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Nº 13. Año 2

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La revista

ESPECIALES

ENTREVISTAS DANIEL RADCLIFFE,

JAMES WATKINS, JOSH TRANK, DANE DEHAAN, ALEX RUSSELL, MICHAEL B. JORDAN

Martin Escorsese Mockumentari: El cine en primera persona Antihéroes Unidos

Estrenos ubre c s e D ¡ úper s o r t nues rso! concu CLÁSICOS DE LOS 80 La princesa Prometida

JAMES WATKINS Eden Lake

Infierno Blanco La isla misteriosa La mujer de Negro Ghost Rider 2 La invención de Hugo Chronicles John Carter Orient Express

Avance 2012. Parte II


u

cinemascomics la revista DIRECTOR Carlos Gallego DIRECTOR DE ARTE Carlos Gallego MAQUETACIÓN & AUTOEDICIÓN Carlos Gallego REDACCIÓN

EDITORIAL Hola a tod@s! Como habéis podido comprobar, dedicamos la portada de este número al primer estreno comiquero del año: el anti héroe de MARVEL conocido como el Motorista Fantasma regresa a nuestras pan� tallas con el título de Ghost Rider: Espíritu de Venganza, nuevamente protagonizada por Nicolas Cage. Junto al reportaje que dedicamos al film, nuestro compañero Christian Arza ha querido hacer un repaso a los anti héroes del cómic.

Carlos Gallego Christian Arza (www.moonfilms.es) David Larrad Diego Sánchez (planta13.blogspot.com) Enrique Abenia Gerard Fossas (www.butacapreferente.com) Gustavo Martín Francisco Nieto Sánchez (www.cinedeaqui.es) Javier Calvo José Joaquín González (www.defanafan.com) Manuel Moros María Laura Gutiérrez Pedro Pinos Sergio Reina (critico-de-cine-aficionado.blogspot.com)

También ha sido un mes muy intenso para nuestros corresponsales. María Laura, además de traernos un reportaje dedicado a la figura de Escorsese con motivo del estreno de La Invención de Hugo, pudo conversar con Daniel Radcliffe y el realizador James Watkins en su reciente visita a Madrid para promocionar la nueva producción de Hammer Films: La Mujer de Negro. De Watckins precisamente, Enri� que Abenia nos hablará a propósito de su primer film, Eden Lake, y también nos trae una interesante entrevista al director español Vic� tor García, realizador entre otras cintas de Hellraiser: Revelations.

COMICS

Así que como podéis ver, este número llega de lo más completito. Espero que os guste y como siempre desde aquí, agradeceros tanto a vosotros que nos leéis cada mes como a nuestros colaboradores, sin cuya desinteresada ayuda nada de esto seria posible.

Diego Burdio (diegoburdio.blogspot.com) Moratha (moratha.blogspot.com) PUBLICIDAD Carlos Gallego Telf. 637 52 01 28 carlosgalman1@gmail.com

Por otro lado, Gustavo Martín pudo hablar con Josh Trank director de Chronicle, película de la que estoy convencido que va a dar mucho de que hablar. Gerard Fossas repasa los films conocidos como moc� kumentaries o falsos documentales que tan de moda están y Francis� co Nieto nos trae la segunda entrega del avance de películas orien� tales que llegarán a lo largo de este 2012, más concretamente de Corea,Tailandia e India. En cines de los 80, Sergio Reina nos habla de La princesa prometida y cómo no, no podían faltar las tiras cómicas de nuestros dos artistas favoritos, Diego Burdio y Moratha.

Carlos Gallego Director de Cinemascomics

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equi� po de Cinemascomics.Todos los derechos reser� vados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1, párrafo segundo de la ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohíbida la reproducción,la distribución y la comunicación pública, incluida su puesta a disposición, de la to� talidad o parte de los contenidos de esta publica� ción, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de Cinemascomics. A si mismo el copyright de los pósters, fotografías e imagenes que se incluyen en esta publicación pertenece a sus respectivos autores.

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Número 13 2012

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comics 7│ La página de Diego Burdio 149│Gordos con Mochila

Actualidad 8│Nueva imagen oficial de MEN IN BLACK III 10│Imágenes del rodaje de STAR TREK 2

criticas 126│Ghost Rider2 127│ Chronicle

Entrevista: Daniel Radcliffe

EDEN L

ENTREVISTA: Victor García

60 140

ANTIHEROES UNIDOS

128│La invención de Hugo 129│La mujer de negro 130│Infierno blanco

ENTREVISTA A LOS PROTAGONISTAS DE CHRONICLE

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ENTREV JOSH TR

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MOCKU EL CINE

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contenido estrenos

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16 │ La mujer de negro 17 de febrero 32 │ Infierno blanco 17 de febrero

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LAKE

LA INVENCIÓN DE SCORSESE

34 │ La Isla Misteriosa 17 de febrero 50 │ Ghost Rider: Espirítu de Venganza 24 de febrero 68 │ La invención de Hugo 24 de febrero 89 │ Chronicle 2 de Marzo 116│ Luces Rojas 2 de marzo

96 10

VISTA: RANK

UMENTARY EN PRIMERA PERSONA

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EL AÑO DEL DRAGÓN: PARTE II

120 │John Carter 9 de marzo

que leer 150 │ Zona Cómic

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CINE DE LOS 80: LA PRINCESA PROMETIDA

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Nuevas imagen


MEN IN BLACK III Primera imagen oficial de Los Hombres de Negro 3 (Men in Black 3), para su estreno en cines 3D, 2D y IMAX 3D el 25 de mayo. En Men In Black 3 los agentes J ( Will Smith) y K ( Tommy Lee Jones) han vuelto… a tiempo. J ha visto al� gunas cosas inexplicables en estos 15 años con los Men In Black pero nada, ni siquiera los alienígenas, le deja tan perplejo como su irónico y reticente compañero. Pero cuando la vida de K y el destino del planeta están en juego, el agente J tendrá que viajar atrás en el tiempo para poner las cosas en su sitio, J descu� bre que hay secretos en el universo de los que K nunca le habló– secretos que se irán revelando a medida que se una con el joven agente K (Josh Brolin) para salvar a su compañero, a la agencia y al futuro de la humanidad. La película está dirigida por Barry Sonnenfeld. El guión es de Etan Cohen, basado en el cómic Malibu de Lowell Cunningham. Los productores don Walter F.Parkes y Laurie MacDonald, y los productores ejecutivos son Steven Spielberg y Mac Brown.


Se rueda

Star Trek 2 Ya tenemos primeras imĂĄgenes del rodaje de la segunda entrega de la reiniciada franďż˝ quicia de la saga Star Trek que cuenta de nuevo con la batuta de J.J. Abrams y con la presencia de Chris Pine, John Cho, Zoe Saldana, Zachary Quinto, Bruce Greenwood, Simon Pegg, Karl Urban, Anton Yelchin, Alice Eve y Peter Weller como protagonistas. El film tiene previsto su estreno el 17 de mayo de 2013.


ENTREVISTA

DANIEL RADCLIFFE UNA VUELTA AL TERROR MÁS CLÁSICO Por María Laura Gutiérrez Por las barbas de Merlín que, contra toda predicción, y gracias a La mujer de negro, Daniel Radcliffe ha escapado de la maldición del encasillamiento por Harry Potter, o, al menos, ha demostrado que si quiere puede llevar a escena a cualquier personaje, por tortuoso, complejo y oscuro que éste sea. El encargado de dirigir al actor por tan sombría senda interpretativa es James Watkins, un cineasta lleno de ilusión que, tras pasar desapercibido con su primer filme Eden Lake, se presenta ahora al mundo con la que será siempre considerada como la primera película de Radcliffe después de Harry Potter, La mujer de negro. Ambos, director y actor, visitaron Madrid para presentar su obra: una historia llena de misterio, sobresaltos y homenajes al cine más clásico de la recién renacida Hammer. La elección de una película siem� pre es complicada. Directores y actores buscan siempre una his� toria que les sirva para demos� trar toda su capacidad artística a una industria demasiado cruel y fría como para evitar prejuz� gar a un actor que, durante más de una década, sólo ha ofrecido www.cinemascomics.com

un único registro, o a un director cuyo nombre e inicio detrás de las cámaras pasó inadvertido por la gran mayoría del público. Por todo ello, cuando Daniel Radcliffe y James Watkins decidieron unir sus caminos, sabían que necesi� taban algo más que un apellido mundialmente conocido y cier� ta devoción por las historias de terror para ganarse la confianza del público y de la crítica. Estos necesitaban una mujer cuyo odio y rencor desprendieran tanto te� rror en la gran pantalla que las varitas y otros artilugios mágicos quedasen olvidados por completo por el espectador, más pendiente de cada angustioso silencio y pa� vorosas sorpresas presentes en el filme que de posibles prejuicios o críticas. Evidentemente, la elección del filme no es casual, ya que según expresa Radcliffe: “Es una ocasión para que la gente pueda verme como a una persona adulta, con preocupaciones y problemas reales”. Y es que, es inevitable mencionar su nombre sin que Ha� rry Potter venga a la cabeza de todos. Sin embargo, esto es un hecho que, por ahora, no pare� ce molestar al intérprete, que se muestra orgulloso de su pasado y

expresa su intención de no aver� gonzarse jamás de haber sido el elegido para encarnar al famoso mago. Aunque también confie� sa que, debido a la saga creada por J.K. Rowling, durante más de diez años su vida personal y la� borar acabaron siendo la misma, y aún hoy ambas se entrelazan. “Una relación personal exige mucho esfuerzo, y aunque mi pareja intenta acompañarme en mis viajes, ella trabaja aun más que yo, y al final sólo nos queda buscar un equilibrio”, afirma el actor. Y precisamente equilibrio es lo que parece haber alcanzado el actor, ya que cuando se tiene delante a Radcliffe, y tras varios minutos de conversación, llama la atención el hecho de que, pese a haber sacrificado su infancia ante las cámaras y ser una de las per� sonas más ricas y populares de su país, muestra una madurez y serenidad que otros actores de talento precoz como McCaulay Culkin no supieron alcanzar. Ni siquiera la leve dispraxia que la estrella sufre merma su entusias� mo y afán por demostrar su valía como actor, aunque eso le lleve “a trabajar mucho más duro que el resto de compañeros. Cuando me encontraba en Broadway Cinemascomics │Febrero 2012 │

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Danniel Radcliffe junto al realizador James Watkins en su pasada visita a Madrid

(“How to succeed in business without really trying”) tenía que enfrentarme a un musical, y eso suponía que lo que a otros les llevaba poco esfuerzo en aprender a mi me costaba mucho más tiempo y dedicación”, relata Radcliffe. Y es que nadie puede reprochar� le no haberse esforzado a lo largo de su carrera, porque Radcliffe es uno de los pocos actores que ha dedicado casi toda su vida a la interpretación. Con tan sólo diez años, Radcliffe debutó en la pequeña pantalla con la película televisiva David Copperfield, una obra que le permitió compartir cartel con los legendarios Maggie Smith e Ian McKellen, y que deja� ba ver la frescura y espontanei� dad con la que el joven Radcliffe desfilaba en escena. Tan sólo dos años después se unía a la que el propio actor define “como una de las más exitosas sagas de todos los tiempos”, la protagonizada por Harry Potter, y desde enton� ces, el intérprete no ha parado de

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cosechar éxitos y generar benefi� cios a una industria siempre eclip� sada por la Hollywoodiense. Ahora, a punto de cumplir 23 años, Radcliffe tiene claro que “de nada me servirán mis hazañas como intrépido mago de gafas y varita a la hora de conseguir nuevos papeles, ya que ni siquiera el hecho de haber sido el elegido para acabar con ‘Aquél que no debe ser nombrado’ puede hacer que me elijan para próximos filmes, si uno no sigue demostrando que tiene algo de talento”. Y consciente de ello, el actor bus� ca siempre los mejores guiones, aquellos que consigan sorpren� derle o aporten algo distinto a lo ya conocido y que, sobre todo, le permitan jugar con nuevos regis� tros interpretativos. Aunque, y tal y como el propio actor confiesa, “por alguna razón siempre acabo atraído por las tramas más oscuras”. Este último adjetivo no parece

definir el futuro de Radcliffe, ya que si bien ha dejado claro que puede encarar cualquier tipo de rol, también demuestra que su carrera no ha hecho más que em� pezar, y lo hace con una mujer: La mujer de Negro, el film más am� bicioso de James Watkins, quien también dedicó unos minutos a conversar con la prensa acerca de éste y otros temas. Este último adjetivo no parece definir el futuro de Radcliffe, ya que si bien ha dejado claro que puede encarar cualquier tipo de rol, también demuestra que su carrera no ha hecho más que em� pezar, y lo hace con una mujer: La mujer de Negro, el film más am� bicioso de James Watkins, quien también dedicó unos minutos a conversar con la prensa acerca de éste y otros temas. James Watkins lo aclara desde el primer momento: “No siento una especial obsesión por las películas de terror, simplemente, www.cinemascomics.com


me atraen más que el resto, sin que haya una razón en concreto para ello”. Aunque, según afirma el cineasta: “a veces la elección repetitiva de una misma materia o temática responde al deseo de querer entender el motivo por el que nos sentimos atraídos hacia ese tema”. Watkins siempre pensó que di� rigir una película era un “sueño inalcanzable” para él. Por eso, aún hoy parece sorprenderse a sí mismo cuando presenta la que es ya su segunda película como di� rector, una película que él mismo define como “una buena película de fantasmas”, hecha en un mo� mento en el que Watkins consi� dera que precisamente hay una importante carencia de obras dedicadas a tan fantasmagóricos personajes. Y razón no le falta al director, que además se sincera y manifiesta su desaprobación hacia “la actual tendencia en el cine de terror de incluir escenas excesivamente gore y visuales que no

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dejan espacio a la imaginación del espectador”. El orgullo y amor con el que Wat� kins habla de su película sólo es comparable al modo en el que éste se dirige a Daniel Radcliffe. “Es una persona formidable, y trabajar con él es fabuloso, porque siempre aporta algo”. Sin embargo, la sonrisa se dibuja en el rostro del cineasta cuando re� cuerda la escena más complicada para Radcliffe: “A Daniel le costó mucho rodar la escena del carruaje en el lodo, porque acababa siempre manchado, con frío y muy cansado”. El director, por su parte, confiesa que se enfrentó al mayor reto a la hora de crear una atmósfera de tensión en aquellas escenas en las que el único ins� trumento usado es el silencio y la sugestión, unos ingredientes que hacen que el espectador acabe aterrado en la butaca y en cons� tante estado de shock.

“Lo más importante de un guión es el viaje que recorren los personajes”, afirma Watkins al explicar por qué decidió omitir ciertos ca� pítulos de la novela en la que se basa el filme a la hora de rodar, ya que para Watkins el hecho de que Radcliffe presentara su persona� je como un hombre atormentado y hundido por el dolor resultaba mucho más atractivo cinemato� gráficamente que presentar el previo pasado lleno de felicidad descrito en la novela, recurso que sirve para que la oscuridad de la historia inunde cada fotograma desde el primer momento, no de� jando espacio para la esperanza. Sin embargo para lo que si habrá espacio en el futuro del cineasta es para más nuevos proyectos, por ahora todos pendientes de respaldo financiero, pero que se� guro que nos aterrarán a todos. En el buen sentido, claro.

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Estreno

LA MUJER DE NEGRO 17 de febrero


El joven abogado de Londres Ar� thur Kipps (Daniel Radcliffe) se ve obligado a dejar a su hijo de tres años para viajar al remoto pueblo de Crythin Gifford y encargar� se de los asuntos del propietario recientemente fallecido de Eel Marsh House. Sin embargo, cuan� do llega a la vieja y escalofriante mansión, descubre siniestros se� cretos del pasado de los lugare� ños, y su inquietud no hace más que aumentar cuando vislumbra a una misteriosa mujer vestida en� teramente de negro. LA MUJER DE NEGRO, es la adap� tación de la novela de gran éxito de Susan Hill, un sombrío relato de pérdida, venganza y duelo. La alabada guionista Jane Goldman se encarga de trasladar la histo� ria de Hill a la gran pantalla para un público del siglo XXI. Dirigida por James Watkins y protagoni�

zada por Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer y Liz White, LA MUJER DE NEGRO es una pro� ducción de Talisman en asociación con Exclusive Media Group. Cuando Susan Hill publicó LA MU� JER DE NEGRO como novela en 1982, jamás podría haber imagi� nado que cobraría vida en tantos medios distintos. “Lo cierto es que no”, comenta. “No escribes pensando en otros medios. Te limitas a escribir un libro y luego otras personas se hacen cargo del resto”. Pero está acostumbrada a que otras personas adapten su obra, sobre todo LA MUJER DE NEGRO, que ya se ha convertido anterior� mente en un telefilme, un serial de radio, una obra de teatro y, ahora, una película. “La cues� tión es que el libro sigue estan�

do ahí”, señala. “Es el arte de la adaptación, algo que yo nunca podría hacer. Con la obra de teatro y, ahora, con la película, cada persona ha tomado mi libro y se ha mantenido fiel al espíritu del mismo, a la vez que lo reinterpretaba para adecuarse al nuevo medio”. Esta es la primera vez que se adapta la novela de Hill a la gran pantalla, a pesar de haber trans� currido ya casi tres décadas desde su publicación. El proyecto llegó inicialmente a manos del produc� tor Richard Jackson, de Talisman Films, nada menos que en 1997. Tras el éxito de la producción de Talisman “Rob Roy, la pasión de un rebelde”, el agente de Hill abordó a Jackson para explorar la posibilidad de una adaptación cinematográfica de LA MUJER DE NEGRO. “Resultó ser una historia


sorprendentemente peliaguda de adaptar”, confiesa. “A lo largo de los años, realizamos varios intentos de adaptar la historia con diferentes guionistas y nunca acabé de estar completamente satisfecho con ninguno de los guiones que obtuvimos”. El impulso inicial que insufló vida a este proyecto surgió de una reu� nión con el productor, presidente y consejero delegado de Hammer, Simon Oakes, que se encontraba, por aquel entonces, en pleno pro� ceso de relanzamiento del mítico sello de cine de terror. “Creo que es justo decir que sentía cierta cautela sobre hasta dónde podría llegar esto, puesto que ya se habían realizado otros intentos de revitalizar Hammer a lo largo de los años”, reconoce Jackson. “Sin embargo, Simon me dejó muy claro que iban muy en serio y que había un gran interés por asegurar que íbamos a producir una película de calidad superior, que respetara la voz narrativa de Susan, pero al mismo tiempo resultara atractiva para el público actual”.

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“Simon siempre me dejó muy claro desde el primer momento que su encarnación de Hammer se centraría en películas de miedo que fueran inteligentes”, prosi� gue Jackson. “Y supe que Susan Hill también vería ese factor de manera muy favorable”. Para Simon Oakes, LA MUJER DE NEGRO era una de las primeras propiedades de interés del recién relanzado sello de cine de géne� ro. “Una de las cuestiones sobre las que hablamos, como equipo, cuando pusimos en marcha esta nueva encarnación de Hammer, era que el terror está compuesto por muchos géneros y subgéneros distintos, aunque, en los últimos años, se ha tendido más bien a un tipo de terror donde el número de muertos es importante”, ex� plica. “Queríamos explorar distintos tipos de terror y, aunque ya había un telefilme y una obra de teatro, vimos una gran oportunidad en LA MUJER DE NEGRO de combinar la historia gótica de fantasmas de Susan Hill con una sensibilidad moderna para con-

vertirla en un filme”. La producción se puso a buscar a un guionista capaz de superar los obstáculos con que se habían tropezado todos aquellos que ha� bían probado suerte en años an� teriores con la adaptación. “Surgió el nombre de Jane Goldman como alguien con quien a todos nos interesaba trabajar”, recuer� da Jackson. “Y ella se mostró entusiasmada desde el primer momento. Fue capaz de resolver el problema, en el sentido de superar las dificultades básicas sobre cómo contar esta historia en el cine”. Oakes comenta: “Había leído sobre Jane y conocía su trabajo, así que sabía que sería la adecuada para esto. Su guión consiguió que todo encajara. James Watkins, el director, lo leyó y le encantó. Daniel Radcliffe lo leyó justo después del último día de Harry Potter y le encantó. Jane es responsable en gran medida de que lográramos interesar a la gente adecuada”.

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Susan Hill asegura que quedó entusiasmada con el resultado. “Cuando Jane me envió el guión, era con intención de que yo lo leyera y dijera: ‘Vale, está bien, pero...’”, explica. “Sin embargo, me pareció estupendo. Creo que Jane pensó que no me sentarían nada bien algunos de los cambios realizados a la historia, pero eso no era lo que me preocupaba. Me habría preocupado más si hubiera entregado algo así como una comedia, pero no era el caso. Es sumamente hábil. Logró darle su toque personal al mismo tiempo que permitía que siguiera siendo mi obra”. A Goldman le preocupaba lograr encontrar un equilibrio adecuado en el tono al escribir el guión. “Es una obra difícil de adaptar”, opi� na. “Es una novela maravillosa y existía una magnífica adaptación teatral que estaba muy bien diseñada para el teatro. Creo que siempre estuvo claro, porque es una historia contada de manera muy económica, que para funcionar como película era necesario añadirle matices”.

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La guionista prosigue: “Para mí, era cuestión de presentar LA MUJER DE NEGRO a los espectadores de cine. En cierto modo, intentaba hacer con el lenguaje cinematográfico lo que Stephen Mallatratt había logrado hacer en el teatro”. Por casualidad, al mismo tiempo, James Watkins, director de “Eden Lake”, había leído un artículo en la prensa especializada que co� mentaba que Jane Goldman esta� ba escribiendo el guión y le pidió a su agente que hiciera averigua� ciones sobre el tema. “Yo mismo había estado trabajando en una historia de fantasmas, pero no había conseguido hacer que funcionara”, explica Watkins. “Cuando leí el guión de Jane, trataba de todo lo que quería conseguir en el otro proyecto. Daba esa sensación de miedo pero, al mismo tiempo, tenía un componente emocional. Me emocionó mucho y, en cuanto terminé de leerlo, supe que quería hacerlo”.

“James es una persona muy, muy inteligente”, asegura Simon Oakes. “Es un gran director que entiende cómo se debe narrar una historia y cómo conseguir que dé miedo”. Watkins aporta al rodaje una ac� titud muy relajada, según la ac� triz Liz White, que interpreta a la fantasmal mujer de negro. “Hice la prueba para el papel unos dos meses antes de que empezara el rodaje y en esa primera reunión James se mostró sumamente ge� neroso”, recuerda. “Y ha seguido siendo igual de generoso a lo largo de todo el rodaje. Me sentí en todo momento bienvenida a la familia de LA MUJER DE NEGRO”. Jane Goldman se puso a trabajar con Watkins para pulir el guión, un proceso que, en opinión de la guionista, ayudó a mantenerse fiel al espíritu de la novela de Susan Hill. “En los borradores iniciales, había una serie de ‘flashbacks’ relativos a la mujer de negro”, desvela, “pero emprendimos una labor de ir poco a poco recortan-

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do. Creo que, gracias a eso, salió muy reforzado, no hay la típica historia del cine americano que nos pone en antecedentes sobre cómo la mujer de negro llegó a convertirse en la mujer de negro. ¡No es Freddy Krueger! Se trata de la experiencia de Arthur, en la que descubre estos horribles secretos, y cómo nosotros nos enteramos de lo sucedido a través de él”. También resultaba importante para el productor Richard Jack� son que LA MUJER DE NEGRO fue� ra accesible para espectadores que, por lo general, son más bien reacios a disfrutar con el cine de género. “Pretendemos asegurarnos de que la gente que quiera ir a ver una película considere LA MUJER DE NEGRO su primera opción, porque está lo bastante bien hecha como para resultarles interesante, independientemente de si normalmente les interesa el terror y el resto de elementos del cine de género”, explica. “Y ese es el atractivo de Daniel Radcliffe como estrella, sirve para

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animar a un público mucho más amplio a comprar sus entradas y venir a disfrutar de la película”.

La selección de Arthur A la hora de elegir a la persona que interpretara al personaje pro� tagonista de la película, Arthur Kipps, el director James Watkins buscaba un actor joven con el ta� lento necesario para llevar a la pantalla la combinación adecuada de tristeza y vulnerabilidad. Para Watkins, Daniel Radcliffe, más conocido por su papel en la supertaquillera serie de Harry Potter, era la elección más lógica. “Me reuní con Dan y mantuvimos una larga conversación, y ambos veíamos igual al personaje”, ex� plica. “Arthur Kipps es un personaje de gran riqueza, muy interesante de interpretar para Dan, y supone una experiencia mucho más oscura que explorar para él”. Jane Goldman estaba implicada en el proceso de adaptar LA MU� JER DE NEGRO para la gran pan�

talla mucho antes de que Radcli� ffe se incorporara al proyecto. “Siempre imaginé a Arthur joven”, comenta. “Sobre todo al estar ambientado en esa época y teniendo en cuenta su posición en la escala social”. “Tuvimos muchísima suerte, la verdad, en lo referente a hacer llegar el guión a Daniel”, recuer� da el productor Richard Jackson. “Lo leyó en cuanto lo recibió, en un vuelo a Estados Unidos y, en cuanto bajó del avión, llamó a sus agentes y les dijo que quería hacerlo”. Por su parte, Radcliffe recono� cía la necesidad de distanciarse de su papel del niño mago que lo había hecho famoso. “Me siento orgullosísimo de Potter”, asegura Radcliffe, “pero ahora necesito demostrar a todo el mundo que me tomo en serio la interpretación y creo que el mejor modo de hacerlo es empezar a elegir material interesante”. El guión de Goldman y la reunión www.cinemascomics.com


con Watkins bastaron para con� vencer al joven actor de que Ar� thur Kipps era el desafío adecua� do que afrontar. “Arthur es muy complejo, pero también posee una gran calma”, opina Radcliffe. “Me parecía muy interesante tener ocasión de interpretar a un personaje así”. También le atraía la oportunidad de participar en una historia de fantasmas victoriana. “La primera vez que me vi con James, mencionó una cita de Kubrick acerca de cómo todas las películas con un elemento sobrenatural suponen un consuelo inherente, porque implican que hay otra vida después de la muerte”, explica. “De pronto, tenemos aquí a un tipo que ha perdido a su mujer, va a una mansión y empieza a ver el fantasma de una mujer muerta. La razón por la que se queda allí y casi intenta encontrarla es que siente un deseo oculto, o un instinto, de obtener algún tipo de garantía de que su mujer está en un lugar mejor”.

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Para el director James Watkins, Daniel Radcliffe aporta una sen� sación de madurez al papel de Ar� thur Kipps que era exactamente lo que buscaba. “Está muy entregado a su oficio”, asegura Wat� kins. “Depositó mucha confianza en mí y me permitió llevarlo a distintos lugares en lo referente a su interpretación y al papel, y creo que ha profundizado mucho y explorado aspectos de sí mismo y se ha forzado como actor en facetas muy distintas”. Watkins cree que el público va a quedar muy sorprendido por la transformación de Radcliffe para el papel. “Es una reinvención de Dan, se ha convertido en Dan, el actor maduro”, afirma. “Creo que la gente se va a quedar realmente impresionada cuando vean al nuevo Dan”. “No creo haber visto a nadie meterse tan de lleno en un papel”, señala Jane Goldman sobre la de� dicación al trabajo de Radcliffe. “Nos reunimos unas cuantas veces durante la fase inicial para ha-

blar del personaje y tenía muchas ganas de poner toda la carne en el asador con él”. Cuando Susan Hill supo que Rad� cliffe se había hecho con el papel, se quedó encantada. “No había leído los libros de Harry Potter ni había visto las películas”, comen� ta, “pero sabía quién era Daniel, era imposible no saberlo, y, en cuanto lo conocí, supe que era el adecuado”. Hill cree que los espectadores quedarán sorprendidos por la ma� durez que exhibe en el papel de Arthur Kipps, un joven abogado y padre. “Dudo mucho que pudiéramos haber encontrado a nadie mejor, la verdad”. La autora prosigue: “Daniel dijo en una entrevista que esta no es una simple película de sustos. Trata sobre el dolor y la pérdida y lo que le pasa a la gente. Y tiene razón, tiene un elemento serio y él ha sabido captarlo. Lo entendió”.

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Radcliffe describe a Arthur Kipps como un hombre “tan absolutamente destrozado por la muerte de su mujer que le ha resultado casi imposible vivir en el mundo real durante los últimos cuatro años”. Y continúa diciendo: “Arthur ha sido incapaz de conectar con la gente, sobre todo con su hijo. Lo quiere, pero no ha estado ahí para él como debería haber estado. Hasta ahora, no ha sido capaz de darle una infancia feliz, porque no posee esa capacidad para la felicidad”. Radcliffe señala la primera apari� ción de Kipps en el guión de Jane Goldman como especialmente indicativa de su estado mental. “Cuando lo conocemos al principio, es un hombre al límite”, explica. “La primera vez que lo ves, está con una navaja al cuello. Resulta que se está afeitando, pero siempre me ha parecido que seguro que se ha visto antes en esa situación, pensando en suicidarse”.

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Para Radcliffe, lo que le ha su� puesto un especial desafío a la hora de interpretar a Arthur ha sido la peculiar calma del per� sonaje. “Hay momentos en que no hay manera de saber con seguridad en qué está pensando Arthur”, observa. “Sabes que seguramente no tenga nada alegre en mente, pero tampoco sabes exactamente por qué, o qué es lo que le está pasando por la cabeza en momentos concretos. Eso deja algo más de margen para que el público se pueda sentir identificado con él, ya que así pueden adjudicarle la emoción que sea que supongan que está sintiendo. Esa ambigüedad da pie a poder conectar con él, en mi opinión”. “Se metió completamente de lleno en el personaje”, afirma Ja� mes Watkins sobre la dedicación de Radcliffe al papel. “Llegó un momento en que nos entendíamos tan bien que no necesitaba más que sugerirle retoques menores. Hacia el final, la verdad es que no necesitaba ninguna dirección. Comprendía exactamente

quién era el personaje y lo vivió plenamente”. Watkins es plenamente conscien� te de que deshacerse en elogios hacia su actor protagonista es lo que hacen todos los directores pero, en el caso de Radcliffe, ase� gura, lo dice totalmente en serio. “Ha sido un absoluto placer trabajar con él”, afirma. “Sé que es lo que siempre se dice, y que suele ocultar todo tipo de mentiras, pero, en este caso, es cierto”. Radcliffe comenta que es respon� sabilidad del actor principal ayu� dar a que el ambiente en el plató sea agradable. “He visto sets de rodaje donde los actores se dedican a dar guerra y son una amargura”, se confía, “y acaba afectando a todo el mundo. Pero a mí me encantan los rodajes y me encanta mi trabajo”. Susan Hill señala que la jovial personalidad de Radcliffe quedó patente desde la primera vez que se vieron. “La verdad es que acabamos hablando de nuestros borwww.cinemascomics.com


der terriers”, recuerda riendo. “Quedamos para comer en casa de Simon y me quedó claro que él sabía lo que hacía. Es inteligente y sabe interpretar, y no se le ha subido para nada el éxito a la cabeza, lo que resulta encantador. A esa edad, con semejante éxito, es muy fácil darse aires, pero tiene los pies en la tierra y creo que se mantendrá así. Espero que algún día vuelva a trabajar en otra de mis obras, es muy bueno”.

Definir el mundo Además de Radcliffe, la película cuenta con un variado elenco de actores, entre los que figuran Cia� rán Hinds, Janet McTeer y Shaun Dooley, como residentes del es� calofriante pueblo de Crythin Gifford. “Con Karen LindsayStewart, la directora de ‘casting’, decidimos que queríamos cierta veracidad con los lugareños”, explica James Watkins. “No queríamos que fueran esos tipos raros de campo. No queríamos

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que fueran palurdos, y no quería que pareciera como si acabaras de entrar en el pub de ‘Un hombre lobo americano en Londres’. Quería que se sintiera el dolor de estas personas por su pérdida y el miedo que marcaba su conducta”. También era importante que cada personaje tuviera su propio cami� no plenamente definido que se� guir. En palabras de Watkins: “A lo largo del proceso de selección del reparto, realizamos una serie de ensayos con Jane, para tratar de ahondar un poco más en esos papeles. Quería que cada personaje tuviera su pequeña historia que contar, la verdad”. Watkins quedó contentísimo con cómo resultó el reparto. “Como director, a veces es estupendo, porque te dices: ‘¿Quién me encanta como actor y quién podría ser adecuado para el papel?’. Me encanta Ciarán Hinds como actor, hace mucho que me encanta, y me pareció que era perfecto”. Para interpretar el papel de ��� Jo�

seph, el joven hijo de Arthur Kipps, se eligió a Misha Handley, ahijado en la vida real de Daniel Radcliffe. “Vimos a muchos niños para interpretar al hijo, pero entre Dan y Misha ya existe un lazo muy estrecho y creo que eso hace que quede muy auténtico en la película”, señala Watkins. “Misha es uno de los jóvenes actores más naturales que he visto nunca”. Uno de los cambios clave realiza� dos a la novela es que se intro� duce mucho antes en la historia al hijo de Kipps que, en el libro, no nace hasta después del regreso de Kipps a Londres desde Crythin Gifford. En el guión de Goldman, el personaje se presenta en las primeras escenas de la película, de modo que los remordimientos que sufre Kipps por estar apar� tado de su hijo Joseph durante su estancia en Crythin Gifford se convierten en un elemento clave de la trama y añade otro toque de terror a medida que el joven abo� gado va descubriendo los secretos de este peculiar pueblo.

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“Queríamos seguir ese elemento a lo largo de toda la película”, explica Watkins. “Es fundamental en lo que respecta a lo que motiva a Arthur. Como con la pérdida de su mujer, quería explorar la naturaleza de su pérdida y que no fuera una simple abstracción”. “La novela funciona maravillosamente porque está completamente hecha al estilo de una clásica historia de fantasmas victoriana, donde no se hace uno la clase de preguntas que se hace al ver una película”, explica Jane Goldman. “‘¿Por qué no se marcha Arthur del pueblo inmediatamente?’ Hay ciertas convenciones cine-

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matográficas que creo que necesitábamos tratar. Era importante responder preguntas sobre lo que motiva a este personaje y por qué es importante para él permanecer en el pueblo”. Aunque la novela de Susan Hill – y, ciertamente, la adaptación de ella realizada por Jane Goldman – cuenta la historia de LA MUJER DE NEGRO siguiendo la clásica tradición victoriana de las histo� rias de fantasmas, para Goldman encontrar el mundo en el que am� bientar la película supuso beber de fuentes cinematográficas insó� litas.

“Es una historia descaradamente de miedo, pero a la vez está cargada de verdadera profundidad emocional”, observa. “Y, al adaptarla, no dejaba de recordar algunas de las mejores muestras del cine de terror japonés de los últimos años”. El cine de terror japonés, apodado en inglés ‘J-Horror’ y populariza� do por películas como “The Ring (El círculo)” y “Ju-on (La maldi� ción)”, tiene más de un elemento en común con las clásicas historias victorianas de fantasmas, en opi� nión de Goldman. “Suelen ser devastadoras en cuanto a los temas emocionales, pero también dan www.cinemascomics.com


película. No quería que el filme pareciera una típica historia de época. Quería rodarlo con un lenguaje muy moderno en la forma de moverse la cámara, el modo de presentar los planos y la puesta en escena general”. A la hora de definir el aspecto de Eel Marsh House, la siniestra mansión separada del pueblo de Crythin Gifford por un paso eleva� do que queda bajo el agua al subir la marea, Watkins tenía mucho in� terés por no caer en los tópicos de las casas encantadas. “Quería que tuviera un aire ruinoso, pero tampoco quería que fuera un cliché de película en blanco y negro”, explica.

miedo de verdad. Ambas cosas no tienen por qué excluirse mutuamente. En Japón hay un enorme interés por la era victoriana, de todos modos, y me pareció interesante ver cómo esas películas lograban mantener ese equilibrio [entre ambos elementos]”. Para James Watkins, crear una película moderna de época resul� taba una curiosa contradicción. “Cruzar el cine de época con el cine de terror japonés me pareció muy interesante y novedoso”, asegura. “Hablé largo y tendido con [el director de fotografía] Tim Maurice-Jones sobre el lenguaje cinematográfico de toda la www.cinemascomics.com

Con la ayuda de la diseñadora de producción Kave Quinn, el direc� tor buscó en cambio hacer uso de una rica gama de colores, que dio como resultado una imagen decididamente más saturada de lo que las convenciones sugeri� rían. “La película tiene unos colores muy intensos”, prosigue Watkins. “Tenemos una especie de tonos amoratados, los colores del deterioro y la muerte: morados, negros y carmesís intensos. Me interesaba mucho que la casa transmitiera una sensación de belleza. Al mismo tiempo, es una casa encantada, tiene que tener rincones y recovecos y grietas y espacios oscuros. Es cuestión más de la iluminación que otra cosa”. Quinn comenta que el proce� so para diseñar Eel Marsh House empezó con la localización de exteriores. “Al principio del proyecto, teníamos a un fantástico responsable de localizaciones buscando la mansión adecuada”, explica. “Era necesario que tuviera carácter, de modo que, en cuanto la vieras, supieras que tenía personalidad propia. Cuando ves la casa que encontramos, casi parece que tenga ojos. Es un edificio jacobeo, y el hastial que tiene delante lo dota de un aspecto realmente maligno”.

