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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 2

CRÉDITOS

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Cuidado Editorial: María Nieves Míguez Autor: Beerd Willems Anabella Acevedo

Directora Ejecutiva

María Nieves Míguez

Directora Administrativa

Ofelia Gutierrez

Dirección de Arte y Diseño: Bryan Castro Diagramación: Bryan Castro: Ilustración: Bryan Castro Edición final: Vania Vargas Corrección de estilo: Julio Urizar

Coordinadora de Finanzas

Producción: www.bryancastropoz.com

Alba Carrasco

ISBN: 978-9929-668-02-7

Coordinadora de comunicación

Zinder García

Publicado con el apoyo:

Coordinadora de Actividades

Santiago Lucas

Diseño Gráfico

Julio Urizar

Publicaciones y Mediación

El tiraje consta de 1000 ejemplares. Se utilizó papel couché de 80 Grs. y cartulina husky calibre 12 con barníz UV mate.

Beerd Willems. Master en Historia del Arte, Universidad de Leyden, Holanda. Catedrático de Historia del Arte y Arquitectura en la Universidad Mesoamericana y Catedrático de Evolución Arquitectónica e Historia Contemporánea en la Universidad Rafael Landívar.

Bryan Castro. Diseñador y artísta gráfico, actualmente ideólogo en el bullpen BryanCastro & Poz. El diseño de la liberación [DL] es un movimiento que busca constituir como una iniciativa de reformulación del diseño en teoría y práctica, como alternativa a la crisis de relevancia y compromiso social del diseño tradicional de los ùltimos años.


Cada ni帽o es un artista. El problema es c贸mo seguir siendo artista una vez que se crece... sso

ica oP l b Pa


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Primeras Vanguardias

EXPRESIONISMO POSIMPRESIONISMO

Claude Monet (1840-1926) Berthe Morisot (1841-1895) Otros artistas: Auguste Renoir (1841-1919) Edgar Degas (1834-1917) Alfred Sisley (1839-1899)

CUBISMO FAUVISMO

IMPRESIONISMO

1873-1886

SURREALISMO

1885-1912 Paul Cézanne (1839-1906) Vincent van Gogh (1853-1890) Paul Gauguin (1848-1903) Otros artistas: Henri de ToulouseLautrec (1864-1901) Henri Rousseau (1844-1910) Edvard Munch (1863-1944)

1900-1910

1905-1920

Henri Matisse (1869-1954)

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) Käthe Köllwitz (1867-1945) Rodolfo Galeotti Torres (1912-1988)

Otros artistas: André Derain (1880-1954) Kees van Dongen (1877-1968) Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Otros artistas: Franz Marc (1880-1916) Emil Nolde (1867-1956) Wassily Kandinsky (1866-1944)

1905-1916 Pablo Picasso (1881-1973) Carlos Mérida (1891-1985) Otros artistas: Georges Braque (1882-1963) Juan Gris (1887-1927) Roberto González Goyri (1924-2007)

1924-1945 Salvador Dalí (1904-1989) Otros artistas: René Magritte (1898-1967) Joan Miró (1893-1983) Max Ernst (1891-1976)

1946Jackson Pollock (1912-1956)


Línea de Tiempo

Beerd Willems

Vanguardias y Posmodernismo

Posmodernismo Segundas Vanguardias EXPRESIONISMO ABSTRACTO

-1960 Otros artistas: Willem de Kooning (1904-1997) Mark Rothko (1903-1970) Barnett Newman (1905-1970)

ARTE DE INSTALACIONES ARTE POP (POP ART)

1958-1970

ARTE ÓPTICO (OP ART)

1960-1970

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Bridget Riley (1931)

Otros artistas: Andy Warhol (1928-1987) Richard Hamilton (1922-2011) Peter Blake (1932)

Otros artistas: Victor Vasarely (1906-1997) Jesús Rafael Soto (1923-2005) Michael Kidner (1917-2009)

PERFORMANCE

ARTE URBANO

ARTE CONCEPTUAL

1965-Hoy

1965-Hoy

Joseph Kosuth (1945) Benvenuto Chavajay (1978)

Marina Abramović (1946) Regina José Galindo (1974)

Otros artistas: Sol Lewitt (1928-2007) Joseph Beuys (1921-1986) On Kawara (1933-2014) Alfredo Jaar (1956)

Otros artistas: Chris Burden (1946) Tehching Hsieh (1950) Carolee Schneemann (1939)

1960-Hoy Joseph Beuys (1921-1986) José Míguez (1973) Lourdes de la Riva (1955) Otros artistas: Edward Kienholz (1927-1994) Nancy Reddin (1943) James Turrell (1943) Yayoi Kusama (1929)

1980-Hoy Banksy (1975) BTCHR (1984) Otros artistas: Keith Haring (1958-1990) Swoon (1978) Blek le Rat (1951)

Más que mirar 5


66 ¿QUÉ ES ARTE?

Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 6

El arte no se encuentra solamente en los museos, las iglesias o las galerías. El arte también está en la calle. ¿Lo has visto alguna vez? Durante mucho tiempo, el arte fue como una ventana a través de la cual se podía observar lo que el

Jan van Goyen, Vista del río Oude Maas en Dordrecht, 1651.

artista miraba o imaginaba (por ejemplo la obra del río con barcos que aparece abajo). Pero ¿Qué piensas si te digo que las imágenes a la par del cuadro con los barcos también son arte? Ambas son ejemplos de arte moderno y arte contemporáneo.

Carlos Mérida, Estabilidad sobre dos puntos, 1956

Hay muchísimas maneras de hacer arte. Lo que necesitas para disfrutar su gran variedad son tus ojos y curiosidad por aprender, pues más que mirar, también necesitas sentir, pensar y cuestionar.

Benvenuto Chavajay, Suave chapina, 2009.


Presentación

Beerd Willems

El Inicio de las Vanguardias

ARTE MODERNO

Rompiendo con la tradición El arte es una parte muy importante de nuestra cultura. Y cultura es todo lo que nos hace humanos. Nuestra forma de comunicarnos, de pensar, de relacionarnos con los demás. Nuestra cultura son nuestras tradiciones, lenguas, ciencia, religión, filosofía. Pero también son nuestras costumbres, deportes, programas de televisión, los videojuegos, nuestra arquitectura y nuestro arte, entre otras cosas. Como seres humanos podemos usar nuestra mente y nuestra imaginación para inventar, para encontrar soluciones a los problemas y para crear cosas. Eso le sucedió a los primeros seres humanos. Cuando crearon sus herramientas empezaron a hacer

arte. Por mucho tiempo el arte fue la única manera de mostrar el mundo. Por eso los artistas se dedicaron a pintar paisajes tal y como los veían. Además, en ese entonces los artistas eran contratados por la iglesia para pintar escenas de la Biblia o para retratar santos; o bien, por los reyes, los nobles y los hombres ricos, quienes les encargaban imágenes de escenas heroicas, del pasado o de sí mismos. Algo como el retrato que ves en esta página de un rey francés elaborado por el pintor Antoine Callet. Pero cuando inventaron la fotografía (alrededor de 1840) todo cambió. Una cámara podía captar lo que el artista veía de una forma más precisa y rápida. Entonces los artistas tuvieron que buscar otras maneras de mostrarnos lo que veían e imaginaban. Así comenzó lo que llamamos el Arte Moderno, que da inicio con las primeras

vanguardias. Una serie de estilos artísticos que revolucionaron la forma de hacer y pensar el arte. En este libro harás un recorrido por los principales estilos que dieron lugar a estos cambios. ¡Sigue leyendo y disfruta esta travesía por el arte!

Antoine François Callet, Retrato del rey Luís XVI, 1788.

Más que mirar 7

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Claude Monet

Un recorrido por el origen y el sentido del arte contempor谩neo 8

IMPRESIONISMO

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Ahora me siento como el paisaje, puedo ser audaz e incluir todos los tonos de azul y rosa: es encantador, es delicioso...

1873-1886

Investigaci贸n del comportamiento de la luz sobre los objetos. Pintura al aire libre. Uso de colores puros, sin mezclar, con aplicaci贸n de pinceladas r谩pidas. Temas de la vida real empleados en los cuadros.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Impresionismo

Los primeros artistas que dejaron de estar interesados en una imagen precisa de la realidad (tradición artística que l evaba casi 500 años de existir) fueron l amados “los Impresionistas". Los Impresionistas se concentraron en sus observaciones personales y subjetivas del mundo. Ellos querían dar una impresión, un bosquejo de lo que miraban. Y lo que miraban estaba afuera, al aire libre.

CLAUDE MONET

Luz y Color El pintor francés Claude Monet fue el líder de este movimiento. Él estaba fascinado con los efectos de la luz y la sombra sobre los objetos y los colores, y con la manera en que la luz cambia y vibra continuamente. Para

captar estos efectos y cambios, necesitaba pintar muy rápido, con pinceladas libres y colores fuertes. Algo que Monet y los otros pintores Impresionistas entendieron fue que las sombras no son negras. ¡Tienen color! Mira la pintura de la dama con parasol en la siguiente página. La sombra en su vestido y la sombra en la grama están llenas de colores. Mira las pinceladas rápidas. Es un bosquejo. Los colores cambian todo el tiempo por la luz y por el movimiento del viento. Trata de verlos la próxima vez cuando estés afuera y el sol brille. Podrás ver que Monet tenía razón. A muchas personas, en 1874, no les gustaban las primeras pinturas impresionistas. Se reían de ellas o se escandalizaban. Algunos críticos de arte las llamaron “inacabadas”, y a los artistas impresionistas “unos locos”. Tuvieron que pasar unos veinte

años para que la mayoría de la gente aceptara y apreciara esta nueva manera de pintar. Eso pasa mucho con el arte moderno. Cuando algo es nuevo, mucha gente cree que es raro o feo. Pero cuando aprenden a mirar al mundo con los ojos de los artistas, empiezan a entenderlo y apreciarlo. Monet y otros Impresionistas nos enseñaron a mirar al mundo de nuevo. Para aprender algo de los artistas a veces tenemos que hacer un poco de esfuerzo y tratar de mirar desde sus ojos.

