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Junio 2012 nº 0 1,50 €

cinegaceta.wordpress.com

Elena Anaya

Descubre los secretos del mundo del doblaje

Premio Málaga Sur 2012

Pág. 70

Nacho Vigalondo

Especial Festival Málaga Pág. 30

Un extraterrestre del séptimo arte Pág. 26

¿Quieres saber cómo trabaja un periodista especializado en cine? Pág.54


Sumario Breves De Autor Adรกn Aliaga Manolito Motosierra Hermanos Delicado Maxi Velloso

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1013 1417 1821 2225

Especial Festival Mรกlaga Alfombra Roja Miel de Naranjas El Cuerpo Memoria de mis putas tristes Elena Anaya. Premio Mรกlaga Sur

3235

Seis Puntos Sobre Emma

4851

FAPAE

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3641 42 43 4447

Periodistas de Cine

5461

Bandas Sonoras

6469

Doblaje

7075

Dark Times Visual

7679

Entrevista Nacho Vigalondo 2629


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¡Bienvenidos, amantes del cine! CineGaceta nace de una pasión común. Cuatro jóvenes y entusiastas estudiantes de periodismo deciden embarcarse en un proyecto arriesgado pero emocionante: lanzar al mercado una publicación en la que poder materializar los elementos que conforman los mundos y submundos del cine. Desde Stanley Kubrick a Tim Burton pasando por Quentin Tarantino, no hay ningún género que escape a nuestro interés. Tras muchos días de visionados constantes de películas de todo tipo y época, hemos forjado nuestro carácter cinéfilo a través de obras maestras como Con faldas y a lo loco, Taxi Driver, Todo sobre mi madre o El árbol de la vida. En cuanto a los estandartes del cine, Johnny Depp, Natalie Portman, Audrey Hepburn o Paul Newman serían algunos de sus referentes. Cada uno de nosotros se ha sentido alguna vez en la piel de personajes como el perturbado Teddy Daniels (interpretado por Leonardo DiCaprio en Shutter Island); el inocente Forrest Gump (encarnado por Tom Hanks) o la vitalista Ann de Mi vida sin mí (caracterizada por Sarah Polley. Como seguidores habituales de otras revistas, nuestro objetivo es informar sobre todos aquellos aspectos del ámbito cinematográfico que pasan inadvertidos en otros medios. Nuestra prioridad es dar cabida a profesionales que hacen posible la existencia de esta industria pero que pocas veces son reconocidos por su trabajo. Actores de doblaje, compositores de bandas sonoras, periodistas especializados en este sector o directores de cine independiente, son algunos de ellos. En cuanto a la imagen, CineGaceta pretende ser un soplo de aire fresco a la oferta existente en cuanto a información cinematográfica. Con una estética clara y directa a la par que elegante y sobria, prima la fotografía sobre el texto, confiriendo a esta publicación una imagen muy visual. Estas características facilitarán la difusión entre el público más joven, con quien pretendemos un especial acercamiento. Sin embargo, los contenidos estarán adaptados de manera que resulten de interés para todos los lectores. Por este motivo, no se dejará sin tratar ningún tema que pueda

resultar atractivo o de actualidad. El reportaje será el género estrella de CineGaceta. Una de las máximas de esta publicación será contrastar y verificar la información del modo más riguroso posible, por lo que se contará con múltiples fuentes que den voz a los distintos puntos de vista y opiniones. Esto podrá llevarse a cabo debido a que no nos sentimos sujetos a ninguna línea editorial concreta. La cobertura de eventos cinematográficos será uno de nuestros puntos fuertes ante la competencia, puesto que intentaremos ofrecer una cobertura especializada y en primera persona, mostrando la otra cara de estos actos y de sus protagonistas. Los festivales de Sitges, Valladolid, Málaga o San Sebastián contarán con un tratamiento prioritario en nuestras páginas. Por otro lado, en cada número se incluirá al menos una entrevista a un personaje reconocido que proporcione un valor añadido a nuestra revista. Además, los profesionales noveles también contarán con un espacio dedicado a ellos, con el objetivo principal de relanzar su carrera artística y difundir su trabajo. La crítica y el análisis fílmico ocuparán un lugar de prestigio en futuras ediciones de la publicación. Las tribunas y opiniones de profesionales y expertos en la materia también se considerarán de suma relevancia. La convivencia del papel y el formato digital es un hecho. CineGaceta apuesta por un formato híbrido entre edición impresa y blog, adaptando los textos de un formato a otro. La hipertextualidad y la multimedialidad serán una parte fundamental de las publicaciones online, que nos permitirá proporcionar una información audiovisual complementaria a la ofrecida en la versión tradicional. Los redactores de CineGaceta se comprometen a abarcar metas más ambiciosas en función de los beneficios y la acogida del público. Cubrir información internacional y consolidar nuestro nombre en el mercado de la información es nuestro objetivo común. EL EQUIPO DE CINEGACETA


Coches de Cine Por ANA ESCLAPEZ JJDLUXECARS, constituida en abril de 2011, es la mayor empresa española de coches históricos y de alta gama para todo tipo de eventos. Desde grabaciones de películas a exposiciones de diversos tipos de automóviles, especialmente clásicos. Además, es posible contratar sus servicios para otro tipo de acontecimientos como bodas, despedidas de soltero o fiestas privadas. Algunos de sus coches han aparecido en auténticos éxitos de la gran pantalla como la superproducción de Steven Spielberg Regreso al Futuro, la mítica trilogía El Padrino de Francis Ford Coppola o Pink Cadillac, protagonizada por Clint Eastwood. Se trata, sin duda, de coches entrañables que forman parte de la historia del séptimo arte. Esta empresa es, actualmente, la única de toda España capacitada para prestar todo tipo de servicio en cualquier lugar del territorio peninsular. Su amplio parque automovilístico cuenta con más de 40 modelos diferentes, desde míticos clásicos a sofisticados deportivos de alta gama al alcance de muy pocos bolsillos.

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1. El Cadillac Playbook, de 1947, salió en la famosa y prestigiosa trilogía de Francis Ford Coppola El Padrino 2 y 3. Este Cadillac El Dorado de 1960 apareció en la película, protagonizada por Clint Eastwood, Pink Cadillac Fotos: CineGaceta


Las Tropas Imperiales desfilan por las calles de Elda Por NEREA SIRERA La saga de la Guerra de las Galaxias sigue despertando pasiones en el público 35 años después de que apareciera en las salas de cine su primera película, La Guerra de las galaxias IV, una nueva esperanza. Así se ha dejado ver en Elda, Alicante, donde el público ocupó las calles de la ciudad para asistir al desfile de la Legión 501. Las Tropas Imperiales, formadas por el emperador, la guardia real, los soldados de asalto, los motoristas y los clones, vistieron los trajes de la mítica saga. Los ciudadanos también quisieron formar parte del espectáculo disfrazándose, blandiendo sus espadas láser y pronunciando la ya clásica frase de: “que la fuerza os acompañe”. Todo un acontecimiento galáctico a pie de calle.

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1. Darth Vader presidiendo el desfile imperial 2. El emperador con la típica espada láser roja. 3. Soldados clon de la Legión 501 Fotos: CineGaceta CineGaceta 5


Los Juegos del Hambre Jennifer Lawrence sacia a los fans de la saga Por ANA ESCLAPEZ La plaza de Callao fue el punto de encuentro de los fans de Los Juegos del Hambre, la adaptación de la novela de Suzanne Collins. Durante el evento, que fue único en toda Europa, la protagonista, Jennifer Lawrence, presentó en el exterior del cine unas piezas exclusivas de la película que se proyectaron a través de las pantallas gigantes de la plaza. A un mes de su estreno en cines en España, la película se está convirtiendo en un auténtico acontecimiento, creciendo día a día en número de fans. La expectación a nivel mundial es impresionante y cada vez son más los que se apuntan a la moda de Los Juegos del Hambre. En EEUU, donde la película se estrena éste fin de semana, ha logrado batir varios récords: por un lado, el de mejor primer día de preventa en Fandango; y por otro, se ha convertido en el tercer mejor estreno de la historia, sólo superada por Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2 y El Caballero Oscuro.

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1. Secuencia de la cinta. 2. Numerosos fans se reunieron en la plaza Callao 3. Jennifer Lawrence, protagonista de la película, firmó autógrafos a todos los allí presentes 4. El encuentro con los fans se celebró en los Cines Callao de Madrid Fotos: CineGaceta

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Flow Hub Bar revoluciona los espacios culturales de Alicante Por BORJA ANTÓN El Barrio de Alicante acoge otro espacio dedicado a la cultura. El Flow Hub Bar, ubicado en el Hostal de Sal, se aleja del concepto tradicional de pub para convertirse en un local de carácter cultural. Entre sus diversas actividades, se ofrece una programación cinematográfica alternativa, con la posibilidad de participar en un coloquio entre el público y Luis M. Álvarez, organizador del evento, que tendrá lugar después de las proyecciones. Entre las películas escogidas se encuentran El submarino amarillo y Life in a Day, ambas de diferente temática, pero con un objetivo común: sacudir la mente del público y reflexionar sobre el entorno. Flow Hub Bar se erige como punto de encuentro para cinéfilos inquietos, pero también para personas interesadas en un tipo de ocio más creativo y participativo. Entre los eventos que tendrán lugar, destacan la exposición Sobre lo que nos lleva a amar y matar, de la mano del alicantino Rubén Gómez Radioboy, y las sesiones de música electrónica de Lenticular Clouds y Yin Elek.

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1. Numerosas personas acudieron a la inauguración del Flow Hub Bar 2. La sala de cine se estrenó con la proyección de Life in a Day 3. Rubén Gómez Radioboy será uno de los DJ que amenizarán las veladas, Fotos: Cedidas por Flow Hub Bar 2 8 CineGaceta


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Adán Aliaga

Ciudad: San Vicente del Raspeig Largometrajes: Jaibo, La casa de mi abuela,

Estigmas y La mujer del eternauta Cortometrajes: 8, entre los que destacan

No me jodas que tú no lo haces y Diana

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1. Adán Aliaga en el Festival de Cortos de Salinas 2. Imagen del cómic El Eternauta Fotos: CineGaceta y cedidas por Adán Aliaga


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“Me gusta la idea del individuo luchando contra un medio hostil” Por BORJA ANTÓN En un momento tan crítico para la cultura, en general; y para el cine, en particular, Adán Aliaga (San Vicente del Raspeig, 1969) afronta esta situación con perspectiva y optimismo. Tras finalizar sus estudios en el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC), y con una sólida carrera como cortometrajista a sus espaldas, este alicantino ha sabido labrarse la fama mundial gracias al género documental. Desde que rodara Jaibo (2001), el retrato de un niño que debía sobrevivir en un barrio marginal, el cineasta no ha cesado de denunciar las injusticias que corrompen la sociedad. Sin embargo, no fue hasta La casa de mi abuela (2005) cuando saboreó las mieles del éxito. La cinta trataba sobre la relación entre una niña y su abuela, la educación y el entorno familiar; y obtuvo una excelente acogida, tanto de crítica como de público. Pero Aliaga no ha pisado el freno. Con una estética rompedora y una narrativa poco convencional, el director alicantino se ha embarcado en otros proyectos de la misma índole, aunque de distinta temática: Estigmas (2009) y La Mujer del Eternauta (2011). No obstante, ambas comparten el dolor de sus protagonistas y la forma en la que intentan aplacarlo. La mujer del Eternauta, que se encuentra de promoción en estos momentos, se presentó con éxito a mediados de octubre en el Festival de Sitges. En La mujer del Eternauta vuelve a utilizar una voz femenina como medio de denuncia. ¿Piensa que ellas tienen (o sacan) más fuerza en los momentos críticos? Creo que es una casualidad más. Aunque, ciertamente, me siento muy atraído por la forma que tienen las mujeres de afrontar los problemas de la vida en general. El caso de Elsa es un caso extremo, tal y como se dice en el film: perder a toda la familia, cuatro hijas, con sus respectivos maridos, nietos... Por eso, ella es un ejemplo de lucha y superación que puede servir de ayuda a otras personas. La lucha por la supervivencia es un tema habitual en su filmografía. ¿A qué se debe? ¿Cree que el ser humano es valiente o simplemente combate por su propio interés? Me gusta mucho la idea del individuo solo luchando contra un medio hostil. Creo profundamente en la capacidad del ser humano en reciclarse y adaptarse a todas las condiciones. Me interesa analizar al ser humano en situaciones extremas. Como un entomólogo hace con sus insectos. ¿Con qué personaje de su filmografía se siente más identificado? Me resulta muy difícil responder a esa pregunta, pero me siento muy identificado con Marina, la niña de La casa de mi abuela. De algún modo esa niña también tiene algo de mi infancia. La casa de mi abuela se rodó con pocos medios y recursos, pero con un guión muy sólido. ¿Cómo recibió el éxito de la cinta? En realidad, La casa de mi abuela la rodé sin guión. No escribí ni una sola línea cuando estaba rodando, trabajaba por intuición. En una fase posterior, mientras estaba montando, comencé a estructurar la historia en base a lo que tenía. Incluso rodé algunas secuencias más, esta vez ya pensadas, pera cerrar el montaje final. Y en cuanto al éxito de la película...Todo es relativo. En realidad, para nosotros y para nuestras expectativas, sí que fue un éxito, pero creo que todavía hay mucho público en España y en el mundo que no la han visto. Y, para mí, eso es un fracaso. Sobre todo, después de todos los premios y reconocimientos que se llevo la película.

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“En un largometraje, la producción es mucho menos arriesgada y , por tanto, se vuelve más conservador en historia y concepto” ¿Cómo calificaría la situación del cine documental en la actualidad (tanto a nivel nacional como internacional)? No estoy seguro. Yo cada vez veo más documentales, y mejores. El problema es que cada vez quedan menos lugares donde se puedan ver. O mejor dicho: menos salas de cine convencional donde se pueden ver documentales en estreno comercial. Pero eso es tan importante, como otras vías de exhibición y distribución. Internet se ha convertido en un escaparate y un arma poderosa para todo aquel que quiera mostrar su trabajo. ¿Cómo cree que influye en el éxito de nuevos proyectos? Es una herramienta muy poderosa, pero no es la única. Se siguen llenado las ciudades de carteles de las grandes películas y las televisiones pasan sus tráilers por televisión. Eso continúa igual. Filmin es una plataforma online que permite ver películas independientes que muchas veces no llegan a las salas, pagando un precio simbólico. ¿Qué opina sobre este tipo de iniciativas? Hay muchas plataformas para ver cine online en España y en Europa. A mí, personalmente, me parece genial. Todas mis películas las tengo en Filmin, para quien quiera verlas. Pero todavía tiene que pasar tiempo hasta que esto se convierta en algo habitual, ver cine en tu pantalla como lo ves en el cine. De todos modos, creo que son dos ventanas de exhibición que pueden convivir juntas. Es más: deben convivir juntas para captar a todos los públicos potenciales. El I Festival de cortos de Salinas es una propuesta innovadora, que se suma a otras como las del Festival de cine Independiente de Elche o el de Alfàs del Pi. ¿Considera que este tipo de proyectos son los que mejor dan a conocer a cineastas noveles? El nivel del cortometraje español sí está en la élite de los mejores cortos mundiales. Todos los festivales que sirvan como ventana y foro de que estos trabajos se puedan ver, son bienvenidos. Entonces, ¿cree que el cortometraje goza de buena salud en nuestro país? Efectivamente, creo que España es uno de los países con más y mejores cortos. El tema es que quizás esto no esté reflejado tan claramente con los largometrajes. No sé muy bien por qué, supongo que por diferentes motivos. La producción es mucho menos arriesgada y se vuelve más conservador en historia y concepto. Las películas son mucho más caras y tienen que entrar las televisiones a decir las producciones que se tienen que hacer. Por eso, quizá, a la hora de producir un largometraje, hay muchas más cosas en juego; y el control, la libertad y la creatividad que está volcada en un corto no es la misma que en una película estándar del sistema.

Elsa Sánchez, protagonista de La mujer del Eternauta y viuda de Héctor Germán Oesterheld, relata los horrores de la dictura argen tina desde su propia experiencia. 12 CineGaceta

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1. Adán Aliaga en el rodaje de La casa de mi abuela (2005) 2. El director alicantino en Los Angeles 3. El cineasta con uno de los premios por La casa de mi abuela Fotos: Cedidas por Adán Aliaga

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Manolito Motosierra:

Ciudad: Alicante Largometrajes: 1 Cortometrajes: 18 Mediometrajes:1 Organizador del festival :

Navidades Sangrientas 14 CineGaceta


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“En nuestro país hay mucha afición por el terror y la fantasía” Por LIDIA SANTIAGO

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El cine Gore es un género cinematográfico centrado en la violencia gráfica, la sangre y las vísceras. Su objetivo es intentar demostrar la vulnerabilidad y la mutilación de los cuerpos, por lo que los efectos especiales juegan un papel muy importante. Pero también se utiliza como vehículo de expresión artística, de crítica social o como elemento esencial para algunas comedias. En los años 20 este género fue censurado casi 50 años, por el Código Hays, debido a un número de escándalos que conmocionaron a Hollywood. Tras la censura, la primera película que logró popularizar el gore fue La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero y entre las películas más conocidas destaca La matanza de Texas de Tobe Hooper (1974). En España, este género se abre camino poco a poco y cada vez son más los aficionados que se lanzan a realizar este tipo de películas. Entre ellos destaca Manolito Motosierra (Alicante), que desarrolla las facetas de guionista, productor y director y que además es el creador de Navidades Sangrientas, el festival más conocido de cine de terror de la provincia de Alicante. A este festival solo pueden hacerle sombra los festivales de Sitges y San Sebastián. En los últimos diez años, se han realizado diferentes festivales con la temática gore, como Creepshow o Catacumbas de Valencia, pero Navidades Sangrientas se ha colocado muy por encima de ellos. En este festival decenas de invitados y cientos de personas han disfrutado de actividades terroríficas y divertidas desde su aparición en 1999. Motosierra, especializado en la serie Z del terror, fue adentrándose en este género durante los años 80 y ha realizado multitud de cortometrajes reconocidos, como En el camino, Awakening Zombies o Nekropriest. Ahora se lanza por primera vez con un largometraje, Jodidos Kabrones, una película donde se mezcla el gore con la comedia y la historia de dos peregrinos que tienen un accidente mientras realizan el Camino de Santiago y acuden a un albergue en el que vive una familia de descerebrados. El largometraje se pretende presentar en febrero en España y posteriormente en Argentina, donde el cine gore está en pleno auge, y continuará su promoción por otros países latinoamericanos. ¿De dónde le viene el gusto por las vísceras, la sangre y demás elementos escatológicos? El gusto por las películas Gore se remonta a 1989 cuando vi por primera vez la película Mal Gusto de Peter Jackson. Desde pequeño me gustaban las películas de terror. De hecho, solía ir con mi padre al videoclub y siempre elegía las de monstruitos y bichos.

