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Noviembre-Diciembre 2011

mundo cinematogrรกfico

Antxon Ezeiza

La pintura en el cine y el cine en la pintura Spike konze


Periódico, libro y ahora revista. Clase de diseño V enfocado a diseño editorial. El trabajar en diseño editorial ha sido agradable, una rama del diseño gráfico que me ha gustado mucho. Crear retículas, tamaños de hojas, seleccionar tipos de papel, establecer tipografías para base, titulo, subtitulo, resaltes, balazos, llamados de páginas, así como diseñar cornisas, plecas, cintillos, etcétera. Todo un proceso el cual se necesita tiempo, dedicación, organización y creatividad. Realizar una revista desde cero y sola es un tanto agotador, descubrí el porqué las revistas se hacen con un equipo de trabajo. Resolver de qué tema tratará, para que mercado será dirigida, cuál será el medio de publicación, cuantas secciones contendrá (¡ah! y no hay que confundir sección y articulo), cuál será la jerarquización de ellas, cuantas páginas tendrán las secciones, determinar el número de publicidad, buscar la información, las imágenes y armar la composición cuidando que no se escapen viudas, huérfanos, controlando el kerning y el entrelineado. Y si es digital, como en este caso, debemos determinar el número de botones, animaciones y links que se colocarán y contemplar el uso de video y audio. Y algo muy importante guardar en distintos formatos para que no exista problemas a la hora de correrlo en cualquier maquina.

Kinetos

Kinetos es una revista digital que aborda el tema del mundo cinematográfico. El fin es presentar información que no es tan convencional en otras revistas de cine como el origen del séptimo arte, recordando el trabajo de directores de cine, productores, guionistas, actores, personajes y todo el staff de producción que han fallecido, así como presentar a los que aun siguen con nosotros y a los que acaban de incursionar en el mundo del cine. Horas de buscar y decidir qué información presentar, el cual agradezco haber nacido en el siglo de la tecnología y la existencia del internet. Esta es la primera edición y espero que sea del agrado de todos.

Creditos Isabel Salinas Editor general

Kariely Yulissie Valenzuela Editor en jefe/Editora Editor grafico/Diseñador grafico Redacción/Corrección de estilo Internos /Consultor de diseño editorial Agradecimientos Isaac Crisóforo Castro Diana Corona Jesús Sosa Yuleni Valenzuela Blogs ☺↨╚:) páginas web

Kinetos edición no.1. Noviembre Diciembre 2011. Kinetos es una publicación bimestral editada y diseñada por Mihouse S.A. y UABC Palm Valley. Todos los derechos reservados. Kinetos es una marca registrada ante la IMPI con folio No. 270990. Registro ISSN No. 04-2003-12151746900102. Certificado de contenido 10332. Domicilio: Marsella #23462 Col Fontana C.P. 22505. Tijuana Baja California México. Derechos reservados. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido por cualquier sistema o método sin previa autorazacion del editor. Kinetos no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores. Kinetos

Editorial


Contenido

Contenido

Pagina

Secciones

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Origenes

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Antes del séptimo arte

In memoriam Antxon Ezeiza

Eventos Sitges 2011

Hablemos de

..

La pintura en el cine y el cine en la pintura

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El niño de la bicicleta

Portafolio

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Spike Jonze

Tech

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Blooper

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Tecnología de punta ¿A qué no sabes?

De ultima

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Noticas del séptimo arte

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Kinetos

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Tras pantalla


Hablemos Hablemosde.. de..

Cuando la gente me pregunta sí fui a una escuela de cine, siempre les respondo: No, fui al cine. – Quentin Tarantino


Orígenes

Orígenes

y luminosidad en la imagen. Creó el primer espectáculo luminoso para habitación negra.

La historia del cine es literalmente la historia de las luces y sombras proyectadas para crear una ilusión. La sombra arrojada por un soporte opaco, o translúcido o transparente es, sin duda, el método más antiguo y sencillo de crear imágenes en movimiento. La gran lucha de crear aparatos que faciliten la observación de las cosas comenzó con Aristóteles, que utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de sol. Describiéndola de la siguiente manera: “Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero, se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente”.

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Para el siglo XIII Leonardo da Vinci preocupado como todos los artistas del Renacimiento por la perspectiva, traza los dibujos de una linterna de proyección. Leonardo da Vinci y Alberto Durero emplearon la cámara oscura para dibujar objetos que en ella se reflejaban. A partir de ese momento se utilizó como herramienta de dibujo y pintura, extendiéndose rápidamente en Europa. El físico napolitano, Giovanni Battista Della Porta, fundador de la primera sociedad científica del Renacimiento, antepuso a un orificio una lente biconvexa (lupa) y con ella obtuvo mayor nitidez

El físico escocés David Brewster inventa el caleidoscopio (del griego “bonita forma”): Primer juguete óptico (1781-1868). El Dr. John Ayrton Paris, Inglés, pone en venta en Londres el taumatropo, primer juguete óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos. Joseph Plateau (Belga, 1801-83) establece que una impresión luminosa recibida sobre la retina persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10 por segundo dan la ilusión del movimiento. (el descubrimiento del principio de persistencia de las impresiones rétiniennes se remonta al IIe s.) Se construyeron distintos aparatos sobre esta base: fenakistiscopio (del griego “engañoso”, J. Plateau, 1829), estroboscopio (Simon von Stampfer, 1829), fantascopio (el Dr. Lake, 1832), zoótropo o tambor mágico William George Hörner (Inglés, 1786-1837), 1833, estroboscopio proyector Simon von Stampfer (Austríaco, 1792-1864), 1845, cinetoscopio (el Dr. von Uchatius, 1853). 1866 L. S. Beale inventan el corotoscopio que permite a la linterna mágica proyectar dibujos animados.

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El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han buscado procedimientos para reproducir la realidad.

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Antes del Séptimo arte

Hacia el siglo XIV Athanase Kircher construye una linterna mágica práctica (pudiendo proyectar textos más a 150 m). Definida en su tratado “Ars magnae lucis et umbrae”, editado por primera vez en 1645. Paul Philidor inventa la retroproyección móvil llamando a este a la proyección de una imagen por la parte trasera de una pantalla traslúcida que servirá de fondo a un motivo situado por su parte delantera, y los primeros espectáculos de fantasmagoría, primero en Berlín sin mucho éxito y luego en Londres.


oHablemos de..

Orígenes

Henry Renno Heyl inventa del fasmatropo que proyecta imágenes fotográficas en movimiento. Su primera demostración fue en Filadelfia. Edward James Muybridge fotógrafo, 1830-1904 inventan un método para dividir los movimientos de un caballo (Occidente) al galope con 12 aparatos a enganches sucesivos. Muybridge presenta en Europa el zoopraxiscopio que proyecta imágenes en movimiento según fotografías (26-10 en París, en el apartamento de Marey, 11, bd Delessert) Esteban-Jules Marey (físico francés, 1830-1904) construye un fusil fotográfico que registra 12 imágenes por segundo sobre una misma placa. Reynaud pone a punto su teatro óptico. Marey: cronofotografía de película móvil (ya había construido el de placa fija); fijará en 1890 el trote de un caballo. Louis Aimé Augustin Le Prince (Francia, 1842-90): película a 10/12 imágenes/segundo sobre bandas de papel sensibilizado de 5,5 cm de anchura. Eastman Kodak inventa la película flexible con base de celuloide. Edison (Amér., 1847-1931): utiliza la primera película de 35 mm. Georges Demeny(Francia, 1850-1917): inventa el fonoscopio que reproduce los movimientos de la palabra y los juegos de mímica. Edison registra la patente del cinetoscopio, aparato de visión individual con una película de 35 mm perforada. 12-2: Léon Bouly (1862-1932) registra una patente (nº219 350) para un “cinematógrafo”. Apartir de entonces: Kinetos A contenido

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Comienza la guerra por las patentes del cine.


In memoriam

In memoriam

Antxon Ezeiza Director de cine

Grau o Manuel Mur Oti y fue coguionista de Los inocentes (1963), de Juan Antonio Bardem y Los cien caballeros (1964) de Vittorio Cottafavi. Vinculado al grupo de San Sebastián afincado en Madrid, estrechó lazos sobre todo con Elías Querejeta con quien trabajó asiduamente en sus primeros años de realizador. En 1960 Ezeiza y Querejeta dirigieron juntos el cortometraje a través de San Sebastián, volviendolo a

hacer en 1962 con el cortometraje: A través del futbol. Posteriormente, formando parte del llamado nuevo cine español y con Querejeta como productor, Ezeiza rodó los largometrajes El próximo otoño (1963), De cuerpo presente (1965), Último encuentro (1966) y Las secretas intenciones (1969). Esta etapa concluyó al encontrarse el cineasta en una encrucijada difícil de superar: miembro de la intelectualidad española por un lado y vasco obsesionado con la situación de Euskadi por otro.