Una vez encontrado el exterior, Quinn se sentó con Watkins para afinar sus diseños del interior de la casa, utilizando más o menos como base los planos de dicho ex� terior. “Reuní gran cantidad de material de documentación sobre cosas como escaleras y paneles, y sabía hacia dónde quería tirar con los colores. Usamos púrpuras amoratados y verdes mohosos para dar sensación de deterioro”. Encontrar una localización real para hacer las veces del extraño pueblo de Crythin Gifford resultó más complicado todavía. “En pleno siglo XXI, es evidente que cualquier sitio que encontráramos estaría lleno de coches, señales de tráfico y edificios modernos, que sería necesario ocultar”, explica Quinn. “Pretendíamos encontrar algún lugar que hubiera quedado casi inalterado por el paso del tiempo y el pueblo que encontramos, Halton Gill, estaba en mitad de Yorkshire Dales, así que no es un lugar que esté precisamente muy de paso. No se había urbanizado demasiado, por lo que todas las casa eran las originales de hace unos 400 años”. La colaboración con el director James Watkins ha sido “increíble”, asegura Quinn. “Desde la primera reunión con James, congeniamos estupendamente”. “Kave hizo maravillas como diseñadora de producción y es una mujer asombrosa”, coincide Wat� kins. “Entendió perfectamente lo que intentaba conseguir. Diseñamos esos pasillos largos y profundos, para poder tener verdadera profundidad de campo en los planos, en el sentido de Polanski, de mirar por los umbrales de las puertas y entrever cosas”. El director explica: “Una historia de fantasmas es sobre lo que no alcanzas a ver, lo que se mueve por los rincones del encuadre y se oculta en los márgenes. Eso es algo que incorporamos ya en el Cinemascomics │Febrero 2012 │

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propio diseño de producción”. “Estamos rodando en 2.35:1 en vez de 1.85:1”, señala Jackson, refiriéndose a la relación de as� pecto superpanorámica preferi� da por las producciones épicas de Hollywood. “Podría pensarse que es una elección extraña, para empezar, porque, cuando piensas en 2.35:1, piensas en una gran película del Oeste, mientras que, cuando piensas en una pequeña y claustrofóbica historia de fantasmas, la imaginas en 1.85:1. Sin

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embargo, ha resultado ser una forma muy interesante de contar la historia”. El director de fotografía Tim Mau� rice-Jones recuerda que la prin� cipal instrucción que recibió por parte de Watkins para definir el aspecto visual de la película fue una simple palabra: “contraste”. “Hemos intentado iluminar los decorados únicamente con una sola fuente de luz”, explica Mau� rice-Jones. “Muchas películas utilizan una luz principal para ilu-

minar la cara, una luz de relleno para iluminar cualquier sombra que quede y una luz trasera para que resalten del fondo. Hemos intentado usar luces y sombras para lograr esa sensación de contraste con una sola luz”. Watkins también optó por jugar con las convenciones básicas del cine con intención de intensificar la inquietante sensación de temor que se cierne sobre toda la pelí� cula. “Usamos cuanto pudimos para que todo resultara ligerawww.cinemascomics.com


mente desconcertante”, aclara. “He rodado a distintas velocidades de fotogramas por segundo y tiempos de exposición, tendremos cortes bruscos, montaje discontinuo. No es cuestión de caer en trucos artificiosos – no soporto eso – pero cualquier cosa que sirva para contar la historia con sinceridad, y esa es la clave para mí, es válida. No hay por qué ceñirse necesariamente a las reglas, y resulta interesante tener esa libertad para explorar”. www.cinemascomics.com

“Hemos sido muy naturales en ese aspecto”, observa el mon� tador Jon Harris, “A James se le da estupendamente idear nuevas formas de presentar las cosas de modo que resulten un poco más escalofriantes. Tenemos muy buena comunicación entre nosotros. Montamos las cosas juntos y vemos qué funciona y, entonces, si todavía está rodando en el mismo decorado, puede añadir algo, o utilizar la idea en otra escena”. Harris prosigue: “Estamos inten-

tando conseguir algo parecido a la visión periférica. Aunque no creo en fantasmas, siempre que te metes en una casa vieja sientes cosas que se mueven en tu visión periférica. Hemos hablado mucho sobre cómo lograr eso en una película, porque puedes intentar hacer que los espectadores miren hacia un sitio pero, al final, acabarán mirando donde ellos quieran”. Watkins describe su relación con Harris como una labor increíble Cinemascomics │Febrero 2012 │

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de colaboración. Los dos habían trabajado ya juntos en la ópera prima de Watkins, “Eden Lake”, así como en el debut en la direc� ción de Harris, “The Descent: Part 2”, que Watkins coescribió. “Jon ha sido una parte importante de la creación de la película incluso antes del montaje”, señala. “Dirigió la segunda unidad y formó parte del proceso de colaboración del guión conmigo y con Jane”. Harris comenta: “Entre los dos, sabemos lo que necesitamos para hacer que la película funcione. Yo trabajo en el montaje durante la producción y estoy pendiente de lo que se filma y de la lista de escenas de rodaje adicional, para asegurarnos de tener todo lo que necesitamos”.

El diseño de LA MUJER DE NEGRO La actriz Liz White considera a la mujer de negro un personaje con el que se puede simpatizar. “Al leer la historia, te implicas mu-

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cho en la pérdida de su hijo y la angustia que eso podría haberle causado”, explica. “Ha perdido la confianza de su hermana, su padre, su cuñado, y luego ver a su hermana abandonar así a su hijo supuso el sufrimiento definitivo”. White asegura que el vestuario y el maquillaje la ayudan a meter� se en la piel del personaje. “Te sientes inmediatamente aislada de todos los demás”, afirma. “No puedes mirar directamente a la gente y ellos tampoco te miran directamente a ti. Sientes sobre la marcha que formas parte del mundo de la mujer de negro. Me pareció fenomenal interpretarla, porque puedes usar tu imaginación y se trata todo de tu vida interior. Para un actor, es una alegría”. El diseñador de vestuario Keith Madden pasó mucho tiempo do� cumentándose sobre la indumen� taria de luto victoriana a fin de encontrar la imagen adecuada para la mujer de negro. “Para nosotros resulta muy extraño ver

algo así. En la época victoriana, si una mujer perdía a su marido o a su hijo, ese es el aspecto que luciría. Quería que la mujer de negro fuera como una novia de luto. Va cubierta con mucho velo. Por aquel entonces, el tejido empleado era el crespón, que era muy plano y anodino. Pero eso no queda muy bien ante la cámara, así que nos hemos arriesgado un poco y hemos hecho que el tejido resulte más vigoroso, para dotarlo de más fuerza. Tomaba una buena forma y le daba a ella una buena silueta”. Agrega: “Uno de los puntos clave al principio es que no queríamos ver nada de piel. Así que no queríamos que se vieran ninguna de las partes vulnerables, como las muñecas, del guante a la manga, o la nuca. Queríamos que el peso recayera en el rostro, para que te fijaras enseguida en él”. Un detalle concreto del traje di� señado por Madden es el velo negro de la mujer, que le tapa la www.cinemascomics.com


cara de tal manera que parece formar grietas en su piel. Madden comenta que ese efecto resultó ser una feliz coincidencia fruto de la experimentación. “Estábamos haciendo todo tipo de pruebas con los distintos tejidos y, en ese momento, no estaba seguro de cuánto querían que se le viera la cara”, recuerda. “Quería taparle la cara con una capa muy fina casi pegada a ella. Al ponérsela y atar la cinta debajo, casi parecía como si fueran dagas, o lágrimas, o pliegues en la piel. Al combinarse con el maquillaje de Jeremy, el resultado fue estupendo”.

Woodhead explica su filosofía de trabajo a la hora de establecer el aspecto pálido y escalofriante de la mujer de negro. “Evidentemente, es un fantasma, pero no queríamos caer en los clichés de un ser espectral. Está mustia, su piel está seca y marchita, y se ha ido consumiendo con el tiempo. Todo eso aumenta la sensación de dolor que transmite el personaje. Era importante no hacerla un monstruo, es alguien que ha sufrido una tremenda injusticia y está profundamente triste, pero en otro tiempo también fue hermosa”.

Para el diseñador de peluquería y maquillaje Jeremy Woodhead, trabajar en un personaje tan complejo, siniestro y pavoroso como la mujer de negro es “muy divertido. Son cosas que realmente determinan el carácter del personaje, no son simple cuestión de vanidad. Estás creando algo en lo que el maquillaje resulta ser importante para definir al personaje”.

El proceso por el que White se transforma en la mujer de negro no es precisamente rápido: “Me traen normalmente entre una y dos horas antes de empezar a rodar, para empezar con el maquillaje”, explica. “Lleva unas dos horas aplicarlo y consiste básicamente en tres capas distintas de sustancias pegajosas que te ponen en la cara, y un potingue químico pegajoso que huele muy fuerte y te ponen en distintos lu-

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gares. Se supone que estaba enterrada, así que ha empezado a descomponerse”. Una de las formas en las que la peculiar presencia de la mujer de negro se manifiesta en la película son, al principio, apariciones de visto y no visto, en una ventana o en un umbral de una puerta. Wat� kins rodó varias tomas alternati� vas de este estilo con la mujer de negro, para dejarse así un amplio margen de maniobra con el que poder experimentar durante el montaje. “Quería crear una historia de fantasmas sutil y pulida, que transmitiera una sensación de temor y una creciente y progresiva sensación de peligro”, explica. “No quería nada que hiciera ‘bu’. Ves una ventana y te preguntas: ¿hay algo justo ahí fuera? No alcanzas a verlo más que fugazmente. Para mí, eso resulta mucho más aterrador”.

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Por Enrique Abenia


La resurrección de la mítica pro� ductora Hammer por medio de ‘La mujer de negro’ ha puesto en el mapa al director del filme, James Watkins. Su nombre ya so� naba a los aficionados al terror por rodar, en 2008, ‘Eden Lake’, una de las mejores muestras bri� tánicas del género en los últimos años. Si la película protagonizada por Daniel Radcliffe se guía por el clasicismo y apuesta por una atmósfera opresiva, ‘Eden Lake’ busca generar tensión con una propuesta directa y brutal, tan� to por la violencia explícita como por su mensaje de fondo. Su de� moledora visión social se graba en la retina del público. Una men� ción especial del jurado de Sitges evidencia la valía del trabajo de Watkins. Por ello es una vergüen� za que ni siquiera haya llegado a España en DVD, formato domésti� co en el que sobran bodrios y se

echan en falta joyas ocultas. ‘Eden Lake’ arranca como suelen hacerlo los ‘survival horror’. Una pareja (interpretada por Kelly Reilly y Michael Fassbender, an� tes de convertirse en el actor de moda) viaja a un lago para disfru� tar de un merecido fin de sema� na de descanso. Como el público se imagina, pronto surgirá una amenaza que pondrá en riesgo su vida. Los sufridos personajes principales no deberán huir de un monstruo o el psicópata de turno, sino de un grupo de adolescentes que quieren matarlos por simple diversión. Y eso es lo realmente inquietante, aunque ya se haya mostrado en largometrajes de te� mática similar. Lo que comienza como la típica broma para moles� tar pronto da paso a una caza sal� vaje e injustificada. Para sobrevi� vir, la pareja tendrá que olvidarse

de lo políticamente correcto y golpear primero. La película sobresale por su cru� deza y momentos ‘gore’ (atención a la escena en la que los adoles� centes intentan quemar vivas a sus víctimas), resaltados con el color y la fotografía. Sus imáge� nes impresionan, al igual que su turbador desenlace, que viene a exponer que el problema reside en la educación. Una reflexión que algunos quizá consideren reaccionaria. Polémicas aparte, estamos ante una obra notable, el mejor bautizo que podría ha� ber tenido Watkins (también guio� nista de ‘The descent 2’ y de ‘My little eye’) en el panorama del te� rror. ‘La mujer de negro’ apunta a ser un paso más hacia su consa� gración.


Estreno

INFIERNO BLANCO

17 de febrero

En INFIERNO BLANCO, el perso� naje de Liam Neeson es el líder de un indisciplinado grupo de tra� bajadores de una refinería cuyo avión se estrella en las remotas montañas de Alaska. Los super� vivientes, expuestos a heridas mortales y un tiempo inclemen� te, disponen de pocos días para escapar de los gélidos elementos (y de una feroz manada de lobos cazadores) antes de que sea de� masiado tarde.

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Desde el cine mudo de Nanuk, el esquimal (Nanook of the North, 1922) hasta la espectacularidad de Tiburón (Jaws, 1975), uno de los temas cinematográficos más perdurables es el clásico conflicto entre el hombre y la naturaleza. Ahora llega una emocionante nue� va aventura de un grupo de hom� bres muy hombres perdidos en una tierra inhóspita y enfrentados a unas condiciones insoportables y a unos depredadores de pesadi�

lla. En INFIERNO BLANCO, con las montañas heladas de Alaska como telón de fondo, una manada de lobos salvajes, amenazantes y sanguinarios persiguen incansa� blemente a sus presas humanas. A medida que las indefensas vícti� mas caen una a una, las posibili� dades de supervivencia del último de estos hombres son cada vez más remotas. «Es una película de supervivencia www.cinemascomics.com


“Una vez más, combatiré la última gran pelea de mi vida hoy, viviré y moriré hoy, viviré y moriré”

pura y dura», declara el director y coguionista Joe Carnahan, que ha conocido el éxito con Narc y Ases calientes. En INFIERNO BLANCO, un grupo de hombres debe luchar por sobrevivir ante el frío extremo y la nieve, y ante una manada de lobos hambrientos que protegen su territorio. «Si te dan miedo los animales salvajes o viajar en avión, esta película te marcará durante mucho tiempo.»

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«Esta película toca muchos géneros», asegura la productora Jules Daly. «Es un thriller. Es una película de terror. Es un drama con hombres que luchan por sobrevivir.» Basada en el relato Ghost Walker de Ian Mackenzie Jeffers, INFIERNO BLANCO es la segunda colaboración entre Carnahan y la superestrella internacional Liam Neeson (Venganza, Star Wars: Epi� sodio I - La amenaza fantasma, La lista de Schindler), que ya traba�

jaron juntos en El equipo A. De� trás de esta comedia de acción de 2010 estaban Ridley y Tony Scott, que en INFIERNO BLANCO partici� pan como productor y productor ejecutivo respectivamente.

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Estreno

Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa

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“Para llegar a esa isla tendremos que meternos en el ojo del huracán.” - Sean Anderson 34 │ Cinemascomics │Diciembre 2011

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La nueva película familiar de aventuras en 3D “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” comienza cuando un joven de dieci� siete años, Sean Anderson (Josh Hutcherson), recibe una señal de auxilio codificada desde una isla misteriosa donde no debería haber ninguna isla. Incapaz de detenerle en su búsqueda del origen de la señal, el nue� vo padrastro de Sean, Hank (Dwayne Johnson), se une a él en una expedición que primero les llevará al Pacífico Sur y luego a un lugar que pocas personas han visto o han vivido para contarlo. Se trata de un sitio de increíble belleza, con extrañas y amenazadoras formas de vida, volcanes, montañas de oro y más de un secreto impactante. Junto con Gabato (Luis Guzmán), el único piloto de helicópteros dispuesto a asumir el riesgo del viaje, y la hermosa y decidida hija de Gabato, Kailani (Vanessa Hudgens), parten en busca de la isla, rescatan a su único habitante humano y escapan antes de que las fuerzas sísmicas la sumerjan bajo las aguas enterrando sus tesoros para siempre en esta secuela de la exitosa película de 2008 “Viaje al centro de la Tierra”. “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” cuenta también con la presencia de Michael Caine en el papel del abuelo de Sean, Alexander, el viajero solitario al que han acudido a buscar, y con Kristin Davis como la madre de Sean, Liz. Filmada en 3D, la película ha sido dirigida por Brad Peyton a partir de un guión de Brian Gunn y Mark Gunn basado en una historia de Ri� chard Outten, Brian Gunn y Mark Gunn. Ha sido producida por Beau Flynn y Tripp Vinson, así como por Charlotte Huggins, quien ya ha�

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bía participado en “Viaje al cen� tro de la Tierra”. Richard Brener, Michael Disco, Samuel J. Brown, Marcus Viscidi, Michael Bostick y Evan Turner han sido sus produc� tores ejecutivos. El equipo creativo ésta compues� to por el director de fotografía David Tattersall, el diseñador de producción Bill Boes, el editor David Rennie, la diseñadora de vestuario Denise Wingate y el su� pervisor de efectos visuales no� minado a un premio Óscar Boyd Shermis. La música ha sido com� puesta por Andrew Lockington. “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” es una película de New Line Cinema y una produc� ción de Contrafilm que será distri� buida por Warner Bros. Pictures, una compañía Warner Bros. Enter� tainment. La cinta se estrenará en cines IMAX® en todo el mundo.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN Con el director Brad Peyton a la cabeza, “Viaje al centro de la

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Tierra 2: La isla misteriosa”, traslada a los espectadores a una nueva aventura fantástica y di� vertida en lugares desconocidos, a un destino tan remoto que ha permanecido oculto durante si� glos… y, que una vez que se ha encontrado, resulta imposible abandonar. Peyton, al que le gustó mucho la primera entrega, “Viaje al cen� tro de la Tierra”, en la que el intrépido joven explorador Sean Anderson se dio a conocer al pú� blico de todo el mundo, comenta: “Quería retomar la historia de Sean y hacerla avanzar, con unos nuevos escenarios increíbles y nuevos compañeros que le llevaran aún más lejos, porque ya no es un niño. Tiene diecisiete años, y está preparado para moverse por su cuenta por el mundo. Es su oportunidad para demostrar que no se deja llevar, sino que es un explorador hecho y derecho”. “La primera película puso en marcha la imaginación de la gente y nos mostró a un niño con un gran potencial, pero al que todavía le

quedaba mucho por aprender”, afirma Dwayne Johnson, quien debuta en esta cinta como el pa� drastro de Sean, Hank, y que es también co-productor de la cinta. “El segundo viaje nos lleva a otro lugar interesante, y le muestra al público en qué se ha convertido aquel chico.” Peyton, quien recientemente nos mostró el mundo secreto del es� pionaje casero con “Como perros y gatos: La venganza de Kitty Galore”, sabe bien cómo combi� nar la acción con la comedia en un proyecto a gran escala con gi� ros imprevistos. Tras leer el guión de “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa”, confiesa: “Nunca me hubiera imaginado hacerla como algo pequeño. Directamente, supe que esta película necesitaba tierra, mar y aire, con criaturas, cuevas, tormentas, batallas submarinas y persecuciones aéreas, y todo ello en un territorio absolutamente increíble, que quitara el aliento. Eso suponía utilizar la última y la mejor tecnología para crear algo en el tewww.cinemascomics.com


rreno del 3D que ‘Viaje al centro de la Tierra’ ya ayudó a establecer”. En 2008, esa cinta marcó un hito como la primera película narra� tiva en utilizar el sistema Fusion System, un sofisticado dispositivo de cámara digital 3D desarrollado por James Cameron y el director de fotografía Vince Pace, y que posteriormente se emplearía en “Avatar”. Por eso no sorprende que el equipo de “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” haya vuelto a recurrir al Ca� meron Pace Group para obtener las últimas estrategias y equipos capaces de capturar la profundi� dad y el alcance que Peyton que� ría obtener en distintos entornos del mundo real. Decidido a rodar en localizaciones reales desde el primer momento, el director afirma: “Creía que los actores tenían que mancharse los pies. Quería una selva de verdad, no una de esas creadas por ordenador sobre un croma. Como marco para tantas imágenes espectaculares, necesitaba un terreno de verdad”. El productor Tripp Vinson, quien

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vuelve a colaborar con Beau Flynn y Charlotte Huggins, de “Viaje al centro de la Tierra”, explica: “La acción es muy intensa pero familiar, y creo que todo eso se lo debemos a Brad, que ha sido capaz de traspasar esa línea. Tenía una idea muy clara de muchas de las secuencias desde nuestras primeras reuniones, y una convicción muy fuerte sobre cómo diseñarlas y ejecutarlas, algo que sin duda ha hecho. Hace subir la tensión en una escena, luego afloja un poco, para finalmente dar un giro a la acción de forma que se crea aún más tensión. Creo que una de sus mayores virtudes como director es su capacidad para crear y mantener esa fuente de adrenalina”. Al mismo tiempo, el equipo sabía que lo que hizo que la historia original resultara tan memorable fue algo más que la osada inter� pretación de los protagonistas. Lo que realmente importaba era la conexión que existía entre ellos, los vínculos que habían formado o reforzado al enfrentarse a situa� ciones peligrosas es las que que� daba puesto de manifiesto de qué estaba hecho cada uno.

Esto es lo que opina el productor Beau Flynn, “Creo que el público respondió a todos estos temas en la primera película y por eso estábamos decididos a incluirlos también en esta nueva entrega. A través de la acción tocamos unas cuantas ideas, como el llegar a apreciar a las personas por quiénes son, en lugar de por la primera impresión que nos hayan podido causar y abrir el corazón a nuevas posibilidades. Y, desde el punto de vista de un joven de diecisiete años, quizás comprender un poco de dónde vienen tus padres y viceversa”. Al equipo también le gustaba el hecho de que los personajes ter� minen en un paraíso tropical que resulta ser una trampa y que les obliga a utilizar todo su ingenio y sus reflejos para sobrevivir, espe� cialmente cuando descubren que la flora y la fauna del lugar tienen sus propias reglas. Se trata de la Regla de la Isla, co� nocida en realidad como la Regla de Foster. La productora Char� lotte Huggins nos lo explica: “Se trata de una teoría biogeográfica verdadera que afirma que, en el transcurso de la evolución en un

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entorno aislado, las cosas grandes se pueden volver pequeñas y las cosas pequeñas se pueden volver grandes. De esta forma, una manada de elefantes aquí puede tener el aspecto exacto de los elefantes que conocemos, excepto por el hecho de que se trata de miniaturas, y las mariposas pueden ser iguales que las mariposas que todos hemos visto, pero ser enormes”. La desventaja de esas maravillas visuales serían los inmensos pája� ros y lagartos carnívoros, algunos del tamaño de un campo de fút� bol, y que ven a los exploradores como su almuerzo.

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Michael Caine, que da vida al patriarca Anderson, Alexander, quien ha hecho de sus ganas por conocer mundo el negocio fami� liar y que sirve de catalizador de esta última aventura, reconoce: “No se trata de un cuento infantil. La acción es muy rápida, y los niños tendrán que ser muy despiertos para no perderse”. O tratarse de ávidos lectores. Lo que ocurre en la gran pantalla está basado en parte en la obra del visionario actor del siglo XIX Julio Verne, cuyas novelas La isla misteriosa y Veinte mil leguas de viaje submarino salpican el guión

e inspiran toda la acción, además de algunas referencias fortui� tas al Robinson Crusoe de Robert Louis Stevenson y a Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift. A di� ferencia de la mayoría de las pe� lículas basadas en libros, “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” se retrotrae activa� mente a su material original, que se convierte así en parte de la historia. Richard Outten, autor de la historia junto a los guionistas Brian Gunn y Mark Gunn, lo ex� plica: “La idea surgió, para mí, como un tributo a mi abuelo y a algunos de mis libros favoritos durante la infancia. Me imagino www.cinemascomics.com


que los tres autores se inspiraron en rumores sobre una misma isla fantástica y extraña para escribir independientemente sus respectivos clásicos; una teoría que un aventurero de toda la vida y su nieto terminan por demostrar”. Tras seguir las pistas dejadas por Verne y sus compañeros literatos para identificar las coordena� das desconocidas de la isla, Sean vuelve a Verne una y otra vez para moverse por su topografía y esca� par de los principales peligros. “En lugar de tratar de eludir la situación, tienen que basarse en su ingenuidad y capacidad de www.cinemascomics.com

imaginación. Aquí no hay ‘malos’ a los que vencer, sólo el tiempo y obstáculos que se interponen entre ellos y su regreso a casa”, afirma Brian Gunn. Y Mark añade: “Verne ya veía submarinos y viajes espaciales mucho antes de que todo eso existiera. Se trata de un escritor de ficción que basó sus ideas en la ciencia, pero en una ciencia adelantada a su tiempo, y eso es lo que la gente encuentra tan intrigante de su trabajo”. La película rinde tributo a esos fundamentos realistas, ya se tra�

te de las anomalías evolutivas que pueblan la isla o de las incansa� bles placas tectónicas llamadas a engullirla. “Verne creía que lo fantástico podía nacer del mundo en el que vivimos, del mundo que pisamos, que puede ser mucho más inmenso y rico de lo que imaginamos, y nosotros hemos adoptado el mismo enfoque”, declara Peyton. “Cuanto más surrealista es el entorno que creas, más definidas y respetadas tienen que ser las reglas del mundo real. El reto consistía en recrear cosas de nuestro mundo ordinario que resultaran drásticamente diferentes de la forma en que las Cinemascomics │Febrero 2012 │

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percibimos normalmente, haciendo que lo familiar fuera de pronto extraño e impredecible. No se trata de un mundo de fantasía lejano; en la isla hay cosas increíbles, pero se trata siempre de elementos reconocibles con unas proporciones alteradas de forma salvaje. No puedo afirmar que todos los aspectos científicos que aparecen en la película sean ciertos”, añade. “Pero tuvimos cuidado para que todo comenzara con cierta base real. Y después… simplemente nos dejamos llevar.” “La forma más segura de llegar al otro lado es caminar por la costa. La forma más rápida es atravesar el corazón de la isla. Pero os advierto: la isla está llena de selvas oscuras y criaturas aterradoras.” - Alexander “Creo que no tenemos opción. Seguiremos el camino rápido.” - Hank Cuando arranca la historia, el jo� ven Sean sin duda no está donde le gustaría estar. Han pasado años desde el fallecimiento de su pa� dre y su madre, Liz, interpreta�

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da por Kristin Davis, se ha casado hace poco con Hank, con lo que la familia se ha trasladado a las afueras de Ohio. Sin amigos y con un padrastro con el que está con� vencido que no tiene nada en co� mún, Sean pasa muchas horas en soledad revisando sus mapas y las novelas de Julio Verne, y soñando con rincones del mundo aún por descubrir que le aguardan. “Se siente atrapado”, comenta Josh Hutcherson, quien retoma un papel que ha madurado en tér� minos de sincronía con su propia vida durante los cuatro años que han transcurrido desde la prime� ra entrega de “Viaje al centro de la Tierra”. “Está preparado para hacer cosas más grandes, y está lleno de curiosidad por el mundo, algo que comprendo a la perfección. Creo que eso mismo les ocurre a muchas personas, aunque no estén necesariamente interesadas en descubrir islas perdidas. Simplemente necesitan estar a su aire, imaginando cosas y buscando su propio camino.” Más concretamente, Hutcherson enfatiza: “Sean no quiere nada con su padrastro. Sencillamente cree que no tiene nada que ofre-

cerle; no mola nada, es aburrido y no tiene imaginación”. Dwayne Johnson da vida a Hank, un veterano de la marina que di� rige su propia constructora y está acostumbrado a afrontar las cosas directamente y resolver los pro� blemas. Pero no sabe cómo solu� cionar éste. “Al igual que muchos adolescentes – y yo no soy una excepción –, Sean cree conocer todas las respuestas”, comenta Johnson. “Ha vivido un gran abandono entre la pérdida de su padre y los viajes de su abuelo, por lo que es natural que se muestre receloso cuando llega su padrastro. Hank y Sean chocan desde el primer momento, porque uno quiere conectar y el otro desea distanciarse.” Johnson prosigue: “La familia es lo más importante para Hank, y su intención durante toda la historia es volver a reunir a su familia”. “Dwayne aporta mucho a cualquier papel”, señala Peyton. “Con sus puños de un millón de dólares y su sonrisa de mil millones de dólares podría llevar sobre sus espaldas todo el peso www.cinemascomics.com


de la acción de la película, pero es que además tiene una gran vis cómica y resulta enormemente carismático. Y yo lo quería todo – la experiencia Dwayne Johnson al completo – en esta película, y él nos lo ha dado. Incluso canta… ¿quién se lo iba a imaginar? Y toca el ukulele”. Pero por muy nobles que sean las intenciones de Hank, Sean cree que es el culpable de todo lo malo que le ocurre en la vida en esos momentos. Y lo que es aún más importante, está seguro de que es el principal obstáculo entre él y la exploración que el joven con� sidera un derecho suyo por naci� miento. Esta idea será puesta a prueba antes de lo que Sean cree cuando recibe una extraña llamada por radio una noche. Es un S.O.S. en� criptado que sospecha que puede proceder de su abuelo, Alexander, del que no se tiene noticias des� de que se marchó para demostrar que la isla misteriosa de la novela de Verne existía en realidad y no era una ficción. Y sus primeras palabras resultan electrizantes: LA ISLA ES REAL.

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“Alexander es el ídolo de Sean. Casi siempre ha hecho lo que ha querido, siempre está por ahí en alguna expedición de locos”, comenta Hutcherson. “Y si Alexander está en apuros, Sean hará cualquier cosa para llegar hasta él.” Y, de igual forma, Hank está dis� puesto a hacer cualquier cosa para llegar hasta Sean, incluso si eso significa acompañarle a los mares del Sur en la que cree que sólo puede ser una pérdida de tiempo, fingiendo que le inte� resa la improbable existencia de una isla olvidada por la historia, sólo para tenerle vigilado. Pero, días después, tras un accidente de aviación en el lugar más in� creíble que pueda imaginarse, nadie está más sorprendido que Hank. De hecho, casi no puede hablar…, excepto por algunas pa� labritas que le dedica al causante de todos esos problemas: el único e inigualable Alexander Anderson, el siempre recordado aunque au� sente abuelo paterno de Sean y el seguidor incondicional de Julio Verne de la familia. Sean, por su parte, no podría sentirse más emocionado y justi�

ficado. Pero su euforia por haber encontrado a su abuelo dura poco cuando se da cuenta de que salir de la isla va a ser mucho más difí� cil que llegar a ella, y de que les queda poco tiempo para lograrlo. La tierra que pisan se está hun� diendo. Muy rápidamente. Toda esa masa de tierra estará bajo las aguas en cuestión de días, si no de horas, y sus escasas posi� bilidades de sobrevivir están to� talmente en sus manos. “Cuando se dan cuenta de que tienen que trabajar juntos como un equipo para salvarse es cuando sus fortalezas individuales salen a la luz de forma imprevista”, declara Peyton. Y Johnson comenta divertido: “La muerte inminente es una estupenda motivación para colaborar”. Aunque esta crisis les hace unirse con un objetivo común, también pone de relieve el hecho de que sus motivos individuales para es� tar allí son de lo más variados. “Pero es la relación en constante evolución de Hank y Sean lo que sustenta todo lo demás y nos permite movernos por la historia”, señala Peyton, quién optó por dar

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un tono más ligero a la forma en que ambos personajes terminan encontrando su propio camino y comprendiéndose. “A veces, cuando estás desarrollando un guión, tienes la tentación de exagerar con el registro de algunos personajes”, confiesa Vinson. “Pero, en manos de unos actores con tanto talento como Dwayne y Josh, te puedes permitir que esas revelaciones surjan de su interpretación.” De igual forma, el encuentro ini� cialmente antagonista entre el padrastro y el abuelo de Sean evoluciona a medida que los dos machos alfa se van tomando la medida una y otra vez, algo de lo que tanto Johnson como Michael Caine disfrutaron mucho. “En un primer momento existe un muro entre ellos, y eso siempre hace que las cosas resulten interesantes”, señala Johnson. “Me encanta la tensión en pantalla, especialmente cuando está salpicada de humor”. “Sus puyas son lo que impulsa su relación, y resulta muy divertido

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verlos”, recuerda Flynn. “Hank propone algo, Alexander sugiere otra cosa, y se desata una lucha imparable para ver quién de los dos tiene el mejor plan, en la que Alexander trata de echar por tierra a Hank argumentando que es todo músculo sin nada de cerebro.” Al mismo tiempo, comenta Jo� hnson, “Alexander resulta atractivo porque no sigue las normas y siempre está viajando a lugares exóticos. Hank lo comprende, pero cree que ese tipo de comportamiento hace de Alexander un hombre que nunca ha estado con su familia”. Caine, por su parte, define a su personaje como “una especie de explorador loco. Va a todo tipo de lugares, cuanto más extraños, mejor, y encontrar la ignota Isla Misteriosa supone la guinda del pastel en su carrera. El problema es que, al decidir compartir el secreto con su nieto, pone al joven, y a todos los que le acompañan, en una situación muy peligrosa”.

De todas formas, tras haberse en� frentado al peligro durante toda su vida – deleitándose en él – en realidad, Alexander considera este problema como un mero obs� táculo más que superar. “No le asusta nada”, comenta Huggins. “Disfruta con cada paso que da, y Michael es sin duda capaz de trasmitir esa idea en su papel. Cuando se ponía el traje, siempre esbozaba una gran sonrisa y decía ‘Parezco el abuelo de Indiana Jones’.” El oscarizado actor, que también es abuelo en la vida real, le dijo en un primer momento al equipo que quería que sus nietos pudie� ran presumir de que su abuelo era capaz de montar sobre una abeja gigante y afirma: “No hago muchas películas familiares, pero tengo tres nietos y no quería que tuvieran que esperar a tener 18 años para poder verme en una película. Además, el guión era inteligente y entretenido, y nunca había trabajado en una cinta en 3D antes, así que quise subirme al carro”. www.cinemascomics.com


Pero estas tres generaciones de hombres marcadamente inde� pendientes no están solas para resolver sus diferencias. Junto a ellos, y representando a un tipo de familia con una dinámica to� talmente diferente, están Gabato y Kailani, interpretados por Luis Guzmán y Vanessa Hudgens, un padre y una hija que se dedican a hacer vuelos en helicóptero y que llevan a Sean y Hank a la isla desde la cercana Palau, en Nue� va Guinea, y que se encuentran con un devastador huracán que destruye la aeronave dejándolos varados junto a los demás. En un primer momento, la moti� vación de Gabato para aceptar este viaje que podría costarles la vida es el dinero. Es su única mo� tivación en la vida. Cuando otros guías curtidos habían rechazado la oferta para aventurarse en el tristemente famoso “cementerio de barcos” en busca de un trozo de tierra desconocido y de fábula, este sociable piloto con su mal� trecho aparato no se lo piensa y aprovecha la oportunidad, con la lógica desaprobación de su hija, que es mucho más sensata. “Gabato es un buscavidas que

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lleva a los turistas por el paraíso, viviendo un sueño”, explica Guzmán, quien se divirtió mucho con el papel y le aportó algunas improvisaciones memorables que hicieron las delicias tanto de los demás actores como del equipo técnico. “También es un mentiroso. Haría cualquier cosa por una buena suma de dinero.” “Luis fue mi as bajo la manga para la comedia”, confiesa Pe� yton, quien proclama que el ve� terano actor es un “chupacámaras de primer orden”. Y añade: “Hace que todo parezca real y su Gabato es ajeno a todo. La mayor parte de las veces no se da cuenta de que está en peligro, cree que está en unas vacaciones extravagantes. Todo lo sorprende, cada nueva visión le entusiasma”. Pero Gabato es en realidad un pa� dre amante que lucha por darle a Kailani, la niña de sus ojos, lo que ella más quiere: la posibilidad de estudiar. Kailani, a su vez, le quiere y agradece sus esfuerzos, pero no cree que esta empresa marginal vaya a poder darles los medios necesarios para financiar su sueño. Lo cierto es que su pa� dre no es un hombre de negocios,

y Gabato’s Luxury Tours probable� mente no sobreviviría sin su ayu� da. “Gabato es el corazón de la empresa, pero Kailani es el cerebro”, confiesa Peyton. Verles interactuar resulta enter� necedor y divertido. “Vanessa aporta a la perfección un punto de cordura a su locura”, comenta Charlotte Huggins. “Nunca reacciona a lo que él hace o dice, que es precisamente lo que se esperaría de alguien que ha vivido toda la vida con un hombre como ése. Está por encima de todo eso. Cuando él dice algo escandaloso inmediatamente pasa a otra cosa, y lo mismo hace ella. Se compenetran a la perfección.” “Kailani es dura porque tiene que serlo”, afirma Hudgens. “Tiene que cuidar a su padre. Pero es muy franca y, desde el primer momento, lo que más claramente dice es que ese trabajo ha sido una mala idea.” Y, cuando sólo llevan unos minutos de viaje, sus previsiones parecen confirmarse. El accidente no sólo acaba con el único medio de transporte del grupo, también parece haber des� truido cualquier posibilidad que

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Sean pudiera tener de atraer a Kailani. En lugar de ello, levanta las iras de esta belleza polinesia ya que ella le hace personalmen� te responsable de ésta y de todas las demás calamidades que le es� peran. “Sean es un soñador y Kailani es mucho más práctica. Él quiere introducirla en el espíritu de esta increíble experiencia, pero ella sólo piensa en los riesgos”, expli� ca Hutcherson. Tras haber estudiado al joven estadounidense antes de que se subiera al helicóptero, Kailani está convencida de que no tiene

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la menor idea de cómo es su vida y de sus problemas. Pero, a me� dida que van transcurriendo los acontecimientos, ella empieza a preguntarse si no se habrá equi� vocado, especialmente cuando li� teralmente caen el uno en brazos del otro con cada nueva sorpresa que les depara la isla. “Participar de esta experiencia y de todo lo que ofrece, implica que Kailani tendrá que abrir su corazón, y ella siempre ha actuado movida por la cabeza”, comenta Hud� gens. “Pero se ve arrastrada a ese mundo increíble y termina encontrando mucho más de lo que esperaba.”