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2 Está usted especializado en la serie Z del terror ¿puede explicarnos qué peculiaridades tiene este género? Este género se caracteriza por su bajo presupuesto. Pero todos los que nos dedicamos a él tenemos muchas ganas y aficiones para hacer buenas películas. ¿Cómo lleva a cabo sus facetas de actor, guionista y director? No puedo considerarme actor, ya que aparezco en mis trabajos cuando me falla algún actor. Mis facetas como guionista, productor y director no se solapan en ningún momento porque se realizan de manera independiente y cada puesto requiere un momento de la producción. En primer lugar, realizo el guión, después llega la fase de producción y por último dirijo el trabajo. Y basándonos en su faceta de director, ¿Quién o quiénes son sus referentes a la hora de dirigir sus películas? Tengo muchos referentes. Pero destacaría a Robert Rodríguez y a Peter Jackson por su técnica y manejo de la cámara. ¿Con qué cortometraje y personaje de su filmografía se siente más identificado? Me siento más identificado con mi corto “Awakening Zombies”. Y no puedo elegir a un personaje sino que me que identifico con “Arturo y Guty”, los personajes que hacen de descerebrados en mi primer largometraje “Jodidos Kabrones”. Jodidos Kabrones es su primer largometraje pero también es el primer largometraje gore realizado íntegramente en la provincia de Alicante, ¿cree que esta película puede sentar precedentes en el género gore alicantino? El gore ha tenido sus grandes momentos. Pero hoy en día es muy arriesgado hacer este tipo de cine, por lo menos si quieres salir adelante en este país, porque no sabes la repercusión que puede tener y siempre suele ser escasa. Esta es una de las razones de los pocos activistas de género en España. Pero en otros países como Argentina, México o Venezuela este género está teniendo mucho éxito por lo que nos dedicamos a vender nuestros trabajos al extranjero. Y ¿qué ha supuesto para usted pasar del cortometraje al largometraje? Es decir, ¿qué aspectos técnicos y narrativos ha tenido que cambiar para adaptarse de un formato a otro? No es complicado pasar de un corto a un largo. He adaptado los guiones para no aburrir al público y en 60 minutos la acción es lo primordial. Intento preparar situaciones divertidas repletas de

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“Robert Rodríguez y Peter Jackson son mis referentes”

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“En Argentina, México o Venezuela el género gore está teniendo mucho éxito”

sangre y mala leche, con una línea argumental que no derive en el típico sketch. Su festival de gore Navidades Sangrientas tuvo en el pasado 2011 su novena edición, y se sitúa por delante de los festivales Creepshow o Catacumbas de Valencia, ¿Cuál cree que es el secreto de su éxito? Navidades Sangrientas nació con el fin de unir a los aficionados del terror y goremaniacos. Los aficionados disfrutan de películas con un contenido variado y pueden conversar con los representantes de las mismas. Navidades Sangrientas no proyecta ninguna película si su director o algún responsable está presente para poder defenderla o exponerla. Esta puede ser la característica más “espectacular” respecto a otros festivales de similares carácterísticas. ¿Piensa que el cortometraje goza de buena salud en nuestro país? ¿Por qué? Sí que goza de buena salud. El corto es una muy buena carta de presentación para proyectos muy ambiciosos. A todos nos gustaría hacer películas pero no todo el mundo puede acceder al panorama del cine por lo que los demás nos conformamos con la autoproducción y la creación de pequeñas obras. En los últimos años ha habido un incremento de festivales y certámenes de cortometrajes que animan a realizar proyectos con equipos asequibles que existen hoy en día. ¿Cree que el cine Gore español está a la altura del de otros países? En España no hay industria de género porque hay pocos activistas. Sin embargo, hay muchas personas que apoyan el género con fanzines o con muestras y eventos, ya que en nuestro país hay mucha afición por el terror y la fantasía. Por otra parte, los que han logrado que sus trabajos se reconozcan en el extranjero tienen muy buena reputación. ¿Cómo cree que influye Internet en el lanzamiento y éxito de nuevos proyectos? En estos tiempos internet es la clave. Ha ayudado a que muchos cortometrajistas alcancen el éxito gracias a su trabajo y a verse proyectado en la red. Hoy en día tan solo tienes que tener buenas ideas para realizar tus proyectos y que les gusten a tu público.

1. Publicaciones de Manolito Motosierra 2. Rodaje del corto En el camino 3. Manolito Motosierra y Toxic, en Navidades Sangrientas 4. Actriz preparada para el rodaje. Fotos: Cedidas por Manolito Motosierra

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Hermanos Delicado

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Ciudad: Elda Cortometrajes: En Mal Estado,

The filmmaker, Extreme city, 1. Durante el rodaje deVideobook de Bianca Ruano 2. Rodando Crisis de fe Fotos: CineGaceta y cedidas por los Hermanos Delicado 18 CineGaceta

Crisis de fe, Extreme rider y Un metro sobre el suelo.


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“No se apuesta lo suficiente por el el cortometraje en nuestro país” Por LIDIA SANTIAGO David y Juan Antonio Delicado son dos hermanos alicantinos afincados en Elda que debido a la afición que les contagió su padre del séptimo arte adquirieron diversas inquietudes cinematográficas y se embarcaron en el mundo del cortometraje. Comenzaron a grabar sus cortos con una cámara prestada que les servía para hacer reportajes y noticias para la página web laciudaddelcalzado.com, donde intentaban hacer una televisión online que se diferenciara de las televisiones locales con las que cuenta la ciudad alicantina. Con el tiempo han ganado experiencia y numerosos concursos, como el de No todo film y el patrocinado por un canal de televisión, que les han servido para financiarse y comprar material para que sus trabajos tengan más calidad. Sin apenas medios ni financiación, estos dos hermanos autodidactas se han embarcado en la dirección, aunque no tienen problemas para desarrollar cualquier otro rol dentro del mundo del cortometraje. Actualmente, están terminando con el montaje de su último trabajo En Mal Estado, que está rodado en una de las calles más representativas de Elda. Hemos leído que su padre fue el que les inculcó la afición por el cine y que incluso compró un pequeño estudio donde se reunían para ver películas, ¿cómo les ha influido este hecho en su carrera? ¿Guardan algún referente cinematográfico de aquellos visionados en familia? A nuestro padre de siempre le ha gustado mucho el cine. De hecho, desde que éramos muy pequeños nos ha grabado. Tenía una cámara antigua que grababa aproximadamente unos tres minutos y no tenía sonido, aunque con el tiempo fue modernizando su equipo. Nuestro padre ha sido importante porque en casa tenía un pequeño estudio con una tela de cine y un proyector de Súper 8, allí veíamos las películas que grababa, alquilaba o cambiaba. En realidad eran fragmentos de películas, como la escena más importante, porque al ser cintas tan pequeñas no se podían ver enteras. Y a la hora de dirigir sus cortometrajes ¿quién o quiénes son sus referentes? El principal referente español es Álex de la Iglesia seguido de Nacho Villalondo. Y los extranjeros los de las películas de Walt Disney porque hemos crecido con ellas y ahora nos declinamos más por el cine de acción y nos fijamos en Tarantino, Steven Espielberg o Celie Scot, entre otros. La sinopsis de vuestro último trabajo En mal estado que han colgado ustedes en la web del corto no tiene desperdicio, simplemente un fotograma del cortometraje, ¿Podrían contarnos cuál es el argumento de este trabajo? Son dos amigos que quedan para hacer algo que es súper importante para ellos y en la historia se reflejan los 15 minutos previos de la cita y… ¡hasta aquí puedo leer! Está todo rodado en una sola calle y son tres actores principales: Pedro García, Damián Varela y Ángela Soler. La idea principal es que tres amigos han quedado para hacer algo en esa calle y en su conversación puedes intuir qué es lo que puede pasar. ¿Y cuándo podremos verlo? Podremos ver el corto en un mes aproximadamente porque actualmente estamos involucrados con el montaje de sonido. Tenemos que volver a crear el sonido ambiente para que se oiga perfectamente la conversación de los actores. No tenemos ni fecha ni sitio de donde se vaya a estrenar. Lo presentaremos al Festival de Cortos de Alicante y si no está terminado para esa fecha lo distribuiremos por los diferentes festivales de cortometrajes nacionales.

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“Cuando tu trabajo se proyecta y ves que la gente aplaude o que en ciertas escenas se ríen, te das cuenta de que has conseguido lo que te proponías”

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1. Rodando Crisis de fe 2. Rodaje de En mal estado 3. Durante el rodaje de The filmmaker Fotos: Cedidas por los Hermanos Delicado 20 CineGaceta

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¿En qué festivales suelen presentar los cortos? Como cada pueblo tiene su festival nosotros tenemos una pequeña lista con los que más nos interesan y vamos enviando nuestros cortometrajes. Tenemos que estar al día porque hay tantos festivales que algunos se te pasan. Como directores noveles cosecharon varios premios a la mejor dirección, mejor actriz o mejor montaje en diversos festivales de cine, ¿cuál es su secreto para haber llegado hasta ahí? El secreto está en ser críticos con nosotros mismos y con lo que vamos a hacer. Es una ventaja el ser dos porque cuando alguno propone algo y al otro no le parece bien tenemos la confianza suficiente para decirnos las cosas y entre los dos llegamos a hacer algo pulido que al público le vaya a gustar. Además, con el tiempo hemos ganado experiencia y nos hemos vuelto mucho más exigentes a la hora de rodar, porque si quieres hacer las cosas bien tienes que mirar y cuidar todos los detalles. ¿Con qué cortometraje y personaje de su filmografía se sienten más identificados? El punto de inflexión de nuestros cortos fue The film maker, que es una especie de autobiografía plasmada en un cineasta. Es un documental que habla sobre su vida, que es lo que ha hecho, cómo ha empezado a trabajar y van apareciendo imágenes de los cortos que ha hecho y de su trabajo. Nos quedamos con este corto y con su personaje porque lo hemos hecho nosotros basándonos en nuestra experiencia, aunque algunos diálogos son ficticios. En él se ve nuestra trayectoria profesional, de hacer las cosas “cutres” y rápidas a hacer todas las cosas de una forma más planificada y cuidada. ¿Qué es lo que les llena e ilusiona de la industria cinematográfica? Plasmar nuestras ideas y que provoquen emociones en el público. Cuando tu trabajo se está proyectando y ves que la gente aplaude o que en ciertas escenas se ríen, te das cuenta de que has conseguido lo que te proponías. ¿Creen que para algunos directores más reconocidos puede primar más el reconocimiento y los premios antes que el público? A los cineastas que están empezando sí que les interesa el público. Pero, por ejemplo Almodóvar haga lo que haga va a tener éxito por lo que les da igual el público. A ese nivel lo ven todo muy distinto, lo ven como un trabajo y cobran por ello. Sin embargo, Nacho Villalondo está triunfando ahora con su segundo largometraje y hace cosas que no hace nadie, y sí que se preocupa en que sus cosas triunfen. ¿Piensan que el cortometraje goza de buena salud en nuestro país? ¿Por qué? La gente no apuesta por el cortometraje todo lo que debería apostar por lo que no goza de buena salud. El cortometraje es lo más rápido de hacer, económicamente es mucho más barato y te das a conocer. El 90% de la gente que está haciendo ahora cine ha hecho cortos, se ha presentado y ha ganado festivales. Como consecuencia ha tenido reconocimiento, ha conocido a gente, ha ganado dinero y ha hecho películas. ¿Creen que sería una buena manera de obtener reconocimiento si se pusieran cortos antes que la película? A lo mejor lo verían raro de entrada pero yo lo haría, porque sería una buena idea que tu corto se vea antes que una película, es una manera de publicidad muy buena, aunque el cine no gana dinero. Pero podrían poner publicidad, cortos y después la película. De hecho, Pixar pone muchos cortos de animación antes de las películas, los muestran y tienen éxito. ¿Qué creen que le falta al cine español para colocarse al nivel de otros países? Al cine español le falta variedad y poder elegir qué películas ver. Hay películas muy buenas que no se han podido estrenar y puede que sean mejores que las que se han proyectado en los cines. Por otra parte, deberíamos cambiar el concepto que se tiene de las películas españolas y fijarnos de los americanos. Claro ejemplo de esto es No habrá paz para los malvados, cuenta una historia policiaca como las hay desde los tiempos del cine mudo, pero es un tipo de cine que aquí en España no se hace.


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Maxi Velloso

Ciudad: Alicante (Nacido en Argentina). Cortometrajes: El albergue de los espectros,

La vieja, 21 MM 392 , Intercambio 1. Durante el rodaje de Intercambio 2. Maxi Velloso durante su entrevista a CineGaceta Fotos: CineGaceta y cedidas por los Maxi Velloso 22 CineGaceta

Web serie:Princesa rota


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“Los cortometrajes españoles son los mejores que he visto” Por NEREA SIRERA La industria del cortometraje en España es muy amplia y variada. Historias las hay para todos los gustos y colores y abundan los directores de todo tipo deseosos de hacerse un hueco en el mundo cinematográfico a través de la producción de cortos. Pero pocos se lanzan a tratar tantos géneros distintos como lo hace Maxi Velloso, director argentino afincado en Alicante que ha querido narrar sus inquietudes a través de su cámara. Desde que comenzara filmando documentales históricos en su país natal, Argentina, Maxi Velloso ha retratado a través de sus obras temas tan amplios como lo esotérico y lo paranormal, en El albergue de los espectros o La vieja, la ciencia ficción, con 21MM392, o la explotación infantil con su último corto, Intercambio. Pero la versatilidad de Velloso más allá de la diversidad de géneros, ya que compagina su pasión por el cine con su amor por la música y su trabajo como compositor. Participante de la Muestra de Alicante de 2012, este director argentino se ha convertido en uno de los profesionales del cine más reconocidos de toda la provincia. Grabó su primera obra en España El albergue de los espectros en el preventorio abandonado de Aigües de Busot. Hay muchísimas leyendas de terror sobre ese lugar, ¿cómo fue grabar allí? ¿tuvo alguna experiencia que le llegara a aterrorizar? No, no tuve ninguna experiencia extraña, pero es un sitio espeluznante en cuanto a que encuentras escritas en las paredes fechas y frases que pintaron los enfermos que estuvieron allí. Una anécdota que tuve en el preventorio cuando hicimos el cortometraje de El albergue de los espectros, es que cuando el día antes de empezar a grabar fui a hacer fotos para elegir los enclaves que iba a utilizar, encontré de casualidad una habitación llena de latas de aceite enviadas por los americanos después de la guerra. Me llevé tres de ellas, que tengo todavía almacenadas. Pero para mí, a pesar de que me gusta mucho el cine de terror, la mayoría de habladurías sobre ese lugar son estupideces. El miedo es más por lo que representa que por lo que puede llegar a haber ahí dentro. En este corto la protagonista aparece desnuda dentro del preventorio, ¿Qué pretendía expresar con esa desnudez? No puedo justificar algo que en ningún momento tuvo justificación porque esa desnudez fue sólo una cuestión estética. De hecho, le encontré sentido a lo que había filmado un año después, cuando me senté con todo el material y me dije: “¿y con esto qué hago?’”. Y entonces empecé a poner plano tras plano, uno tras otro. Considero que es un trabajo totalmente surrealista, sin intervención de la razón. Unos años después volvió a tratar el tema de lo paranormal en La vieja, ¿qué le atrae en especial del género de terror? Los mecanismos que se utilizan, es decir, es muy fácil asustar a alguien con la cámara si conoces la forma de hacerlo. Por ejemplo, cuando leí el relato de terror original de H.P. Lovecraft fui a casa, me senté y escribí un guión de una página teniendo en cuenta lo que recordaba de ese cuento, sin ni siquiera releerlo. Cuando vi el resultado me di cuenta de que eran muy similares.Esa sencillez es el atractivo que tiene este género. En 21 M-M392, realizó un corto de animación que recuerda un poco a 2001, odisea en el espacio, ¿qué proceso siguió para crear las escenas animadas de esta obra? El corto 21 M-M392 lo realicé en un estudio y, después, hice la postproducción con el programa de efectos visuales After effects y con otro programa de montaje. El proceso me llevó un año entero porque quise trabajar yo solo. La única colaboración externa

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que tuve fueron las personas que aportaron las voces que aparecen en los robots y la voz en off del protagonista. Es cierto que lo lógico en un proyecto de estas características es trabajar en equipo, haciendo los diseños previamente y estudiándolos con detenimiento, pero como yo no tenía ganas de perder el tiempo en eso, fui creando todos los modelos directamente, tal y como aparecerían en el trabajo final. Trabajar en 3d es mucho más fácil de lo que la gente cree aunque, de todas formas, éste es un corto muy básico: las animaciones son muy lentas, y, además, yo tenía muy claro en mi cabeza cómo era visualmente lo que quería contar y en cómo quería contarlo, así que lo único que tenía que hacer era calcular en el programa informático los tiempos de acuerdo a la cantidad de fotogramas y de segundos de los que disponía. Realmente realizar un corto en 3d es muy sencillo en general, pero, al ser muy visual, impacta mucho al espectador. Su último cortometraje tiene de tema central la explotación infantil, ¿cómo se trata un tema de denuncia social tan delicado como éste? A “lo bruto”, como lo hice yo. La idea de este corto, que se llama Intercambio, surgió cuando una noche, a punto de dormirme, se me encendió la lucecita de repente, me levanté, y escribí un guión de una página. En la historia, dos adultos tienen una conversación banal. Uno de los adultos lleva a una niña con él, y en un momento dado se levanta, recibe un sobre y se va. La niña se queda allí con el otro hombre. Lógicamente lo que realmente acaba de suceder es que hay un acuerdo tácito entre ellos mediante el cual uno le ha vendido la niña al otro. Con esto, el mensaje que quería transmitir era reflejar con dureza cómo dos tipos normales, con los que puedes cruzarte por la calle, pueden esconder algo mucho más turbio por detrás. Se le califica de polifacético, y, de hecho, es usted compositor musical entre otras muchas cosas ¿suele componer para sus obras cinematográficas? Depende. Cuando tengo muy claro lo que quiero hacer, lo hago yo, pero cuando encuentro a alguien superior a mí, dejo que sea él quien tome el mando. Por ejemplo, en El albergue de los espectros, la música la compuse yo, porque me apetecía trabajar solo. Sin embargo, en Intercambio, la compuso David Prats, que para mí es uno de los mejores músicos para banda sonora que he conocido en mi vida porque capta muy rápido la idea que le pide el director. De hecho, me sorprendió mucho que yo simplemente le mandara un montaje del corto y que dos semanas después él me enviara la música que podría ir al principio y al final. Cuando coloqué el material que él me había pasado en las imágenes que tenía grabadas, pensé: “ya está”, porque quedaba realmente perfecto. En ese caso, por ejemplo, yo no lo hubiera hecho bien. Es por eso no compongo siempre yo. Y ¿cómo piensa que puede beneficiarle a la hora de dirigir el hecho de haber realizado distintas funciones de fotografía, sonido o montaje? La comunicación con el resto de los compañeros. Hay que tener en cuenta que hacer cine es un trabajo de equipo. Yo nunca he encarado un trabajo como director muy grande, es decir,nunca hemos sido más de 3 personas delante de la cámara y otras 3 detrás, pero el hecho de haber ocupado puestos como cámara, director de fotografía, sonido o montaje hace que la comunicación con el resto sea más sencilla. ¿Tiene pensado hacer algún largometraje? Sí, tengo pensados dos largometrajes, uno dirigido íntegramente por mí y otro codirigido por un colega argentino que trabaja en Alicante que se llama Diego Miglioli, y con el que he escrito un guión muy original. De hecho, creo que nunca se había hecho algo parecido. De momento no puedo contar más porque es sólo un proyecto y todavía está todo por hacer. ¿Piensa que el cortometraje goza de buena salud en nuestro país? Hay mucha gente haciendo cortometrajes, pero eso no quiere decir que goce de buena salud. Hay una cantidad industrial de trabajos malos y otros miles de muy buenos. España siempre ha sido un país muy dado al cortometraje y, de hecho, yo los mejores cortos que he visto han sido los de aquí. Por ejemplo, en Alicante en concreto, pienso que hay un movimiento que no existe en otras partes de España y que la cantidad de trabajo audiovisual que se está haciendo en esa zona hoy en día es alucinante. Eso sí, hay para todos los gustos y de todas las calidades, no todo puede ser bueno. 24 CineGaceta

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“En Alicante hay un movimiento cinematográfico que no existe en otras partes de España. La cantidad de trabajo audiovisual que se está haciendo hoy en día es alucinante”

1. Durante la presentación de la webseriePrincesa rota 2. Cartel promocional del cortometraje 21 MM392 Fotos: Cedidas por Maxi Velloso

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Nacho Vigalondo:

1. El director dirige a Michelle Jenner en su segunda película 2. El cántabro junto a Terry O’Quinn, actor de la serie Perdidos Fotos: CineGaceta y cedidas por Nacho Vigalondo

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“Hacer cine en España es algo

: extraterreste” Por BORJA ANTÓN Los géneros cinematográficos admiten múltiples variantes. Muchas veces, es difícil dilucidar si una película pertenece a una clasificación u otra, y si esa mezcla es intencionada o no. Todo depende del director y su talento para insertar y conjugar estilos. Nacho Vigalondo (Cantabria, 1977) es un especialista en conducir sus obras hacia algo diametralmente opuesto a lo que plantea en un principio y en impregnar sus producciones de un sello propio. Esa marca es la misma que fascinó a los guionistas de Perdidos, que decidieron tomar su ópera prima, Los cronocrímenes, como referente absoluto al escribir la quinta temporada de la aclamada serie. Sus antecedentes así lo demuestran. A pesar de destacar con trabajos como Una lección de vida y Código 7, el punto de inflexión de su carrera llegaría con su primer cortometraje rodado en 35 mm, 7:35 de la mañana. Un extraño musical envuelto de catástrofe y rodado con ingenio, que le valió excelentes críticas, y su primera nominación al Oscar, además de situarle en el epicentro cinematográfico a nivel planetario. Vigalondo es todo un espécimen dentro del cine patrio, un director con carisma. La palabra que mejor lo define da título a su último trabajo: Extraterrestre.