¿Sabías que? Claude Monet siendo un joven artista fue muy pobre. Él y su

amigo, el pintor Auguste Renoir, muchas veces solo tenían frijoles para comer. Para poder pagar el alquiler hacían retratos rápidos de sus vecinos.

Más que mirar 9

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IMPRESIONISMO

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Claude Monet, Dama con parasol, 1886.


Primeras Vanguardias

Impresionismo

Beerd Willems

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BERTHE MORISOT

Impresión de Mujer

Parte del grupo de los pintores impresionistas era Berthe Morisot. A ella también le gustaba pintar al aire libre, pero sobre todo empleaba las mismas pinceladas libres, suaves y coloridas del estilo impresionista para pintar momentos de su propia vida diaria. La cuna es un buen ejemplo de su obra. La cuna muestra a la hermana de la pintora velando el sueño de su hija. ¿Puedes ver que es una pintura impresionista? Mira los colores rosado y azul en la cortina y en el visillo de la cuna. Como sabemos, gracias a los pintores impresionistas, la sombra no es negra. Y el blanco nunca es solo blanco.

Berthe Morisot dijo: "Es importante para expresarse... siempre y cuando los sentimientos son reales y se han tomado de su propia experiencia".

Berthe Morisot, La cuna, 1872.

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Vincent Van Gogh

POSIMPRESIONISMO

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El arte es el hombre agregado a la naturaleza...

1885-1912

Suele tener varios puntos de vista en un cuadro. Interesa el dibujo y la expresividad. Emplea colores vivos y contrastantes, con trazos expresivos realizados con el pincel. Presenta una visiรณn mรกs subjetiva y personal del mundo.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Posimpresionismo

Cuando el estilo de los impresionistas fue aceptado, apareció un grupo de artistas más jóvenes que querían investigar otras maneras de mirar y pintar. Se l amaron “los Posimpresionistas", es decir los artistas que vinieron después de los impresionistas. Los pintores Posimpresionistas tienen estilos muy diferentes, pero todos continuaron el camino que había empezado Claude Monet.

PA U L C É Z A N N E

Él se puso a investigar las cualidades permanentes de todas las formas y objetos que nos rodean. Por ejemplo, de las manzanas: todas las manzanas son diferentes, pero, ¿qué es lo que hace que una manzana sea una manzana y no una pera? Cézanne investigó este asunto y se puso a pintar manzanas. La próxima vez que te comas una manzana mírala muy bien: por abajo, por arriba, por los lados. ¿Parece una pelota o más bien un huevo? ¿Y el color es rojo, verde,

La esencia de las manzanas Paul Cézanne fue un artista francés que también empezó a pintar al aire libre, con colores brillantes y pinceladas similares a las de sus amigos los impresionistas. Pero Cézanne no estaba tan interesado en el movimiento y el cambio.

Paul Cézanne, Cesto de manzanas, 1895.

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amarillo o tiene un poco de todos estos colores? ¿Cómo está la luz en la superficie de la manzana? ¿Refleja algo? “Una manzana es básicamente una esfera”, pensaba Cézanne. “Y una pera…un globo con un cono encima. Una botella es como un cilindro, un cono y otro cilindro más pequeño. Pero todos tienen diferentes colores, y diferentes efectos de luz.” ¿Qué colores tienen las manzanas en la imagen? ¿Y la botella? ¿Y la toalla? Cuando miras bien la imagen del cesto de manzanas puedes ver que la mesa y la botella parecen un poco extrañas. Es como si en ella hubiera dos puntos de vista al mismo tiempo. Muchas veces, para buscar la esencia de las cosas, tienes que mirar un mismo punto de diferentes maneras.

La verdad está en la naturaleza, y voy a demostrarlo”, afirmó Cézanne.

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 14

POSIMPRESIONISMO

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Vincent Van Gogh, Campo de grano con cipreses, 1889


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Posimpresionismo

VINCENT VA N G O G H

Emociones en el arte Vincent Van Gogh fue un pintor muy diferente. Mientras Cézanne quería hacer algo más sólido, casi científico, Van Gogh quería lo opuesto: la libertad de expresar sus emociones por medio del arte. Cuando Van Gogh miraba un paisaje, él veía una energía, una fuerza en todas las formas de la vida y quiso tratar de captar esa energía en sus pinturas. Vincent van Gogh creció en Holanda. Inicialmente tuvo interés por la religión, llegó a trabajar como predicador por un tiempo, tratando de ayudar a los más pobres. Sus sentimientos intensos por los marginados de la sociedad dominaron sus pinturas más tempranas. Pero, cuando Van Gogh visitó la galería de su hermano Theo en París,

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se encontró con los pintores impresionistas. Y entonces descubrió la importancia del color y la luz.

Las pinceladas son muy visibles y los colores más vivos que los de los Impresionistas. Esta es una visión muy personal del paisaje.

Desde entonces, sus cuadros brillaron con colores. Pero, a diferencia de los Impresionistas, Van Gogh no se interesó por pintar la gente elegante de París. En cambio, viajó al sur de la Francia, a las zonas rurales, donde pintó sus mejores cuadros.

¿Cómo crees que se sentía Vincent van Gogh ese día, mientras pintaba ese campo del sur de Francia?

Vincent trató de captar en la pintura algo del misterio de la naturaleza, sus propias emociones y sentimientos. Quería “exagerar lo esencial y dejar lo obvio indefinido” Al observar la pintura titulada Campo de granos con cipreses podrás ver cómo Van Gogh miraba este campo. Nota que todo parece estar movido por el viento: el grano, las nubes, los árboles, incluso las colinas.

¿Sabías que? Cuando Vincent van Gogh

era joven, su profesor de piano se negó a seguir dándole clases porque Vincent siempre comparaba las notas musicales con colores como sepia, azul de prusia y amarillo cadmio. El profesor pensaba que Vincent estaba loco. Ahora, las pinturas de Van Gogh valen cientos de millones de dólares. A lo largo de su vida Vincent Van Gogh pintó más de 900 cuadros y solo vendió uno (a una amiga).

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POSIMPRESIONISMO

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Paul Gauguin, El día de los dioses (Mahana no Atua), 1894.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Posimpresionismo

PA U L G A U G U I N

Símbolos y leyendas en el arte Paul Gauguin fue amigo de Vincent Van Gogh. Ambos amaban los colores fuertes y l amativos, y pintaron juntos durante algúún tiempo. Pero al final, Gauguin decidió empezar a viajar: le encantaba el arte de las culturas no europeas. En Tahití, muy lejos de otros pintores, Gauguin pintó muchos cuadros, inspirado por el arte, los colores, los símbolos y leyendas de la población de esa isla. Un arte que la mayoría de la sociedad europea tachaba como “primitiva”. Si observas su cuadro titulado El día de los dioses, podrás ver que aparece algo exótico, algo misterioso, lo cual era nuevo en el arte de Europa. Al iniciar el nuevo siglo, en 1900, muchas cosas habían cambiado en el mundo del arte. Los Impresionistas

habían demostrado que el arte no tenía que ser sometido a reglas fijas. Y los Posimpresionistas habían demostrado que no solo la belleza vista por el ojo podía representarse en el arte, sino también el pensamiento (Cézanne), la personalidad y los sentimientos (Van Gogh), y también la fantasía (Gauguin). Muchos de los movimientos artísticos o “estilos” que encontraremos después de este momento siguen, de una u otra manera, los diferentes caminos que fueron señalados por los Impresionistas y Posimpresionistas. Ellos delinearon tres corrientes principales que derivaron estilos denominados los “ismos.” El primero, el Expresionismo, muy influenciado por Vincent van Gogh, acentúa las emociones del artista hacia él mismo y hacia el mundo. El segundo, el Cubismo, basado esencialmente en la Abstracción,

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se originó a partir de artistas como Cézanne, quien se preguntó: ¿Cuáles son las partes y cualidades esenciales de los objetos que existen en el mundo? El tercero, el Surrealismo, basado en la fantasía, la imaginación y los sueños tal como lo hizo Gauguin. Pero tal como los Impresionistas lo demostraron, no existen reglas fijas en el arte. ¡Un artista es libre! Por eso estas tres corrientes se mezclaron bastante, de modo que ciertas obras pueden pertenecer a más de una corriente. Un día quieres expresar lo que sientes, otro día prefieres utilizar tu imaginación y la semana siguiente te animas a investigar la forma o el color de las cosas. Claro que puedes hacerlo. Todo eso y más es posible en el arte moderno.

¿Sabías que? Gauguin dijo una vez: "Cerré los ojos para poder ver". ¿Qué piensas que quería decir con eso?