Mientras los cinco luchan para encontrar su improbable aunque única salvación posible, la madre de Sean, Liz, lejos de allí, se pre� gunta qué le habrá ocurrido a los dos hombres más importantes de su vida. Consciente de los excesos y excentricidades del que fue su suegro, cree que Alexander no es de fiar y que supone un mal ejem� plo, eso, si no es que está directa� mente loco. Pero no puede negar el afecto que Sean siente hacia él como tampoco puede negar que, a pesar de sus reservas, el valiente adolescente parece estar destinado a seguir los pasos de su padre y su abuelo. www.cinemascomics.com


Kristin Davis lo explica así: “Evidentemente, Sean preferiría seguir su propia ambición. Prefería buscar a su abuelo. Le gustaría hacer muchas cosas en lugar de estar atrapado en el extrarradio de una ciudad, pero en ese preciso momento está atado por las decisiones de su madre. Ella se ha vuelto a casar, está enamorada, y quiere que sean una familia porque Hank es un hombre estupendo… Lo que pasa es que Sean aún no lo sabe”. Al igual que Hank, Liz confía en que este viaje pueda obrar el pe� queño milagro. Pero no tiene ni idea de lo que va a ocurrir. www.cinemascomics.com

“Voy a ir al grano… ¿la única forma de evitar ahogarnos es encontrar un submarino de hace más de un siglo?” – Kailani “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” se filmó en localizaciones de Oahu, Hawai, durante el otoño de 2010. La isla ofrecía muchas posibilida� des, desde terrenos arenosos en la costa hasta valles bañados en niebla o cuevas y montañas volcá� nicas. Entre los paisajes elegidos se incluyen Waimea Valley, Heeia Kea, China Walls y Kualoa Ranch, que ya han aparecido en nume� rosas películas y series de tele� visión, además de Halona Beach

Cove, más conocida como Eter� nity Beach por la famosa escena protagonizada por Burt Lancaster y Deborah Kerr en “De aquí a la eternidad”. Aunque nació en San Francisco, el héroe local Dwayne Johnson afir� ma: “Pasé gran parte de mi infancia en Hawai, a cerca de una hora del lugar en que rodamos, y ha sido maravilloso volver allí. Por aquel entones, tenía unos 13 o 14 años, me encantaba ver películas y tenía grandes sueños. Así que regresar a Hawai para rodar una gran aventura ha sido una verdadera bendición”. Cinemascomics │Febrero 2012 │

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El equipo también utilizó unos es� tudios en Carolina del Norte para completar algunas escenas, em� pezando por el accidente de he� licóptero. Sus secuelas se rodaron en Eternity Beach, pero su incur� sión en la tormenta que termina tirándolo a tierra se rodó en unos estudios, con lo que el supervi� sor de efectos especiales Peter Chesney denomina “una especie de ensamblaje como el de los juguetes de hojalata construido alrededor de un puntal de acero muy resistente con una extensión de aluminio”. Chesney podía aplicar más de 2.700 kilogramos de presión en cualquier punto del conjunto con sólo pulsar un botón creando un dispositivo de alta vibración al que dotó de airbag, modificado a par� tir de la suspensión de un camión y unido a acumuladores de alta

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velocidad, o válvulas, capaces de soltar grandes volúmenes de aire comprimido en el momento justo a partir de las señales eléctricas de entrada. De esta forma, pudo simular un huracán de categoría 5 que terminaba haciendo añicos la aeronave. “Me recuerda a la tan desagradable ‘cometa del vómito’ de la NASA, donde crean la gravedad cero, pero nosotros la parábamos a mitad de camino y la volvíamos a lanzar en la otra dirección”, comenta orgulloso a propósito del efecto que crea su dispositivo en pantalla. “Pensé que estaban de broma cuando lo llamaron ‘la parilla’”, recuerda Hudgens. Pero eso no fue más que el prin� cipio. Otro de los grandes efectos especiales de la película tiene que ver con la escaramuza aérea en la que los cinco aventureros,

montados sobre abejas gigantes, son perseguidos por pájaros aún más grandes que pretenden de� vorarlos. Las aves, a las que un Sean sin aliento identifica como vencejos mongoles antes de que se lancen contra él, se seleccio� naron específicamente porque los vencejos vuelan muy rápido y, de hecho, se alimentan de abejas. Si lo trasladamos a términos de es� cala, sugiere Peyton, “creo que las abejas serían helicópteros y los pájaros bombarderos”. “Tuvimos cuidado para asegurarnos de que la velocidad y la física fueran correctas”, prosigue. “Quería que las monturas tuvieran peso, para que los espectadores pudieran ver a los actores tirar con fuerza hacia la derecha o hacia la izquierda, y agacharse en los giros, porque lo hacían de verdad”. Para lograrlo, el direc� www.cinemascomics.com


tor recurrió de nuevo a Chesney, quién ideó una serie de monturas denominadas “bee bucks”, que se podían manipular de forma rea� lista. Recordaban a barriles de petróleo, y cada uno estaba ca� librado y lastrado en función del peso de cada actor. Esos “bucks” se unían luego a vigas que fun� cionaban como un balancín, con contrapesos adicionales, y todo el conjunto estaba montado sobre una base triangular sobre cojine� tes neumáticos con una presión controlada por variables para que flotara como un disco sobre una mesa de hockey aéreo. El supervisor de efectos visuales Boyd Shermis sustituyó posterior� mente los barriles de petróleo por abejas voladoras creadas por ordenador y añadió imágenes de fondo capturadas por su equipo in situ mientras viajaban a través de www.cinemascomics.com

las copas de los árboles y por en� cima de éstas en helicóptero utili� zando cámaras estéreo condensa� das para aprovechar la velocidad, movimiento y emoción del vuelo. Luego filmaron los “bucks” y a sus jinetes, y combinaron todo esto digitalmente con la acción para que los actores pudieran verse e interactuar entre ellos rápida� mente durante la persecución. A partir de ahí, parte de la acción se desarrolla bajo el agua en un encuentro con una anguila eléc� trica depredadora gigante, lo que hizo que Johnson y Hutcherson tuvieran que añadir una certifica� ción de buceo a su currículo. En un primer momento, estaba previsto utilizar el tanque de los estudios EUE/Screen Gems en Wilmington pero, cuando la escena fue evo� lucionando conceptualmente y creciendo en términos de alcan� ce, tuvieron que construir el suyo propio: 24 metros de diámetro y 6 metros de profundidad, con capa� cidad para 2.800.000 litros. Los actores se sumergieron en el agua en una parte del set de ro� daje submarino conocida como la antecámara pero, como nos re� vela Shermis, “todo lo demás en la secuencia se ha creado por ordenador: las partículas del agua, el reflejo de la luz, la fauna, los corales, las burbujas y el limo. Los entornos submarinos son de los más complicados de crear por ordenador, llevan mucho tiempo y cientos de capas”. De vuelta a tierra firme, la casa en el árbol de Alexander, creada de forma manual intencionada� mente a partir de los restos de un naufragio e iluminada con botes de luciérnagas, también se cons� truyó en un decorado. Pero una gran parte del enorme decora� do de la Atlántida se creó in situ en Hawai. El diseñador de pro� ducción Bill Boes lo explica así: “Queríamos transmitir un tamaño colosal, y en parte eso se logró con pinturas mate y efectos vi-

suales, pero también construimos un enorme decorado en Kualoa Valley. Y puesto que la isla está constantemente hundiéndose y volviendo a surgir en ciclos de 140 años, incorporamos conchas y coral e indicios de vida acuática prehistórica a la arquitectura”. Otra de las maravilla de la isla es un volcán que escupe oro fundi� do, además de cenizas de oro que llueven sobre el grupo mientras éste intenta escapar. Conseguir ese efecto aéreo resultó espe� cialmente complicado. Para evi� tar contaminar un entorno tan virgen, el equipo no podía utili� zar las herramientas estándar a su disposición, es decir, copos de mica o mylar. Se necesitaba una alternativa orgánica e inocua. Tras pensarlo mucho, se decidió que la mejor solución era la más sencilla, y optaron por el pan de oro, con un grosor de 2,5 millo� nésimas de centímetro y suficien� temente puro como para resultar comestible. Por su parte, el grupo se encuen� tra con una sorpresa mucho más desagradable: un campo de rocas extrañamente simétricas que son en realidad huevos de gigantescos lagartos pero que no reconocen hasta no estar en mitad de ellos, cada uno de ellos precariamente subido a una fina cáscara cuando la madre de la camada se acerca a ellos. Los casi 60 huevos tenían dos tamaños posibles: grandes y enormes. Estas creaciones de en� tre 90 y 135 kilos de peso, escul� pidas y posteriormente moldea� das como mitades vacías de fibra de vidrio soldadas y pintadas a posteriori, tenían de 2 a 3 metros de diámetro una vez colocadas y fijadas en su lugar. “Siempre que hay problemas, Gabato se lleva la peor parte”, recuerda Guzmán. “Él es el que se cae dentro del huevo con todo ese líquido; al que el pájaro se le caga encima; el que termina enterrado en la arena. Creo que Cinemascomics │Febrero 2012 │

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Dwayne y todos los demás se reunían y decían, ‘Le toca a Luis’.” “Fue una toma físicamente muy exigente”, confiesa Hutcherson. “Incluso en las escenas que no están orientadas hacia la acción, las que se reducen a trepar o caminar sobre las raíces de un árbol, podías caerte fácilmente de bruces… y de hecho a mí me pasó varias veces. En muchas ocasiones la película parece como una montaña rusa para el público, y disfruté con eso, me gustó durante el rodaje también”. Y eso es algo que Peyton apre� cia, ya que su objetivo era crear una experiencia de inmersión en el más amplio sentido de la pa� labra, con una acción trepidante y unos personajes y localizaciones increíbles. Para ayudar a meterse en el papel a sus actores, incluso les puso el tema principal de la película compuesto por Andrew Lockington, que encargó mucho antes de iniciarse la producción, en parte por este motivo. Lock� ington ya ganó un premio BMI en 2008 por su trabajo para “Viaje al centro de la Tierra”. Y, como ocurrió en la primera en�

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trega, la decisión de rodar en 3D tuvo mucho peso. En palabras de Vinson: “En una gran película de acción como ésta, tienes que diseñar las secuencias para aprovechar al máximo la tecnología, y Brad tomó unas decisiones muy inteligentes. Si te fijas en la escena de la persecución, o la de los lagartos, o la lucha con la anguila eléctrica, son impresionantes y están concebidas para rodarse en 3D. Pero también empleamos esta tecnología en otros momentos en los que no es tan habitual recurrir a ella”. Huggins, cuya experiencia en el mundo del cine incluye dos déca� das de trabajo con el 3D, recono� ce que: “A todo el mundo le encantan esas tomas al borde de un precipicio en la que parece que te vas a caer y ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” tiene muchas de ésas. Pero Brad ha ido un poco más allá al aportar también formas de crear volumen y profundidad no sólo en los planos abiertos más amplios, sino también en primeros planos, con lo que se logra una presencia de los actores verdaderamente real y personal, y creo que eso es lo que

diferencia a esta película. Al fin y al cabo, al público no le interesa la tecnología, sino lo que ésta le hace sentir”. Una de las cosas que espera que sientan los espectadores cuando acudan a ver “Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa” es ese sentido de maravilla del que están imbuidas las aventuras creadas por Julio Verne. “Cuando era un niño, esas lecturas me acompañaban durante los veranos”, recuerda Flynn. “Son el tipo de historias que hacían volar tu imaginación. Y rodar ahora una película basada en un libro de Julio Verne y posiblemente introducir al autor y sus ideas entre los jóvenes por primera vez resulta enormemente gratificante”. “Esto es lo que yo quería ver en el cine cuando era un niño, y algo suficientemente bueno como para que toda la familia se divierta junta”, concluye Peyton. “Está repleta de acción y risas, criaturas extrañas y algunos momentos más tiernos que espero que gusten tanto a los adultos como a los niños”. www.cinemascomics.com


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Estreno

Ghost Rider: EspĂ­ritu de Venganza 24 de febrero


Nicolas Cage vuelve como Ghost Rider en una nueva y valiente visión del clásico personaje en Ghost Rider: Espíritu de Vengan� za. La película está dirigida por los directores Neveldine y Taylor (Mark Neveldine y Brian Taylor) quienes se han labrado un lugar especial entre el público de cul� to con sus estilosas e innovadoras películas como Crank: Veneno en la sangre y Gamer. Taylor explica que como directo� res, estaban emocionados ante la idea de colaborar en esta nueva película por dos razones princi� pales. “Estábamos entusiasmados de tener la oportunidad de diri� gir una película de franquicia con Nicolas Cage, y en segundo lugar, nos encantó la idea de trabajar con una serie de comics tan alu� cinante y rompedora. Es decir, a este tío se le incendia el cráneo y patea el culo a medio mundo” explica Neveldine. “Creo que el estudio quería hacer algo más innovador con esta franquicia y nuestra actitud y estilo de hacer cine encajó perfectamente con todo lo que esperaban ver. Todos compartimos la misma visión.”

Gracias a la libertad que recibie� ron por parte del estudio para darle al filme ese tono más rom� pedor, los directores dejaron vo� lar su imaginación. “Sólo había una cosa que queríamos mante� ner de la primera película: a Nick Cage. Quisimos cambiar todo lo demás – su imagen, su vestuario, su moto. Queríamos incendiar al� mas y arrastrarlas al infierno. Y por suerte el estudio dijo: ‘Ge� nial; eso es precisamente lo que queríamos escuchar.’ Y así co� menzó todo. Lo que buscábamos en realidad era una atmósfera, una emoción, una estética – va� mos, todo lo necesario para hacer de él el perfecto macarra.”

colgado de cableados, o rodando mientras patina sobre ruedas– es muy activo, un cineasta muy macho. Los fans van a alucinar con la fotografía ya que Mark, Brian y Brandon Trost, (el director de fotografía) son temerarios detrás de la cámara.”

Ese proceso continuó hasta ini� ciada la producción ya que Ne� veldine y Taylor emplean un es� tilo cinético tanto delante como detrás de la cámara. En palabras de Cage: “La energía de esta película resultó ser una experiencia diferente para mí. Es mucho más salvaje, casi como una experiencia temeraria- hasta en la forma en la que rueda Mark Neveldine. Es como un especialista, arriesgando su vida cientos de veces,

Mientras que otros directores pudieron haberse decantado por crear el mundo Ghost Rider en un ordenador, Neveldine/Taylor optaron por captar lo más posible con el mayor realismo y practici� dad. “Rodamos con especialistas de verdad y la acción sobre rue� das es verdadera – aunque sí es cierto que le incendiamos el crá� neo posteriormente en el ordena� dor,” asegura Taylor. “Pensamos que así, al mostrarle algo real,

Al describir su intensa experien� cia en el plató, afirma Neveldine: “Al final, tenemos que captar la interpretación y conseguir los planos, y haremos lo que sea necesario para lograrlo. Nos verás colgados de vehículos o con los patines puestos, todo para llevar la experiencia cinematográfica al límite.”


le proporcionamos al espectador una experiencia mejor, más visceral.” El editor Brian Berdan, quien cola� boró con los directores en Crank: veneno en la sangre, asegura que: “Son inmensamente creativos; trabajan con la cámara en mano, de forma intuitiva y no todo está planeado. Esa viveza que le aporta la cámara en mano y la sensación que transmite alguien que sabe qué hacer con ella, hace que todo lo que se capte cobre vida. Es un reto a la hora de montar porque tienes muchísimo metraje y al principio puede que pienses ‘No puedo hacer nada con esto’ y luego la cámara entra en el lugar preciso y ¡capta exactamente lo que necesitas!”

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Idris Elba quedó impresionado con los directores. “Fueron ca� paces de captarlo todo, cuidando los detalles, la interpretación y el segundo plano. Son un equipo de directores muy valiente. Se ve que se lo están pasando bien, pero también sientes que saben lo que quieren. Se implican de lle� no. Cuando vi que Mark sacó los patines, y yo iba en moto en una autovía de Rumanía (apenas sabía llevarla, acababa de aprender) – pensé: ‘Este tío está chalado, pero venga vamos, ¡a por todas!’” Es un estilo que encaja con Cage. “Derrochan energía – una energía exagerada e inusual, además trabajan con una intensidad salvaje. Están dispuestos a hacerlo todo.

Y creo que yo también encajo con esa forma de trabajar.” “Nos emocionó saber que nuestro tono y humor oscuro se reflejarían en el proyecto” explica Neveldine. “Pero también era importante que estuviera bien cimentado y fuera contundente.” La forma extrema de hacer cine de Neveldine/Taylor exigía una historia rompedora. No sería su� ficiente retomar la historia donde acabó la última película. “Esta historia transcurre años después, cuando Blaze – y Ghost Rider – se encuentran en un momento totalmente diferente,” afirma el pro� ductor Ari Arad. “Ahora Johnny Blaze está a kilómetros de su www.cinemascomics.com


ciudad natal, intentando huir del demonio que lleva dentro. Conoce a un cura, Moreau, interpretado por Idris Elba, quien promete ayudarle a librarse de su maldición si éste a su vez le ayuda a encontrar a un chico. Si Johnny es capaz de encontrar a ese chico y salvarle el alma, tal vez pueda salvar también su propia alma.” Algunas de las ideas para la nue� va película nacieron cuando Cage promocionó la primera. “Estaba en Inglaterra, haciendo entrevistas, y estaba vestido de cuero de pies a cabeza y decidí visitar la Abadía de Westminster durante un descanso” recuerda el actor. “No tenía ni idea de que en ese momento se estaba celebranwww.cinemascomics.com

do una cumbre medioambiental con el Arzobispo de Canterbury y la cabeza de la Iglesia Ortodoxa Griega. Entré disimuladamente y me sentaron atrás. Cuando me vio un obispo de Colorado me invitó a sentarme delante. Me presentó al Arzobispo, quien me dijo: ‘Déjame enseñarte la abadía de Westminster.’ Durante el recorrido se fijó en mi atuendo y dijo ‘Ah, y por cierto, yo también puedo ser travieso.’ Para mí, todo comenzó ahí – que de alguna manera John y Ghost Rider trabajaran con la iglesia, que la iglesia los necesitara de alguna forma.” Para Cage, acercarse a Ghost Ri� der: Espíritu de venganza fue “como empezar de cero en mu-

chos sentidos. Es como un John Blaze completamente nuevo – ya lleva tiempo viviendo con Rider. En la película siempre intentaba calmarse – evitando el alcohol, escuchando a Karen Carpenter… cosas que evitarían que se le incendiara la cabeza. Años después su cabeza ya se ha incendiado y tiene que vivir con ello. Así que es una experiencia totalmente diferente la de Johnny ocultándose en Rumanía.” “Nick es un brillante actor y todo un caballero” explica Neveldine. “Siempre pone primero a la película y nos sentimos honrados por su compromiso. Aportó ideas nuevas al plató cada día y éstas nos motivaban a ser mejores diCinemascomics │Febrero 2012 │

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rectores. Además, aceptó encantado nuestro estilo y disfrutó de nuestra forma de trabajar, por lo que nos sentimos a gusto, centrados y atentos en todo momento. Por todo ello, fue un verdadero placer llegar todos los días a trabajar.” “Nick parece un lunático cuando lo ves en las películas, pero su forma de actuar es súper cerebral” define Taylor. “Todo lo que hace está pensado de antemano – su locura se construye en base a la razón. Por eso sus interpretaciones son tan interesantes – no está actuando como un loco sin más. Y eso se plasma en un proyecto como éste – va de un tío en moto cuya cabeza está incendiada, pero pudimos profundizar en la mitología. No sólo construimos una evolución nueva para Blaze, quisimos explorar quién es el demonio y cuál es su historia, y qué es lo que hace que Ghost Rider sea como es.” Los compañeros de reparto de Cage quedaron igualmente impre� sionados con el registro y el com� promiso del actor. “Sencillamente es uno de los actores más divertidos y amables con los que he

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trabajado,” dice Idris Elba. “Sabes que obviamente es una gran estrella pero cuando lo conoces compruebas que tiene los pies en la tierra, que está feliz de trabajar y de ensayar y de hacerlo una y otra vez. Es un buen tipo.” Cage apunta que al igual que Ghost Rider tiene un look nuevo en esta película, también lo tie� ne Johnny Blaze. “Su aspecto es más desaliñado. La chaqueta es más ajustada y no lleva pinchos. Es menos heavy metal,” asegura el actor. “Cuando Blaze, enfundado en una ajustada chaqueta de carreras tradicional se transforma en Ghost Rider, su aspecto es mucho más orgánico y vivo. Brian y yo conversamos, entre otras cosas, acerca de cómo es que se empieza a calentar, y oscurecerse, a rezumar y burbujear.” La diseñadora de vestuario Boja� na Nikitovic añade que: “Brian y Mark no querían que fuera estilizado; querían que todo tuviera un aspecto real – tanto que ni siquiera te fijaras en el vestuario. Casi todos los personajes principales llevan un único atuendo – hablamos de personajes que realmente viven en su ropa, así que

su vestuario se convierte en su piel, especialmente Johnny Blaze y Moreau. Todo tenía que estar desgastado.” John Blaze no es el único papel que tiene Cage en el filme; tam� bién interpreta a Ghost Rider por primera vez. (En el filme del 2007, Rider lo interpretaron va� rios especialistas cuyos rostros fueron sustituidos por la famosa calavera ardiente.) “Brian Taylor realmente quiso que nos adentráramos en el espíritu de sacrificio– para no perder jamás de vista el dolor del pacto inicial con el Diablo,” explica Cage. “Por ello defendió que yo debía encarnar no sólo a John Blaze, sino también a Ghost Rider. Para Brian era importante que yo habitara el espíritu, Zarathos – él es el espíritu corrupto y caído de la justicia convertido en el espíritu de la venganza. Esto me abrió nuevas puertas ya que aunque anteriormente había interpretado más de un papel en la misma película, como en Adaptation (el ladrón de orquídeas), en esta ocasión encarnaba a un personaje que no era humano. ¿Cómo podría darle vida a un personaje así? Me resultó estimulante, y siendo sinceros www.cinemascomics.com


la película se llama Ghost Rider: Espíritu de venganza, no se llama John Blaze. Ghost Rider es la estrella del filme.” “Pensamos que sería una gran oportunidad – cuentas con el increíble actor Nick Cage interpretando un papel doble: Johnny Blaze y Ghost Rider,” dice Nevel� dine. “Creo que a él le encantó meterse en un alma oscura, lidiando con la adicción de este demonio que lo posee.” “Realmente lo consideramos como un papel doble – Ghost Rider no es Johnny Blaze,” afirma Taylor. “Johnny está controlado por el demonio Zarathos. Es algo completamente diferente. Así que Nick tuvo que imaginar ¿cómo es ese demonio y qué hace cuando está en el infierno? Ahora habita un cuerpo humano, ¿y eso cómo es? ¿Cómo camina? ¿Cómo se mueve?” Al volver a imaginar el persona� je para la nueva película, Cage y los directores meditaron cómo representarían al espíritu demo� níaco. “Brian y yo pensamos que sería como un faraón de la antigüedad; lo rodea un aura regia, y no es alguien con quien te puedas identificar” explica Cage. “Y también pensé en animales que pudieran servir de inspiración; tuve dos cobras como mascotas

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durante un tiempo y yo observaba cómo se movían y qué hacían cuando me daban la espalda. Si miras la parte trasera de una cobra verás un diseño que se asemeja a un ojo oculto. Empezaban a bailar y luego se giraban y de repente se lanzaban y mostraban sus colmillos. Esto se convirtió en un rasgo de Ghost Rider, esa especie de movimiento hipnótico que intenta adormecerte para atacarte seguidamente. Así, poco a poco fuimos creando una entidad que fuera totalmente diferente a todo lo que has visto anteriormente, y esperamos que asuste a la vez que entretenga a los espectadores.” Aunque en la película los espec� tadores jamás verían el rostro de Cage como Ghost Rider, el actor llegaba al plató maquillado con el diseño que él mismo creó para la calavera, y además con lentillas que oscurecieron por completo su mirada. Pero, ¿Por qué crear un maqui� llaje tan elaborado cuando la cabeza de Cage sería sustituida por una calavera incendiada me� diante animación por ordenador? Para Cage, el motivo era senci� llo: para encontrar al personaje y para ayudar a sus compañeros de reparto a poder reaccionar a él. “Para mí Ghost Rider es un ángel caído,” prosigue el actor. “Puesto que no te puedes identificar

para nada con él me resultó necesario mantener cierta distancia y representarlo con cierto temor. Cuando trabajas desde afuera para adentro, a veces resulta beneficioso creer o confiar en un personaje que espero estimule no sólo mi propia imaginación sino también la de mis compañeros de reparto – ellos saben que hay algo más en la habitación y que no es John Blaze, es un ser totalmente diferente.” Violante Placido (El americano) asegura que todos los actores es� tán acostumbrados a echar mano de su imaginación para visualizar lo que el ordenador introducirá en la pantalla…. pero nada sustituye lo real. “Se notaba la diferencia cuando Nick llevaba el maquillaje y las lentes de contacto oscuras,” asegura la actriz. “El maquillaje le da un aspecto muy diferente, parece un insecto o una serpiente con esos impenetrables ojos negros. Son dos agujeros que te hipnotizan y horrorizan a la vez.” “Al final de la película,” expli� ca Ciarán Hinds, “él llega con un rugido de su motocicleta y yo intento arrastrarme desesperadamente hacia cualquier dirección. Cuando giré y vi el extraordinario maquillaje que diseñó, su rostro se transformó como si fuera una criatura de otro mundo- ha creado algo potente con esa energía

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tan poderosa.” Idris Elba encabeza un elenco de actores europeos y estrellas en ascenso que le dieron la réplica a Cage. Elba interpreta a Moreau, “un hombre religioso que ha tomado su propio camino – un personaje solitario,” explica el actor. “Cuando lo conocemos descubrimos que está inmerso en un viaje en busca de Nadya y Danny, y lleva tiempo en ello. Ha viajado por el mundo y ha vivido en muchos y muy diferentes lugares. Cuando conocí a Mark y a Brian, hablamos que el personaje tiene que dar la sensación de haber hecho y experimentado muchas cosas. A pesar de ser monje, le gusta tomarse una copita o dos. Tiene moto y viste guay – es valiente.” El director Mark Neveldine co� menta: “Idris tiene una presencia física tremenda y su capacidad física alcanza la de las grandes estrellas de acción de los últimos 20 años. Me encanta su visión de Moreau, su energía y carisma. Su lema es “nunca digas nunca”, le

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encanta hacer sus propias escenas peligrosas y es uno de los chicos más apuestos de la industria. Un auténtico tipo duro que tiene el talento de doce actores, y por cierto es muy divertido trabajar con él.”

bigüedad a lo que ocurre tras esa mirada?” No es un superhéroe, no es un místico – es real – pero yo quería que de cuando en cuando tuviera una apariencia de un ser de otro mundo. Y les encantó la idea.”

“Primeramente, me gusta como persona – es alguien con quien disfruto hablar y como actor, es valiente,” describe Cage. “A Idris no le asusta ir a lo grande, de hecho le da una gran envergadura a su personaje de Moreau. Hay una locura que encandila en su mirada y de cuando en cuando suelta una risa alocada y maravillosa.”

“En cuanto se puso las lentillas el personaje de Moreau quedó caracterizado,” afirma Neveldine. “El poder espiritual es el que brilla a través de esa mirada. Y eso es lo que necesitábamos – es más que un monje ebrio, es un monje ebrio con una mirada poderosa, y la necesitará para enfrentarse a Ghost Rider.”

Al igual que hizo en su memora� ble papel en Thor, Elba optó por llevar lentillas especiales que aclararan el color de sus ojos. “Describieron al personaje como un hombre con luz en la mirada – lo cual interpreté yo como luz que desprendía su mirada” describe el actor. “Así que le dije a Mark y a Brian, ‘Oye, ¿por qué no le cambiamos el color de los ojos? ¿Por qué no aportarle algo de am-

Ciarán Hinds interpreta a un per� sonaje llamado Roarke, pero no nos engañemos. “No hay forma de suavizarlo, Roarke es el Diablo,” dice Ciarán Hinds, “y no está en busca de redención. Ha poseído el cuerpo de un ser humano; desafortunadamente los seres humanos, son por naturaleza, débiles y falibles, y sus cuerpos empiezan a desintegrarse. Desde que engendró un niño Diablo, tiene un plan www.cinemascomics.com


B, pero pronto se verá inmerso en una carrera contrarreloj porque no se trata únicamente de asegurar al niño en un marco de tiempo específico sino que además, según avanza el reloj, comienza a desintegrarse. Con el paso del tiempo parece que su rostro se va deslizando hasta desaparecer.” Por extraño que parezca, ésta no es la primera vez que Hinds inter� preta al Diablo. “Hace unos cuantos años, Connor McPherson, un conocido dramaturgo y director de teatro irlandés me pidió que participara en una obra [“The Seafarer”] que había escrito y dirigiría en Broadway. El personaje se llamaba Mr. Lockhart – y resultó ser el Diablo. No sé cómo pero las decisiones que tomo como actor me llevan a ser elegido como el Diablo, pero es divertido ser malvado.” “Ciarán Hinds es el chico más amable del mundo – de alma tierna – pero estoy seguro que el Diablo también es el hombre más agradable del hombre” afirma Cage. “Él ha incluido todo ese encanto en su caracterización. Además, es muy divertido.” El director Mark Neveldine asegu� ra que Hinds es “todo un profesional. Es fascinante verlo actuar y le aporta tanta vida al personaje y con tantísima facilidad.

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Siempre nos emocionaba saber que él estaría en el set. Es un actor incansable que nunca se queja y puede hacer una toma perfecta 20 veces seguidas. Al igual que Nic, es uno de los grandes actores de nuestra era.” Al describir el look de su persona� je bromea Hinds que “a pesar de lo que se dice por ahí, el Diablo no viste de Prada. El Diablo viste de Brioni. Bojana hizo un trabajo tremendo a la hora de comprender y plasmar sutilmente al personaje – se trata de un hombre que se conduce con lo que él considera dignidad y orgullo a la antigua usanza. Procura mantener intacta su apariencia, pero en realidad se está derrumbando. Su aspecto es impecable pero mientras tanto su cuerpo se está desintegrando.” La diseñadora de vestuario Bo� jana Nikitovic prosigue: “Brian y Mark marcaron la pauta acertada de no diseñar la versión típica del diablo, así que sabíamos que tenía que ser un hombre extremadamente elegante vestido con inmaculada distinción. Y Ciarán Hinds fue de gran ayuda al llevar el traje con ese porte y al conducirse como el personaje.” El vestuario es fundamental a la hora de crear el personaje de Roarke, pero Hinds también hizo

uso del maquillaje y partes pro� tésicas. “El trabajo es realmente creativo y fascinante,” asegura maravillado el actor. “Requiere algo de Zen y mucha paciencia porque es una tarea que lleva dos horas– peluquería, maquillaje, y lentillas. La mayor parte del trabajo protésico se mezcla y sella en las mejillas y en la nariz. Observaba cómo iba progresando poco a poco y al final cambiaba por completo una mitad de mi rostro.” Violante Placido interpreta el pa� pel de Nadya, quien establece un vínculo con Johnny cuando una secta secreta de la iglesia lo re� cluta para ayudar a su hijo. “Ha tenido una vida dura, viviendo en la calle, y eso la ha endurecido,” explica Placido. “Yo la imagino como una gata callejera. Sabe usar pistolas y cuchillos – y está dispuesta a matar si es necesario. Su mayor pecado es su hijo, Danny; es paradójico, porque también es su único motivo para vivir. Su misión en la película es proteger a su hijo y posiblemente redimirse y comenzar una nueva vida.” “Nadya está loca – ha engañado, robado, probablemente matado. Pero al final lo más esencial es que quiere ser madre; quiere cuidar de su hijo,” dice Neveldine. “Violante resalta esta cualidad;

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sientes que por encima de todo está su papel como madre, y eso redime al personaje.” Observa Cage: “La interpretación que hace Violante encierra un elemento de misterio trágico que encaja a la perfección con el personaje de Nadya. Ella es una gitana vagabunda que se juntó con el grupo equivocado y ahora tiene el corazón roto por este crío – a ella le preocupa el futuro del pequeño y se siente culpable. Y todo ello se refleja en su mirada. Violante es una de esas actrices que resultan tan misteriosas porque no sabes lo que está pensando; todo es muy fluido y natural.” La belleza de Nadya es misteriosa y poco convencional. “Me encantó el look que conseguimos al final para su personaje y Brian tuvo mucho que ver en todo ello,” apunta Placido. “Nos decidimos por un look oscuro estilo punk rock. Se pinta los ojos con maquillaje oscuro. Es como una especie de protección – maquillaje que hace ella misma. No es nada glamuroso y consigue dos cosas: reflejar su melancolía, e incluso

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desesperación, y simultáneamente, su fuerza interior. Es un look de gata.” “No está del todo claro si es o no Gitana pero vive su vida de esa manera,” observa la diseña� dora de vestuario Bojana Nikito� vic. “Cuando vistes a una mujer hermosa, es bueno ver sus curvas y un poco de piel desnuda pero como ésta historia transcurre en invierno el frío dificultó un poco más el proceso de encontrar el atuendo adecuado. Para proteger a Violante del clima, encontramos una chaqueta que nos gustó y luego jugamos con los colores. Sin duda queríamos color porque los demás personajes son casi monocromáticos: van de negro, gris. Tras probar varias posibilidades encontramos un rojo que nos encantó.” Johnny Whitworth encarna a Ca� rrigan – el ex novio de Nadya y un personaje que se transforma en el malévolo Blackout. “Es un psicópata y sin lugar a dudas malo” explica Whitworth. “Roarke lo contrata para localizar a Nadya para llegar al niño a través de

ella. Pero Ghost Rider ha sido contratado por los buenos para hacer exactamente lo mismo. Un hombre corriente no podría hacerle frente a Ghost Rider, así que cuando es derrotado, descubre que se ha transformado en Blackout para estar al mismo nivel sobrenatural que Ghost Rider, otra creación más del Diablo.” Whitworth había trabajado ante� riormente con Neveldine/Taylor en la película de estos, Gamer al igual que en Juegos crimina� les, escrita por Neveldine/Taylor. “Sus voces son muy diferentes pero complementarias” explica el actor. “A veces te dan pautas diferentes, pero luego te das cuenta que te están dando dos caminos para llegar al mismo destino.” “Johnny es la clase de actor con el que contábamos para uno o dos secuencias y robaba todo el protagonismo,” dice Taylor. “Así que pensamos que esta vez tendríamos que darle la oportunidad de crecerse. Es un actor impredecible, interpreta muy bien a un hombre realmente malo, un alma oscura. Creo que los fans del cowww.cinemascomics.com


esperan, supondrá la protección del chico.

dos horas y media y lleva más tiempo retirarlo que aplicarlo.”

“Es genial contar con alguien como Christopher – con un legado como el suyo – en esta película,” observa Idris Elba.

El actor Fergus Riordan, quien en aquel entonces tenía trece años, completa el reparto principal en el importante papel de Danny. “Desafortunadamente es el hijo del Diablo. Su madre pactó con el Diablo para quedarse embarazada de su hijo así que el niño huye de los buenos y también de los malos; de hecho, no está realmente seguro quién es bueno y quién malo. Al final deberá escoger entre el bien y el mal.”

Pero el concepto de Methodius de lo que hará que el mundo sea se� guro respecto al destino de Danny es sorprendentemente diferente al concepto que tiene el amigo del chico y la madre del mismo. “Es imposible decir que es bueno o malo. Sencillamente es un hombre con convicción y sigue adelante con ella” apunta Lambert.

mic verán que ha sido fiel al espíritu de Blackout y para aquellos que no lo sean será un tipo realmente alucinante.” Pero conseguir que el personaje fuera así de alucinante requirió una extensa labor de maquillaje y soluciones protésicas. “El listón estaba muy alto en el maquillaje particularmente porque teníamos que asegurarnos que Blackout y Ghost Rider, que obviamente diseñaríamos por ordenador, se percibieran como si formaran parte del mismo mundo” explica Taylor. “Creo que el resultado final fue que nuestro equipo superó con creces todas las expectativas.” Para Whitworth, completar la transición de actor guapo a crea� ción del diablo exigió cuatro ho� ras. En palabras del actor: “Fue un proceso meticuloso pero sin duda valió la pena.” Christopher Lambert interpreta al importante personaje de Metho� dius, el líder de la sofisticada sec� ta religiosa a la que Moreau se es� fuerza por llevar a Danny, Nadya y Blaze para asegurar, lo que todos www.cinemascomics.com

Pero interpretar a un hombre de fe que está preparado para eje� cutar a un niño no fue el mayor reto al que tuvo que hacer frente el actor – más bien, fue aceptar la visión que tenían los directores del aspecto de Methodius. “Cuando Mark y Brian me preguntaron si me importaría raparme la cabeza y tatuarme el rostro, me asusté. No sabía cómo me quedaría la cabeza rapada. Intenté convencerles infructuosamente de que me dejaran simular la calvicie. Al final, me fui rapando paulatinamente. Primero me lo corté muy cortito, luego más y más corto, y contra todo pronóstico, me gustó mucho. De hecho me lo dejaré crecer un poco pero lo mantendré corto porque, por un lado es muy práctico y por otro, te proporciona una sensación muy agradable. Iba a decir eso de sentir ‘el viento en tu pelo,’ pero de hecho sería más apropiado decir que es muy agradable sentir el viento en el cráneo.” Los tatuajes fueron diseñados por el maquillador de efectos espe� ciales Jason Robert Hamer y se� gún describe Lambert, “son bastante sencillos. Por suerte, no se caen los tatuajes; duermo con el maquillaje. El día antes de rodar hacemos la mitad del rostro y el cráneo y la mañana del inicio del rodaje la otra mitad. Dura unas

“Tuvimos mucha suerte de contar con Fergus,” coincide el produc� tor ejecutivo E. Bennett Walsh. “Estábamos listos para emprender una gran búsqueda a escala europea de actores de diez años. Ya habíamos escogido a los demás actores principales y pensamos que tendríamos que buscar extensamente antes de encontrar a nuestro chico. Nuestros directores de casting en Londres nos enviaron la cinta de Fergus y lo montamos en un avión. Llegó un fin de semana, leyó el guión y Mark y Brian lo eligieron en el acto.” Cage considera que Riordan es “uno de los actores más profesionales con los que he trabajado y ni siquiera había cumplido los catorce años. Es el modelo de cómo ha de comportarse uno en un plató—siempre es puntual, siempre está preparado y es muy, muy bueno. Además tiene una gran presencia, confianza, y sentido del ritmo. Ahí estaba en parajes remotos, trabajando incansablemente en el frío, a la intemperie, y jamás se quejó. Además, es adorable.”