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¿Se siente un extraterrestre dentro del panorama cinematográfico español? No, porque si afirmase eso sería como reconocer que el resto de directores son homogéneos, o que hay una corriente principal que domina sobre las demás. Y no creo que sea el caso. Hacer cine en España ya es, de por sí, algo extraterrestre. En una entrevista, aseguró que el papel de un director no es el de lanzar un mensaje con sus películas. Lanzar un mensaje no es el papel del director, sino de la película, entonces no se puede cometer el error de contaminar la película con el mensaje cuando la cinta tiene el suyo propio. La historia del cine está llena de casos de películas cuyo significado y cuya importancia han ido casi independientes de las intenciones de los autores. Y tiene que ser así. Si las buenas películas retratan una época, los directores somos parte de esa época. Somos observadores y víctimas al mismo tiempo. Jason Reitman le otorgó el título del “Woody Allen de la ciencia-ficción”. Este tipo de frases me producen sentimientos ambivalentes. Para mí, Jason Reitman es un referente muy importante y su presencia estuvo próxima en la película. Su frase fue halagadora hasta extremos ridículos, tanto, que no tuve más remedio que pedirle permiso para utilizarla en la promoción. Compararlo con el director de Manhattan tiene que impresionar… Sí, lo cierto es que hubo polémica en la red. Alguien comentó que Woody Allen ya había hecho ciencia-ficción en El dormilón. Es cierto que frase patinó un poco, pero entiendo que haga referencia a sus últimas obras, las más costumbristas, las que pertenecen a un género aparentemente incompatible como es la ciencia-ficción. Extraterrestre sería una especie de Maridos y mujeres con un ovni incluido.

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Los directores y realizadores con proyección internacional como Jaume Balagueró o J.A. Bayona han triunfado gracias a películas de género. ¿A qué cree que se debe este patrón? Hay unas teorías que afirman que el género es más fácil de exportar que otras fórmulas, como el drama. Pero si revisamos la historia del cine, la primera película que realmente rompe la barrera del mercado internacional es una comedia: Mujeres al borde de un ataque de nervios, de Pedro Almodóvar. Los directores de películas internacionales, como Luis Buñuel, son las figuras más exportadas y tampoco son directores de género. Todo es ambiguo. ¿Cree que el fantástico es el género más cuidado en España? No exactamente. Que este género tenga éxito no es sinónimo de que tenga mejor o peor salud. Es importante es que tenga reconocimiento, porque eso quiere decir que existe. Antes de ser director, cuando ni imaginaba que llegaría a serlo, triunfaban cintas cómicas que también eran de procedencia española. Es una situación que lleva tiempo dándose. Extraterrestre es una película de ciencia de ficción. Pero en ningún momento se muestran elementos característicos del género. ¿Piensa que sólo debe ser el marco? La ciencia ficción es el contexto para la gran mayoría de películas de este tipo. Blade Runner es, en realidad, una película de género negro con contexto de ciencia ficción. Lo mismo pasa con Cuando el destino nos alcance, que es otra película de género negro con el mismo trasfondo; o El planeta de los simios, que es una película de aventuras. En realidad la ciencia ficción siempre ha sido un telón de fondo en el que encajar otros géneros. Lo que debemos aportar son nuevas ideas para que los argumentos se proyecten en otras direcciones. ¿Decidió rodar una película como Extraterrestre para acercarse al público que le conoce por su faceta más cómica? No, es tan prosaico como que después de Los Cronocrímenes, y mientras desarrollaba Windows (mi siguiente película) vi que me daba tiempo a hacer una película muy pequeña. Quería hacer una película entre medias que no tuviera nada que ver con las otras dos. Mi intención era evitar que se me encasillara, librarme del peligro de hacer dos películas muy próximas. Si Windows y Los Cronocrímenes son dos películas que cuentan con un gran peso de la trama sobre el personaje, en Extraterrestre posee la fuerza suficiente para dejar que sean sus propios personajes los que generen la trama. Pero también es una forma de aprender y de seguir creciendo. Necesitaba hacer una película que fuese muy de personajes y con muy pocos trucos aparentes de guion. Entonces, ¿tuvo clara la trama desde el principio? Sí. Siempre hay variantes de una versión a otra, pero son detalles. ¿Qué vio en Julián Villagrán? Un actor magnífico con una vis cómica que encaja perfectamente con el naturalismo, que consigue adaptarse al personaje y el personaje a él. De hecho, él fue la primera persona a la que le conté el guión en voz alta, sin que hubiera nada escrito. De la escritura surgieron Rául Cimas y Carlos Areces, y con el guión ya acabado, Michelle Jenner.

“La ciencia ficción siempre ha sido un telón de fondo en el que encajar otros géneros. Lo que debemos aportar son nuevas ideas para que los argumentos se proyecten en otras direcciones.”

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Palmarés Sección oficial de largometrajes Biznaga de oro a la mejor película Els nens salvatges, de Patricia Ferreira Biznaga de plata premio especial del jurado Carmina o revienta, de Paco León

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Mención especial Kanimambo, de Abdelatif Hwidar, Carla Subirana y Adán Aliaga Biznaga de plata a la mejor dirección Imanol Uribe, por Miel de naranjas Biznaga de plata a la mejor actriz Carmina Barrios, por Carmina o revienta Biznaga de plata al mejor actor Antonio Dechent, por A puerta fría

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Biznaga de plata a la mejor actriz de reparto Aina Clotet, por Els nens salvatges

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Mención Especial Ángela Molina, por Memoria de mis putas tristes Biznada de plata al mejor actor de reparto Ex aquo a Álex Monner, por Els nens salvatges y Álvaro Cervantes, por El sexo de los ángeles Biznaga de plata al mejor guión Patricia Ferreira y Virginia Yagüe, por Els nens salvatges Biznaga de plata a la mejor banda sonora original Aziza Brahim, por Wilaya

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Biznaga de plata a la mejor fotografía “Premio Deluxe” Sergi Gallardo, por El sexo de los ángeles Biznaga de plata al mejor montaje Koldo Idigoras, por The Pelayos Biznaga de plata “Premio Alma” al mejor guionista novel Remedios Crespo, por Miel de naranjas

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7 1. Presentación de la Gala de Inauguración 2. Ana Mena interpretando la canción 15 años tiene mi amor 3. Ana Fernández y Francis Lorenzo fueron los presentadores de la gala 4. Diana Navarro emociona al público cantando La Loba 5. Jurado encargado de valorar las películas del Festival 6. Reparto de la película Los Pelayos, película que abrió el Festival 7. Ana Mena y Diana Navarro despidieron la gala cantando a dúo 8. Ana Fernández, Francis Lorenzo y Ana Mena despidiendo la Gala 13. Hiba Abouk 9. Los Pelayos 10. José Coronado 14. Juan José Artero 15. Daniel Brühl 11. Hugo Silva 12. Elena Anaya 16. Paco León


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1. Reparto de Seis puntos sobre Emma 2. Álex García 3. Veronica Echegui 4. Ángela Molina 5. Mabel Lozano 6. Goya Toledo 7. Lluis Homar 8. María Valverde 9. Andrés Velencoso 10. Elena Ballesteros 11. Elia Galera 20

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12. Inma Cuesta 13. Daniel Grao 14. Lucia Ramos 15. María León 16. Blanca Suárez 17. Clara Alonso 18. Belén López 19. Mario Casas y Clara Lago

20. Eva Hache 21. Manuela Vellés 22. Amaia Salamanca

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Miel de Naranjas la nueva película de Imanol Uribe

El elenco de Miel de Naranjas, está formado por Blanca Suárez, Ángela Molina, Iban Garate, Karra Ejalde, Eduard Fernández, Carlos Santos y Jesús Carroza

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!"#$%&'$()(*+*"%*,"-%*./)%0-/*(-*'-1"%()2$&' Imanol Uribe ha regresado al panorama cinéfilo para dirigir Miel de Naranjas, la tercera película en competición del VX Festival de Málaga y su decimotercer largometraje. Inspirada en la Andalucía de los años 50 y localizada en la ciudad gaditana de Jerez de la Frontera, la película cuenta la historia de amor entre Carmen y Enrique, interpretados por Blanca Suárez e Iban Garate. Además, se muestran ciertos aspectos de la postguerra como las actuaciones de los militares o los movimientos que se llevaban a cabo desde la clandestinidad para protestar y desmantelar la dictadura franquista.

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A los protagonistas principales les acompaña un elenco de grandes actores que consiguen hacer un reparto coral. Entre ellos destacan Eduard Fernández, Karra Elejalde, Carlos Santos, Nora Navas, Filipe Duarte, Ángela Molina Jesús Carroza, Fernando Soto, Barbara Lennie o Antonio Dechent. La historia que relata Miel de Naranjas está basada en hechos reales, ya que parte del guión realizado por Remedios Crespo. La idea surgió a raíz de que Remedios encontrase un relato de 8 páginas escrito por su padre donde se narraban unos acontecimientos que le resultaron sorprendentes. “Mi padre ejercía como mecanó-


El guión recibe el Premio SGAE de Guión de Largometraje Julio Alejandro en su novena edición

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grafo en el juzgado militar de Sevilla en los años 50 y a raíz de encontrar ese relato me puse a investigar. He hecho un trabajo de detective del pasado” argumenta Remedios Crespo. Además, aclara que “estaba buscando, principalmente, mis orígenes, no he tenido una intención intelectual de hablar de nada histórico” y que ha tratado de escribir la historia con “la mayor verdad emocional que he podido”. Remedios asegura que ha trabajado conjuntamente con el director y que está muy contenta con el resultado de la película debido a que se “refleja muy bien lo que fue la situación de mi padre. Le decían que aparentara que estaba escribiendo las sentencias y él aprovechaba para escribirle cartas a su novia”. En cuanto al resto de personajes explica que “han surgido porque habían unas referencias en ese relato a las que yo he seguido la pista mediante documentación de libros y de archivos y, también, hablando con muchas personas que vivieron esa situación. Al impregnarme han ido surgiendo todos los personajes”. IPor otro lado, Imanol Uribe aclara que la época en la que se desarrolla la historia corresponde a los años 50 y no a la Guerra Civil. Decidió llevar a cabo esta película por que “el guión era bueno. Si hubiera sido de las Bardenas del 24 también lo hubiera hecho”, declara Uribe. Una muestra de que son certeras las palabras de Uribe, es que el guión ha recibido el Premio SGAE de Guión de Largometraje Julio Alejandro en su novena edición. Uribe ha querido romper el tópico de plasmar una postguerra siniestra, sorbida, gris y darle una esencia muy luminosa teniendo como referente las “historias de la resistencia francesa” y la luz que otorga “un escenario como Andalucía”, asegura el director. Además, en el largometraje aparecen campos de concentración que como asegura Uribe “llama la atención que en los años 50, que ya se estaba alejando esa época de represión, haya todavía tantos campos de concentración. Y es que en realidad era una época muy dura”. Para interpretar el papel protagonista figuran dos actores jóvenes como son Blanca Suárez e Iban Garate. Ambos señalan que han tenido que buscar mucha información de la época recurriendo a personas mayores como sus abuelos para saber que fue lo qué pasó realmente y porqué pasó. “Mis abuelos estuvieron en la guerra con 17 años y decidieron no contarlo y haberlo vivido como una mala experiencia sin darle más vueltas”, explica Garate. Además el actor asegura que se deben “hacer todas las películas que haya que hacer acerca de este tema porque hay tantas historias casi como tantas personas que estuvieron implicadas en ellas o gente que le tocó vivir aquello”. El productor de este proyecto y presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, asegura que esta película se ha hecho con los medios necesarios ajustándose a los tiempos que corren. “En España tenemos ese don y capacidad de sacrificio en comparación con otros países que tienen más posibles que el nuestro. Por lo que espero que se haga cine en las mejores condiciones posibles, pero eso desgraciadamente no está en nuestras posibilidades”, añade Enrique González.

Iban Garate: “Se deben hacer todas las películas que haya que hacer acerca de este tema porque hay tantas historias casi como tantas personas que estuvieron implicadas en ellas o gente que le tocó vivir aquello”

1. Reparto de la película en la rueda de prensa 2. Secuencia de la película con Iban Garate y Ángela Molina Fotos: CineGaceta

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Se dio a conocer en la televisión vasca con tan sólo 15 años en la telenovela Gonekale. Su primera película la rodó en 2005, Aupa Etxebeste! de Asier Altuna rodada íntegramente en eusquera. Aunque se dio a conocer en Mystikal interpretando al personaje Eldyn.

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Comenzó su carrera como actriz en 2007 en la película Eskalofrío de Isidro Ortiz. Se dio a conocer en la serie de Antena 3, El Internado, y ganó popularidad a lo largo de las temporadas. A raíz de ahí, se ha consolidado en el panorama cinéfilo español protagonizando cortometrajes, series y participando en multitud de películas. A nivel internacional, La piel que habito de Pedro Almodóvar le ha abierto infinidad de puertas.


3/)%1)*4"52-67*892),):)2*1&% ;#)%&/*-'*"%*)"0<%0$1&*2-=)/&> Blanca Suárez e Iban Garate son los protagonistas de la película Miel de Naranjas. En esta nueva mirada de unos de los episodios de nuestra historia más reciente, la postguerra, Imanol Uribe ha querido que estos dos actores compartan plano. Ambos han podido interpretar su primer papel principal y se han tenido que trasladar a otra época, vivir una doble vida y estar rodeados de misterios. Al ser personas tan jóvenes, ¿cómo se preparan un personaje con un contexto histórico en el que no han podido vivir? Blanca Suárez: Evidentemente hay muchas cosas que no hemos vivido. Por este motivo nos hemos tenido que documentar, ensayar juntos y estudiar en base a ese enfoque. Además, hemos recurrido a pelis y a muchas cosas para intentar aproximarnos a las características de nuestros personajes. Iban Garate: Es vital el flashback de la gente que vivió en esa época y que nosotros, evidentemente, no hemos vivido. Al nacer en 1982 no he hecho el servicio militar, por lo que este tema tampoco lo conozco mucho. Si bien es verdad que ponerte un uniforme te da un poquito de pánico. El trabajo de todo el equipo es muy importante en todos los sentidos, también en la preparación. Teníamos asesor militar, el vestuario ha ayudado mucho a nuestros personajes aunque, al final la cara la ponemos nosotros. ¿Qué aportan estos personajes a sus carreras? Blanca: Lo aportan todo. Creo que de los personajes que he interpretado hasta ahora, el personaje de Carmen no se parece en nada al resto. Iban: Para mí el thriller político también es un género nuevo. Al ambientarse en los años 50 y con un escenario militar, he estado preocupado. Además, siempre he actuado en eusquera, y no sabía si al hablar en castellano la tonalidad sería la misma porque no sólo se diferencia al decirlo, sino también en cómo lo siento. Por lo que fue un reto para mi el cómo poder reflejar esto. En cuanto a personalidad, ¿se sienten identificados con sus personajes? Blanca: A mí me encantaría tener el arrojo que tiene el personaje y poder tener el valor para hacer todas las cosas que lleva a cabo ella. Yo me considero una persona valiente, pero no hasta ese punto. Me gustaría tener esa fuerza y esa energía. Iban: No me veo muy reflejado. Tal vez por el contexto, que es una historia de hace 60 años. Destaco el arrojo y la decisión que tiene Enrique. En la película Miel de Naranjas os enfrentáis al dilema entre lo colectivo y lo individual y lo razonado o lo espontáneo ¿Por cual de las dos cosas se decantan ustedes? Iban: Lo individual está muy bien, pero hay que tener en cuenta que formamos parte de un colectivo y que, por lo tanto, hay que razonar muchas cosas. Yo soy demasiado racional y a veces me gustaría ser más espontáneo. Por esto no creo que las dos cosas estén reñidas. ¿Qué escena ha sido, para ustedes, la más complicada a la hora de grabar? Blanca: A mí me asustaba mucho el final de la película. El momento en el que Carmen dispara a su tío. Tenía muchas dudas porque no sabía la edad que tiene ni por qué lo

hace realmente. No sé si ella sufre por su tío, si le cuesta trabajo, si está enfadada y lo hace no con gusto, pero casi; hay un abanico de posibilidades muy grande. Por tanto, ha sido una lección para mí bastante complicada. Iban: La verdad es que no me costó especialmente grabar ninguna escena. Yo nunca he muerto en el cine pero me da mucho reparo cuando alguien muere y comparte conmigo esa secuencia. Desde el principio su personaje va viendo cómo la gente va muriendo delante de él… Iban: Cuando leí el guión ya sabía que se iban a morir tres o cuatro personas delante de mí. Es un momento duro. Me impresionaba el tema de los fusilamientos en aquella tapia y, sobre todo, ver cómo me miraba el psiquiatra cuando iba a ser asesinado. ¿Cómo se trabaja con un grande del cine español como es Imanol Uribe? Blanca: Es un placer enorme trabajar con alguien tan mítico dentro del cine español. Iban: He trabajado muy a gusto desde el principio y eso me ha ayudado a conocer mejor a mi personaje, por lo que este trabajo ha sido como un regalo para mí. Cuando leyeron por primera vez el guión ¿se plantearon la crítica que podría tener al estar ambientada en el franquismo? Iban: Yo personalmente no tengo prejuicios. Se han hecho muchas películas sobre contiendas bélicas en todo el mundo. Los americanos han hecho Films de la segunda guerra mundial, y aquí parece que da cierto miedo hablar de eso. Es como si no se hubiera superado la historia de las dos Españas. Blanca: Es la historia de nuestro país. Hemos estado muchos años bajo una dictadura y eso ha ido cambiando. Iban: Hay tantas historias como personas se vieron implicadas, así que podemos seguir contando más y desde distintos puntos de vista. No creo que sea una película más de la Guerra Civil española. De todo lo que ocurre en mi juzgado se podrían hacer multitud de películas en otros países, porque estas cosas no son exclusivas de España.

