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Formation conventionnée AFDAS

L’acteur corporel Formateurs Eric Nesci

Pédagogue – Comédien Module 1 : Acrobatie dramatique / L’acteur acrobate Du 1 au 5 Octobre 2013

Estelle Bordaçarre Comédienne - Metteur en scène Module 2 : L’acteur mime Du 4 au 8 Novembre 2013

Alan Boone

Metteur en scène – Comédien – Chorégraphe - Auteur Module 3 : l’acteur burlesque Du 2 au 6 décembre 2013

Anna Rodriguez Danseuse - Formatrice Module 4 : L’acteur dansé Du 13 au 17 Janvier 2014

Cie Côté Cour

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Objectifs de la formation La mise en place du cycle «  l’acteur corporel  » part de la volonté d’amener les stagiaires vers une pédagogie de la création autour du corps et du mouvement : ce travail, au service de l’acteur, se veut une ouverture pour chaque participant vers sa propre écriture artistique.

Le corps est envisagé dans ce stage comme un vecteur d’interprétation : comment retrouver le mot dans le corps, comment trouver le corps dans les mots, le mot fait-il langage, comment dégager un travail poétique autour de ces deux axes trop souvent séparés dans notre histoire culturelle  ? Voilà autant de questions qui seront abordées au cours de ces semaines. Autour d’une proposition apportée par chaque stagiaire, que ce soit une production personnelle, un texte classique, une scène précise du répertoire, les participants seront amenés à interroger le lien qui existe entre texte et corps, entre écriture et mouvement. Comme dans l’ensemble des formations que nous proposons, le cursus est conçu avec les intervenants de façon à proposer des protocoles de travail et de recherche susceptibles d’être appropriés par chacun et réinjectés directement dans son propre travail de création ; c’est pour cette raison que nous insistons sur le fait que les participants soient accompagnés d’un matériau qui lui est propre et qui serve d’appui et de base de travail entre lui et les intervenants.

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Programme de la formation Module 1 : L’acteur acrobate Le corps humain est lié aux lois de la gravité qui le tirent vers le bas, la vie le pousse vers le haut, luttant contre ces lois mêmes. Les mouvements acrobatiques sont les mouvements de l’enfance : culbutes et cabrioles sont des fenêtres pour se libérer de la gravité. La souplesse, la force, l’équilibre, l’apesanteur, ces actions tracent dans le corps des circuits physiques dans lesquels s’inscrivent des émotions, des sentiments, états et passions. Tous les théâtres de grands niveaux de jeu placent le corps dans un espace de tension plus haut et plus grand que celui qui est le sien habituellement dans la vie, donnant naissance au style.

Module 2 : L’acteur mime Ce stage propose de découvrir et de développer les vocabulaires et les dimensions dramatiques possibles du mouvement sur lesquels s’appuyer en vue du jeu dramatique, mais aussi un langage scénique spécifique. Le parcours pédagogique s’appuie sur des fondements anatomiques et physiologiques du corps et du mouvement et chemine à travers les notions d’interprétation, de créativité jusqu’à la composition gestuelle et la dramaturgie. Conscience et maîtrise des fondamentaux : regard, respiration, tonicité, posture, marche humaine. Mise en jeu théâtrale des états de corps, berceaux du jeu. Mise en mouvement de ce jeu par rapport à l’espace, au temps et à la dynamique. Travail sur les principes majeurs du Mime corporel selon Etienne Decroux : articulation du mouvement, globalité/localité, chronologie/hiérarchie des lieux moteurs du mouvement... Découvertes des thèmes fondamentaux de recherche du Théâtre du Mouvement. De l’acteur-interprète vers l’acteur-auteur à travers le dialogue improvisationcomposition. Traversant des mises en jeu de conscience, de maîtrise technique spécifique, d’interprétation de fragments de répertoire, d’écriture et de composition corporelles, ce stage aide l’acteur à repérer ses tendances personnelles, à élargir son spectre de jeu scénique et en découvrant des voies de création inédites, à développer une inventivité renouvelée , dramatique et de mouvement.

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Module 3 : L’acteur burlesque C’est pour rire… ou pleurer… mais de rire. C’est pour sentir le bon rythme, le bon tempo, le bon temps. C’est pour être inventif. C’est pour être rigoureux et précis. ça s’appelle : burlesque ou slapstick. C’est fait de gags, contre-gags. ça repose sur un comique de l’absurde et de l’irrationnel.  C’est du nonsense. Nonsense… C’est Anglais et ça a beaucoup de sens. Le  nonsense  c’est,  selon G. K. Chesterton,  un des plus importants écrivains anglais du début du xxe siècle :  « de l’humour qui abandonne toute tentative de justification intellectuelle, et ne se moque pas simplement de l’incongruité de quelque hasard ou farce, comme un sous-produit de la vie réelle, mais l’extrait et l’apprécie pour le plaisir » paru dans The Spice of Life. « la folie pour la folie » ( in Défense du nonsense) tiré de The Defendant. Dans cet atelier, pour fabriquer gags, contregags, folie et nonsense à base de jeu physique, non verbal, en choeur, il faut amener son jogging, sa joie et sa bonne humeur !

Module 4 : L’acteur dansé Chaque geste se ressent de l’intérieur comme une force qui part du centre et se propage dans tous les muscles. Cette mécanique si complexe qu’est le mouvement est régie par cette pulsion qui tantôt le soumet à la pesanteur et tantôt l’y oppose. Il s’agit de bouger, non pas de façon mathématique, mais de suivre ses élans dans ce jeu d’oppositions entre la gravité et la légèreté, entre la terre et le ciel. De l’horizontale à la verticale, la colonne vertébrale s’est dressée pour établir dans notre corps le passage entre le haut et le bas. Bras et thorax à travers le coeur et la gorge (émotions). Bassin et jambes à travers les tripes et le sexe (sensations). Le diaphragme au milieu séparant les émotions des sensations. Bouger, se déplacer, imaginer... Toujours à partir de soi-même, de son vécu, de sa perception du monde, de ses propres émotions. « Chercher le langage du corps. Le corps qui parle » Anna Rodriguez propose une pratique corporelle en se concentrant sur l’énergie, l’espace et l’écoute. Une approche physique, pour parler avec tout le corps. A travers le mouvement, le nôtre, en prêtant juste de l’attention à ses manières… nous chercherons un corps simple, hors de tout jugement. Deux directions sont à prendre : l’une à travers la structure et l’habileté du corps, l’autre par l’intention du mouvement dansé, du corps pour développer un « savoir être » plutôt qu’un « savoir faire ».

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Informations pratiques Critères Profil professionnel des stagiaires : artistes du spectacle vivant dans un processus créatif et artistique. Pré-requis, expérience professionnelle : professionnels ayant un projet artistique autour du corps et du mouvement. La sélection se fait à partir du dossier / projet fourni par les candidats.

Modalités et inscription durEe horaires lieu contact inscrIption

4 Modules de 5 jours sur 35h soit un total de 140h 9h-12h30 / 13h30-17h Théâtre du Puy St Bonnet 02 41 58 54 20 ou anneso@compagniecotecour.fr Nous compléterons ensemble le dossier AFDAS. Celui -ci doit impérativement être retourné 3 semaines avant le début du stage. La selection se fait à partir du dossier / projet fourni par les candidats.

Possibilité de prise en charge par des organismes financeurs : AFDAS, CIF...

Compagnie Côté Cour 02 41 58 54 20 info@compagniecotecour.fr


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