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S E O R É H I T N A S O D I UN a Por Christian Arz

Con la oleada de superhéroes impresionantes que nos llegan, “Marvel: Los Vengadores”, “Ba� tman el caballero oscuro: La le� yenda renace” o “The amazing Spider-man” entre otros, no es de extrañar que vivamos una época dorada para estos seres de viñeta que nos inspiran para ser mejores personas. Son los héroes por ex� celencia. Tal y como decían en “El caballe� ro oscuro”, esa gran película de Christopher Notan, que pronto veremos concluir su trilogía, “O mueres como un héroe, o vives lo suficiente para verte convertido en el villano”. La realidad era que no todos los héroes tienen la esencia de héroe propiamente dicha. Algunos con peor suerte,

tienen apariencia de villano pero con un corazón igual de noble. Y es que hubo un momento en que tanto hombre o mujer guap@, ric@, marginad@, no era suficien� te para el público que pedía ex� plorar otros caminos al margen de los establecidos. Y nacieron los antihéroes. Los “no populares”. Aquellos capaces de realizar actos nobles, o heroicos pero con métodos o apariencia poco comunes. El caso más reciente que nos asal� tará las pantallas es el de Ghost Rider, o el Motorista fantasma como se le conoce también, y que estrenó su segunda entrega en las pantallas de cine el 17 de Fe� brero, y una vez más con Nicolas


Cage en el doble papel de Johnny Blaze/Ghost Rider. Una secuela que promete explotar aún más las habilidades demoníacas de este personaje maldito en vida y muerte pero capaz de realizar actos heroicos. Pero hagamos una pequeña inmersión en este perso� naje de Marvel y en otros muchos para conocer quienes son estos antihéroes, que si bien no gozan de la popularidad que tienes sus estrellas de equipo, son aclama� dos y queridos por los fans con la misma entrega.

Johnny Blaze/Ghost Rider

se quedó huérfano cuando su padre, Barton Blaze, la estrella de acro� bacias en moto, murió realizando una de sus actuaciones. Adoptado por Crash Simpson, Johnny rápi� damente siguió el camino de acro� bacias y actuaciones de su padre. Tiempo después descubrió que Simpson estaba muriéndose de una rara enfermedad sanguínea e incapaz de saber como salvarle ideó un plan. Recreó un antiguo ritual y vendió su alma inmortal por una cura milagrosa para su padre adoptivo. Pero le salió mal. Simpson murió intentando una de sus grandes acrobacias y el dia�

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blo vino a por el alma de Johnny. Roxanne, la hija de Simpson, ex� pulsó de este plano al demonio para que no pudiera llevarse el alma de Jonnhy. Sin embargo Me� phisto, al verse incapaz de atrapar el alma de Blaze, trasladó el alma ardiente del demonio Zarathos al cuerpo de Johnny, conviertién� dolo en el primer motorista fan� tasma. A partir de ese momento, dos almas compartían un mismo cuerpo. Por el día, Johnny segui� ría siendo él pero al caer la noche el espirítu de Zarathos lo conver� tiría en El motorista fantasma, usando sus poderes demoníacos para crear una motocicleta mís� tica de puro fuego infernal. Poco a poco fue controlando sus recién adquiridas habilidades, así como sus transformaciones. Sólo en ocasiones de presentir el mal, el motorista haría acto de presen� cia. Sus poderes Fuerza, veloci� dad y resistencia sobrehumanas, su famosa “Mirada de Penitencia” en la que fuerza a criminales a experimentar un nivel de dolor emocional equivalente al que han causado a los demás, su motoci� cleta mística de fuego infernal. Capacidad de proyectar llamas de gran alcance incluso a través de

armas y la capacidad para viajar entre dimensiones. Aparte de su cadena que puede transformar y variar a su antojo. Toda una se� rie de habilidades que le podían haber convertido en un “popular” de no ser por su aspecto demonía� co. Y sí, tampoco le ayuda la cara de Nicolas Cage.

Blade,

el mitad humano – mi� tad vampiro se quedó huérfano desde que nació. Su madre Tara Brooks, fue alimento para el vam� piro Deacon Frost. Al alimentarse de ella en estado de gestación, parte de las enzimas que tienen los vampiros pasaron al sistema se Blade otorgándole las habilidades propias de la especie tales como fuerza sobrehumana, la regenera� ción, la vida prolongada, el poder ver la luz del sol o poder percibir a criaturas sobrenaturales. Cuan� do era muy joven pudo presenciar como unos vampiros atacaban a un hombre que más tarde sería decisivo en su camino antivampi� ros. Jamal Afari, le instruyó en el arte de las armas con los cuchi� llos y espadas que tan bien ma� nejaría. Ya adulto, se uniría al grupo callejero Bloodshadows, el cual los dirigía otro vampiro mu� www.cinemascomics.com


cho mas viejo y astuto de los que haya conocido Blade, Lamia. Fue con él con quien perdió a su no� via de entonces, Gloria, lo cual no hizo sino acrecentar sus ganas por matar a todos los demás vampiros que existían. El camino de Bla� de estaría ligado al de Drácula, el primer vampiro, en una bata� lla que le llevaría a recorrer gran parte del mundo, y que durante esos hechos también haría acto de presencia ante otros persona� jes de la casa Marcel en las viñe� tas. En el cine, Wesley Snipes le dio vida en tres entregas durante las cuales le llevaron a enfrentar� se al mencionado Frost (Stephen Dorff), o al mismísimo Drácula (Dominic Purcell). Una adapta� ción a la gran pantalla bastante fiel a los comics.

Hellboy,

o el demonio rojo es un personaje muy querido por el público comiquero y más des� pués de la gran aportación que hizo el realizador Guillermo Del Toro con el personaje en el cine, consiguiendo filmar dos películas con vistas a completar una trilo� gía. Hellboy nació de la mano de Mike Mignola en 1994 para el se� llo Legends, que pertenece a la casa Dark Horse. Traído a la Tie� rra por los nazis en su búsqueda por lo oculto y lo paranormal, Hellboy fue rescatado cuando tan solo era un bebé por la Agencia de investigación y Defensa de lo Pa� ranormal. Reclutando así a todas las criaturas sobrenaturales de las que dispusieron, éstos acom� pañaban a Hellboy en sus inves� tigaciones y persecuciones de lo oculto. Durante sus aventuras, se enfrentaría a Rasputín el cual le revelaría su origen y propósito en la Tierra, la destrucción total, y que en su famosa mano de piedra radica la llave para abrir un por� tal que traería a nuestro mundo a una bestia de tentáculos que destruiría la Tierra. Sus pode� res no han sido del todo conoci� dos, si bien es sabido que posee fuerza sobrehumana, capacidad de regeneración, el citado puño, www.cinemascomics.com

y todas las características de un demonio, incluida su apariencia roja, con cola y cuernos (Que se los cortaría). En el cómic, uniría destinos con algunos personajes famosos de la casa DC como Bat� man, o Starman.

Lobo

es un personaje asociado en apariencia al mencionado Mo� torista Fantasma. Su origen es Czarniano, y probablemente es todo lo que un héroe no es. Na� ció en las viñetas en 1983, bajo la serie Omega Men de la casa DC. Es un “hombre”, por llamarlo de alguna marea, egoísta, déspota,

engreído, maleducado, al que le gusta la violencia en si misma, las mujeres y el heavy metal. Mató a todos los de su extirpe para poder presumir de ser el último Czarnia� no, y una vez concluida su hazaña vagar por el universo con el único propósito de divertirse. Posee una fuerza física sobrehumana, equi� parable a la que puede tener Su� per-man, a parte se súper olfato para rastrear cualquier persona o cosa a través de la galaxia, re� generación, inmortalidad y la ca� pacidad intelectual de un genio. Lo que le lleva a poner en más de un aprieto a los enemigos con los Cinemascomics │Febrero 2012 │

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que lucha. Se ha medido en bata� lla contra Lobezno en el crossover que realizaron Marcel y Dc, per� diendo la lucha con éste o contra personajes de otras editoriales como el Juez Dredd o la Máscara (Si, la de Jim Carrey). También ha servido para inspirar viñetas un poco atípicas, como por ejemplo Lobocop (parodia de Robocop), o en el que le contrata el conejo de Pascua para que elimine a Santa Claus, Especial Convención (en el que parodian las famosas conven� ciones). Pero sin duda la palma se la llevaría cuando se fusionó con Howard el Pato, creando a Lobo el pato y siendo una mezcla aún más horrorosa que cada uno por separado. Eso sí, divertido a más no poder.

John Constantine es

un perso� naje humano creado por la mente de Alan Moore para la casa de co� mics Vertigo. Apareció por prime� ra vez en 1985, en el número 37 de Swamp Thing para poco tiempo después continuar con su propia línea editorial “Hellblazer”. Este hombre está especializado en ni�

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gromancia, cualquier ritual que tenga que ver con lo oculto o lo sobrenatural, dedicando su vida a cazar cualquier criatura que es� cape del infierno. Se le unió sen� timentalmente con la hechicera Zatanna personaje asociado a DC, de la que fue compañero y más tarde pareja. Evita cualquier en� frentamiento salvo en caso de ser necesario, al no poseer ninguna característica sobrehumana. Sus hechizos y su conocimiento de lo oculto, unido a su gran habilidad para escapar y manipular son sus armas principales. Apareció tam� bién en una película protagoniza� da por Keanu Reeves que hacía de Constantine, en una historia en la que le enfrentaba al hijo de Satán y su plan de venir a este mundo. Se las veía con demonios de toda índole, y ángeles de todas las cla� ses, incluidos los caídos. Bastan� te fiel a la imagen de los comics, gabardina y pitillos incluidos, ha sido de momento la única apari� ción de él en pantalla. Hulk podríamos meterle en este pequeño listado de antihéroes por méritos propios. Y he dicho bien,

metemos a Hulk, no a su álter ego Bruce Banner. Y ahora entende� remos porqué. Nacido en las vi� ñetas de Marcel en 1962 bajo la mirada de las leyendas Stan Lee y Jack Kirby, el Gigante Esmeral� da (Como también es conocido) fue fruto de un terrible accidente que tiene lugar en el laboratorio de Banner, el cual es expuesto a una dosis elevada de rayos Gam� ma provocando que las células que tiene en el cuerpo adquieran una determinación que le harían cambiar ante estados de furia, nerviosismo, agresión o cualquier cosa que altere un estado nor� mal. Menos el amor, claro. Bruce Banner es un científico brillante, con un cociente intelectual muy superior a la media que sin em� bargo ve mermada su capacidad cuando es convertido en Hulk, un ser primitivo y con unas habilida� des sobrehumanas. Fuerza, velo� cidad, resistencia o longevidad son algunas de sus características cuando se convierte en La masa. Un ser que ha traído quebraderos de cabeza a los principales super� héroes, entre ellos los famosos

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Vengadores (que pronto estarán en el cine), o incluso al mismo Bruce pudiéndose separar en un momento de la historia para que él se pueda casar con Betty Ross, el amor de su vida. Lamentable� mente cuando ella murió, am� bos se volvieron a unir y empezó otras historias en su vida como los acontecimientos de “World War Hulk” en donde nuestro Gi� gante Esmeralda participó en una guerra en el planeta Sakaar o los hechos que le llevaron a enfren� tarse a Abominación o a Red Hulk, el cual se desvelaría su identidad secreta proporcionando gran con� moción. SPOILER ¿Queréis saber quien era? Era… FIN DE SPOILER. Buscarlo en la Red. Yo no desvelo nada que luego me crucifican. (Es broma). Hule ha tenido sin duda una larga historia, se ha enfren� tado contra héroes de DC, ha de� rivado en otros Hulk con diversos colores como el gris o el destruc� tor de mundos (uno mucho mas salvaje), ha protagonizado series de televisión como la que hizo Bill Bixby y Lou Ferrigno. Series de animación, y dos películas hasta el momento, la primera de Ang Lee protagonizada por Eric Bana en el papel de Banner y la segun� da dirigida por Louis Letterrier en www.cinemascomics.com

esta ocasión sustituido Bana por Edward Norton. Y en verano nos llegará a nuestras pantallas “Los Vengadores” donde Mark Ruffalo interpretará a Banner/Hule en su tercera aparición en pantalla. Por cierto si no habéis visto el trailer de la Superbowl, verlo, es increí� ble.

Al Simmons/Spawn es un per�

sonaje creado por Todd Mcfarlane en 1992. De nombre Al Simmons, fue un agente del gobierno un poco delictivo y sanguinario al que no le importaba matar. Un compañero suyo le traicionó, le mató y lo quemó cuando aún es� taba vivo. Fue llevado al infier� no en donde hizo un trato con Malebolgia para poder ver a su mujer, y este le convirtió en un HellSpawn, un comandante de las fuerzas infernales que prepara su batalla en el Armageddon ante los ángeles. Intentando conservar su pequeña porción de humanidad que le queda, es enviado un ser para ayudarle en su travesía de transformación. Un payaso que luego se revelaría como Violador, un engendro del infierno con in� tenciones poco amigables. Duran� te un breve periodo de tiempo, fue aprendiendo todos los pode�

res que poseía, su fuerza, su re� sistencia y las habilidades que le daba ser un Spaw, su capa y las cadenas. Spawn se ha convertido en una serie regular que dura has� ta hoy en día y en donde también ha realizado algún crossover como con Batman. Tuvo una película en 1997 donde el actor Michael Jay White, hacía las veces de Al Sim� mons/Spawn y contaba su historia desde el inicio. Hay vistas a ha� cer un reboot del personaje para acercarlo más al terror o al sus� pense que a las formas heroicas de los personajes de hoy en día. Todd declaró que le gustaría ver a Di Caprio en su nueva película. ¿Quizá su acercamiento a los co� mics? No creo que lo vea…

Frank Castle/Punisher

es un personaje de la casa Marcel aso� ciado a la violencia pura y dura. No en vano su sobrenombre es “El castigador”. Fue creado en 1974 bajo la mente de Gerry Conway y su cometido era ser el rival de Spider-man. Precisamente hizo su aparición en uno de los números de este personaje. Punisher es un vigilante salvaje y despiadado que considera matar, secuestrar, extorsionar, amenazar y torturar como tácticas aceptables de lucha Cinemascomics │Febrero 2012 │

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contra el crimen. Tras la muerte de su esposa e hijos, asesinados por la mafia, Frank emprende una guerra personal contra los criminales, usando toda clase de tácticas y armamento. Nace “El Castigador” y con él toda su ex� periencia en combate lo dedicaría a cazar criminales. No posee po� deres sobrehumanos, pero es le� tal en el combate cuerpo a cuer� po y con armas de fuego. Posee además videojuego, ha aparecido en la serie de televisión animada “Spider-man” y protagonizado tres películas, que en mi opinión, no hacen justicia al personaje. La primera de ellas protagoniza� da por Dolph Lundgren en 1989 en donde ni si quiera aparecía su mítico símbolo de la calavera. La segunda estrenada en el 2004 donde Tomas Jane cogía el tes� tigo de Castle y se enfrentaba al asesino de su familia interpreta� do por John Travolta, y la última estrenada en el 2008 donde Ray Stevenson toma el legado de los anteriores para ser El Castigador. Esta última, en mi opinión, la más cercana a la imagen de las viñetas que las anteriores, sin embargo

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no pudo disfrutar de su distribu� ción en cines, solo en DVD.

Dave Lizewski/Kick Ass,

la creación de Mark Millar también podríamos incluirla en este pe� queño reportaje. Comenzó su pu� blicación en el 2008, bajo el sello Icon Comics, perteneciente a la casa de las ideas (Marvel). Segui� mos la vida del adolescente Dave Lizewski, el cual inspirado por la pasión que siente por los comics decide convertirse en un superhé� roe, para lo cual compra un dis� fraz en Ebay y decide ponerse en forma para combatir el crimen. Al principio evidentemente, le dan una paliza tremenda que le lleva al hospital después de ser atrope� llado y apuñalado, consigue man� tener oculta su identidad lo cual le lleva a seguir en su empeño. Un día consigue salvar a un hombre y le graban con un teléfono mó� vil con la consiguiente difusión y popularidad que alcanzaría hasta llamarle “Kick Ass” (Patea.culos). Armado únicamente con unos palos, y un gran sentido del de� ber (Aparte de un traje un poco ridículo), el nuevo héroe decide

combatir a los villanos que hay en su ciudad y liberarla de la co� rrupción. En su hazaña no estará solo, y conocerá a personajes ta� les como Big Daddy (un sucedaneo de Batman), Hit Girl, niña arrolla� dora donde las haya o su futuro archienemigo Red Mist. Tuvo una trasladación a la gran pantalla en 2010, con un notable éxito de au� diencia y crítica, convirtiéndola en una gran ganadora ese año y provocando su posterior secuela, aún en proceso. Retomando a sus protagonistas claro está, Aaron Jonson (Kick ass), Nicolas Cage (Big Daddy) y Chloe Moretz (Hit Girl).

Vegeta, y este último me lo per� mito por licencia. Porque una per� sona que odia la cooperación, que siempre quiere ganar, que nunca pide ayuda y que siempre busca una manera de superarse merece un puesto en los antihéroes. De sobra es conocido que este Saiya� jin ha estado en eterna rivalidad con Son Goku desde que apareció por primera vez que el Tierra. Su lucha ha sido larga y legendaria la cual nos ha deparado momen�

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tos memorables de lucha pero también de resignación y poste� rior cooperación. Con un carác� ter chulesco, engreído, egoísta y maquiavélico, Vegeta ha sabido explotar sus cualidades para con� vertirse en lo que un héroe no se� ría. Pero es que él no quería ser� lo. Y ahí radica la grandeza. Con unas cualidades propias de los de su especie, alienígena por cierto, puede volar, gran fuerza, resis� tencia, velocidad y un talento in� nato para sacar de quicio tanto a enemigos como a futuros amigos. Acabaría siendo amigo de Goku, casándose con una de sus amigas pero jamás cambiaría de forma de ser. Ni muerto y eso que lo es� tuvo en alguna ocasión. Vegeta es un exponente de antihéroe total, pues sin querer serlo ni estar des� tinado a ello, se convirtió en uno por su corazón. Hay muchos más que estoy segu� ro que los más entendidos en la materia que yo habrán detectado

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que faltan. Y alguno igual piensa “Sacrilegio, se ha olvidado a…”, así que pido disculpas de antema� no, pero pienso que este Top 10 está muy bien. Al menos para mí, que soy el que escribo el artículo. Otros personajes como La más� cara, Jonah Hex, Dexter (el de la serie), Rorschach, o cualquie� ra de los Watchmen realmente, e incluso podría incluir a Severus Snape de la saga Potter, cualquie� ra representaría uno de estos. Lo importante que nos tenemos que preguntar es la eterna cues� tión que se hacen todos: ¿Qué es lo que hace a un héroe, ser� lo? Yo creo que este es el dilema al que se enfrentan todos. Será por mis increíbles habilidades, o mi estupendo pelo, o ese nombre tan chulo que me he puesto para provocar respeto, o quizás es el haber salvado a ese gatito que se ha quedado en el árbol y que me pide la anciana que se lo baje. Yo creo que no. Como he dicho, el

corazón es lo que nos hace hé� roes, las personas que conocemos y los actos que hacemos los que nos definen. Particularmente, soy un gran se� guidor de Super-man. Muchos ya lo saben, y los que no, pues os acabáis de enterar ahora. “Bien� venido al club” pensareis muchos, y yo os doy las Gracias, así que me voy a despedir con una frase que escuché en la gran serie Smallvi� lle, en el último capitulo donde Jor-El, por fin, le da la bendición a Clark para que este se convierta en Super-man. “Solo te pido que recuerdes una cosa, tus habilidades podrán venir de mi sangre, pero es tu tiempo en Smallville con Jonathan y Martha Kent y toda la gente de allí, lo que te hizo un héroe Kal-El”

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Estreno

La invención de Hugo 24 de febrero A lo largo de su extraordinaria carrera, el oscarizado director MARTIN SCORSESE ha hecho co� brar vida vida a su extraordinaria imaginación y su deslumbrante talento en una serie de pelícu� las inolvidables. Estas fiestas, el legendario cineasta les invita a ustedes a unirse a él en un apa� sionante viaje a un mundo mágico con su primera película en 3D, ba� sada en la célebre novela y bestseller del New York Times, “La invención de Hugo Cabret”.

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“Hugo” es la asombrosa aventura de un chico resuelto e ingenioso cuyos esfuerzos por desvelar un secreto que le ha dejado su padre trasformarán a Hugo y a todos los que le rodean, y le descubrirán un lugar tranquilo y lleno de cariño al que podrá considerar su casa. Scorsese ha reunido a un impre� sionante reparto compuesto por jóvenes talentos que trabajan junto a venerables estrellas del cine y el teatro, entre ellos BEN KINGSLEY (“El príncipe de Persia:

Las arenas del tiempo”, “Shutter Island”), SACHA BARON COHEN (“Madagascar 2”, “Borat”), ASA BUTTERFIELD (“El niño del pija� ma de rayas”, “El hombre lobo”), CHLOË GRACE MORETZ (“El diario de Greg”, “Déjame entrar”), RAY WINSTONE (“Rango”, “Indiana Jo� nes y el reino de la calavera de cristal”), EMILY MORTIMER (“Shut� ter Island”, “Lars y una chica de verdad”), HELEN McCRORY (“Ha� rry Potter y las reliquias de la muerte: Partes 1 y 2”, “Harry Pot� ter y el misterio del príncipe”), www.cinemascomics.com


CHRISTOPHER LEE (La trilogía de “El señor de los anillos”, “La Gue� rra de las Galaxias” Episodios II y III), RICHARD GRIFFITHS (“Piratas del Caribe: En mareas extrañas”, cinco películas de la saga de “Ha� rry Potter”), FRANCES de la TOUR (“Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 1”, “Alicia en el país de las maravillas”), MICHAEL STUHLBARG (“Boardwalk Empire” de HBO, “Un tipo serio”) y con JUDE LAW (“Contagio”, “Sherlock Holmes”). www.cinemascomics.com

Una película inspira a un escritor, un libro inspira a un cineasta

Criado en una zona de Nueva York conocida como “Little Italy” en los años cuarenta y cincuen� ta, Martin Scorsese descubrió de pequeño una profunda relación dentro de las salas de cine de la época, no sólo en cuanto a la ex� periencia de ver películas, sino relativa también a la cercanía con su padre, quien se sentaba

junto a él en el auditorio a os� curas, fomentando la incipiente pasión del futuro realizador por esa manifestación artística. Así, cuando la célebre novela de Brian Selznick titulada La invención de Hugo Cabret aterrizó en su escri� torio gracias al prolífico productor Graham King (quien había colabo� rado previamente con Scorsese en tres películas), al oscarizado director le pareció que la histo� ria era profundamente vibrante. Para Scorsese, “lo que resultaba conmovedor era sobre todo la Cinemascomics │Febrero 2012 │

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vulnerabilidad de un niño. Hugo vive solo en una especie de motor gigante (la estación de trenes), e intenta realizar una conexión con su padre, a quien ha perdido”. Scorsese recuerda: “Me dieron el libro hace unos cuatro años, y fue una gran experiencia... me senté y lo leí entero, de un tirón. Me identifiqué inmediatamente con la historia del muchacho, su soledad, su relación con el cine, con la maquinaria de la creatividad. Los objetos mecánicos de la película, como las cámaras, los proyectores y los autómatas, hacían posible que Hugo volviera a conectar con su padre. Y los objetos mecánicos hacen posible que el cineasta Georges Méliès vuelva a conectar con su pasado, y consigo mismo”. Scorsese, a su vez, compartió el libro con su hija pequeña, lo cual no vino sino a confirmar que la historia tenía una cualidad má� gica. “Al leerle libros a mi hija, re-experimentamos las obras. Así que fue como redescubrir de nue-

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vo la obra de arte, pero a través de los ojos de un niño”. El autor Brian Selznick recuerda la génesis de su libro: “Recuerdo haber visto un día “Viaje a la Luna”, la asombrosa película de Georges Méliès de 1902, y el cohete que se estrellaba contra el ojo de la cara de la Luna se grabó firmemente en mi imaginación. Quería escribir una historia acerca de un chico que conoce a Méliès, pero no sabía cuál podría ser la trama. Pasaron unos años. Escribí e ilustré más de 20 libros distintos. Luego, hacia 2003, llegó a mis manos un libro titulado Edison’s Eve, de Gaby Wood. Es una historia sobre autómatas, y para sorpresa mía, uno de los capítulos era sobre Méliès”. Parece que los autómatas de Mé� liès (figuras mecánicas que se mueven gracias a unos mecanis� mos internos que parecen reali� zar funciones por sí solos) fueron donados a un museo una vez que hubo fallecido el cineasta, y fue� ron almacenados en la buhardilla,

en donde acabaron siendo olvida� dos, estropeados por la lluvia y fi� nalmente, tirados a la basura. Continúa Selznick: “Al instante, me imaginé a un chico que se metía entre aquellos deshechos y encontraba una de aquellas máquinas rota. Al principio no sabía quién era aquel niño, ni siquiera sabía su nombre... Me pareció que el nombre de Hugo sonaba bastante francés. La única otra palabra francesa que se me ocurría era cabaret, y pensé que Cabret podría sonar como un auténtico nombre francés. Voilà... había nacido Hugo Cabret”. La labor de documentación reali� zada acerca de autómatas y relo� jes, de la vida de Méliès y de la Ciudad de la Luz en los años vein� te y treinta inflamaron la imagi� nación del autor, y cobró vida la historia de un muchacho que vive tras los muros de una estación de trenes de París, intercalada con las historias de los coloridos per� sonajes que le rodean. Súmese a la trama el hallazgo de un autó� www.cinemascomics.com


mata abandonado y de un cineas� ta bastante olvidado, y tendre� mos el libro bellamente ilustrado de Selznick La invención de Hugo Cabret (Una novela en palabras e imágenes). Publicada en 2007, La invención de Hugo Cabret (Una novela en palabras e imágenes) ganó el premio Caldecott Medal de 2008 (otorgado por la Associa� tion of Library Service to Children al “el libro ilustrado para niños más destacado”, y fue nombrado en 2007 mejor libro ilustrado del año por el New York Times. Llegó al número uno de la lista de los más vendidos del New York Times, y quedó finalista del Premio Na� cional de Novela de Estados Uni� dos. Dice el productor Graham King: “Mi socio Tim Headington y yo quedamos encantados con el libro de Brian Selznick. Inmediatamente, pensamos que sería una historia maravillosa para que Martin Scorsese la convirtiera en una obra cinematográfica”. El equipo recurrió a John Logan (su guionista en “El aviador”)

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para que tomara las palabras e ilustraciones de Selznick y las convirtiera en un guión. Al igual que en la mayoría de las conver� siones de libros a películas, hubo que cambiar algunas cosas. Logan comenta: “Tuve que recortar y cambiar algunos elementos del libro de Brian para hacer una película más dinámica y breve. Los dibujos fueron de gran utilidad, porque me recordaban a un storyboard. Y en efecto, eran como un mapa para que yo lo siguiera. De hecho, el guión comienza con una descripción muy similar a los primeros dibujos de Brian en el libro”. El productor opina sobre el empa� rejamiento quizás un tanto ines� perado de Scorsese y la historia de Hugo: “Todas las películas de Scorsese tienen una sensibilidad específica, y ‘Hugo’ no es diferente. La hermosa imaginería y las fantásticas interpretaciones están ahí. La principal diferencia es que la película no está hecha solamente para espectadores adultos, sino para todos los públicos”.

Para intentar reproducir la expe� riencia de moverse por el mundo de Selznick, Scorsese recurrió también a un formato cinemato� gráfico diferente. Dice: “Como espectadores, no tenemos la ventaja de la literatura, donde puedes enterarte de los pensamientos y las emociones internas de Hugo. Pero aquí, tenemos su extraordinaria cara y sus acciones, y tenemos el 3D. Había que cambiar la historia hasta cierto punto, así que prescindimos de algunos elementos del libro. Pero creo que algunas imágenes (sobre todo en 3D) abarcan tanto territorio que el libro entero vibra en ellas”. Scorsese se esforzó por rendir ho� menaje a la obra del autor con cada decisión, y comenta: “Brian Selznick y su libro fueron siempre una gran inspiración. Llevábamos copias del libro encima todo el rato. El libro tiene una estética particular, mientras que nuestra película tiene su propia estética y su propia sensación, muy diferentes de las del libro, que está en blanco y negro, para empezar.

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Intentamos buscar con ahínco una mezcla de realismo y de un mundo intensificado e imaginario”.

‘Podría ser una aventura’: La búsqueda de los personajes A la hora de buscar a los actores que encarnarían la rica gama de personajes de “Hugo”, Scorsese tomó una decisión general: “Me decidí por actores ingleses, sobre todo para ser coherente, y utilizo el artificio de que el acento ingles es el del mundo en el que viven. Aunque sea el París de 1931, es una versión intensificada de esa época y ese lugar”. Encontrar al chico que iba a inter� pretar a Hugo era probablemente lo más difícil de conseguir. Es la pieza central de la película en la mayoría de las escenas, y tiene unos 12 o 13 años. Muchos jóve� nes actores fueron llevados ante Ellen Lewis, directora de casting. Bastante al principio, Asa But� terfield hizo una prueba para el papel. Scorsese recuerda: “Leyó

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dos escenas, y me convenció inmediatamente. Antes de tomar la decisión definitiva, vi una película, ‘El chico del pijama de rayas’. Vera [Farmiga] salía con él en la película, y yo había trabajado con ella en ‘Infiltrados’. Me habló de él, y me dijo que era muy, muy bueno”. Casi de la misma manera, el joven Butterfield apenas sabía quién era Martin Scorsese, pero había oído hablar bien de él. Asa dice: “Sabía quién era, pero no había visto ninguna de sus películas, porque la mayoría son para mayores de 18 años. Mi madre me dijo que era el mejor. Cuando me dieron el papel, todos dijeron; ‘Vaya, es maravilloso. ¡Es el mejor director de la historia!’ Así que poco a poco comencé a darme cuenta de lo grande que era esto en realidad. Y es que es el mejor director. Marty nunca te dice ‘Haz esto’, en vez de eso te anima a experimentar y te dice ‘Prueba esto’. Y es un gran perfeccionista, siempre hay mínimos matices con los que puedes jugar. Ha sido

increíble”. A Butterfield le pareció sumamen� te atractivo el misterio inherente al personaje. Observa: “Nunca se sabe mucho de él. Le han pasado un montón de cosas traumáticas, su padre ha muerto, su madre ha muerto. Y termina viviendo con su tío en una estación, haciendo el trabajo de un adulto. Y entonces su tío se marcha y ya no regresa. Para cuando comienza la historia, le ha pasado todo eso, y se ha quedado solo con una figura robótica, un autómata. Así que está bastante solo hasta que conoce a Isabelle, y eso empieza a hacerle salir de su concha”. Para hacer la prueba para el pa� pel de Isabelle (la hija adoptiva de ‘Papá Georges’ y ‘Mamá Jean� ne’), la actriz norteamericana Chloë Grace Moretz se disfrazó.... en cierto modo. Scorsese recuer� da su audición: “Estaba viendo a un grupo de jóvenes actrices inglesas. Chloë llegó y habló con acento británico, y pensé que también era inglesa. En esa fase,

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estábamos empezando a leer por parejas de actores para Hugo e Isabelle, y Asa y Chloë quedaron muy bien juntos. Había otra pareja de actores, e intercambiamos las parejas, pero no quedaba bien. No sólo quedaba bien verlos juntos, sino escucharles juntos. Se seguían muy bien el uno al otro, y tienen unas personalidades muy características, muy diferentes”. Moretz también recuerda: “Me reuní con él por primera vez en Nueva York, y era la primera vez que yo ponía el pie en Nueva York desde que empecé a trabajar en esto. Así que fue una sucesión de acontecimientos geniales, porque aparezco en Nueva York por primera vez en siete años y me reúno con Martin Scorsese para este fantástico papel. Fui y me reuní con él, y estuvo realmente cálido. Me contó un montón de historias, y pensé: ‘Caramba, es un tipo realmente genial’”. Chloë también se sintió atraída por el aspecto misterioso de la www.cinemascomics.com

historia, pero en un sentido más externo. “Cuando se tiene 13 años de edad, como la que tienen los personajes, siempre hay algo que quieres descubrir. Siempre hay algo en lo que escarbas y husmeas, intentado averiguar qué es lo que pasa, o cómo funciona algo. En esta película, Hugo e Isabelle escarban y husmean en las personas”. En cuanto a que sus protagonistas adoptasen un estilo ‘de época’, el director tenía las cosas claras: no hacerlo. Explica: “No sacamos un rótulo donde ponga ‘1931’. Eso no importa, porque lo que los niños son, lo que necesitan, lo que buscan, su manera de comportarse, es contemporáneo, es universal, y por lo tanto, no importa en qué época se desarrolle la película. Y los niños simplemente se comportan como niños”. Para el papel clave de Georges Méliès, ‘Papá Georges,’ el direc� tor y productor no tuvo que irse a buscar muy lejos. Dice Scorse� se: “Llevo muchos años querien-

do trabajar con Ben Kingsley, y al final he hecho dos películas, “Shutter island” (tuvimos una relación de trabajo realmente buena en esa película) y ahora ésta. Es un actor verdaderamente extraordinario, realmente uno de los grandes, lo cual no hace falta que yo lo diga, solamente hay que echarle un vistazo al conjunto de su carrera: su registro, su versatilidad. En cualquier caso, siempre que mirábamos la imagen de Georges Méliès, no me cabía ninguna duda de que sería perfecto para Ben”. La imagen, sí, pero lo que más le importaba a Kingsley era la carna� lidad de este hombre en decaden� cia. Scorsese se quedó impresio� nado por la exigente técnica del actor: “Ben elaboró una manera de moverse que daba una sensación de derrota... una impresión derrotada de su cuerpo, una postura derrotada. Y eso después de que ese hombre hubiera estado muy vivo, haciendo más de 500 películas, tres películas a la semana, haciendo espectáculos de Cinemascomics │Febrero 2012 │

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magia por las noches, y teniendo que rodar durante el día. Creó una forma de expresión artística completamente nueva y, de repente, pierde todo su dinero, tiene que quemarlo todo y termina sentado tras el mostrador de una tienda de juguetes en una zona muy tranquila de la estación de Montparnasse”. En la labor de documentación que realizó Kingsley, encontró en Méliès muchas cosas admirables desde el punto de vista personal, más allá del talento visionario del hombre para el cine. Cuenta el actor: “Georges tiene la seguridad y el carisma de un gran mago.

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Tenía que ser muy preciso en la ejecución de sus trucos (serrar a gente por la mitad, levitaciones, desapariciones, esa clase de cosas) y su juego de manos. Su precisión se contagiaba a sus actores y su equipo técnico. Dado que hizo cientos de películas, tuvieron que ser ciertamente muy disciplinados. Dirigía con firmeza, pero he oído decir que también con mucho cariño. Rara vez perdía los nervios o levantaba la voz, si es que lo hizo alguna vez. Tenía una forma amable de recordarle a la gente lo que habían olvidado hacer, recordándoles lo que les hubiera dicho antes. Tuvo que ser un gran hombre”.