En 1973 se exilió a Centroamérica por motivos políticos y rodó allí Mina, viento de libertad (1976) y El complot mongol (1977). En México y Cuba, en contacto con los movimientos de liberación latinoamericanos de los setenta, Ezeiza se reafirmó en su postura nacionalista. Tras la amnistía de 1977 regresó a Euskadi con la idea de sentar las bases de una cinematografía nacional vasca. En ese sentido hay que situar la coordinación y producción de la

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Su relación con el mundo del cine se inició a edad muy temprana ya que en su juventud estuvo ligado a los cine-clubes de San Sebastián. Tras licenciarse en Derecho entró en la Escuela Oficial de Cine de Madrid aunque dejó la institución sin concluir los estudios. En esos años ejerció la crítica en revistas como Cinema Universitario, Film Ideal o Nuestro Cine, trabajó de ayudante de dirección de cineastas como Juan Antonio Bardem, Eugenio Martín, Jorge

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1935-2011


In memoriam

In memoriam

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Tras realizar el mediometraje Herrigintzan (1978) llegó el primer corto de la serie Ikuska, Erreferenduma, centrado en el referéndum constitucional, dirigido por el propio Ezeiza. La tendencia de los ikuska de retratar la realidad vasca alejándose en lo posible de la simple estadística política hizo que se le asignara a este trabajo un simbólico número 0 para distinguirlo del resto de la serie. Luego vinieron el nº 1 - Ikastolak- de José Luis Egea, el nº 2 - Gernika- de Pedro Olea, el 3 - Bilbode Anton Merikaetxebarria, el 4 - Euskal Telebistade Xabier Elorriaga, el 5 - Elebitasuna- de Koldo Izagirre, el nº 6 - Euskara galdutako Nafarroa- de Juanba Berasategi, el nº 7 - Barandiaran-, el nº 8 - Araba- de Koldo Larrañaga, el nº 9 - Artistak- de José Julián Bakedano, el nº 10 - Kontrasteak- de Iñaki Eizmendi, el nº 11 - Herribehera- de Montxo Armendáriz, el nº 12 - Emakumeak- de Mirentxu Loyarte, el nº 13 - Abeslariak- de Imanol Uribe, el nº 14 - Artzainak- de Antxon Ezeiza, el nº 15 Euskaldunberriak- de Juan Miguel Gutiérrez, el nº 16 -Donibane Lohitzun- de Antxon Ezeiza, el nº 17 - Matxitxako itxasguda- de Pedro Sota, el nº 18 Bertsolariak- de Antxon Ezeiza, el nº 19 - Euskarade Pedro Sota y el nº 20, conclusión de toda la obra, realizado por Ezeiza. Con esta serie, a la que hay

El film, que narraba el regreso de un emigrante al conflictivo País Vasco de los ochenta, despertó serios recelos entre la crítica, gran parte de la cual no perdonó la ideología abertzale de la película. No dejaba de ser sintomático que el cine de Euskadi de los ara (1987) de Ernesto del Río, Ander eta Yul/Ander y Yul (1988) de Ana Díez,El mar es azul/ Itsasoa urdina da (1989) de Juan Ortuoste o Eskorpion (1989) de Ernesto Tellería trataban ese tema y reflejaban el dolor que provoca en la sociedad vasca el largo conflicto político existente. En su pase sus inicios, Antxon Ezeiza ha sido durante muchos por el certamen donostiarra Ke arteko egunak/Días años Coordinador de Selección del Festival de Cine de humo logró el Premio San Sebastián del Festival. de San Sebastián y miembro de su Jurado (al igual que del de Berlín) el cineasta guipuzcoano recibió En 1995 presentó otro largometraje, Felicidades, con emoción el premio, reivindicando, una vez más, tovarich, muy alejado ya del modelo de cine vasco su ideal de un cine vasco libre y euskaldun. propugnado con ardor por el cineasta donostiarra durante toda la década de los ochenta, que pasó Fallece a los 76 años el 15 de Noviembre de 2011, prácticamente desapercibido para el público. tras una larga enfermedad. En el 2003, en el transcurso de la 51 edición del Festival de Cine de San Sebastián, Ezeiza recibió Filmografía el premio Ama Lur por su trayectoria profesional. Estrechamente ligado al certamen donostiarra desde Pescadores de Guetaria, 1960 (Ayudante de producción) cortometraje, A través de San Sebastián, 1960 (Codirección) cortometraje, A través del fútbol, 1961 (Codirección) cortometraje, Noche de verano, 1961, Los inocentes, 1962 (Guión), El próximo otoño, 1963 (Dirección, Guión), Los cien caballeros, 1964 (Guión), De cuerpo presente, 1965 (Dirección, Guión), Último encuentro, 1966 (Dirección, Argumento, Guión), Las secretas intenciones, 1969 (Dirección, Guión), Mina, viento de libertad, 1968 (Dirección, Guión), El complot mongol, 1976 (Dirección, Guión), Ikuska 2, 1979 (Producción) cortometraje documental, Herrigintza, Dirección) cortometraje,

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serie Ikuska(1978- 1985), 20 cortometrajes de corte documental sobre Euskal Herria rodados -ésta era una condición imprescindible- en euskera, dotados de una estética homogénea debida a la utilización de un mismo equipo técnico y con un evidente contenido nacionalista.

La realidad es que su esquema, basado ante todo en el protagonismo del euskera y del ideario político de la izquierda abertzale, chocó frontalmente con la realidad de una producción cinematográfica subvencionada por el Gobierno Vasco que escapaba a este programa adquiriendo además cierto protagonismo dentro del panorama cinematográfico del Estado español. Ezeiza siguió de todos modos insistiendo en sus ideas a lo largo de los ochenta por medio sobre todo de escritos -por ejemplo, sus Reflexiones para un debate sobre el cine vasco, artículo publicado en la Enciclopedia Euskal Herria de la Caja Laboral Popular en 1985-, revelándose como una figura señera en la defensa de la

pervivencia del euskera dentro del cine. En 1989 estrenó en el Festival de San Sebastián su primer largometraje dentro de la producción de Euskadi, Ke arteko egunak/Días de humo.

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que sumar la más breve Euskara eta kirola (1980), formada por tres cortos -Euskara eta arrauna, Euskara eta mendia, y Euskara eta futbola- dirigidos por Antxon Ezeiza y Koldo Izagirre y con diversos escritos y entrevistas publicados enMikeldi, Ere, Egin o Punto y Hora, Ezeiza intentó perfilar entre finales de los setenta y principios de los ochenta su ideal de cine vasco.


In memoriam

Eventos

El referendum, 1979 (Dirección, Producción) cortometraje documental Ikuska 1, 1979 (Producción) cortometraje documental Ikuska 5, 1979 (Producción) cortometraje documental Ikuska 3, 1979 (Producción) cortometraje documental Ikuska 4, 1979 (Producción) cortometraje documental, Herrrigintza, 1979 (Dirección) cortometraje documental, Ikuska 6, 1979 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 7, 1979 (Producción) cortometraje documental, Euskera y fútbol (Euskara eta futbola), 1980 (Codirección, Guión) cortometraje documental, Ikuska 8, 1980 (Producción) cortometraje, Ikuska 9, 1980 (Producción) cortometraje documental, Euskara y remo, 1980 (Dirección, Guión), Euskera y monte (Euskara eta mendia), (Dirección, Guión) cortometraje documental, Ikuska 10, 1981 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 11, 1981 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 12, 1981 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 13, 1982 (Producción), Ikuska 14, 1982 (Dirección, Guión, Producción) cortometraje documental, Ikuska 15, 1982 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 16, 1983 (Dirección, Guión, Producción) cortometraje documental, Ikuska 17, 1983 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 18, 1994 (Dirección, Guión, Producción) cortometraje documental, Ikuska 19, 1984 (Producción) cortometraje documental, Ikuska 20, 1984 (Dirección, Guión, Producción) cortometraje documental, Días de humo (Días de humo), 1989 (Dirección, Argumento, Guión), Felicidades Tovarich, 1995 (Dirección, Guión)

