las mujeres músicas de las primeras civilizaciones

Las primeras sacerdotisas de la civilización sumeria fueron poetisas y músicas. Música y poesía eran la base de los ritos en honor a los dioses y de las diosas. Enheduanna, hija de Sargón de Agade, primer rey de Mesopotamia, fue sacerdotisa y acompañaba con su música sus poemas. Sus obras se copiaron y trascendieron a tiempos posteriores.

En Egipto las mujeres músicas, danzarinas y cantoras de la corte real, eran escogidas de entre las clases más elevadas. Nos han llegado los nombres de algunas, cuya importancia la testimonian

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sus sarcófagos: Merit, Tentioh… Quizá la más famosa de ellas sea Iti, la primera cantora-compositora de la historia oficial de la música; o Hemre, esclava del faraón y maestra de música de la corte.

Las mujeres músicas en Grecia y Roma

En la isla de Lesbos destaca Safo, poetisa, cantora e instrumentista. Fundó una academia de música y poesía para muchachas, que cantaban no sólo a los dioses, sino también a la guerra, al amor, a la política…Fue una auténtica virtuosa de la flauta y la lira, una gran pedagoga musical y creadora pura. Aunque no conocemos nombres de mujeres músicas en Roma, sabemos de su existencia, ya que docta puella era la mujer que entendía de música y poesía.

Las mujeres músicas en la Edad Media En

general

en

la

Edad

Media

hubo

bastantes

mujeres

compositoras

tanto

de

lírica profana medieval como de música religiosa. Han sido conocidas trovadoras Gonnonda de Montpellier, la Condesa de Día, Beiris de Romans, Maroie de Dregnan, Dame Margot, Duquesa de Lorraine, Agnesde NavarreChampagne, Condesa de Foix, Blanca de Castilla, Leonor deAquitania, Alamanda, etc. En España abundan las actividades musicales y líricas, por una parte en Córdoba, en el mundo árabe de los Califas, y por otra parte en las cortes de Castilla, que integraban la cultura musulmana, la judaica y la cristiana. (Siglos XI, XII, XIII). Se hizo música en las Comunidades de fe cristiana y Judaica y son numerosos los conventos de monjas cristianas que compusieron música propia. Destaca, en el siglo XII, Hildegard von Bingen como compositora y como conjunto de música polifónica de convento el más importante es el Códice de las Huelgas (Burgos) de la época de la Abadesa Berenguela, hija de Fernando III.

Leonor de Aquitania (1122 – 1204). Nieta de Guillermo IX, duque de Aquitania, se casó con Luís VII de Francia, convirtiéndose en reina de Francia. Tras declararse nulo este matrimonio, se volvió a casar con Enrique de Anjou quien la llevó al trono de Inglaterra. Desde muy joven demostró un gran talento musical, sintiéndose atraída por el arte de los trovadores del sur de Francia y convirtiéndose en una de las primeras mujeres trovadoras (trobairitzs) de la historia a la vez que mecenas incondicional de estos artistas. Extendió esta práctica musical por el norte de Francia intentando trasladar el movimiento trovadoresco a Inglaterra. Sabemos que puso música a muchos de sus poemas aunque desgraciadamente y debido a que, como muchas de las trobairitzs, no dominaba la recién inventada notación musical, no ha llegado hasta nosotros.

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Hildegard

von

Bingen

(1098

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1179).

Abadesa,

dramaturga,

teóloga

y

compositora alemana, conocida también como "la sibila del Rhin" y famosa por ser la primera mujer que predicó en plazas públicas en una época en la que esto no era muy normal. Nacida en Renania, a los 8 años fue confiada a las monjas benedictinas de Disibodenberg para su educación. Estudiosa incansable, pronto tomó los hábitos y a la muerte de la abadesa del monasterio fue elegida como su sucesora por sus grandes dotes de "mujer práctica y excelente organizadora". Afirmaba estar iluminada y en una de sus numerosas visiones, según dice, una voz le dijo "cuenta y escribe lo que ves y oyes". Y así lo hizo. Escribió libros explicativos de los Evangelios, un tratado de ciencias naturales, otro sobre el cuerpo humano y sus enfermedades (incluyendo consideraciones francas y concretas sobre la función sexual femenina), poemas, vidas de santos y por supuesto, música. Himnos, responsos, misas y una representación sacra constituyen hoy una auténtica joya para los estudiosos musicales de este periodo artístico. Una de sus frases más célebres: "la mayor bendición tiene forma de mujer".