Igual que su personaje pasa de la magia al cine, a Kingsley le pa� rece una evolución natural la in� cursión de Martin Scorsese en el 3D. “Supongo que será parecido a un artista que pasa de pintar refinados retratos a pintar paisajes. Hay un cambio en la forma en la que mueve sus pinceles, pero es el mismo pincel y es el mismo lienzo”. Una presencia amenazadora en la estación y una constante amena� za a la manera independiente de vivir de Hugo es el inspector de la estación, un papel ligeramente modificado respecto del de la no� www.cinemascomics.com


vela. Dice Scorsese: “Le preguntamos a Brian Selznick si podíamos cambiar un poco este papel , porque no quería que fuera simplemente una figura que da miedo, básicamente un villano que solamente amenaza con atrapar al muchacho. Quería que tuviera un poco más de sabor, que hubiera en él más niveles, así que pensé que trabajando con Sacha Baron Cohen encontraríamos eso”. Baron Cohen describe su enfoque del personaje: “Naturalmente, en cualquier estación de trenes es peligroso que los niños anden corriendo por ahí. Y en los años veinte y treinta, con las condiciones laborales que había y todo www.cinemascomics.com

eso, si hubiera niños sin hogar por ahí, sin ninguna vigilancia, representarían un peligro para los pasajeros y para los propios niños. Y para eso estoy yo, el inspector de la estación. Es un tipo asombroso que le resulta completamente repulsivo y horrible a los niños, pero que, sin embargo, tiene una faceta diferente. Tiene una faceta más amable. Probablemente también estuvo en un orfanato, y además es un mutilado de guerra. Está físicamente limitado por un añadido metálico en su pierna, lo que suponemos debe ser consecuencia de una herida de guerra, pero lo más probable es que se lo hiciera él solo, por accidente”. Sin darse cuenta, el actor había comenzado ya su propia labor de documentación sobre el estilo fí� sico de comedia de la época. “En Inglaterra, Harold Lloyd salía prácticamente todos los días en la televisión después del colegio, así que nos criamos viéndole. En aquella época no me parecía tan gracioso, pero en ‘Hugo’ hay referencias a esas películas, sobre todo de ‘El hombre mosca’, en la que trepa por un edificio, y hace una escena increíble y se queda colgado de un reloj que se cae para atrás. Hacemos una referencia directa a eso. Así que Martin quiso que yo le echara una vistazo a los cómicos del cine mudo, lo cual resultó muy interesante. Hacían cosas brillantes, gente como Keaton y Chaplin. Sí, descubrí a un completo desconocido llamado Charles Chaplin, creo, y su trabajo es muy interesante y ciertamente vale la pena echarle un vistazo”. A Scorsese se le ocurrió otra for� ma de añadirle facetas al ‘malo’ de la obra. Baron Cohen explica: “Cuando Marty y yo nos reunimos al principio, hablamos sobre la manera de hacer que el villano no pareciese el villano arquetípico, y Marty tuvo la idea de meterle algo de romance. Y fue delicioso contar con Emily Mortimer,

que es maravillosa como actriz y como mujer, para interpretar a mi enamorada, para que hubiera un poco de amor. Y es que el inspector es un hombre francamente horrible. Es un hombre desagradable, pero en el fondo es un buen tipo. Sólo que... muy en el fondo”. Scorsese afirma: “Emily es una de las mejores actrices que hay, tiene un gran sentido del humor, y fue una gran idea elegirla para interpretar a la mujer de quien se enamora Sacha, que para él supuso algo extraordinario”. El inspector de la estación no es la única amenaza para Hugo. De hecho, es llevado a vivir a la es� tación por su tío Claude, un patán vocinglero, quien pronto se des� entiende de su deber de mante� ner al muchacho. Dice el director y productor: “Trabajé con Ray Winstone en “Infiltrados”, y fue una gran experiencia. Ray tiene una forma pasiva de amenazar, no hace falta que participe en el diálogo ni en nada físico, aún así se puede sentir algo sombrío que acecha dentro de ese personaje. Pensé que le aportaría esa gravedad amenazadora a Claude, el tío de Hugo”. Quizás aún más que interpretar ese papel, a Winstone le encan� tó la experiencia de trabajar con Scorsese en 3D. Dice Ray: “Para mí, lo mejor durante el rodaje realmente fue ver trabajar a Scorsese, porque era como si estuviera volviendo a apasionarse de nuevo por hacer películas. Verle con el 3D, con algo con lo que no había trabajado antes, era como verle con un juguete nuevo. Y esa sensación era palpable, y al final se contagió al reparto y al equipo técnico”. Para el papel clave del padre de Hugo, Scorsese tenía que encon� trar a un actor que pudiera en� carnar toda la calidez y la bon� Cinemascomics │Febrero 2012 │

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dad que había experimentado el muchacho (hasta ese punto de su vida) en unas pocas y cortas es� cenas. “Había trabajado ya una vez con Jude Law , cuando interpretó a Errol Flynn en ‘El aviador’. También le vi en teatro interpretando a Hamlet, y estuvo realmente fantástico. Es extraordinario. Tiene la autoridad y el encanto necesarios para este papel, y me encantaría poder trabajar con él en algún proyecto más largo”, afirma Scorsese. Law opina: “Había leído ya el libro porque se lo había leído a mis

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hijos. Así que fui y lo volví a leer, y hablé de él con mis hijos y les pregunté cuáles eran sus impresiones acerca del padre. Incluso hablé con un relojero y estuve mirando autómatas, así que tenía algunas nociones de cómo abordar las cosas, y si se referían a herramientas, ya sabría lo que eran. Pero por otra parte, para mí se trataba simplemente de crear un capítulo muy cálido y sentido en la vida de Hugo, sabiendo que la mayor parte de la historia le sitúa en un mundo bastante frío. Quería asegurarme de que se notase que había sido querido. Pensé que era muy importante intro-

ducir en él mis experiencias como padre”. Para el papel de Monsieur Labisse, el encargado de una librería de la estación, Scorsese tuvo finalmen� te la ocasión de trabajar con un actor realmente legendario. Afir� ma: “En esta película pude trabajar por fin con Christopher Lee, que es uno de mis actores favoritos desde hace 50 o 60 años”. Lee, de 89 años de edad, recuer� da haber viajado a Francia en 1931: “Recuerdo muy bien todas aquellas tiendas, cafés y restaurantes. Así que para mí, en cierto sentido es como volver al pasado. Mi personaje es una especie de ángel de la guarda, y ayudo a que el mundo se abra para estos niños mediante la literatura”. Lee estaba encantado de poder incluir por fin a Martin Scorsese en su lista: “No es por adular a Martin, pero le dije: ‘Probablemente tengo más títulos de crédito que ningún otro actor vivo, o eso me han dicho. Pero siempre me ha parecido que mi carrera no estaría completa del todo a menos que hiciese una película contigo, porque he trabajado con John Huston, Orson Welles, Raoul Walsh, Steven Spielberg, Tim Burton, Peter Jackson y muchos, muchísimos más, pero nunca contigo’. Ahora aparece esta historia, y obviamente hay algo para mí. ¡Por fin!” Scorsese le dio a Helen McCrory el papel crucial de Madame Jeanne, el apoyo y la protección del ancia� no Méliès, y que al mismo tiempo era su musa. Explica Scorsese: “Había visto a Helen en ‘La reina’ como la esposa de Blair, y en la serie de la televisión británica ‘Anna Karenina’, y estaba excelente. Nos reunimos, hablamos, y me pareció que sería perfecta para el papel. Es una situación compleja: Madame Jeanne, quien mantiene a su marido, ha trabajado con él durante años y quiere www.cinemascomics.com


que supere la amargura causada por las grandes desilusiones de su vida. Estuvo maravillosa, metiendo diferentes niveles, matices y colores en su interpretación”. El papel clave de Rene Tabard, el erudito del cine que, gracias a Hugo e Isabelle, redescubre a Méliès y organiza una gala en su honor en la Academia France� sa del Cine, fue para el versátil actor de cine y teatro Michael Stuhlbarg. Scorsese estuvo encan� tado de volver a reunirse con él. “Es la tercera vez que Michael y yo trabajamos juntos. Apareció en el anuncio de la campaña del cava Freixenet que filmé como homenaje a Alfred Hitchcock, y también interpreta un papel protagonista en la serie ‘Boardwalk Empire’. El registro de Michael como actor es asombroso. Puede pasar sin esfuerzo del drama a la comedia, de una película contemporánea a una película de época. Está igualmente brillante en el papel de un cruel y endurecido jefe de la mafia en ‘Boardwalk Empire’, o en ‘Hugo’, como www.cinemascomics.com

un amable y humilde historiador que idolatra a George Méliès y se vuelve loco con su películas. Fue un gran placer volver a trabajar con Michael”. Gran parte del ‘color local’ de la estación lo aporta la gente que depende del tránsito de perso� nas por el vestíbulo de la esta� ción para ganarse la vida, entre ellos la vendedora de flores, Li� sette (Mortimer), el vendedor de libros, Labisse (Lee), el caballero que atiende el quiosco de prensa, Monsieur Frick, y su vecina, que regenta el café, Madame Emilie. Para los papeles de esa ligera� mente excéntrica pareja (poten� cial), Scorsese recurrió a dos de los mejores actores británicos de carácter, Richard Griffiths (“uno de los mejores actores actuales”, según Scorsese ) y Frances de la Tour (“siempre he sido un gran admirador suyo”, añade). El director opina: “Los personajes que metió John Logan en ese pequeño mundo de la estación, en nuestra impresión del París

de esa época, yo los llamo las ‘viñetas’, y viven en ese mundo. Trabajan ahí todos los días. Todos esos personajes están pensados para aparecer de vez en cuando en la película, con todos intentando conectar entre ellos, de la misma forma que Hugo intenta conectar con su pasado”. Scorsese abordó las viñetas con un toque ligero, y las filmó casi como una película muda. Los per� sonajes entran y salen del plano silenciosamente, casi sin pala� bras, mientras se relacionan unos con otros. Sólo con verles, surgen perspectivas que intensifican el ambiente y la sensación que pro� duce la estación. Para el amenazador perro del ins� pector, Maximilian, se trajeron tres doberman adiestrados (se utilizó a Blackie en la mayoría de las escenas, con Enzo y Borsalino sustituyéndole de vez en cuan� do). La adiestradora Mathilde de Cagny supervisó también el uso de dos dachshunds de pelo largo (que aparecen en la historia de Cinemascomics │Febrero 2012 │

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Frick y Emilie), un gato (encara� mado siempre sobre una pila de libros en la librería de Labisse) y varias palomas (¿qué sería del reloj de una torre sin palomas?). La propia De Cagny estaba por lo general disfrazada y metida entre la multitud, lo bastante cerca de la acción como para ‘dirigir’ a los animales, pero no lo bastante a la vista como para llamar la aten� ción y estropear el plano. Cuan� do no había ninguna multitud, la vestían con un traje de ‘pantalla verde’, para luego quitarla fácil� mente en post-producción. Para el papel de un personaje muy especial (que es crucial para la trama y su desarrollo), los rea� lizadores recurrieron al maestro de utilería David Balfour, quien trabajó con el diseñador de atrez� zo y ‘solucionador de problemas’ Dick George, creador del autóma� ta de Hugo. Dick George explica: “Es un personaje en sí mismo, así que en cierto modo es como construir un pequeño ser humano”. Se cons�

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truyeron un total de 15 autómatas para el rodaje, para realizar mo� vimientos concretos o para servir para objetivos diferentes dentro del guión. Continúa George: “La ventaja que tenemos al fabricar esta pieza es que tenemos todas las técnicas modernas a nuestra disposición, las cuales no tenían los relojeros antiguos. Sin embargo, tenían una gran experiencia y conocimientos sobre los mecanismos de relojería. Los primeros autómatas se impulsaban mediante un sistema de levas, y la información se programaba letra a letra, de manera que la cantidad de información que se podía escribir o diseñar era muy limitada. En nuestro caso, dado que se trata de un programa informático, se puede diseñar cualquier cosa”. Respecto de su taciturno compa� ñero de reparto, Asa Butterfield dice: “Es realmente extraño. Es que parece como si fuera otro actor. Cuando me enteré de que iba a trabajar con un robot durante parte de esta película, pensé que

se parecería al Hombre de Hojalata de ‘El mago de Oz’, pero es bastante humano”. Ben Kingsley observa: “El autómata cobró una vida propia. Era conmovedor y muy bonito ver a ese personajillo girar la cabeza, meter una pluma en un tintero y dibujar la cara de la Luna, cosa que vi hacer con mis propios ojos. Había una escena en la que Hugo se acerca a Georges mientras lleva al autómata en brazos, lo que es en realidad un niño sosteniendo a otro niño perdido. Luego yo tomo al muñeco en mis brazos, y nos vamos andando, y entonces son realmente tres niños que se alejan andando”.

‘VIENDO SUEÑOS A PLENA LUZ DEL DÍA’: LA BÚSQUEDA DEL AUTÉNTICO MÉLIÈS “Por supuesto, tengo unos DVDs de las películas de Méliès, y hay una imagen de Méliès en la porwww.cinemascomics.com


tada”, dice Scorsese. “Un día en el plató, pasaron por allí dos chicos de la película, de unos 12 años de edad. Uno vio la portada del DVD y dijo: ‘¡Oh, ése es Ben (Kingsley)’, y le contesté: ‘No, en realidad es Méliès’. ‘¿Quieres decir que existió, que es real?’ Y yo dije: ‘Pues claro’”. Georges Méliès no fue el prime� ro en hacer películas, ese honor pertenece a dos hermanos, Louis y Auguste Lumière, quienes in� ventaron las ‘imágenes en movi� miento’ en 1895 y llegaron a ha� cer cientos de películas, la mayor parte documentando sucesos de la ‘vida real’ (por ejemplo, una de las primeras suyas, “La lle� gada del tren a La Ciotat”, hizo saltar literalmente a los especta� dores de sus asientos al ver a una enorme locomotora acercándose a toda velocidad a lo largo del plano). Cuenta la historia que los hermanos, sin embargo, pensaban que este nuevo pasatiempo sería literalmente una moda pasajera. Pero Georges Méliès pensaba de otra manera. Desmarcándose del negocio familiar de la fabricación de zapatos, Méliès vendió la fábri� ca e invirtió el dinero en financiar los comienzos de su nueva pro� fesión: mago. Adquirió un teatro (cuyo propietario anterior era su mentor, Jean-Eugène Robert-Hou� din, el mago que inspiró al joven Ehrich Weiss a cambiar su nombre por el de Harry Houdini) y comen� zó a actuar. Vio su primera película cuando te� nía 34 años, y para él esta nueva manifestación artística prometía grandes cosas... para la magia. Construyó sus propias cámaras y proyectores, con la ayuda de R.W. Paul, a menudo volviendo a mon� tar las piezas de una colección de autómatas que le había dejado Robert-Houdin. Sus primeras pe� lículas recreaban sus actuaciones sobre el escenario. Sin embargo, pronto empezó a experimentar con técnicas de narración y mon� www.cinemascomics.com

taje, dando origen a algunos de los primeros ‘efectos especiales’ del cine, entre ellos la técnica del stop-motion, la fotografía de larga exposición, múltiples expo� siciones y disoluciones, y colores pintados a mano. Posteriormente, vendió su teatro y construyó un estudio, con un escenario entera� mente de cristal (para aprovechar mejor toda la luz disponible) en su centro. “Lo fantástico de Méliès”, apun� ta Scorsese, “es que investigó e inventó casi todo lo que estamos haciendo ahora. Tiene línea directa, y continua, pasando por todas

las películas de ciencia-ficción y fantasía de los años treinta, cuarenta y cincuenta, hasta llegar a los trabajos de Harryhausen, Spielberg, Lucas, James Cameron. Todo está ahí. Méliès hizo lo que nosotros hacemos con ordenadores, pantallas verdes y efectos digitales, sólo que él lo hizo con una cámara en su estudio”. Su ‘obra maestra’, “Le voyage dans la lune” (“Viaje a la Luna”), de 14 minutos de duración, se fil� mó en 1902. A continuación escri� bió, dirigió, protagonizó, produ� jo y diseñó más de 500 películas hasta el año 1914, con temas que Cinemascomics │Febrero 2012 │

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iban desde la ‘realidad’ (recrea� ción de hechos reales) a la cien� cia-ficción y la fantasía (desde “El reino de las hadas” hasta “El viaje imposible”), con una duración que oscilaba entre uno y 40 minutos. Méliès es considerado a menudo el padre de la narrativa cinema� tográfica, y muchos le atribuyen el nacimiento de los géneros de fantasía, ciencia-ficción y terror. A causa de un desafortunado in� cidente con Thomas Alva Edison (quien adquirió una copia de la película de Méliès de 1896 ‘La maison du Diable’, la duplicó y la exhibió con gran éxito en los Esta� dos Unidos... sin darle nada de los beneficios a Méliès), el cineasta comenzó a rodar simultáneamen� te dos copias, una para exhibirla en Europa y otra para los Estados Unidos. Recientemente, un his� toriador del cine combinó ambas copias de “Le manoir du diable” y descubrió que la imagen resultan� te era un precursor rudimentario del cine en 3D. Los posteriores progresos del arte

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cinematográfico hicieron que Mé� liès se quedara atrás, y al estallar la Primera Guerra Mundial, vio como se esfumaba su atractivo. Al final abandonó su estudio, quemó sus platós y vestuarios, y vendió las copias de sus películas para que las fundieran y las usaran en productos químicos. Para ganarse la vida para él, su segunda esposa y su nieta, Mé� liès trabajó siete días a la sema� na en una pastelería y juguetería de la Gare Montparnasse, una de las principales estaciones de Pa� rís, durante los años veinte. Cayó prácticamente en el olvido has� ta que los surrealistas franceses ‘descubrieron’ su obra, identifi� cándose con sus visiones oníricas. Ese renovado interés fue la causa de que se organizara una gala en París, con Méliès como protago� nista, proyectándose muchas de sus obras. Incluso estaba traba� jando en una nueva película, “Los fantasmas del Metro”, cuando murió en 1938. Scorsese subraya: “Cuando leí el

libro por primera vez, no me di cuenta de que el anciano de la tienda de juguetes iba a resultar ser Georges Méliès. Es una historia real. Estaba arruinado, y acabó trabajando durante 16 años en una juguetería de la Gare Montparnasse”. Ben Kingsley explica: “La ficcionalización es escasa en nuestra película. Muchos creían que Georges murió más o menos en la época de la Primera Guerra Mundial, pero en realidad se había aislado en su tienda. Eso ha sido recreado maravillosamente a partir de fotografías y de gente cercana a él. El guiño de la historia es delicado y encantador”.

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LA INVENCIÓN DE

SCORSESE Por María Laura Gutiérrez

Once nominaciones a los Oscar por “La invención de Hugo” confirman a Scorsese como el gran favorito del año por la Academia de las artes y ciencias cinematográficas más importante del séptimo arte: la hollywoodiense. Sin embargo, es un dato evidente que sus mejores obras jamás despertaron la admiración de tan selecta academia, más acostumbrada a premiar a cineastas aficionados al toque sentimentalista y moralista. Ahora, casi medio siglo después de que el maestro de la narración debutase con el irreverente filme “¿Quién llama a mi puerta?”, el cineasta podría hacerse la misma pregunta añadiendo un “... tan tarde?”. Y es que el poseedor de las cejas más emblemáticas de toda la industria cinematográfica lleva toda una vida dedicado a idear y crear las más perfectas y subversivas obras. ¿Quieren pruebas? Sigan leyendo.

OSCAR & MARTY Es cierto que no es la primera vez que Scorsese opta a la dorada es� tatuilla, y también es cierto que Martin Scorsese hace ya tiempo que es un muy merecido poseedor de tan célebre galardón. En 2006 la Academia ponía fin a uno de los mayores sin sentidos de la historia cinematográfica: el insultante he� cho de que Scorsese hubiera per� dido el Oscar hasta cinco veces en la categoría de “Mejor director”, muchas veces incluso frente a ac� tores convertidos en directores (Robert Redford, Kevin Costner), explotadores de la lagrima fácil (Barry Levinson, Clint Eastwood) y fugitivos de la Ley (Roman Po� lanski, gran amigo, por cierto, de Jack Nicholson). Por todo ello, y para rendir el tributo merecido, en el mencionado año 2006 tres titanes de la dirección (Francis Ford Coppola, George Lucas y el -hasta ahora- director favorito de la Academia, Steven Spielberg) fueron los encargados de hacer entrega del Oscar a Scorsese por “Infiltrados”. Sí, puede que esta www.cinemascomics.com

no fuera su mejor película, y ni mucho menos la más original (era un remake de una cinta orien� tal), pero la campaña en pro de Scorsese difundida por Leonardo DiCaprio hizo enrojecer a toda una Academia, ridiculizada por el actor por no haber hecho nunca entrega del Oscar a su mentor y admirado amigo Scorsese, por lo que el Oscar resultó ser más justo que merecido, algo que pareció expresar Scorsese en el momento en el que oyó su nombre, alzan� do los brazos en claro gesto de “¡Triunfo! ¡Ya era hora!”. Lo que ocurra este año parece un misterio, aunque “La invención de Hugo”, más cercana a la fórmula de introducir niños de inocentes miradas (patentada por Spiel� berg) que al estilo descarnado y provocador de Scorsese, parece situarse como una de las grandes triunfadoras. Y lo cierto es que Scorsese, sin tener que competir con Spielberg, presentaría tam� bién cierta ventaja en la catego� ría de mejor director, si no fuera porque otro estrambótico genio opta también a la estatuilla: el

singular Woody Allen, que nos perdió a medianoche en el París más bohemio, poético y delirante que jamás podamos soñar, en una cinta que no sólo ha sido la mejor del año para Quentin Tarantino, sino que con su nominación al Os� car por su extraordinario, fresco y woodyalleniano guión, se convier� te en el único ganador posible. Pero eso es, hasta que tenga lugar la 84 ceremonia de los Oscar, un misterio.

DeNIRO Y SCORSESE, DOS TIPOS DE NEW YOK Lo que New York ha unido, que no lo separé el espectador. Scorse� se siempre ha encontrado cierta fascinación obsesiva por la vida italoamericana que transcurría en las calles menos glamourosas de la ciudad de los rascacielos, y por esas “Malas calles” se ha hecho acompañar siempre de un compa� ñero de excepción: el formidable, extraordinario y fantástico Robert DeNiro, ese animal de la actua� ción, salvajemente visceral, fa� buloso, sensacional y magnífico, Cinemascomics │Febrero 2012 │

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En la imagen una jovencisima Jodie Foster junto a Robert de Niro en “Taxi Driver” 1976.

que hace suyo cualquier papel, dejando que el rol que interpreta invada cada uno de los poros de su piel, cediendo su mirada a los complejos sentimientos que sus personajes en la ficción transmi� ten y, sobre todo, sobrecogiendo al espectador en cada uno de los géneros en los que se deja ver (que son todos). Actor y director han encontrado en su unión la complicidad nece� saria para poder dejarse llevar por la intensidad y pasión desmedida que caracterizan todas las pelícu� las que han filmado en conjunto. Y es que el tándem Scorsese-De� Niro ha sido una de las uniones más gloriosas de la historia del séptimo arte. Sin ellos, el cine, simplemente, sería mucho más aburrido, carecería de nervio. Juntos deslumbraron, provocaron y sorprendieron a todo el plane�

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ta con la subversiva y descarada “Taxi Driver” (1976). Scorsese se situaba detrás (y delante) de las cámaras con la rebeldía propia de quien no teme arriesgarse a rom� per las reglas establecidas: planos de cámara inusuales, retrato so� cial sin censuras y un único per� sonaje como elemento principal: el políticamente incorrecto Travis (Robert DeNiro), un ser elevado a la categoría de mito que sirvió para demostrar que Scorsese, a diferencia de otros directores, no busca más complacencia que la suya a la hora de decidirse por una historia, sin importarle ofen� der o escandalizar a la crítica más conservadora. Sin embargo, DeNiro y Scorse� se han compartido algo más que un taxi: juntos han dado sentido a expresiones como “New York, New York”, y pese a adentrar� nos en el mismísimo “El cabo del

miedo” (1991), se han convertido en “Uno de los nuestros” (1990), irrumpiendo en el mundo del ce� luloide como un “Toro salvaje” (1980). Scorsese, el “El rey de la comedia” (1983), del terror y has� ta de los documentales musica� les, es siempre una apuesta segu� ra en cualquier “Casino” (1995), porque nadie apuesta (y gana) tan alto como el maestro Marty, y, por supuesto, nadie ha sabido sacar el talento más salvaje de DeNiro como él.

KUNDUN Y OTRAS HISTORIAS Con el fin de los noventa, una transgresora forma de hacer cine desapareció, ya que el nuevo mi� lenio carece en su mayor parte de originalidad y descaro. Tres años antes de entrar en el nuevo siglo llegó “Kundun” (1997), una pelí� cula transcendentalmente místi� ca y reflexiva que hacía acto de www.cinemascomics.com


presencia en la filmografía de Scorsese para marcar un antes y después en la ilustre, perfecta y arriesgada filmografía del cineas� ta. Pero antes de llegar al punto y kundun de la carrera de un maes� tro de la narración, cabe desta� car que durante veinticinco años Scorsese ha destacado por ilustrar las distintas caras de la mafia. Sí, la mafia es esa gran familia en la que nadie lamenta las pérdidas o pregunta el porqué de deter� minadas cuestiones: así es cómo Scorsese ve las relaciones entre los miembros del crimen organi� zado, siempre leales a unas reglas impuestas en beneficio del bien común. Los gánsters que el direc� tor se ha empeñado en retratar son siempre hombres carentes de escrúpulos y con ciertas creencias cristianas, que deambulan por los barrios más inmorales con un único objetivo: sobrevivir a cual� quier precio. El director nos ha adentrado en

las vidas de los llamados mafiosos o gánsters, unos tipos a los que Scorsese se esfuerza en dotar de cierta inseguridad y desconfian� za innata que les lleva a buscar siempre la aprobación y protec� ción de un superior jerárquico. Incapaces de distinguir el bien del mal, los gánsters con los que nos encontramos en “Casino”, “Uno de los nuestros” o “Gangs of New York” responden a una manera de ser impuesta por las circuns� tancias que les rodean: son ellos o los demás. De esta manera, po� dría parecer que Scorsese inten� ta justificar de alguna manera la actuación de sus personajes, pero si nos fijamos bien vemos que tan sólo nos muestra las debilidades que les atormentan y que les lle� van a actuar tal y como lo hacen, sintiendo, en la mayoría de las veces, cierta pena por unos delin� cuentes carentes de moral. Aunque, sin duda, el gran gáns� ter ideado por Scorsese hasta la fecha es “Bill, el carnicero”, un

ser tan frío y calculador como de� mente y racional. La interpreta� ción llevada a escena por Daniel Day-Lewis es toda una muestra de talento y soberbia interpretativa, que sirve para reunir a actor y di� rector tras casi una década de ha� ber coincidido en “La edad de la inocencia”, un filme quizá dema� siado pomposo y pretencioso para un cineasta más acostumbrado a filmar las malas calles. Sin embargo, “Gangs of New York” (2002) también sirvió para que una de las más consolidadas y felices parejas de Hollywood entrelazara sus destinos. Como si de la Señora Robinson y el joven Ben Braddock se tratase, Scorse� se sedujo a la por aquellos en� tonces díscola estrella Leonardo DiCaprio, tras varias broncas por llegar tarde a los rodajes. DiCa� prio, atraído inicialmente hacia el proyecto por la posible interven� ción de DeNiro en el filme, cedía todo su talento a las órdenes del cineasta.

En la imagen Scorsese da instrucciones a Leonardo DiCaprio durante el rodaje de “Shutter Island” 2010. www.cinemascomics.com

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Scorsese durante el rodaje de “La invención de Hugo” 2011.

DiCaprio no pudo resistirse al le� gendario cineasta, ya que era uno de los pocos directores que le hacían sentir como un actor con talento y no como un elemento a explotar. Por todo ello, apren� diz y maestro emprendieron una de las más interesantes colabora� ciones cinematográficas, ideadas para que el joven pupilo pudiera demostrar todas sus dotes inter� pretativas, algo que hizo sobra� damente en cintas como “El aviador” (2004), “Infiltrados”(2006), y, muy especialmente en “Shutter Island”(2010), donde Scorse� se nos pierde en la más adictiva y demencial paranoia brindada por DiCaprio, quien volverá a ponerse a las órdenes de Scorsese en “Si-

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natra”. Aunque antes de dirigir a “La voz”, el genial director será fiel a la ya célebre tradición de reunirse cada diez años con DayLewis, a quien dirigirá en “Silence”.

A SU MANERA “¡Jo, qué noche!” (1985), “El color del dinero” (1986) y “Alicia ya no vive aquí”(1974), son otras de las películas de obligado visio� nado cinéfilo por parte de cual� quier amante del buen cine. Es cierto que ninguna puede supe� rar “El cabo del miedo”, “Shutter Island”, “Casino”, y ni mucho menos la colosal “Taxi Driver”, pero todas cuentan con un toque maestro, casi artesanal y lleno de

pasión difícilmente inigualable en la actualidad. Y todas ellas com� parten un estilo propio de hacer cine, el de Scorsese. Reconocido obseso de las pelí� culas, y aficionado a crear obras maestras, uno de los cinco mejo� res directores de todos los tiem� pos firma todos sus trabajos con un toque personal e intransferible que hace que sea fácil identificar� le detrás de las cámaras. El estilo empleado por el director es pre� cisamente la falta de todo estilo: éste se deja llevar por la intensi� dad de la narración y juega con total libertad con la cámara. La narración es siempre intimis� ta, reflexiva, acercándonos a los pequeños detalles y en tercera www.cinemascomics.com


persona, ya que el espectador siempre se sitúa al lado de los protagonistas, juzgando cada ac� ción que estos perpetran. Aunque sin duda el rasgo más identifica� tivo del cineasta es el arquetipo de personajes que crea para goce del público. Los protagonistas, en su mayoría hombres, expresan a quemarropa todas sus emocio� nes, siempre anhelantes de una figura paterna, consumidos por el trabajo e influenciados por las mujeres. Aunque éstas se sitúan siempre en un segundo plano de la historia y normalmente inde� fensas, son siempre el elemento indiscutible de inspiración y mo� tivación de los protagonistas, que encuentran en ellas su única de� bilidad, una debilidad que nadie como Scorsese ha sabido retratar con tanto desgarro. www.cinemascomics.com

MARTIN MARCANTONIO LUCIANO SCORSESE: LA ÚLTIMA TENTACIÓN Religión, mafia, ilustres magna� tes, músicos, y la sociedad más insurrecta y ostentosa han sido algunos de los personajes a desdi� bujar por Scorsese, que sin límite alguno ha ofrecido su peculiar vi� sión sobre tan siempre polémicos iconos de nuestra realidad. Que tire la primera piedra en con� tra de Scorsese aquél que haya encontrado el valor de tentar al mismísimo Mesías en “La última tentación de Cristo”(1988), de describir con brutal sinceridad los ensangrentados cimientos que dieron origen a dos de las ciuda� des más mágicas del celuloide, New York (“Gangs of New York”) y Las Vegas (“Casino”), o incluso de

adentrarse en la locura de un lu� gar tan retorcido y adictivo como “Shutter Island”. Es imposible en� contrar tacha alguna en la direc� ción de Scorsese, si bien es cier� to que a veces el cineasta choca inevitablemente con alguna obra de difícil clasificación, riesgo y consecuencia de filmar “Al límite” (1999). Pero, con documenta� les musicales incluidos (“George Harrison: Living in the Material World”, “Shine a light”) Scorsese representa ya la última tentación cinematográfica en una industria sin tiempo ni ganas de narrar una historia de la única manera po� sible: con inmensa pasión por el cine. Por eso, con o sin Oscar, Scorsese ya ha hecho historia.

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Estreno


CHRONICLE 2 de marzo

Es tan real como parece. Andrew, Matt y Steve son unos adoles� centes absolutamente reconocibles, cada uno con su propia personalidad, que deben afrontar los típicos retos que se derivan de estudiar en el instituto, establecer nuevas amistades y explorar los nuevos aspectos de unas vidas en constante evolución. Son imperfectos, algo inadaptados y un poco impruden� tes. Podrían ser tú mismo. Como tantos de nosotros, están obse� sionados con contar su vida, por más que ésta sea trivial o, como en su caso, extraordinaria. Andrew, Matt y Steve se han topado con algo que escapa total� mente a su comprensión, o a la de cual� quiera. Ese descubrimiento les lleva a la obtención de unas poderosas capaci� dades telequinéticas; en la jerga propia de los cómics, tienen superpoderes. Ahora son capaces de, bueno, casi cualquier cosa. Pueden mover objetos simplemente pensando en ello, pue� den aplastar coches con la fuerza de su voluntad. Y aprenden a volar…, satisfa� ciendo su máxima aspiración.

Pero entonces las cosas se complican. ¿Qué harías tú si te pasara a ti esto? ¿Qué serías capaz de hacer? Estas son las curiosas cuestiones que plantea CHRONICLE, un nuevo filme que no se parece a nada que hayas visto an� teriormente. Se trata de una película de superhéroes que realmente no es una película de superhéroes. En aparien� cia, pertenece al relativamente nuevo subgénero denominado “de metraje en� contrado” o “POV” (cámara subjetiva), pero completamente transformado. Es inquietante, no obstante, nos resulta muy familiar; es una película repleta de creativo e imaginativo trabajo de cáma� ra y efectos visuales, pero asentada en la realidad. Entonces, ¿qué harías tú si de repente poseyeras unos poderes que exceden tu comprensión? ¿Te pondrías un traje especial, echarías a volar y combatirías a los villanos? Si fueras un adolescente, probablemente la respuesta sería: ¡Cielos, no! Te lo pasarías bomba con tus poderes, gastarías elaboradas bromas y quizás te vengarías de aquéllos que se portaron mal contigo. Puede que esos superpoderes desarrollaran tus cualida�


des menos elevadas. O las peores. “En la mayoría de las historias, los superpoderes se emplean generalmente en la lucha entre el bien y el mal, pero en la realidad se aplicarían a la necesidad”, dice Josh Trank, que realiza su debut en la dirección cinematográfica y también fue coautor de la historia junto a Max Landis. “Y cuando eres adolescente, tu verdadera necesidad consiste en sentirte feliz contigo mismo. Querrías reírte y pasártelo bien con esos poderes”. Trank estaba absolutamente de� cidido a que CHRONICLE no fue� ra “la típica película POV que le gustaría tu padre. La historia es muy realista; no es una fantasía ni un filme de género; es una historia sobre gente joven. Trata sobre adolescentes auténticos y no hace una caricatura de la juventud. Sus vidas son cualquier cosa menos perfectas. Nos introducimos en su mundo y descubrimos los desafíos a los que se enfrentan, mucho antes de que algo extraordinario les empiece

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a suceder. Para cuando los chicos poseen sus poderes, ese elemento está tan firmemente enraizado en la historia y en los personajes que la película fluye fácilmente hacia la indagación de cómo ellos se las arreglan con esos poderes”. Max Landis, que escribió el guion basándose en la historia escri� ta por Trank y él mismo, añade: “Creo que CHRONICLE va a proporcionar a los espectadores una experiencia tal que los espectadores saldrán del cine pensando: Eso es exactamente lo que yo habría hecho si tuviera poderes telequinéticos”. El productor John Davis señala que CHRONICLE es cualquier cosa menos corriente, y cubre una ne� cesidad de relatos atrevidos y no convencionales que se dirige es� pecíficamente al público de hoy en día. “Es una película muy fresca y diferente”, dice Davis, que conoce al guionista Landis desde que éste era un niño. “CHRONICLE incorpora una visión única que se ha mantenido fielmente

desde que Josh y Max discutieron la idea por primera vez. Toma algunos conceptos familiares, como superhéroe y cine de “metraje encontrado”, y los integra por vías distintas”. El propio título de la película alude a nuestra obsesión por do� cumentar todo lo que nos pasa, a través de las redes sociales o aunque sea simplemente a través de una cámara que va grabando nuestra vida, justamente porque tenemos los medios para hacer� lo. “Vivimos en un mundo donde se puede filmar todo lo que se quiera, en cualquier momento”, dice Trank. “Hay toda una estética que emerge a partir de esta generación. Actualmente, los estudiantes de instituto son las personas que más se fotografían a sí mismas de toda la historia. Casi todos tienen una cámara de algún tipo, y suben imágenes a las redes sociales cada pocos segundos. En consecuencia, cada vez vemos más películas inspiradas en este nuevo estilo de rodaje”. www.cinemascomics.com


Trank, cuyo experimental corto� metraje “Stabbing at Leia’s 22nd Birthday” constituyó un éxito on� line, alcanzando más de 10 millo� nes de visitas, adopta vehemente� mente esta nueva estética, pero también incrementa su potencial e impacto. “El trabajo de Josh en CHRONICLE es el paso siguiente en este tipo de narración cinematográfica”, dice el productor Adam Schroeder. “Hemos visto películas que han usado ampliamente los conceptos de punto de vista subjetivo y la cámara en mano, pero no se ha utilizado la cámara de la misma forma que aquí. La cámara es algo más que un dispositivo que cuenta una historia; es un personaje más, o una extensión del personaje protagonista”. La mayor parte del filme se narra desde la perspectiva de Andrew, un conflictivo pero creativo joven con una gran agudeza visual y pro� pietario de una magnífica cámara de alta definición. “Por lo tanto, CHRONICLE no es realmente la típica película de ‘metraje encontrado’”, dice Trank, refiriéndose

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a los filmes, a menudo borrosos, realizados con “cámara temblo� rosa”. “En lugar de eso, nosotros queríamos un filme con una estética muy controlada y meditada, la que perciben los ojos de un joven con talento. Hay inteligencia detrás del modo en que Andrew opera su cámara y capta esos sucesos cada vez más increíbles”. Los poderes telequinéticos que Andrew ha adquirido reciente� mente añaden una inesperada dimensión a sus habilidades con la cámara, lo que proporciona a CHRONICLE una estética y una textura únicas en su género. “Andrew empieza a trabajar con su cámara sacando partido de sus poderes, lo cual le abre todo un mundo de posibilidades”, explica Trank. “Su cámara está, en cierto modo, unida a su cerebro, de tal forma que puede hacerla flotar, volar y capturar la acción de una forma excepcional. En la mitad de la película, te das cuenta de que estás viendo algo que no has visto nunca, y posteriormente, en los últimos 15 minutos, el filme se

convierte en una absoluta locura. La película evoluciona constantemente, desde el carácter más íntimo y realista a la aventura más épica e increíble”. Cuando la historia empieza, se nos muestra a Andrew como un adolescente introvertido y social� mente inadaptado que, incluso antes de adquirir sus poderes, pa� rece estar adosado a su cámara. Es la única cosa con la que An� drew conecta. “Es el típico chico que pasa desapercibido que todo el mundo conoce en el instituto, pero al cual sus compañeros ignoran o acosan”, dice Trank. Andrew evoluciona desde su inse� guridad adolescente a un desco� munal narcisismo, de igual forma que podría pasarle a cualquiera que se enfrentara a sus extraor� dinarias circunstancias. Dane De� Haan, que interpreta a Andrew, afirma: “Cuando te otorgan el máximo poder, y si experimentas algo que nunca nadie ha experimentado, eso te produce una cierta sensación de ser Dios”.