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Henri Matisse

FAUVISMO

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Desde el momento en que sostuve la caja de colores en mis manos, supe que era mi vida. Me tiréé en ella como una bestia que se precipita hacia lo que ama...

1900-1910

Surge la liberación del color respecto al dibujo y el interés por los contrastes entre colores. Se emplean colores fuertes, no naturales. Sensación de espontaneidad por los toques rápidos, vigorosos y los trazos toscos y discontinuos. Expresión de sentimientos.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Fauvismo

El Fauvismo rompe por primera vez las normas en la pintura, dejando a un lado aspectos como el modelado (representación de la realidad), el claroscuro y la perspectiva. En este estilo, se promovió entre los alumnos no una doctrina concreta, sino más bien independencia para pintar haciendo uso de la técnica que fuera más adecuada al temperamento de cada alumno.

H E N R I M AT I S S E

Las fieras.. La exposición de las pinturas de Cézanne, Gauguin y Van Gogh durante los primeros años del siglo XX inspiró a muchos jóvenes artistas. En Francia, Henri Matisse y sus amigos empezaron a pintar cuadros llenos de colores intensos, formas aplanadas, motivos

caprichosos y elegantes líneas fluidas. Su estilo escandalizó tanto a la gente, que recibieron el nombre de Les Fauves (Los Fieras), el cual adoptaron con mucho orgullo. Matisse buscaba expresarse por medio de colores que no eran necesariamente los colores reales de las cosas. Observa su cuadro Armonía en rojo (Habitación roja). Lo primero que llama nuestra atención es el color rojo. No solo el de las paredes, sino también el del mantel que es de un rojo

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profundo, con el mismo motivo en azul. Las formas están claramente simplificadas para que sean los colores lo más importante de ese cuadro.

¿Sabías que? El joven Henri Matisse empezó a pintar al estar recuperándose de una operación. Tuvo que estar todo un año en cama. Para que no se aburriera, su mamá le compró pinturas y le aconsejó que no siguiera las reglas del arte, sino que escuchara sus propias emociones.

Henri Matisse, El Postre: Armonía en rojo (Habitación roja), 1908

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Käte Köl witz

EXPRESIONISMO

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Mira a la vida con los ojos de un niño...

1905-1920

Basado en la intuición, en lo subjetivo y en las emociones personales. Promovió el uso de colores puros y extremos, otorgándoles un carácter simbólico. Uso de líneas agujadas, distorsión y exageración de las formas. Obras alimentadas con una desmedida fuerza psicológica y expresiva.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Expresionismo

El Expresionismo se caracteriza por la deformación de la realidad, haciendo uso de formas subjetivas para expresar las ideas. Surgió en el período de la Primera Guerra Mundial, el modernismo y la industrialización. La amargura de estos acontecimientos provocó un deseo vehemente de cambiar la vida y renovar los lenguajes artísticos.

ERNST LUDWIG KIRCHNER

queremos conquistar libertad de acción y de vida frente a las viejas fuerzas, tan difíciles de erradicar...” Kirchner se preocupó mucho por el lugar del hombre en la sociedad moderna. Esta preocupación aparece retratada en su cuadro La Calle. En él, podemos ver una calle de una ciudad donde los colores son fuertes e irreales, las formas planas, y las caras como máscaras que expresan el sentir del pintor en la urbe. Mira a la niña

en el centro del cuadro. Está sola, aislada, parece perdida y nadie la ayuda. ¿Crees que a Ernst Kirchner le gustaban las calles llenas de gente en el medio de ciudades grandes?

"Lo único que da alegría es el trabajo de búsqueda que descubre tierra virgen, el trabajo auténticamente artístico", dijo Kirchner.

La visión interior del artista Kirchner siguió el camino que Vincent van Gogh indicó con su pintura. Él y sus compañeros creyeron que el arte podía comunicar la verdad de la condición humana.

Ernst Ludwig Kirchner, La calle, 1908.

En su manifiesto escribieron: “Animados por la fe en el progreso

Más que mirar 21

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22 K Ä T H E K Ö L LW I T Z

Expresión de empatía

Kääthe Kööl witz fue una artista alemana que dibujaba, hacía grabados y esculturas. Sus obras también pertenecen al Expresionismo aunque con ciertas variaciones.

Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 22

Contempla esta obra, identifica por qué es una escultura expresionista. Como en los cuadros de Matisse y Kirchner, aquí también las formas están simplificadas. Esta escultura no expresa sus sentimientos con colores pero lo hace a través de las formas: brazos y manos exageradamente grandes y una

postura que expresa lo que es ser madre, envolviendo, amando y protegiendo a sus niños.

¿Sabías que? También hay arquitectura, literatura, poesía, danza, música, teatro, fotografía y cine expresionistas.

Ella siempre estuvo interesada en los olvidados, los marginados y en los que sufrían. A los dieciséis años Köllwitz empezó a retratar gente pobre, obreros y campesinos. Luego, con la Primera Guerra Mundial, Köllwitz perdió a su hijo, una tragedia que la animó a manifestarse públicamente contra la guerra a través de su arte. Es por eso que muchas de sus obras tienen un mensaje político y social muy fuerte, otras son más íntimas y personales. Su obra Madre con gemelos es una de ellas.

Käthe Köllwitz, Madre con gemelos, 1937.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Expresionismo

RODOLFO GA L E OT T I TO R R E S

Realismo Social El expresionismo fue un estilo adoptado por artistas en todo el mundo con un interés especial en la política y la sociedad. A la variante de este estilo enfocada en estos temas se le conoce bajo el nombre de Realismo Social. En México, artistas como Diego Rivera pintaron grandes murales con un mensaje revolucionario, enfatizando orgullo en las tradiciones de los pueblos indígenas de México.

regresar a Guatemala empezó a tallar personajes guatemaltecos, exaltándolos, con la finalidad de elevarlos a categorías de héroes.

Galeotti exageró ciertos aspectos para lograr una fuerza expresiva, mostrando un héroe nacional dispuesto a morir por su gente.

¿Puedes ver cómo el expresionismo le ayudó con esto? Una de sus obras más reconocidas es la escultura de Tecún Umán, una estatua en bronce instalada en Quetzaltenango. Al igual que sus colegas expresionistas,

Compara la estatua de Tecún Umán con la estatua de la madre con dos niños de Köllwitz. ¿Puedes ver las semejanzas? Eso es el expresionismo en la escultura.

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En Guatemala, el escultor guatemalteco Rodolfo Galeotti Torres desarrolló su versión del expresionismo o realismo social. Galeotti nació en Quetzaltenango, hijo de un papá escultor de origen italiano. Estudió arte en Italia, y al Rodolfo Galeotti Torres, Tecún Umán, 1970.

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Pablo Picasso

CUBISMO

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Todo lo que puede ser imaginado es real...

1905-1916

Reducción de las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Empleo de múltiples puntos de vista, perspectivas diversas del objeto en un mismo plano. Uso de la cuarta dimensión, obligando al espectador a recorrer con su mirada todo el cuadro para “reconstruir” la figura. Uso de colores neutros y suaves como marrones, grises y verdes.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Cubismo

En el cubismo se combina una amplia serie de puntos de vista en un solo cuadro o escultura. Los objetos y figuras son reducidos (abstraídos) a simples patrones geométricos, como el cubo, de dónde proviene el nombre cubismo.

PA B L O P I C A S S O

Fragmentando objetos Mientras algunos artistas buscaban transmitir emociones mediante el expresionismo, otros se interesaron por la abstracción y continuaron experimentando con las técnicas que el posimpresionista Paul Cézanne había utilizado: el enfoque en la geometría de las cosas y el uso de diferentes puntos de vista en una sola obra. Lo que surgió de esta experimentación se llamó Cubismo y fue desarrollado por el

artista español Pablo Picasso. Picasso empezó a mirar las cosas de una manera nueva. Él fragmentaba objetos cotidianos, como vasos o sillas y después los pintaba desde diferentes ángulos. Su idea era captar algo más de la realidad, pintando todos los posibles puntos de vista que uno puede tener de un objeto mientras camina alrededor de él. El resultado entonces ya no es una representación precisa del mundo externo, sino la formación de un mundo propio, con leyes diferentes. Imágenes más cercanas a las que se generan en nuestra mente. Cuando piensas en un objeto o en una persona es muy difícil ver una sola imagen. De hecho, lo que ves en tu mente es una serie de partes, distintos detalles al mismo tiempo. Inténtalo: cierra tus ojos y piensa en un animal, en una persona o en tu objeto favorito.

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En su cuadro titulado El guitarrista (ver página siguiente), Picasso utiliza pocos colores para no distraer del proceso de la abstracción. Deja tus ojos viajar por el cuadro, mira cómo algunas formas geométricas parecen proyectarse, mientras otras parecen estar en un plano más profundo, y tal vez puedas ver al guitarrista. ¡Si no lo ves no te preocupes! el viaje de tus ojos y de tu mente es el objetivo de la pintura cubista.

¿Sabías que?: El nombre completo de Pablo Picasso es: Pablo Diego Joséé

Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso. Sus primeras palabras como bebé no fueron “mamá, ni “papá, sino “piz, piz”, la palabra corta para lápiz en España.