Las mujeres músicas en el Renacimiento

En el Renacimiento las mujeres nobles o de clase alta debían ser instruidas también en la música, en el canto, en la danza o en algún instrumento, pero también debían limitar sus actividades musicales a la casa o a la corte. La música, para ellas, se reduce a un mero entretenimiento.

Ana Bolena (1507 – 1536). Aunque más conocida por ser la segunda esposa de Enrique VIII y por todo lo que este hecho supuso en su vida, Ana Bolena fue gran amante del arte musical llegando incluso a componer ciertas melodías para voz y laúd. A ella se le atribuye (no sin alguna duda por parte de ciertos musicólogos) la popular canción " O Death, Rock Me Asleep" (La muerte me acuna mientras duermo). Los versos de la misma hablan de su inminente muerte por decapitación y resultan conmovedores. En la parte instrumental de laúd, la autora nos hace oír por imitación el sonido de la campana que llama al condenado al patíbulo.

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Rafaella (1570 – 1656) y Vittoria (1573 –1620) Aleotti. Aleotti Hijas de un arquitecto de la corte del duque de Ferrara, estudiaron clavicémbalo y composición. Sorprenden por ser las fundadoras del "Concerto Grande", un grupo vocal e instrumental formado por más de 23 músicos (voces, laúdes, cornetas, trombones y clavicémbalo). Bajo la dirección de Rafaella el grupo actuó en presencia del Papa Clemente VII y de la reina de España, quien quiso llevarse con ella a Rafaella como su organista particular. Rafaella tiene editado (en Venecia en 1593) un libro de motetes a cinco y diez voces titulado "Sacrae cantiones. Liber Primus". También se publicó en Venecia un libro de madrigales a cuatro voces titulado "Ghirlanda de madrigali".

Las mujeres músicas en el Barroco

Durante el Renacimiento, las mujeres tuvieron muy poca oportunidad de aprender los complicados métodos de los estilos polifónicos de la época. Pero a finales del siglo XVI las cortes comenzaron a brindar nueva educación musical a las jóvenes. Así, hacia los comienzos del Barroco encontramos a Francesca Caccini, en el barroco medio a Barbara Strozzi y en el barroco tardío a Elizabeth Claude Jaquet de la Guerre.

Francesca Caccini Caccini (Florencia (Florencia 1587 – 1640). Su padre la inició en estudios musicales de canto, laúd y composición. Junto a su hermana Settimia fundó el "Concerto Caccini", conjunto de canto que viajó por toda Europa con gran éxito. Como cantante debió fascinar de tal manera que sus celosos protectores (trabajó para los Medici) rara vez permitían que abandonara Florencia. Fue además una virtuosa del clavicémbalo y del laúd. Musicó muchas canzonettas (melodías) del joven Miguel Ángel Buonarrotti. También fue pionera al crear una escuela de canto tal como ahora las conocemos y en 1615 se representó en el palacio Pitti "Il ballo delle Zigane" una especie de ópera (forma musical que por entonces acababa de nacer) musicada por ella. En 1619 puso música a "La fiera" con letra del propio Miguel Ángel. Su obra maestra es "La liberazione di Rugiero dall´Isola d´Alcina" un ballet representado el 3 de Febrero de 1623.

Barbara Strozzi (1619(1619-después de 1664) es un caso curioso, porque al revés que la mayoría de las compositoras

aquí

citadas,

no

actuó

en

público

y

en

cambio

publicó

ocho

libros de música vocal. Hija adoptiva del libretista Giulio Strozzi, gozó de una extraordinaria educación musical, siendo su tutor Francesco Cavalli, y teniendo frecuentes contactos con Claudio Monteverdi. Todo esto le dio un prodigioso talento para comunicar emociones profunda y sinceramente.

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Elizabeth Claude Jaquet de la Guerre (1667 – 1729).

Hija de Claude

Jacquet y esposa de Marin de la Guerre, ambos profesores de órgano y clave relacionados con la corte francesa. Autora de música instrumental y para clavicémbalo y considerada por muchos la primera compositora francesa de importancia. A los seis años actuó ante Luís XIV en Versalles como "una verdadera niña prodigio". En los diarios parisinos aparecen críticas de algunas de sus actuaciones en las que se puede leer "canta las cosas más difíciles, toca el clavicémbalo y es capaz de acompañarse a sí misma... Compone música y puede hacerlo en todas las tonalidades". En 1694 la Real Academia de Música Francesa le estrenó su ópera “Céphale et Procris” que consiguió un apabullante éxito y en 1708 se le publicó el primer libro de cantatas en lengua francesa de la historia. Sus obras para clavicémbalo nada tienen que envidiar a los compositores masculinos de su época (incluido F. Couperin).