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“Andrew es un solitario, pero visualmente es muy creativo”, aña� de Trank. “Su permanente compañera –la cámara digital– no es sólo un medio para narrar la historia. La forma en que se mueve la cámara y lo que Andrew ve a través de ella nos cuenta mucho acerca de él”. En gran parte del filme, Andrew se “siente” solamente como la fi� gura oculta tras el objetivo de la cámara, por lo tanto, resultaba esencial elegir para el papel a un actor con una presencia suficien� temente fuerte como para ser de� tectada incluso cuando no está en el campo de visión. DeHaan, un destacado actor de teatro, reunía los requisitos necesarios para dar vida a este personaje fundamen� tal. “Dane también es un actor muy naturalista, lo cual era importante porque queríamos que tanto el personaje como sus acciones fueran de verdad”, dice Adam Schroeder. “Estaba muy entusiasmado con CHRONICLE precisamente porque es una película absolutamente nueva y diferente”, dice DeHaan.

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“Resulta muy verosímil, a pesar de que a partir del tercer acto se describen unas cosas bastante asombrosas”. La perspectiva de Andrew –él está tras la cámara, filmando todo lo que ve– le adjudicó a DeHaan la responsabilidad adicional del tra� bajo de cámara, así como enfocar su interpretación como si real� mente estuviera operando tras ella. Al mismo tiempo, el direc� tor de fotografía, Matthew Jen� sen, y los operadores de cámara de CHRONICLE tenían que pensar como si fueran actores. Para lograr transmitir el pun� to de vista de Andrew, el equipo de operadores de cámara debía “desaprender” su esmerada y perfeccionada experiencia técni� ca. A menudo, Jensen trabajaba estrechamente con DeHaan para crear la ilusión de que el persona� je estaba filmando sus experien� cias, cuando en realidad era un equipo de avezados profesionales el que operaba tras la cámara. Trank dio total libertad a Jensen y su equipo para aportar nuevas

ideas y concebir nuevos artilugios y soportes, y crear así ingeniosos sistemas de suspensión de la cá� mara para obtener el “telequiné� tico” estilo de cámara en mano. El resultado es impresionante: un elegante y delicado trabajo de cámara que transmite los poderes del personaje. “Josh fue tan específico que incluso dibujó cada movimiento de cámara”, señala Jensen. “Al final de la película, la cámara revolotea sobre las calles de Seattle (donde tiene lugar la historia). La cámara tiene una libertad y una flexibilidad asombrosas, que reflejan la fortaleza y los poderes que nuestros protagonistas han ido desarrollando progresivamente a lo largo del filme”. Los otros dos componentes del trío de estudiantes recientemen� te investidos de poderes son el primo de Andrew, Matt (interpre� tado por Alex Russell), y el rey del campus, Steve (interpretado por Michael B. Jordan). Cuando comienza la historia, Matt es un cínico y pedante adolescente, de� masiado guay como para preocu� parse por algo. Pero al igual que www.cinemascomics.com


sus dos nuevos compañeros de aventura, Matt experimenta un cambio radical tras el encuentro con una misteriosa fuerza que le proporciona increíbles poderes. El actor australiano Alex Russell interpreta al típico estudiante de instituto norteamericano: “Lo que me atrajo del proyecto fue que el concepto es realmente surrealista; la película trata sobre unos adolescentes con superpoderes, pero, al mismo tiempo, está firmemente incrustada en la realidad. Matt no podría ser más distinto de Andrew y Steve –nunca habrían sido amigos en circunstancias ‘normales’–, pero entre ellos, sorprendentemente, se establece un fuerte vínculo a partir de la experiencia que los tres comparten”. Michael B. Jordan, que fue actor habitual en la aclamada serie de televisión “Friday Night Lights” y que ha participado en la épica e histórica película de George Lucas “Red Tails”, interpreta a Steve, quien, según el actor, “es todo lo que un adolescente querría ser. Es el estudiante más popular del instituto, un destacado atleta, y se halla muy cerca de conse-

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guir liderar a los estudiantes en el consejo escolar. Irrumpe en la vida de Andrew como una especie de ángel guardián, introduciéndole en la esfera social del instituto, con lo que Andrew empieza a sentirse bien consigo mismo”. El reparto estelar incluye tam� bién al veterano actor de carác� ter Michael Kelly, que interpreta al padre de Andrew, Richard, un bombero en paro cuyas carencias como padre repercuten en su hijo tanto como los poderes recien� temente adquiridos por éste; y Ashley Hinshaw, que interpreta a Casey, la novia de Matt, que des� cubre el secreto de Matt cuando se ve inmersa en una increíble ba� talla aérea.

SOBRE LA PRODUCCIÓN La visión que Trank tenía res� pecto a CHRONICLE fue meticu� losamente… “contada” antes de dar inicio a la producción. Trank elaboró una pre-visualización de todos y cada uno de los efectos visuales y ángulos de cámara, y asimismo escribió una pormenori� zada “Declaración del Director”, donde resumía sus planes, temas

de fondo y metodología. Dado el extraordinario desafío que supo� nía fusionar adecuadamente el rodaje de la acción en directo con las secuencias peligrosas y los efectos visuales y especiales, la citada pre-visualización fue una inestimable guía para todos los responsables de departamento de la producción. La consigna de Trank era ceñirse siempre a la realidad. “Lo que hace diferente a esta película es que en realidad es una historia personal; llegamos a conocer a los chicos muy profundamente”, dice Robert Habros, uno de los su� pervisores de efectos visuales del filme. “Queremos que el público viva la experiencia de Andrew y no que se ponga a pensar en cómo están volando los chicos. El trabajo de efectos visuales tenía que desaparecer dentro de la historia, los personajes y las emociones”. Las secuencias de vuelo de la pe� lícula eran extremadamente com� plicadas, y fueron posibles gracias a la magia, no solo de los efectos visuales, sino también de los in� novadores mecanismos diseñados por Simon Hansen, un reputado supervisor de efectos visuales que

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en el pasado trabajó estrecha� mente con el aclamado realizador Neill Blomkamp. Hansen inventó una serie de técnicas y artilugios que crearon, dice Trank, “la sensación de volar como nunca se ha visto antes en el cine. Realmente es la forma de volar más realista que he visto nunca”. Hansen diseñó una plataforma circular que simulaba la libertad que produce el paracaidismo en caída libre y permitía todo tipo de iluminación interactiva, así como elaborar movimientos en el aire tales como tirabuzones y voltere� tas. Los realizadores querían que

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pareciera que los personajes se pasaban todo el tiempo volando. Los actores se sometieron a un exhaustivo entrenamiento para poder utilizar dicha plataforma. “Desde el primer momento, Josh quería hacer tanto como fuera posible en estudio, en vivo, y con los propios actores haciendo las correspondientes escenas en lugar de los especialistas”, dice el productor ejecutivo James Dodson. “Tuvimos que combinar con naturalidad estos fantásticos efectos de acción en directo, que realmente están sucediendo, con las mejoras adicionales que Si-

mon creó digitalmente. Yo creo que algunas de las tomas que podemos ver en la película no se han hecho nunca, todo gracias a esa invisible integración”. La meticulosa preparación, los in� novadores artefactos voladores y el complicado trabajo de cámara, todo ello resultaba esencial para el épico tercer acto del filme: una batalla de superpoderes sobrevo� lando las calles (y el emblemático Space Needle) de Seattle. En esta secuencia no solo se muestran acrobáticas evoluciones aéreas, sino también coches lanzados por los aires, un autobús estrellándo� www.cinemascomics.com


se contra un edificio, y una ciudad sitiada. Particularmente, porque la omnipresente cámara de An� drew, ahora destruida, se susti� tuye por una plétora de disposi� tivos de grabación que capturan la batalla, incluyendo cámaras de teléfonos móviles, de seguridad y de cajeros automáticos, así como monitores de vigilancia de la po� licía. Es un clímax de elevada intensi� dad, que conduce a una emotiva resolución. Pero ¿qué pasa con el origen de todo esto?, ¿de dónde les vinieron esos poderes? Trank y Landis lo mantienen bastante en www.cinemascomics.com

secreto, pero el diseñador de pro� ducción Stephen Altman disfrutó recreando el lugar donde ocu� rrió: un escarpado agujero sub� terráneo, en donde se aloja una cámara que contiene una enorme estructura de roca cristalina, la cual emite unas tenues nubes de luz. Altman confiesa que crear esta “materia” desconocida fue lo que más le gustó hacer. “No se parece a nada que haya diseñado anteriormente y espero que nadie más haya visto algo así. La idea de Josh [Trank] al respecto era que no se trataba de algo

de este planeta. No sabemos si es animal, vegetal o mineral. Quizás es una combinación de las tres cosas. Para diseñar la estructura, tomamos como referencia materiales geológicos, biológicos así como elementos orgánicos e inorgánicos”. Este escenario y lo que sucede después suscitará numerosos inte� rrogantes entre los espectadores; y eso es exactamente lo que los realizadores querían. Max Landis señala: “Josh y yo sabemos lo que ocurrió en esa cueva. Pero nunca tuvimos intención de explicarlo en la película”. Además de los innovadores efec� tos visuales y artilugios, así como del trabajo de los especialistas, CHRONICLE ofrece unos impre� sionantes efectos especiales, in� cluyendo el empleo de gas com� primido para hacer saltar unos 10 metros en el aire a dos vehículos de más de 450 kilos, haciéndolos aterrizar después completamente destruidos. Otra escena que mu� chos supondrán que está gene� rada por ordenador pero que en realidad fue realizada en estudio, muestra a Andrew levantando li� geramente su brazo y aplastan� do con sus poderes telequinéti� cos un coche, que implosiona y se desploma. El coche explotó en el momento justo gracias a unas bombas hidráulicas de casi 10 toneladas de capacidad, que efectivamente engullen el metal y crean un inolvidable y desgarra� doramente distorsionado estruen� do metálico. Aplastar coches simplemente pen� sando en ello. Volar. Disponer del suficiente poder como para arra� sar una ciudad. ¿Quién no querría adquirir este tipo de facultades? ¿Quién no querría realizar lo imposible? ¿Qué harías tú, pregunta CHRONICLE, si fueras Andrew, Matt o Steve? ¿Qué serías capaz de hacer tú?

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ENTREVISTA

JOSH TRANK CREO QUE LA GENERACIÓN QUE SE ENCUENTRA AHORA MISMO EN EL INSTITUTO ES LA QUE MÁS SE HA FOTOGRAFIADO DE LA HISTORIA.

El director Josh Trank debuta a los 27 años en la gran pantalla con CHRONICLE. La película se basa en una idea original de Trank y el guionista Max Landis y trata so� bre tres estudiantes de instituto cuyo mundo cambia por comple� to cuando adquieren de manera fortuita superpoderes telequiné� ticos.

medie un encargo previo.]

Josh Trank nació en Los Ángeles y es hijo del documentalista Ri� chard Trank, ganador de un Os� car®. Empezó su carrera como montador y trabajó en la produc� ción independiente “BIG FAN”, protagonizada por Patton Oswalt y Michael Rapaport.

He querido hacer películas desde que era pequeño. Como adulto, de golpe, recién salido del insti� tuto, no podía ponerme a traba� jar porque sabía que tenía que di� rigir una película. Por difícil que resultara que se me ocurriera una idea original, no dejé de intentar� lo una y otra vez.

Su carrera como director despe� gó cuando un cortometraje que Trank había realizado, “STABBING AT LEIA’S 22ND BIRTHDAY”, se convirtió en un éxito viral en You� Tube. En colaboración con el ca� nal de televisión Spike TV, Trank escribió y dirigió varios capítulos de la miniserie “THE KILL POINT”. Poco después, junto al guionis� ta Max Landis, lograría vender “CHRONICLE” como un guión es� peculativo para 20th Century Fox. [N. del T.: Un guión especulativo es un guión escrito por cuenta propia por el guionista, sin que www.cinemascomics.com

Trank nos explica en sus propias palabras desde el set de rodaje de “CHRONICLE” el camino segui� do para debutar como director de cine. ¿Qué puedes contarnos sobre el origen de la producción?

Me pasé unos dos años intentando escribir un guión especulativo que pudiera vender. Se me ocurrieron toda una serie de cosas distin� tas que, en última instancia, no funcionaban. Y acabé dándome cuenta del motivo: intentaba es� cribir una película que ya se había hecho antes un millón de veces. Creo que muchas de las películas de los últimos 20 años se dedica� ban más bien a rendir homenajes. Llegó un momento en que desistí y me limité a buscar trabajo como montador.

Tuve mucha suerte y me ofrecie� ron montar una película en Nueva York, que también llegué a produ� cir. Teníamos un plan de trabajo de 30 días, sin apenas presupues� to, y, mientras estábamos en ello, me di cuenta de que lo que yo quería era rodar y no limitarme a montar. Volví a inspirarme y empecé a ro� dar pequeños vídeos, eliminé to� dos los elementos de homenaje y me centré en hacer cosas que se desarrollaran en el mundo real, sin las habituales explicaciones de todo lo que sucede, ni nada por el estilo. Algo que empieza de manera muy normal, con una base real, y entonces ocurre algo extraño y espectacular que, de ese modo, parece que pudiera su� ceder justo delante de ti. Así que hice un video, uno muy corto, de algo más de un minu� to, titulado “STABBING AT LEIA’S 22ND BIRTHDAY”. Lo colgué on� line y, a la primera semana, lo vieron algo así como 10 millones de veces. Enlazaron con él por todas partes. Iba básicamente en la línea de lo que estaba comen� tando. Empieza como un vídeo casero de una fiesta universitaria, lleno de gente borracha, y parece Cinemascomics │Febrero 2012 │

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que dos jóvenes están a punto de pelearse. Cuando estalla la pelea, sacan sables láser y uno de los dos chicos acaba atravesado con un sable láser. No está nada estili� zado, simplemente ocurre. Luego aparecen los agentes de la ley y son soldados de asalto imperiales. Lo mostré todo, no como si fue� ra un chiste o una parodia, sino como si fuera completamente en serio. Pero tenía algo con lo que la gente conectó. Así que, una se� mana después, tenía un agente y, a la semana siguiente, ya tenía un acuerdo para rodar algo para Spike TV. Luego conseguí otros trabajos como director. Acabé di� rigiendo un montón de material de marketing para “PARANORMAL ACTIVITY 2”. Me iba llegando una cosa detrás de otra y, durante todo eso, la gente no dejaba de decirme que debería hacer una película en esa línea, una película que se desarrollara en el mundo real y estuviera filmada por una persona. Un día, iba en un avión, mirando

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las nubes por la ventanilla, por� que me pone muy nervioso volar, y entonces se me ocurrió, ¿y si no me pusiera nervioso volar y pudie� ra volar por mí mismo y jugar con mis amigos entre las nubes? Se me había ocurrido una idea extraña y pensé, tengo que hacer un vídeo en el que se vea a unos tipos pa� sándose un balón entre ellos, en� tre las nubes, y de repente apa� rece un avión y da a uno de ellos. Al momento, se me ocurrió todo y pude visualizarlo entero. Luego me encontré con un viejo amigo del colegio, Max Landis, y le conté la idea pero, al hacerlo, se fue convirtiendo en una ela� borada presentación en el jardín trasero de un amigo común. Se lo conté entero, Max se quedó entu� siasmado y dijo que quería escri� birlo. Lo acabó muy rápido y se lo vendimos a Fox. Y, ahora, ¡aquí estamos, haciendo la película! ¿Quiénes son los chicos de la película? Me crié en Los Ángeles, rodeado

de chicos cuyos padres eran todos importantes cineastas, así que ese grupo de personas fueron como mis mentores. Para ellos, las pelí� culas deben hacerse de cierta ma� nera y presentarse de cierta ma� nera. El mantra de CHRONICLE es hacer justo lo contrario y hacerlo lo más cercano posible. Max y yo, a la hora de caracterizar a estos chicos, queríamos asegurarnos de que fueran tan normales y simila� res a como éramos nosotros como nos fuera posible, pero metiéndo� los en un entorno completamente distinto: el ambiente suburbano de clase media. Al principio, fue en Portland, Oregón, pero lo cam� biamos para poder aprovechar la iconografía tan interesante que ofrece la Space Needle (Aguja Es� pacial) de Seattle. Nuestro protagonista principal, Andrew, es el típico chico que pasa más o menos desapercibido, todos saben quién es pero nadie lo conoce. Los típicos abusones de instituto se meten con él porque no les planta cara, que es la prin� cipal razón por la que se meten www.cinemascomics.com


con alguien. Así era yo de niño. Se metían mucho conmigo porque soy un tipo grandullón, llamaba la atención y era sensible emo� cionalmente, de modo que chicos más pequeños que yo se metían conmigo porque era fácil. “Ya ve� rás como se echa a llorar y seguro que mola”. Andrew es un chico muy visual, realmente creativo, que tiende a poner nerviosos a todos porque vive en su propio mundo. El se� gundo protagonista principal es su primo, Matt, que va al instituto con él y es más sociable. No diría tanto como popular, porque quie� ro evitar todos esos clichés sobre cómo la gente suele formar gru� pos. Es un porrero y también vive en su propio mundo. Está algo más interesado en las actividades en grupo y en pasar el tiempo con otras personas. Son la clase de chicos que eran inseparables de pequeños. Luego, en cierto mo� mento, al llegar al instituto, Matt tiró por un camino y Andrew tiró por otro.

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La película empieza en su últi� mo año de instituto, cuando los dos vuelven a ser amigos y pasan tiempo juntos. Matt lo lleva todos los días a clase en su coche y le da pena, intenta hacer que se abra y lo acompañe a fiestas. El tercer personaje principal es Steve Montgomery y, aquí recu� rriré al cliché, es el chico más popular del instituto. Siempre hay un tipo que es el más popu� lar del instituto. Entra en la vida de Andrew en el momento justo, como una especie de ángel de la guarda, dulce y encantador, que le da un buen motivo para sa� lir de su cascarón, sentirse bien consigo mismo y ser más sociable. Y entonces estos tres personajes conectan entre sí cuando sucede algo especial. En ese momento es cuando la historia se pone verda� deramente en marcha. Trata so� bre tres chicos entre los que se crea una estrecha relación por un secreto que comparten, pero en� tonces las cosas se les empiezan a

ir de las manos. ¿Qué importancia tenía reunir al grupo adecuado de actores? Tenía mucha importancia. El proceso de selección de los ac� tores fue corto, pero intenso. Mi productor, Adam Schroeder, y yo hicimos pruebas, me parece, a más de mil chicos para la pe� lícula. Creo que pasamos hasta cinco meses de pre-producción simplemente buscando actores y probando gente, con audiciones y reuniones. Hubo muchas sesiones de casting muy intensas. Sabíamos que queríamos actores para esta película que parecie� ran gente real pero que a la vez tuvieran verdadero potencial de estrella de cine. Llegado cierto punto, hay una delgada línea que separa esta película, por la forma en la que la hemos rodado, de parecer una producción de gran presupuesto. En otros momentos, parece un pequeño filme neorrea�

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lista. Estos chicos no podían tener demasiada pinta de estrellas de cine y no podían ser demasiado exagerados. Tenían que poder moverse por esa delgada línea. Por si eso fuera poco, tenían que ser actores de gran talento, con auténtica experiencia y forma� ción como intérpretes, de modo que pudiéramos trasladarlos a otro país prácticamente en el otro extremo del mundo, rodar con una agenda muy apretada, exprimirlos al máximo, esperar que hicieran muchas tomas y que las clavaran todas. A lo largo del proceso de selec� ción, encontramos a tres chicos y una chica de talento increíble. Me siento muy afortunado por ha� ber podido trabajar con ellos en mi primera película. Los adoro. Llevamos ya tres meses y medio colaborando muy estrechamente. Son asombrosos. ¿Qué tenía Dane DeHaan que lo hiciera especialmente adecuado para el papel protagonista? La verdad es que encontramos a Dane muy al principio del proce� so de selección. Fue uno de los primeros a los que vimos en una reunión general y, nada más sen� tarse, supe que era Andrew De� tmer. Hablamos una hora con él, se marchó y sabíamos que tenía� mos que hacerle más pruebas lo antes posible. Siempre tuve una especie de vaga idea rondándome por la cabeza de que se trataba de un persona� je que nos tenía que dar mucha pena pero, al mismo tiempo, te� nía que darnos la sensación de ser una persona con potencial para superar todas esas dificultades y llevar una buena vida. No quería� mos que pusiera los pelos de pun� ta, ni diera demasiada pena, ni que pareciera tonto. Dane encaja perfectamente con todo lo que necesitábamos para Andrew.

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Es una forma muy interesante de rodar una película, ¿puedes hablarnos un poco más sobre el tema? No es la típica película que pare� ce una grabación encontrada de videoaficionado. Andrew tiene un pulso firme, sabe grabar las cosas, es un chico muy visual, y las nue� vas cámaras de alta definición, tanto las profesionales como las de usuarios avanzados, dan un re� sultado excelente. Así que en rea� lidad se trata de una película con un aspecto visual muy controlado y pensado. Y la está filmando un chico que es muchísimo más listo que el típico aficionado con una cámara. Desde que empieza la película, sabes que estás en bue� nas manos. Se ve que hay cierta inteligencia tras el manejo de la cámara. Tened por seguro que no será una de esas películas con una cámara temblorosa permanente que no dan más que ganas de vo� mitar. Eso dio a Fox mucha tran� quilidad sobre la clase de película que quería hacer, de modo que me dejaron dirigirla. ¿Cómo haces para crear esas secuencias espectaculares a través de una óptica tan personal? Creo que lo más difícil de eso es asegurarse de que cualquiera que vea la película pueda seguir has� ta el último fotograma con el que estoy trabajando. Cada escena es un plano, cada escena se va a ver tal cual. No hay composición en esta película. No está más que la escena; empieza, se acaba y no hay cortes. Así que cada escena tiene que contar la historia sin usar cortes. Eso es complicado, pero también resulta emocionan� te tratar con momentos. Hay mo� mentos que todos parecen com� prender en el rodaje. El equipo técnico, el reparto y el estudio, todos lo entendemos. Lo estamos creando entre todos. ¿Qué tiene que decir esta película sobre la forma que tiene la gente de grabar sus vidas?

Creo que la generación que se encuentra ahora mismo en el instituto es la que más se ha fo� tografiado de la historia. Ahora todo el mundo lleva una cámara encima. Tanto si la usan como si no, y la mayoría sí la usa, todos se están sacando fotos constante� mente para subirlas a Facebook o Twitter, y creo que está surgiendo una estética de todo eso. Estamos viendo mucho más cine y televi� sión inspirados en esa estética. Es emocionante porque podemos crear un nuevo estilo de filmar las cosas sin tener que hacerlas como las han venido haciendo todos du� rante los últimos 100 años. Pode� mos probar algo un poco distinto, que se salga de lo común. ¿En qué ha ayudado desplazarse a Ciudad del Cabo y rodar la película tan lejos de casa? Somos un equipo de rodaje muy reducido. Nos hemos desplazado a otro país, lo que ya crea por sí mismo un cierto vínculo. Nos he� mos trasladado todos hasta aquí sin apenas conocernos antes y te� nemos que pasar tiempo juntos, así que no viene nada mal que nos caigamos bien y lo pasemos bien juntos. Pasar tanto tiempo juntos en un país extranjero ha ayudado a estrechar lazos y, en la película, puede apreciarse la naturalidad con la que se tratan los perso� najes. Va más allá de los simples diálogos. Es la relación que tienen y cómo se entienden entre ellos y cómo disfrutan pasando tiempo juntos. Creo que es muy contagio� so. Creo que la gente va a disfru� tar viendo a estos personajes.

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ENTREVISTA

DANE DEHAAN, ALEX RUSSELL Y MICHAEL B. JORDAN LOS PROTAGONISTAS DE CHRONICLE

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DANE DEHAAN es quizá más co� nocido por haber interpretado a ‘Jesse’ en la serie dramática ganadora del Globo de Oro del canal HBO “EN TERAPIA (EN TRA� TAMIENTO)”. Le han bastado tres años a este actor para lograr con� vertirse en un joven valor a tener en cuenta, al haber trabajado con directores como John Sayles y John Hillcoat, y junto a otros actores tan diferentes como Shia LaBeouf, Chris Cooper y Gabriel Byrne. Interpreta a Andrew De� tmer en “CHRONICLE”. ¿Puedes hablarnos sobre tu personaje? Andrew es un pobre chaval que proviene de un ambiente familiar duro. Su madre está muy enfer� ma y su padre cobra una pensión por invalidez como bombero, así que se encuentra en una situación muy difícil. Pero esas circunstan� cias abarcan también otros aspec� tos de su vida. Es, se mire como se mire, un fracasado en el institu� to, no es de esos chicos que pasa

simplemente desapercibido, sino que es la clase de chico de los que los demás se toman la molestia de burlarse y meterse con él. En ese aspecto, es una víctima. En la pe� lícula, los chicos empiezan enton� ces a desarrollar superpoderes, y eso hace que [Andrew] cambie por completo. Es la primera vez en su vida que ha tenido algún tipo de poder, y mucho menos un superpoder. ¿Crees que se debate con las responsabilidades que conlleva ese poder? Sí, pero no se trata de “¿qué responsabilidad acarrea este po� der?”, sino que creo que realmen� te disfruta de tener poder, hacer el tonto y tener por fin amigos. Al final, acaba por verse superado por la situación. ¿Es más divertido interpretar a un personaje más o menos atormentado? Siempre es más divertido inter�

pretar a un personaje complica� do, sin duda. No siempre es di� vertido ir a lugares oscuros, pero siempre es divertido interpretar a un personaje con un arco argu� mental tan extremo, que pasa por tanto. No creo haber interpretado nunca a nadie como él. ¿Cómo ha sido la dinámica con los demás actores? Ha sido buena. Siempre intento crear algún tipo de relación con la gente con la que trabajo que sea similar a la que tengo con ellos en la película. Creo que aquí lo hemos hecho bastante bien. Mi� chael, Alex y yo nos hemos hecho muy amigos; tenemos nuestras bromas que solamente nosotros entendemos y nos reímos unos de otros. Podemos pasar el rato y divertirnos. Hacer eso en nuestra vida privada, fuera del trabajo, sin duda ha tenido una influencia positiva en la película. ¿Cuándo te involucraste en el proyecto?

Dane Dehaan da vida a Andrew Detmer en Chronicle

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Alex Rusell es Matt Garetty en Chronicle Tuve una reunión con los respon� sables de casting de Fox y me dijeron que tenían una película que era perfecta para mí. Unas dos semanas después, se habían acabado las audiciones y las reu� niones. Fue un proyecto muy rá� pido. Normalmente, las reuniones de ese tipo solamente sirven para conocerte. Fue increíble ir a Fox, reunirse con la gente de casting y que te dijeran allí mismo sobre la marcha, “Oh, a propósito, tene� mos una película para ti y serías perfecto para el protagonista”. Entonces leí el guión y me en� cantó. Me resultó apasionante; es una idea muy original y deci� didamente de mi estilo. Puestos a hacer este tipo de película de ac� ción espectacular, mejor que sea una que encaje bien con el tipo de cosas que suelo buscar en un proyecto. Es una extraña mezcla de pelícu� la de acción espectacular con la sensibilidad de una obra centrada en los personajes. Sí, creo que la película hace un trabajo excelente al tomar el concepto, alguien que adquiere www.cinemascomics.com

superpoderes, y tratarlo de una manera muy realista. En ese sen� tido, es como “DISTRICT 9”: ¿Qué pasaría si hubiera realmente alie� nígenas viviendo en cierto lugar? ¿Qué sucedería si un grupo de adolescentes adquiriera superpo� deres? La respuesta no es que se harían disfraces, se balancearían de edificio en edificio y salvarían el mundo. Si un grupo de adoles� centes en la vida real consiguiera de verdad superpoderes, harían el tonto con ellos, intentarían di� vertirse todo lo que pudieran y al final seguramente se les acabaría escapando de las manos, porque han recibido demasiado poder. Creo que el aspecto realista de la historia es lo que realmente me atrajo.

edad en la vida real. Todos no� sotros estamos empezando nues� tras carreras en muchos aspectos. Aunque todos los actores hemos hecho otras películas y series de televisión, todavía tenemos una actitud juvenil muy lanzada. Josh también tiene eso. En cierto modo, es más un colega que cual� quier otro director. Está pasando por esta experiencia por primera vez, como nosotros. Y eso trae consigo sin duda una cierta emo� ción.

¿Cómo ha sido trabajar con tu director, Josh Trank, en su primera película?

Es genial. Es otra de las razones por las que la película es tan imaginativa. Ha encontrado una forma de hacer este tipo de gra� bación cámara en mano pero ha aprovechado la realidad de las circunstancias para hacer que re� sulte menos mareante y menos crudo. De repente, tienes ado� lescentes con superpoderes y la lógica que sigue es que, si nos

Ha sido la primera vez que he trabajado con un director prime� rizo. Eso conlleva sin duda gran emoción y energía. Creo que uno de los aspectos más alucinantes del proyecto es que todos somos aproximadamente de la misma

La película tiene un estilo de filmación muy interesante, en el que son los propios personajes los que están grabando todas las escenas, ¿qué tal ha resultado trabajar así?

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pasamos el rato jugando con vi� deojuegos y un día conseguimos superpoderes, seguramente se nos daría bastante bien manejar una cámara sin ningún problema. Es muy interesante cómo todos los movimientos de cámara de la película están realmente motiva� dos y basados en la realidad, en igual medida que la propia trama, los personajes y todos los restan� tes elementos.

ta en una película. “WASTED ON THE YOUNG” fue uno de los gran� des éxitos internacionales de la edición de 2010 del Festival de Cine de Toronto y le abriría las puertas a posteriores proyectos, como la producción independien� te “ALMOST KINGS” y el ‘thriller’ de acción australiano de próximo estreno “BAIT 3D”. Russell inter� preta a Matt Garetty en “CHRO� NICLE”.

ALEX RUSSELL obtuvo el título del prestigioso programa de interpre� tación NIDA en su Australia natal en 2009 y se convirtió en uno de los primeros de su promoción en conseguir un papel protagonis�

¿Qué te atrajo del proyecto?

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La primera vez que leí el guión, ni siquiera tenía una audición pre� vista; leí unas 20 páginas y escribí un mensaje de correo electrónico

con unos 15 signos de exclama� ción, ¡y no tenía más que un par de frases! Decía: “¡Por favor, por favor, tienen que dejarme presen� tarme a las pruebas! ¡Es increí� ble!”. Es una historia increíble, donde suceden cosas increíbles: poderes telequinéticos, superpo� deres, volar... pero ambientado en un mundo real. No se parece a nada que haya leído antes. Es un chico con una videocámara grabando todo lo que sucede a su alrededor. Y esa cámara acaba captándolo todo. La originalidad del concepto fue lo que me volvió loco. No es como la típica película de superhéroes basada en los cówww.cinemascomics.com


hubieran adquirido superpoderes. Lo bonito de esta historia es que reúne a estos tres amigos, que de otro modo probablemente no habrían hecho amistad. Sí, claro, Matt y Andrew son primos, por lo que Matt ayuda a Andrew, pero nunca habrían estado tan unidos de no ser por lo que sucede en la historia. Lo más probable es que alguien como Steve Montgomery y Andrew jamás habrían sido ami� gos. Es bonito que todos compar� tan esa experiencia, ver cómo eso los une y ver cómo se desarrollan de forma diferente como perso� nas. ¿Puedes presentarnos a Matt, tu personaje?

mics de las editoriales Marvel o DC. ¿Era eso parte de lo que te resultaba atractivo? Tienes ocasión de hacer todas esas increíbles escenas de acción. Tienes ocasión de hacer cosas de superhéroes, pero los personajes están muy elaborados. No es que no siempre sea así pero, en las pe� lículas de superhéroes, lo más im� portante es vender precisamente este aspecto: los superpoderes y la función de un superhéroe. Aquí se trata más bien de personajes que se descubren a sí mismos y maduran como personas. Resulta interesante pensar cómo habrían sido Matt, Andrew y Steve si no www.cinemascomics.com

Matt Garetty está en su último año de instituto. Se ha pasado buen parte de su vida de instituto con una actitud pasota hacia todos y hacia todo cuanto le rodea. Tenía una postura muy nihilista, hasta hace poco, durante todos sus años de instituto. Es inteligente, pero no saca buenas notas porque, en cierto momento, se volvió contra el sistema. Se lo justifica a sí mis� mo citando a antiguos filósofos que son anteriores a todo el siste� ma moderno y su funcionamiento. Así que es capaz de soltar de un tirón cuando le conviene frases de antiguos filósofos que le per� mitan defender su razonamiento. Ha pasado por varias etapas y ha formado parte de diferentes gru� pos de personas, a los que ha aca� bado haciendo enfadar, para irse con otro grupo y volver a conse� guir que se enfaden, porque tien� de a sentar cátedra cuando habla. Ahora se encuentra en su último año de instituto y, aunque ese as� pecto sigue siendo una parte muy importante de su carácter, siente la necesidad de volver a conectar con la gente. El personaje de Matt sufre una enorme transformación a lo largo de la película. ¿Crees que el elemento de la cámara en mano aportará algo nuevo para los espectadores?

Eso es lo que resulta tan fascinan� te de la película. La ilusión de que los personajes están sujetando esas cámaras y estás viendo cosas surrealistas y asombrosas. Creo que juntar esos dos elementos esa forma de rodar tan básica y esos efectos increíbles – va a dar un resultado realmente único; so� bre todo porque no se trata de la típica cámara en mano tembloro� sa. Parece real y lo bastante pre� cisa como para que un personaje pudiera estar sujetándola, pero sigue ofreciendo una gran ima� gen. A menudo no se ve tembloro� sa, pero no deja por ello de pare� cer real, como si el personaje la estuviera manejando. Otro de los detalles es que, cuando no la su� jeta un personaje, la coloca en un trípode. Hay secuencias enteras en las que la cámara está fija y no hay posibilidad de hacer cortes. Es muy complicado, pero también emocionante, porque ese tipo de planos consigue que la gente ten� ga la sensación de estar mirando por una ventana a ese mundo. ¿Qué energía aporta Josh Trank? Es genial. Bromeamos mucho y lo pasamos bien. Puede hacer un poco el tonto pero, a la hora de la verdad, trabaja muy duro. Es una de las personas más trabajadoras que conozco. Siente una gran pa� sión por este proyecto. ¿Qué otra cosa cabría esperar? Lo que me gustaba es que podía tener una idea y yo podía tener mi propia idea y a veces coincidíamos; otras veces eran muy diferentes, pero siempre nos asegurábamos de estar en la misma onda antes de ponernos a rodar. Lo más impor� tante para él es que estábamos contando la historia juntos. Eso era también lo más importante para mí. ¿Qué te gusta de tu personaje? Me gusta que esté sediento de sa� ber. Me gusta mucho que sea el mismo al principio de la película que al final. Aunque en gran me� Cinemascomics │Febrero 2012 │

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dida esa sed de saber suya forma en realidad parte de su imagen, sí que tiene verdadero interés por ampliar sus conocimientos. Me gusta mucho eso de él. MICHAEL B. JORDAN es un actor de televisión de renombre, des� pués de haber interpretado a ‘Wallace’ en el drama policiaco alabado por la crítica “THE WIRE (BAJO ESCUCHA)”. También ha tenido papeles recurrentes en series tan distintas como “TO� DOS MIS HIJOS”, “FRIDAY NIGHT LIGHTS” y “PARENTHOOD”. Pron� to habrá ocasión de verlo en la gran pantalla en el drama bélico producido por George Lucas “RED TAILS”. Jordan interpreta a Steve Montgomery en “CHRONICLE”. Interpretas a Steve, que es un tipo guay, ¿no? Sí, es el chico más popular del instituto; se presenta a presiden� te de curso. Va con los matones, es amigo de los deportistas, los

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atletas, las animadoras, de todo el mundo. Creo que en el fondo es un gran tipo. Pero la mayoría de la gente que encuentras en un instituto o en cualquier grupo so� cial adopta una fachada exterior que oculta lo que siente en el fon� do. No es oro todo lo que reluce. Steve es desde luego una mezcla de todo eso reunido en una sola persona. La gente le importa de verdad. Quiere ver triunfar a todo el mundo y antepone los demás a sí mismo. No le interesa ser el centro de atención; no le interesa la fama. Es sinceramente un buen tipo. ¿Ayudó la buena relación que se creó entre los actores tras la cámara a la química ante la cámara? Sin la menor duda. Creo que fue de lo más inteligente meternos en una casa durante dos semanas. Nos vimos obligados a tratarnos – tres completos desconocidos – y a conocernos. Cada uno tenía su

propio horario y sus propias cos� tumbres en la casa. Era como te� ner compañeros de piso. La pri� mera vez que tienes compañeros de piso, piensas: “No puedo ir desnudo por la casa. No estaría nada bien”. Y eso se percibe sin duda ante la cámara. Esa cama� radería no se puede fingir. Ahora somos como uña y carne. La pe� lícula ha creado una verdadera amistad, desde luego. ¿Cómo era el proceso de rodaje? Al principio intimidaba un poco. A veces estás muy acostumbrado a rodar algo de cierta manera. Per� sonalmente, he tenido la suerte de haber trabajado en “FRIDAY NIGHT LIGHTS”, ya que nuestro estilo de rodaje es algo más suel� to, menos preparado. No tenemos muchos planos generales, contra� planos y primeros planos. Normal� mente, no tenemos más que tres cámaras rodando todo el tiempo, sacando distintos ángulos, sacan� do planos más sueltos y sucios. Así www.cinemascomics.com


que apliqué más o menos esa téc� nica de improvisación a esta pelí� cula, porque todo se graba a tra� vés de la cámara de Andrew. En la vida real, no tienes indicaciones que seguir y las personas se van a pisar unas a otras al hablar. Va a estar todo más desorganizado, va a ser más espontáneo. Hemos tenido tantos momentos espon� táneos en el rodaje que ha sido increíble. Es insólito que un gran estudio deje un proyecto así en manos de un director primerizo. Josh Trank es genial. Tenía toda la película en la cabeza. Es estupen� do contar con un director que tie� ne una visión y sabe lo que quiere. Tuvimos mucho tiempo para ensa� yar y colaborar con nuestras ideas de modo que, llegado el momento de ponerse a rodar, no surgieran problemas técnicos. Pero nos dio rienda suelta para aportar ideas. Eso ha ayudado mucho a la pelícu� la. Tener 27 años y estar dirigien� www.cinemascomics.com

do tu primera película para un gran estudio es de locos. Sé que para él formar parte de eso es algo especial. Han logrado reunir un reparto realmente estelar de jóvenes con un enorme talento en todos los aspectos. Siento como si estuviera jugando en estos momentos en el “dream team” (equipo de ensueño). ¿Crees que este proyecto va a ofrecer una experiencia diferente? Desde luego. Estamos en los tiem� pos de las películas de superhé� roes de Marvel; todo el mundo quiere héroes de cómic. Todo el mundo quiere evadirse a ese mundo de fantasía, evadirse de la situación actual. Están sucedien� do muchas cosas en el mundo en la actualidad, entre la guerra y la economía. Estas películas ofre� cen a la gente una vía de escape, aunque sea por un par de horas en una sala de cine. Te sientas a ver a esos tres chicos y el públi�

co quiere identificarse con ellos. Quiere fantasear: “¿Y si eso me pasara a mí? ¿Y si pudiera esca� quearme del trabajo, de clase, del colegio, de un proyecto o de un examen? O papá y mamá, ¿os importaría dejar de discutir? Lo único que quiero es salir volando. Quiero marcharme y pasar el rato con mis amigos”. Nada en esta pe� lícula está forzado. Los aconteci� mientos se suceden como se suce� den. No es que haya una historia que tengamos prisa por contar. El argumento no tiene unos puntos a los que tenemos prisa por llegar. Todo pasa de manera muy natu� ral. La gente va a pensar: “¡Eso ha sido muy real! Me siento como si estuviera allí mismo con ellos, viéndolo en persona. Esto es una grabación encontrada de estos chicos y de lo que les sucedió”. Esa es la perspectiva que va a te� ner la gente.