44vo. Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya

Todo el mundo está confirmando las buenas sensaciones y el éxito de una de las ediciones más esperadas de los últimos años (sea por la presencia de tantos títulos españoles, por el elenco de estrellas y artistas invitados o por el morbo de este año tras la bochornosa polémica del 2010 que quiso ensuciar el nombre del gran Ángel Sala, presidente del festival).

pantallas del Auditori, el Retiro y el Prado. Tsukamoto contra Ferrara o Soderbergh contra Winding Refn; Ben Wheatley enfrentado a Carles Torrents; Naomi Kawase y Kevin Smith; Sion Sono (por partida doble) contra Mike Cahill, Na Hong-jin luchando hacha en mano contra la pareja francesa Maury/Bustillo... todos entregados a una lucha tan maravillosa como implacable por Sitges 2011 tiene como icono conceptual la el futuro del cine fantástico en toda su extensión. inteligencia artificial. Replicantes, dualidades, geminoides, organismos sintéticos cubiertos de Bryan Singer aportará la dosis de Hollywood a Sitges neopiel, cibercerebros con neuronas microrobóticas, 2011; junto con la glamourosa Barbara Steele, la todos se darán la mano con los dobles más terroríficos actriz con los ojos que enamoraron a Baba, Fellini y que puede crear el hombre: aquellos creados por la Dante, y la que más veces ha tenido que enfrentarse propia psique, doppelgängers producto de mentes a dobles malignos de su propio ser. rotas. Unos y otros llenarán la programación, desde nuestra gala de inauguración hasta la transgresora Y también contaremos con el gran Bigas Luna, Sección Noves Visions, llegando incluso hasta la homenajeado con un Premio Maria Honorífica en sesión de Mondo Macabro. reconocimiento a toda su trayectoria. Esta edición de Sitges nos trae también una El primer día, estuvo protagonizado por el estreno autentica batalla entre los cineastas más rebeldes de ‘Eva’, la película española de ciencia ficción que e innovadores, y tendrá como cuadrilátero las buenas impresiones nos causó con su tráiler.

A contenido

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Presentación pelícua Eva

Kinetos

Imagen 2011


Eventos

Eventos

Hell, Mejor Fotografía

Bigas Luna

Premios para Attack the Block

The Unjust, Mejor Película Casa Asia

Kill List, Méliès de Plata

La acogida de la crítica en los primeros pases fue muy entusiasta (con aplausos en las proyecciones) y gustó a casi todo el mundo. ‘Eva’ es la primera incursión en el largo del catalán Kike Maíllo con Escándalo Films, la productora de la ESCAC, que cada año consigue estar presente en el festival.

Se estrenó el film español ‘Lobos de Arga’, una película que mezcla la comedia y el terror a partes iguales y que causó muy buena impresión a crítica y público. Está protagonizada por Gorka Otxoa, Carlos Areces, Secun de la Rosa y Manuel Manquiña.

Sodenbergh presentó su última producción, ‘Contagio’, película apocalíptica con un reparto espectacular. La película dividió a la crítica pero en general consiguió dejar un buen sabor de boca. El festival también tuvo tiempo para reconocer el trabajo de algunas estrellas españolas como por ejemplo Bigas Luna o Jaume Balaguero.

Pero sin duda la presencia del maestro Juan Carlos Fresnadillo con su ‘Intruders’ fue lo mejor del día. El madrileño presentó en Sitges su última película, protagonizada por Clive Owen, que hizo las delicias del público más exigente.

Se presentó en el Retiro a la proyección de ‘Haunters’, película coreana que pasó desapercibida por el festival. También en el Retiro se vio ‘The Murder Farms’, de la directora suiza Bettina Oberli. ‘The Caller’ fue otra de las películas que pudimos ver en el festival y que causó grata sorpresa entre los asistentes, sobre todo por “la sonrisilla de cabrón que te deja al final”.

Otro gran director, Abel Ferrara, también presentó su ’4:44: Last Day of Earth’, aunque no pudimos gozar de su presencia por Sitges. La película protagonizada por William Dafoe fue un fracaso para el público y una decepción absoluta para la crítica. ‘The Unjust’ fue otra de las películas asiáticas que pudimos disfrutar en estas primeras jornadas del festival, cuya violencia y dosis de humos no han logrado impresionar.

8, Mejor Cortometraje Brigadoon

Jaume Balagueró y su ‘Mientras duermes’ fue la gran protagonista de la tercera jornada del Festival de Sitges. El director español presentó de forma oficial y recibir el premio honorífico la Màquina del Temps. Con sus lágrimas pudimos comprobar lo importante que fue para él este reconocimiento, tras una trayectoria cinematográfica ligada inevitablemente a este festival (en donde estrenó la mayoría de sus películas). Antes de la proyección disfrutamos en exclusiva del tráiler de ‘[REC]3: Génesis’, el mejor de la saga, que no se podrá ver de nuevo hasta Diciembre. La cinta protagonizada por un incombustible Luis Tosar está causando sensaciones muy positivas entre la crítica y público, cuyas impresiones generales sugieren que estamos ante la mejor película de Balagueró. Por la mañana exhibieron a ‘Starcrash’, una película de 1978 protagonizada por David Hasselhoff que hizo las delicias de los más frikis. Bienvenidos al territorio de la caspa, los colores chillones, los viajes espaciales mediante el salvapantallas del Windows 98, etc.

También en el Retiro acudimos a las proyecciones de ‘Leafie’, alucinante película de animación coreana que es para la gran sorpresa del día y de Sitges hasta la fecha, y de ‘The Other Side Of Sleep’, pretenciosa película irlandesa. Cary Fukunaga, director de ‘Jane Eyre’, película sorpresa del festival con impecable factura técnica y narrativa. Esta adaptación del clásico de Charlotte Bronte en 1847 interpretada brillantemente por Mia Wasikowska y Michael Fassbender ha levantado entusiastas críticas entre el público especializado. Cary Fukunaga, para el que no lo conozca, fue elegido uno de los 5 talentos más prometedores en 2008 del cine independiente en Estados Unidos por Filmmaker Magazine. Consiguió el Oscar al Mejor Corto de Estudiantes de Cine y triunfó en el Festival de Sundance con su ‘Victoria para chino’. Acaba de despegar su carrera, veremos a dónde llega.

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Coup de grace, Diploma Noves Visions Mejor Cortometraje

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Jurado Nova Autoria A contenido

Clausura en el Auditori

Kinetos

Livide, Mejor Diseño de Producción

Jurado Carnet Jove

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The Yellow Sea, Mejor Director


Hablemos de..

La pintura en el cine y el cine en la pintura.

El cine, por otra parte, «ha contribuido a reencuadrar la pintura moderna», según José Luis Borau. Tres

Todas las artes se han enriquecido entre sí, pintura , fotografía y cine se han mezclado de tal modo que las unas y el otro se contienen en los múltiples y complejos procesos experimentales de la creación. La pintura usa del cine la esencia primaria de este: la fotografía. Muy pronto incorpora un efecto bien conocido: la cinética.

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El cine, en búsqueda de una legitimación plástica y estética, reprodujo muchas pinturas, componiendo en muchas ocasiones filmes completos inspirados en las composiciones pictóricas de los grandes maestros de la pintura. En otras ocasiones, durante todo el siglo XX, los directores de cine se inspiraron en los grandes pintores, tanto para comprender las obras representadas como para reproducir ambientes y colores como para contar sus vidas, recrear sus argumentos y revivir sus formas de expresión. Muchos directores y fotógrafos cinematográficos fueron pintores, como Fritz Lang y Houston, otros artistas han puesto su arte al servicio de los decorados, Dalí por ejemplo, o al vestuario, los títulos de crédito, la dirección artística o los diseños arquitectónicos.

son, según él, las aportaciones principales del cine a la pintura: la luz, el encuadre y el movimiento. Respecto de la luz, considera que el artificio empleado en el cine para imitar la realidad se ha llevado intencionadamente a muchos lienzos, iluminación deliberadamente artificial de los cuadros de Eduardo Arroyo o David Hockney, desenfoque de algunos objetos en la pintura de Boccioni o Caulfield y los reflejos en algunas de Richard Estes. Borau considera también que el cine ha contribuido a establecer otro tipo de encuadres en la pintura. Así, recuerda las salidas de plano de alguna pintura de Freud, los picados y contrapicados de Malevich, las escenas inacabadas de Monory, el plano y contraplano de Arroyo, incluso los retratos como si fueran negativos de películas de Hamilton.