Las mujeres músicas en el Clasicismo

Fue el último de los tres Marianne de Martínez (Viena 1744 – Viena 1812). 1812 amores del poeta Pietro Metastasio de quien era una gran admiradora (parece que una diferencia importante de edad les apartó de la idea del matrimonio). Llegó a ser académica de la Filarmónica de Bolonia por su genialidad y por la absoluta precisión de sus composiciones. Junto a su hermana Antonia y tras la muerte de su padre y de Metastasio convirtió su casa en punto de encuentro para los músicos que se encontraban de paso por Viena siendo algunos de sus huéspedes J. Haydn, W. A. Mozart y L. van Beethoven, con quienes tuvo el honor de tocar el piano a cuatro manos. Son algunas de sus obras "Letanía a la beata Virgen María" para coro mixto y orquesta, los Sonata No. 3 in A Major from 18th Century Women Composers for the Harpsichord or Piano, Vol. II

oratorios "Isaac, figura del Redentor" y "Santa Elena en el calvario", tres conciertos para clave y orquesta, varias cantatas profanas, arias, música sacra y numerosas sonatas para piano. Se conocen más de doscientas obras

suyas, aunque sólo se conserven unas setenta.

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Maria Theresia von Paradis (1759-1824). Para la época clásica es significativa la presencia de esta pianista y cantante de gran talento —ciega desde los dos años— que viajó por Europa dando numerosos conciertos y que fue muy prolífica en la composición (tenía conciertos para piano, sonatas, tríos, fantasías —todas perdidas—, algunas canciones y dos óperas —que sí se conservan). Por si fuera poco, en su madurez fundó una Academia de Música, en Viena, con el objetivo expreso de impartir clases de música para mujeres. Su obra se ha perdido casi totalmente. En gran parte porque la propia Paradis se negó a publicar sus obras diciendo: “Mis colegas artistas hombres podrían darme de lado si yo, como mujer -y especialmente mujer ciega- me atreviera a competir con ellos”.

Marianne Mozart (1751 - 1829). También llamada familiarmente “Nannerl”. Muy conocida por ser la hermana de W. A. Mozart fue

como su hermano una auténtica

"bestia" interpretando con instrumentos de tecla aunque su talento como compositora está lejos de igualar su valía como intérprete. Junto a él y a su padre recorrieron gran parte de la geografía europea dando multitud de conciertos a dos y cuatro manos delante de reyes y nobles. Los tres daban clases particulares para sufragar los gastos de los viajes. Sus composiciones son principalmente breves fragmentos para piano.

Las mujeres músicas en el Romanticismo En

el

compositoras. colegas

y

siglo Marianne

XIX

la

Martínez

contemporáneos,

pero

situación o

se

Paradis las

complica habían

compositoras

sido del

mucho muy XIX

para

las

valoradas se

mujeres por

sus

encontraron

con

unos prejuicios más cerrados aún que los de sus antecesoras.

Isabel Colbrán (Madrid 1785 – Bolonia 1845). Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre. Estudió canto con el gran Crescentini, debutando en la ópera de París a los dieciséis años. Pronto fue reclamada por los mejores teatros de ópera de Italia. Famosa por su hermosísima voz, allí conoció a G. Rossini con quien acabaría casándose. En todas sus óperas, Rossini reservaba un papel principal para Isabel. Entre ambos amasaron una fortuna inmensa. Las aventuras profesionales (y amorosas) del marido en constantes giras por Europa acabaron minando un matrimonio que por otra parte nunca había parecido feliz. Isabel se convirtió en una asidua de las mesas de juego gastando cifras enormes. Excelente conocedora de sus propios recursos vocales, publicó cuatro colecciones de Canciones en las que emplea un estilo que el propio Rossini luego aprovecharía para sacarle partido a la cantante.