Blanca Suárez: “El personaje de esta película no se parece en nada a ningún otro papel que haya interpretado hasta ahora”

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Hugo Silva, Oriol Paulo y José Coronado no desvelaron demasiados detalles sobre la cinta.

Fotos: CineGaceta

Belén Rueda, la nueva musa de Oriol Paulo En el caso de encontrar a la protagonista femenina, Oriol Paulo no tuvo duda alguna. Después de coincidir en el rodaje de Los ojos de Julia, el director tenía claro para quién había escrito el personaje. “Cuando tenía el guión en la mano, yo sólo veía a Belén Rueda”, asegura. Por el momento sólo se sabe que es “su cuerpo” el que desaparece de la morgue, pero su interpretación ya es la que más curiosidades despierta .

Hugo Silva, el galán que cambia de look Nada queda en El cuerpo de la imagen de galán que caracteriza a Hugo Silva. Con ondas en el pelo, barba y gafas, Oriol Paulo ha querido modelar al actor para cambiarle el registro por completo y darle un look más maduro. Tener la posibilidad de desencasillar a Silva era uno de los atractivos para el director catalán, que asegura que “era imprescindible que este papel lo interpretara él”. 42 CineGaceta

El cadáver de una mujer que desaparece repentinamente en la morgue, su viudo y un inspector de policía que se encarga de investigar el caso. Eso es todo lo que se sabe por el momento de El cuerpo, el primer largometraje de Oriol Paulo, conocido por su trabajo como guionista en Los ojos de Julia. Precisamente por orden expresa de éste, ni José Coronado, que representa el lado oscuro y policíaco del filme, ni Hugo Silva, que cambia de aspecto y de registro al que nos tiene acostumbrados para ponerse en la piel del viudo de Belén Rueda, pudieron dar muchos más detalles sobre el argumento de la película. Lo que sí que se sabe ya es que el reparto se completa con Aura Garrido y Cristina Plazas, de las que, eso sí, todavía se desconocen los detalles sobre los personajes que interpretan. Inspirada en el cine clásico de Hitchcock, El cuerpo, según explicó Hugo Silva, “es una película de cine negro donde todos los personajes se mueven en la oscuridad mediante sus instintos más básicos”. Oriol Paulo, por su parte, remarcó que el trasfondo de esta historia es mostrar “cómo los seres humanos nos enfrentamos y reaccionamos ante situaciones extraordinarias que nos superan”. El tema de la obsesión también parece ser una de las claves de la película, sobre todo en lo que concierne al personaje de José Coronado, ya que, según adelantó el productor, Joaquín Padró, “hay una obsesión en su vida que le lleva a hacer todo lo que hace en el desarrollo de la trama, que ya veréis que es realmente espectacular”. Poco más se puede decir de El cuerpo hasta el próximo 28 de diciembre, fecha en la que se estrenará en los cines españoles. Sólo entonces se podrá comprobar si es cierto aquello que dijera Coronado de: “vais a hacer un viaje maravilloso de hora y media con nosotros”.

Hugo Silva: “El cuerpo es una película de cine negro donde todos los personajes se mueven en la oscuridad mediante sus instintos más básicos”

José Coronado ya es nombre de thriller Coronado ya es nombre de Thriller, pues desde que recientemente ganara un Goya por No habrá paz para los malvados, se ha convertido en uno de los actores más cotizados del cine español. Con El cuerpo, vuelve a encarnar un personaje del suspense que, según Oriol Paulo, “le va como anillo al dedo”. Además, ahora se encuentra rodando Los últimos días, un thriller apocalíptico escrito y dirigido por los hermanos Pastor que cuenta con un reparto encabezado por Quim Gutiérrez, Marta Etura y Leticia Dolera, entre otros.


C-#&2$)*(-*#$'*."0)'*02$'0-'*7 D#&2*#5'*)//5*(-*/&'*/E#$0-'*(-/*0$-#.& Memoria de mis putas tristes, dirigida por Henning Carlsen, se presentó en el Festival de Málaga como una adaptación de la célebre novela del autor Gabriel García Márquez. En ella se narra la historia de un anciano, interpretado por Emilio Echevarría, que, a punto de cumplir los 90 años, desea celebrar su cumpleaños compartiendo una noche con una prostituta virgen en busca del amor. Ángela Molina, que fue la única representante del reparto, definió la cinta como “una película de amor más allá de los límites del tiempo”. Muchas novelas de Gabriel García Márquez han sido objeto de adaptaciones cinematográficas. Crónicas de una muerte anunciada o El amor en los tiempos del cólera son algunas de ellas. La diferencia principal entre Memoria de mis putas tristes y todas las demás es que, según Vicente Aldape, productor del film en México, “en otras tienden a representar muy fielmente el libro. En ésta, sin embargo, el mensaje no es exactamente el mismo”.

1. Ángela Molina con Norgert Llagàs y Vicente Al dape durante la rueda de prensa de Memoria de mis putas tristes. 2. Cártel promocional de película. Fotos: CineGaceta .

Similar o diferente al resto, Memoria de mis putas tristes es la última adaptación que se realizará del escritor colombiano porque, según Norbert Llagás, productor en España, la familia García Márquez ha decidido que así sea. Por este motivo, la producción de la película ha estado sujeta, además, a varios requisitos. El más importante de ellos, que exigía que fuera rodada en español, ha llevado al director danés a contar con actores hispanos para su proyecto. Además había una norma clara: la película debía ser rodada en México, Cuba o Colombia. Uno de los puntos fuertes de este film es contar con la presencia de Geraldine Chaplin, Ángela Molina y Olivia Molina en el reparto. Y precisamente sobre el papel de madre e hija fue sobre lo que más se habló. “Es facilísimo interpretar al personaje de Olivia de mayor, sólo tengo que dejarme llevar”, aseguró Ángela. También habló la actriz sobre su trabajo con Emilio Echevarría, del que comentó que le admira profundamente porque “tiene un gran sentido poético a la hora de realizar su trabajo”. CineGaceta 43


Premio Mรกlaga Sur

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!)*D,-:)*D%)+) Elena Anaya ha cumplido su mayoría de edad en el mundo del cine. Ha pasado 18 de sus 36 años delante de las cámaras y este domingo el Festival de Málaga ha reconocido su trayectoria otorgándole el Premio Málaga Sur. “No es un premio a toda una vida, porque entonces no vengo ni loca”, señaló la actriz. Este es otro reconocimiento más de los que ha obtenido en los últimos meses, aunque reconoció que después de ese viaje “largo e intenso” compartido con Pedro Almodóvar, emprender nuevos trabajos no es tarea fácil. «Llevo año y medio sin rodar, leyendo guiones e intentando encontrar uno maravilloso. Afortunadamente, llegan muchas ofertas pero la situación es difícil dentro y fuera de España”, comentó Anaya. Agradecida por este premio, la actriz aseguró, sin embargo, que “presentar películas y recibir premios es un empujoncito y un abrazo muy bonito, pero donde más me crezco y donde me siento en mi propia salsa es haciendo personajes, porque soy muy tímida y no me gusta estar aquí”. Aunque ha cruzado la frontera en varias ocasiones y ha trabajado en Francia, Reino Unido e incluso Estados Unidos, aseguró que “los proyectos españoles siempre están primero”, porque ésta es su “casa” y, en la medida de los posible, se debe fomentar el cine español, “con historias más factibles”, aun contando con menos medios que antes. En cuanto a sus tareas pendientes, Elena Anaya confesó que le encantaría hacer comedia y trabajar con directores como Isabel Coixet o Juan Antonio Bayona. Aunque no dudaría en volver a trabajar con Almodóvar, a quien considera “un gran maestro, por su energía y su pasión por el oficio”. “He trabajado con grandes directores, gente muy talentosa, pero Pedro va más allá, alimenta la genialidad con disciplina», indicó Anaya. Desmintió, además, los rumores que tachan al director de “quisquilloso”, y asegura que él hace que trabajar “sea liviano y fácil”. Para ella, la opinión de los directores es fundamental porque, tal y como explica, hace “las películas para los directores, no para ella”. Elena también tuvo palabras para su “padrino”, el actor Manuel Morón, quien estuvo presente en el homenaje a la actriz en el Cervantes. «Él me dio el primer empujón y el anzuelo envenenado de enseñarme el camino de la interpretación, con muy pocos años, mucha rebeldía y muchas ganas de pasarlo bien», recalcó. Actualmente, se ve a sí misma más madura, “con más vida y más experiencias” que le ayudan a disfrutar más a sus personajes. De entre todos los recuerdos que tiene presentes de su carrera artística, destaca el momento en que consiguió su papel en la película África, el primero en cine. Eso sí, reconoció que el cine es muy “injusto” tanto para los cineastas como para los actores porque «hay mucha gente con talento que no llega a trabajar nunca”. “Pero a mí me pasó, por eso, animo a todas aquellas personas que quieran dedicarse a este mundo a lanzarse y, sobre todo, a creérselo”, apuntó. Con esas palabras de aliento, la protagonista de La piel que habito transmitió ánimo y vitalidad a todos los que, como ella, han decidido embarcarse en la profesión “más bonita del mundo”.

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Elena Anaya: “presentar películas y recibir premios es un empujoncito y un abrazo muy bonito, pero donde más me crezco y me siento en mi propia salsa es haciendo personajes”

1. Elena Anaya durante la rueda de prensa. 2. La actriz palentina junto al monolito que el Festival de Málaga ha colocado en su honor en el paseo marítimo de Antonio Banderas.

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Elena al desnudo “No sé si voy a poder decir cuatro frases seguidas, estoy muy emocionada”. Así comenzaba Elena Anaya su discurso en el teatro Cervantes, donde recibió el premio Málaga Sur por su trayectoria profesional. La actriz palentina tuvo palabras de agradecimiento para todos los que le acompañaron en la Gala Homenaje. A Manuel Morón, actor y compañero, le expresó todo su cariño por “ser el culpable de todo”. “Tú me enseñaste a amar este oficio profundamente, a adivinar realmente qué es lo que quería hacer en mi vida.”, afirmó Anaya. Elena protagonizó el momento más divertido al imitar a Katrina Bayonas, a quien considera “la representante más jovial y astuta que existe en este planeta” además de “su madre artística”. Con acento británico, reprodujo el momento en que Bayonas le ofreció su primer papel, y bromeó sobre los consejos que le daba en sus castings sobre esconder su verdadera edad para adaptarla a la de los personajes. A Tristán Ulloa, protagonista de Lucía y el sexo, le expresó su cariño recordando el día en que hace años se contaron “cosas tan fuertes sentados en un banco” que “se quedaron pegados para siempre”. “Qué bueno que la vida nos siga juntando”, concluyó. Anaya también quiso halagar a Jan Cornet y Blanca Suárez, compañeros de reparto en La piel que habito. “Sois la nueva generación del cine español. Sois unos actores maravillosos y brilláis con luz propia”. En referencia a su personaje en la película de Almodóvar, contestó a las declaraciones que Jan Cornet había hecho anteriormente, y declaró: “Jan, a mí también me ha encantado hacer de ti”. Al último de los “anfitriones”, Gustavo Salmerón, le mostró todo su afecto, y le animó a verlo más “en la pantalla grande”. Una vez la actriz se había acordado de todos los que le acompañaban esa noche, dedicó sus últimas palabras a los que no estaban presentes. Directores como Fernando León, Julio Medem, Agustín Díaz Yánez o Pedro Almodóvar recibieron las alabanzas de la palentina, que también quiso agradecer a “aquellos productores que se dejaron convencer por todos estos directores tan aventurados”. También destacó la profesionalidad del director de casting Luis San Narciso, al que calificó como “el mejor director de casting de este país” y quien, asegura, “ha conseguido” que haga “películas maravillosas”. Elena Anaya concluyó su intervención sintiéndose “una persona profundamente afortunada” por haber conseguido dedicarse a lo que más le gusta “en el mundo” y a “lo que más feliz” le hace, “que es actuar”.

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“Anayistas”

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Blanca Suárez empezó su discurso intentando evitar tópicos y huir de obviedades. Habló de su luz, esa que irradia con su sonrisa y con esos ojos gigantes que parecen que estén lanzando rayos láser. Concluyó con un contundente “De mayor, quiero ser como tú, Elena Anaya”. Jan Cornet se mostró feliz y contento de haber conocido a “una actriz tan fantástica” y de que se reconociera “su rigor, trabajo y compromiso con la actuación”. Sin embargo, Cornet destacó que, lo mejor que le había sucedido había sido ser ella. “De hecho, mis primos quieren que, a partir de ahora, vaya tú a las cenas de Navidad y a las comidas”. Tristán Ulloa agradeció al “huracán medemiano” que les pusiera en el camino, porque, de esa forma, le había brindado la oportunidad de “conocer a una de las actrices más talentosas” del cine español. También rememoró el momento y la frase con el que empezaron su consolidada amistad: “En un intento de vencer mi timidez, me acerqué a ti con una excusa inmejorable: “¡Tenemos el mismo repre!”. Me contestaste algo. Sé que me hablabas porque movías los labios, porque yo no oía nada. Sólo una voz en off dentro de mí que decía: “¡Dios, qué mirada! Parece prima hermana de Bowie”. Para finalizar, el protagonista de Lucía y el sexo se declaró “anayista, pero, sobre todo, elenista”. Gustavo Salmerón, padrino de honor de la actriz, protagonizó el momento más cómico de la velada. Su discurso, mitad inglés, mitad español, volvía atrás en el tiempo, al momento en el que vio por primera vez a la actriz: “Yo estaba en el estudio y la vi bajar por las escaleras. Todo se inundó de luz”. Rompiendo con el protocolo, Morón bajó las escaleras y estrechó a Elena Anaya entre sus brazos. Manuel Morón, a quien Anaya recuerda como la primera persona que confió en ella, quiso dedicar a la actriz unas palabras de la obra de Rainer María Rilke, Cartas a un joven poeta. A modo de consejo, Morón profetizó: “por eso, mi distinguido amigo, no sabría darle más consejo que éste: entrar en sí mismo y examinar las proximidades de que brota su vida”. El actor concluyó su intervención con un contundente: “Quizá se haga evidente que usted estaba llamada a ser artista”. Katrina Bayona ha sido representante de Elena Anaya, pero también su cómplice y amiga. Por este motivo, no dudó en alagar tanto su faceta artística como personal. “Elena siempre ha llenado de matices y colores a sus personajes, y lo único mayor que su enorme talento es su corazón”. La propia Elena califica a Bayona como “su madre artística”, y haciendo gala a este tratamiento, Bayona protagonizó uno de los momentos más emotivos de la gala, al pedir a la madre de la actriz que subiera al escenario con ella para entregarle el premio juntas. “Así Elena está con sus dos madres”, declaró la representante emocionada. CineGaceta 47


Álex García y Verónica Echegui encabezan el reparto de la ópera prima de Roberto Pérez 48 CineGaceta


Seis puntos sobre

Emma

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Un ensayo sobre los sentimientos y una lección de vida Seis puntos sobre Emma, primer largometraje de Roberto Pérez Toledo, ofrece una peculiar visión de la vida de una invidente. Emma, interpretada brillantemente por Verónica Echegui, intenta llevar una vida normal y trazar un maquiavélico plan para quedarse embaraza. Sin embargo, su ceguera va mucho más allá de lo meramente fisiológico. Echegui consigue captar a la perfección la analogía que pretende expresar el director entre la discapacidad física y la emocional, entre su imposibilidad de ver y su dificultad para amar. Un punto muy favorable a la película es la química que hay entre los dos actores principales. Álex García interpreta a Germán, el terapeuta de un grupo de ayuda para discapacitados al que acude Emma. Podemos observar a un García mucho más maduro y reflexivo que en otros papeles a los que nos tiene acostumbrados. Sin embargo, la falta de matices de Germán hacen de este personaje algo inacabado que se ve eclipsado en todo momento por el de su compañera de trabajo. Pérez Toledo va poniendo a lo largo del filme esos puntos sobre las íes para romper los estereotipos sobre las personas con alguna deficiencia física. "Lo que he intentado siempre es contar la historia mirando de tú a tú a estos personajes. Mirándolos de frente, ni más alto ni más bajo", resume. Por su parte, Echegui explica que tuvo que convivir con dos invidentes y tener un coach personal para poder interpretar a Emma tan bien como lo ha hecho. “He pasado todo el tiempo que he podido rodeada de gente invidente para ver cómo se comportaban y cómo se desenvolvían en todas las situaciones y circunstancias”, reconoce la actriz. Sobre lo que más le ha costado del personaje, Echegui afirma que “desprogramar” todo lo que ya sabe. “Hay un montón de reacciones y situaciones en las que el cuerpo va solo y es muy difícil controlar esos impulsos”, reconoce la protagonista.

Pérez Toledo pone a lo largo de la película esos seis puntos para tratar de romper los estereotipos sobre las personas con alguna deficiencia física

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1. Verónica Echegui es Emma, la protagonista de la película 2. Álex Garcia inter preta a Germán, un terapeuta 3. El director y los protagonistas posan antes de em pezar la rueda de prensa de Seis puntos sobre Emma Fotos: CineGaceta

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Roberto Pérez Toledo: 8C$*&,:-0$F&*-'*G"-*-/*.H,/$1&*'-*1-%02-%*/)*1-="-2)*'-%0$#-%0)/*(-*?##)> “El amor dejará de ser ciego”. Así reza el cartel promocional de Seis puntos sobre Emma, la ópera prima de Roberto Pérez Toledo, quien, después de consolidarse en la creación de cortometrajes, ha querido dar el salto al mundo del largometraje con un ensayo sobre la ceguera emocional. Con numerosos premios y festivales a sus espaldas, el director enfrenta su proyecto más ambicioso con ilusión, y espera que esta película sólo sea el principio de una larga carrera cinematográfica.