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Desde finales del siglo XIX, sus comienzos, el cine tuvo su forma de presentación prioritaria en las pinturas de los clásicos. Era muy común ver en el teatro los cuadros vivientes (tableaux vivants), representaciones didácticas con fondo histórico o religioso, que reproducían preferentemente cuadros clásicos.


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“La pintura colecciona el mundo y lo trae a casa. El cine «nos transporta desde el lugar en que estamos hasta la escena de la acción.”

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-John Berger

Florencio Molina Campos y la inspiración para Disney Florencio Molina Campos, 1891-1959, pintor de la cultura gauchesca, argentino, colaboró con Walt Disney tras un viaje que éste hizo por toda América del Sur durante diez semanas en 1941, junto a su esposa y dieciséis colaboradores de su estudio. Reunieron material para la historia de una serie de películas con temas de América del Sur.La obra de Molina Campos se destaca por retratar de manera humorística, pero con absoluta fidelidad, la vida del gaucho de la Pampa Argentina. A partir de 1942, Molina Campos fue contratado para asesorar al equipo de dibujantes para tres películas que los Estudios Disney estaban por realizar, ambientadas en la Argentina y basadas en algunas de sus obras, y en los paisajes que habían visto en sus viajes a la Pampa.

En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó un contrato para un cortometraje de animación de pocos minutos de duración que debía combinar ballet y dibujos animados. El proyecto, titulado Destino es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia y Chronos, que se sirve de las imágenes y del simbolismo de Dalí para indagar en la naturaleza de las relaciones humanas. Dalí adaptó la técnica de escritura automática a la pintura, una forma de creación particularmente apropiada para la animación, ya que permite mezclar y ensamblar libremente imágenes salidas directamente del inconsciente. En el filme se mezclan bailarinas, jugadores de béisbol, hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y la Torre de Babel, no sigue una trama lógica, y deja gran parte del argumento en manos de la imaginación del espectador. Dalí siempre decía: «Si lo entendéis, he fracasado».

Toulouse-Lautrec, de Planchon (1998) Biopic de Henri Tolouse-Lautrec realizada por Roger Planchon, prestigioso director teatral, que se centra especialmente en la historia de amor que vivió el pintor con la bailarina Suzanne Valadon, madre soltera y modelo de Renoir. El artista fue durante mucho tiempo considerado como un pintor mediocre y más conocido por frecuentar bares y cabarets de can-can que eran retratados en sus famosos y pioneros carteles publicitarios. El pintor Tolouse-Lautrec está interpretado por Régis Royer, que para este papel tuvo que encoger su estatura unos veinte centímetros recurriendo a sufridos trucos que le obligaron a pasar buena parte del rodaje con las rodillas flexionadas o los pies hundidos en agujeros. La película destaca por su cuidado tratamiento histórico y exquisita ambientación.

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De la misma manera que el cómic ha dado personajes y argumentos al cine, el cine ha influido en el comic y en sus formas expresivas, como en los dibujos de Hugo Pratt o en el Manga japonés y a través de él en todo el cómic occidental, con sus secuencias cinematográficas, el ritmo y la movilidad de sus viñetas, sus encuadres, picados y contrapicados, primeros planos y planos detalle.

Dalí con Disney en Destino, 1946

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Y todo sin unir un fotograma. El artista fuerza la imagen fija y consigue que se mueva, del mismo modo en que, sin una palabra, consiguió que esta hablase. Se trata de ganar el juego, el juego de la creatividad que como una fruición adictiva se problemática cada vez más. (Raysa White, 2007, en La rosa Blanca).


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Pollock, la vida de un creador (2000) Es la recreación de la vida de los amantes y artistas contemporáneos Jackson Pollock y Lee Krasner (de la escena artística de Nueva York), que escapan al campo para contraer matrimonio y, muy pronto, Pollock comienza a crear el arte que lo convirtió en el primer pintor del modernismo dentro de los Estados Unidos. En la década de los cuarenta, ya estaban en el centro de la escena artística de Nueva York.

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Mientras lucha contra su falta de confianza en sí mismo, en una batalla entre la necesidad de expresarse y el deseo de silencio, Pollock comienza a recorrer una espiral hacia abajo que lo llevará a destruir los fundamentos de su matrimonio y su carrera.

Esta película es una producción de Salma Hayek que creyó tener así el papel de su vida, y que para ello consiguió poner detrás de la cámara a una directora con el talento de Julie Taynor. En el film de Taylor se aprecian la fuerza de los sentimientos de la pintora, su sufrimiento perenne, su pasión desbordada por Diego Rivera, su afán por ser mujer, ante todo, aunque rota por todas partes. Se vive con ella la política de su tiempo, en la que pareja estaba metida, sus actividades colectivas como comunistas, con Trotsky y Stalin. Es muy rica la forma en que se reproducen los cuadros de la artista, el color que se imprime a todo el film basándose en sus estéticas, que representan sus estados de ánimo, así como los encuadres, que toman la forma y el punto de vista de los cuadros de la pintora.

Esta película es la adaptación de la novela de Tracy Chevalier del mismo nombre, que a su vez se basa en un cuadro de Johannes Veermer, también del mismo nombre. donde el gran reto parece consistir en trasladar la atmósfera y el misterio que inundan los lienzos del pintor al celuloide; así como robar la mirada de la actriz que encarna a la modelo del cuadro como lo hiciera el que la retratara con sus pinceles. Con todos estos precedentes la película ha de transpirar arte por todos sus poros y así es. Durante el metraje podemos observar diversos cuadros del pintor holandés. La fotografía del portugués Eduardo Sierra es simplemente deslumbrante y ayuda a darle ese toque pictórico. Es como ver un cuadro en movimiento. Hay que destacar la poca luz artificial con la que parece haberse rodado. Hay muchos interiores que se ven iluminados únicamente por los ventanales exteriores. La banda sonora acompaña a la historia de forma sutil.

El gran Vázquez, de Oscar Aibar (2010) La película de Aibar es un homenaje a los TBOs (historietas cómicas de la posguerra española), y hace un homenaje a la editorial Bruguera, verdadera piedra angular en la formación de generaciones de dibujantes y humoristas, muchos de ellos expedientados por el régimen cuando no podían ejercer sus verdaderas profesiones. Están muy bien logrados la ambientación, el recurso de imitar en ciertos momentos algunos de los verdaderos dibujos de Vázquez y la animación de algunos de sus personajes que pasan a formar parte de las ensoñaciones del dibujante.

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Es una película biográfica sobre la mísera existencia de uno de los más famosos pintores del siglo XX: Modigliani, obligado a vivir en la más absoluta miseria malvendiendo sus cuadros para sobrevivir de mala manera y hundirse cada vez más en el alcohol; también su vida amorosa oscila entre el amor de una joven pura e ingenua que ama sin límites al artista y el de una rica y poco escrupulosa escritora americana que sólo busca en él la aventura, aunque ayuda al pintor más de una vez cuando entra en una de sus crisis. Una vida así no podía terminar más que de la manera más trágica y miserable, muriendo como un perro en una calle de París, mientras un avispado marchante de arte, como un ave carroñera, espera su muerte para expoliar sus cuadros, consciente de que un día valdría mucho dinero. Describe creo que con bastante fidelidad lo que fue a grandes rasgos la calamitosa situación de Modigliani en Montparnasse, y probablemente se acerque bastante a su personalidad real, justificada por su modo de vida. La película actúa como crítica válida con el arte que poco tiene que ver con las cabezas y sí con los bolsillos y la especulación.

Frida, de Julie Taymor La joven de la perla, de Peter Webber (2003) (2002)

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Los amantes de Montparnasse 19, de Jacques Becker (1958)


Hablemos de..

El sol del membrillo, de Víctor Erice (1992)

Basquiat, de Julian Schnabel (1996) La corta, tumultuosa vida del pintor Jean-Michel Basquiat, su meteórico ascenso a la fama y su trágica muerte a los 27 años de una sobredosis de heroína, recreada en celuloide por un íntimo amigo del artista. Exitoso debut como realizador del pintor Julian Schnabel, quien nos proyecta la vida y época del excéntrico artista a quien el New York Times llamara «el James Dean del mundo del arte». Apoyado por un reparto fabuloso, Schnabel retrata el conflicto entre un genio rebelde incomprendido y la sociedad materialista que le rodea en el muy singular mundo del arte neoyorkino. Visualmente la cinta refleja el trasfondo pictórico de su director. Imágenes casi surrealistas muestran la chispa visual que alimentaba el arte de Basquiat.

Esta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol -un membrillero- que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. Antonio López pinta con un estilo que, basado en la exactitud, puede denominarse realista.