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CUBISMO

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Pablo Picasso, El guitarrista, 1910.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Cubismo

CARLOS MÉRIDA

Tradiciones guatemaltecas Muchos jóvenes artistas se entusiasmaron con las nuevas posibilidades que abrió el descubrimiento de Picasso. Uno de ellos fue un joven guatemalteco, Carlos Mérida, que visitó a Picasso en su taller en París. Mérida trabajó el cubismo y lo mezcló con las tradiciones guatemaltecas. En su obra Tzel y el Brujo puedes ver cómo las historias y los colores indígenas se funden con la técnica del cubismo. El cubismo generó muchos cambios en el arte, no solo para los artistas que recibían nuevas opciones de expresión, sino también para los espectadores.

analice y haga que sus ojos se muevan a través de la obra y se pregunte: ¿Cómo y por qué los colores interactúan en esa manera?, ¿qué podría significar esta forma o aquella? El cuadro ya no tiene que representar algo realista. El color, la línea, la forma y aun la textura son los principales protagonistas de la pintura.

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"...Lo que me interesa es el juego y el goce que el trabajo me ofrece. (...) En una u otra forma, el arte que cultivo, si así puede llamarse, me ha proporcionado muchas satisfacciones; el dulce dolor de crear algo y la fortuna inapreciable de hacer amistades donde quiera que paso..." dijo Carlos Mérida.

Con la abstracción las obras dejaron de ser imágenes claras y se convirtieron en imágenes que exigen que el espectador piense, Carlos Mérida, Tzel y el Brujo, 1971

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Salvador Dalí

SURREALISMO

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Mientras estamos dormidos en este mundo, estamos despiertos en el otro". ÉMis obras son fotografías de sueños, pintadas a mano...

1924-1945

Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente y la irracionalidad. Se le da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la destrucción y lo misterioso. El surrealismo figurativo usa el realismo y técnicas tradicionales. La perspectiva exagera la profundidad. El surrealismo abstracto usa el automatismo psíquico, al pintar se traduce en un proceso irracional y espontáneo.


Primeras Vanguardias

Beerd Willems

Surrealismo

Surrealismo significa más all á o encima de la realidad. Los pintores surrealistas querían liberarse de pensamientos racionales para pintar o describir las ideas enterradas en lo más profundo de sus mentes. Por ejemplo, los sueños. En ellos puede pasar cualquier cosa.

S A LVA D O R D A L Í

Fascinado con la fantasia De la pintura de Gauguin surgieron artistas que, fascinados con la fantasía, fundaron el movimiento conocido como Surrealismo. El representante más destacado de este estilo fue el pintor español Salvador Dalí y una de sus obras más conocidas es La persistencia de la memoria (en la siguiente página).

Este cuadro efectivamente nos hace pensar en un sueño o quizás una pesadilla. Todo es al mismo tiempo distorsionado y extraño. Y otra vez, como en el cubismo, los espectadores tenemos que hacer algo. Es un cuadro que nos invita a preguntar: ¿Qué quiere decir la imagen? ¿Qué significan los relojes que se derriten y las hormigas sobre el reloj rojo? ¿A qué se refiere la misteriosa forma en el centro del cuadro? Parece una cara, podemos ver un ojo cerrado y pestañas, pero no una cara cualquiera, sino una de consistencia líquida, como la de los relojes. “Sin una audiencia, sin la presencia de espectadores, estas joyas no alcanzarían la función para la cual fueron creadas. El espectador, por tanto, es el artista final. Su vista, corazón, mente —con una mayor o menor capacidad para entender la intención del creador— da vida a las joyas”, afirmó Salvador

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Dalí sobre el papel que nosotros tenemos frente al arte.

¿Sabías que?: En 1936 Salvador Dalí se presentóó a impartir una conferencia

sobre el Surrealismo en Londres. Apareció con traje y escafandra de buzo, sosteniendo un taco de billar y dos grandes perros rusos. Empezó su discurso con la escafandra puesta, mientras el público le escuchaba. El traje no tenía suministro de aire asíí que después de algunos minutos Dalíí no podía respirar y empezóó a agitar sus manos para pedir ayuda. El público se rio a carcajadas, pensando que formaba parte de su espectáculo surrealista. Cuanto más sofocado y más gesticulaba, más fuerte se reían todos. Al borde de la asfixia, Dalí fue capaz de retirar el casco y exclamó ¡Solo quería demostrar que estaba buceando en lo profundo de la mente humana!

Más que mirar 29


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporĂĄneo 30

SURREALISMO

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Salvador DalĂ­, La persistencia de la memoria, 1931.


Beerd Willems

LAS SEGUNDAS

VANGUARDIAS ¿¿Te gusta lo que has descubierto hasta ahora? ¿Quieres seguir el recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo? En las siguientes páginas seguirás explorando los artistas y las obras más destacadas que surgieron en el período de las segundas vanguardias. Como hemos visto, las primeras vanguardias cambiaron el mundo del arte para siempre y abrieron nuevos caminos para una nueva generación de artistas. Esta nueva generación elaboró varios nuevos estilos, agrupados bajo el nombre de segundas vanguardias. Surgen a partir de 1945, después de la Segunda Guerra Mundial. La guerra tuvo grandes consecuencias para la política y la

economía mundial, y también para el arte. Como ya sabes, el arte siempre es un reflejo de lo que pasa en la sociedad.

nuevo centro mundial del arte. Por más de veinte años, la innovación artística tuvo lugar sobre todo en los Estados Unidos.

A los nazis, que ocuparon Europa cinco años durante la guerra, no les gustaba el arte de las primeras vanguardias. El arte de artistas modernos como Van Gogh y Picasso fue calificado como “degenerado” y “el producto de una fantasía enfermiza”. Muchas obras de arte moderno fueron destruidas. Y muchos artistas modernos tuvieron que huir. ¿Por qué piensas que los nazis rechazaban el arte moderno?

Las segundas vanguardias son estilos o "tendencias" muy variados, pero todos se caracterizan por ser producto de una nueva sociedad y una cultura de masas. Los nuevos medios de comunicación masiva, como el radio y la televisión, difundieron rápidamente las segundas vanguardias por todo el mundo. Después de una guerra mundial devastadora, todos los estilos o "ismos" tuvieron en común la búsqueda constante de lo nuevo: nuevas experiencias, nuevos materiales, nuevas preguntas. Descubre a continuación algunos de los estilos que las integran.

La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de artistas europeos a los Estados Unidos convirtieron a Nueva York en el

Más que mirar 31

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 32

Jackson Pollock

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

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la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja...

1946-1960

Énfasis en el proceso de creación y no en la obra de arte en sí. Uso del arte para expresar el subconsciente. Introducción de lienzos en formatos grandes en los que toda la superficie es cubierta. Representación de una mirada existencial del mundo, mostrando angustia, aislamiento y conflicto en los cuadros.


Segundas Vanguardias

Beerd Willems

Expresionismo Abstracto

El Expresionismo Abstracto desarrolló un nuevo enfoque del arte, inspirado por el interés en el subconsciente del Surrealismo. Pintar l egó a ser una contraparte de la vida misma: un proceso contínuo en el cuál el artista toma riesgos y supera problemas.

Como los surrealistas, Pollock buscaba una expresión del interior de su mente. Y lo logró al emplear el azar y sus propios movimientos espontáneos. Pollock fue descrito como un bailarín o un músico improvisando. Porque, de hecho, su manera de pintar tenía algo que ver con ambas cosas: bailar y hacer música.

JACKSON POLLOCK

Lo que hizo fue poner el lienzo sobre el suelo. Caminando y a veces bailando alrededor de él, goteaba, derramaba y lanzaba la pintura con movimientos rápidos y bruscos, hasta que toda la tela quedara cubierta, capa sobre capa, con hilos de pintura de diferentes colores. Por el dinamismo de sus obras y su manera de pintar, el estilo de Jackson Pollock también fue llamado “Pintura en acción”. Mira una de sus obras que se llama Número uno.

Pintura en

acción

Expresar emoción por medio de la abstracción fue el objetivo de un grupo de pintores de la segunda parte del siglo XX en los Estados Unidos. Para lograrlo, combinaron dos movimientos de los inicios de este siglo. Algunos se enfocaron en los colores y otros, como Jackson Pollock, creyeron en el gesto y el movimiento.

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A primera vista parece un caos total ¿no?, pero si miramos un poco más, podemos encontrar cierto orden en este caos. Las “telas de araña” de distintos colores hacen que el cuadro muestre un tipo de espacio, ¿lo ves? o tal vez hay otra realidad, con movimiento, energía, velocidad y emoción.

¿Sabías que? El Expresionismo Abstracto surgió en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.

Fue financiado por la CIA, en el contexto de la Guerra fría, fue utilizado para evidenciar una postura (política, social y económica) radicalmente opuesta a la de la Unión Soviética.

Más que mirar 33


EXPRESIONISMO ABSTRACTO

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 34

Jackson Pollock, Número uno, 1950.


Segundas Vanguardias

Beerd Willems

Expresionismo Abstracto

MARK ROTHKO

Sentimientos y emociones El Expresionismo Abstracto es un término que incluye una gran variedad de estilos bastante distintos. Ejemplo de ello son las obras del pintor Mark Rothko, otro de los exponentes famosos del Expresionismo Abstracto. Rothko a los 20 años decidió dedicar su vida al arte. Sobre todo quería mostrar emociones y sentimientos en sus obras. El joven Rothko pintaba en un estilo surrealista, investigando la mitología (las historias más antiguas de la humanidad). De pronto cambió, queriendo inventar una nueva manera de comunicar emociones. El arte de Mark Rothko llegó entonces a ser más y más abstracto, y menos representativo. Él decidió que la mejor manera de representar sentimientos y

emociones complicados era por medio de formas muy sencillas. Sus enormes pinturas con formas sencillas permiten sentir en vez de pensar cuando son contempladas. Llegó a hacer pinturas de no más de dos o tres rectángulos de colores como la obra que ves en esta página. En este tipo de pinturas sobrepuso un rectángulo sobre otro como campos de colores (en inglés “Color Fields”), de donde proviene el nombre “Pintura Color Field” la cual describe el estilo que Rothko inventó. Sus pinturas sobre enormes lienzos tenían la intención de que el espectador se perdiera en ellas. Lo que Rothko buscaba era que las personas no contemplaran y pensaran desde la distancia, sino más bien que desde muy cerca pudieran llegar a ser parte de la obra para así sentir las emociones que él había intentado representar.