1. Roberto Pérez Toledo durante su entrevista a CineGaceta. 2. El director junto a Verónica Echegui en el rodaje de la película. marítimo de Antonio Banderas. 3. Equipo de Seis puntos sobre Emma Fotos: CineGaceta y cedidas por Roberto Pérez Toledo

“No pretendía hacer una película sobre la invalidez, sino que ésta fuera una característica más de unos personajes a los que les ocurren otras cosas”

¿Por qué decidió que la protagonista fuera ciega? ¿Era una forma de mostrar la ceguera sentimental que padece? Sí, totalmente. Para mí el tema de base era la ceguera sentimental, esos “palos de ciego” que damos todos en la vida hasta encontrar lo que de verdad queremos, y que muchas veces no es lo que pensamos que queremos en realidad. Eso me llevó a la posibilidad de contar con una protagonista que fuera invidente. En la plasmación de esta discapacidad, yo lo que realmente quería era que el espectador, a los 5 minutos de conocer a Emma, se olvidara de que es ciega en un sentido físico y se centrara en sus otros tipos de ceguera, como la sentimental, que tiene que abordar y enfrentar a lo largo de la historia que cuenta la película. ¿Y cómo cree que se puede abordar la discapacidad para no caer en lo tópico ni en lo sentimental ni tampoco herir sensibilidades? En ese aspecto me dio el enfoque adecuado mi propia experiencia como tal. La verdad es que yo no pretendía hacer una película sobre la discapacidad, sino que ésta fuera una característica más de unos personajes a los que les ocurren otras muchas cosas. Para nada quería tener una mirada condescendiente, compasiva ni victimista hacia ellos, sino que ellos mostraran su arrojo y su valentía a la hora de enfrentarse a lo que sienten, como cualquier otra persona en el mundo. Creo que bastante complicado es ya ser discapacitado como para pensar que eso va a condicionar cualquier tipo de reacción sentimental en nosotros mismos. Por eso había que hablar de ello con la naturalidad con la que yo lo vivo y teniendo en cuenta que hay muchísimos días en los que yo tengo otras muchas preocupaciones que el hecho de ir en silla de ruedas. Hay ciertas similitudes entre su forma de plasmar la invalidez y la de manera en que lo hace Olivier Nakache en Intocable… Sí. De hecho, cuando yo vi Intocable me sentí muy identificado con ella. Eso sí, Intocable es un súper éxito. Ya me gustaría a mí recaudar un 5% de lo que está recaudando esta película. ¿Y por qué Verónica Echegui y Álex García? ¿Por qué decidió que estos actores fueran los protagonistas? Yo necesitaba una actriz del calibre que tiene Verónica Echegui para interpretar a Emma porque ésta es una película de personaje, donde ella está presente en casi todas las secuencias. Por eso era muy importante tener una actriz que me diera toda la amalgama de estados de ánimo por los que pasa la protagonista. Echegui no me defraudó en absoluto. Cuando la vi por primera vez convertida en Emma, pensé que había sido un lujo haber podido contar con ella. En el caso de Álex García yo tenía muchas ganas de trabajar con él en algún largometraje y tener la oportunidad de darle un personaje con claroscuros y luces y sombras que él pudiera modelar. Para mí Álex es un actor que nos va a dar muchas sorpresas en el futuro porque es realmente bueno. Creo que desde este momento va a empezar a brillar en el cine. ¿Y ahora que se ha lanzado a grabar largometrajes, ¿tiene pensado seguir haciéndolo ? Claro, voy a seguir haciendo cortometrajes, pero también largometrajes. Me apetece contar historias de cualquier duración y en cualquier soporte. CineGaceta 51


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1 El presidente de los productores españoles, Pedro Pérez, se desplaza como cada año a Málaga para informar a la prensa del estado de la industria del cine. Gracias a la colaboración de Rantrak, se ha elaborado un estudio donde se permiten observar los últimos datos de todo aquello que engloba a la industria cinematográfica. Hasta el 22 de abril la recaudación se haya en un 13%. En cuanto a la taquilla, ésta ha caído un 16% respecto al año pasado, lo que suponen 180,98 millones de euros recaudados. Con la llegada de la crisis, la cultura y todo lo que ésta engloba han sido los principales afectados de las medidas llevadas a cabo por el Gobierno. Pedro Pérez asegura que el sector está poniendo todo de su parte para ajustar la industria a dichos recortes. Y es que se han anunciado 33 rodajes frente a los 63 que se anunciaron en el mismo periodo de 2011, suponiendo un 47,6% menos. Además, el número de producciones españolas se ha reducido en un 36,3%, pasando de 55 largometrajes a 35. Esta industria proporciona miles de puestos de trabajo que están desapareciendo, por lo que afecta a cientos de miles de personas y familias. La industria audiovisual está engordando las listas del INE, ya que la tasa interanual de servicios del mes 52 CineGaceta

de febrero fue de 2,2% y de 5,2% el grupo formado por las actividades cinematográficas, programas de televisión y de edición musical. Por lo que el desempleo en el sector ha sufrido un incremento del 9,3% frente al periodo anterior. Para ayudar a las producciones españolas en estos momentos que son tan difíciles, Pedro Pérez pide que las productoras inviertan en los proyectos nacionales y critica la actuación de TVE por invertir 81 millones de euros en películas extranjeras. “Cada película española en la que invierte TVE deja huella industrial y deja empleo. Cada película extranjera deja humo y no representa absolutamente nada”, explica el presidente de la FAPE. Con el cambio de Gobierno TVE ha renovado la plantilla. Actualmente, según las palabras de Pedro Pérez, la programación de la parrilla de la televisión pública se está llevando a cabo por el ministro de Hacienda y no por un profesional que sepa distinguir lo que es ocio de lo que es cultura. Y es que Cristóbal Montoro explicó ante los medios de comunicación que se debía de reducir el presupuesto destinado a los productos de ficción de TVE debido a que “una serie de ocio sirve para pasar un buen rato delante de la televisión por lo que no se pueden pagar esos precios”.

Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales Españoles. Se trata de una entidad sin ánimo de lucro donde se encuentran la mayoría de las empresas de producción de cine y televisión de España. Está formada por más de 300 empresas productoras que se han asociado tanto territorialmente como en función de la especialización y de las peculiaridades del sector audiovisual. Además, está presente en está presente en diferentes Organismos e Instituciones nacionales e internacionales. El principal objetivo de la FAPE es la representación y defensa de los intereses profesionales y empresariales del sector de la producción audiovisual ante toda clase de personas, Organismos y Entidades, públicas y privadas, y especialmente ante la Administración, así como de la promoción de la investigación y desarrollo del sector y de la elaboración de estudios y análisis del mercado. Desde 1991, año de su constitución, la Federación ha alcanzado una posición de prestigio y reconocimiento cimentada principalmente en su labor de negociar con las distintas instancias de la Administración una legislación audiovisual que posibilite la estabilidad y el crecimiento de una industria económicamente autosuficiente, así como en el establecimiento de acuerdos, pactos y convenios con los restantes sectores del mercado audiovisual.

1. Carmelo Romero, director del Festival de Málaga, y Pedro Pérez, presidente de FAPAE, durante la rueda de prensa Fotos: CineGaceta


Agua y Fuego La opinión del experto Decía Teofrasto, el discípulo más aventajado de Aristóteles que “enseñar no es llenar un vaso, sino encender un fuego”. Una sabia lección, sin duda, para profesores y estudiantes, para todos aquellos que se dediquen a la formación. Aunque también la imagen sirve para hablar de cine y, por qué no, del pasado Festival Málaga. Un festival de cine no es sólo la proyección de una película tras otra, la sucesión casi en bucle de un posado, una rueda de prensa, una alfombra roja y un estreno. Una clase magistral por ahí, una exposición por allá y un ciclo lo más exótico y alternativo posible acullá. Todo esto es importante, rellenan el vaso. Pero el festival es mucho más. Málaga, como en tantos otros casos, ha sido durante ocho días un lugar de encuentro para gente que comparte una pasión. Los más visibles –que esto también es un escaparate, no lo olvidemos- son los directores, actrices y actores, artistas y artesanos que presentan sus obras, sus películas, el fruto de muchos desvelos y horas de trabajo. Ahí están también –casi siempre corriendo, lo digo por experiencia propia en ya muchos festivales- los periodistas, con orejas, ojos, narices y bocas bien abiertas para saborear lo último salido del horno. El bocado, a veces es sabroso, a veces seco o amargo. Sepa como sepa, después hay que contarlo. Esa es nuestra misión, nuestra gustosa tarea. En este pasar revista es fácil reconocer por su ilusión, entusiasmo y algo de desconcierto escrito en sus caras a los estudiantes. Sí, como el equipo de CineGaceta, jóvenes abiertos a la sorpresa, a la novedad, a la experiencia a pie de campo. Tampoco falta gente que quiere hacerse un hueco en la industria. Van con su corto bajo el brazo en un CD o en un memoria USB. O se cuelan en una rueda de prensa y piden sin tapujos a un director una oportunidad en su próximo casting (que se lo pregunten a Imanol Uribe este año el día de su presentación de “Miel de naranjas”). Y por supuesto, espectadores: un público que busca historias para vivir otras vidas, desconectar de la suya en la butaca, disfrutar simplemente de una pasión que les lleva incluso –así pasó en la clausura- a soportar horas y horas bajo la lluvia para lograr aunque sea un autógrafo de algún actor conocido, Mario Casas, sin ir más lejos. Todos ellos, decía, van unidos por una pasión. Amor a sus raíces y a mirar la vida con una sonrisa demuestra -por ejemplo- Paco León con “Carmina o revienta”. El actor debuta como director con un falso documental sobre su madre, Carmina Barrios, una señora llena de gracejo y desparpajo que ya tiene en casa su Biznaga a mejor actriz. Lo mismo ha dejado el premio al lado de la freidora como que en el cuarto de baño. Sí, en serio, ella es así. Qué difícil es a veces ser joven, hacerse preguntas de ¿por qué? y ¿cómo? y chocarse contra el muro buscando respuestas. Algo de eso plantea Patricia Ferreira en “Los niños salvajes”, premiada como Mejor Película o Mejor actriz de reparto para Aina Clotet. Hay crisis. Ya lo sabemos todos. Y entre tanto desconcierto, siempre es reconfortante ver diagnósticos y retratos tan certeros como el de Xavi Puebla en “A puerta fría”, un merecido premio de la crítica. De acuerdo, el vaso hace aguas, pensaran algunos ante estas circunstancias. El cine español se va a pique como el Titanic en su centenario. Adiós a las ayudas, hola a los tijeretazos, aquí no hay quien ruede…La lista de problemas para el recibo de la compra de una familia de numerosa. ¿Dónde entonces encontrar un motivo para huir del desaliento? Ya lo he dicho, en Málaga. O allí donde haya pasión por el cine. Allá donde se mantenga encendida la llama de la que hablaba el jodido Teofrasto. “O eres parte del problema o eres parte de la solución; si no, sólo formas parte del paisaje” decía Robert de Niro en Ronin. El viento puede apagar el fuego o puede avivarlo como un diablo y acabar por prenderlo todo. Una industria como la cinematográfica sobrevivirá, como tantas otras, siempre y cuando haya gente empeñada en ganarse la vida con ella y no de ella. Vale, de acuerdo, no es momento ni lugar éste para abrir aquí debates repetidos una y otra vez estos días. Sólo os recordaré, para terminar, aquella otra cita, ésta de Confuncio: “Elige un trabajo que te guste y no tendrás que trabajar el resto de tu vida”. Viva el cine.

Gonzalo del Prado Su labor como periodista cultural no está muy re conocida, pero ha visto de cerca una Palma de Oro en Cannes y ha celebrado el Oscar de Amenábar en el Teatro Kodak de Los Ángeles. Ha paseado por la Concha de San Sebastián con Glenn Close y Mi chael Fassbender. Morgan Freeman le dio una clase de inglés, pero Johnny Depp alabó sus dotes lingüísticas. Sin embargo, el idioma fue una ba rrera para solucionar un malentendido con Mel Gibson. Gonzalo del Prado (Sevilla, 1975) estudió Periodismo en la Universidad de Navarra y, des pués de probar en Deportes y otras secciones, ha conseguido hacer de su pasión su profesión. Actualmente trabaja en la sección de cultura de los informativos de Antena 3.

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“La suerte de poder hacer de tu pasión tu trabajo” Por BORJA ANTÓN y ANA ESCLAPEZ


“Estás en una colmena, amigo. ¿No lo sabías? Entre abejitas laboriosas, con su aguijón, fabricando miel noche y día. ¿No es así?”. Eva al desnudo (1950) sintetiza perfectamente el significado y entramado del teatro, el contenido y continente de ese arte particular. Con esas palabras, Margo Channing espeta a Bill Sampson su forma de entender la compañía en la que trabaja, su funcionamiento y el comportamiento de sus integrantes. En ese universo, todos realizan su labor con esfuerzo y sacrificio, combatiendo la inevitable rivalidad que florece entre ellos. Sin embargo, cada elemento es importante para obtener el resultado óptimo, la esencia pura del arte escénico. Sin esa colaboración, no existiría la “miel”. Es fácil extrapolar las palabras que pronunció Bette Davis a la otra cara del espectáculo. El cine también es como una gran colmena: todo conlleva un proceso, una cadena de montaje sin la cual su existencia peligraría seriamente. Los productores, directores e, incluso, los actores cargan con un peso muy importante dentro de la industria. No obstante, muchas veces, parece que la imagen que ofrecen al público empaña (y, en ocasiones, esconde) la tarea de aquellos que transmiten la información sobre todo lo que envuelve y constituye el universo cinematográfico. Si no existiesen periodistas especializados en este campo, ni críticos que valorasen las obras de sus creadores, ¿qué ocurriría? ¿Qué lugar ocuparía la industria sin noticias sobre las películas que se estrenan o de los rodajes que están teniendo lugar? ¿Serían los actores un factor determinante (e influyente) para la opinión pública? Por esta y muchas razones es importante conocer el engranaje de esta rama de la comunicación. A través del análisis de sus múltiples vertientes, es posible formarse una idea sobre cómo es la figura del periodista cinematográfico: Cómo trabaja, de qué manera se enfrenta al panorama cultural y, en definitiva, cómo se vive una profesión tan fascinante y vocacional. Gerardo Sánchez, Gonzalo del Prado o Noel Ceballos son algunos de los encargados de hacer un recorrido por las diferentes formas de afrontar la profesión, a través de sus múltiples soportes y posibilidades.

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1. Gerardo Sánchez, director de Días de Cine (TVE), en la redacción mientras prepara un vídeo para el programa 2. Gonzalo del Prado, encargado de la in formación cinematográfica en los informativos de Antena 3, en el Festival de Cannes Fotos: CineGaceta y cedidas por Gonzalo del Prado 1

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La información cinematográfica ocupa un lugar muy importante en televisión El periodismo cinematográfico es aquel que, como su propia denominación indica, explora los elementos que conforman el séptimo arte. Existen varias formas de transmitir las noticias relacionadas de ese ámbito, de valorar las películas que se estrenan cada semana (o no) en las salas y, en definitiva, de hablar sobre cine. La mirada depende del ojo (o soporte) con que se aprecie. El abanico es muy amplio, no cabe duda. Sin embargo, la televisión es, quizás, el medio que mejor recoge la esencia de ese arte, el que conjuga a la perfección información con las imágenes. Su naturaleza audiovisual hace posible que la transmisión del contenido resulte más eficaz. Y no sólo eso. Según el Informe anual de la profesión periodística, la mayor parte de los ciudadanos escoge la televisión como medio para informarse y le otorgan el nivel más alto de credibilidad, por delante de los periódicos. Pero, ¿qué es lo que ofrece este soporte para situarse en la cumbre mediática? Y, sobre todo, ¿qué aporta al panorama cinematográfico? Gonzalo del Prado, presentador cultural de los informativos

de Antena 3, opina que la obligación de un medio de comunicación consiste en “formar, informar y entretener”. El reparto de esas tres funciones se distribuye de manera lógica entre los distintos departamentos y el entretenimiento recae, según el periodista, sobre “cine y cultura”. “En esta sección, el factor entretenimiento tiene un peso muchísimo mayor que en otras áreas. Se intenta buscar un equilibrio entre lo que es entretenido, curioso e informativo, aunque siempre prima lo llamativo sobre lo informativo”, razona. En un informativo de estas características es difícil abarcar todos los temas que engloba la cultura y, mucho menos, los del cine. En contraposición, el director de Días de Cine (La 2), Gerardo Sánchez, apuesta por un contenido más elaborado, por “reportajear” más. “La gente agradece que se den pinceladas de cosas que tienen relación con un tema que, a lo mejor, desconocen y que el programa está en condiciones de enseñar”, explica. Aunque esto se convierte en un arma de doble filo: ese análisis que desarrolla en profundidad un aspecto concreto del género cinematográfico puede ser tachado de “pedante”. “No es nuestra intención. Sólo intentamos ser lo más didácticos posibles y poner esos temas en contexto”, aclara.

No es país para programas de cine

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La parrilla televisiva brinda una gran variedad de programas de todos los estilos, contenidos y enfoques. Pero a la hora de encontrar información cinematográfica de calidad, la oferta se reduce. El redactor cultural de Antena 3 lamenta que este tipo de contenido no acabe de “funcionar”, y no entiende el maltrato que recibe este sector. “Está demostrado que hay gente interesada en el cine, pero, a lo mejor, ese interés no radica en ver media hora de un programa”, explica. Del Prado alega que el espectador es muy selectivo a la hora de escoger “qué quiere ver” y justifica que su interés se ve mermado con la aparición de Twitter y otras redes sociales. Esas fuentes inagotables de información conducen a que el individuo opte por titulares y flashes que sacien su apetito cinéfilo en su justa medida, sin llegar nunca al hartazgo. Gerardo Sánchez opina lo mismo: “Creo que hacer un programa como el nuestro es muy complicado porque es enormemente vocacional y porque si nosotros nos fuéramos tan abnegados, Días de Cine habría muerto”. El periodista de TVE incide en el maltrato del que habla Gonzalo del Prado, y sentencia que el apoyo que reciben es prácticamente “nulo”. Según Sánchez, nadie apuesta por ellos, ni “cuidan” un programa que podría tener una repercusión mayor en la televisión. No hay más que atender a las cifras y audiencias que obtiene cada jueves. La estimación varía, pero siempre oscila entre el 1.4% de share y los 111.000 espectadores, según la web vertele.com. A pesar de estos datos, el responsable del programa afirma que tienen “un público fiel”. “Nuestros jefes no entienden que si es el aniversario de Kurosawa, hagamos un monográfico de 12 minutos. Y estamos zumbados, pero no locos. Sé que hay gente que ve Días de Cine que sí lo apreciaría”, apunta.


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1. Gerardo Sánchez en la redacción de Días de Cine preparando un documental para el programa sobre Elias Querejeta 2. Gonzalo del Prado preparado para hacer un directo desde el Teatro Kodak de Los Ángeles antes de que comience la ceremonia de los Oscar 3. El periodista de Antena 3 entrevista a la actriz española Elsa Pataki Fotos: CineGaceta y cedidas por Gonzalo del Prado

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El análisis de la prensa cinematográfica frente a las nuevas tecnologías El género audiovisual es el referente mediático para la mayoría de ciudadanos, al que acuden cuando sienten la necesidad de conocer qué está pasando. Sin embargo, es el medio que más desconfianza genera entre los miembros de la profesión. La mayoría de ellos señala la pequeña pantalla como el medio menos fiable y apuntan a la radio y la prensa como los más valorados, según los datos arrojados por el Informe anual de la profesión periodística. Precisamente, la prensa es el soporte que desprende más calidad y valor humano. A pesar de no percibir de forma audible la voz del periodista, ni reconocer sus facciones y expresiones, es en la palabra escrita donde se distingue su impronta. Víctor Hugo afirmaba que "la prensa es el dedo indicador de la ruta del progreso". Pero, paradójicamente, ese dedo ha pasado de ser el apuntador al apuntado. En la actualidad, esa transformación se encamina hacia sendas insospechadas. La inmediatez de las redes sociales sacude al análisis y la calma de los periódicos y revistas. Especialmente para el sector cinéfilo. ¿Qué futuro les espera a las publicaciones especializadas? ¿Llegará un momento en el que el usuario se conforme con la información a golpe de tweet? Noel Ceballos, colaborador y crítico de Fotogramas, no cree que la revista tradicional “esté en peligro de extinción, sino que se encuentra en proceso de mutación”. “Ya no tiene sentido dar primacía a la actualidad cuando Internet nos mantiene al día de todo a cada minuto, pero las revistas tienen que seguir ofreciendo información en profundidad, entrevistas, análisis y valor añadido”, argumenta. Esa convivencia entre los dos medios debe existir, tienen que aprender a complementarse para lograr una información de calidad. En línea con esta tendencia, Juan José Esteban, director del magazine Hoy Cinema, se muestra contundente al hablar de la conjugación de ambos soportes. Esteban opina que hablan “lenguajes diferentes”, con “ritmos y maneras de trabajar” distintos, lo que no impide su “coexistencia”. “No creo que internet sustituya a las revistas. A las revistas las van a sustituir otras revistas, en otros formatos”, clarifica. La esperanza de la que hablan los dos periodistas contrasta con los resultados del último Estudio General de Medios. Según los datos vertidos por el informe, los lectores de revistas descienden a un 47,5%, casi un punto y medio menos con respecto al año pasado; mientras que los de suplementos y diarios bajan medio. Internet, por el contrario, es el medio que experimenta mayor subida: de un 42,5% a un 43,4%, casi un punto más que el año pasado en el mismo trimestre.