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Fanny Mendelssohn, o Fanny Hensel según el apellido de ella o de su marido. Fanny Mendelssohn desde los años 70 ha pasado a considerarse una de las principales compositoras del siglo XIX. Cuesta creer que durante más de ciento cincuenta años haya sido una desconocida, pero es así. La familia se negó a que sus partituras se comercializaran, sus obras se tocaran, o que se escribiera sobre ella. En su caso, además de los prejuicios habituales, se añadió el hecho de ser de una familia de alta posición social y económica, y para ellos era impensable que una mujer ganara dinero con su trabajo, publicara sus obras, etc. Parece ser que su hermano menor Félix tuvo mucho que ver en esta prohibición, a pesar de que la quería y admiraba profundamente. A los 24 años se casó con el pintor W. Hensel que la animó a que siguiese componiendo. Con su marido y su hijo vivió en Italia y allí conoció a Charles Gounod que se entusiasmó con la música de la compositora. A pesar de que murió muy joven, escribió más de 400 composiciones, entre las que destacan el Trío para piano o su oratorio “Oratorium nach Bildern der Bibel” (Oratorio sobre historias de la Biblia). Fue una compositora tan importante como su hermano. Y de hecho se está haciendo habitual hablar de ellos en plural, considerando a ambos de la misma categoría y además muy cercanos en todas sus concepciones musicales. De hecho, en bastantes de sus piezas no es fácil separar las aportaciones de uno y otro, porque hasta sus últimos años la colaboración entre Felix y Fanny fue muy estrecha. Parece ser, por ejemplo, que Fanny estaba aun más interesada que Felix en la música de Bach y que a menudo dirigió sus Cantatas y Pasiones en Berlín (Fanny Mendelsohn es la primera directora de orquesta documentada). De modo que la revitalización de Bach sería más bien una aportación de Fanny.

Louise ouise Adolpha Le Beau (Rstatt 1850 – Baden Baden 1927). Inició una fulgurante carrera como concertista de piano y compositora. En 1889 la revista Neue Musik Zeitung le dedicó su portada y un articulo de fondo en el que entre otras cosas se decía: "Debemos aclarar que la señorita Le Beau no sólo compone como un verdadero hombre, consiguiendo una musicalidad total, sino que además no se comporta como algunas compositoras, que intentan convencer a los hombres de su originalidad con el movimiento de sus cabellos". Si los críticos afirmaban eso de ella podemos suponer que componía con talento y que sabía utilizar correctamente los conjuntos instrumentales u orquestales. Se atrevió a polemizar sobre el papel de la mujer en la sociedad alemana de la época y no tuvo ningún reparo en afirmar que la mujer, por su condición de madre y servidora de la familia, no podía tener tiempo material para dedicarse a la creación. A menudo se preguntaba si era justo que la mujer sólo pudiera esperar que sus

trabajos

fueran

considerados

como

de

"calidad

secundaria".

Aunque

logró

cierto

prestigio,

continuamente enfrentó situaciones difíciles por ser mujer —no le querían prestar los teatros para sus presentaciones y cosas así. Fue amante de escribir obras para grandes conjuntos instrumentales. Destacan sus oratorios “Ruth” y “Hadumot” y una ópera “Der zauberte Kalif”.

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Clara Wieck Schumann (Leipzig 1819 – 1892). Estudió con su padre piano y composición. Con tan sólo 9 años era una virtuosa del piano. Fue ella quien presentó en concierto público por primera vez las 32 sonatas para piano de L. van Beethoven, sonatas de una dificultad de ejecución e interpretación notable y que como numerosas composiciones en aquella época, no habían sido concebidas sino para ser interpretadas en salones privados. Se casó con R. Schumann con quien tuvo 7 hijos. Tras 15 años de matrimonio y debido a la mala salud física y mental del marido (intentó suicidarse en numerosas ocasiones arrojándose al Rhin), este fue internado en el manicomio de Endenich. Para mantener económicamente esta situación, Clara no dejó de tocar en las mejores salas de concierto de Europa, en las que era aclamada. Como compositora, y a pesar de las numerosas invitaciones que le hacían animándola a componer, sacrificó su gran talento en favor de su marido limitándose a inspirar y enriquecer con valiosas sugerencias el trabajo de este. Ella misma estuvo convencida de su talento para esta tarea y parece renunciar con rabia a estos menesteres cuando en una ocasión afirmó "maldito sea mi padre que me enseñó la composición y me hizo creer que soy una compositora". En una carta a un amigo, J. Brahms (íntimo amigo de los Schumann), Robert Schumann escribe: "he enseñado a Clara mi sinfonía y me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita". Trabajó como profesora en el Conservatorio de Frankfurt hasta 1892. Sus lieder (canciones) muestran una madurez y musicalidad sorprendentes que anticipan la obra de R. Wagner.