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"Un cuadro vive por compañerismo y se

expande y aviva a los ojos del observador sensible," dijo Mark Rothko.

Mark Rothko, Sin título (Naranja, Rojo, Marrón) 1961.

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 36

Roy Lichtenstein

ARTE POP (POP ART)

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Mi arte no es un mero ejercicio o juego literario. Cuando decido pintar un cuadro, quiero que el resultado sea algo artísticamente organizado...

1958-1970

Tiene un estilo figurativo y realista. Extrae temáticas de la vida urbana contemporánea consumista: cómics, revistas, publicidad, cine, tv y música. Rechaza al Expresionismo Abstracto intentando poner el arte en contacto con el mundo y la realidad de los objetos. Se distingue por su carácter inexpresivo, estilizado: empleando un punto de vista frontal y la repetición.


Segundas Vanguardias

Beerd Willems

Arte Pop (Pop Art)

El término “Pop" se refiere a la cultura popular, a la de los medios de comunicación como la televisión,el cine, las revistas, los anuncios y los comics. Sacó fuera de su contexto las imágenes u objetos comunes y banales de la cultura popular y comercial. Fue un movimiento artístico muy distinto a los anteriores ¡El Pop Art debía ser divertido! De hecho, fue una reacción ante el arte “serio" y “difícil" como el Expresionismo Abstracto, volviéndolo accesible a las masas, pero con elegancia.

ROY LICHTENSTEIN

El consumismo convertido en arte El artista Roy Lichtenstein, por ejemplo, tomaba una escena de un comic y la ampliaba pintada a mano, con la misma técnica

de puntos, líneas de contornos fuertes y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Uno de sus cuadros más famosos es Whaam!

de los colores. Me importa, aún más que la ironía, que la obra sea un todo organizado”, dijo Roy Lichtenstein sobre sus pinturas.

La pintura original es muy grande, 1.70 por 4 metros. Lichtenstein usaba las imágenes de los comics porque eran consideradas banales, muy alejadas del arte. Su desafío era crear arte a partir de algo que estuviera lejos de la típica “imagen artística”. Pintar la escena de un cómic a gran escala nos obliga a mirarla con mayor atención que la que le pondríamos a una historieta. ¿Piensas que lo que hizo Lichtenstein llegó a ser arte?

¿Sabías que? La primera obra Pop Art

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de Roy Lichtenstein fue una pintura de Mickey Mouse de 1961. Fue hecha después de un desafío de su hijo, quién le mostró una tira cómica del ratón y dijo "Apuesto a que no puedes pintar algo tan bueno como esto, papá".

“Mi arte no es un mero ejercicio o juego literario. Cuando decido pintar un cuadro, quiero que el resultado sea algo artísticamente organizado. Es decir, trabajo seriamente, calculando, por ejemplo, la proporción adecuada

Más que mirar 37


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 38

ARTE POP (POP ART)

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Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963.


Segundas Vanguardias

Beerd Willems

Arte Pop (Pop Art)

A N DY WA R H O L

El consumismo convertido en arte Todos los artistas Pop comparten una admiración sincera por la cultura popular. Pero el más fanático fue sin duda Andy Warhol. De niño, Andy se mantenía bastante enfermo, pasó gran parte de su tiempo en cama. Para no aburrirse dibujaba, escuchaba radio y coleccionaba imágenes de celebridades. De adulto, estas imágenes y productos se convirtieron en sus elementos favoritos. A partir de botellas de Coca Cola, latas de sopa Campbell’s (su comida favorita, disponible en cualquier supermercado) y retratos de las estrellas del cine y la música hizo cuadros de gran tamaño. Usaba los mismos colores brillantes que se encontraban

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en esos productos de consumo. Según Warhol, estos motivos representan los valores culturales reales de un mundo lleno de consumismo. Y como pensaba que el arte también era un producto de consumo masivo, empezó a producir en masa sus propias obras de arte. Fundó su estudio llamado La Fábrica, dónde con el apoyo de asistentes hizo muchas copias de sus obras. A pesar de esto, cada pieza sigue siendo una obra de arte original de Andy Warhol.

"Un artista es alguien que produce

cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles”, comentó Andy Warhol.

Andy Warhol, Campbell´s Soup I, 1968.

Más que mirar 39


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 40

Bridget Riley

ARTE ÓPTICO (OP ART)

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Nunca me propuse pintar cuadros ópticos. Comence como un ingeniero, construyendo a partir de líneas, círculos y triángulos, en blanco y negro inicialmente, y fui descubriendo lo que éstos podían hacer...

1960-1970

Uso de efectos visuales e ilusiones ópticas tales como movimiento aparente, vibración o parpadeo. El observador participa moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico en su totalidad. Las obras son abstractas y geométricas; carecen de sensaciones, opiniones o situaciones y tampoco existe ningún aspecto emocional en ellas.


Segundas Vanguardias

Beerd Willems

Arte Óptico (Op Art)

Cuando miramos una obra de Op Art, nos da la impresión de movimiento, de profundidad o de vibración. Se trata de una ilusión, porque en realidad nada se mueve. Los pintores del Op Art l egaron a generar estos efectos porque se dedicaron a investigar el mundo de la ilusión óptica.

BRIDGET RILEY

Engañando al ojo

El Op Art o Arte Óptico se refiere a obras de arte que tienen un efecto óptico. Son obras geométricas y abstractas que juegan con nuestra percepción, nuestros ojos y nuestra mente, no buscan representar nada. La inglesa Bridget Riley es una de los artistas que se dedicaron al Op Art. ¿Puedes percibir el movimiento en su obra titulada

Movimiento en cuadros? ¡Espero que no te hayas mareado al mirarla! De hecho, cuando sus pinturas fueron expuestas por primera vez, el público afirmó que les provocaba la sensación de caerse o mareos. Ahora trata de averiguar cómo se produjo esta ilusión. Con la repetición y manipulación de las formas geométricas, Riley logra engañar al ojo. Solemos sentirnos atraídos por este tipo de ilusiones ópticas. ¿Por qué? Es una pregunta difícil, quizás apta para un psicólogo pero ¿cuál crees tú que es la respuesta? Y, ¿no crees que la ilusión óptica, de una manera u otra, siempre ha estado presente en el arte? Lo que introdujo de nuevo el Arte Op es que no trata de comunicar ideas o emociones. Es totalmente no representacional. Este tipo de arte muestra una investigación casi científica de las combinaciones de líneas y formas geométricas y de la manera en

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la que nosotros observamos las cosas. Otra vez, estamos frente a un arte que exige gran participación de nosotros los espectadores. Porque somos nosotros los que al final creamos y experimentamos los efectos ópticos.

¿Sabías que? Coincidiendo con la primera gran exposición de Op Art en Nueva York, un fabricante de ropa encargó una serie de vestidos inspirados en varias obras Op Art. Cuando Bridget Riley vio lo que se había hecho con su arte, enfureció: "Cómo te atreves a tomar una de mis pinturas y convertirla en una tela", espetó al empresario. Riley llegó a amenazar con demandarlo: temía que los críticos de arte no la tomasen en serio.

Más que mirar 41


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 42

ARTE ร“PTICO (OP ART)

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Bridget Riley, Movimiento en cuadros, 1961.


Beerd Willems

EL ARTE CONTEMPORÁNEO Y EL

POSMODERNISMO Desde los años 70 del siglo XX hasta la actualidad, hablamos de un nuevo período artístico: el arte de ahora, de este momento, de nuestra Era. Este arte es llamado contemporáneo o posmoderno. ¿Recuerdas a los Posimpresionistas (surgidos después del Impresionismo)? El Posmodernismo (“pos”) quiere decir “después”, después del modernismo. Se refiere al arte, pero también a la literatura, la arquitectura, la música: toda la cultura que aparece después de las primeras y segundas vanguardias. El Posmodernismo es, de hecho, una nueva manera de pensar la cultura, el arte y muchas otras cosas. Es un movimiento que

se construye sobre lo que los artistas modernos (las primeras y segundas vanguardias) descubrieron y también se rebela contra estos descubrimientos, los “deconstruye”. Por ejemplo, el arte moderno (el Modernismo) creía en verdades absolutas. Los Expresionistas creyeron en la verdad de nuestras emociones y los Surrealistas en la verdad de nuestros sueños. El Posmodernismo dice que no existen verdades absolutas, un estilo de arte no es mejor que otro estilo, una verdad no vale más que otra verdad, una obra de arte no puede ser “mejor” que otra obra de arte. Todo depende de una opinión, y una opinión siempre puede cambiar. ¿Qué opinas tú? El arte posmoderno es un reflejo de los profundos cambios sociales,

políticos y tecnológicos del mundo contemporáneo. Es un arte que cuestiona nuestros nuevos valores y suposiciones. Como el mundo que nos rodea, el arte llega a ser más y más global, diverso y tecnológicamente avanzado.