Séraphine, de Martin Provost, 2008 Séraphine es un heterodoxo biopic sobre la figura de Séraphine, en el que Martin Provost intenta desentrañar la naturaleza del enigma que se intuía en la obra de esta artista casual, autodidacta, que experimentaba y creaba sus propios tintes basándose en la naturaleza, reflejándola en cada uno de sus trazos, que comenzó a pintar a una edad tardía, cuando contaba con 42 años y una miserable vida. No hay apenas información de la vida de la pintora. El mérito de la creación del personaje se reparte entre Martín Provost, que conoció la vida de su personaje a través de unos amigos y lo poco que pudo localizar en Internet, y Yolanda Moreau, la actriz, que se enamoró del personaje, con el que tenía cierta similitud física, y al que representó con toda sensibilidad, ayudada por unas clases de pintura y unos zapatos de época con la suela de hierro que le hacían moverse pesadamente.

La película da cuenta de esa experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas...) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo -otoño de 1990- donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máxima experiencia. Trata de buscar una relación menos evidente entre la pintura y el cine, observados ambos en lo que tienen de instrumento de captura de lo real; es decir, como formas distintas de llegar al conocimiento de una posible verdad.

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Óscar: una pasión surrealista Es la biografía del pintor surrealista Oscar Domínguez, un espíritu revolucionario, genial y creativo en todos los ámbitos que se codeó con André Bretón, Picasso o Paul Eluard. Bohemio, mujeriego y más concienciado que el líder del movimiento. El film conjuga esta historia real con la narración de otra vida que llega a su fin. A Ana le quedan pocos meses de vida cuando unos representantes de un museo llegan a su casa interesados por un cuadro de Domínguez que el artista le podría haber regalado a su abuelo. A contenido


Tras pantalla

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Si algo ha caracterizado siempre los filmes de los Dardenne es el rigor de la simplicidad, un minimalismo narrativo que en este caso resulta quizá más elocuente que nunca. Sobre la pulsión neorrealista del filme, el relato no se permite una sola concesión al ornamento, a la derivación o la complacencia dramática, si bien se detectan algunas pequeñas variantes sobre el resto de su filmografía, que en el caso de los Dardenne son especialmente significativas por lo que tienen de postura cinematográfica. Lo que es innegable es que cada estreno de cada uno de sus trabajos es una celebración, y ahora nos llega esta El niño de la bicicleta que viene avalada por haber cosechado entre otros el Gran premio del Jurado en Cannes 2011. La historia es tan sencilla de explicar como difícil de rodar: un niño, del que su padre no quiere saber absolutamente nada, es acogido por una peluquera que intentará

La búsqueda del amor y su rechazo en los genes familiares es un tema recurrente en toda su obra. En El niño un recién nacido era vendido sin pudor por su padre para sacar unos francos, mientras que en El hijo un padre afligido por la muerte de su hijo se vengaba del agresor que acabó con su vida. En este caso los Dardenne nos ofrece un relato menos dramático y más esperanzador donde el amor A pesar de los impedimentos y triunfa y los posos de amargura se trabas que la vida te pueda llegar a convierten en mera felicidad. poner, hay que levantarse y buscar a aquellas personas que te puedan Como siempre ocurre en sus films ayudar a superarlos. Parece la puesta en escena es magistral. sacado de un libro de autoayuda, Los encuadres son trabajados de pero estamos hablando de cine y forma milimétrica y nada se deja del bueno, un cine dotado de una a la improvisación. La dirección de profundidad y una sutileza muy actores, perfectamente construídos difíciles de lograr. Los Dardenne también es exquisita, destacando observan el presente desde una sobremanera las actuaciones de óptica casi documental. una soberbia Cecile de France, una de las mejores actrices El film no ofrece respuestas, lo francesas actuales a reivindicar, que es un acierto absoluto ante y el sorprendente Thomas tanta pseudo película que te Doret, que nos regala una de las explican una y otra vez como si interpretaciones más viscerales se tratara de darte una papilla. y nerviosas impropias de un Aquí el espectador debe poner debutante en la gran pantalla. de su parte, implicándose en un proceso emocional del que nadie Y con ellos, un fijo en los films puede ser ajeno. de los hermanos: Jeremy Renier (a quien vimos hace poco en La frescura y el rigor de un relato Potiche, de François Ozon), en que en otras manos hubiera caído el rol de padre que reniega de en el absoluto ternurismo. su hijo ya que le estorba en sus

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Si decimos que la mayoría de las películas dirigidas por los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne son auténticas obras maestras seguramente nos estémos quedando cortos. Títulos como “La promesa”, “El hijo”, ”El silencio de Lorna” o “El niño” han recibido multitud de alabanzas por parte de prensa y público traducido en un sinfín de galardones (Cannes suele ser plaza fija donde triunfan año tras año) y parabienes merecidos de todas todas.

A través de sus films los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne han respetado siempre una coherencia en su trabajo, son films bañados en cierto realismo que tiene sus raices en una linea más o menos militante. Quizás sean los cineastas que mejor han sabido traducir en imágenes sentimientos como el amor y la falta paterna, la amistad, el odio e incluso el perdón. A parte se les puede considerar como pioneros de un tipo de cine en el que la cámara parece que vaya pegada a la nuca de los protagonistas (no en vano se les ha acusado en alguna ocasión de rodar bajo los parámetros del cine Dogma).

nuevos planes. El film es una delicia cargada de valores que debería proyectarse en todos los institutos; es hora y media de puro cine de sentimientos. La escena en que Samantha, la madre sustitutoria y Cyril se enfrentan en una lucha cuerpo a cuerpo destila una fuerza inaudita, y aquella otra en la que después de un accidente premeditado Cyril se levanta como un resorte en cuanto oye el móvil cuando todos se pensaban que había muerto refleja un canto a la vida tan surrealista como efectivo.

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El niño de la bicicleta.

por todos los medios que se vaya integrando en una sociedad que le repele. Otra vez la juventud perdida en conflicto con la autoridad paterna.


Tras pantalla

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Por más que lo intenten, los subDardennes del cine mundial –que no son pocos– jamás se acercarán a su modelo. Hay algo en las películas de los hermanos belgas, en la concepción de su oficio como si fuera su “deber como ciudadanos” (en palabras de Álvaro Arroba), que es simplemente inimitable.

.- Luc: No queríamos dar pistas sobre lo que empuja a Samantha a interesarse por Cyril. No queríamos dar demasiadas explicaciones psicológicas. No queríamos que el pasado explicase el presente. Queríamos que el público pensara: “¡Le está ayudando!” Y eso ya es mucho.

Sus películas suelen tratar ¿Cómo surgió la idea de hac- las relaciones entre padres er “El niño de la bicicleta”?... e hijos: “La promesa”, “El .- Luc: Era una historia que nos niño”, “El hijo”. ¿A qué se rondaba hace mucho tiempo. La debe?... historia de una mujer que ayuda a un chico a liberarse de la violencia que le aprisiona. La primera imagen era la de este niño, un manojo de nervios, que encuentra la paz y el sosiego gracias a otro ser humano. .- Jean-Pierre: Al principio pensamos que Samantha podía ser médico pero después cambiamos de idea y decidimos que sería una peluquera con un negocio consolidado en su barrio.

.- Luc: Todos somos hijos o hijas de alguien... .-Jean-Pierre: La sociedad fomenta el individualismo. Así que es una especie de reacción y de la necesidad de recuperar la noción de vínculo. Un vínculo que no es necesariamente biológico, como ocurre con Samantha y Cyril..

A pesar de la historia trágica de Cyril, la película tiene un lado optimista...

.- Jean-Pierre: Sí, hemos intentado

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La película es conmovedora que fuera fluida y no demasiado pero sin caer en sentimental- enrevesada. Rodamos en verano ismos... lo que es fundamental para .- Jean-Pierre: ¡Afortunadamente! nosotros.

¿Es difícil rodar la ternura?...