Las mujeres músicas en el siglo XX

Los primeros años del XX mantuvieron la mayoría de los prejuicios del XIX, pero también significaron la aparición de las primeras mujeres compositoras que fueron profesionalmente consideradas como tales. Porque casi ninguna de las antes mencionadas consiguió publicar más que algunas obras sueltas. Los editores no les publicaban porque no eran famosas, y no eran famosas porque sus piezas no se publicaban y el ámbito de difusión de sus estrenos era reducido. Es el caso por ejemplo de Cécile Chaminade (1857-1944) quien desarrolló una importante carrera de pianista tocando casi exclusivamente sus propias obras. Es además una importante autora de canciones, que se siguen interpretando, y compuso también música orquestal y de cámara. En Norteamérica surgieron en estos años una serie de compositoras que sin llegar a alcanzar una situación normalizada tuvieron una carrera importante. Las más importantes son Amy Marcy Cheney Beach (1867-1944), que ya improvisaba musicalmente a los dos años y que fue, junto con Margaret Lang (1867-1971, no es error, vivió 104 años), una de las primeras mujeres cuya obra fue regularmente tocada por orquestas de primera fila, sobre todo la Boston Symphony Orchestra, la orquesta de su ciudad. Amy tuvo además la suerte de contar con el entusiasta apoyo de su marido, Henry Beach, lo que le permitió dedicarse exclusivamente a la composición: sinfonías, música de cámara y religiosa, canciones, música para piano, etc.

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Desde siempre, dando la nota Actualmente

- 10 todos

los

países

tienen

ya

compositoras

femeninas

en

activo,

pero

posiblemente las más importantes son la norteamericana Pauline Oliveros (1932), destacada intérprete además del acordeón, y la ruso-germana Sofía Gubaidulina (1931).

En Inglaterra destaca Ethel Smith (1858-1944), quien sin ningún apoyo familiar decidió convertirse en compositora de óperas, el género musical más vetado a

las

mujeres

y

el

que

mayor

ruptura

social

significaba.

Además

vestía

indistintamente de hombre o de mujer, fumaba y participaba activamente en actos de sufragistas, fue muy apreciada por la reina Victoria y encarcelada varias veces por sus actividades políticas. Compuso marchas feministas, música orquestal, y una importante Misa en Re Mayor, pero sobre todo destaca por sus seis óperas que algunos ven como antecedentes de las óperas británicas.

Lily

(1893(1893-1918)

y

Nadia

Boulanger

(1887(1887-1979), 1979)

disfrutaron

ya

de

las

posibilidades que le faltaron a las anteriores tanto por su situación familiar como por el entorno social. Los Boulanger siempre fomentaron la dedicación musical de ambas hermanas y fue sólo la enfermedad y la temprana muerte lo que impidió a Lily convertirse en la principal compositora de la generación postimpresionista. Sus primeras obras importantes, datan de 1913, año en que ganó el Premio de Roma, nunca antes concedido a una mujer. Sofía Gubaidulina (1931), estudió en el Conservatorio de Kazan y después en el de Moscú. Sostakovich le ayudó a obtener el diploma que no querían darle porque componía de una forma “errónea”. Su primera composición dada en público en 1956, con su carácter esotérico y orientalista, parecía una provocación contra las opiniones y los cánones oficiales que preconizaban el canto patriótico. Su música quería reflejar un arte total, lleno de poesía, filosofía, literatura y creencias religiosas. Tras sus primeras obras marcadas por el lenguaje de Sostakovich, optó por el serialismo. Hoy en día es reconocida como uno de los pilares de la música del siglo XX y sus obras se dan en concierto por todo el mundo.

Había muy pocas posibilidades de que la mujer pudiese entrar a formar parte de una banda o una orquesta, sobre todo porque no tocaba el tipo de instrumento requerido y porque no estaba bien visto que una mujer tocara en público. Sucedía algo similar con el canto. Las mujeres cantaban en la privacidad de sus hogares, pero no se las animaba a cantar en público. Había excepciones, sin duda, pero muy pocas. Algunas mujeres decidieron que la mejor solución sería agruparse y formar sus propias orquestas. La idea tuvo su origen en Austria y Alemania, y rápidamente se difundió por otros países europeos. Una de las primeras orquestas femeninas fue la Wiener Damenorchester (Orquesta de damas vienesas). El impacto creado por su visita a Nueva York en 1871 impulsó la creación de otras orquestas similares en los Estados Unidos de Norteamérica, como The New York Ladies' Elite.

Pero el verdadero cambio llegó con la Segunda Guerra Mundial (1939-45). Muchos hombres músicos fueron reclutados en los ejércitos y los directores se vieron obligados a aceptar mujeres que los reemplazaran. Cuando la guerra terminó, muchas de estas mujeres continuaron en sus puestos. ¡La orquesta mixta se había hecho realidad!

_______________________________________________________________________________________ Mercedes Arias González

Desde siempre, dando la nota.  
Desde siempre, dando la nota.  
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