En el Posmodernismo, el arte puede ser cualquier cosa que el artista diga que es. El arte Posmoderno habla mucho de sí mismo, investiga e incluso se burla de sí mismo, del arte "serio" y aún de la idea del arte. El público contemporáneo, es decir nosotros, tiene un papel muy activo en una obra de arte contemporánea porque requiere del aporte de nuestras propias experiencias, ideas e interpretaciones personales.

Más que mirar 43


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 44

Benvenuto Chavajay

ARTE CONCEPTUAL

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1965- Hoy

A los “chunches” no los transformo. Los transfiguro. No hay nada que hacerles. Solo encontrarles su alma e identificarlos como arte...

Las ideas son más importantes que el objeto o la representación física en sí. El espectador requiere un nuevo modo de atención y participación mental, para complementar las obras. La naturaleza del arte es cuestionada y el lenguaje pasa a tener un papel muy importante. Las obras pueden incluir fotografías, textos, mapas, gráficos u combinaciones de imagen y texto.


Posmodernismo

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Arte Conceptual

El Arte conceptual cambió radicalmente lo que consideramos una obra de arte. En este estilo las obras son en esencia conceptos o ideas, no cosas. Los objetos materiales, lo que puedes ver o tocar, no son nada más que los soportes del concepto o de la idea original del artista, por eso no son necesariamente “bellos", solo tienen que comunicar con éxito las ideas.

JOSEPH KOSUTH

El lenguaje En el Arte conceptual el lenguaje es muy importante. Por ejemplo, para describir una idea con palabras, Joseph Kosuth, un artista estadounidense, presentó en 1965 su primera obra conceptual. Se l amaba Una y tres sillas. La obra de Kosuth consiste en una silla de madera, una foto

de esa silla y una ampliación fotográfica de lo que el diccionario describe como “Silla”. Entonces nos da tres perspectivas, tres representaciones de la misma cosa: una silla. La idea, o el concepto del artista es preguntarse: ¿Son las tres representaciones de “silla” lo mismo? ¿Son Una sola cosa o son Tres cosas diferentes? Una palabra, como “silla”, puede significar tres cosas completamente diferentes. Kosuth se hace estas preguntas y plantea que nosotros lo hagamos también. Por ejemplo “¿Cuál de las tres es la verdadera “silla”? ¿Cuál es más “silla” que las otras? La respuesta más obvia es: la silla sobre la que puedes sentarte. Pero, la palabra “silla”, como la encuentras en el diccionario, incluye todas las sillas del mundo, también la silla en la que estás sentado ahora, e incluso la silla que está en el comedor de tu casa. Tal vez la foto sea la “silla” verdadera, porque para la gente que no sabe leer, esta imagen les hace pensar

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en una silla. Otra pregunta que podemos hacernos es ¿Quién es el artista al final? ¿Es Joseph Kosuth? ¿Es el artesano que hizo la silla, o el fotógrafo que hizo la foto, o somos nosotros, el público? Joseph Kosuth escribió: “El arte que yo denomino conceptual lo es porque se basa en una investigación en torno a la naturaleza del arte”. Entonces hay otra pregunta: “¿Qué es arte?”

Como puedes ver, el arte conceptual nos hace pensar, nos hace preguntarnos muchas cosas. Tal vez contribuye a cambiar la manera en que vemos el mundo alrededor de nosotros. Quizás nunca volverás a pensar lo mismo cuando veas una silla. Para los artistas conceptuales esto es precisamente la obra de arte. Los objetos o palabras que meten en una galería o un museo son solo las herramientas para que la obra, la idea, pueda ocurrir. Más que mirar 45


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 46

ARTE CONCEPTUAL

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Joseph Kosuth, Una y tres sillas, 1965.


Posmodernismo

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Arte Conceptual

BENVENUTO C H AVA J AY

El concepto de los chunches El artista guatemalteco Benvenuto Chavajay también hace obras que podemos l amar “conceptuales", obras que transmiten una idea. Chavajay se hace preguntas (y entonces, nos hace preguntarnos) sobre lo que pasa en la sociedad guatemalteca. En sus obras aparecen objetos comunes de Guatemala como chancletas, objetos de plástico, tortillas, piedras, “chunches”, todos combinados inesperadamente para comunicar una idea. Tal como sucede en su obra Pan con clavos, la cual fue presentada en el Parque Central de la ciudad de Guatemala en el año 2000.

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Mira la obra en la siguiente página ¿Reconoces este tipo de pan? Es el pan de yemas que comemos durante la Semana Santa. Pero un pan lleno de clavos así no te lo puedes comer, ¿no? Entonces, ¿Cuál es el concepto? ¿Cuál es la idea que Benvenuto Chavajay quiere comunicar?

es más importante que la obra misma: el artista quiere que nos preguntemos cosas, que sintamos cosas.

Sabemos que las palabras también son importantes en el arte conceptual. ¿Qué quiere decir “con clavos”? Los clavos son piezas metálicas con puntas para fijar una cosa a otra, pero también es un condimento con olor utilizado en la cocina. Pero además, en Guatemala “tener clavos” quiere decir “tener problemas”. Entonces, un pan con clavos también puede significar un pan con problemas. Tal vez el artista esté haciendo referencia a las dificultades que representa para muchas personas en Guatemala tener acceso a algo tan básico como la alimentación. Otra vez, la idea tras la obra

en barro (un material tradicional) objetos contemporáneos que tienen que ver con la violencia y la violencia visual: revólveres y pantallas de televisión. Usando esta obra como punto de partida para reflexionar ¿Crees que retornar a lo tradicional podría "congelar" la violencia que nos rodea?

¿Sabías que? Otro proyecto artístico de Benvenuto se llama "Congelación". En este proyecto Benvenuto elaboró

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 48

ARTE CONCEPTUAL

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Benvenuto Chavajay, Pan con clavos, 2000.


Posmodernismo

Beerd Willems

Performance

PERFORMANCE

Arte en vivo Los artistas que se dedican al performance, como los artistas conceptuales, están interesados en comunicar ideas, en darnos una experiencia. Pero en vez de utilizar objetos o palabras, el artista de performance usa su propio cuerpo. El término arte de performance viene del inglés y se puede traducir como “arte en vivo” o “arte de acción”. En un performance, el cuerpo mismo del artista y la actuación en vivo llegan a ser la obra de arte. Normalmente un performance se vale de cuatro elementos: el espacio (donde ocurre el performance), el tiempo que dura, el cuerpo del artista y la relación entre el artista de performance y el público. El arte de performance puede ocurrir en cualquier

lugar: en un museo o galería, pero también en la calle o en un parque. Una obra de performance puede durar cualquier longitud de tiempo, desde un minuto hasta meses. A veces el público puede estar involucrado en el performance. Estas acciones pueden ser registradas en video o fotografía para que queden documentadas.

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¿Sabías que? Para su obra Performance de un año 1978-1979, el artista Taiwanés Tehching Hsieh se encerró por un año en

una caja de madera de 3.5 por 2.7 por 2.4 metros. No podía hablar, leer, escribir o ver tele. Un amigo le visitó cada día para traerle comida, recoger desechos y tomar una foto.

Muchas veces los artistas de performance quieren romper tabúes, confrontar al público con cosas de las cuales se prefiere no hablar o incluso pensar. Por eso el arte de performance puede ser conflictivo o incómodo, ¡lo cual es normal! Lo importante entonces es que nos hagamos preguntas respecto a nuestra incomodidad al ver la obra y entender lo que el artista quiso comunicar.

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 50

Regina José Galindo

ARTE PERFORMANCE

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No creo en los discursos morales, ni que el arte pueda salvar al mundo. Pero sí en la posibilidad de que las imágenes puedan hacer tambalear el silencio...

1965- Hoy

Las obras son acciones en vivo de las que se pueden conservar fotografías o un video para documentar la obra. No existen reglas ni directrices. Es muy experimental. El arte de performance puede ser entretenido, divertido, impactante u horroroso. Pero siempre memorable. El público a veces puede participar en la obra.


Posmodernismo

Beerd Willems

Performance

MARINA ABRAMOVIĆ

Los límites del cuerpo La artista serbia Marina Abramović explora en sus obras de performance los límites del cuerpo y la relación entre ella misma y el púúblico. Para una de sus obras, llamada La artista está presente, se sentó en una mesa en el atrio de un museo, siete horas y media, cada día, durante tres meses, sin moverse y sin hablar, mirando a los ojos de los espectadores que fueron invitados a tomar turnos para sentarse frente a ella. Trata de imaginar que eres parte del público durante este performance. Te sientas en frente de Marina Abramović, quien te mira directamente a los ojos, sin ninguna expresión. Algo así como el juego de “hacer un serio”: el que primero desvíe la mirada

o se ría, pierde. Sentado frente a ella seguramente te harías muchas preguntas, como: ¿Por cuánto tiempo me quedo? ¿Qué quiere ella? Y sentirías muchas emociones, porque nunca en la vida pasamos tanto tiempo mirando a los ojos de alguien que no conocemos. De hecho, durante el performance de Marina Abramović, muchas personas del público que se sentaron frente a ella estaban tan abrumadas por las emociones que generó la situación, que empezaron a llorar. Ahora trata de imaginar qué pasa con Marina Abramović, la artista. Siete horas y media cada día durante tres meses sin moverse y observando a los ojos de más de 1500 personas…

Marina Abramović: juntos hicieron muchas piezas de performance. En 1988 se separaron. 23 años después, inesperadamente, Ulay asistió al performance de Marina y se sentó frente a ella por algunos minutos mirándola a los ojos en total silencio. En ese momento la historia de un amor pasado se reflejó en sus miradas; De hecho, fue la única vez en todo su performance que Marina no pudo contenerse. Con lágrimas en los ojos, ella y Ulay se tomaron de las manos.