.- Luc: La verdad es que el mal siempre resulta más atractivo (risas). Pero era muy importante que no cayéramos en una ternura edulcorada. Lo que sí queríamos reflejar con la mayor exactitud posible era ese sentimiento de apertura y de intercambio. .- Jean-Pierre: Hacer una película sobre un personaje que se vuelca desinteresadamente en otra persona no nos ha ocurrido muy a menudo. Rodar en verano nos ayudó a que la película tuviera cierto brillo y también cierta dulzura. Y Cécile de France transmite esas cualidades de forma natural. No suelen trabajar con actores conocidos... .- Luc: No habíamos programado nada. Nunca escribimos pensando en un actor en particular. En cuanto terminamos el guión empezamos a pensar en actrices y Cécile fue la que surgió primero. Sabíamos que con ella evitaríamos ese lado melodramático. Su cuerpo y su cara lo dicen todo. Le enseñamos el guión y aceptó inmediatamente. Nos hizo algunas preguntas sobre las

.- Jean-Pierre: ¡Sí! Tuvimos mucho cuidado con el acento. No queríamos que la gente dijera: '¡Aquí llega la actriz francesa!' Cécile es belga, no hay que olvidar ese detalle. Creció cerca de donde se desarrolla la acción, en el valle del río Meuse. Tiene un poco de acento pero no queríamos exagerarlo.

¿Cómo encontraron a Thomas Doret, el chico que interpreta a Cyril y que está en casi todas las escenas?... .- Jean-Pierre: Lo encontramos por la vía habitual para buscar actores de su edad: poniendo un anuncio en el periódico. Al casting se presentaron un centenar de niños. Thomas vino el primer día. Era el quinto que veíamos y enseguida supimos que era él. .- Luc: Nos impresionó la expresión de sus ojos, su aspecto de niño testarudo, su actitud concentrada...

escena pequeña pero queríamos que estuviese en la película. .- Jean-Pierre: El papel de Jérémie tiene más sustancia. Cuando terminó de leer el guión y descubrió su personaje nos dijo que había encontrado otro papel más bonito para él. (risas) Pero interpreta a los buenos en películas de otra gente así que por esta vez…

¿Cómo escribieron el guión?, ¿Cuánto tiempo les llevó?... .- Jean-Pierre: Un año y unas cuantas semanas. Pero llevábamos mucho tiempo hablando del tema. .- Luc: Empezamos con un personaje, una situación, y tomamos notas sobre todo lo que nos parece interesante. Después llega la estructura, luego el primer borrador, luego otro, y otro... Nos Dos de sus actores habituales lleva meses.

aparecen en esta película. Nos referimos a Olivier Gourmet, ¿Y el rodaje?... y Jérémie Renier, en el difícil - Luc: 55 días. Con noches muy papel del padre... cortas. Pero nunca trabajamos .- Luc: ¡Olivier se pasó por allí y tuvimos que darle algo que hacer! (risas) Le propusimos tres opciones y escogió el dueño del café que sirve las cervezas. Es una

después de la 1:30. Bueno, puede que alguna vez. Estábamos rodando con un niño de 13 años. Estábamos muy bien preparados. No ensayábamos mucho antes de una toma.

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Parece que ha redescubierto su acento belga...

.- Jean-Pierre: Además tenía una capacidad asombrosa para aprenderse los diálogos. Y tenía muchísimos... Desde las primeras pruebas -que en realidad son la escena de apertura de la películasupimos que era el personaje. Comprendió de forma intuitiva en qué consistía su papel. Resultó preciso y conmovedor, pero nada melodramático. .- Luc: Fue el único que estuvo las seis semanas de ensayo. ¡Así que se convirtió en una especie de líder! Se había aprendido las escenas de memoria aunque en esa fase de la película no le habíamos pedido que lo hiciera. Y cuando se equivocaba se ponía furioso. ¡Thomas es cinturón marrón de kárate! Eso le ayuda a concentrarse y a tener memoria.

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motivaciones de su personaje. Le dijimos queSamantha estaba ahí en ese momento. Nada más. Y ella confió en nosotros.


Hablemos de..

Tras pantalla

En “El niño de la bicicleta” .- Jean-Pierre: Es muy importante hay una ciudad pero también que nuestras películas estén un bosque que la bordea... en el festival. Es maravilloso .- Luc: Para esta película imaginamos un triángulo: la ciudad, el bosque y la gasolinera. El bosque es un lugar lleno de peligros para Cyril porque ahí es donde puede aprender a convertirse en delincuente. La ciudad representa el pasado con su padre, y el presente es Samantha. La gasolinera es un lugar de transición, donde el argumento adquiere nuevos y numerosos giros. .- Jean-Pierre: Queríamos construir la película como si fuera un cuento de hadas, con malos que quieren arruinar las ilusiones del chico, y donde Samantha que surge como una especie de hada. De hecho en algún momento pensamos que la película se llamase "Un cuento de hadas de nuestro tiempo"Es la primera vez que utilizan música, aunque con moderación. .- Luc: No solemos hacerlo en nuestras películas y tuvimos muchas dudas. En un cuento de hadas tiene que haber una evolución, con emociones y nuevos comienzos. Nos pareció que en algunos momentos la música podía tener un efecto calmante para Cyril.

volver a Cannes. Nos gusta ese subidón de adrenalina que sólo se experimenta en Cannes. .- Luc: Nuestro cine le debe mucho al festival. Nuestra historia continúa, y por ahora no puede ser mejor…

Rescatando Un año con el guion

A los hermanos Dardenne les hizo falta un año para completar el guion de 'El niño de la bicicleta'.

Rodaje

El rodaje duró 55 días. Casi siempre se efectuó durante el día, debido a la infancia del actor principal, Thomas Doret.

Un triángulo

Los hermanos Dardenne pensaron en la película como un triángulo: "La ciudad, el bosque y la gasolinera. El bosque es el lugar que ejerce una mayor atracción sobre Cyril. La ciudad encarna el pasado con su padre. Y la gasolinera es un lugar de paso, donde la intriga rebota muchas veces", comentan ellos mismos.

Esquivar el melodrama

A contenido

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ya han ganado dos Palmas de Oro (por “Rosetta” en El símbolo de la bicicleta 1999 y “El niño” en 2005). La bicicleta del joven Cyril representa la huida, la carrera adelante ¿Qué significa el festival para en busca del amor. ustedes?...

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Los Dardenne no querían caer en el melodrama, ni tampoco en las explicaciones falsas y psicológicas: "Valorábamos que el espectador fuera descubriendo las cosas por sí mismo. No se explica, por ejemplo, por qué Samantha se interesa por Cyril. No queríamos tampoco dar explicaciones del pasado de los personajes. Queríamos que el espectador confiara en sus propias intuiciones, y no caer Han vuelto a Cannes donde nunca en el dramatismo.


Portafolio

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Spike Jonze Ha dirigido videoclips, anuncios y cortos, además de ser un conocido fotógrafo. Debuto como productor en el largo Como ser John Malkovich. Despues del éxito obtenido por la película, volvió a unirse con el guionista de la misma para producir Humas Nature, dirigida por Michel Gondry.

El mismo año del estreno de “Cómo Ser John Malkovich”, Spike intervino como actor al lado de George Clooney en la película bélica “Tres Reyes” y De nombre real Adam Spiegely y nacido en se casó con la actriz y directora Sofia Coppola. Rockville, Maryland ,Estados Unidos, el 22 de octubre de 1969, Antes de llegar al cine Spike Jonze El listón, por tanto, estaba muy alto desde trabajó en tiendas BMX y participó como fotógrafo el principio. Pero Jonze supo mantenerlo en en diversas publicaciones. Adaptation: El ladrón de orquídeas (2002). En esta película contó con Nicolas Cage, al que convenció Aficionado al monopatín y a la bicicleta, fue requeri- para que abandonara sus tics habituales y se do por el grupo Sonic Youth para rodar un videoclip dejara llevar. Cage siguió sus instrucciones y fue de una de sus canciones, punto de partida para que obsequiado con una nominación al Oscar de las Spike se convirtiese en autor de videoclips musicales cuatro que consiguió el film. de prestigio trabajando además de con Sonic Youth con REM, Bjork, Beastie Boys o Weezer. Jonze y Sofia Coppola se separaron en el año 2003. Tras la ruptura con Sofia, Jonze fue emparejado con Después de frustrarse el proyecto del rodaje de las actrices Drew Barrymore y Michelle Williams. adaptar el “Harold And The Purple Crayon” de El guionista Charlie Kaufman volvió a colaborar

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Crockett Johnson, Jonze debutó como director con “Cómo Ser John Malkovich” (1999), una comedia fantástica escrita por Charlie Kaufman.

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Cuando Spike Jonze anunció que quería ser director de cine, muchos le miraron por encima del hombro. No en vano lo único que había hecho antes era rodar vídeos musicales de dudoso gusto para grupos como los Chemical Brothers. Pero pronto Jonze acalló todos los comentarios negativos hacia su persona.


Portafolio

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Videos Musicales

Adaptation.

Cofundó y fue editor de la revista Dirt, también fue un editor para la Grand Royal Magazine.