Camino a la redención

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Los datos extraídos del EGM resultan demoledores, aunque es cierto que esa evolución requiere tiempo, y que la adaptación exige paciencia. El crítico de Fotogramas advierte que “el problema es que, de momento, ese método híbrido entre la comodidad del papel y la interactividad de Internet es muy costoso”, pero acabará imponiéndose porque “es la tendencia hacia el futuro”.


Sin embargo, tanto un medio como otro tienen muy presente la importancia de Internet en el panorama informativo cinematográfico. Ceballos, por ejemplo, escribe en el blog El emperador de los helados, alojado en fotogramas.es, repleto de curiosidades sobre películas, música y cómics tratado desde una perspectiva más alternativa. “Hace falta darle al lector algo más, un análisis o comentario que no encuentre en otro sitio. Y eso lleva tiempo”, comenta.Por su parte, el responsable de Hoy Cinema también entiende que es necesario fusionar esos dos soportes para adaptarse a las necesidades de los lectores: “La red social es un tercer tipo de público diferente. Hay que ser sensato y ver dónde está ubicado para tener un mejor acceso a él y sus necesidades”. Su objetivo consiste, por tanto, en que la gente acceda a la web “porque quiera” y no porque la haya encontrado a través de una “búsqueda en Google”. La herramienta que mejor manejan (y mejores resultados les reporta) en la redacción es Twitter. Una prueba fehaciente de ello es el número de seguidores con el que cuentan, que en mayo ya asciende a un total de 15.660 seguidores. “Nosotros, por ejemplo, de 10 a 12 de la noche tenemos a una persona que está comentando lo que ponen en la tele. Así podemos ver lo que pasa en televisión y lo que pasa en twitter sobre lo que pasa en la televisión”, cuenta.

1. Juanjo Esteban, director editorial de Hoy Cinema , ha trabajado en numero sas publicaciones especializadas en diferentes nichos de información 2. Noel Ceballos, redactor de Fotogramas, en la conferencia sobre la influencia de los videojuegos en la cultura pop Focopalooza junto con los cineastas Carlos Vermut y Cito Altabás y el periodista John Tones. Fotos: CineGaceta y cedidas por Noel Ceballos

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Blogs: Una nueva forma de observar y entender el universo fílmico Los medios tradicionales se encuentran en un momento difícil. Esto no significa que se vaya a producir una disolución absoluta, ni que su desaparición sea inminente, aunque es cierto que su crecimiento es más notable que en cualquier otro soporte. Atendiendo al Estudio General de Medios, los usuarios de Internet cuentan con un 43,4%, casi un punto más que en 2011. Según The State Of Internet Now, existen 152 millones de blogs en todo el mundo, mientras que SoftwareLogia realiza una estimación de 133. En España, el número de dominios registrado se encuentra en 1.207.851, aproximadamente; al mismo tiempo que un 18% de los ciudadanos afirma haber creado alguna vez un blog, tal y como afirman los datos de ni.es. Sea como fuere, lo que está claro es que el universo web es inconmensurable, sobre todo, en un sector que genera tanta información como el cinematográfico. En él, los avances tecnológicos son más notorios y las nuevas vías de comunicación deben estar a la orden del día. Basta con observar la forma en la que se retransmiten los festivales, galas y actos. Luis Álvarez Ignatius, redactor del blog Extracine, confiesa que siguió la pasada ceremonia de los Goya “única y exclusivamente” a través de Internet. “Me enteré de lo que pasaba en el escenario, en las butacas y en la rueda de prensa a través de Twitter. Creo es una forma de ofrecer una perspectiva y un enfoque diferentes a los que estamos acostumbrados”, explica. Las redes sociales, como se ha comprobado en otros medios, deviene una herramienta fundamental en este ámbito. Su difusión es instantánea y el trabajo de un periodista o la reseña de un crítico pueden estar a disposición de cualquiera. Así lo ejemplifica Álvarez Ignatius: “Hace poco organicé un ciclo de cine sobre Pablo Branco, un productor de origen portugués, que hace películas europeas independientes. Alguien encontró mi artículo sobre él y lo enlazó con otro sitio”. No obstante, esa inmediatez puede pasar factura. Nacho Gonzalo Ortiz, administrados y director de la web Loqueyotediga, considera que la velocidad y calidad van ligadas cuando la noticia “interesa, tiene la suficiente relevancia y es el inicio de un análisis posterior más comentado, documentado y reposado”. No hay que concebir Internet como una “competición” para ver quien cuenta antes una noticia, sino que hay que marcar “la diferencia” en la forma de contarlo y en filtrar lo verdaderamente útil e importante. “Publicar 50 tweets implica saturación y, a la larga, acaba perjudicando al emisor, ya que el público agradece la habilidad del medio pasa decidir qué contar, cuándo hacerlo y cómo hacerlo”, añade.

Nacho Gonzalo: “El componente valorativo es importante en la información cinematográfica, pero hay que saber desarrollarlo cuando corresponde y no como un exceso de ego para buscar la polémica”

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Dos blogueros sin piedad Respecto a las creencias que hablan sobre el fin de los medios impresos, ambos consideran que el modelo ideal residiría en que el soporte analógico y el digital de manera complementaria. Gonzalo Ortiz opina que cada vez existen “más y mejores medios en la red que aúnan los dos puntos fuertes de lo cibernético y tradicional”. “Las revistas siguen teniendo el prestigio y el valor de la marca pero hay gente muy buena en internet (no necesariamente profesional) que ha contribuido a la democratización de los medios y a que internet sea el soporte de referencia por el que pasa todo”, expone. En ese sentido, el redactor de Extracine piensa que Internet es la “tendencia” a seguir, pero cree en la persistencia del papel como referencia informativa. “Creo que está muy bien hacer todas las cosas en Internet, pero, de vez en cuando, se debería imprimir algo. Recopilar es una labor muy interesante”, señala. Como buen cinéfilo, ejemplifica su teoría a través de dos películas, en las que se observa la importancia del medio más tradicional: “En El Escritor, Ewan McGregor escoge trabajar con papel antes que con un pen-drive; y en El libro de Eli, los recuerdos de Denzel Washington se imprimen para que no caigan en el olvido”. Tampoco hay que olvidar otra de los aspectos más controvertidos del universo blogger: la “opinionitis”, a raíz de la cual surgen varias cuestiones. ¿Se reducen sus contenidos a la polémica fácil? ¿De qué forma se distinguen las críticas constructivas de las destructivas? El redactor de Loqueyotediga se posiciona y argumenta que “más que exceso de ‘opinionitis’, el problema reside en que ese sentimiento ‘opinativo’ está mal encauzado”. Esto no quiere decir que no se fomente la opinión. Al contrario, el lector agradece que la persona que a la que sigue deje traslucirla. “Todos somos personas y el componente valorativo es importante en la información cinematográfica pero, hay que saber desarrollarlo cuando corresponde y no como un exceso de ego para buscar la polémica”, analiza.El perfil del periodista que busca el conflicto a cualquier precio es común entre el sector cinéfilo. Ocurre lo mismo con los especialistas que utilizan sus críticas para derruir la reputación de un cineasta, en lugar de valorar su obra positiva o negativamente. Según cuenta Luis Álvarez Ignatius, existen unos pases de prensa especiales para blogueros, una especie de “estrategia que están utilizando los directores” para obtener otro tipo de promoción. “La prensa oficial es muy encarnizada con ciertos directores, y, por ello, se tiran por los blogueros, porque parece que sus opiniones pueden ser diferentes”, justifica. Siguiendo esa línea, Nacho Gonzalo demuestra que no “hace falta ser más ingeniosamente destroyer” para ser crítico, y niega considerarse uno más. Una opinión es tan válida como cualquiera, independientemente del medio en el que se pueda transmitir. El cine no es una ciencia exacta. Existen varios prismas desde los que analizar los elementos que componen una pieza fílmica, distintos enfoques con los que comprender la narrativa y la forma de transmitir esos hechos. Aunque, en realidad, el vehículo es lo menos importante a la hora de hablar sobre arte. Gary Merrill, el Bill Simpson de Eva al desnudo, decía que “donde hubiera magia, fantasía y público, habría teatro”. Lo mismo ocurre con el cine y sus transmisores. Y no sólo a los que cuentan la historia, sino con los que cuentan cómo funciona esa historia.


Luis M Ă lvarez, editor de Extracine , junto a John Waters, director de Pink Flamingos y Cry Baby

Foto: Cedida por Luis M. Ă lvarez

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Cine VS Televisión La opinión del experto

Gerardo Sánchez Técnico audiovisual de formación, “rata de filmoteca” de voca ción. Desde siempre, el cine ha sido algo imprescindible para

Somos cinéfilos. Amamos el cine. Y los que tenemos cierta edad, podemos presumir de haber visto ingentes cantidades de películas en donde deben verse: en el cine. Pero el éxito obtenido durante los últimos años por series como Los Soprano, The Wire, o actualmente Juego de Tronos o Mad Men, nos invita a replantearnos algunas ideas que parecen preconcebidas. Hoy día no son (somos) pocos los que consideran (consideramos) que buena parte del mejor cine actual se hace para la televisión. En ocasiones resulta sonrojarte ver la oferta de estrenos semanales, y por consiguiente, ver ciertas películas en la gran pantalla. Por contra, cuesta dar crédito al hecho de estar asistiendo al gran cine en la cada vez menos pequeña pantalla de televisión. Cine y televisión, o cine, contra la televisión; porque ambos medios no siempre tuvieron unas buenas relaciones... En realidad, la idea de las series surgió en los años 30, con los seriales, como los de Dick Tracy.

Gerardo Sánchez (Madrid, 1960). A pesar de que sus estudios se focalizaron en Ciencias de la Imagen, y su labor se limitaba a montar y mezclar vídeos, lo cierto es que nunca encontró re medio para la cinefilia patológica. El visionado de 5 películas diarias, una videoteca de 7.000 volúmenes y una memoria ci nematográfica asombrosa constituyen pruebas fehacientes de

La televisión como tal cobró un fuerte impulso en Estados Unidos tras la Segunda Guerra Mundial. Pero era en verdad una pantalla muy pequeña, y el cine bien que se reía de ella en diversas películas. Sin embargo, algo tenía aquel medio, porque el cine pronto se vio amenazado por su presencia doméstica. Para combatir aquellas pobres imágenes, el cine se pasó masivamente al color, primero, y al cinemascope, después, con la esperanza de que el hecho de ofrecer algo que no podía verse en casa arrastrase a la gente al cine. El cine, en el cine, decía un anuncio que se ponía en los cines hace unos años. Hoy todo es un poco más complicado, y no solo porque la oferta de cine en casa es casi siempre superior en calidad a la de las salas, sino porque la magia de ir al cine se quedó en algún punto perdido en el tiempo. Sencillamente ya no hay salas de cine en muchos lugares. Y no es consuelo pensar en los maleducados que nos molestan en la sala (donde afortunadamente las haya) con su cháchara, o sus móviles.

ello. Seguramente, razones más que suficientes para los direc tores de TVE, que decidieron encargarle la dirección de Días de Cine, en sustitución de Antonio Gasset. El ganador del premio ATV 2002 dejaba un nivel alto, pero Sánchez consiguió que el

La magia de ir al cine se quedó en algún punto perdido en el tiempo, entre otras cosas, porque la oferta de cine en casa es casi siempre superior en calidad a la de las salas comerciales

público olvidara a Gasset. Su bagaje como montador ha logrado mejorar “el rendimiento del programa y el término de los re portajes”, y su coleccionismo enfermizo permite sacar adelante los contenidos de cada sección, en los que se pueden llegar a utilizar secuencias de más de 30 películas de sus estanterías.

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Pero, en esencia, el cine tiene, o quizás mejor, tenía, eso que llamamos “glamour”, como bien nos recordaba el personaje de Martin Landau en The Majestic cuando decía “¿que glamour hay en mirar una pequeña pantalla en el salón de tu casa...?”. Lo cierto, también es que tiempo atrás, la televisión era esperada con ansiedad, porque prometía algo grande, y si, ante la tele nos plantamos como ante un altar... Que la televisión podía ser algo maligno ya lo imagino Chaplin en Tiempos Modernos, y después Orwell en su 1984 y el gran hermano que todo lo vigilaba. Volviendo a los que nos ocupa. Por un lado, durante los años 50, en Estados Unidos, las Majors intentaron boicotear a las televisiones, no facilitándoles contenidos, esto es, películas. Ello empujó a las televisiones a producirlas ellas mismas. El resultado, un cine de bajo presupuesto, mucho más cercano a la realidad, que renovaría el panorama cinematográfico estadounidense, en particular, para finales de aquella década, de la mano de aquellos a los que se conoció como "Generación de


la televisión", entre los que estaban Sidney Lumet y Sidney Pollack, Arthur Penn, Martin Ritt, o Derlbert Mann... Por otro lado, algunos directores “de cine” empezaron a sentir curiosidad por aquel medio. John Ford fue uno de los primeros. Ya en 1955, dirigía para la televisión Rockie of the year un capítulo de la serie Screen Directors Playhouse, además de avalar el paso a la pequeña pantalla, en forma de serie, de su película Wagonmaster, con el mismo Ward Bond como protagonista. Aquel transito era sólo el comienzo y significaba, fundamentalmente, que los días de las películas de serie B tocaban a su fin... En Europa, Roberto Rossellini mostraba una temprana atención por el nuevo medio y las posibilidades que le brindaba para llevar a cabo una tarea que él consideraba “didáctica”, con sus diversos trabajos para la televisión, como los documentales INDIA, SOCRATES, PASCAL o DESCARTES o la serie Los hechos de los Apóstoles. Volviendo a Estados Unidos, a comienzos de los 60 las televisiones estaban ya inundadas de series que abarcaban todos los géneros. Los más clásicos tenían fuerte presencia, con westerns como Wanted: dead or alive, el debut de Steve McQueen, u otros como Maverick, debut de Clint Eastwood... y otras series que se convertirían en míticas, como Daniel Boone" Bonanza" o El virginiano.... Pero no fue solo el western el género que encontró en la televisión un aliado. Durante los 50 se habían desarrollado un tipo de películas de ciencia ficción que no eran sino una metáfora de la amenaza comunista producto de la guerra fría. En ocasiones nacidas a partir de ellas, surgieron algunas series que abundaban tanto en la idea de la exploración del espacio como en la amenaza extraterrestre, que estaba presente en títulos como Los invasores, y la idea de los viajes, en tiempo y espacio, en series como El túnel del tiempo. Y la de mayor éxito de todas ellas, Star trek producida ya en la segunda mitad de la década....cuyas secuelas y franquicias, televisivas o cinematográficas, llegan hasta nuestros días. También era ciencia ficción Viaje al fondo del mar con las maravillosas aventuras de submarino Seabius, o la deliciosa Guardianes del espacio. Capítulo aparte dentro del apartado guerra de los sexos, versión televisiva, merecen los “cartoons” de Hanna Barbera, como Los Picapiedra, y su versión futurista que fueron Los supersónicos, obvios modelos a seguir por nuestros contemporáneos Los simpsons y Futurama. Comedia era El súper agente 86, el inefable Maxwell Smart, agente del recontra-espionaje creado por Mel Brooks, que ha visto también recientemente reeditadas sus caóticas aventuras para la gran pantalla. El super-agente 86 era una parodia de las películas, y series, de espías, quitaesencia de las cuales fueron El santo, y series como Misión Imposible o Los Vengadores (no confundir con los de Marvel, ambas también llevadas al cine años después. En España que por aquel entonces era en verdad diferente, una figura aislada se empeñaba en ennoblecer la ficción televisiva: Narciso Ibáñez Serrador, quien con sus historias para no dormir, consiguió llenar de pesadillas los sueños de los españoles para los que su imaginación era su único reducto de libertad. Para finales de los 60 la ficción televisiva estaba plenamente asentada, muy especialmente en Estados Unidos. Pero en 1969 algo iba a cambiar, e la mano de un joven de 19 años. Aquel 1969 Neil Amstrong pisaba la luna, Los Beatles grababan su último disco, y Eddie Merxx ganaba su primer Tour de Francia. Peor en lo que nos toca a nosotros, Steven Spielberg dirigía una de las dos parte del episodio piloto de Night Gallery. Spielberg tenía apenas 21 años, y con esa edad dirigía a toda una vieja gloria como Joan Crawford. El Estilo de Spielberg chocó con las convenciones del medio al renunciar a usar un tipo de planos más cortos, dada la pequeña pantalla televisiva, para planificar tal y como era norma en el cine. Spielberg aún pondría su firma en series como Marcus Welby o Colombo. Sin pretenderlo, el joven Spielberg representaba el futuro de lo que iban a ser las relaciones entre el cine y la televisión. Por aquellos años, un “autor” como Ingmar Bergman aprovechaba la pequeña pantalla para contarnos alguna de sus grandes historias. Secretos de un matrimonio fue pionera de un modo de hacer que con el tiempo sería normal... Bergman repetiría años después con Fanny y Alexander, y tras su retiro oficial, con Después del ensayo, Creadores de imágenes y finalmente con Saraband. Mientras, en Italia, la RAI, o en Gran Bretaña la BBC, establecían tanto ejemplares formas de colaboración entre cine y televisión, como ejemplares muestras de la mejor televisión posible. Paralelamente a esta nueva televisión de autor, el mundo de las series convencionales, cuya primera edad de oro hacía años que había terminado, daba inequívocas muestras de agotamiento. Lo kitch