"La gente cambia sólo a través de su propia experiencia", dice Marina Abramović.

Una de las personas que se sentó frente de Marina Abramović fue Ulay, un artista de performance alemán. Ulay fue durante diez años pareja y colaborador de

Más que mirar 51

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporรกneo 52

ARTE PERFORMANCE

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Marina Abramoviฤ‡, La artista estรก presente, 2010.


Posmodernismo

Beerd Willems

Performance

REGINA JOSÉ GA L I N D O

Pensar en otras maneras Regina José Galindo es una artista guatemalteca que utiliza su cuerpo para explorar la violencia, el sufrimiento y la injusticia. Sus obras de performance nos invitan a pensar en otras maneras acerca de estos temas. En una de sus obras llamada Libertad condicional, Regina José Galindo permanece atada al suelo e inmovilizada por siete pesadas cadenas y siete candados. Frente a ella hay un aro con 35 llaves distintas.

Hay 35 llaves distintas. ¿Entre ellas están las llaves que abrirán los candados? También puedes pensar acerca del nombre de la obra. ¿Qué quiere decir Libertad condicional? ¿Quiere la artista mostrar que nuestra libertad siempre depende de otros?

¿Sabías que? En 2005, Regina Jose Galindo ganó un premio prestigioso: el León de Oro de la 51 Bienal de Venecia. De regreso en Guatemala vendió el León

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de Oro a otro artista y con parte de ese dinero encargó una copia exacta del León a dos escultores guatemaltecos. ¿Que crees que quiso decir Regina con la replica del León de Oro?

Los espectadores pueden decidir tratar de liberarla o no. Imagínate cómo sería estar allí. ¿Cómo te sientes cuando ves a una persona encadenada así? ¿Qué haces? ¿La ayudas? ¿O vas a esperar hasta que otra persona la ayude? Regina José Galindo, Libertad condicional, 2009

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 54

Lourdes de la Riva

INSTALACIÓN ARTÍSTICA

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“Los acontecimientos diarios y el tiempo se encargan de que olvidemos...…

1960- Hoy

Hace uso de diferentes materiales, medios u objetos para trasformar la manera en que percibimos un espacio. Intervenciones artísticas diseñadas para hacernos pensar. Requiere que el público esté activamente involucrado con la obra. Puede involucrar todos los sentidos.


Posmodernismo

Beerd Willems

Instalación Artística

Las instalaciones son estructuras o espacios enteros creados especialmente para el arte. Estas obras son algo más que escultura, están hechas para cambiar la manera como experimentamos un espacio. Hay instalaciones con objetos visuales, pero también existen las que exigen la participación de otros sentidos como el oído, el gusto, el tacto o el olfato.

JOSEPH BEUYS

Cada hombre es un artista Joseph Beuys fue un artista alemán que se expresó también por medio de instalaciones. Observa su instalación La manada. Una manada es un grupo de animales de una misma especie.

Podemos ver una vieja camioneta Volkswagen de la que parecen salir 24 trineos. Tal vez, por el título de la obra, estos trineos saliendo de la camioneta te hagan pensar en perros. Como un revés de la imagen tradicional de un trineo tirado por muchos perros. Todo está ubicado en una sala vacía, pero puede evocar un paisaje con nieve, como en el Polo Norte. ¿Lo ves en tu imaginación? Los perros se han transformado en trineos, y cada trineo tiene un “equipo de supervivencia” que consiste en una linterna, un pedazo de grasa y un rollo de fieltro. La linterna significa luz y orientación, la grasa es importante para comer en climas fríos y el lienzo te protege contra el frío. Joseph Beuys nos ha construido un mundo extraño, pero un mundo en que podríamos sobrevivir. “Cada hombre es un artista” dice Joseph Beuys. “Si un objeto anónimo, industrial, puede ser

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arte, entonces ello implica que el fabricante de este objeto es realmente el artista. Y si este objeto es realizado por el trabajo colectivo de un grupo de personas, entonces toda persona es un artista, no sólo los pintores, escultores, pianistas, bailarines o cantantes. La conclusión de que ya no es posible hacer arte es incorrecta, sino que sucede lo contrario: la vida sólo puede continuar a través del trabajo artístico, pero para ello debemos adoptar una definición extendida del arte”.

¿Sabías que? En 1974 Beuys funda la

Universidad Libre Internacional. La Universidad buscaba ser el marco de encuentro entre los diversos sectores sociales para buscar el máximo desarrollo de la creatividad en la construcción de una sociedad a partir del arte.

Más que mirar 55


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 56

INSTALACIÓN ARTÍSTICA

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Joseph Beuys, La manada, 1969.


Posmodernismo

Beerd Willems

Instalación Artística

JOSÉ MÍGUEZ

Darle voz a los objetos El artista guatemalteco José Míguez también hace, entre otras cosas, instalaciones. Observa su obra titulada Un metro cúbico de fiesta. En un cuarto vacío, el artista ha puesto un cajón de vidrio transparente de exactamente un metro por un metro, lleno hasta sus bordes de hojas de pino fresco. Imagínate estar en esa sala. Utiliza todos tus sentidos, puedes mirar, oler, tocar. ¿Qué sientes en ese momento? José Míguez nombra su obra Un metro cúbico de fiesta. ¿Extraño, no? ¿Qué es un metro cúbico de fiesta?

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En esta obra un ingrediente de la celebración está presente, pero está dentro de un cubo de vidrio. ¿El olor de pino te hace pensar en una fiesta? ¿El olor del pino te cambia la sensación del espacio en el que te encuentras?

"Me interesa darle voz a los objetos

para darle la oportunidad de ser vistos con otros ojos”, comentó Jose Míguez.

¿Existe eso? Como tal vez ya sepas, el pino es puesto en el piso durante las fiestas tradicionales en Guatemala. José Miguez, Un metro cúbico de fiesta, 2012.

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INSTALACIÓN ARTÍSTICA

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Lourdes de la Riva, Mensajeros, 2010.


Posmodernismo

Beerd Willems

Instalación Artística

LOURDES D E L A R I VA

Evidenciar lo que olvidamos Otra manera de hacer instalaciones es, en vez de usar una galería o un museo, utilizar espacios abiertos. El espacio púúblico, la calle, donde toda la gente que pasa pueda ver y disfrutar la obra. Eso se l ama hacer una intervención. La artista guatemalteca Lourdes de la Riva hizo una intervención en la 7ª avenida de la zona 1 de la Ciudad de Guatemala. Para esta obra, llamada Mensajeros, la artista cubrió el muro de todo un edificio con 500 barriletes, hechos con hojas de periódicos y flecos blancos. Todo se movía alegre por el viento. Y eso es solo el inicio de la obra de arte, porque con el paso del tiempo, como puedes imaginar, la obra va a cambiar.

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En unos días el sol hace que el papel de los barriletes se torne de un color amarillento. Y seguramente el viento va a destruir un buen número de ellos. ¿Qué otras cosas podrían pasar con la obra? Es ahí dónde viene el concepto o idea de la artista. Ella quiere mostrarnos que las noticias que encontramos en el periódico, buenas o malas, esas cosas que ocurren cada día, también cambian o parecen desaparecer con el paso del tiempo. Como la memoria. Veamos qué es lo que explica Lourdes de la Riva:

"Lo mismo que sucede con las noticias de los acontecimientos diarios, el tiempo se encarga de que olvidemos y que queden atrás, porque nuestra memoria es ocupada por un nuevo suceso".

Lourdes de la Riva, Mensajeros, 2010.

Más que mirar 59


Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 60

Banksy

ARTE URBANO

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La gente no entiende los grafitis porque piensan que no tiene sentido que algo exista a menos que dé un beneficio...

1980- Hoy

Arte callejero, frecuentemente sin permisión o ilegal. Empezó como grafiti o pintura de spray, luego se usó también esténcil. Los artistas trabajan con seudónimos, sus creaciones son difíciles de ejecutar porque tienen que huir de las autoridades. Pretende sorprender, sus obras a veces critican a la sociedad con ironía o invita a la reflexión.


Posmodernismo

Beerd Willems

Arte Urbano

Arte Urbano o “Street Art” (Arte de la calle) es el arte que se crea en la calle, a menudo sin permiso. Engloba el grafiti y otras formas de expresión artística callejera que hacen uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....). Algunas de estas técnicas ni siquiera se aplican en paredes sino en formatos 3D. El arte urbano empezó en los años 70 del siglo XX, cuando artistas con pinturas en aerosol trazaron sus seudónimos (nombre falso para ocultar la identidad) en los muros de la ciudad.

BANKSY

Arte para todos Pintar los muros de la ciudad fue l amado “tagging”. Estas “tags” con letras elaboradas con vivos colores crecían en escala, hasta que l egaron a cubrir muros enteros. Segúún la ley, el arte urbano es vandalismo.