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MOCKUMENTARY

El cine en primera persona Por Gerard Fossas

El cine de terror nos ha sorpren� dido pocas veces a lo largo de los últimos años. Si miramos las dos últimas décadas sólo películas como Scream, Saw, The Ring o Paranormal Activity han causado, por motivos diferentes, un impac� to relevante dentro de la historia del género. La realidad es que el cine de terror ha tenido una abun� dante tradición a lo largo de la historia del cine y todo lo que nos asusta ha sido mil y una veces lle� vado a la gran pantalla, hasta el punto de que se han creado unos mecanismos, unos códigos y un lenguaje muy reconocibles dentro de cada subgénero. Scream (Wes Craven, 1996) funcionó precisa� mente porque abrazaba estos cli� chés, tomando auto consciencia como slasher y jugando un factor sorpresa al manipular sus reglas. Recurrir a la metalingüística es una forma de revisionismo que en vez de inventar algo nuevo sirve para analizar las características de un tipo de lenguaje y hacerlo dialogar consigo mismo dentro de una nueva ficción, pero a fin de

cuentas no deja de ser una mirada reflexiva sobre una tradición codi� ficada a lo largo de la historia. La conclusión lógica es que si no hay margen para la innovación con unos contenidos sobreexplotados, la baza a desarrollar para crear productos novedosos es la forma de contar las historias, es decir, primar la forma sobre el conte� nido. En este sentido, el cine de terror ha encontrado un oasis en el auge de las nuevas tecnologías, especialmente en lo referente a la inmediatez de la difusión de información y la facilidad en la creación de contenidos. El visionado de un film de terror es al fin y al cabo una experiencia que invoca el placer por el mie� do seguro explotando los temores primarios de cada uno. Antes del cine, los relatos de terror ser� vían para moralizar o adoctrinar, creaban una mitología del horror construyendo historias que trans� currían bajo el amparo de la os� curidad, en lugares remotos fuera de los límites de lo seguro. Detrás

de cada sonido inquietante había un monstruo y todo aquello ajeno a una explicación racional podía ser un catalizador que generara imágenes de horror en la mente de cualquier persona. La figura del narrador que se desvivía en su discurso, así como la visión empí� rica de cada uno, construían mi� tologías que daban paso a un ima� ginario común y a miedos globales compartidos por todo el mundo. Precisamente, esta figura del na� rrador subjetivo y la experiencia en primera persona son las carac� terísticas principales que definen un nuevo género que se ha puesto de moda durante la última déca� da y que parece que va a más: el mockumentary. No se trata de un subgénero ligado al contenido, sino a la forma, ya que copia las características del documental para crear una ficción marcada� mente realista. El gran valor del mockumentary es que rompe la cuarta pared, la que separa la cámara del espectador, y se convierte en una ficción na�


rrada por un personaje implicado en los hechos. De esta forma se establece un vínculo mucho más estrecho con el espectador, que firma con la película el pacto tá� cito de aceptar lo que vea en pan� talla como un suceso real y, por tanto, vivirlo con mayor empatía que con una ficción convencional. Los personajes se vuelven perso� nas y los escenarios en espacios reales. La cámara deja de ser un ojo omnisciente para convertirse en un elemento integrado en la historia, y el cámara actúa como narrador subjetivo porque parti� cipa activamente en la acción. In� cluso puede ocurrir que la cáma� ra vaya cambiando de manos y el punto de vista varíe o, en caso de que no sea así y no veamos nunca el que filma, lo más probable es que se establezcan diálogos con él.

Tanto el mockumentary como su primo hermano, el found footage (anglicismo que se refiere al mon� taje de películas encontradas) buscan dotar las ficciones de un hiperrealismo que emule las his� torias difundidas boca-oreja aña� diendo las imágenes, con todo lo que esto supone. La implicación directa de este tipo de apostar por este estilo es una reducción sensible de la calidad de la fo� tografía e incluso del sonido. En este tipo de películas abundan los primeros planos, largos planos secuencia, un movimiento espas� módico de la cámara y un déficit voluntario de iluminación que re� produzca la realidad. Todo esto hace más baratos los costes de producción y, además, provocan un efecto directo en el especta� dor, que tiene que agudizar sus sentidos para concentrarse en el

visionado con tal de no perder de� talle al mismo tiempo que dispara la imaginación del mismo porque la fuente del horror se muestra vagamente, cediendo casi la tota� lidad del protagonismo a la ten� sión de la espera y a la reacción de los personajes implicados. La película que marcó un antes y un después en esta manera de contar historias de terror fue The Blair Witch Project (Eduardo Sán� chez y Daniel Myrick, 1999). El gran acierto de sus creadores fue por un lado apostar por la credi� bilidad que otorga la documenta� ción audiovisual amateur y, por otro, encuadrar la historia en el marco de la leyenda popular de la existencia de una bruja. El campo temático de la cultura popular y las leyendas urbanas es, insisto, una vuelta a los cuentacuentos y a la apología de los miedos más primarios. En la misma línea, el éxito de The Troll Hunter (André Ovredal, 2010) en Noruega es de� bido a la estrecha relación de la población del país con las histo� rias de trolls, actualmente cria� turas entrañables, pero hace no tantos años protagonistas de his� torias destinadas a asustar a los niños antes de ir a la cama. Aunque The Blair Witch Project fue pionera a las puertas de siglo XXI, el primer mockumentary fue rodado en Suecia el año 1922. Se trata de Häxan: la brujería a través de los siglos (Benjamin Chris� tiansen, 1922) y es la producción escandinava más cara del cine mudo (costó hasta dos millones de coronas suecas). Su ambiciosa propuesta fue un montaje de hora y media hilado como un documen� tal didáctico centrado en la caza de brujas durante la Inquisición, haciendo especial hincapié a las enfermedades mentales que eran confundidas con posesiones y he� chizos. En Häxan hay dramatiza� ciones de sacrificios que, torturas y artes oscuras que se alternan con la fase documental, con es� cenas en las que incluso aparecen unos primeros intentos, bastante


Imagen de Monstruoso (Cloverfield) de Matt Reeves (2008)

efectivos por cierto, de slow mo� tion para animar esqueletos y si� mular movimientos de objetos. Si comparamos Häxan y The Blair Witch Project vemos que a pe� sar de estar relacionadas íntima� mente las diferencias son abis� males. Mientras que la película sueca es una producción cara, la norteamericana costó tan solo 35.000 dólares. Esta diferencia presupuestaria responde a esta irrupción de la tecnología que po� sibilita la grabación de películas cotidianas y que estas puedan lle� gar a un público masivo gracias a las redes sociales. J.J. Abrams y Matt Reeves enten� dieron muy bien las posibilidades del mockumentary/found footage y las explotaron con gran eficien� cia en Monstruoso (Matt Reeves, 2008). Los realizadores idearon la película como un producto global que va más allá de la sala de cine. Aprovecharon YouTube para lan� zar virales con imágenes del film para generar incertidumbre y pro� www.cinemascomics.com

mocionaron la película con carte� les, fotografías y noticias falsas que jamás revelaban el título de la misma. En definitiva, utilizaron las herramientas que el propio formato de la película les invita� ba a utilizar y concibieron Monstruoso como un producto popular de gran impacto mediático no por la película en sí, sino por la noto� riedad y la atracción que genera el misterio presentado como una falsa realidad, pero creíble al fin y al cabo. De hecho “cloverfield” (título original del film) es, aun� que parezca mentira, el nombre en clave del dispositivo operato� rio del ejército de EEUU en caso de sufrir el ataque de un mons� truo gigante. Sin embargo, en Monstruoso nos movemos en términos de realismo épico, ya que en el fondo es una película de terror, ciencia-ficción y aventuras narrada de una forma poco convencional. Para anali� zar realmente el auge del found footage tenemos que fijarnos en el caso fulgurante de Paranormal

Activity (Oren Peli, 2007), au� téntico arquetipo de este tipo de cine “de pobres” que a pesar de la precariedad de su propuesta ha llegado a convertirse en una fran� quicia de gran éxito. La clave de Paranormal Activity es que recupera un rasgo del cine de terror que con el tiempo y la progresiva derivación hacia el di� vertimento y/o el gore se había perdido. Al igual que hizo John Carpenter en Halloween (1978), Oren Peli propone un atentado di� recto a la cotidianeidad a través del erotismo de la amenaza in� vencible. La sola presencia de Mi� chael Myers envuelve con un aura opresiva el tranquilo barrio de Haddonfield y el tratamiento so� brehumano del asesino, sigiloso, fuerte y despiadado como ningún otro, convierte el horror físico en un terror psicológico en el que el advenimiento de la violencia re� sulta más horripilante que el ase� sinato en sí. Paranormal Activity funciona con los mismos princi� pios, generando tensión desde la Cinemascomics │Febrero 2012 │

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Fotograma de Paranormal Activity. Oren Peli (2007)

simple contemplación de la vida cotidiana de una pareja conver� tida en blanco vulnerable de un mal ajeno del cual no tienen co� nocimiento. Viendo la película nosotros sabemos que algo va a ocurrir pero no sabemos cuándo, y este compás de espera sintiendo el latido de la amenaza invisible mientras observamos un hogar que bien podría ser el propio es el gran atractivo del film.

La explotación del género Como apuntaba al principio, a lo largo de la última década se ha desarrollado mucho este tipo de formato narrativo dentro del cine de género porque implica costes bajos y un impacto considerable en la audiencia dispuesta a descu� brir nuevas formas de asustarse. Además, el cine de terror tiene un nicho de mercado importante

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y es una cantera ideal pera nue� vos profesionales, de modo que la apuesta por este estilo de pro� ducciones, que además están de moda, están sirviendo para pre� sentar propuestas originales. Jaume Balagueró y Paco Plaza han consolidado sus carreras con el reconocimiento internacional que ganaron con [REC] y [REC]2, dos películas que les han servido para poner sobre el tapete todo su talento para manejar los rudi� mentos del terror y han consegui� do, especialmente con la segunda parte, desarrollar la técnica del mockumentary con una creativi� dad excepcional, demostrando que se puede rodar de esta forma sin descuidar el dinamismo de la acción ni la calidad de la fotogra� fía. También son muy ambiciosas pe�

lículas como El Último Exorcismo (Daniel Stamm, 2010), que hace un retrato bizarro de la América profunda como no se veía desde La Matanza de Texas, o la urugua� ya La Casa Muda (Gustavo Her� nández, 2010), una cinta inspi� rada en hechos reales rodada en cuatro días y casi íntegramente en un plano secuencia. Sólo este año hemos podido ver, aunque sea sólo en circuito de festivales, varios films interesan� tes que siguen esta misma fór� mula. En la pasada edición del Festival de Sitges tuvieron muy buena acogida dos mockumen� tarys de cazafantasmas como Emergo (Carles Torrens, 2011) y Grave Encounters (The Vicious Brothers, 2011), así como la cinta de found footage Apollo 18 (Gon� zalo López-Gallego, 2011) que desvela los misterios del fracaso www.cinemascomics.com


de una misión lunar. La que sí que se estrenará seguro, el 16 de mar� zo, es The Devil Inside (William Bret Bell, 2012), una película que promete resucitar el subgénero de exorcismos del coma creati� vo en que vive desde hace déca� das, sólo con contadas excepcio� nes como El Exorcismo de Emily Rose (Scott Derrickson, 2005) o la mencionada El Último Exorcis� mo. También está en horizonte el mockumentary de producción belga Vampires, de Vincent La� noo, que documenta el día a día de una familia de vampiros con un tono muy realista, destapando un drama familiar común en el seno de una familia que, por su condi� ción, no lo es tanto. Sin embargo, esta narrativa en primera persona no es tan solo propiedad del cine de terror, aun� que los que se dedican al género hayan sido los pioneros en explo� tarlo. Ni siquiera es un formato exclusivo del cine, ya que en tele� visión tiene muchas posibilidades, incluso más, para ser un recurso efectivo a la hora de producir falsas ficciones. Ricky Gervais y

Stephen Merchant han llevado un paso más allá su particular visión de la comedia en la serie de re� ciente estreno Life’s too short, protagonizada por el actor enano (de ahí lo de “short”) Warwick Davis, que se interpreta a sí mis� mo en una versión patética. El suculento realismo que otorga el hecho de que los actores figuran� tes (Johnny Depp, Liam Neeson, Steve Carrell, Helena Bonham Carter, etc.) interpreten carica� turas de sí mismos, junto con la puesta en escena documental, suben un nuevo escalón en la apuesta por el humor basado en la incomodidad y la ridiculización que sus creadores ya pusieron en práctica en The Office y Extras, sus anteriores ficciones realistas. Pero volviendo al cine, Catfish (Henry Joost y Ariel Schulman, 2010), por ejemplo, es un thriller disfrazado de falso documental con las nuevas plataformas de comunicación y las redes socia� les como focos protagonistas, ya que favorecen relaciones envuel� tas en el contacto indirecto y, por tanto, en un desconocimiento del otro que puede brindar más de

una sorpresa. No es un falso do� cumental reconocido aunque re� sulta bastante evidente que lo es, pero lo fundamental es que resul� ta extrañamente auténtico gra� cias a su puesta en escena, a la actualidad del tema y a la verdad que arrojan los personajes con sus interpretaciones. Siguiendo esta línea, el próximo 2 de marzo se estrena en nues� tro país Chronicle de Josh Trank, una película de ciencia-ficción contada en primera persona por unos adolescentes que adquieren súper poderes después de entrar en contacto con una sustancia extraña y se dedican a filmar las fechorías que hacen con sus nue� vas habilidades. La crítica nor� teamericana ha recibido muy bien esta intersección entre el sci fi y el found footage, lo que deja en� trever que el experimento tendrá continuidad en el futuro, con más asiduidad y reciclando cada vez más géneros.

Fotograma de The Devil Inside. William Brent Bell (2012) www.cinemascomics.com

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Estreno


LUCES ROJAS

2 de marzo

Dos investigadores de fraudes pa� ranormales, la veterana doctora Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su ayudante Tom Buc� kley (Cillian Murphy), estudian los más diversos fenómenos metapsí� quicos con la intención de demos� trar su origen fraudulento. Simon Silver (Robert De Niro), le� gendario psíquico, tal vez el dota� do más célebre de todos los tiem� pos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. Tom comienza a desarrollar una densa obsesión por Silver, cuyo magnetismo se refuerza de forma peligrosa con cada nueva mani� festación de oscuros fenómenos inexplicables… ACERCA DE LA PELÍCULA LUCES ROJAS es el tercer largo� metraje de Rodrigo Cortés tras las multipremiadas CONCURSAN� TE (2007) y BURIED (Enterrado) (2010). Un thriller psicológico que explora los mecanismos de per�

cepción del cerebro humano y las fronteras difusas entre creencia y ciencia, a partir de las vivencias de dos científicos racionalistas que diseccionan el mundo de los fenómenos metapsíquicos, y del choque de fuerzas que llevarán a cabo con un psíquico de fama mundial. El pasado y el presente de cada uno de los protagonistas encierran una oscuridad no desve� lada que contribuirá a desencade� nar una oscura trama de tensión creciente y giros inesperados. Mientras Ryan Reynolds sufría, literalmente, en las inmediacio� nes de Barcelona el rodaje de BURIED (film que estaba destina� do a triunfar en Sundance 2010 y en taquillas de todo el mundo), el guión original de LUCES ROJAS ya aguardaba en el escritorio de trabajo de Rodrigo Cortés. El pro� yecto llevaba tiempo gestándose; podría afirmarse que BURIED fue una tarjeta de presentación para lo que estaba por venir. Ambos filmes son, en apariencia, antitéticos, aunque comparten la misma vocación de convertirse en

experiencias físicas y emociona� les de primer orden. BURIED se realizó con un presupuesto muy reducido; el coste de LUCES RO� JAS multiplica diez veces esa can� tidad. La soledad de Reynolds a lo largo de sólo 17 días de rodaje contrasta con los exhaustivos cas� tings realizados para LUCES ROJAS en Los Ángeles, Nueva York, Lon� dres o Toronto, que se traducen en más de 60 actores, 4.000 ex� tras y un elenco principal que no requiere presentación ni adornos: Sigourney Weaver, Cillian Murphy, Robert De Niro, Toby Jones, Eli� zabeth Olsen, Joely Richardson…, a lo largo de diez semanas y me� dia de rodaje en diversas locali� zaciones de Barcelona y Toronto. Sin embargo, el ritmo frenético de trabajo, la cantidad de planos obtenida por Cortés en cada jor� nada para conseguir el meticuloso ritmo de montaje a que nos tiene acostumbrados, y el radical con� trol creativo sobre cada aspecto de la producción, mantenido al 100% desde España, emparientan ambas experiencias mucho más de lo que parece a simple vista. LUCES ROJAS intenta demostrar


que el sentido de la comerciali� dad no tiene por qué estar reñi� do con el rigor, y que los grandes valores de producción y las estre� llas de Hollywood no tienen que servir para mirar al espectador por encima del hombro, sino para hacerlo partícipe imprescindible de un juego sensorial: tratarlo de tú a tú. Con proverbial meticulo� sidad, Cortés dedicó más de año y medio al estudio de todo tipo de fenómenos inexplicables y los intentos de respuesta desde la ciencia escéptica, por un lado, y la parapsicología tradicional y el sector «creyente», por otro, para conseguir una aproximación tan científica y rigurosa como la que define a los propios protagonistas de la historia. Resulta indispen� sable ser verosímil, evitar mani� queísmos, y a la vez transmitir una sensación de radical verosi�

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militud y tensión constante. De ahí un rodaje que conceptual� mente acercaba más la trama al thriller político que a un film de puro género, y cuyos referentes han sido Pakula, Pollack, Lumet o Frankenheimer por encima de otras propuestas más ligadas a los fuegos de artificio. Volviendo a los paralelismos con BURIED, la propuesta de LUCES ROJAS ha se� ducido profundamente al merca� do internacional desde su presen� tación en el American Film Maket del año pasado, y ésa quizá sea la mayor diferencia entre ambas cintas: mientras BURIED tuvo que mostrarse en Sundance para que el público y el mercado entrasen en su juego, LUCES ROJAS ha vis� to garantizado desde el inicio de la producción su estreno a nivel mundial, y los distribuidores más importantes de cada territorio se

han hecho con los derechos de la película, situándola como uno de los estrenos más esperados de 2012 en todo el mundo. CIENCIA Y MAGIA. LUZ Y SOMBRA. CARA Y CRUZ. LUCES ROJAS es la confrontación del ilusionismo con la ciencia, de lo oculto con la desmitificación esclarecedora y realista. Une los goces combinados de lo paranor� mal y la prestidigitación de esce� nario con la disección psicológica de ciertas películas de los 70. No es un whodunit, ni una película de género al uso: persigue la ló� gica subterránea de las novelas de Richard Matheson. Es analítica —no en vano transcurre en aulas y laboratorios y tiene como pro� tagonistas a científicos, rigurosos racionalistas, dotados psíquicos www.cinemascomics.com


y parapsicólogos—, pero también emocionante y física. Es una pe� lícula de demostraciones, experi� mentos y espectáculos de masas, con registro constante de datos; una película de actuaciones pú� blicas, fenómenos inexplicables, aparatos medidores, cámaras de vídeo, archivo, una película de monitorización electrónica y re� transmisión televisiva. Pero es también una película dinámica, física y esquiva, para cuyo trán� sito resulta difícil encontrar un mapa fiable. LUCES ROJAS se mueve en terri� torios fronterizos. Sus personajes usan los diálogos con desenvol� tura para transmitir información profesional, debatir hipótesis y cerrar planes de acción, pero, en lo emocional, nada se explicita verbalmente. Las relaciones pro� www.cinemascomics.com

fundas entre los diferentes perso� najes, su emocionalidad escondi� da, fluyen por cauces no verbales. LUCES ROJAS se afirma con tanta pasión en su trama como en la fuerza dramática de sus persona� jes, reales, complejos. Contra� dictorios. Por eso ha sido funda� mental contar con el talento de grandes actores, con sus miradas y sobreentendidos. El subtexto que esconden sus reacciones. Sus silencios. Sus secretos. Visualmente, se busca el rigor, una especie de elegancia severa combinada con una organicidad palpable. Hemos intentado que la luz sea precisa y estética, creíble, muy física, y su planificación rigu� rosa y arrebatadora. El espectador debe vivir una experiencia llena de intensidad emocional, percibir de forma tangible la amenaza de

lo desconocido. LUCES ROJAS es una película muy pegada al suelo, estilizada pero sudorosa, progre� sivamente contrastada, pero con vocación aterrizada y tangible, concreta, emocionante y realista. Existe la continua incertidumbre sobre si lo que sucede, sin impor� tar su espectacularidad, responde a manifestaciones inexplicables o no; podrían encontrarse argu� mentos para sostener ambas teo� rías. La duda es constante. El espectador, sin apenas darse cuenta, adopta la perspectiva analítica de los protagonistas, poniendo en cuestión cuanto ve sin poder dar nada por cerrado, tratando de encontrar las claves ocultas tras los hechos, las con� tradicciones internas, las notas discordantes, las incongruencias. Las luces rojas… Cinemascomics │Febrero 2012 │

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Estreno


9 de marzo

De Andrew Stanton, realizador galardonado con el premio Oscar®, llega JOHN CARTER, una aventura de acción espectacular, ambientada en el misterioso y exótico planeta Barsoom (Marte). JOHN CARTER está basada en una clásica novela de Edgar Rice Burroughs, cuyas imaginativas aventuras sirvieron –y sirven hasta hoy- de inspiración para muchos cineastas. El film narra la historia de un veterano de guerra, ex militar capitán John Carter (Taylor Kitsch), quien inexplicablemente es transportado hasta Marte donde, pese a su reticencia, se verá inmerso en un conflicto de proporciones épicas con los habitantes del planeta, entre los que se encuentran Tars Tarkas (Willem Dafoe) y la cautivante Princesa Dejah Thoris (Lynn Collins). En un mundo al borde del colapso, Carter redescubrirá su humanidad al advertir que la supervivencia de Barsoom y su gente está en sus manos.


Walt Disney Pictures presenta el film épico de acción JOHN CAR� TER, basado en el clásico de Ed� gar Rice Burroughs “A Princess of Mars”, la primera novela de la serie de este autor acerca de Barsoom. El año 2012 marca el centésimo aniversario del perso� naje creado por Burroughs, ‘John Carter’, el héroe espacial original presentado en esa serie, que ha entretenido a generaciones ente� ras con sus muchas aventuras en Marte. Con el paso de los años, John Carter se convirtió en el paradig� ma del héroe para muchas mani� festaciones de la cultura popular. Desde novelas hasta libros de có� mics, piezas de arte a animación, programas de televisión y –ahoracine, el personaje ha inspirado a varias de las más creativas men� tes del último siglo. Fanático de la saga de libros de Barsoom desde su infancia, el lau� reado director y guionista Andrew Stanton explica qué lo inspiró a traer a John Carter a la pantalla grande en su primera incursión al

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cine de acción real: “Me topé con estos libros a la edad perfecta. Tenía cerca de 10 años y me enamoré con el concepto de un ser humano atrapado en Marte, entre criaturas asombrosas y en un mundo nuevo e insólito para él; un extraño en una tierra extraña. Era un aspecto muy romántico de la aventura y la ciencia ficción. Siempre pensé que sería genial poder verlo en pantalla gigante”, afirma. “JOHN CARTER es una gran aventura épica con romance, acción e intriga política”, continúa Stan� ton. “Como la historia fue escrita hace tanto tiempo, fue un poco el comienzo de ese tipo de narraciones; un libro de cómic antes de que aparecieran los libros de cómics; una historia de aventuras antes de que la aventura se convirtiese en un género en sí misma”. Andrew Stanton dirigió y coes� cribió el guión de WALL•E, de Disney•Pixar, por la cual ganó un premio Oscar® y un Globo de Oro

al Mejor Film Animado en 2008. Stanton también fue nominado a un Oscar® por el guión. Reali� zó su debut como director con el film BUSCANDO A NEMO, de Disney•Pixar, que recibió una no� minación al Oscar® en el rubro Mejor Guión Original y se alzó con dicha estatuilla en la categoría Mejor Film Animado en 2003. Stan� ton ha trabajado como guionista y/o productor ejecutivo en los siguientes films de Disney•Pixar: TOY STORY, BICHOS (que también codirigió), TOY STORY 2, MONS� TERS INC., RATATOUILLE y UP. Willem Dafoe, quien interpreta a Tars Tarkas en el film, expresa acerca de trabajar con Stanton: “Colaboré con Andrew en BUSCANDO A NEMO y, aun cuando tú sólo estás poniendo la voz de un personaje, él está increíblemente bien informado y conoce cada toma, cada proceso; es una persona hábil para hacer muchas tareas a la vez. Así que, cuando me contó acerca de este proyecto y de cómo quería encararlo, me entusiasmé porque él es la clase www.cinemascomics.com


de persona que puede manejar un film así, sin ningún cinismo acerca del proceso. El ama todo esto; ama la historia”. El elenco estelar está lidera� do por Taylor Kitsch (de “Friday Night Lights”, de la cadena NBC; X-Men: Origen) en el papel princi� pal; Lynn Collins (50 primeras ci� tas, X-Men: Origen) como la prin� cesa guerrera Dejah Thoris y el nominado al Oscar® Willem Dafoe (Spider-Man, La sombra del vam� pio) como el habitante Marciano Tars Tarkas. El reparto también incluye a Tho� mas Haden Church (Entre Copas, Spider-Man 3), Polly Walker (Furia de titanes, Juego de Patriotas), Samantha Morton (Elizabeth: la edad de oro; In America); Mark Strong (Sherlock Holmes, Red de mentiras), Ciaran Hinds (Munich, Pozos de ambición), el actor bri� tánico Dominic West (300, Chica� go), James Purefoy (Vanity Fair, Resident Evil) y Bryan Cranston (“Breaking Bad”). Daryl Sabara (LOS FANTASMAS DE SCROOGE, Spy Kids) encarna el personaje del sobrino adolescente de John Car� ter, Egdar Rice Burroughs. Los productores de JOHN CARTER son Jim Morris (WALL•E, RATA� TOUILLE) y Colin Wilson (Avatar,La guerra de los mundos) y el libro fue adaptado para la pantalla para Andrew Stanton y Mark An� drews, junto con el escritor ga� nador del premio Pulitzer Michael Chabon. El laureado equipo de realizadores también incluye al diseñador de producción –nominado al Oscar®Nathan Crowley (Enemigos públi� cos, Batman: el caballero oscuro, Batman Begins), a la diseñadora de producción Mayes Rubeo (Ava� tar, Apocalypto), al director de cámara Daniel Mindel (Star Trek, Misión Imposible III, Spy Game), a la productora de efectos visuales Lindsey Collins y a Eamonn Butler, director de animación.

LA REALIZACIÓN DE JOHN CARTER La grabación de JOHN CARTER comenzó en el Reino Unido el 4 de enero de 2010. Con el crecien� te interés del público y la espe� culación de múltiples sitios de fanáticos ante cada movimiento de la producción, la mayor parte del trabajo de rodaje en estudios (junto con las secuencias exterio� res ambientadas en la Tierra) se rodaron en los estudios Shepper� ton, en Londres, y en los estudios Longcross de Chelburn, durante un cuatrimestre. A finales de abril, la producción se

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había ya mudado a Utah para unas 12 semanas adicionales de roda� je, con localizaciones en Moab, Lake Powell, en Salinas, Hanksvi� lle (donde la agencia aeroespacial NASA ha probado vehículos robot) y Big Water, una gran plataforma de arenisca granulada ubicada en las cercanías de una estructura rocosa rojiza que bordea el monu� mento Grand Staircase National. Si bien JOHN CARTER tendrá una proporción de efectos visuales, los cineastas quisieron utilizar locaciones reales y paisajes para registrar la acción. El productor Jim Morris explica el por qué. Cinemascomics │Febrero 2012 │

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“Decidimos grabar tanto como fuese posible en locaciones reales y minimizar la cantidad de sets digitales para que la audiencia se sienta realmente ubicada en lugares verdaderos. Esperamos que esto agregue una capa adicional de autenticidad, que resalte la credibilidad y el realismo del film”.

película se verán torres y más torres”.

“Es lo que yo llamo nuestra ‘pequeña porción de Marte’”, dice el productor Colin Wilson acerca de las locaciones en Utah, aunque ‘pequeña’ no sería la palabra más acertada para describir un set de rodaje que se extiende tan le� jos como los ojos pueden llegar. Utilizando el vasto esplendor del paisaje natural (y de las piezas de decorado construidas como adicionales) estas ‘ruinas de una ciudad marciana’ serán comple� tadas de forma digital en la post producción. “Nuestra filosofía ha sido utilizar locaciones prácticas con sets reales y con piezas que actúan como piedra angular para nuestro mundo digital”, explica Wilson. “Los edificios alcanzan un cierto nivel aquí, pero en la

Para el diseñador de producción, Nathan Crowley, crear la aparien� cia de tres culturas diferentes para la película fue el punto de partida del proceso de su tarea. “Tenemos tres culturas centrales en Barsoom: Zodanga, Helium y la cultura Thark. Por eso necesitábamos también tres diferentes clases de arquitectura. Por ejemplo, creé la que bauticé como ‘modernismo antiguo’ a escala gigante para las criaturas Thark. Es como si la arquitectura modernista de la década del 60 hubiese podido trasladarse a otros mundos, pero con edificios destrozados que reflejan el aspecto de las ciudades en ruinas. Esa idea se desarrolló luego de que encontrásemos nuestras locaciones reales,

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De todas formas, en el set, la mez� cla de la realización tradicional y de la magia generada por ordena� dor se eleva a una forma artística en la medida en que Stanton y su equipo de producción dan vida a la historia.

porque yo quería que el paisaje natural formara parte de la arquitectura”. La mayor inspiración de la diseña� dora de vestuario, Mayes Rubeo, fue el director de JOHN CARTER, Andrew Stanton. Rubeo explica: “¡La visión de Andrew viene directamente de Barsoom! Es como si él hubiera visitado ese lugar, así que todos intentamos sacar la mayor cantidad posible de detalles de su cabeza. Ha sido un colaborador maravilloso porque es un auténtico visionario y entiende la importancia de todo lo que hago”. Trabajar en una película del géne� ro fantástico le concedió a Mayes una gran libertad artística. “Quería representar una apariencia antigua pero siempre dentro de un film de ciencia ficción; esta visión nació hace 100 años de la mano de Burroughs. Debía ser fantástica, llena de imaginación y color. La forma en la que las criaturas de Barsoom llevan sus accesorios, tocados y los elementos de sus trajes tienen un impacto imwww.cinemascomics.com


portante en el film y contribuye a diferenciar a la gente de estas dos ciudades. Investigué mucho y así ideamos un aspecto sustancial para las tribus que es, a la vez, efectivo y dramático”. Junto con el vestuario, el proceso de dar vida a los personajes re� cayó sobre el director y los acto� res, apoyados por la habilidad de los maestros de efectos visuales y los maquilladores, que los prove� yeron de características tribales individuales. Para Taylor Kitsch y Lynn Collins, quienes aparecen en la pantalla con forma humana, el proceso es muy directo pero físicamente arduo. “Es el papel más ‘físico’ que he interpretado”, dice Kitsch acerca de John Carter, su heroico personaje, quien ha sido liberado de las limitaciones de la gravedad de la Tierra. “Los saltos, las escenas de riesgo, el entrenamiento para el uso de la espada… ¡En fin! En prácticamente todas mis escenas en Marte estoy atado a unos cables”, señala.

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“Nos colgaban de cables todo el tiempo”, coincide Lynn Collins, cuyo personaje tiene notables cualidades de princesa que son ciertamente igualadas por sus habilidades como guerrera. “Después de esta película creo que mi miedo a las alturas ha sido aniquilado por completo”. Para los actores que interpretan a los personajes de la cultura “Thark”, sin embargo, el proceso fue aún más complejo. En la pan� talla, el Tars Tarka que encarna Willem Dafoe, por ejemplo, apa� recerá como un extraterrestre de 9 pies de altura (casi 3 metros), con cuatro brazos, que se ele� va sobre John Carter. En el set, Dafoe igualó la altura de su per� sonaje actuando con zancos. Su cuerpo fue cubierto con un ajus� tado traje gris con puntos negros, que funcionaban como referencia para los animadores que recrea� rían sus movimientos digitalmen� te durante el proceso de post producción. De forma similar, su rostro también fue cubierto con puntos negros mientras dos cáma�

ras, suspendidas en un casco, gra� baban sus movimientos faciales. “Realmente se comprometieron con el proceso”, asegura Wilson acerca del elenco. “Le dijimos a todos los ‘personajes Thark’ que sería complejo. Pero ellos salieron de la reunión con Andrew diciendo ‘¿Dónde debo firmar?’. Creo que es por la forma en la que estos personajes han sido escritos para el film. Es algo único para los actores, una oportunidad especial de contar una historia que jamás ha sido contada y de crear un mundo que nadie ha visto antes”. El director, Andrew Stanton, está entusiasmado de ser el responsa� ble de una historia jamás contada y de ese mundo cinematográfico nunca antes visto, y espera repli� car la excitación que lo cautivó a él cuando era niño. “Mi objetivo es poder creerlo”, afirma. “Creer que realmente esto sucede allí en la galaxia. Esa misma sensación que tienes cuando lees un buen libro fantástico… ¿Cómo sería si…?”.

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criticas

Ghost Rider: Espirítu de Venganza

Por David Larrad

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Fantástico / Acción/ Comics / EEUU / 2012 / 95 minutos / Columbia Pictures / Hyde Park Entertainment / Imagenation Abu Dhabi FZ. Director: Mark Neveldine, Brian Taylor. Actores: Nicolas Cage, Idris Elba, Violante Placido, Fergus Riordan, Ciarán Hinds, Christo� pher Lambert, Johnny Whitworth. Guión: Mark Neveldine, Brian Taylor (Historia: David S. Goyer). Música: David Sardy.

Los directores del film son Mark Neveldine y Brian Taylor respon� sables de películas como la saga “Crank” y “Gamer”, donde impri� men su propio sello, en el reparto destaca sobre todos Nicolas Cage, pero tambien aparecen Ciarán Hinds, Idris Elba, Violante Placido y Christopher Lambert. EL guión está escrito por David S. Goyer que escribió también la hsitoria de “Batman: El Caballero Oscu� ro”. “El Motorista Fantasma 2: Espíritu de Venganza” trata sobre Johnny Blaze que está retirado del mun� do escondido para que el moto� rista fantasma no aparezca, pero una orden de monjes va a buscar� lo para que encuentre y proteja a

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un niño que esta siendo persegui� do por unos secuaces del demo� nio con el que el motorista hizo el trato. “El Motorista Fantasma 2: Espiritu de Venganza”: Es exactamente lo que te esperas una locura caóti� ca pero que en conjunto resulta ser una película bastante entre� tenida, se pasa el rato bastante deprisa y es que no para ni un se� gundo, no da ni un solo respiro a los espectadores. La banda sonora de David Sardy es una copiada de “Batman: El Caba� llero Oscuro”, sobre todo en los momentos de tensión, pero aun así está muy bien integrada en la acción.