El DVD y el cine en casa, la televisión de pago, Internet o el “streaming” invitan a pensar en un futuro donde el espectador sea menos esclavo de la voluntad de exhibidores y distribuidores

y lo hortera habían sustituido a la imaginación y el talento de años atrás, aunque como siempre, con excepciones. En España, fueron los años de las adaptaciones literarias, con algunos muy buenos resultados, y otros no tanto. Antes de la revolución de HBO, fue la revolución de Twin Peaks, o como meter el turbio mundo de pesadillas de David Lynch en el salón de cada casa. La serie se prolongó innecesariamente en una segunda temporada en contra de los deseos de David Lynch, pero cambió la manera con la que la televisión podía enfrentarse a la ficción... Había una cosa clara: en Europa el cine ya dependía de la televisión, y el camino iniciado por la RAI en los 70 nos ha permitido ver obras maestras como La mejor juventud, serie, y a la vez película en dos partes, que nos covence de que un buen producto no nace para una u otra pantalla... Tras unos años de transición en el mercado estadounidense, en el que triunfaban las comedias tipo Cheers o Luz de Luna, el camino parecía abierto para los grandes éxitos que serían series como Friends o Frazier, mientras la televisión de pago HBO comenzaba a revolucionar el concepto de serie de televisión, cambiando definitivamente el formato. Gracias a HBO pudimos ver miniseries como De la tierra a la luna, la crónica épica de la carrera espacial o Hermanos de sangre, rodada a la estela de Salvar al soldado Ryan e igualmente impactante en el espectador. Pero también series en toda regla extendidas a lo largo de varias temporadas, como A dos metros bajo tierra, humor negro para hablar de cosas muy serias, Sexo en Nueva York, lujo y frivolidad para mujeres sofisticadas, Deadwood, el western más sucio que haya visto jamás la pantalla, grande o pequeña, Roma una ejemplar incursión en la historia antigua de plena actualidad, o las inmensas "Los soprano" o The Wire, todas ellas distintas, todas ellas ejemplares por su enorme calidad... Al hilo de esa nueva forma de hacer televisión, surgen otras series de la competencia que se benefician de esa nueva forma de hacer... entre otras Urgencias, gracias a la cual el mundo disfruta hoy del talento de George Clooney, El ala oeste de la casa blanca brillante incursión en los entresijos del poder norteamericano surgida del talento de Aaron Sorkin, o series de pura acción como Alias, de JJ Abrams, cuyo capítulo piloto, La verdad sea dicha, emitido sin interrupciones publicitarias, batió records de audiencia en la televisión americana. Abrams, nuevo niño prodigio americano, dio el salto a la gran pantalla tras el éxito de Perdidos con la adaptación de Star Trek o Misión imposible. 24, con su acción en tiempo real, su pantalla partida, y el mundo al borde de lo peor, siempre durante un día entero... En los últimos 50 años el cine ha cambiado, si, pero la televisión también... Si las salas desaparecen, la televisión, tal y como la hemos conocido, parece tener los días contados. El DVD y el cine en casa, la televisión de pago, la alta definición, y sobre todo, Internet, el visionado en “streaming” invitan a pensar en un futuro en el que probablemente el espectador sea menos esclavo de la voluntad de exhibidores, distribuidores, programadores o anunciantes. Otra cosa es que estos asuman que su papel ya no será el que fue, y que el protagonismo, presumiblemente sin intermediarios, será definitivamente para el espectador, y sobre todo, muy especialmente, para aquellos que sigan poniendo su talento al servicio de algo tan noble y sencillo como es hacernos soñar y entrenarnos durante un rato. CineGaceta 63


LOS ACOR UNA IM COMPOSITORE HABLAN SOBRE E

BANDAS Por LIDIA SANTIAGO Y NEREA SIRERA

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ORDES DE IMAGEN RES Y DIRECTORES E EL ARTE DE CREAR AS

SONORAS CineGaceta 65


Roque Baños Nacido en Jumilla, Murcia, en el año 1968, realiza sus primeros estudios de saxofón en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad. Completa sus estudios en el Real Conservatorio de Música de Madrid. En 1998 recibe su primer encargo como compositor de Bandas Sonoras con la película Carreteras Secundarias de Emilio Martínez-Lázaro y ha trabajado con directores de primera linea como Alex de la Iglesia, Carlos Saura o Brad Anderson, entre otros. Ha sido premiado con 3 Goyas y 1 Toulouse Cinespaña, y ha sido nominado a 7 Goyas, Ariel mexicanos, y nominaciones a los Premios de la Música.

David Prats Nacido en Mahón, Menorca, en el año 1982, realiza sus estudios de piano en el Conservatori Professional de Música de Menorca y de composición en el Conservatori Superior de Música de les Illes Balears. En 2003 recibe su primer encargo como compositor para la imagen con el documental de naturaleza para la productora Paleârtica, dirigida por Toni Escandell. Y en 2008 compuso la banda sonora íntegra para el primer largometraje de Marc Genestar, donde se dio a conocer y recibió diversas ofertas para componer cortometrajes y documentales. Actualmente, compone para la productora alicantina Dark Times. 66 CineGaceta

El silencio reinante en el negro y frío espacio estelar se ve interrumpido por la obra musical de Richard Strauss, Así habló Zarathustra. Es en ese instante de gran belleza visual cuando el feto, más conocido como el “niño estrella”, y convertido por Stanley Kubrick en una alegoría de la evolución del ser humano, cierra uno de los finales más controvertidos de la historia del cine. Años después, un cisne negro creado por el director Darren Aronofsky, danza ligero y bello en el cuerpo de Natalie Portman. La melodía del compositor Clint Mansell nos transporta a un mundo de emociones contradictorias de odio, amor, rabia y ternura con cada nota, y eleva a la bailarina cerca del cielo, justo antes de caer al abismo más absoluto. Ni Odisea en el espacio ni Cisne Negro podrían haberse convertido en obras maestras sin sus bandas sonoras. Como tampoco podían haberlo hecho clásicos como Vértigo, de Alfred Hitchcock o éxitos más recientes como The artist, de Michel Hazanavicius, en las que la melodía es la que da verdadero sentido a la imagen. Ningún cortometraje ni largometraje se concibe ya sin un acompañamiento musical que refuerce lo que se quiere contar con fotogramas. De hecho, muchos profesionales del cine opinan que una brillante o pésima banda sonora puede determinar el éxito de cualquier obra cinematográfica. Roque Baños, reconocido compositor que ha puesto melodías a películas como Balada triste de trompeta, Las 13 rosas o La Montaña rusa, opina que un film sin música carece de una segunda línea argumental, “sin esa voz de la conciencia que nos diga, sin que seamos conscientes de ello, cómo debemos sentirnos”. “La música es emoción pura”, añade. “En la soledad del proceso de composición, sentado a mi piano, me meto en el alma de los personajes. De esta forma, poniéndome en la piel del otro, sé de qué manera debo emplearla para reflejar aquel sentimiento o emoción, sea cual sea, que se deba matizar”, expresa el compositor. Otros como Maxi Velloso, director y compositor argentino, piensan, sin embargo, que a las bandas sonoras en el cine se les da más importancia de la que se debe, “porque una buena BSO es la que no notas que está ahí”. Sobre cómo componer no existe ningún manual al uso que pueda seguirse, pero lo que sí es cierto es que las técnicas e instrumentos han ido cambiando a lo largo del tiempo. Fue en el cine mudo cuando empezaron a utilizarse bandas de música en directo, que tocaban a la vez que se proyectaba la cinta para acompañar a las imágenes, aunque en ese momento su única función era la de paliar el ruido que producían las bobinas de las cintas. Pero no fue hasta 1908 cuando surge la primera banda sonora original de la Historia del cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinadas escenas de una película. Con el paso del tiempo la música ha adquirido una simbología propia dentro del género cinematográfico e incluso el propio espectador es capaz de relacionar fácilmente el sonido de un instrumento concreto con la emoción que éste pretende provocar. Así, es frecuente relacionar el estruendo de la percusión con escenas de guerra y acción o un leve sonido de violines con la evocación de sentimientos de amor o melancolía.

Roque Baños: “La música es como el aroma, que inmediatamente te transporta a otro momento a otra época. Ambos están directamente ligados al recuerdo”


“Maxi Velloso: a las bandas sonoras en el cine se les da más importancia de la que se debe porque una BSO realmente buena es la que no notas que está ahí”.

El silencio reinante en el negro y frío espacio estelar se ve interrumpido por la obra musical de Richard Strauss, Así habló Zarathustra. Es en ese instante de gran belleza visual cuando el feto, más conocido como el “niño estrella”, y convertido por Stanley Kubrick en una alegoría de la evolución del ser humano, cierra uno de los finales más controvertidos de la historia del cine. Años después, un cisne negro creado por el director Darren Aronofsky, danza ligero y bello en el cuerpo de Natalie Portman. La melodía del compositor Clint Mansell nos transporta a un mundo de emociones contradictorias de odio, amor, rabia y ternura con cada nota, y eleva a la bailarina cerca del cielo, justo antes de caer al abismo más absoluto. Ni Odisea en el espacio ni Cisne Negro podrían haberse convertido en obras maestras sin sus bandas sonoras. Como tampoco podían haberlo hecho clásicos como Vértigo, de Alfred Hitchcock o éxitos más recientes como The artist, de Michel Hazanavicius, en las que la melodía es la que da verdadero sentido a la imagen. Ningún cortometraje ni largometraje se concibe ya sin un acompañamiento musical que refuerce lo que se quiere contar con fotogramas. De hecho, muchos profesionales del cine opinan que una brillante o pésima banda sonora puede determinar el éxito de cualquier obra cinematográfica. Roque Baños, reconocido compositor que ha puesto melodías a películas como Balada triste de trompeta, Las 13 rosas o La Montaña rusa, opina que un film sin música carece de una segunda línea argumental, “sin esa voz de la conciencia que nos diga, sin que seamos conscientes de ello, cómo debemos sentirnos”. “La música es emoción pura”, añade. “En la soledad del proceso de composición, sentado a mi piano, me meto en el alma de los personajes. De esta forma, poniéndome en la piel del otro, sé de qué manera debo emplearla para reflejar aquel sentimiento o emoción, sea cual sea, que se deba matizar”, expresa el compositor. Otros como Maxi Velloso, director y compositor argentino, piensan, sin embargo, que a las bandas sonoras en el cine se les da más importancia de la que se debe, “porque una buena BSO es la que no notas que está ahí”. Sobre cómo componer no existe ningún manual al uso que pueda seguirse, pero lo que sí es cierto es que las técnicas e instrumentos han ido cambiando a lo largo del tiempo. Fue en el cine mudo cuando empezaron a utilizarse bandas de música en directo, que tocaban a la vez que se proyectaba la cinta para acompañar a las imágenes, aunque en ese momento su única función era la de paliar el ruido que producían las bobinas de las cintas. Pero no fue hasta 1908 cuando surge la primera banda sonora original de la Historia del cine, concebida especialmente para reforzar la expresividad de determinadas escenas de una película. Con el paso del tiempo la música ha adquirido una simbología propia dentro del género cinematográfico e incluso el propio espectador es capaz de relacionar fácilmente el sonido de un instrumento concreto con la emoción que éste pretende provocar. Así, es frecuente relacionar el estruendo de la percusión con escenas de guerra y acción o un leve sonido de violines con la evocación de sentimientos de amor o melancolía.

Vizen G. Hernández Nacido en Sant Jaume dels Domenys, Tarragona, en el año 1966. Se especializa y obtiene el título de técnico en imagen y sonido por el Instituto Politécnico de Cataluña. Además, ha realizado diferentes cursos cinematográficos, audiovisuales y teatrales. De 1987 a 1993 se centra en la escenografía del teatro. Dentro del mundo audiovisual ha dirigido, montado y grabado diferentes cortometrajes y reportajes. Hasta 2010 se ha dedicado a la decoración y el vestuario para empresas como Forage, Liwe España, Amalgama Decoración e IDA Alicante. En verano de 2010 comienza a poner en marcha la productora Dark Times VISUAL.

Maxi Velloso Nacido en Rosario, Argentina, en el año 1970. Tiene el título de técnico en publicidad y diseño. Sus dos grandes pasiones son la música y el cine. Desarrolla casi todas las facetas cinematográficas: director, fotógrafo, actor, producctor, compositor musical, etcétera. Los temas que más suele tratar en los cortos que dirige se centran en lo esóterico y lo paranormal, la ciencia ficción y la explotación infantil. Entre su filmografía destaca El albergue de los espectros, La vieja, 21MM392,y su último corto Intercambio. Actualmente, realiza un programa de radio dedicado a la industria cinematográfica en Artegalia Radio. CineGaceta 67


Bandas sonoras clásicas de cine

Clint Mansell pone música a esta película de Darren Aronofsky, cuya Banda Sonora tiene como principal ambición hace sentir al espectador toda la fuerza y la magia del ballet de El Lago de los Cisnes.. Con piezas como A Swan Is Born o Perfection, el compositor plasma a la perfección el dramatismo de las escenas encarnadas por la angelical y grácil Natalie Portman.

Hitchcock quiso que Bernard Herrmann fuera el motor esencial de esta película y que su música marcara las pautas, los puntos de inflexión y los momentos cumbres del argumento. Musicalmente, el tema principal es la obsesión, pero también la pasión. De una manera perfecta, y mediante melodías que provocan amor, misterio y, sobre todo, una profunda tristeza, el compositor crea una de las bandas sonoras más importantes de la historia del cine.

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La BSO de 2001: Odisea en el espacio es una de las más importantes y revolucionarias de la historia del cine. Tras rechazar la partitura que le ofreció Alex Noth, Stanley Kubrick decidió utilizar música clásica para acompañar sus imágenes, en las que la máquina, el hombre y el espacio confluyen de forma única. Así habló Zatatrustha y El Danubio azul son las piezas más representativas.

The artist: En The artist, la música es un elemento fundamental del film. Como película del cine mudo del siglo XXI, la melodía debe contar con acordes lo que no se puede narrar con diálogos. Ganadora de un Óscar, la banda sonora de Hazanavicius crece en los momentos de tensión, tintinea en los cómicos y suena armoniosa en las escenas más emotivas.

La banda sonora de Gladiator es de una gran complejidad sonora. Debido a que la película se desarrolla en escenarios tan opuestos como Roma y África, la música debe mostrar registros muy distintos adaptados a estos lugares y a sus personajes. La pasión y furia de las batallas también se reflejan a la perfección en esta obra épica de Hans Zimmer, que convierte a esta BSO en una armonía singular e inimitable.

Yann Tiersen compuso la famosa Banda Sonora de Amelie. Ganadora de un César otorgado por la Academia de cine francesa, la música de esta película destaca por su alegría y colorido. El tema principal es La valse d'Amélie, una melodía acompasada que se ha convertido en el símbolo del film, y que puede reflejar diferentes estados de ánimo del personaje según el instrumento con el que se toque.


La esencia del séptimo arte La música es una parte fundamental del cine. A veces, una excelente banda sonora hace de una buena película una obra maestra. Es, sin duda, una de las herramientas más importantes del séptimo arte. Una adecuada banda sonora puede hacer que el espectador se mantenga en tensión durante toda la película, o que se emocione como nunca antes lo había hecho... Son muchos los cineastas que entienden a la perfección la estrecha relación que mantienen la música y el cine. Muchos lo intentan, pero no todos lo consiguen. Pocos directores logran que la banda sonora se convierta en una parte indispensable de la película. Quentin Tarantino es uno de esos privilegiados. Kill Bill y Pulp Fiction son dos claros ejemplos del enorme papel que juega la música en las obras de Tarantino. Este cineasta tan especial y diferente suele utilizar clásicos de los sesenta y setenta en sus películas. Desde el rockabilly hasta el funky o el r&b más puro. Estas canciones olvidadas son recuperadas por el aclamado director para adornar algunas de las escenas más significativas de sus películas. Por ejemplo, ¿quién no recuerda el baile de Uma Thurman y John Travolta al son de la famosa You Can Never Tell de Chuck Berry? Sin embargo, no se puede hablar de música de cine sin mencionar a Hans Zimmer. Este compositor alemán ha creado algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. El rey león, Gladiator, El último samurái, Piratas del Caribe, Origen o El caballero oscuro son sólo algunas de las numerosas películas en las que ha colaborado Zimmer. De hecho, han sido numerosas las ocasiones en las que el compositor ha estado nominado a los Oscar y a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Banda Sonora. Son muchos los directores que trabajan siempre que pueden con Zimmer. El reconocido Christopher Nolan, director de éxitos como Origen o las últimas adaptaciones del caballero oscuro cuenta con él siempre que puede. De hecho, la banda sonora de la película protagonizada por Leonardo DiCaprio estuvo nominada en los premios Oscar, los Globos de Oro y los BAFTA. Además, en el tráiler de La leyenda del caballero oscuro renace, la última película del famoso superhéroe, se puede apreciar la importancia de la banda sonora. El excelente trabajo de Zimmer logra que el espectador sienta ese “épico final” que Nolan pretende darle a la exitosa trilogía protagonizada por Christian Bale. Pero si hablamos de parejas de cine, no podemos olvidarnos de la formada por Tim Burton y Danny Elfman. El icono del cine gótico encuentra su expresividad musical en la figura clave de Elfman. Por esa razón, cuenta con su colaboración en casi todas sus obras. Y, al igual que Zimmer, consigue adaptarse perfectamente al estilo gótico y fantástico de Burton. A excepción de Ed Wood y Sweeney Todd, es difícil encontrar una película de Tim Burton sin la música de Elfman. Juntos forman una de las colaboraciones más largas y fructíferas de la historia del cine. Considerando, según la crítica, la banda sonora de Pesadilla antes de Navidad como uno de los éxitos más reconocidos de su carrera, ha logrado crear fantásticas atmósferas para películas tan diferentes y peculiares como Eduardo Manostijeras, Mars Attack! o El planeta de los simios. Además, es el creador del tema principal de una de las series más aclamadas de la historia de la televisión: The Simpsons. Ellos son, en parte, culpables de que llores, rías, enfurezcas, desesperes e incluso sufras viendo una película. ¿Qué sería del cine sin su acompañamiento musical? ¿Qué sería de Gladiator sin esa banda sonora que consigue erizar la piel de todo aquel que la ve? ¿Y de Reservoir Dogs sin esa espectacular escena de inicio con Quentin Tarantino, Tim Roth, Michael Madsen, Harvey Keitel, Steve Buscemi y Edward Bunker con Little Green Bag de fondo?

Por Ana Esclapez y Borja Antón

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70 CineGaceta Por ANA ESCLAPEZ y BORJA ANTÓN

Doblaje


La voz es una herramienta imprescindible en el trabajo de un actor. Gracias al tono adecuado, se pueden aportar detalles a un personaje, y con un acento, es posible dotar de credibilidad y veracidad a la historia. En El Resplandor, Jack Nicholson helaba la sangre del espectador con cada vez que profería el famoso “¡Aquí está Jack!”, mientras que Shelley Duvall estremecía al público con cada grito de pavor. No obstante, las interpretaciones varían en función del lugar en el que se proyectara el film. En el doblaje español, Joaquín Hijonosa restaba fuerza y nervio a la caracterización del actor, y Verónica Forqué convertía a Duvall en un personaje irritante, con un timbre de voz estridente.

A partir de ahí, se plantean varias cuestiones: ¿Versión original o doblada? ¿Se pierden matices en las películas sin sus voces originales? ¿Mejora el doblaje la calidad de una cinta? ¿Se debería promover más las proyecciones de cine en versión original? El debate está servido.