Filmografía Año 1993 1996 1997 1997 1998 1998 1999 1999 1999 2001 2002 2002 2006 2009 2010

Película

Destacó

"Mi Vida Loca" actor "Pig!" actor "How They Get There" escritor, director "The Game" actor "Amarillo by Morning" director "Free Tibet" cinematógrafo "Being John Malkovich" director "Tres reyes" actor “Torrance Rises” actor, director, coreógrafo "Human Nature" productor "Adaptation" director "Jackass: La Película" productor,guionista “Jackass 2. Todavía más” productor y guionista "Where the Wild Things Are" director y guionista “Jackass 3D” productor

Beastie Boys

Premios 40

Año

Categoría

Película

Resultado

2000 Óscar al mejor director“Being John Malkovich”Candidato Candidato "Adaptation." 2003 Globo de Oro al mejor director

"100%" de Sonic Youth (1992) "Video Days" de Blind (1992) "Cannonball" de The Breeders (1993) "Country At War" de X (1993) "Hang On" de Teenage Fanclub (1993) "Divine Hammer" de The Breeders (1994) Had a Brain" de MC 900 con Jesus(1994) "Old Timer" de That Dog (1994) "All About Eve" de Marxman (1994) "Buddy Holly" de Weezer (1994) "Feel the Pain" de Dinosaur Jr. (1994) "Sabotage" de los Beastie Boys (1994) "Sure Shot" de los Beastie Boys (1994) "Freedom of '76" de Ween (1995) "California" de Wax (1995) "Car Song" de Elastica (1995) "Crush with Eyeliner" de R.E.M. (1995) Björk "It's Oh So Quiet" de Björk (1995) "Who Is Next?" de Wax (1995) "Drop" de The Pharcyde (1996) "Shady Lane" de Pavement (1997) "Da Funk" de Daft Punk (1997) "Electrolite" de R.E.M. (1997) "Liberty Calls" de Mike Watt (1997) "Praise You" de Fatboy Slim (1998) "Root Down" de los Beastie Boys (1998) "Home" de Sean Lennon (1998) "Island in the Sun" de Weezer (2000) "What's Up, Fatlip?" de Fatlip (2000) "Wonderboy" de Tenacious D (2000) "It's In Our Hands" de Björk (2002) "Big Brat" de Phantom Planet (2003) "Get Back" de Ludacris (2004) "Triumph Of A Heart" de Björk (2005) “The Suburbs” de Arcade Fire (2010) "OTIS" de Jay-Z & Kanye West (2011) Entre muchos otros videos musicales.

Arcade Fire

Fatboy Slim

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En el año 2008 Spike participó en la producción de “Synecdoche, New York”, film debut como director de Charlie Kaufman. Al año siguiente Jonze estrenó su tercer largometraje como director, “Donde Viven Los Monstruos” (2009), una película de fantasía y aventura basada en un libro infantil de Maurice Sendak. Y aunque sea un poco vergonzoso, también hay que reseñar que Jonze fue el responsable de producir Jackass (2002), aquella película en la que unos muchachos estadounidenses hacían el tonto frente a la cámara, poniendo en peligro su integridad física.

Where the Wild Things Are

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con Spike Jonze en “Adaptation” (2002), comedia dramática con apuntes de sátira que adaptaba un libro de Susan Orlean.


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Mourir auprès de Toi Nuevo corto de Spike Jonze y Olympia Le-Tan. a quienes les llevó aproximadamente 12 semanas realizar este trabajo. El corto fue estrenado en Cannes hace meses. En lo que es una historia de amor poco convencional podemos ver cómo el craftmanship y la creatividad se unen para transportarnos a través de distintas y famosas historias literarias contando una historia que al final termina con un amor por el cuál cualquiera desearía morir en las entrañas del mar profundo. La voz del esqueleto es del mismo Spike Jonze. La animación se hizo cortando en tela frame por frame, Los autores de este bello stop motion bautizado ya que las portadas son reales; es decir, existen, como Mourir Auprès de Toi (To Die By Your Side) están basadas en los libros "hechos a mano" por la son Spike Jonze y a la diseñadora Olympia Le-Tan, artesana/diseñadora Olympia Le-Tan. Making Mourir Auprès de Toi

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El mejor escenario para que los personajes literarios convivan entre ellos es una librería, y qué mejor que sea una vieja librería parisina que lleve el nombre de Shakespeare. Amor maravilloso entre libros y dos mundos, el de los vivos y el de los muertos. La historia de amor se desarrolla entre libros y dos mundos, con un torpe esqueleto y una doncella pelirroja, ambos personajes prófugos de sus portadas (el primero de Macbeth y la segunda de Drácula) se desarrolla en las entrañas de Moby Dick.

A continuación el link para ver el cortometraje completo Mourir Auprès de Toi A contenido


Tech

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SAMSUNG SMART TV: SUMÉRGETE EN EL ENTRETENIMIENTO La tecnología Samsung Smart TV une las posibilidades de la televisión con las de internet para evolucionar el concepto y ofrecer opciones que permitan contar con una vida más Smart e interconectada. Samsung Smart TV está disponible en diferentes modelos y tamaños como en LED a partir de la serie D5550 y hasta la serie D8000 y en Plasma en la serie D8000. VIDEOPROYECTOR PT-AE7000U

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Panasonic de México anuncia la disponibilidad de su nuevo proyector PT-AE7000U Full HD 3D para aplicaciones de Cine en Casa, un equipo de gran desempeño y altas especificaciones que ofrece despliegue de imágenes en Alta Definición con resolución 1080p (1920 x 1080 pixeles) tanto en 2D como en 3D, por lo que está preparado para los contenidos en tercera dimensión que paulatinamente se encuentran disponibles para los usuarios y para las múltiples opciones de entretenimiento actuales (Blu-ray Disc, DVD, señal de televisión, archivos de video, fotografías, videocámaras, etc.) NOKIA N9 EN MÉXICO Muy pronto tendremos Nokia N9 en nuestras manos. Este nuevo Smartphone de Nokia es todo pantalla, no hay rastro alguno de teclas para uso entre aplicaciones, sólo interactividad continua sobre un ergonómico vidrio curvo AMOLED Corning® Gorilla® que es resistente a los rayones. Las teclas que existen son las de encendido y volumen, en el lateral del equipo. Todos las aplicaciones, contactos, mensajes está a un Swipe de distancia, deslizar el dedo es suficiente para cambiar entre aplicaciones, la pantalla de notificaciones y la de multitareas.

Konami Digital Entertainment, Inc. anuncia que en diciembre se liberará una nueva versión de PES 2012 3D para Nintendo 3DS. Esta versión incluirá soporte total y permitirá a los usuarios jugar entre ellos en línea. El juego ofrece control total con cada pase, carga o tiro que realice el jugador, las ejecuciones podrán realizarse con elstick análogo y los botones, o con el stylus del nuevo sistema de control con pantalla touch-screen. PLAYBOOK BLACKBERRY BlackBerry PlayBook está diseñada especialmente para las necesidades de los usuarios corporativos. Permite el acceso a documentos, hojas de cálculo, presentaciones y archivos. Es totalmente compatible con otros equipos BlackBerry y está disponible con memoria de 16, 32 o 64 GB. El sistema operativo es BlackBerry Tablet OS, pantalla de 7” HD (1024 x 600), 2 cámaras de video HD (cámara frontal de 3 MP y posterior de 5 MP), procesador de doble núcleo de 1GHz, memoria RAM de 1GB, acelerómetro, giroscopio y brújula digital, GPS y micro USB. Compatibilidad con Adobe Flash 10.1 y HTML 5. EL PRIMER SWITCH GRIP DEL MUNDO Como una adición a estrenar en el portafolio de videocámaras de Samsung, la HMX-Q10 es construida alrededor de las necesidades de los consumidores, quienes quieren capturar sus videos sin complicaciones. Samsung ha desarrollado el primer Switch Grip, el cual asegura que mientras se encuentra filmando, la pantalla LCD se adapta a la manera en que la cámara está sostenida se puede grabar en posiciones difíciles o combinarlas con otras actividades y mantener perfectamente el control sobre el video. PIONEER RECIBE DOS EISA AWARDS 2011-12 Pioneer Electronics anuncia que ha recibido dos premios EISA, que distinguen a los mejores productos de imagen y sonido comercializados en Europa. Se trata del receptor para Home Theater VSX-921 y la unidad principal de Car Audio SPH-DA01 que han sido seleccionados por la reconocida asociación EISA (European Imaging and Sound Association), que agrupa a periodistas expertos de 50 medios especializados de 19 países encargados de evaluar los nuevos equipos y votar para seleccionar a los triunfadores de las categorías en competencia. A contenido

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Primera videocámara de doble lente para imágenes 2D y 3D, modelo HDC-Z10000, compatible con el estándar AVCHD 3D/Progresivo. La nueva videocámara ofrece una gran calidad de procesamiento de imágenes para grabar en 2D y 3D, funciones manuales para uso profesional y calidad de sonido sin precedentes.