Los efectos especiales en su ver� sión digital, en una pantalla gran� de están geniales, el fuego está muy bien hecho. La escena donde posee una grúa es sencillamente brutal. Quizás lo único reprobable en el film es ese toque tan excéntrico que le quieren dar los directo� res, que les hizo tan famosos con el film “Crank” por ser bastante original, pero aquí en “El moto� rista fantasma 2″ hay escenas que se podrían haber ahorrado, sobre todo las transformaciones locas de Nicolas Cage cuando se vuelve motorista. En definitiva entretenida y fácil de digerir. www.cinemascomics.com


Chronicle

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Por Gustavo Martín

Fantástico / Súper Héroes / EEUU / 2012 / 83 minutos /20th Century Fox. Director: Josh Trank. Actores: Michael B. Jordan, Michael Kelly, Alex Russell, Dane DeHaan, Ashley Hinshaw, Anna Wood, Joe Vaz, Luke Tyler, Matthew Dylan Roberts. Guión: Max Landis. Música: Varios.

Chonicles cuenta la historia des� de una perspectiva que inten� ta ser realista, mostrando como unos adolescentes asumen ciertos poderes, de los que pronto perde� rán el control. Se intenta enfocar más el argumento en los procesos psicológicos, relaciones perso� nales y en las sensaciones que sienten los personajes. Dejando en segundo plano las explicacio� nes del porque de los hechos. La historia se muestra desde la perspectiva de una cámara, gra� bada en primera persona por los protagonistas. Todo comienza cuando uno de ellos estrena una cámara nueva que ha comprado recientemente. A partir de aquí se muestra la historia desde lo que se graba con esta cámara o con otras similares que intervie� www.cinemascomics.com

nen en la historia, como cámaras de seguridad, etc. A diferencia de otras películas rodadas en prime� ra persona, la cámara no tiembla ni va dando tumbos de un lado a otro, evitando así que el público acabe mareado. No existe música de fondo, sino que solamente existe la música real que se pueda estar oyendo en ese momento, como música de la radio, etc. Aunque al estar ro� dada en primera persona, parece en principio que es una película de bajo presupuesto, sorprende con unos efectos especiales muy logrados y espectaculares. Los diálogos sobresalen en la película y son los que nos muestran como sienten los personajes esta histo� ria, mas que con las imágenes que

nos muestra una cámara casera. La película en un principio iba a tener más escenas de sexo y con un lenguaje mas coloquial, aun� que para cumplir que sea para mayores de 13 años se ha suaviza� do el vocabulario y las escenas de sexo solamente se sugieren. Como crítica negativa podríamos decir que tiene un argumento demasia� do sencillo en líneas generales, y que no nos sorprende demasiado. Aunque si que es original como se muestra la historia, y el enfoque que se da con mas protagonismo a las relaciones entre los perso� najes.

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La invención de Hugo

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Por David Larrad

Aventuras / Fantástico / EEUU / 2012 / 127 minutos / GK Films / Infinitum Nihil / Warner Bros / Pictures. Director: Martin Scorsese. Actores: JAsa Butterfield, Chloe Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone, Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour. Guión: John Logan (Libro: Brian Selznick) Música: Howard Shore.

“La invención de Hugo” trata so� bre un niño huérfano que vive en una estación de tren, se pasa la vida arreglando los relojes y so� breviviendo robando comida a la gente. Su sueño es arreglar un pequeño autómata que puede escribir, ya que piensa es que su difunto padre le dejó un mensa� je guardado. Para ello tendrá la ayuda de una niña que conoce en la estación y juntos harán un gran viaje al inicio de las historia del cine. Crítica de “La invención de Hugo”: Es un film muy bonito y con un gran sentimiento hacia el cine y sus orígenes, para ello se utiliza el 3D uno de los últimos avances

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en el séptimo arte. Esta muy bien hecha y es un gran homenaje a la historia del cine, sobre todo de sus inicios, haciendo referencia indirecta o muy directamente a “Metropolis” de Fritz Lang, Char� les Chaplin o el cine de Georges Méliès. Los actores están soberbios, la madurez y experiencia la ponen Christopher Lee y Ben Kingsley. Mientras que Sacha Baron Cohen demuestra que si se lo tomara en serio podría ser un gran actor, el apartado juvenil está a la altura, con un Asa Butterfield muy ex� presivo y Chloë Moretz que tiene un gran futuro por delante, espe� remos que ambos sepan escoger

bien sus futuros proyectos y que Chloë Moretz haga “Kick Ass 2″. Pero no todo es bonito y mágico, también tiene varios problemas, uno es que es muy larga y en oca� siones se hace lenta, ademas pa� rece una película infantil que no está destinada a ese público, así que se queda a medias y no acaba de rematar la faena, podríamos decir que está destinada a los nostálgicos y a los cinefilos más expertos, por eso la taquilla le ha dado la espalda.

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La mujer de negro

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Por María Laura Gutiérrez

Terror / Drama / Inglaterra / 2012 / 95 minutos / Alliance Atlantis Communications / Alliance Films / Hammer Film Productions. Director: James Watkins. Reparto: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Roger Allam, Sophie Stuckey, Janet McTeer, Shaun Dooley. Guión: Jane Goldman (Novela: Susan Hill). Música: Marco Beltrami.

Sin respiración: así deja “La mujer de negro” a todo aquel que opte por conocerla. Si bien es cierto que los primeros minutos es inevitable sentir algo de sorpresa por ver a Daniel Radcliffe ya lejos de su rol de mago y sin cicatrices en forma de rayo adornando su frente, lo cierto es que no hay un solo momento en el que echemos de menos al joven aprendiz de mago. James Watkins ha conseguido lo imposible, que una película ca� rente de escenas violentas y ter� ceras dimensiones (más rentables para las distribuidoras que intere� santes para el espectador) atrape al espectador en una atmósfera de miedo y angustia continua, y lo ha hecho con todo el potencial que recurrir a la narración más clásica puede ofrecer. Silencios, sombras y la imagina� ción del espectador, estos son los www.cinemascomics.com

elementos de los que se ha ser� vido Watkins para dar vida a “La mujer de negro”, un proyecto que supone el renacer de la Hammer, y que sirve para que Radcliffe de� muestre su deseo de distanciarse de posibles encasillamientos. No hay mayor miedo que el produ� cido por lo desconocido, por eso la obra mantiene el suspense has� ta casi el final del metraje, para que seamos nosotros, el público, los que sintamos el desasosiego que siente Arthur (Radcliffe) al desconocer a qué se enfrenta, sin saber si los ruidos que creemos que oímos los oye también el pro� tagonista o son fruto de la suges� tión más maquiavélica. Es cierto que con un poco de atención y perspicacia se resuelve el miste� rio sin grandes dificultades, pero que nadie se engañe, esto sólo ocurre cuando el director tiene previsto que ocurra, y no antes. Somos presa del pánico de no sa�

ber en qué momento aparecerá la temida mujer de negro, ni siquie� ra sabemos de lo que será capaz, pero si somos conscientes de que somos incapaces de parpadear un solo segundo, pues el aura que in� vade la cinta traspasa la pantalla, congelando al espectador en su butaca y dejándole en permanen� te estado de alerta, inquieto ante cualquier leve susurro o sonido. Porque, no se engañen, “La mujer de negro” da mucho más miedo del que puedan imaginarse o dis� frutar en económico y a menudo innecesario 3D, porque el mayor efecto especial usado en la cinta es el mayor efecto especial de to� dos los tiempos, el único que no conoce límites, el que les acom� pañará a sus seguros hogares una vez decidan cobijarse de la sinies� tra noche, y el que permanecerá con ustedes cuando apaguen to� das las luces: su imaginación.

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Infierno Blanco

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Por Enrique Abenia

Aventuras / Drama / EEUU / 2012 / 117 minutos / Open Road Films / Scott Free Films / LD Entertainment. Director:Joe Carna� han. Actores: Liam Neeson, Dermot Mulroney, James Badge Dale, Frank Grillo, Nonso Anozie, Dallas Roberts. Guión: Joe Carnahan, Ian Mackenzie Jeffers. Música: Marc Streitenfeld.

Un puñado de supervivientes en un paraje helado lucha para evi� tar un aciago final. La sinopsis breve de ‘Infierno blanco’ sugiere que se trata del típico ‘survival’ en el que los personajes mueren de uno en uno, pero por suerte es más que eso. El hecho de mostrar a unos hombres en circunstancias extremas permite a la película incorporar una reflexión sobre la vida y la muerte, lo que añade in� terés a la historia y a sus momen� tos de acción. Y si encima el pro� tagonismo recae en un actor de la presencia de Liam Neeson, el filme gana enteros y se convierte en una propuesta recomendable. El fallecimiento de su esposa ha

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roto de dolor a Ottway (Neeson, en un papel con cierto paralelismo con su vida privada, ya que per� dió a su mujer hace unos años). Mientras coquetea con la peligro� sa idea del suicidio, trabaja como cazador para una petrolera. Su labor consiste en librar de lobos los aledaños de las instalaciones para impedir sustos innecesarios. En un viaje de empresa con otros compañeros, el avión se estre� lla en una zona deshabitada de Alaska. La mayoría de ocupantes fallece, salvo siete hombres. Per� didos en la nieve, el frío no será la única amenaza, puesto que les sigue la pista una manada de lo� bos. Ottway liderará al grupo en su gélida odisea.

‘Infierno blanco’ ofrece un relato sencillo y honesto. Poco importa que el desarrollo resulte previsi� ble, puesto que su mensaje cala hondo en el espectador, que pa� dece el frío y el miedo, al igual que los personajes. Escenas como las del avión, la hoguera o el acan� tilado lo demuestran. El director, Joe Carnahan, aquí alejado del ritmo endiablado y gamberro de ‘Ases calientes’, acierta con el tono, bien acompañado por la música y la espléndida fotografía. ‘Infierno blanco’ forma parte de un cine de palomitas que además invita a pensar.

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Orient Express


l e d o ñ a El n ó g Dra

I I e t r a P : 2 1 0 2 os

Estrecinsco Nieto Por Fran

Cinemascomics completa en este mes de marzo el avance de los es� trenos más esperados en las dis� tintas cinematografías asiáticas para este 2012 que acaba de ini� ciarse centrándonos en la produc� ción de Corea del Sur, para acabar dando algunas pinceladas sobre films que si nada lo remedia serán booms de taquilla en países como Tailandia, India o Indonesia. Empezamos nuestro repaso con una cinta que seguramente hará las delicias de todos aquellos amantes de la acción y la come� dia. The Thieves, dirigida por Choi Dong-Hoon, quien tiene en

su haber dos de los films más adrenalíticos del último lustro: Tazza: the High Rollers y Woochi. The Thieves se centra en un gru� po de ladrones a los que llega la oportunidad de dar un gran golpe internacional robando un diaman� te que cuesta la friolera de cua� renta y dos millones de won. Ro� dada en Macao, Hong Kong, Seúl y Busán promete ser uno de los títulos más publicitados del año en Asia, ya que su elenco actoral es de campanillas, con Kim YunSeok (The Yellow Sea); Kim HyeSoo (Villain and Widow) y Simon Yam (Bodyguards and Assassins) a la cabeza.

Y parece ser que las coproduccio� nes entre Corea del Sur y China van a ser moneda común durante esta temporada que acaba de ini� ciarse, y es que otra de las pro� puestas más apetecibles de este año es la que une a las maravi� llosas actrices Zhang Ziyi y Ceci� lia Cheung con el realizador Hur Jin-ho en la libre adaptación de Las amistades peligrosas, novela francesa escrita en 1782 por Cho� derlos de Laclos, titulada preci� samente Dangerous Liaisons (Wo� heomahn Gwangwie). El duelo de actrices está servido, secundadas por el galán coreano Jang DongGun (Good Morning President, The


Carnival) en un film mucho más li� gero y menos trascendente como Howling, aunque cuente con un protagonista de auténtico lujo, Song Kang-ho (Memories of Mur� der). La trama promete diversión para los amantes de los thrillers con animales incluidos: Un hom� bre es encontrado carbonizado con marcas de mordedura de un perro lobo asesino. Un veterano policía y una joven recién llegada al cuerpo serán los encargados de investigar el caso. Por cierto, el papel de agente bisoña está inter� pretado por Lee Na-Young (Plea� se Teach Me English). El film está basado en la premiada novela es� crita por la autora japonesa Asa Nonami en 1996 de título Kogoeru Kiba (The Hunter).

Fotograma de The Taste of Money. de Im Sang-so

Warrior´s Way). Recordamos que también podremos disfrutar en pantalla de la guapísima Zhang Ziyi en Love of Life and Death, de John Woo, así como de Cecilia Cheung en The Monkey King, jun� to a Donnie Yen. Por otro lado, Im Sang-so, otro ci� neasta de reconocido prestigio en su país, presentará The Taste of Money, un nuevo ejemplo de crí� tica hacia la sociedad de su país, centrando sus ataques en las cla� ses más pudientes. En esta oca� sión la erótica del poder sigue en su punto de mira, con poderosos

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que se acuestan con sirvientas y venganzas varias, tal y como ya hiciera en su anterior y celebrado trabajo, el remake de The Housemaid, presentado en el pasado Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El casting de su último film parece de lo más acertado, con Kim Kang-woo (A Better Tomorrow) en el rol de secretario; Yoon Yeo-jung como la poderosa presidenta y Baek Yunshik (The President´s Last Bang como el marido infiel. Sorprende ver a un director como Yoo Ha (A Frozen Flower, A Dirty

Y otra dosis de intriga nos llega� rá con Confession of Murder, un thriller dirigido por Jung Byounggil (Action Boys), y que supone el debut en la gran pantalla después de haberse dedicado exclusiva� mente a la televisión de Park Sihoo. Aquí interpreta a un asesino en serie que escribe una autobio� grafía llamada I´m a Killer (Yo soy un asesino) que acaba convirtién� dose en un auténtico best-seller. Jung Yae-Young (Moss) da vida al detective que lo lleva persiguien� do desde hace quince años sin haber llegado nunca a atraparlo. Un dato curioso de esta produc� ción es la aparición en la primera escena de la película que tiene lugar en una céntrica librería de cien fans de Park quienes ganaron un concurso para aparecer como extras en el film. Y para acabar con nuestro repa� so por los thrillers más interesan� tes que llegarán próximamente a las carteleras coreanas hemos de referirnos a New World, un thriller policial con Lee Jung-Iae (Typhoon), que interpreta a un policia infiltrado en una banda criminal que entrará en conflicto con el segundo de a bordo, Hwang Jung-min (The Unjust) por alcan� zar el liderazgo en la misma. El gran Choi Min-sik (Simpathy for Mr. Vengeance) tiene un papel secundario como jefe de policía. www.cinemascomics.com


Tremendo reparto que va a supo� ner una auténtica prueba de fue� go para Park Hoon-jung, conocido por ser el guionista de la maravi� llosa I Saw the Devil. Para quien eche en falta a los ci� neastas que han encumbrado al cine coreano a las cotas nacio� nales e internacionales que aho� ra mismo disfruta, o lo que es lo mismo, los Park Chan-wook, Bong Jon-hoo y Kim Ji-woon, hay que hacer hincapié en el hecho de que este trío de auténticos malabares de la cámara han decidido por fin dar el salto, plantarse de lleno y probar fortuna en la industria nor� teamericana de Hollywood. Así, el director de obras cumbres como Old Boy o Thirst se atreve con Stoker, un thriller familiar pro� tagonizado por Dermot Mulroney, Nicole Kidman y Mia Wasikowska (ahí es nada el pedazo de elenco) que cuenta con un guión escrito por Wentworth Miller, conocido por su participación en Prison Break. Mientras tanto, el director de la inolvidable The Host proba� rá suerte con Snow Pierce, libre adaptación del cómic francés de ciencia ficción Transperceneige, escrito y dibujado por Jacques Lob y Jean March Rochette, que publicó en España la editorial Bang Ediciones con el título de Rompenieves. El contexto de la obra nos introduce en un univer� so post-apocalíptico en donde la mayoría de humanos han perecido a causa del frío extremo produci� do por el cambio climático. Los pocos que han logrado sobrevivir a la hecatombe viven en un tren donde se les suministra agua y comida y que tiene la particula� ridad de que se encuentra conti� nuamente en marcha. Pero a me� dida que los víveres comienzan a agotarse, el tren se convierte en un lugar sin ley donde todo vale. El lugar escogido para rodar esta cinta de acción ha sido Checoslo� vaquia, un país que cuenta con una muy buena infraestructura para rodajes de alto presupuesto (allí se rodó G-Joe y Amadeus, en� tre otras). Para los fans de Song Kang-ho, estaba claro que no po� día faltar en un film dirigido por www.cinemascomics.com

Ho. Aquí no será una de las es� trellas principales, pero tendrá un rol que se asemejará mucho al que Han Solo interpretó en La saga de las galaxias. Por último, Kim Jee-woon filmará The Last Stand, una película de la que ya se lleva hablando bastante tiempo, dado que significará el re� greso al cine del ya un poco acar� tonado Arnold Schwarzenegguer (exceptuando su pequeño cameo en Los mercenarios, de Silvester Stallone). También estaba previs� ta la participación de Liam Nee� son, pero al final el protagonista de films como Infierno blanco o La lista de Schindler se cayó del proyecto. La trama del film gira en torno a la figura del líder del cartel de una droga (al que da vida Eter Stormare) que consigue escaparse de la corte penal lle� gando a cruzar la frontera entre EEUU y México. En un pequeño pueblo fronterizo se topará con

un sheriff americano de sesenta y tres años bastante activo (Scwar� zenegger) que no cesará en su empeño de atraparlo. También ha trascendido que nuestro Eduardo Noriega tendrá un pequeño pa� pel en el film, con toda seguridad como compinche del villano. Lo cierto es que la mezcla entre el héroe crepuscular y un director que ya ha demostrado con creces su maestría a la hora de abordar trabajos de género puede resultar de mucho interés. Por si fuera poco, Woon ya había dejado preparado en Corea su segmento perteneciente al film colectivo (o como se suele decir actualmente, omnibus) Doomsday Book, concretamente el que lle� va por título Creation of Heaven. En este proyecto también partici� pa otro director importante, Yim Pil-sung (Antartic Journal), quien dirige los otros dos segmentos Cinemascomics │Febrero 2012 │

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del film: Wonderful New World, sobre un joven que empieza a transformarse en un zombi, y otro que aún no tiene título. Respecto al primer fragmento que dirige Kim Jee-woon trata de un robot que alcanza la iluminación en un templo. Otros films de obligada visión este 2012 son The Berlin File, una his� toria de espías nor y surcoreanos en la embajada de Alemania. Diri� ge Yu Seung-wuan, último ganador de la sección CineAsia en el pasa� do Festival de Sitges 2011 con The Unjust. Inicialmente estaba pre� visto que el rodaje tuviera lugar íntegramente en Alemania a prin� cipios de 2012, pero para ahorrar costes de producción se decidió trasladar todo el equipo a tierras letonas, trabajando tan sólo un mes en la capital alemana. Dedicamos la última parte de nuestro artículo a citar algunas propuestas de países con indus� trias cinematográficas de menos renombre que nos llegarán du�

rante este 2012. Una de las pe� lículas más esperadas por el pú� blico, después del espectacular recibimiento por parte de crítica y público en los Festivales donde ya se ha exhibido es la indonesa The Raid, una auténtica revolu� ción en cuanto a cine de acción se refiere, donde desde el primer fo� tograma la adrenalina se apodera de la pantalla y no la suelta has� ta el trepidante final. Y para los amantes de las emociones fuertes y las patadas sin fin recomenda� mos a su vez la última cinta de un clásico del género, el tailan� dés Prachya Pinkaew, realizador y productor entre otras de las aclamadas Ong Back, El guerre� ro Muay Thai y Chocolat. En esta ocasión nos presentará The Kick, donde se cambia de disciplina de lucha, centrándose en las peleas de taekwondo. Los protagonistas del film son una familia surcorea� na que vive en Tailandia. De este mismo país nos llegará la última producción de Pen-Ek Ra� tanaruang (Last Life in the Uni�

verse), con el título de Headshot. Se trata de un thriller al uso en el que un asesino a sueldo, después de pasar dos meses en coma, des� pierta con un fallo de visión, en el que todo lo ve al revés. Este film se presentará durante la próxima edición del Festival de Berlín. En cuanto a la India se refiere, uno de los estrenos más esperados por los fans es Don 2, continuación de la exitosa Don. Farhan Akhtar vuelve a dirigir a Shak Rukh Khan y Priyanka Chopra, en esta nue� va entrega que podrá disfrutarse tanto en dos como en tres dimen� siones. Como podéis ver, buen cine asiáti� co no nos va a faltar durante este 2012. La lástima es que de todos estos títulos apetecibles, con se� guridad a nuestras famélicas car� teleras no llegará ni el diez por ciento de tan suculentas propues� tas.

Imagen de The Raid

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ENTREVISTA

Víctor García

“SOY DE UNA GENERACIÓN DE MITÓMANOS” Empieza a ser habitual la pre� sencia de directores españoles en Hollywood. Sin hacer ruido mediático, Víctor García (Barce� lona, 1974) se hizo un hueco en la industria estadounidense gra� cias a su premiado cortometraje ‘El ciclo’. García, procedente del ámbito de los efectos especiales, se ha centrado hasta ahora en se� cuelas de terror como ‘Return to house on haunted hill’, ‘Reflejos 2’ y ‘Hellraiser. Revelations’, no� vena entrega de la saga. El cata� lán repasa su trayectoria en una entrevista concedida a ’Cinemas� comics’, en la que apuesta por buscar un camino en el cine más allá de la serie B. ¿Cómo llega un español a dirigir series B de terror en Hollywood? Todo comenzó a raíz del corto� metraje ‘El ciclo’, rodado en 2003 y que funcionó bien en Es� paña, pero mejor en el mercado internacional. Cogí las maletas y fui por primera vez a Los Ánge� les para presentarlo en el Screa� mfest, entonces con Stan Winston como presidente del jurado. Gané el premio al mejor corto y, a la semana de regresar a Barcelona, recibí un correo electrónico de un mánager que quería represen� tarme. A partir de ahí, empecé a reunirme con productores y res� ponsables de estudios. Hasta ahora, en lo relativo a lar� gometrajes, ha realizado encar� gos. A pesar de ello, ¿ha intenta� do caracterizarlos con un estilo www.cinemascomics.com

propio? Cuando te presentan un proyecto, lees el guion y siempre modificas algunas cosas, pero la última pa� labra, a todos los niveles, la tiene el estudio. No obstante, se pro� duce un ‘regateo’ en el que, por ejemplo, luchas por mantener el montaje íntegro. ¿El hecho de proceder del mundo de los efectos especiales hace que procure cuidar ese apartado y dialogar con los técnicos? Sí, suelo compartir las mismas ideas que los equipos de efectos especiales. En ‘Return to house on haunted hill’ tuve la suerte de trabajar con DDT, amigos des� de hace mucho y de quienes me encanta su labor. En el caso de ‘Reflejos 2’, la productora que� ría una compañía barata, pero yo prefería que hubiera menos efec� tos y al menos poder rodar prime� ros planos. Por eso hablé con Greg Nicotero, miembro de KNB. ‘Return to house on haunted hill’ fue su debut en el largo. ¿Cómo lo recuerda? En un principio teníamos un guion normal, si bien propuse ofrecer alternativas y que el espectador pudiera escoger su propia aventu� ra en el DVD. Fue una locura, una pesadilla, aunque divertidísima, eso sí. Hubo que rodar seis fina� les posibles, con sus respectivas combinaciones. Entonces venía de realizar ‘El ciclo’, con un actor

y apenas tres localizaciones, por lo que impresionaba un rodaje de esa magnitud. No obstante, fue una experiencia fantástica, no deja de ser mi primera película. Después de finalizar el proceso de edición, llevamos el filme a casa del productor Joel Silver para verlo en su sala de proyecciones, donde le mostramos el montaje lineal. Es una persona que impo� ne, pero tiene criterio. En ese rodaje conoció a Jeffrey Combs. Por temas de presupuesto se tan� teó contratar a otro actor para interpretar al doctor Vannacutt, pero yo quería contar con él. Esa lucha la gané. El día que llegó a Bulgaria (donde se rodó el largo� metraje) fui a cenar con él y me dije: ¡estoy con Reanimator! Es una persona profesional y afable. Soy de una generación de mitó� manos y prefiero trabajar con este tipo de actores antes que con las estrellas de moda, ya que crecí con esas películas de los 80. Después se encargó de la secuela de ‘Reflejos’. ¿Impone tomar el relevo de Alexandre Aja? La gente critica ese tipo de pelí� culas porque espera ver una se� cuela hecha en las circunstancias y condiciones del original. ‘Refle� jos’ costó 40 millones de dólares y para la segunda parte contamos con un presupuesto de tres mi� llones y un tiempo de rodaje de 23 días. El protagonista era Nick Cinemascomics │Febrero │

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Victor García en el rodaje de “Hellraiser IX”

Stahl, un actor cercano, relajado. Nuestro cumpleaños coincidía y lo celebramos juntos. También ce� namos con William Katt, famoso en su día por ‘El gran héroe ame� ricano’. Quería que se conocieran porque interpretaban a padre e hijo en la ficción. Fue emocionan� te compartir esos momentos.

Weinstein (dueños de Miramax), de ahí su salida de tono en Twit� ter. Por otro lado, me extraña que Bradley dijera que la historia era mala, puesto que es amigo del guionista.

¿Qué pasó con ‘Hellraiser IX’ y su polémica posterior?¿Por qué Clive Barker tuvo esa reacción tan furibunda en Twitter? ¿Cuál fue la causa de que Doug Bradley no interpretara a Pinhead?

El estudio nos hizo un craso favor con un tráiler horrible que no in� vitaba a ver la película. ‘Hellrai� ser. Revelations’ tiene carencias, pero solo contamos con 12 días de rodaje y 300.000 dólares de pre� supuesto, y esas no son las mane� ras de continuar con una saga con legiones de fans. A tres días de empezar a grabar ni siquiera te� níamos cámara. Por una situación legal de Miramax, los derechos de ‘Hellraiser’ iban a pasar a manos de Disney. Dimension Films (la filial) debía estar rodando la se� cuela el 5 de septiembre de 2010 porque si no se quedaría sin un futuro ‘remake’. Comenzamos a grabar secuencias sueltas con una sola actriz.

Soy un fan de ‘Hellraiser’, por ejemplo tengo la edición colec� cionista y figuritas, pero hay oca� siones en las que los aficionados sobrepasan el límite. La gente critica sin saber las cosas. ‘He� llraiser. Revelations’ fue escrita como una secuela, al contrario que las cuatro partes anteriores, en las que al final del proceso se incluyó a Pinhead simplemente para mantener los derechos so� bre la saga. Intenté contactar con Barker y Bradley, pero por proble� mas ajenos al equipo de rodaje, prefirió no vincularse con el pro� yecto. Entiendo que se debió a las diferencias con los hermanos

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El largometraje tuvo una mala recepción en Internet.

¿Cómo valora el resultado final? No acostumbro ver mis películas, pero esta vez sí lo hice. En cada

plano recuerdo la presión, el tiem� po escaso y la falta de medios. Si la viera desde fuera la valoraría de otra manera. Entiendo que al consumidor le dé igual, pero el hecho de que el filme tenga ese halo de proyecto maldito alrede� dor hace casi imposible verlo sin prejuicios. Las cosas buenas pa� san desapercibidas. Para que un proyecto funcione se necesita un buen guion y que los productores tengan la misma pasión que el director. En ‘Hellraiser. Revela� tions’ ese era el problema, para el estudio solo se trataba de un producto. Por muchos homenajes que incluyas resulta imposible lo� grar lo que quieres si los que es� tán detrás no te apoyan. ¿Teme encasillarse en secuelas directas a DVD? Me he encasillado, pero procedo de una familia trabajadora, no puedo jugar a ser cineasta. Amo la profesión, aunque es mi oficio; soy un currante y vivo de mi cine. Podría decir que no a las propues� tas y esperar, pero cuánto tiem� po, de qué vivo mientras. Eso sí, ahora, en lugar de una secuela, prefiero sacar adelante otro tipo de películas. www.cinemascomics.com


Cine de los 80

La

PPrometida rincesa Por Sergio Reina


25 años ya desde que se filmó esta película, y parece que fue ayer cuando la vi por primera vez...Y es que es de esas películas que de� jan huella. La he visto mil veces, y no me canso de ella. Aunque he de decir que tengo un especial re� cuerdo de dos de sus visionados, uno fue la primera vez que la vi, cuando quedé completamente prendado de esta magnífica aven� tura, y otra es hace bien poco, cuando la he visto junto a mi hija de 6 años tras conseguir conven� cerla después de muchos inten� tos, pues para ella es una película muy vieja. Me hinché por comple� to al comprobar cómo disfrutó la niña con la película, lo mismo que yo al verla de pequeño. Espero un tercer visionado especial, cuando mi hijo, aún muy pequeño, pueda disfrutar también de ella. Pero al tema. La película es de sobras conocida, y poco nue� vo os puedo aportar sobre ella. Una película que se ha converti� do en obra de culto, dirigida por

Rob Reiner, que venía de dirigir otra magnífica aventura infantil: Cuenta conmigo (1986). El film nos mete en la aventura a través de las palabras de un abue� lo (Peter Falk) a su nieto (Fred Savage). Este último está enfer� mo y ha tenido que quedarse en cama. Su abuelo, para entretener� lo, se acerca a su habitación para leerle el cuanto que solía leerle su padre cuando estaba también enfermo. El nieto, reticente en principio por resultarle el relato aburrido, enseguida se mete en situación, de la que tan solo sale cuando se vuelve más romántico, y que podemos comprobar a tra� vés de los magníficos cortes, en los que abuelo y nieto conversan sobre la trama del libro. El cuento nos trae la historia de Buttercup (Robin Wrigth Penn), una pre� ciosa dama, y de Westley (Cary Elwes), uno de sus sirvientes, que está profundamente enamorado de ella. Cada vez que contesta a sus ordenes con un “como de�

sees”, en realidad le esta dicien� do “te quiero” Ella también cae enamorada de él, y para poder casarse, Westley parte en busca de fortuna para poder darle un buen futuro a su prometida. Pero desgraciadamente, en su camino cae en manos del temible pira� ta Roberts, por lo que Buttercup cae en una depresión que la lle� va a verse obligada a prometer� se al príncipe Humperdick (Chris Sarandon), heredero del trono de Florin. Poco antes de la boda entre Buttercup y Humperdick, ella es secuestrada por un pecu� liar trío: un espadachín llamado Iñigo Montoya (Mandy Patinkin), un gigante (Andre the Giant), y el cerebro del crimen Vizzini (Walla� ce Shawn). En el transcurso del secuestro, alguien les sigue, el temido pirata Roberts, que los irá derrotando uno a uno hasta poder hacerse con Buttercup. Roberts no desvela su verdadera identi� dad hasta que Buttercup oye de sus labios “como desees”. Ahora son ellos dos los que tratan de

Robin Wright Penn y Cary Elwes en una escena del film www.cinemascomics.com

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huir del príncipe, aunque sus es� fuerzos serán en vano, pues ella vuelve a estar prometida y él es capturado para ser torturado. Solo Montoya y Fezzik el gigante, y tras una escena de lujo, serán los que puedan liberar a Roberts para rescatar a la princesa. Siento si he sido un poco extenso al hacer la sinopsis de la pelícu� la, pero es una historia, que me emociona, y es que está llena de aventuras, y de un humor blanco (que no facilón), disfrutrable a cualquier edad. Con frases que han quedado para la posteridad, como la más famosa, y que viene del personaje más carismático del film: “Me llamo Iñigo Montoya, tú mataste a mi padre, prepárate a morir”. Una suerte que Rob Reiner se de� cidiese a dirigir esta película, ba� sada en un libro de su guionista, William Goldman, que tuvo que soportar varios rechazos en su in� tento de adaptar este film. Los actores, puede que anden justitos, pero desde luego acom� pañan al tono de la película, que no es otro que hacernos disfrutar

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con mil y una aventuras sin parar y con mil y una situaciones a cada cual más divertida y entretenida. Aparte de los ya mencionados en la sinopsis, cabe destacar a Bi� lly Crystal, con un breve papel y tras kilos de maquillaje. Se cuen� ta que su interpretación fue casi toda improvisada, y que el direc� tor Reiner tuvo que abandonar el set en una ocasión debido a un ataque de risa provocado por las bromas de Crystal. Desde luego, la frase de Billy: “¿El amor ver� dadero? Quien desee saber que es eso del amor verdadero.... la causa más noble después de un bocadillo de cordero con lechu� ga y tomate cuando el cordero es rico y magro y el tomate está en su punto... Pero no ha dicho amor verdadero, lo que en realidad ha dicho ha sido fa-ro-le-ro...” deja bien patente de improvisación de este actor. Y ¿qué decir de su estupenda ban� da sonora? Compuesta por Mark Knofler, se aguanta por si sola sin la película, y yo llevo muchos años escuchándola, tanto en el coche como en casa. Una banda sonora única, y en la que supuestamente colabora el mítico Willi Deville.

Todas las canciones, además de meternos en situación, son mági� cas, y capaces de transportarnos a ese mundo de ensueño, lleno de aventuras y de amor verdadero. Una lástima que la película aún no cuente con una edición en DVD y Bluray que la haga justicia. Es� pero que el haber cumplido 25 años ayude a que por fin tenga lo que es justo. Una película que a pesar de no ser una gran película, sin duda, es perfecta en aventu� ras, emoción, hogareña, familiar, amor verdadero. Estoy seguro de que tú, lector, no te puedes re� sistir a verla hasta el final cada vez que, zapeando, te topas con alguna de sus reposiciones televi� sivas. Esta es la magia del cine de calidad entretenido. La película perfecta para ver en compañía de la familia, y por su� puesto también en solitario, con la pareja, con los amigos,....

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CLÁSICOS ILUSTRADOS MARVEL: LA GUERRA DE TROYA Contiene Marvel Illustrated: The Trojan War HC Guión: Roy Thomas Dibujo: Jason Martin Formato: Libro en tapa dura. PVP: 15,00 € Editorial Panini Basado en el ciclo épico de Homero y en otras antiguas fuentes, este relato completa los hechos narrados en La Ilíada y La Odisea. Zeus, a través de Temis, la Diosa de la Justicia, ha tejido un plan para lanzar a la humanidad a una sangrienta gue� rra purificadora, de la cual surgirá renacida. La Guerra de Troya supone un fascinante estudio de las raíces auténticas de uno de los más célebres conflictos de la humanidad.

100 % CULT. KULL 1 Contiene Kull vol. 1: The Shadow King TPB USA Guión: Arvid Nelson Dibujo: Will Conrad Libro con solapas. 168 páginas. PVP: 14,95 € Editorial Panini

El esperado regreso de Kull, el conquistador, uno de los más celebrados personajes de Robert E. Howard, el creador de Conan y de Red Sonja. Des� tinado a unificar las tierras de Valusia, el enig� mático Kull es un rey singular que se siente más cómodo con una espada en sus manos que con un cetro. Los emisarios llegados de cada uno de los rincones de su reino buscan su consejo, pero Kull sólo ha recibido a un misterioso emisario. Así es como empezará la guerra por el destino de la hu� manidad...

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INAZUMA ELEVEN Nº 05 Edición original: Inazuma Eleven 5 JAP Guión/Dibujo: Tenya Yabuno Formato: Libro rústica, 192 págs. BN. Precio:7,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics ¡Comienza el Fútbol Frontier, el torneo donde se juegan los encuentros más intensos y emocionan� tes! ¡En este tomo se incluye una historia especial centrada en Shawn Frost! Mark Evans es el capitán y portero del club de fútbol de su colegio. A pesar de su potencial, el equipo cojea y los mismos alumnos de su escue� la no parecen muy interesados en continuar. Pero cuando aparece un misterioso jugador llamado Axel Blaze todo cambiará. Y la transformación será espectacular.

SW: LEGADO Nº09 Edición original: SW Legacy 9 Monster USA Guión/dibujo: VVAA Formato: Libro rústica, 128 págs., color. Precio: 14,95 € Editorial Planeta DeAgostini Cómics Cade Skywalker sigue intentando evadirse de las responsabilidades que conlleva su legado familiar. En pos de una paga sencilla, su tripulación y él se dan de bruces con las secuelas del mayor fallo cometido por su padre. El planeta Wayland, que antaño fue un lugar fér� til, se ha convertido en una pesadilla viviente gra� cias al primer intento de Kol Skywalker de ponerle puertas a la biotecnología terraformadora de los Yuuzhan Vongs. Pero eso no es lo único que se esconde aquí; Cade también dará con los secretos ulcerados de dicha raza y de los Siths… y eso lo llevará a un punto de infl exión. Mientras, en otro lugar de la galaxia, cabe la posibilidad de que el inminente enfrentamiento entre los Jedis, los Siths y los Caballeros Imperiales de Roan Fel ten� ga como consecuencia la paz. www.cinemascomics.com

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Cinemascomics: La revista nº 13  

Cinemascomics: La revista, es una publicación de cine gratuita, especializada en adaptaciones de comics a la gran pantalla, cine fantástico,...

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