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Los detractores del doblaje aseguran que, cuando se utilizan voces distintas a las originales, la calidad se diluye, tanto en la interpretación de los actores como en la propia historia. Así lo confirma un 67% de usuarios de Cinempatía, web que vierte todo tipo de información cinematográfica. Pero los expertos en la materia opinan lo contrario. Chema Bazán, director de la Escuela de Doblaje de Alicante, defiende que no se trata sólo de traducir un filme de un idioma a otro diferente, sino “de hacer una adaptación de la película al país al que se exporta”. “Es necesario adaptarse a la cultura autóctona”, explica. En contraposición, Beatriz Maldivia, redactora de la web BlogDeCine, discrepa, y afirma que las traducciones para los doblajes suelen ser “muy malas”. “En general, las expresiones no se traducen con el sentido que le ha querido dar el guionista, o bien se traducen literalmente o se utiliza una frase que en España no usamos para expresarnos”, argumenta. Tampoco hay que olvidar el respeto por la nacionalidad y cultura de la película sobre la que se trabaja. Maldivia manifiesta su descontento sobre el trato que se da a este aspecto, pues muchas veces se desconoce la referencia cultural. “Para saber traducir no sólo hay que saber el idioma, sino que también hay que tener un poco de cultura del país de procedencia del texto original”, razona. En ese sentido, José Fernández, alumno de la Escuela, reconoce que existen series y películas que son “muy difíciles de adaptar y doblar al castellano”, y, en ocasiones, prefieren “la original a la doblada”. “Pienso que las dos versiones no son incompatibles”, explica Fernández. Sin embargo, un buen doblaje puede mejorar la voz original. Así lo afirma Bazán, que defiende el trabajo de estos profesionales: “Cuando planificas el doblaje de una película, se mejora a un actor adjudicándole una voz que concuerde con su aspecto físico o con su personaje”. Bruce Willis, Patrick Dempsey o Sarah Jessica Parker son algunos de los ejemplos que el director de la Escuela utiliza para fortalecer su teoría. La versión original, enmudecida Actualmente, los cines de versión original son un bien en peligro de extinción. Los españoles pasan 360 minutos en el cine, y sólo el 0,19% de ese tiempo lo hace en salas de estas características, según elpaís.com. A la hora de potenciar la versión original, Chema Bazán se muestra contundente, y sostiene que no es “necesario”. “La versión original está ahí, si te esperas dos meses la película está en DVD y la puedes ver en el idioma que te dé la gana”, sentencia. En línea con esta tendencia, Carmen Rubio, alumna del centro, se decanta también por la versión doblada, especialmente, desde que se fija “en el trabajo que conlleva”. Alfonso Laguna, actor de doblaje y profesor ocasional de la Escuela en Alicante, se declara indiferente con respecto al tema. Laguna afirma que el público español “tiene cariño al doblaje”, y eso se debe a que abuelos y padres están acostumbrados “a ver cine doblado”. “El doblaje es algo que está muy arraigado en el cine español, de exhibición y en la televisión”, añade. En el bando contrario, se sitúa Gerardo Sánchez, director de Días de Cine. Según el periodista, “el doblaje es un despropósito”, pero su “educación sentimental de las películas” obedece a ese “recuerdo”, que le resulta “agradable”. Aunque añade que,

Chema Bazán: “Cuando planificas el doblaje de una película se mejora a un actor adjudicándole una voz que concuerde con su aspecto físico o con su personaje”

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“objetivamente”, se doblaba mejor antes que ahora. “Existe más raccord de textura sonora en las películas actuales”, insiste. Aún así, las escuelas de doblaje tampoco se sitúan en su mejor momento. Según la versión digital del diario Levante, ocho de los catorce estudios de doblaje que existían hace dos años han cerrado y sólo cuatro continúan homologados para trabajar para RTVV Patronal. Esto supone el desmoronamiento de un sector que lleva en activo desde hace 20 años. Como se ha comprobado, la industria se encuentra al borde del abismo en la mayor parte del sector. Pedro Pérez, director de la FAPAE, certifica la caída de la taquilla en un 16% con respecto al año pasado y anuncia que se pondrán en marcha 33 rodajes frente a los 63 que se anunciaron en el mismo periodo de 2011, suponiendo un 47,6% menos. Todos ellos resultan datos poco alentadores, pero la crisis siempre ha ido de la mano de la cultura. La convivencia de ambas es un hecho habitual, no puntual.

1. Una de las alumnas de la escuela se prepara para doblar una escena 2. La clase observa la versión original para poder realizar una buena adap tación al castellano 3. Alfonso Laguna, actor de doblaje, explica a los asis tentes las técnicas necesarias para lograr adecuar la voz al personaje 4. El compañerismo y buen ambiente reina entre los miembros de la escuela

Fotos: CineGaceta

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El doblaje: Voces en la sombra El doblaje español es uno de los más antiguos de Europa. Años y años de práctica y el hecho de contar con actores de doblaje con un gran bagaje profesional y mucha técnica, hacen de esta labor un arte. Quizás sea por esta razón por lo que también es considerado uno de los mejores del mundo. Pese a la importancia que tiene su trabajo en cualquier producción cinematográfica, no suelen ser reconocidos como actores, y normalmente permanecen en la sombra. Al fin y al cabo, Leonardo DiCaprio fue el que puso su imagen y voz en la película Shuttler Island, pero fue Luis Posada quien le dio personalidad en la versión española. Lo mismo sucede con Forrest Gump y Jordi Brau, cuya voz se ha convertido en todo un referente de la historia del cine gracias a frases como “la vida es una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar”. Ningún español es capaz ya de reconocer a este personaje sin Brau, lo que demuestra que el actor de doblaje es mucho más imprescindible de lo que se le considera. La cosa cambia si el personaje es doblado por una celebridad. Es el caso de muchos films de animación, en los que actores o humoristas reconocidos como Anabel Alonso cen su papel de Dori en Buscando a Nemo, Antonio Banderas como el gato con botas de Shrek o Florentino Fernández interpretando al oso Po en Kung Fu Panda. Todos ellos sí que tienen la oportunidad de aparecer en los créditos y en los medios de comunicación durante la promoción de la película. El resto, sin embargo, se quedan en el anonimato, al menos para todo aquel que no sea cinéfilo o amante del doblaje. Pero, como en todo, también existe una parte negativa de esta práctica. Y es que, también hay aspectos particulares del doblaje que pueden estropear un buen personaje. El ejemplo más claro lo tenemos con Javier Bardem en Come, reza, ama, donde interpreta a un portugués. No dudamos de la interpretación de Bardem en la versión original, pero, desde luego, en la española, el actor que lo dobla deja mucho que desear. Con un acento muy artificial, el personaje pierde toda la credibilidad. En la televisión, como en el cine, también tenemos ejemplos desastrosos de voces imitadas con acentos nada creíbles. Destaca el caso de Sofía Vergara en la serie americana de humor Modern Family, cuyo registro colombiano convendría, como mínimo, revisar, ya que parece más un español riéndose de un acento que un nativo de Colombia. En estas situaciones se debería contemplar la posibilidad de que fueran ellos mismos quienes se doblaran. Es evidente que no todos tendrían la habilidad suficiente para hacerlo, pero actores como Antonio Banderas, que ya está prácticamente consolidado como doblador, estarían perfectamente capacitados para interpretarse a sí mismos. La otra opción pasaría por realizar castings para seleccionar a aquellos actores de doblaje que mejor sepan adaptarse al acento correspondiente. Sin embargo, de lo que más se quejan los seguidores de las series es de los cambios de voces de los personajes de una temporada a otra, algunos más justificados que otros. Claro ejemplo de ello es Ron en Harry Potter, cuyo cambio de doblaje puede ser causa del crecimiento y cambio de voz del propio actor, al que, de igual manera, podían haber buscado un registro más parecido al anterior. Pero mucho peor es el caso de Sarah Jessica Parker en su papel de Carrie en Sexo en Nueva York, quien, de un capítulo a otro, cambió de voz como de zapatos. Quizá, y para evitar molestias al espectador, sería conveniente que un mismo actor de doblaje tuviera asignado a un sólo personaje. Morgan Freeman y Pepe Mediavilla son la imagen de ello, pues pocos españoles imaginan al uno sin el otro. En contraste, encontramos a Ricardo Solans, que se asocia a actores como Al Pacino, Robert de Niro, Stallone o Dustin Hoffman o al conocido Constantino Romero, quien ha doblado voces como la de Clint Eastwood, Roger Moore, Michael Kaine o Arnold Schwarzenegger.

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Estar escuchando a Al Pacino y recordar a Robert de Niro resta la magia al personaje e incluso puede acabar con la personalidad propia que le ha dado el director de la película. Últimamente, y a medida que el dominio del inglés crece en nuestro país, parece que han aumentado los detractores del doblaje. Muchos incluso prefieren acudir a los cines que proyectan películas en versión original para poder disfrutar de las voces propias de sus actores favoritos. Sin embargo, esto todavía sigue siendo tarea difícil, ya que no todos los cines ofrecen esta posibilidad. Además, el 80% de los productos audiovisuales de España son doblados, en contraste con países como Holanda o Suecia, donde escasea el doblaje. Sea como fuere, en España, tanto la gente de mediana edad, que siguió las películas del oeste de Clint Eastwood con la voz de Constantino Romero, como los jóvenes nacidos en los noventa que crecimos con el doblaje latino de las clásicos Disney, seguiremos teniendo en nuestra mente aquellas voces que nos han acompañado a lo largo del tiempo.

Pese a la importancia que tiene su trabajo en cualquier producción cinematográfica, (no suelen ser reconocidos como actores, y normalmente permanecen en la sombra

Por Nerea Sirera y Lidia Santiago


El doblaje en el cine: Un dilema con 71 años La opinión del experto Era el año 1941. Acababa de terminar la Guerra Civil. Y Francisco Franco no quería que la recién reconquistada paz se le descompusiese en las salas de cine. Por eso, bajo el falso propósito de defender las esencias patrias, el caudillo ferrolano ordenó que todas las películas que llegasen a nuestras pantallas se doblasen al español. Era una burda forma de censura copiada de la idea de otro conocido dictador europeo, Benito Mussolini, que unos años antes había instaurado como obligatorio el doblaje de las películas extranjeras en Italia. El doblaje, ese invento que Franco importó a España desde el país transalpino, sigue vivo 71 años después. Ya no es, claro, una forma de censura, sino que se ha convertido en la forma de la que nos hemos dotado en España de ver el cine de fuera de nuestras fronteras. Un negocio, si miramos las cifras que aporta el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA): 30.000 personas viven de esta actividad en España, entre actores, traductores y técnicos, y mueve, tirando por lo bajo, 300 millones de euros al año. Lo dicho, un negocio. Y con mayúsculas. Eliminar el doblaje en el cine por decreto, como se atrevió a apuntar el anterior Ministro de Educación, Ángel Gabilondo, supondría, de momento, pulirse esos 30.000 empleos y dejar de mover esos 300 millones de euros anuales. Pero también provocaría otro efecto aún más pernicioso. Según calcula la Federación de Exhibidores de Cine (FECE), que aglutina a la mayoría de las grandes cadenas, las salas perderían, de golpe y porrazo, el 35 por ciento de su actual clientela. Un batacazo que abocaría a muchas al cierre. En contra de lo que podría pensarse al calor de esta cifra, los exhibidores no son los más vehementes a la hora de defender el doblaje. Lo son los actores de doblaje y las empresas españolas dedicadas a la sonorización de películas, que están entre las mejores del mundo. Los primeros se encuentran ante una curiosa tesitura. Reconocen que el doblaje perfecto es aquel que se nota lo menos posible y el que resulta absolutamente fiel al original, pero también reivindican su condición de verdaderos actores capaces de crear con tu tono y su timbre un auténtico personaje. Una pescadilla que se muerde la cola. La petición del ministro Gabilondo, en octubre de 2011, para que progresivamente se fuesen dejando de doblar las películas, especialmente de las estadounidenses, tenía una razón de peso: los problemas que tenemos los españoles con los idiomas extranjeros, especialmente con el inglés, la actual ‘lingua franca’ en todo el mundo. Gabilondo aportaba datos. En Portugal, donde el doblaje está prohibido desde los años 40, el nivel de inglés es bastante superior al de España. Y mayor aún es el nivel de los ciudadanos de los países nórdicos o de las antiguas repúblicas yugoslavas, donde no se dobla ninguna película. En el otro extremo, en el furgón de los países con más dificultades para el inglés, está Italia, el otro país, junto con España, donde las películas en versión original son difíciles de encontrar. .Al conocer las intenciones del ministro, el actual presidente de la Academia del Cine, Enrique González Macho, propietario de las salas de cine Renoir y de la productora Alta Films, bramó: “La responsabilidad de mejorar el nivel educativo de los españoles es de las escuelas y las autoridades, no de los cines”. Y zanjó el tema, aun reconociendo que el doblaje desaparecerá tarde o temprano. Entonces, ¿qué hacer? ¿Cuál es la decisión correcta? ¿Dejar de doblar las películas en inglés para que, supuestamente, mejore el nivel de los españoles en la lengua de Shakespeare o de Sarah Jessica Parker? ¿O seguir doblándolas para no cargarnos un negocio muy boyante que da empleo a 30.000 profesionales? La solución, como suele ocurrir casi siempre, estará en el justo medio: empezar a eliminar de forma progresiva el doblaje, dejando que el público pueda elegir entre la versión original y la doblada, y dejarle tiempo para que se acostumbre. Total, si en 71 años nos hemos acostumbrado al cine doblado, no creo que tardemos otros tantos en acostumbrarnos a verlo en versión original. Y nuestro inglés nos lo agradecerá. Sin duda.

Juan José Esteban No se considera un “súper especialista” en cine, pero sí un “ex perto y currado en muchas áreas”. Juan José Esteban (1968, Ma drid ) empezó trabajando en información local de Madrid en el periódico El Sol. Ha pasado por revistas sectoriales de todo tipo y ha terminado dedicándose al mundo de la pequeña y gran pan talla. A raíz de trabajar en esta esfera, surgió su trabajo más im portante hasta el momento: PANTALLA SEMANAL fue la primera publicación en la que comenzó a introducirse en el mundo del séptimo arte, y la primera revista española dedicada íntegramente al cine y la televisión, derribando la barrera entre un campo y otro. Desde 2011, es el director editorial de Hoy Cinema, portal dedicado a la información de esas dos especialidades, cuyo “re ferente” más directo es la americana Entertainment Weekly. Por tanto, se podría considerar a Juan José Esteban como un especia lista en la creación y desarrollo de productos periodísticos, y un innovador en el terreno de los suplementos.

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“ Para llegar a cumplir tu sueño, a veces tienes que pasar por una etapa muy oscura”

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N%*/"=)2*(&%(-*/&' '"-I&'*'-*1"#./-% Por LIDIA SANTIAGO Y NEREA SIRERA

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Un claro ejemplo de que luchando se pueden hacer los sueños realidad lo presentan los integrantes de la productora alicantina Dark Times Visual. Vizen G. Hernández, director de cine, Akiria Moon, directora de cine y David Prats, compositor musical, forman este equipo. Todo comenzó, comenta Vizen G., cuando puso en marcha un proyecto llamado El Bosque Oscuro. En las pruebas fotográficas coincidió con Akiria y al mostrarle la propuesta se dieron cuenta de que tenían escritas historias muy similares. “Nos pusimos a trabajar y el día que íbamos a realizar las fotos, por las prisas, Akiria, tuvo un accidente de tráfico que le obligó a estar tres meses en cama. Y en esos meses es donde realmente nació Dark Times”, comenta el director. En cuanto al origen del nombre, Akiria explica su significado. “No es porque sea siniestro si no porque a lo largo de los meses en los que estuve en cama nos dimos cuenta de que para llegar a tu sueño a veces has tenido que pasar por una etapa muy oscura”, argumenta. Cuando aparece la oscuridad en el camino se deben tomar dos caminos, o tirar la toalla, como hizo Vizen o seguir luchando hasta ver la claridad, camino que tomó Akiria. “Somos personas con edades muy distintas. Cuando se me cerraron las puertas, mi carrera profesional fue por otro lado y lo he retomado ahora y ella no lo ha hecho. Sin embargo, los dos ahora mismo estamos trabajando en lo que queremos, en lo que soñamos, contando historias, pero ha habido un periodo al que nosotros llamamos oscuro que es de silencio por no haber proyectado o peleado por aquello que queríamos”, explica Vizen. Una vez puesto en marcha el proyecto, para el cortometraje Senderos, precisaban de un compositor para la banda sonora. Al anuncio se presentó David Prats. “Vizen contó conmigo para hacer la banda sonora y tuve la suerte de que al enseñarle el tema le encantó y a partir de ahí la música funcionó completamente”, dice el compositor. Vizen quedó tan contento con su trabajo que pasó a ser uno más en la pequeña productora. Trayectoria profesional En tan solo un año desde la aparición de la productora han llevado a cabo diversos cortometrajes y, actualmente están en el proyecto de un largometraje. Entre la filmografía destaca Cruce de miradas, una historia desarrollada por Akiria a partir de un caso real. “El hecho de un cruce de miradas inicial en un paso de cebra y encontrarme con la misma persona en tres calles con direcciones totalmente opuestas fue real. Una piensa si me lo estoy encontrando tantas veces, la situación me está obligando a que haga algo. No lo hice, pero de ahí saqué la historia”, cuenta la directora. Este trabajo forma parte de un ciclo de tres cortometrajes formado por Senderos, Cruce de Miradas y Días Grises. Para Vizen “el cortometraje no es algo comercial, es algo donde te presentas, trabajas, entramos en contacto todos los que tenemos algo que ver con los medios audiovisuales y a la vez nos conocemos”. El cortometraje puede ser como un punto de encuentro, pero “no tiene una carrera económica viable, todo son colaboraciones, todo es trabajar por querer contar historias, participar con amigos en otros proyectos y cuanto más te metes, más proyectos te salen para realizar”, añade el director. Fernando Montano, director de cine y creador de la Muestra de Cine de Alicante, ha colaborado desinteresadamente con la productora. Debido a su experiencia y trayectoria profesional, argumenta que la industria cinematográfica y la cultura en general está sufriendo muy de lleno la crisis por lo que los compañeros del mundillo del cine se están uniendo para realizar mejores trabajos a un bajo coste. “Se está creando poco a poco una especie de plataforma mediante la cual vamos a poder ayudarnos todos para crear juntos”, explica Montano.

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1. Los componentes de la productora junto al co laborador, Fernando Montano 2. Akiria se prepara para el rodaje de Cruce de Miradas Fotos: CineGaceta y cedidas por Dark Times

Vizen G. Hernández: “El cortometraje es algo donde te presentas, trabajas, entramos en contacto y a la vez nos conocemos todos los que tenemos algo que ver con los medios audiovisuales”. 2 78 CineGaceta


!"#$%&'()*+"#,*#-"./#0%'*1 Cruce de miradas

Volubles

Una historia que pretende que los espectadores piensen en si las casualidades existen y se repiten o que las cosas pasan porque tienen un significado que hay que descubrir. Cruce de miradas cuenta la historia de, simplemente, un ejemplo de esas casualidades que a veces son señales y que tienes que plantearte si cambiar el rumbo que estás siguiendo en ese momento o no.

Es su primer largometraje y nace a raíz de la etapa más intensa de la historia de Dark Times. Hasta la fecha, éste es el trabajo más adulto y ambicioso de la productora. En la historia aparecen tres personajes protagonistas, aunque en el desarrollo de la trama el resto de personajes comienzan a cobrar relevancia.

Días Grises

Senderos

Todos tenemos nuestros días grises, y esos días marcan el ritmo de nuestra vida. Días Grises es alegre pese a su título. Narra un conjunto de estos días entorno a un tema común. Trata la sensación de pérdida ante problemas irremediables de la vida y las maneras de sobreponerse a estas situaciones.

A lo largo de un estrecho sendero dos hermanas viajan hacia algún lugar. No se conocen los motivos de por qué están solas, ni dónde se dirigen. Son pequeñas, están cansadas, pocas son sus pertenencias, pero en sus manos portan su mayor tesoro; el recuerdo de un tiempo pasado no muy lejano donde sus vidas fueron distintas.

Samey

“El proyecto secreto”

Samey está concebida para ser una serie de tipo americano que asegura risas para todos. Con el guión preparado para realizar cuatro temporadas de la web serie, el rodaje comenzará en cuanto consigan la financiación necesaria. Dark Times anima a todos los seguidores para que colaboren como figurantes para su próximo trabajo.

Su próximo trabajo es todo un misterio. La productora quiere mantener el suspense de la trama hasta que esté acabado el trabajo. Será una historia totalmente diferente a lo que han hecho hasta el momento. Es una idea fantástica que nace a raíz de una vivencia, una vida y una serie de sentimientos ligados a la supervivencia diaria.

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Entrevista a

Daniel Brühl

“Me siento más cómodo trabajando en alemán que en español”

Y mucho más en el próximo número...


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