PES 2012 3D EN LÍNEA

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TECNOLOGÍA 3D EN LAS NUEVAS VIDEOCAMARAS DE PANASONIC


Blooper

Blooper

Entre cortos y largos El Hombre con la Cámara, muy en la línea de “Berlín, sinfonía de una gran ciudad” (Berlin: Die Sinfonie der Großstadt, 1927), es un retrato de San Petersburgo compuesto por cientos de pinceladas fílmicas sobre la vida cotidiana en dicha ciudad. Historia-viaje de Ana durante cuatro años de su vida, de los 18 a los 22. Una cuenta atrás, 10, 9, 8, 7… Hasta el 0, como en la hipnosis, a través de la cual Ana comprueba que no vive sola, que su existencia parece la continuación de otras vidas de mujeres jóvenes que murieron de forma trágica y que habitan en el abismo de su memoria inconsciente.

Todos los relojes en la película “Pulp Fiction” están parados a las 4:20 hrs.

Speaker

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Sherlock Holmes nunca dijo “Elemental, querido Watson”.

Un director de cine es un lector de las normas de tráfico. Un buen director de cine es un buen interpretador de un guión bueno. Y un gran director de Fernando Trueba cine es el que sabe ofrecer una visión distinta del mundo. Bette Davis

OTT(over the top): expresión que alude a todo hecho exagerado e inverosímil.

Caótica Ana

La película mas larga jamá s filmada fue oras. Después de su fracaso, se retiró y volvió a filmarla en forma de 90 minutos como “The Loves of Ondine.”

Me gusta ir a lugares donde hay cines, librerías y periódicos. No se me ocurriría ir a la selva, porque no soy un aventurero.

MORPHING: transformación, cambio de aspecto, mutación global.

Man with the movie camara

Jarabe de chocolate se utiliza para la sangre en la famosa escena de la ducha 45 segundos en la película de Alfred Hitchcock, Psycho, que en realidad tomó 7 días para disparar.

La mirada circular

Alex De La Iglesia

TRASH MOVIE: designa toda película de serie B en general, si se atiende a categorizaciones de crítica convencional. WOODEN ACTING: actuación caracterizada por la rigidez y ausencia de naturalidad en un rol.

soundtrack del mes "The Sound of Silence" Escrita por Paul Simon Interpretada por Simon & Garfunkel. Película: Bobby

Una familia convencional. Un lugar maravilloso. Un bonito día. Una pesadilla perfecta. Con 12 minutos de duración y con guión del propio Iván Sáinz-Pardo.

Lo fascinante del cine es colocar al espectador en posiciones morales en las que nunca estuvo.

SCREENING: pases de una película o tiempo que permanece en cartelera.

Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayoría de las personas no saben lo que desean o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos.

Si el cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces el Cine ha alcanzado su objetivo.

Es impresionante como puedo transmitir cientos de sentiminetos en un film, adoro el cine. El cine independiente me da la oportunidad de hablar de cualquier tema, sin límites.

John Cassavetes

Billy Wilder

Pedro Cota

A contenido

Kinetos

El disfraz de león en el Asistente para la película de Oz estaba hecho de leones reales.

Conceptual

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¿A qué no sabes?


De última

Hasta hace bien poco, gran parte del público no se ha dado cuenta de que ‘Pesadilla antes de Navidad’, una película de culto de la que en días previos a Halloween podemos ver merchandising por todas partes, no fue dirigida por Tim Burton, sino que puso el nombre y un par de bocetos previos, mientras que todo el trabajo recayó en manos de Henry Selick. Ni siquiera “La Novia Cadáver”, dirigida por Burton, logró sacarle la espina de que uno de sus mejores trabajos no tuviese para nada su contribución. Así que ahora, y con vistas a estrenarla en Octubre del año que viene, Tim Burton está haciendo un remake de uno de sus primeros trabajos, un corto titulado ‘Frankenweenie’ y que podéis ver más abajo, junto con unas fotografías de la película del mismo título que usará la misma técnica que el film de Jack Skelleton.

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Elijah Wood será el nuevo ‘Maniac’

Michael Bay se está convirtiendo en un personaje de caricatura para todos los aficionados al cine. Junto con sus declaraciones, en las que deja claro que un tipo modesto y con los pies en el suelo precisamente no es, su particular forma de hacer cine le ha ganado las enemistades de un gran sector del público, mientras que otros le alaban por otorgar grandes dosis de entretenimiento descerebrado y explosiones. Porque sí, las explosiones son marca de la casa en las películas de Bay, y él, que lo sabe, protagonizó hace tiempo un anuncio acerca de un canal de televisión por cable en el que dejaba claro que todo lo que le rodeaba era, a falta de una palabra mejor en castellano,Awesome. Franck Khalfoun (Parking 2) y Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos, Reflejos, Piraña3D) serán los nuevos director y productor, respectivamente, del remake de ‘Maniac’, un slasher realizado en 1980 por William Lustig que nos relataba las hazañas de Frank Zito, un asesino en serie que mataba a mujeres para apoderarse de sus cabelleras y de sus ropas, con las que después decoraba maniquíes. El remake tendrá un argumento ligeramente diferente al de la cinta de los ochenta. Elijah Wood será el encargado de dar vida al renovado Frank Zito, papel que 1980 fue interpretado por Joe Spinell.

Jaume Collet-Serra Gary Oldman y Helena Bonham Carter podrían protagonizar el remake se atreve con nuevo Drácula. americano de ‘Akira’ junto a Garrett Hedlund

El que está siendo uno de los remakes más controvertidos de todos los tiempos, cuyos rumores ya empezaron incluso desde 1988 con el estreno de la original (y ese pensamiento colectivo de (“¡Qué guay sería esta peli con actores reales!”) ya se va perfilando. Tras conocer la noticia del comienzo inminente de su rodaje (dará el pistoletazo de salida esta primavera) ahora van saliendo a la luz los primeros fichajes de esta superproducción, que contará con un increíble presupuesto de 230 millores de dólares (según imdb.com). Como ya sabréis, el gustazo de dirigir el remake de ‘Akira’, indiscutible obra maestra del cine de animación, corre a cargo del español Jaume Collet-Serra (‘Sin Identidad’, ‘La huérfana’); además, todos los rumores apuntan a que el actor que encarnará a Kaneda (jefe de la banda de motoristas de Neo-Tokyo y mejor amigo de Tetsuo) será Garrett Hedlund, protagonista de ‘TRON: Legacy’. Hoy muchos medios se hacen eco de la más que posible incorporación de Gary Oldman yHelena Bonham Carter al reparto para interpretar dos roles importantes, algo que supone una buena noticia para los fans de la obra japonesa (por Oldman más que por la mujer deTim MeVendíADisney Burton. Gary Oldman sería el jefe del “Proyecto AKIRA”, que toma el control de Neo-Tokyo tras el segundo escape de Tetsuo, con el que tiene un cara a cara al final de la película. Helena Bonham Carter interpretaría a la señora Miyako, una sacerdotisa de un templo en Neo-Tokio que aboga por el regreso de Akira, creyendo que Tetsuo es su reencarnación. A contenido

El director catalán afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra se hará cargo de un ambicioso proyecto que revisará el mitíco libro Drácula de Bram Stoker visto desde otro prisma. En este caso el protagonista de la historia será Jonathan Harker, convertido esta vez en un policía de Scotland Yard que pretenderá dar caza al vampiro más famoso de todos los tiempos. Por lo visto en esta nueva versión de Drácula no aparecerá su archienemigo el profesor Van Helsing. El film parece ser que se llamará “Harker”. Estaremos muy pendientes de este interesante proyecto que pinta la mar de bien, a mi personalmente me encantan este tipo de films, sobretodo si los vampiros son de la vieja escuela y no los que vemos últimamente en las pantallas.

Kinetos

de Tim Burton.

Michael Bay protagoniza un Awesome anuncio

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‘ElFnuevo rankenweenie’ proyecto en Stop Motion

De última


De Ăşltima de.. Hablemos

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Blooper



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