Por eso las creaciones de los artistas son removidas a menudo y solo sobreviven en fotos. Los artistas urbanos se esfuerzan por no ser atrapados por la ley. Hacer sus obras en lugares difíciles puede ser parte de la obra. Este arte dio a los artistas que no tenían conexiones con galerías una manera de alcanzar un público grande. El arte de la calle puede ser puramente decorativo, pero también puede ser un comentario social o político del artista. Banksy es el seudónimo de un artista urbano de Inglaterra. Sus obras ahora se encuentran en diferentes ciudades del mundo. Banksy es conocido porque sus obras se burlan de nuestra sociedad de consumo y por sus bromas. Observa su obra titulada La sirvienta. Podemos ver a una trabajadora doméstica que ha recogido basura y está a punto de esconderla tras una cubierta pintada en un muro de ladrillos.

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Banksy nos muestra una realidad alternativa e imaginativa, y a la vez hace un comentario social que nos puede hacer pensar: ¿Qué está escondido? Banksy explicó su visión de esta manera: “Imagina una ciudad donde el grafiti no sea ilegal, una ciudad donde todo el mundo pueda dibujar lo que quiera. Donde cada calle este llena de un millón de colores y pequeñas frases. Donde esperar en una parada de autobús nunca sea aburrido. Una ciudad que se sienta como una fiesta a la que todo el mundo este invitado, no solo los agentes inmobiliarios y los magnates de los grandes negocios. Imagina una ciudad así y deja de apoyarte en la pared, está húmeda”.

¿Sabías que? Banksy es conocido también

por sus intervenciones en algunos de los más grandes museos del mundo. En una ocasión colgó sin autorización una obra en el British Museum de Londres.

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ARTE URBANO

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Banksy, La sirvienta, 2006.


Posmodernismo

Beerd Willems

Arte Urbano

BTCHR

Detalles que provocan cambios También en Guatemala el arte urbano está presente, decorando los muros de la ciudad. Si vives en Quetzaltenango, seguramente has visto la obra de BTCHR, el seudónimo de este artista urbano quetzalteco. La obra Existencia Efímera muestra lo fugaz que el arte urbano puede ser: nunca sabes por cuánto tiempo va a perdurar. Pero cuando pasas frente a esta obra, ¿Qué ocurre? ¿Te hace sonreír un poco también? ¿Qué opinas? Si extraemos el arte urbano de la calle y lo exponemos en un museo o galería, ¿Todavía es arte urbano? ¿Pierde el arte urbano algo sin su contexto social y subversivo? “He encontrado en la calle un espacio bastante diverso

en expresión, la calle nos pertenece a todos/as y por tanto es en estos espacios de nuestra cotidianidad en el que nos sentimos identificados con lo que surge alrededor, pintar en la calle pequeños detalles o grandes detalles hacen que cambie el entorno al que estamos acostumbrados”. BTCHR

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¿Sabías que? La primera vez que BTCHR salió a pintar a la calle no llevó suficiente pintura así que dejó la pieza a la mitad. Salió en busca de una ferretería, un día domingo, y tardó más en encontrar pintura que en realizar la pieza.

BTCHR, Existencia efímera, 2013.

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Un recorrido por el origen y el sentido del arte contemporáneo 64

¡MIRAR, SENTIR

Y PENSAR! Como pudiste darte cuenta a lo largo de este libro, el arte moderno y el arte contemporáneo son muy variados. Los ejemplos que encontraste son una muestra muy pequeña de los diversos estilos que existen en todo el mundo. Recuerda que si te interesa el arte, puedes encontrarlo en muchos lugares: en la calle, en internet, en exposiciones o en lugares como Ciudad de la Imaginación, una institución guatemalteca que no busca ningún beneficio financiero, sino estimular el pensamiento crítico y promover la reflexión y el debate a partir de la cultura y el arte contemporáneo.

Para Ciudad de la Imaginación el arte contemporáneo tiene que ver más con las ideas que hay detrás de las obras y no con la obra de arte en sí. Es por ello que en su galería encontrarás producciones artísticas que muchas veces no son cuadros, sino objetos cotidianos, videos o una mezcla de cosas que no parecen obras de arte como las que estamos acostumbrados a ver en museos o en otras galerías. Algunas no necesariamente te parecerán “bonitas”, pues no responden a los ideales clásicos de belleza ni a las formas tradicionales de crear una obra de arte. Son obras que invitan a descifrar sus posibles significados, que buscan motivar en nosotros preguntas acerca de lo que vemos, del artista, su contexto, los materiales utilizados

para hacerla, el motivo por el cual pensamos que fue creada, la reacción que nos provoca al verla, etc. ¡Así que inspírate, sueña, déjate llevar, sorprender y conmover por el arte! Al hacerlo te darás cuenta de que además de mirar el arte puedes sentir, pensar y cuestionar. Porque mirar arte no es como mirar televisión. El arte no es para “consumirlo” de manera pasiva, sin hacer nada. Ponerle atención al arte puede cambiar las cosas. Quizás después de leer este libro te sientas motivado para crear tus propias obras, ya sea porque tienes algo que decir, porque quieres expresarte o tan solo porque quieres hacer del mundo (o de tu cuarto) un lugar un poco más bonito, un poco mejor.


Referencias

Beerd Willems

Bibliográficas

Vista del río Oude Maas en Dordrecht http://marylemm.blogspot.com/2011_09_01_ archive.html Estabilidad sobre dos puntos http://www.latinamericanart.com/es/obrasde-arte/carlos-merida-estabilidad-sobre-dospuntos.html Suave chapina http://suavechapina.blogspot.com/ Retrato del rey Luís XVI http://commons.wikimedia.org/wiki/ File:Portrait_of_Louis_XVI,_AntoineFran%C3%A7ois_Callet_(1788).jpg Dama con parasol http://en.wikipedia.org/wiki/Claude_ Monet#mediaviewer/File:Claude_Monet_ 023.jpg La cuna http://museodelarte.blogspot.com/2011/03/ la-cuna-cradle-berthe-morisot.html Cesto de manzanas http://en.wikipedia.org/wiki/ The_Basket_of_Apples#mediaviewer/ File:Paul_C%C3%A9zanne_185.jpg Campo de grano con cipreses http://en.wikipedia.org/wiki/File:Vincent_ Van_Gogh_0020.jpg El día de los dioses http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Cuadros_ de_Paul_Gauguin#mediaviewer/Archivo:Paul_ Gauguin_113.jpg Armonía en rojo http://en.wikipedia.org/wiki/The_Dessert:_ Harmony_in_Red_(The_Red_Room) La calle http://www.moma.org/collection/object. php?object_id=78426 Madre con gemelos http://peace.maripo.com/m_kollwitz.htm Tecún Umán Foto Alba Carrasco

El guitarista http://www.wikiart.org/en/pablo-picasso/ guitar-player-1910 Tzel y el Brujo http://www.artexpertswebsite.com/pages/ artists/merida.php La persistencia de la memoria http://en.wikipedia.org/wiki/The_ Persistence_of_Memory#mediaviewer/ File:The_Persistence_of_Memory.jpg Número uno http://www.jackson-pollock.org/numberone.jsp Sin título (Naranja, Rojo, Marron) http://elysesnow.files.wordpress. com/2013/03/staring_at_rothko_by_ rondostar.jpg Whaam! http://en.wikipedia.org/wiki/Roy_ Lichtenstein#mediaviewer/File:Roy_ Lichtenstein_Whaam.jpg Campbell´s Soup I http://en.wikipedia.org/wiki/Joseph_ Kosuth#mediaviewer/File:Kosuth_ OneAndThreeChairs.jpg Movimiento en cuadros http://en.wikipedia.org/wiki/File:Riley,_ Movement_in_Squares.jpg Una y tres sillas http://en.wikipedia.org/wiki/Joseph_ Kosuth#mediaviewer/File:Kosuth_ OneAndThreeChairs.jpg Pan con clavos http://www.eltakana.com/2011/07/ buena-coleccion-un-cuento-de-anton.html#. U6xq4pR5Mhs La artista está presente http://en.wikipedia.org/wiki/Marina_ Abramovi%C4%87#mediaviewer/ File:ArtistIsPresent.jpg

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Libertad condicional http://www.reginajosegalindo.com/ La manada http://cinemadiscourse.com/ cultural/?p=677 Un metro cúbico de fiesta Archivo Ciudad de la Imaginación Mensajeros http://lourdesdelariva.tumblr.com/ post/566021583/mensajeros-2010 La sirvienta http://www.popularresistance.org/ bloomberg-threatens-bansky-with-arrestfor-outside-art/ Existencia efímeraa http://niheroesnitumbas.wordpress.com/ author/btchr/page/14/

Bibliografía Michael Archer, Art since 1960, New York, 1997. H.W. Janson, History of Art, Third Edition, London, 1986. Sam Philips, …isms. Understanding Modern Art, Bloomsbury, 2012. La Hora suplemento cultural 03-03-2012 http://www.theartgallery.com.au/ kidsart/learn/cubism/ http://educacion.ufm.edu/carlos_ merida_a_mano_alzada/#sthash. kOHmqZsm.dpuf http://www.metmuseum.org/metmedia/ kids-zone/start-with-art http://painting.about.com/od/ artglossaryc/g/defcubism.htm http://www.literaturaguatemalteca.org/ jpayeras1.htm http://www.elperiodico.com.gt/ es/20130512/domingo/228140/

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Más que mirar  

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